Test Blu-ray / La Nuit du Loup-Garou, réalisé par Terence Fisher

LA NUIT DU LOUP-GAROU (The Curse of the Werewolf) réalisé par Terence Fisher, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 7 novembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs :  Oliver Reed, Clifford Evans, Yvonne Romain, Catherine Feller, Anthony Dawson, Josephine Llewellyn, Richard Wordsworth…

ScénarioAnthony Hinds, d’après le roman Le Loup-garou de Paris (The Werewolf of Paris) de Guy Endore

Photographie : Arthur Grant

Musique : Benjamin Frankel

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Espagne. XVIIIème siècle. Fils d’un mendiant emprisonné qui avait perdu son humanité et de la servante sourde et muette dont il a abusé, Leon est adopté par un vieux professeur, Alfredo Carido. Mais en grandissant, le jeune homme a de plus en plus de mal à refréner ses pulsions meurtrières, qui le poussent à commettre des atrocités, au point de se transformer les nuits de pleine lune…

Quand la bête pleure…

Suite aux succès « monstres » de leurs réadaptations de la créature de Frankenstein avec Frankenstein s’est échappé (1957) et La Revanche de Frankenstein (1958) réalisés par Terence Fisher, puis Dracula avec Le Cauchemar de Dracula (1958) et Les Maîtresses de Dracula (1960) également mis en scène par Terence Fisher, et enfin la Momie avec La Malédiction des pharaons (1959) mis en scène par, ah bah tiens Terence Fisher encore, la Hammer Films Production se réapproprie l’autre grand mythe des Studios Universal, à savoir le Loup-Garou. Et qui de mieux qu’un certain, comment s’appelle-t-il déjà, Terence Fisher pour ressusciter le lycanthrope ? Une fois de plus, cette résurrection est un miracle cinématographique et La Nuit du Loup-GarouThe Curse of the Werewolf est un autre chef d’oeuvre du réalisateur britannique.

En Espagne, au XVIIIe siècle, le cruel marquis Siniestro humilie un mendiant pendant son repas de noces et le fait jeter au cachot. Il y est rejoint des années plus tard par une servante sourde-muette, qui a eu le tort de repousser les avances du marquis. Rendu fou par la captivité, l’homme se jette sur la malheureuse et la viole. La jeune infirme parvient un jour à s’enfuir et meurt en donnant le jour à un fils, Leon, qui est adopté par un vieux professeur, don Alfredo Carido. De sa conception bestiale, Leon garde en lui une malédiction. L’enfant se transforme en loup-garou quand vient la pleine lune et égorge des chèvres. L’amour de ses beaux-parents parvient à retenir ses envies de sang. Des années après, Leon quitte le domicile familial pour gagner sa vie.

La Nuit du Loup-Garou est divisé en trois actes bien distincts. Les origines de Leon / L’émancipation de Leon / La damnation de Leon. Terence Fisher prend le temps d’installer les conditions sociales de l’Espagne du XVIIIe siècle. A l’origine, le scénario devait suivre le roman Le Loup-Garou de Paris de Guy Endore, mais suite à l’arrêt brutal de la production d’un film que devait mettre en scène James Carreras et qui devait se dérouler en Espagne sous l’Inquisition, le scénariste Anthony Hinds, fils de William Hinds, le fondateur de la Hammer films, est obligé de revoir entièrement sa copie afin d’ancrer le comeback du Loup-Garou au pays des pesetas. Ceci afin d’utiliser les décors déjà construits pour le film avorté de James Carreras, lui-même le fils d’Enrique Carreras, l’autre fondateur du studio. Si l’intrigue est déplacée, le propos reste le même et c’est encore une fois la preuve de tout le génie de la Hammer et de Terence Fisher puisque La Nuit du Loup-Garou est une fable sociale déguisée en film d’épouvante et fantastique, qui aurait pu tout aussi bien se dérouler dans l’Angleterre victorienne.

Leon est interprété par l’illustre Oliver Reed, que Terence Fisher venait de diriger dans Les Deux Visages du Docteur Jekyll. Le comédien porte magnifiquement la tragédie de son personnage, dont le destin était d’ores et déjà scellé par les conditions de sa venue au monde. Fruit d’un viol d’une servante sourde-muette, sa mère, interprétée par la pulpeuse Yvonne Romain, par un mendiant retombé à l’état sauvage à cause du sadisme d’un marquis (le vrai monstre du film), qui a lui-même voulu profiter des charmes de la domestique, Leon est à jamais marqué du sceau de la marginalité, image même de l’être différent et écarté de la société. Seul l’amour, le fait d’aimer et d’être aimé, semble repousser l’envie irrépressible de se repaître de chair et de sang. Jusqu’à ce que les conventions sociales s’en mêlent et annihilent tout espoir de rédemption pour Leon, qui doit alors lutter contre ses envies bestiales. Jusqu’au point de non-retour.

Jack Asher n’étant pas disponible, ou tout simplement trop cher pour les studios, le chef opérateur Arthur Grant signe la photo de The Curse of the Werewolf. Attaché à la Hammer (Le Spectre du chat, et plus tard Le Fascinant capitaine Clegg ou bien encore Le Fantôme de l’opéra), le directeur de la photographie apporte au film une esthétique plus réaliste et moins baroque que son célèbre confrère, notamment dans le dernier acte entre ombre et lumière.

Référence du film de genre, sur le fond comme sur la forme (extraordinaire maquillage de Roy Ashton, inspiré par celui de la Bête du film de Jean Cocteau), La Nuit du Loup-Garou est un film unique au sein des nombreux longs métrages centrés sur un lycanthrope, beau, passionnant, drame violent (le viol hors-champ est vraiment troublant), intelligent, d’autant plus rare qu’il s’agit du seul film de loup-garou produit par la Hammer Films Productions.

LE BLU-RAY

La Nuit du Loup-Garou est disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films. Cette édition contient également un livret collector de 20 pages, ainsi qu’une jaquette réversible avec choix entre facings « moderne » ou « vintage ». Le boîtier Blu-ray est glissé dans un fourreau. Le menu principal est animé et musical.

Bravo à Elephant Films qui nous livre ici l’une de ses meilleures présentations. On doit cette grande réussite à Nicolas Stanzick, auteur du livre Dans les griffes de la Hammer: la France livrée au cinéma d’épouvante. Dans un premier module de 10 minutes, ce dernier nous raconte l’histoire du mythique studio Hammer Film Productions. Comment le studio a-t-il fait sa place dans l’Histoire du cinéma, comment le studio a-t-il réussi l’exploit de susciter un véritable culte sur son seul nom et surtout en produisant de véritables auteurs ? Comment les créateurs du studio ont-ils pu ranimer l’intérêt des spectateurs pour des mythes alors tombés en désuétude ou parfois même devenus objets de comédies ? Nicolas Stanzick, véritable érudit, passionnant, passe en revue les grands noms (Terence Fisher bien évidemment, Christopher Lee, Peter Cushing) qui ont fait le triomphe de la Hammer dans le monde entier, mais aussi les grandes étapes qui ont conduit le studio vers les films d’épouvante qui ont fait sa renommée. Voilà une formidable introduction !

Retrouvons ensuite Nicolas Stanzick pour la présentation de La Nuit du Loup-Garou (24’30). Evidemment, ce module est à visionner après avoir vu ou revu le film puisque les scènes clés sont abordées. Comme lors de sa présentation de la Hammer, Nicolas Stanzick, toujours débordant d’énergie et à la passion contagieuse, indique tout ce que le cinéphile souhaiterait savoir sur la production de La Nuit du Loup-Garou. Le journaliste replace donc le film de Terence Fisher dans l’histoire de la Hammer Films, qui souhaitait aborder le célèbre lycanthrope après avoir ressuscité les autres monstres autrefois rendus célèbres par les studios Universal. Le casting, mais aussi et surtout le fond (la dimension sociale du film) comme la forme (le maquillage de Roy Ashton, la photographie d’Arthur Grant, la mise en scène de Terence Fisher) sont abordés avec intelligence et spontanéité.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Le film est présenté dans son format respecté et en 16/9. En dépit d’un grain parfois trop prononcé sur chaque plan montrant le ciel, qui entraînent inévitablement de sensibles fourmillements, ainsi que des noirs qui tirent sur le bleu et des décrochages sur les fondus enchaînés, l’image de La Nuit du Loup-Garou a été excellemment restaurée. La définition est souvent exemplaire, la propreté indéniable (à part de petits points noirs), la superbe photo d’Arthur Grant flatte constamment les rétines, la stabilité est de mise et même le piqué est à l’avenant sur certaines séquences, y compris sur les scènes en intérieur où l’on peut apprécier chaque détail des décors. Les couleurs sont claires et vraiment très belles, les contrastes très appréciables. L’apport HD pour ce titre est vraiment indispensable. Un très beau lifting.

Le film est disponible en version originale ainsi qu’en version française DTS HD Master Audio mono d’origine. Sans surprise, la piste anglaise l’emporte haut la main sur son homologue, surtout du point de vue homogénéité entre les voix des comédiens, la musique et les effets sonores. La piste française est tantôt sourde, tantôt criarde, au détriment des ambiances annexes et de la partition de Benjamin Frankel. Dans les deux cas, point de souffle à déplorer, ni aucun craquement. Le changement de langue est possible à la volée et les sous-titres français non imposés.

Crédits images : © Elephant Films / Unversal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Maîtresses de Dracula, réalisé par Terence Fisher

LES MAÎTRESSES DE DRACULA (The Brides of Dracula) réalisé par Terence Fisher, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 7 novembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs :  Peter Cushing, Martita Hunt, Yvonne Monlaur, Freda Jackson, David Peel, Miles Malleson, Henry Oscar, Mona Washbourne, Michael Ripper…

ScénarioJimmy Sangster, Peter Bryan, Edward Percy

Photographie : Jack Asher

Musique : Malcolm Williamson

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 1960

LE FILM

Marianne a accepté un poste d’institutrice dans un pensionnat pour jeune fille. Alors qu’elle traverse la Transylvanie, son cocher l’abandonne dans un village, où elle trouve refuge dans une auberge. Malgré les mises en garde du propriétaire des lieux, elle accepte l’invitation de la baronne Meinster à passer la nuit dans son château. Heureusement pour elle, Van Helsing, docteur en philosophie, théologie et professeur de métaphysique, poursuit dans la région sa chasse aux vampires.

Les Maîtresses de DraculaThe Brides of Dracula est et demeure l’un des opus emblématiques de la mythique Hammer. Si le titre est quelque peu mensonger puisque le célèbre Comte n’apparaît pas une seconde à l’écran (pas de Christopher Lee ici) mais laisse sa place à l’un de ses disciples, ce film fantastique, dans tous les sens du terme, reste l’un des plus grands films de vampires, réalisé par l’expert en la matière (mais pas que), le maître Terrence Fisher. Le cinéaste britannique (1904-1980), qui avait auparavant signé Frankenstein s’est échappé (1957), Le Cauchemar de Dracula (1958), La Revanche de Frankenstein (1958), Le Chien des Baskerville (1959) et La Malédiction des pharaons (1959), retrouve à nouveau l’immense Peter Cushing, qui revêt le costume du professeur Van Helsing pour la seconde fois de sa carrière – il l’incarnera au total cinq fois, du Cauchemar de Dracula (1958) à La Légende des sept vampires d’or (1974), dernier film de la saga – dans lequel il crève l’écran une fois de plus, au point de devenir le véritable héros de ce nouvel épisode, pour ne pas dire de la franchise.

L’histoire se passe en Transylvanie. Marianne Danielle (Yvonne Monlaur), une jeune institutrice en route pour occuper un emploi dans un pensionnat pour jeunes filles, est abandonnée dans un village par son cocher. À l’auberge où elle se réfugie, elle ne tient pas compte des avertissements des propriétaires du lieu et accepte l’offre de la baronne Meinster (Martita Hunt) de passer la nuit dans sa demeure. Au château, de la fenêtre de sa chambre, elle aperçoit le fils de la baronne (David Peel). Celle-ci lui déclare qu’il est fou et qu’elle doit le garder prisonnier dans sa chambre. Plus tard, Marianne le rencontre et celui-ci lui déclare que sa mère a usurpé ses terres par jalousie. La jeune fille le croit et décide de l’aider. Elle vole la clé de la chaîne qui le tient prisonnier et la lui donne. La baronne apprend horrifiée ce qui s’est passé. Son fils, délivré, apparaît et lui ordonne de la suivre. Marianne entend les cris hystériques de la servante Greta (Freda Jackson) qui la force à regarder le corps assassiné de la baronne et les marques de perforation sur sa gorge. Marianne s’enfuit dans la nuit. Le lendemain, elle est recueillie par le docteur Van Helsing (Peter Cushing), toujours à la poursuite des non-morts.

Les Maîtresses de Dracula est une référence du genre. Premièrement par ses partis pris stylisés et sophistiqués. La photographie du chef opérateur Jack Asher, complice de Terence Fisher, a su marquer les esprits avec l’utilisation de couleurs baroques, à dominante rose. Une esthétique qui inspirera moult cinéastes à l’instar de Dario Argento pour ses œuvres les plus célèbres. D’autre part, la mise en scène de Terence Fisher, sans cesse inventive, traverse les années sans prendre de rides. Le cadre et le découpage sont constamment au service du récit, ou plutôt du « conte de fées pour adultes » comme aimait le dire le réalisateur. Enfin, le casting est au diapason. Si Peter Cushing, monstre de charisme et de talent, vole toutes les scènes à chaque apparition, Les Maîtresses de Dracula donne également la vedette à la belle Yvonne Monlaur. La comédienne française, révélée dans Le Cirque des horreurs (1960) de Sidney Hayers, est considérée comme l’une des plus grandes Hammer Girls. Son magnétisme et son érotisme innocent ne sont pas pour rien dans la très grande réussite du film. Il en est de même pour le méconnu David Peel, qui interprète ici le fameux Baron Meinster, créature aux dents longues, enchaîné par sa mère, jusqu’à ce que cette dernière se faire mordre par sa progéniture. Il fallait vraiment oser parler de complexe d’Oedipe dans ce contexte !

Terence Fisher utilise la sexualité de son acteur, gay revendiqué, pour apporter sa pierre à l’édifice du genre. Le vampire a toujours été associé au sexe, par l’excitation que la créature exerce souvent auprès des femmes, mais le cinéaste attaque ici frontalement cette facette. Personnage à la fois asexué et pourtant sexuel, beau et repoussant, qui se repaît aussi bien du sang des femmes que des hommes, le Baron Meinster envoûte son entourage, pour mieux les appâter. De son côté, en prenant les choses en main, Van Helsing devient celui qui non seulement s’oppose au vampire, mais également celui qui va traverser toutes les épreuves, y compris celle de revenir quasiment d’entre les morts par son seul courage et son intelligence, pour sauver la jeune femme et débarrasser la planète d’un des non-morts qu’il poursuit sans relâche.

Le final dans le moulin – magnifique décor gothique – éclairé par les rayons de la Lune est anthologique, tout comme le duel final, où la ruse du professeur l’emporte sur l’affrontement physique, en retournant les forces du mal contre le démon. Ou quand les ailes d’un moulin deviennent un crucifix géant ! C’est grand, c’est virtuose, c’est Terence Fisher, qui reviendra au célèbre vampire en 1966 avec Dracula, prince des ténèbres, avec le retour de Christopher Lee dans le rôle-titre.

LE BLU-RAY

Les Maîtresses de Dracula est disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films. Cette édition contient également un livret collector de 20 pages, ainsi qu’une jaquette réversible avec choix entre facings « moderne » ou « vintage ». Le boîtier Blu-ray est glissé dans un fourreau. Le menu principal est animé et musical.

Bravo à Elephant Films qui nous livre ici l’une de ses meilleures présentations. On doit cette grande réussite à Nicolas Stanzick, auteur du livre Dans les griffes de la Hammer: la France livrée au cinéma d’épouvante. Dans un premier module de 10 minutes, ce dernier nous raconte l’histoire du mythique studio Hammer Film Productions. Comment le studio a-t-il fait sa place dans l’Histoire du cinéma, comment le studio a-t-il réussi l’exploit de susciter un véritable culte sur son seul nom et surtout en produisant de véritables auteurs ? Comment les créateurs du studio ont-ils pu ranimer l’intérêt des spectateurs pour des mythes alors tombés en désuétude ou parfois même devenus objets de comédies ? Nicolas Stanzick, véritable érudit, passionnant, passe en revue les grands noms (Terence Fisher bien évidemment, Christopher Lee, Peter Cushing) qui ont fait le triomphe de la Hammer dans le monde entier, mais aussi les grandes étapes qui ont conduit le studio vers les films d’épouvante qui ont fait sa renommée. Voilà une formidable introduction !

Nous trouvons ensuite une très émouvante et délicate interview de la comédienne Yvonne Monlaur, Marianne Danielle dans Les Maîtresses de Dracula, qui revient avec visiblement beaucoup de plaisir sur son travail avec Terence Fisher (« tellement gentil, cool et relax ! »), Peter Cushing et David Peel (12’). Très élégante, belle et douce, Yvonne Monlaur partage ses souvenirs de tournage, évoque son personnage, les prises de vue aux studios Bray (près de Londres) et se souvient avec émotion de la présentation du film lors d’une rétrospective de la Hammer au musée Orsay en 2011, où elle avait rencontré les fans français. Un carton indique qu’Yvonne Monlaur est décédée le 18 avril 2017, visiblement peu de temps après cet entretien.

Retrouvons ensuite Nicolas Stanzick pour la présentation des Maîtresses de Dracula (26’). Evidemment, ce module est à visionner après avoir vu ou revu le film puisque les scènes clés sont abordées. Comme lors de sa présentation de la Hammer, Nicolas Stanzick, toujours débordant d’énergie et à la passion contagieuse, indique tout ce que le cinéphile souhaiterait savoir sur la production des Maîtresses de Dracula. Autrement dit la genèse compliquée du film en raison de nombreuses réécritures (trois scénaristes crédités), l’évolution de l’histoire, les éléments non retenus mais repris trois ans après dans Le Baiser du vampire de Don Sharp, le casting, les conditions de tournage. Nicolas Stanzick indique que Terence Fisher a su faire fi des incohérences et zones d’ombre du scénario, héritées des réécritures multiples, pour en faire à l’écran des éléments mystérieux et surtout un des plus grands films gothiques de l’époque. Le journaliste abord ensuite le mythe du vampire dans l’oeuvre de Terence Fisher, notamment dans sa trilogie constituée du Cauchemar de DraculaLes Maîtresses de DraculaDracula, prince des ténèbres, ainsi que la place de plus en plus prépondérante de Van Helsing face aux créatures qu’il combat.

Pour finir, Yvonne Monlaur lit une critique des Maîtresses de Dracula, écrite par Michel Caen et publiée dans la revue de cinéma Midi-Minuit à la sortie du film (2’).

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Le Blu-ray est au format 1080p (AVC) et le film présenté dans son format respecté. L’image des Maîtresses de Dracula a été excellemment restaurée. Le grain est présent mais très bien géré, la définition est souvent exemplaire, la propreté indéniable, aucune scorie à l’horizon à part quelques points noirs, la superbe photo de Jack Asher flatte constamment les rétines, la stabilité est de mise et même le piqué est à l’avenant sur certaines séquences, y compris sur les scènes en intérieur. Les couleurs sont claires et vraiment très belles, les contrastes denses. L’apport HD pour ce titre est vraiment indispensable. Un très beau lifting qui enterre définitivement l’édition DVD éditée par Bach Films en 2007.

Le film est disponible en version originale ainsi qu’en version française DTS HD Master Audio mono d’origine. Sans surprise, la piste anglaise l’emporte haut la main sur son homologue, surtout du point de vue homogénéité entre les voix des comédiens, la musique et les effets sonores. La piste française mise un peu trop sur les dialogues, au détriment des ambiances annexes et de l’habillage musical. Dans les deux cas, point de souffle à déplorer. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la version originale.


Crédits images : © Elephant Films / Unversal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Le Toboggan de la mort, réalisé par James Goldstone

LE TOBOGGAN DE LA MORT (Rollercoaster) réalisé par James Goldstone, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 5 septembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs :   George Segal, Richard Widmark, Henry Fonda, Timothy Bottoms, Helen Hunt, Harry Guardino…

Scénario :  Sanford Sheldon, Richard Levinson, William Link

Photographie : David M. Walsh

Musique : Lalo Schifrin

Durée : 1h58

Date de sortie initiale : 1977

LE FILM

Un terroriste sabote les montagnes russes du parc d’attractions d’Ocean View et réclame un million de dollars pour arrêter ses actes. Harry Calder, l’inspecteur chargé de la sécurité des fêtes foraines, soupçonne le terroriste de vouloir piéger le Grand huit de Los Angeles le jour de la fête nationale.

Les années 1970 ont vu exploser un genre dans le cinéma américain, celui du film catastrophe. Près d’une trentaine de longs métrages exploiteront le filon initié par Airport de George Seaton en 1970. Tout y passera, catastrophes aériennes (Airport donc, Alerte à la bombe, 747 en péril, L’Odyssée du Hindenburg, Les Naufragés du 747, le nanar Airport 80 Concorde), catastrophes maritimes (L’Aventure du Poséidon, Terreur sur le Britannic, Sauvez le Neptune, Le Dernier secret du Poséidon, S.O.S. Titanic), sans oublier Tremblement de terre, La Tour infernale de John Guillermin et Irwin Allen, mètre étalon du genre, Le Pont de Cassandra et bien d’autres. Le Toboggan de la mortRollercoaster, est également un thriller atypique, puisque le récit se situe essentiellement dans une fête foraine.

Harry Calder est un contrôleur chargé de vérifier le bon fonctionnement des manèges dans des parcs d’attractions. Lorsqu’un accident mortel survient sur des montagnes russes qu’il avait récemment inspectées, il est interrogé par la police. Persuadé que ce n’est pas un accident, Calder se rend à Chicago lorsqu’il apprend que les patrons des cinq plus grandes compagnies de parcs de loisirs ont décidé de se réunir d’urgence à l’hôtel Hyatt Regency. Ensemble, ils écoutent une cassette sur laquelle un homme exige 1 million de dollars, sans quoi d’autres parcs d’attractions seront visés. EN 1977, Le Toboggan de la mort arrive en fin de parcours alors que Star Wars venait déjà de créer un raz-de-marée au box-office et rendait le genre catastrophe désuet et même périmé. Néanmoins, afin d’appâter les spectateurs, le film bénéficie d’une exploitation en Sensurround, procédé acoustique qui consistait à synchroniser à l’action, la diffusion de puissantes vibrations sonores de très basses fréquences. Ces ondes sonores étaient supposées procurer au spectateur certaines sensations en rapport avec le film projeté. Ce système d’effets spéciaux avait été lancé en 1974 à l’occasion de la sortie de Tremblement de terre de Mark Robson. En dehors de La Bataille de Midway (1976) de Jack Smight, Le Toboggan de la mort est finalement l’un des rares films à avoir pu et su utiliser ce « gadget » visant à attirer les spectateurs dans les salles. Mais à côté de cette technique destinée à son exploitation et à renforcer les séquences de caméra embarquée sur le Grand huit, que vaut aujourd’hui le thriller de James Goldstone ?

S’il n’est pas un chef d’oeuvre, il n’en demeure pas moins un très bon thriller qui repose sur un scénario intelligent écrit par Richard Levinson et William Link, complices sur une multitude de séries télévisées comme L’Homme à la Rolls, Le Fugitif, Mannix, mais aussi et surtout Columbo, qui ne serait rien sans l’intelligence de leur plume. Spécialisés dans les intrigues policières, les deux associés s’étaient également déjà essayés au film de genre avec L’Odyssée du Hindenburg de Robert Wise en 1975. Deux ans plus tard, les studios Universal leur confient l’histoire du Toboggan de la mort. Aux manettes, on retrouve l’excellent James Goldstone (1931-1999), réalisateur venu de la télévision (Perry Mason, Rawhide, Voyage au fond des mers, L’Homme de fer, Au-delà du réel), qui est ensuite passé au cinéma et à qui l’on doit entre autres Virages avec Paul Newman.

Qui dit film catastrophe dit casting prestigieux et si Le Toboggan de la mort ne profite pas d’une affiche aussi ahurissante qu’au début de la décennie, retrouver George Segal, Richard Widmark, Henry Fonda (même dans une petite apparition) et Timothy Bottoms tout juste révélé par Johnny s’en va-t-en guerre de Dalton Trumbo et La Dernière séance de Peter Bogdanovich, reste on ne peut plus attractif. C’est d’ailleurs le mot qui convient à ce thriller qui se déroule dans un parc d’attractions où l’on suit le parcours dicté à Calder, inspecteur dont la vie personnelle est quelque peu chaotique, par un terroriste (minéral Timothy Bottoms). Etape par étape, à l’instar d’Harry Callahan devant se rendre d’une cabine téléphonique à une autre dans L’Inspecteur Harry ou bien encore à la manière des énigmes de Simon posées à John McClane dans Une journée en enfer, Harry Calder (ironique George Segal, parfait dans la peau d’un mec dépassé par les événements) écoute et suit les instructions du terroriste. Calder passe donc d’un manège à l’autre, achète et arbore un chapeau ridicule, tout en trimballant une valise remplie de billets qu’il devra déposer à un endroit précis. La surveillance s’organise autour de l’agent fédéral Hoyt (Widmark, toujours aussi agité et c’est tant mieux), bien décidé à prendre le terroriste la main dans le sac.

Après une séquence d’ouverture particulièrement violente avec un accident de manège repris en version plus trash dans Destination finale 3, James Goldstone installe ses personnages comme des pions sur un échiquier, pour mieux les manipuler dans un décor qu’il exploite parfaitement du début à la fin. Le suspense est maintenu, le divertissement demeure entier malgré une fin quelque peu expédiée et le charme vintage agit toujours, tout comme la composition inspirée de Lalo Schifrin. Dernière anecdote, la fille du personnage d’Harry Calder est interprétée par la jeune Helen Hunt, alors âgée de 14 ans.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray du Toboggan de la mort est disponible chez Elephant Films en DVD et combo Blu-ray/DVD. Le menu principal est animé et musical.

Outre un lot de bandes-annonces et une galerie de photos, la présentation du film par Julien Comelli (23’) est nettement plus intéressante et instructive que pour La Kermesse des aigles chroniqué fin août. Le journaliste en culture pop propose tout d’abord un petit récapitulatif des films catastrophes tournés dans les années 1970, tout en donnant de nombreuses indications sur les scénaristes, le casting, le compositeur du Toboggan de la mort. La fin du genre est également abordée avec l’arrivée des films de science-fiction et fantastiques qui attirent désormais les spectateurs Star Wars depuis en 1977. Julien Comelli avance avec justesse que le film de James Goldstone parvient à tirer son épingle du jeu, tout en le comparant avec d’autres thrillers se passant dans un parc d’attractions, à l’instar de Westworld, Les Dents de la mer 3 et Le Flic de Beverly Hills 3. Enfin, le procédé Sensurround est également évoqué, tout comme la sortie du film.

L’Image et le son

Superbe ! Entièrement restauré, Le Toboggan de la mort est enfin proposé dans une édition digne de ce nom, en Blu-ray au format 1080p. Le moins que l’on puisse dire, c’est que ce lifting lui sied à ravir. Tout d’abord, la copie affiche une propreté incontestable, aucune scorie n’a survécu à l’attention des restaurateurs, la clarté HD et la colorimétrie pimpante flattent les rétines sur les séquences en extérieur. Dès la fin du générique d’ouverture, marqué par un grain plus prononcé, les contrastes trouvent une fermeté inédite, le piqué est renforcé et les noirs plus denses, les détails sur les décors abondent, sans oublier la profondeur de champ. Certes, quelques plans peuvent paraître plus doux en matière de définition, à l’instar des images tournées au moyen d’une caméra embarquée sur les attractions, avec de sensibles fourmillements et flous intempestifs, mais jamais le film de James Goldstone n’avait jusqu’alors bénéficié d’un tel traitement de faveur.

Evidémment, le Sensurround ne s’invite pas dans votre salon. Cependant, l’éditeur offre la possibilité de visionner Le Toboggan de la mort en DTS-HD Master Audio 3.1 anglais, mais aussi en version française ! Ces options acoustiques créent un véritable confort, tout en reproduisant quelques secousses bienvenues lors des scènes où le spectateur s’invite dans une des attractions. Le caisson de basses participe à cette expérience. Les versions française (excellent doublage avec les illustres Dominique Paturel, Marc Cassot, Roger Crouzet, Jacques Richard) et anglaise sont également disponibles en DTS-HD Master Audio 2.0 qui conviennent également, mais puisque l’éditeur nous offre la possibilité de renforcer un peu plus le spectacle, pourquoi s’en priver ?

Crédits images : © Universal Pictures / Elephant Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Kermesse des aigles, réalisé par George Roy Hill

LA KERMESSE DES AIGLES (The Great Waldo Pepper) réalisé par George Roy Hill, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 5 septembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Robert Redford, Bo Svenson, Bo Brundin, Susan Sarandon, Geoffrey Lewis…

Scénario : George Roy Hill, William Goldman

Photographie : Robert Surtees

Musique : Henry Mancini

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1975

LE FILM

Après la Première Guerre mondiale, l’aviateur Waldo Pepper gagne sa vie en donnant des spectacles aériens et des baptêmes de l’air aux citoyens de petites villes américaines. Frustré de n’être jamais devenu un as de l’aviation, il s’invente un passé prestigieux, prétendant avoir survécu à un affrontement contre l’as allemand Ernst Kessler. Mais alors que son talent le mène à Hollywood, où il devient cascadeur, son passé le rattrape sous la forme de Ernst Kessler, venu participer à un tournage…

Après Butch Cassidy et le Kid (1969) et L’Arnaque (1973, Oscar du meilleur réalisateur), le cinéaste George Roy Hill (1921-2002) et le comédien Robert Redford s’associent pour un troisième et dernier tour de piste avec La Kermesse des aiglesThe Great Waldo Pepper réalisé en 1974. Le neuvième long métrage de George Roy Hill demeure un formidable spectacle dont les véritables, authentiques et vertigineuses prouesses aériennes, certaines réalisées par Robert Redford lui-même et sans avoir recours aux sempiternelles transparences, ne cessent d’impressionner encore aujourd’hui.

Dans les années 20, le pilote Waldo Pepper se produit dans des cirques volants du Nebraska. Ancien pilote de combat, racontant à qui veut bien l’entendre – et le croire – qu’il avait volé avec la force aérienne américaine lors de la Première Guerre Mondiale, il aime raconter une de ses aventures durant laquelle il aurait affronté le pilote allemand Ernst Kessler, qu’il considère alors comme le plus grand du monde. Son talent pour les acrobaties périlleuses et son ambition conduisent Waldo à Hollywood où il doit tourner un film qui reconstitue justement les exploits d’Ernst Kessler, auxquels il a voulu assister et participer. C’est alors que Waldo se retrouve face à l’homme qu’il a toujours idolâtré, venu comme conseiller technique sur le plateau. Waldo voit alors son rêve se réaliser. Comme dans la plupart de ses films, George Roy Hill distille une furieuse mélancolie et une nostalgie à fleur de peau dans La Kermesse des aigles en dressant le portrait d’un homme qui n’a jamais cessé de vivre dans le fantasme, jusqu’à être rattrapé par le destin. A l’instar de La Castagne qu’il réalisera en 1977, le cinéaste oscille entre le drame et la comédie.

La Kermesse des aigles est souvent léger et reflète l’innocence d’une Amérique post-Première Guerre mondiale et avant le rouleau compresseur de la crise économique. Le personnage incarné par Robert Redford est charmeur et bondissant, vante ses talents d’acrobate et de pilote émérite, devant une population en quête de sensations. Mais George Roy Hill – grand amateur d’aviation et lui-même pilote sur le tournage – nous montre également que tout ceci n’est que vernis puisque Waldo Pepper est avant tout un homme qui vit dans le déni, qui se ment à lui-même avant de mentir aux autres et qui se contente de poudre aux yeux. Il ne sait faire qu’une seule chose, voler et seule compte l’adrénaline. Alors quand son autorisation de piloter lui est retirée puisqu’il n’a pas de licence et que le gouvernement américain souhaite réguler le trafic aérien en le démocratisant, Waldo ne sait plus quoi faire. S’il s’était déjà contenté de faire le clown et des cascades devant les yeux ébahis, Waldo doit se rendre à l’évidence. On lui interdit tout simplement de vivre s’il ne peut plus voler à sa guise. Une deuxième chance s’offre à lui, la dernière, quand son chemin va enfin croiser celui qu’il imaginait combattre. L’occasion de se mesurer à lui, quitte à en mourir. Mais cet homme, Ernst Kessler, bien que possédant toutes les décorations militaires et un prestige international, est lui aussi devenu l’ombre de lui-même depuis qu’il ne vole plus.

La Kermesse des aigles met en relief la difficile voire l’impossible reconversion professionnelle des anciens pilotes de la Grande guerre. Après Gatsby le Magnifique de Jack Clayton et avant Les Trois Jours du condor de Sydney Pollack, Robert Redford est évidemment parfait dans ce rôle complexe, pour lequel il s’est une fois de plus très investi au point d’exécuter quelques cascades et pirouettes à plus de mille mètres d’altitude. Le baroudeur est également soutenu devant la caméra par un casting quatre étoiles, dont les sublimes Susan Sarandon et Margot Kidder, mais aussi les talentueux Bo Svenson et Geoffrey Lewis, sans oublier la beauté de la photo du chef opérateur Robert Surtees (Ben-Hur, Le Lauréat, L’Arnaque) et le grand Henry Mancini à la baguette. En d’autres termes, La Kermesse des aigles, c’est la classe absolue du cinéma.

LE BLU-RAY

La Kermesse des aigles est disponible en combo Blu-ray-DVD chez Elephant Films. Le test de l’édition HD a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est élégant, animé et musical.

L’interactivité est le gros point faible de cette édition. En effet, en dehors d’un lot de bandes-annonces et une galerie de photos, la présentation du film par Julien Comelli (12’) n’a strictement aucun intérêt puisque le journaliste en culture pop se contente d’énumérer les films réalisés par George Roy Hill, ceux écrits par William Goldman et ceux dans lesquels ont joué les principaux comédiens de La Kermesse des aigles. Vous gagnerez votre temps à consulter IMDB directement, plutôt que de visionner ce segment sans aucun rythme et platement réalisé.

L’Image et le son

La Kermesse des aigles renaît littéralement de ses cendres avec ce nouveau master Haute-Définition (1080p, AVC) grâce à Elephant Films ! C’est superbe. Alors qu’il ne bénéficiait que d’une simple édition DVD depuis une quinzaine d’années chez Universal Pictures, le film de George Roy Hill est de retour dans les bacs dans une édition digne de ce nom. La propreté de la copie est bluffante, le grain original respecté flatte les mirettes, la luminosité des scènes diurnes est élégante, tout comme la gestion des contrastes et la stabilité est de mise. Certes, le générique en ouverture est un peu plus défraîchi et grumeleux, tandis que certaines séquences sombres s’avèrent moins définies, mais cela reste anecdotique. Le cadre large offre une profondeur de champ inédite et regorge de détails, le piqué est à l’avenant et la colorimétrie étincelante.

La Kermesse des aigles est disponible en version originale et française DTS HD Master Audio 2.0. La première instaure un confort acoustique plaisant avec une délivrance suffisante des dialogues, des effets annexes convaincants et surtout une belle restitution de la musique. La piste française se focalise souvent sur les voix au détriment des ambiances environnantes et de la composition d’Henry Mancini. Les deux options acoustiques sont propres et dynamiques.

Crédits images : © Universal Pictures / Elephant Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / L’Esprit de Caïn, réalisé par Brian De Palma

L’ESPRIT DE CAÏN (Raising Cain) réalisé par Brian De Palma, disponible en combo DVD-Blu-ray le 28 mars 2017 chez Elephant Films

Acteurs : John Lithgow, Lolita Davidovich, Steven Bauer, Frances Sternhagen, Gregg Henry, Tom Bower, Gabrielle Carteris…

Scénario : Brian De Palma

Photographie : Stephen H. Burum

Musique : Pino Donaggio

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1992

LE FILM

Le docteur Carter Nix est un pédopsychiatre réputé qui décide d’abandonner sa carrière pour mieux pouvoir élever la fille qu’il a eue avec Jenny, elle-même médecin. Cette dernière se montre concernée par l’obsession grandissante que son mari porte à l’éducation de leur enfant, jusqu’à commencer à douter de la santé mentale de l’homme qu’elle a épousé et qu’elle croit connaître.

En 1984, Brian De Palma livre un chef d’oeuvre sur sa filiation avec son maître Alfred Hitchcock, Body Double. Puis, le cinéaste effectue un virage étonnant dans sa carrière, cela ne sera pas l’unique fois, en enchaînant trois films de studio aux budgets conséquents et portés par des stars. Les Incorruptibles (1987) est un succès mondial et vaut à Sean Connery le seul Oscar de sa carrière, Outrages (1989), interprété par Michael J. Fox et Sean Penn est un film sur les dérives de la guerre du Vietnam qui se solde par un échec au box-office. Ce changement de registre étonne les spectateurs et la difficulté de son sujet, le viol et le meurtre d’une jeune paysanne vietnamienne en 1966 par des soldats américains, entraîne son rejet total aux Etats-Unis. De Palma essaye alors de se refaire avec Le Bûcher des vanités, mais malheureusement, cette adaptation du roman de Tom Wolfe avec pourtant le trio Tom Hanks – Melanie Griffith – Bruce Willis en vedette est très mal accueillie par la presse et les salles sont désertées. Après ces expériences à la Paramount, à la Fox puis à la Warner Bros., Brian de Palma tombe dans la dépression au début des années 1990. Comme tout artiste, il décide de revenir à ses premières amours, au film à petit budget, une production indépendante plus modeste dans laquelle il mettrait à nouveau tous les thèmes qui l’animent et qui ont fait sa renommée. Ce thriller névrotique, psychologique, baroque et hitchcockien s’intitule L’Esprit de Caïn et demeure à ce jour le film le plus mal aimé, probablement le plus incompris de son auteur, celui qui entraîne le plus de débats au sein même de la sphère des fans du réalisateur.

Sorti en 1992, Raising Cain détonne et la critique conspue immédiatement ce film. « Grotesque », « ridicule », « absurde », « outrancier », rarement un film de Brian De Palma aura été à ce point controversé et traîné dans la boue. Pourtant, rétrospectivement, ces qualificatifs reflètent bien ce film du réalisateur de Phantom of the Paradise, qui concentre le plus la sève de sa création. Le spectre d’Alfred Hitchcock plane évidemment sur Raising Cain, comme si Brian De Palma, après s’être éloigné de ses thèmes de prédilection, se sentait à nouveau attirer par celui qui lui a donné envie de faire ce métier de cinéaste. Magistralement interprété par John Lithgow, le personnage principal schizophrène atteint de dédoublement de la personnalité renvoie à la propre situation de De Palma, pris entre son désir de conserver son indépendance, ainsi que sa liberté créatrice, et son obligation à se plier aux directives des studios hollywoodiens afin de survivre dans l’industrie cinématographique. Le cinéaste use de ficelles devenues « populaires » à l’instar du soap opéra, caractérisé par l’idylle entre une femme (la ravissante Lolita Davidovich) avec son ancien amant (Steven Bauer), filmée comme un épisode des Feux de l’amour. Redoutablement intelligent, Brian De Palma dynamite ces codes afin de mieux les parasiter, en incluant ses thèmes récurrents, la perversité, le voyeurisme, la frustration sexuelle, le meurtre à l’arme blanche, le travestissement, le double. L’Esprit de Caïn n’est pas une parodie, mais une œuvre maîtrisée de A à Z par un réalisateur bien trop heureux de faire perdre ses repères à un spectateur devenu trop conditionné par une esthétique acidulée et des histoires à l’eau de rose tirées d’un mauvais roman de gare.

Nul autre film que Psychose a su parler de la psyché bouleversée d’un être humain. Le chef d’oeuvre d’Alfred Hitchcock est omniprésent dans L’Esprit de Caïn, tout comme Le Voyeur de Michael Powell, mais contrairement à un Quentin Tarantino ou un Nicolas Winding Refn qui se contentent la plupart du temps de plagier leurs modèles, les références ont été digérées par De Palma dont l’oeuvre n’a de cesse de converser avec celle de ses modèles. Par ailleurs, Brian De Palma s’autocite avec humour à travers quelques motifs puisque nous retrouvons la grande femme blonde aux lunettes noires de Pulsions, ou bien encore la panique de la femme en train de se noyer qui n’est pas sans rappeler l’une des séquences de Blow Out. John Lithgow se délecte dans ce rôle-multiple (Carter/Caïn/Dr. Nix/Josh/Margo), qui a vraisemblablement et très largement inspiré James McAvoy dans le formidable Split de M. Night Shyamalan, qui comme une mise en abyme a de son côté été bercé par le cinéma de Brian de Palma et d’Alfred Hitchcock. Rythmé par les sublimes accords de Pino Donaggio (Carrie au bal du diable), L’Esprit de Caïn ne cesse de déstabiliser les spectateurs, en leur faisant constamment perdre leurs repères, les obligeant ainsi à recomposer systématiquement l’histoire qu’on leur montre et que Brian de Palma n’a de cesse de leur déconstruire en jouant à la fois sur la temporalité, l’inconscient, avec parfois des rêves qui s’imbriquent dans d’autres rêves au moyen d’un montage chronologique…mais défragmenté.

C’est cette construction et ce mélange de genres qui a visiblement choqué les spectateurs à la sortie du film, avant d’être « remonté » en 2012 par Peet Gelderblom, un réalisateur néerlandais fan de Brian De Palma et de L’Esprit de Caïn, qui ayant appris que le cinéaste avait décidé – chose qu’il a ensuite regretté – de changer la structure originelle de son film en postproduction (afin de ne pas trop perdre de spectateurs), a décidé de le recomposer en suivant le scénario initial et en se servant d’une simple copie en DVD. Si ce recut, proposant les mêmes scènes mais dans un ordre différent et une durée identique, rapproche encore plus L’Esprit de Caïn de Pulsions, l’expérience est moins viscérale et vertigineuse, plus classique et linéaire, bien que ce recut mélange à la fois le présent, le passé et les songes. Malgré tout, cette version remaniée avec l’adoubement de Brian De Palma himself – qui a voulu que les deux moutures soient proposées en Blu-ray – s’avère une belle curiosité, L’Esprit de Caïn conserve indéniablement plus de force dans son cut cinéma, plus axé sur le trouble dissociatif de son personnage principal (qui passe au second plan dans le recut), plutôt que sur sa critique de l’adultère, dans laquelle on se perd finalement moins et qui reflète moins le chaos psychologique de Nix/Caïn.

Virtuose, comme ce long et extraordinaire plan-séquence durant lequel Frances Sternhagen détaille la personnalité et le trauma de Carter Nix, Raising Cain s’adresse donc non seulement aux cinéphiles passionnés par le genre et par la filmographie de Brian De Palma, mais aussi aux cinéphiles férus de technique, tout comme à ceux qui possèdent un bagage nanti de références. Injustement considéré comme mineur et souvent dissimulé derrière des oeuvres prestigieuses et mondialement reconnues, L’Esprit de Caïn est pourtant un film à la fois matriciel, somme et définitif d’un des plus grands auteurs de l’histoire du cinéma.

LE BLU-RAY

Elephant Films édite l’un de ses titres les plus importants à ce jour. Cette édition combo de L’Esprit de Caïn se compose de deux Blu-ray, la version cinéma d’un côté (disque rouge), la version « Director’s Cut » 2016 de l’autre (disque bleu), sans oublier le DVD du montage cinéma (disque jaune). Les trois galettes, ainsi qu’un livret de 20 pages écrit par Stéphane du Mesnildot, critique aux Cahiers du Cinéma (qui reprend l’essentiel de sa présentation dans les bonus), reposent dans un boîtier transparent glissé dans un surétui. La jaquette est réversible. Le visuel du recto a été concocté pour cette sortie dans les bacs, tandis que l’affiche originale est disponible au verso. A vous de choisir ! Le menu principal de chaque disque est animé sur la musique de Pino Donaggio.

Le montage cinéma s’accompagne d’une formidable présentation par Stéphane du Mesnildot, que nous évoquions plus haut (21’). L’intervenant replace L’Esprit de Caïn dans la carrière de Brian De Palma, insiste sur le côté œuvre maudite, détaille les thèmes du film qui nous intéresse, revient sur l’accueil très froid de la part de la critique et des spectateurs, sans oublier les références de Brian De Palma (Le Voyeur, Psychose, Pas de printemps pour Marnie, Pulsions, Ne vous retournez pas), la forme très détaillée avec l’usage du plan-séquence et du cadre dans l’image. Une analyse précise, passionnante et très détaillée.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos et des bandes-annonces.

Le Blu-ray de la version « Director’s Cut » (terme autorisé par le maître en personne) démarre automatiquement par un clip de 2’30, durant lequel Peet Gelderblom, dont nous parlons dans la critique du film, présente la raison d’être de ce recut. Ce segment intitulé Le Changement de Caïn, la restauration du classique culte de Brian De Palma, est également disponible dans la section des suppléments.

Comme il l’indique dans le module précédent, Peet Gelderblom a présenté sa version « Director’s Cut » de L’Esprit de Caïn, dans un essai vidéo posté sur le site IndieWire en 2012. C’est après avoir découvert cet exposé, que Brian De Palma, tout comme plusieurs de ses confrères (dont Edgar Wright) s’est dit très heureux et impressionné par ce remodelage qu’il avait finalement abandonné avant la sortie du film dans les salles. Elephant Films propose de découvrir ce petit documentaire en question (13’), dans lequel Peet Gelderblom revient sur chacune des étapes qui ont conduit à cette version alternative.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos et les credits.

L’Image et le son

Le sort réservé à chaque mouture est différent. La version cinéma 1992 est la mieux lotie. Le film est disponible sur un BD 50, double couche donc, et la copie présentée, même si elle ne peut rivaliser avec les standards actuels à 2 ou 4K, s’en sort très bien. La gestion du grain argentique est solide, les couleurs plaisantes et ravivées. Bien qu’elle ne paraisse pas récente et que les détails manquent parfois à l’appel, la restauration est indéniable (à peine quelques points blancs à signaler), les contrastes élégants et la stabilité est de mise. En revanche, le « Director’s Cut » 2016, présenté sur un BD 25 apparaît plus délavé avec un aspect étonnamment plus lisse, une compression moins discrète et un bruit vidéo parfois palpable. Dans les deux cas, le film est évidemment proposé dans son format original 1.85.

Les versions originale et française (présentes sur les deux montages) bénéficient d’une piste DTS-HD Master Audio Stéréo 2.0 exemplaire et limpide, restituant les dialogues avec minutie – moins en version originale toutefois – ainsi que l’enivrante bande originale signée Pino Donaggio qui jouit d’un coffre inédit. Les effets sont solides, le confort acoustique largement assuré et nous découvrons même quelques ambiances inédites qui avaient pu échapper à nos oreilles jusqu’à maintenant. La piste française se focalise un peu trop sur les dialogues et le doublage de John Lighgow au détriment des effets annexes, plus saisissants en version anglaise. Un souffle léger demeure constatable en français pour les deux options acoustiques. Le mixage français est certes moins riche mais contentera les habitués de cette version. Nous échappons heureusement à un remixage 5.1 inutile. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Universal Studios. / Elephant Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test du coffret Blu-ray / Jack Arnold, géant de la peur : Tarantula + L’Homme qui rétrécit

TARANTULA (Tarantula!) réalisé par Jack Arnold, disponible en coffret combo Blu-ray/DVD le 11 juillet 2017 chez Elephant Films

Acteurs : John Agar, Mara Corday, Leo G. Carroll, Nestor Paiva, Ross Elliott, Edwin Rand, Raymond Bailey, Clint Eastwood

Scénario : Robert M. Fresco, Martin Berkeley

Photographie : George Robinson

Musique : Herman Stein

Durée : 1h20

Date de sortie initiale : 1955

L’HOMME QUI RÉTRÉCIT (The Incredible Shrinking Man) réalisé par Jack Arnold, disponible en coffret combo Blu-ray/DVD le 11 juillet 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Grant Williams, Randy Stuart, April Kent, Paul Langton, Raymond Bailey, William Schallert

Scénario : Richard Matheson, d’après son roman L’Homme qui rétrécit

Photographie : Ellis W. Carter

Musique : Irving Gertz, Earl E. Lawrence, Hans J. Salter, Herman Stein

Durée : 1h21

Date de sortie initiale : 1957

LES FILMS

Spécialiste des séries B, Jack Arnold Waks alias Jack Arnold (1916-1992) n’en est pas moins un immense réalisateur. Bien que disposant de budgets très modestes, le cinéaste a toujours su transcender son postulat de départ minimaliste…pour aller vers le gigantisme. Prolifique, Jack Arnold prend son envol dans les années 1950 où il enchaîne les films qui sont depuis devenus de grands classiques : Le Météore de la nuit (1953), L’Etrange Créature du lac noir (1954), La Revanche de la créature (1955), Tarantula (1955), L’Homme qui rétrécit (1957) sans oublier La Souris qui rugissait (1959). Au total, près d’une vingtaine de longs-métrages tournés à la suite, toujours marqués par le professionnalisme et le talent de son auteur, combinant à la fois les effets spéciaux alors à la pointe de la technologie, des personnages ordinaires et attachants, plongés malgré eux dans une histoire extraordinaire.

Tarantula

Dans un laboratoire isolé, le Professeur Gerald Deemer travaille sur la formule d’un nutriment spécial et bénéfique qui permettrait d’éradiquer la famine que menace de provoquer l’accroissement de population. Jusqu’à présent ses expérimentations n’ont pas réellement donné de résultats probants, mais de sérieux déboires. Un jour qu’il s’est absenté, deux de ses collègues s’injectent le nutriment, avec des conséquences effroyables les conduisant progressivement à la mort par ce qui semble être l’acromégalie. L’un des deux meurt, tandis que l’autre attaque le professeur et lui injecte le produit avant de mourir. Pendant leur combat, une tarentule géante qui a elle aussi reçu une injection s’évade de sa cage. Dès lors, elle ne cesse de grandir jusqu’à atteindre une taille exceptionnelle et s’en prend aussi bien au bétail qu’aux humains.

Entre deux westerns, Tornade sur la ville et Crépuscule sanglant, Jack Arnold a le temps d’emballer ce petit film fantastique où toute la population de l’état de l’Arizona est menacée par une gigantesque tarentule née d’expériences scientifiques. Une fois n’est pas coutume, la créature n’est pas d’origine nucléaire, du moins pas entièrement comme cela était souvent le cas à l’époque, mais la résultante d’un sérum spécial qui contient tout de même quelques éléments radioactifs, mis au point par des savants qui ont vu leur cobaye leur échapper et aller bien au-delà de ce qu’ils pouvaient imaginer. Tarantula demeure une référence du genre.

Sur une durée plutôt ramassée (1h20) et même s’il montre un être difforme avant même le générique, Jack Arnold préserve ses effets, à tel point que les spectateurs doivent attendre au moins la moitié du film pour que la tarentule géante fasse réellement son apparition, et encore par petites touches successives. Les personnages sont installés posément, ainsi que le cadre et les enjeux scientifiques. Arnold dose ses effets. Grâce à un montage inspiré, les séquences se suivent sans ennui, d’autant plus que le metteur en scène récompense ensuite largement son audience en enchaînant les scènes de destruction et d’affrontements, sans oublier les maquillages et les incroyables effets visuels (qui donneront quelques frissons aux arachnophobes) particulièrement réussis, réalisés à partir du déplacement d’une véritable araignée incrustée dans de véritables décors.

Pourquoi Tarantula fonctionne-t-il mieux que les autres films du même acabit qui s’affrontaient dans les salles ? Parce que Jack Arnold prend son sujet au sérieux et de ce fait crée une ambiance réaliste et empathique. Evidemment, Tarantula est avant tout un divertissement, mais le réalisateur ne se moque pas des spectateurs et essaye de leur offrir le film le plus réussi possible, même s’il doit le tourner très rapidement, en dix jours seulement, tout en récupérant une partie des partitions musicales de La Créature du lac noir et du Météore de la nuit afin de faire des économies. Ce sera exactement la même chose pour L’Homme qui rétrécit, chef d’oeuvre dont nous parlerons dans un second temps.

Tarantula est une œuvre très élégante, excellemment écrite et mise en scène, magnifiquement photographiée par le grand chef opérateur George Robinson (Le Fils de Frankenstein, La Maison de Frankenstein), et interprété par des acteurs investis (la brûlante Mara Corday, ancienne playmate et Scream Queen) et charismatiques. Pour l’anecdote, le film marque la seconde apparition à l’écran d’un comédien qui allait devenir une des plus grandes stars de l’histoire du cinéma. Il s’agit d’un certain Clint Eastwood (non crédité au générique), qui interprète ici le chef de l’escadron aérien qui affronte la créature dans le dernier acte. Même s’il apparaît masqué, les fans reconnaîtront le regard de l’acteur.

Tarantula n’a absolument rien perdu de son charme, de sa magie et de sa poésie.

L’Homme qui rétrécit

Lors d’un voyage en bateau, Scott Carey est plongé dans un brouillard radioactif et subit d’étranges transformations, jusqu’à voir sa taille réduite à quelques centimètres. Soudain, des situations de la vie quotidienne se transforment en cauchemars : un chat joueur ou une araignée deviennent des monstres sanguinaires qui peuvent vous tuer à chaque instant. Carey doit alors mettre à l’épreuve tout son courage et son intelligence pour survivre dans ce monde devenu hostile…

Deux ans après Tarantula et entre deux thrillers, Fauxmonnayeurs et Le Salaire du diable, Jack Arnold réalise son chef d’oeuvre, L’Homme qui rétrécitThe Incredible Shrinking Man, d’après le roman The Shrinking Man du grand Richard Matheson (1926-2013), publié en 1956. L’écrivain signe d’ailleurs lui-même l’adaptation de son livre de science-fiction pour le grand écran. Soixante ans après sa sortie, L’Homme qui rétrécit demeure un modèle du genre avec la beauté incommensurable de ses effets spéciaux, la poésie et la philosophie du scénario, la direction artistique, la conduite du récit, la science du montage et une direction d’acteurs aussi juste que furieusement moderne.

En croisière dans le Pacifique avec son épouse Louise (Randy Stuart), Scott Carey (Grant Williams) est soudain enveloppé par un mystérieux nuage radioactif. Quelques mois plus tard, il constate avec stupeur que ses vêtements sont devenus trop grands pour lui. Il doit se rendre à l’évidence, aussi incroyable soit-elle : il a rapetissé et son poids va également en diminuant ! Les médecins lui expliquent qu’il a vraisemblablement été exposé à une radioactivité très supérieure à la moyenne. En quelques semaines, Scott passe de 1m85 à 93 centimètres. Le remède qu’on lui propose parvient à stopper sa décroissance. Hélas, ses effets s’avèrent très provisoires. Réduit à la taille d’un clou, Scott se retrouve un jour face à son chat qui le prend pour un insecte et commence à le poursuivre. Il parvient à s’en sortir indemne, mais atterrit dans la cave, qui devient alors un nouveau territoire hostile, où rôde une tarentule géante. Scott doit non seulement affronter ce nouveau danger, mais il doit également trouver de quoi manger, boire et un endroit où il puisse dormir en sécurité. Il s’arme alors d’une aiguille à tricoter qui à son échelle devient une épée, tout en trouvant refuge dans une boîte d’allumettes.

A l’instar de Tarantula, l’immense réussite de L’Homme qui rétrécit découle du sérieux avec lequel Jack Arnold empoigne son sujet. Le cinéaste y croit à fond et met en scène son film comme s’il s’agissait parfois d’un documentaire – Jack Arnold avait d’ailleurs été l’assistant du grand documentariste Robert Flaherty – sur la façon de survivre en milieu inhospitalier. Il n’y aura jamais de réelle explication sur la nature exacte du brouillard qui a enveloppé Scott et qui a entraîné son rapetissement, si ce n’est que l’homme en est une fois de plus la cause. Avec un art virtuose de l’ellipse, Jack Arnold montre les différents stades de la transformation de son personnage, tout d’abord étonné de voir ses vêtements qui se sont visiblement élargis suite à leur passage au pressing, avant de sérieusement commencer à envisager que c’est en fait lui-même qui rétrécit. Après une visite chez le médecin, il doit admettre que son corps continue de diminuer en taille, alors que son alliance glisse de son annulaire. Quelques plans suivants, alors que l’on venait de quitter Scott au volant de sa voiture, nous le retrouvons dans son salon, où il se trouve assis dans le fauteuil. Il fait la taille d’un enfant de 5 ans. La nouvelle commence à se répandre, les journalistes envahissent leur pelouse, le téléphone n’arrête pas de sonner, tout le monde veut avoir un scoop sur ce phénomène et objet de curiosité. Même le frère de Scott, visiblement attiré par l’appât du gain, l’encourage à jouer le jeu avec la presse, tandis que sa femme, très maternelle, semble se résigner à le voir rétrécir.

Louise, la femme de Scott, essaye de rester confiante, d’autant plus que le nouveau traitement semble avoir enrayé la transformation. Alors qu’il semble accepter sa nouvelle condition, surtout après rencontré par hasard une femme de petite taille, belle et épanouie, qui travaille dans un spectacle en tant que freaks, Scott, qui tombe visiblement sous le charme et qui voit que la vie demeure possible, se rend compte que le rétrécissement recommence et perd à nouveau ses moyens. Il s’enfuit. Nouvelle ellipse, il a désormais la taille d’un Playmobile et s’est installé dans une maison de poupées, qui à vrai dire ne change pas beaucoup de son domicile habituel.

Il y a deux films en un dans L’Homme qui rétrécit. Dans la première partie, le cinéaste présente ses personnages, les rend attachants en les plaçant dans le cadre banal de l’American Way of Life, jusqu’à ce que Scott soit contaminé par cette étrange atmosphère et qu’il commence à voir son corps changer. Ou comment le fantastique s’immisce dans le quotidien. Par la magie des décors, des accessoires et des incrustations, Jack Arnold rend crédible et réaliste le fait que son protagoniste rétrécisse à vue d’oeil. La séquence qui vient tout perturber est le combat cauchemardesque que Scott mène avec son chat, qui voit en lui une étrange souris, à l’issue duquel Scott se retrouve dans la cave. Un nouveau film commence, un véritable survival qui n’a absolument rien à envier à d’autres films du genre, même contemporain. De son côté, sa femme croit alors que Scott est mort, tué par son chat.

En dehors d’une voix-off réduite à son minimum à travers laquelle Scott raconte son histoire comme dans un journal de bord, L’Homme qui rétrécit devient un film quasiment dépourvu de dialogues, reposant uniquement sur la mise en scène. Et c’est fabuleux, extraordinaire et passionnant. Le spectateur suit désormais Scott, formidable et charismatique Grant Williams, découvrir ce nouvel environnement menaçant (qui lui était pourtant familier), où les fuites d’un chauffe-eau deviennent des trombes d’eau (le Marvel Ant-Man de Peyton Reed n’a évidemment rien inventé), une grille d’égout devient un précipice sans fond, une toile d’araignée devient un amoncellement de fils barbelés et le morceau de fromage placé sur une tapette à souris devient un festin convoité.

Le génie de Richard Matheson et celui de Jack Arnold s’allient pour offrir aux spectateurs l’un des plus grands, l’un des plus beaux et l’un des plus spectaculaires films fantastiques de l’histoire du cinéma. L’empathie de l’audience pour le personnage est telle qu’il n’est pas rare de cramponner les accoudoirs de son fauteuil au moment où Scott, réduit cette fois à la taille d’un dé à coudre, se retrouve coincé entre les huit pattes velues de son pire ennemi. Film d’aventures et d’action, drame et même tragédie, L’Homme qui rétrécit ne serait pas le même film sans son dénouement déchirant et ambitieux, qui ne cède en rien à la fin heureuse traditionnelle (malgré le souhait original des studios Universal), mais qui se double d’une réflexion métaphysique aussi inattendue qu’inoubliable, au même titre que l’épilogue de 2001 : l’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick. Devant se résoudre à accepter sa condition, Scott, désormais débarrassé de la menace de la tarentule, est vivant et prêt à découvrir ce nouveau monde qui s’ouvre à lui et dont il est seul à pouvoir percevoir la beauté, tout comme sa propre place dans l’univers. Scott sort finalement grandi de cette aventure.

L’Homme qui rétrécit, entré au National Film Registry et conservé à la Bibliothèque du Congrès aux Etats-Unis, souvent copié mais jamais égalé, est une étape indispensable pour les cinéphiles.

LE COFFRET

Le test des éditions HD de Tarantula et de L’Homme qui rétrécit, disponibles chez Elephant Films, a été réalisé à partir de check-discs. Cette édition contient également un livret collector rédigé par Matthieu Rostac, journaliste de « SoFilm » (48 pages), non envoyé par l’éditeur. Les menus principaux, sont animés et musicaux, jaune pour Tarantula et bleu pour L’Homme qui rétrécit.

Nous retrouvons sur les deux disques, le même portrait de Jack Arnold, dressé par l’imminent Jean-Pierre Dionnet, que l’on est heureux de retrouver en grande forme (7’). Visiblement passionné par son sujet, notre interlocuteur intervient pour réhabiliter le cinéaste, trop souvent oublié ou dont les films demeurent parfois sous-estimés, même s’il a largement contribué à renouveler le genre fantastique et l’horreur au cinéma après la Seconde Guerre mondiale. Dionnet passe en revue le parcours de Jack Arnold (avec ses débuts aux côtés du documentariste Robert Flaherty), ses sujets de prédilection, son éclectisme. Il évoque également le réalisme avec lequel le réalisateur abordait le fantastique, ce qui contribuait entre autres à la grande réussite de ses films. Jean-Pierre Dionnet clôt cette intervention en indiquant que « Jack Arnold est un maître ».

Chaque film est également présenté par le même Jean-Pierre Dionnet, qui en deux fois dix minutes, revient sur le casting, les effets visuels, les thèmes, la mise en scène, le tout ponctué d’anecdotes amusantes à l’instar des essais passés par Tamara, la tarentule star de Tarantula, qui a tellement convaincu Jack Arnold qu’il la réutilisera dans L’Homme qui rétrécit.

La section des bonus propose également une galerie de photos et des bandes-annonces.

L’Image et le son

Tarantula et L’Homme qui rétrécit sont présentés dans leur format original, dans un master entièrement restauré en Haute-Définition. Le premier avait connu une sortie plutôt confidentielle il y a dix ans chez Bach Films, tandis que le second était jusqu’alors disponible en DVD chez Universal depuis 2006, avant d’intégrer la collection Universal Classics (à la jaquette rouge) en 2012 chez le même éditeur. Les deux films font donc peau neuve chez Elephant Films, qui avait déjà édité Le Météore de la nuit et La Revanche de la créature en 2016, également en Haute-Définition. N’ayons pas peur des mots, ces Blu-ray au format 1080p sont superbes. Certes, quelques points blancs et noirs subsistent parfois, mais dans l’ensemble les copies sont immaculées et la quasi-totalité des scories a été nettoyée. Souvent tourné en extérieur, Tarantula bénéficie d’une image plus lumineuse que celle de L’Homme qui rétrécit et en dehors des stock-shots, essentiellement liés au raid aérien final, la copie HD est supérieure à celle de l’autre film de Jack Arnold, même si le piqué, la gestion du grain et des contrastes, sans oublier l’équilibre au niveau des fondus enchaînés sont du même acabit. Néanmoins, le Blu-ray de L’Homme qui rétrécit s’avère également magnifique. La restauration n’a pas cherché à gommer les couacs liés aux images composites aux images incrustées. De ce fait, les scènes durant lesquelles Scott affronte son chat et l’araignée occasionnent une définition plus vacillante, mais cela fait partie du charme du film.

Les bandes-sons ont été restaurées en version originale, disponibles en DTS-HD Master Audio Mono 2.0. Les dialogues, tout comme la musique, sont dynamiques et le confort acoustique très appréciable. Une très grande clarté qui participe également à la redécouverte des films de Jack Arnold, surtout en ce qui concerne L’Homme qui rétrécit, puisque le cinéaste joue également avec le son pour indiquer le rétrécissement du personnage principal. Si Tarantula n’est proposé qu’en version originale aux sous-titres français non imposés, nous trouvons – en plus de version anglaise – une piste française pour L’Homme qui rétrécit. Cette dernière s’avère peu convaincante avec son doublage qui semble avoir été réalisé récemment. Le résultat manque de naturel et se concentre essentiellement sur le report des voix, au détriment des effets et des ambiances annexes. Dans tous les cas, aucun souffle constaté.

Crédits images : © Universal / Elephant Films/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Belle Ensorceleuse, réalisé par René Clair

LA BELLE ENSORCELEUSE (The Flame of New Orleans) réalisé par René Clair, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 7 février 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Marlene Dietrich, Bruce Cabot, Roland Young, Mischa Auer, Andy Devine, Neville Cooper, Eddie Quillan, Laura Hope Crews, Frank Jenks

Scénario : Norman Crasna

Photographie : Rudolph Maté

Musique : Frank Skinner

Durée : 1h19

Date de sortie initiale : 1941

LE FILM

Une belle aventurière du siècle dernier fraîchement débarquée à la Nouvelle-Orléans part à la recherche d’hommes beaux et riches. Elle trouve son bonheur en la personne d’un banquier avec lequel elle décide de convoler en justes noces. Oui mais voilà, elle est loin d’être insensible au charme d’un beau marin, capitaine d’un vieux rafiot.

Suite à l’échec de l’ambitieux et décrié Le Dernier Milliardaire en 1934, le cinéaste français René Clair (1898-1981) répond positivement à une offre du producteur-réalisateur Alexander Korda : se rendre à Londres pour réaliser Fantôme à vendre, The Ghost Goes West en version originale. Cette comédie-fantastique aux effets spéciaux désuets mais furieusement poétiques, plus gros succès britannique de l’année 1935, lui permet d’enchaîner avec Fausses nouvelles avec Maurice Chevalier, succès beaucoup plus relatif, avant de se voir proposer un projet américain et non des moindres, diriger la star Marlene Dietrich ! En 1941, René Clair se retrouve donc aux commandes de La Belle EnsorceleuseThe Flame of New Orleans pour le compte des studios Universal, une comédie dans laquelle la comédienne s’amuse à jouer une escroc.

En 1840, deux pêcheurs retirent des eaux boueuses du Mississippi une robe de mariée à la dérive. La légende de la comtesse Claire Ledoux (Marlene Dietrich), noyée le jour de ses noces, prend son essor. Mais est-ce bien ce qui s’est passé ? D’autant plus que le corps n’a pas été retrouvé. Retour en arrière donc, pour éclairer ce mystère… Lorsqu’elle débarque sur les quais turbulents de La Nouvelle-Orléans, Claire Ledoux, qui n’a de comtesse que la prétention, jette son dévolu sur un banquier riche et bête, Charles Giraud (Roland Young), qu’elle s’arrange pour séduire dans les couloirs de l’opéra. Une ultime manigance doit lui assurer les faveurs du banquier mais l’intervention d’un marin, beau et pauvre, Robert Latour (Bruce Cabot, excellent et bondissant), fait échouer la manoeuvre. Claire commence par en être fâchée.

C’est une récréation pour Marlene Dietrich. René Clair apporte son sens de la mise en scène et du montage pour livrer un vrai vaudeville en costumes, qui ne laisse pas un moment de répit à ses personnages, ainsi qu’aux spectateurs. Mais ce rythme endiablé – le film dure 79 minutes – ne parvient parfois pas à masquer un scénario trop léger. Ce qui importe ici c’est d’admirer la comédienne, véritable aventurière, dans des robes sublimes, feignant de s’évanouir afin d’attirer sa prochaine cible – l’homme le plus riche de la ville si possible – à dépouiller. Il faut voir avec quelle jubilation Marlene Dietrich accentue son oeil de biche derrière son éventail (excellente ouverture à l’opéra) ou à changer de costume, d’attitude et de maquillage pour tromper son monde, en se faisant passer pour une autre, après qu’une de ses anciennes victimes l’ait reconnu. Elle est également excellemment entourée par toute une troupe de comédiens qui lui renvoient la balle avec brio, René Clair prenant soin du moindre second rôle, en particulier de la servante Clementine (Theresa Harris), complice de tous les coups de notre chère Comtesse.

La Belle ensorceleuse est une œuvre somme toute anecdotique, pour laquelle le metteur en scène met sa maestria habituelle au service d’un récit léger et souvent truculent. Avec des dialogues très drôles, des situations cocasses, une interprétation inspirée et la sublime photographie de Rudolph Maté (La Passion de Jeanne d’Arc de Carl Theodor Dreyer, Liliom de Fritz Lang), cette histoire pleine de fantaisie et de charme, portée par la composition enjouée de Frank Skiner, est à redécouvrir, surtout pour se rendre compte à quel point Marlene Dietrich était tout aussi convaincante dans le registre de la comédie, tout en conservant son image de femme fatale.

LE BLU-RAY

Disponible en DVD chez Universal depuis 2005, La Belle Ensorceleuse atterrit dans l’escarcelle d’Elephant Films, en combo Blu-ray-DVD qui plus est ! Le titre intègre l’impressionnante et sublime collection Cinéma MasterClass de l’éditeur. Le test de l’édition HD a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

Dans un premier temps, le journaliste et critique de cinéma Xavier Leherpeur propose un portrait de Marlene Dietrich (12’30). Visiblement fasciné par la comédienne – qui ne le serait pas – l’intéressé évoque les grandes étapes de sa carrière avec ce qu’il faut de propos dithyrambiques. Certes, Xavier Leherpeur est passionné par son sujet, mais il se contente essentiellement de dresser une liste de ses films les plus célèbres, ceux tournés avec Josef von Sternberg (L’Ange bleu en Allemagne, les autres aux Etats-Unis) et les artistes qui se sont inspirés du mythe Dietrich (Lauren Bacall, Rita Hayworth…Madonna), tout en évoquant brièvement le caractère farouche, indépendant et sexuel de la comédienne qui en a fait l’un des premiers modèles du mouvement féministe. Un portrait simple, pour ne pas dire simpliste, anecdotique, même si sympathique.

La présentation du film par le même Xavier Leherpeur (12’) s’avère une fois de plus décevante. Alors certes le journaliste et critique de cinéma a du bagou, mais ses propos n’ont aucun intérêt puisqu’il se contente de paraphraser les scènes clés du film. Le reste du temps, Xavier Leherpeur cite quelques films de la carrière de René Clair et aligne les superlatifs et les phrases toutes faites, sans jamais se pencher sur le fond. Passez votre chemin, surtout qu’il ne reste plus grand-chose sur les 12 minutes du supplément une fois que vous avez retiré les extraits – beaucoup trop longs – du film. Espérons que l’éditeur revienne très vite vers Jean-Pierre Dionnet.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

La Belle Ensorceleuse est disponible en Haute-Définition, dans un Blu-ray au format 1080p et dans son format respecté 1.33. La copie proposée par Elephant Films est une version restaurée. Sans être exceptionnelle, l’image se révèle correcte, même si quelques scories demeurent, ainsi que diverses tâches et griffures. La compression demeure solide, la luminosité fait plaisir, certaines séquences parviennent à sortir du lot grâce à un relief certain, tandis que les contrastes sont plutôt bien assurés. Le grain cinéma est évidemment conservé et équilibré. Peu importent les défauts constatés, les décrochages sur les fondus enchaînés et le piqué émoussé, revoir une oeuvre de René Clair est toujours un plaisir. Notons également que cette édition HD est une première mondiale.

Comme pour l’image, le son alterne le bon et le médiocre. La version anglaise DTS HD Master Audio 2.0 l’emporte haut la main sur la piste française, beaucoup plus confidentielle et qui se concentre uniquement sur le report des voix, au détriment des effets annexes et de la musique. En anglais, les dialogues sont plus dynamiques et naturels et l’écoute reste plus ou moins homogène. Si les grésillements et les saturations ne sont pas rares, au moins les partis pris originaux sont respectés. La version française propose le doublage d’époque.

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Cantique des cantiques, réalisé par Rouben Mamoulian

LE CANTIQUE DES CANTIQUES (The Song of Songs) réalisé par Rouben Mamoulian, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 7 février 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Marlene Dietrich, Brian Aherne, Lionel Atwill, Alison Skipworth, Hardie Albright, Helen Freeman

Scénario : Leo Birinsky, Samuel Hoffenstein d’après le roman de de Hermann Sudermann

Photographie : Victor Milner

Musique : Karl Hajos, Herman Hand, Bernhard Kaun, Milan Roder

Durée : 1h30

Date de sortie initiale : 1933

LE FILM

Une jeune paysanne orpheline, Lily, part vivre à Berlin chez sa tante, une libraire au tempérament bien trempé. Rapidement, elle fait la connaissance de Richard, un séduisant sculpteur dont l’atelier se trouve en face de la librairie. Charmé par les formes de la jeune femme, il lui propose de poser pour lui.

Le Cantique des cantiquesSong of songs, également connu sous un autre titre français, Cantique d’amour, est le premier film que Marlene Dietrich tourne avec un autre réalisateur que Josef von Sternberg depuis son arrivée et son triomphe aux Etats-Unis. Ce mélodrame est mis en scène par Rouben Mamoulian (1897-1987), cinéaste et producteur géorgien, d’origine arménienne. Eclectique, il commence sa carrière à la fin des années 1920 avec Applause, puis enchaîne quasiment un film par an jusqu’à la fin des années 1930. Rouben Mamoulian n’a que quatre films à son actif, dont la comédie musicale Aimez-moi ce soir avec Maurice Chevalier et surtout le film d’épouvante Docteur Jekyll et M. Hyde avec Fredric March dans le(s) rôle(s) titre(s), quand il se voit confier Le Cantique des cantiques. Marlene Dietrich connaît son premier revers avec Vénus Blonde, qui n’a pas convaincu la critique et encore moins les spectateurs. On lui propose alors une nouvelle adaptation – la troisième, après deux transpositions en 1918 et 1924 – du roman Das Hohelied (1908) de Hermann Sudermann (L’Aurore) et de la pièce de théâtre d’Edward Sheldon qui en a découlé. D’abord très réticente, tout comme Rouben Mamoulian qui détestait l’histoire originale, la comédienne accepte finalement le rôle de Lily, une jeune paysanne qui vient de perdre son père.

Lily quitte la campagne afin d’être recueillie par sa tante, Madame Rasmussen, libraire à Berlin, une femme autoritaire, rigide et légèrement portée sur l’alcool. De la fenêtre de sa chambre, Lily aperçoit un atelier de sculpteur qui la fascine. Un jour, Richard le sculpteur entre dans la librairie et semble captivé par le corps de Lily, il la persuade de venir poser pour elle. Elle accepte après avoir hésité et déjoue la surveillance de sa tante pour se rendre chez Richard qui la convainc de se déshabiller pour prendre la pose. Bientôt une très belle sculpture prend forme et les deux jeunes gens entament une idylle. Survient alors le vieux Baron von Merzbach, mécène de Richard et colonel des hussards, qui tombe en admiration devant la statue et de son modèle. Il demande à être présenté à Lily. Très vite, le Baron souhaite littéralement « s’emparer » de la jeune femme.

Manifeste féministe et critique de la femme-objet, Le Cantique des cantiques apparaît tout d’abord léger dans le ton adopté et dans l’interprétation de Marlene Dietrich, qui en fait même un peu trop dans le rôle de l’ingénue. Son personnage candide, qui n’a jamais quitté son foyer, est obligée de rejoindre la grande ville. Innocente, elle ne sait pas qu’elle risque de devenir l’objet de toutes les convoitises, même si elle dissimule son corps sous 9 jupons. Mais sa vieille tante, délaissée par ses propres enfants et qui souhaite la traiter comme sa fille, la rappelle à l’ordre et l’avertit que ses formes peuvent rendre les hommes fous. C’est alors qu’un sculpteur, Richard Waldow (Brian Aherne) rentre dans sa vie et tombe sous le charme de Lily, ou plutôt de son corps qu’il souhaite immédiatement reproduire pour une sculpture qu’un Baron (Lionel Atwill, génialement abject) lui a commandée. Lors d’une visite, ce dernier tombe lui aussi amoureux de Lily, ou plutôt de sa reproduction. Le Cantique des cantiques dresse alors le portrait d’une femme convoitée pour son corps et non pour ce qu’elle est.

Lily, rêvant du grand amour absolu, passionnée et espérant que l’homme qui l’aimera pour son âme apparaîtra un jour devant elle, se retrouve entre deux hommes. Le premier a d’abord aimé son corps avant de tomber amoureux d’elle, le second demeure fasciné par l’oeuvre d’art inspirée par le corps de Lily et jette son dévolu sur la jeune femme. Le Baron rappelle d’ailleurs à Richard que quand il souhaite acquérir quelque chose, il finit toujours par l’obtenir d’une façon ou d’une autre. Devant se résoudre à laisser partir Lily, Richard lui laisse un mot et l’informe qu’il la quitte, ne pouvant lui offrir la vie qu’elle mérite d’avoir. Cela laisse le chemin libre pour le Baron, qui épouse rapidement Lily et en fait très vite sa « chose » en lui faisant apprendre le piano et le français, mais aussi en la violant la nuit de noces en la faisant boire. Lily devient son « singe savant » qu’il exhibe avec fierté devant ses invités.

Remarquable plaidoyer pour la condition des femmes et le droit à disposer d’elles-mêmes, Le Cantique des cantiques est un film élégamment mis en scène, comprenant quelques scènes d’un érotisme rare et osé pour un film de 1933. C’est le cas du sculpteur qui caresse de façon très suggestive sa statue en regardant le corps nu de son modèle. Juste avant l’instauration du tristement célèbre Code Hays, Marlene Dietrich apparaît ici très dénudée. On comprend au final ce qui a séduit la comédienne dans cette histoire prônant l’indépendance des femmes.

LE BLU-RAY

Disponible en DVD chez Universal depuis 2005 sous le titre Cantique d’amour, Le Cantique des cantiques atterrit dans l’escarcelle d’Elephant Films, en combo Blu-ray-DVD qui plus est ! Le titre intègre l’impressionnante et sublime collection Cinéma MasterClass de l’éditeur. Le test de l’édition HD a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

Dans un premier temps, le journaliste et critique de cinéma Xavier Leherpeur propose un portrait de Marlene Dietrich (12’30). Visiblement fasciné par la comédienne – qui ne le serait pas – l’intéressé évoque les grandes étapes de sa carrière avec ce qu’il faut de propos dithyrambiques. Certes, Xavier Leherpeur est passionné par son sujet, mais il se contente essentiellement de dresser une liste de ses films les plus célèbres, ceux tournés avec Josef von Sternberg (L’Ange bleu en Allemagne, les autres aux Etats-Unis) et les artistes qui se sont inspirés du mythe Dietrich (Lauren Bacall, Rita Hayworth…Madonna), tout en évoquant brièvement le caractère farouche, indépendant et sexuel de la comédienne qui en a fait l’un des premiers modèles du mouvement féministe. Un portrait simple, pour ne pas dire simpliste, anecdotique, même si sympathique.

En revanche, la présentation du film par le même Xavier Leherpeur (13’) manque singulièrement d’intérêt. Le journaliste et critique de cinéma ne fait que paraphraser ce qui se déroule dans le film en indiquant ici et là une petite information anecdotique, en indiquant qu’il trouve la scène « formidable », sans jamais revenir une seule fois sur les conditions de tournage ou sur le fait que ni Rouben Mamoulian ni Marlene Dietrich ne voulaient au départ faire le film. En introduction, un panneau indique que des éléments de certaines scènes clés sont dévoilés. En réalité il n’y a que cela, le tout entrecoupé d’extraits beaucoup trop longs du film.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Le master HD au format 1080p du Cantique des cantiques n’est pas aussi convaincant que celui de Vénus Blonde. Cette édition pourtant restaurée contient encore quelques points, griffures, rayures et poussières, surtout durant le générique en ouverture, avec diverses instabilités. Signalons que ces défauts tendent à s’amenuiser au fil du visionnage. Si le N&B retrouve une certaine fermeté, une clarté plaisante et une densité indéniable, le piqué et la gestion du grain restent aléatoires. Au début du film, Rouben Mamoulian use de certains stockshots qui n’ont évidemment pas été restaurés comme le reste du film et se voient donc comme le nez au milieu de la figure. Des fondus enchaînés décrochent, un bruit vidéo est notable mais aidé par un encodage solide, un effet de pompage peut agacer sur les scènes sombres, tandis que d’autres sortent du lot et se révèlent particulièrement belles – la superbe photo diffuse est signée Victor Milner (Haute pègre, L’odyssée du docteur Wassell) – détaillées et dignes du support Blu-ray made in Elephant. La copie est proposée dans son format 1.33 respecté.

La bande-son semble avoir été restaurée également car peu de craquements sont à déplorer. Les dialogues, tout comme la musique, demeurent propres et distincts sur cette piste unique DTS-HD Master Audio Mono 2.0. Certains échanges sont peut-être plus étouffés que d’autres, un petit souffle est audible du début à la fin, mais le confort acoustique est appréciable. Précisons que le spectateur devra actionner lui-même les sous-titres français en début de film et que la dernière réplique n’a pas été traduite !

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Vénus Blonde, réalisé par Josef von Sternberg

VÉNUS BLONDE (Blonde Venus) réalisé par Josef von Sternberg, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 7 février 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Marlene Dietrich, Herbert Marshall, Cary Grant, Dickie Moore, Gene Morgan, Rita La Roy

Scénario : Jules Furthman, S.K. Lauren d’après une idée originale de Josef von Sternberg

Photographie : Bert Glennon

Musique : W. Franke Harling, John Leipold, Paul Marquardt, Oscar Potoker

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 1932

LE FILM

Edward Faraday, un chimiste américain, est tombé follement amoureux d’une chanteuse de cabaret allemande, Helen, qu’il a aperçue se baignant dans un lac de montagne. Il a tant et si bien fait qu’il l’a épousée et que le couple s’est installé aux Etats-Unis. Helen a abandonné la scène et se consacre entièrement à leur fils, Johnny. Elle apprend un jour qu’Edward a été victime de radiations, dans son laboratoire et qu’il doit partir en Europe pour une cure. Le traitement que le malheureux doit subir s’avère très onéreux et Helen décide de reprendre son ancien métier. Elle fait alors la connaissance d’un séduisant milliardaire qui lui fait une cour pressante…

En 1930, L’Ange bleuDer blaue Engel marque non seulement la première collaboration entre Marlene Dietrich (1901-1992) et le réalisateur Josef von Sternberg (1894-1969), mais aussi le sacre pour la comédienne et chanteuse qui explose alors aux yeux des spectateurs. Parallèlement, c’est aussi le premier film parlant du cinéma allemand. Alors que la Paramount souhaite trouver une actrice concurrente à Greta Garbo choyée par la Metro-Goldwyn-Mayer, Josef von Sternberg recommande au studio sa nouvelle protégée avant même que L’Ange bleu ne sorte sur les écrans. Marlene Dietrich signe un contrat de 1250 dollars la semaine avec la Paramount et débarque aux Etats-Unis. Josef von Sternberg va largement contribuer à créer le mythe Marlene Dietrich, alors quasi-inconnue chez l’Oncle Sam. Le cinéaste et son actrice tourneront six films aux Etats-Unis : Cœurs brûlésMorocco (1930), Agent X 27Dishonored (1931), Shanghaï Express (1932), Vénus Blonde (1932), Le Cantique des cantiquesSong of Songs (1933), L’Impératrice rougeThe Scarlet Empress (1934) et La Femme et le PantinThe Devil is a Woman (1935). Marlene Dietrich devient très vite une star et obtient même une nomination à l’Oscar de la meilleure actrice pour son premier film en langue anglaise. Les films suivants ne vont faire qu’accroître sa célébrité, tandis que les spectateurs demeurent fascinés par la femme derrière l’actrice. Le film qui nous intéresse, Vénus Blonde, est donc la cinquième collaboration Sternberg/Dietrich.

S’il n’obtiendra pas le même succès que les précédents, ce long métrage n’en demeure pas moins une immense réussite. Un magnifique portrait de femme, transcendé par la prestation de sa comédienne qui enflamme la pellicule. De son côté, Josef von Sternberg, toujours inspiré par sa muse, signe une de ses plus belles mises en scène. Si les spectateurs n’ont pas accueilli ce film comme il le méritait, c’est parce que le cinéaste a voulu montrer une autre facette de la comédienne, loin de la femme fatale que l’audience adorait retrouver. Marlene Dietrich interprète ici Helen, une ancienne danseuse de cabaret venue d’Allemagne, mariée à un chimiste américain, Edward Faraday (Herbert Marshall), malheureusement gravement irradié par du radium. Pour gagner de l’argent dans le but de soigner son mari en Europe, Helen retourne sur scène, dans le rôle de « la Vénus blonde », et obtient chaque nuit un vif succès, y compris lors de son numéro où elle apparaît…déguisée en gorille. Après un striptease des plus affriolants, elle revêt une perruque blonde afro avant d’entamer sa chanson. Elle se sent aussi très attirée par un fringant homme politique, Nick Townsend (Cary Grant dans un de ses premiers films), captivé par la Vénus blonde, qui va lui offrir un soutien financier. Elle fait alors croire à Edward d’avoir obtenu une avance. Grâce à cet argent, Edward peut partir en Allemagne avec l’espoir d’être sauvé par la médecine. Durant son absence, Helen tombe dans les bras de Townsend. Mais Edward revient plus tôt que prévu et découvre son appartement vide et comprend la situation. Helen s’enfuit avec leur fils.

On admire Marlene Dietrich incarner une mère au foyer, aimante, dévouée à son mari, qui a dû arrêter sa carrière pour s’occuper de leur fils, tout en assistant parfois son mari dans ses recherches. Vénus Blonde montre ensuite une femme qui reprend progressivement son indépendance, certes par amour, mais qui décide par elle-même, qui assume ses choix et la conséquence de chacun de ses actes, y compris lorsque ceux-ci s’avèreront mauvais et les conduiront à la rue elle et son enfant de cinq ans. Helen ne baissera jamais les bras, parviendra à s’en tirer un temps en se livrant à la prostitution, mais devra se résoudre à laisser son mari reprendre leur fils. Film à ellipses, Vénus Blonde suit l’itinéraire du personnage d’Helen, son nouveau succès, sa déchéance, sa nouvelle rédemption. Josef von Sternberg ne lâche jamais Marlene Dietrich, filme son corps quasi-nu dans sa première scène (le Code Hays n’entrera en vigueur que deux ans plus tard), son merveilleux visage, ses traits et expressions, sauf quand le personnage doit se résoudre à l’inévitable. La comédienne est alors filmée de dos, le visage dissimulé par un chapeau. Sans une larme et sans un cri.

Vénus Blonde est un très grand film et probablement un des plus beaux rôles féminins du cinéma des années 1930. Mais aucune actrice n’aurait pu l’interpréter comme Marlene Dietrich, dont la véritable personnalité sert ici de terreau à l’incarnation d’Helen. C’est là toute la magie de l’éternelle Marlene, incarner un nouveau personnage tout en étant elle-même à l’écran. On ne voit « qu’elle » quand elle chante Hot Voodoo, You Little So-and-so et I Couldn’t Be Annoyed vêtue d’un smoking blanc et d’un haut-de-forme, mystérieuse, déterminée, indomptable. Vénus Blonde évite le côté mélo larmoyant grâce à la sublime et intense interprétation de Marlene Dietrich et la mise en scène sans cesse inspirée, exceptionnelle et d’une modernité à couper le souffle.

LE BLU-RAY

Disponible en DVD chez Universal depuis 2005, Vénus Blonde atterrit dans l’escarcelle d’Elephant Films, en combo Blu-ray-DVD qui plus est ! Le film intègre l’impressionnante et sublime collection Cinéma MasterClass de l’éditeur. Le test de l’édition HD a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

Dans un premier temps, le journaliste et critique de cinéma Xavier Leherpeur propose un portrait de Marlene Dietrich (12’30). Visiblement fasciné par la comédienne – qui ne le serait pas – l’intéressé évoque les grandes étapes de sa carrière avec ce qu’il faut de propos dithyrambiques. Certes, Xavier Leherpeur est passionné par son sujet, mais il se contente essentiellement de dresser une liste de ses films les plus célèbres, ceux tournés avec Josef von Sternberg (L’Ange bleu en Allemagne, les autres aux Etats-Unis) et les artistes qui se sont inspirés du mythe Dietrich (Lauren Bacall, Rita Hayworth…Madonna), tout en évoquant brièvement le caractère farouche, indépendant et sexuel de la comédienne qui en a fait l’un des premiers modèles du mouvement féministe. Un portrait simple, pour ne pas dire simpliste, anecdotique, même si sympathique.

Xavier Leherpeur est de retour pour présenter Vénus Blonde (12’). La plupart du temps, le journaliste se contente de paraphraser les quelques grandes séquences du film, y compris la fin. Même si l’éditeur indique que ce module contient quelques spoilers, dont le dénouement de l’intrigue, nous vous conseillons évidemment de visionner cette « introduction » après le film. Xavier Leherpeur remet Vénus Blonde dans son contexte, ainsi que dans la carrière de Marlene Dietrich et de Josef von Sternberg. Il évoque également les thèmes, la mise en scène, la photographie, l’échec commercial du film et tente de comprendre ce qui a pu décontenancer les spectateurs américains à sa sortie, tout en abordant la psychologie du personnage principal.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Vénus Blonde fait peau neuve en Haute-Définition chez Elephant Films, dans un magnifique Blu-ray au format 1080p. Si le générique reste très légèrement marqué par des rayures verticales, le N&B s’impose immédiatement avec une clarté étonnante, des contrastes denses, une large palette de gris, un grain cinéma excellemment géré. L’image est d’une stabilité à toute épreuve, hormis d’inévitables décrochages sur les nombreux fondus enchaînés et divers stockshots visibles avec un aspect plus grumeleux. Toujours est-il que Vénus Blonde, présenté ici dans son format respecté 1.33, ne fait vraiment pas ses 85 ans ! Ce master offre de formidables conditions pour (re)découvrir le film de Josef von Sternberg. On ne saurait faire mieux.

Seule la version originale est disponible en DTS-HD Dual Mono Mono 2.0. Les dialogues, tout comme la musique et les chansons, demeurent propres et distincts. Certains échanges sont peut-être plus étouffés que d’autres, un petit souffle est parfois audible, mais rien d’important. Le confort acoustique reste très appréciable.

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Clan des irréductibles, réalisé par Paul Newman

LE CLAN DES IRREDUCTIBLES (Sometimes a Great Notion) réalisé par Paul Newman, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 2 mai 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Paul Newman, Henry Fonda, Lee Remick, Michael Sarrazin, Richard Jaeckel, Linda Lawson

Scénario : John Gay d’après le roman “Sometimes a Great Notion” de Ken Kesey

Photographie : Richard Moore

Musique : Henry Mancini

Durée : 1h54

Date de sortie initiale : 1970

LE FILM

Les Stamper sont une famille de bûcherons vivant dans une petite ville de l’Oregon. Le village est en faillite et les autres bûcherons entrent en grève. Mais Hank Stamper pousse sa famille à poursuivre le travail, ce qui provoque l’animosité des autres…

En 1971, Paul Newman signe Le Clan des irréductibles, son deuxième long métrage en tant que metteur en scène après Rachel, Rachel (1968) et avant le merveilleux De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites (1972). Bien que le cinéaste l’ait ensuite renié après avoir remplacé Richard A. Colla qui avait commencé à réaliser le film, mais qui s’est désisté en plein tournage en raison de divergences artistiques avec l’acteur principal, Sometimes a Great Notion s’avère une véritable pépite cachée au sein de la filmographie déjà impressionnante de Paul Newman, également producteur avec son associé John Foreman.

Ce film magnifique est l’adaptation du livre engagé et militant de Ken Kesey, l’auteur de Vol au-dessus d’un nid de coucou. En mettant sa mise en scène au service de l’histoire et des comédiens, sans effets ostentatoires, Paul Newman réalise un très grand film mélancolique marqué par ses thèmes de prédilection, la jeunesse perdue, les idéaux qui se sont envolés, les rapports père/fils, le quotidien social tourmenté et la solitude d’une famille tout en dressant un constat amer social, économique et politique de l’entrée des Etats-Unis dans les années 70 après la guerre du Vietnam. Reposant sur un casting quatre étoiles (et aux yeux bleus), dont le cinéaste lui-même, Henry Fonda, Lee Remick, Richard Jaeckel, Michael Sarrazin, Le Clan des irréductibles démontre une fois de plus le grand directeur d’acteurs qu’était Paul Newman. Entre sensibilité à fleur de peau et bouillonnements intérieurs, le récit dévoile la richesse des personnages, leurs tourments, leurs secrets, à travers des non-dits, des regards, des conversations avortées. Mais Le Clan des irréductibles subjugue également par son ton quasi-documentaire du quotidien d’une famille de bûcherons sur le chantier d’abattage (ou symboles d’une Amérique qui s’effondre), de 4h30 du matin jusqu’à la tombée de la nuit.

Au milieu des immenses forêts de l’Oregon, les Stamper, bûcherons de père en fils, possèdent une entreprise indépendante d’abattage de bois. Henry (Henry Fonda), le chef de famille, décide, avec son fils Hank (Paul Newman) et son gendre Joe Ben (Richard Jaeckel, nommé à juste titre pour l’Oscar du meilleur second rôle masculin), de ne pas s’associer au mouvement de grève lancé par les bûcherons syndiqués de la ville de Wakonda pour défendre leur activité contre l’arrivée d’un conglomérat. Les Stamper se heurtent alors à l’hostilité de la population alentour. Lorsque Leeland (Michael Sarrazin, découvert dans On achève bien les chevaux), le second fils d’Henry, débarque dans la demeure familiale après dix ans d’absence (une séquence qui fait écho à l’ouverture du premier Rambo), il admet difficilement cette situation, d’autant plus que sa présence fait remonter à la surface de pénibles souvenirs familiaux. De son côté, Viv (Lee Remick, magnétique), la femme de Hank et sensible au charme de Leeland, supporte de plus en plus mal la domination brutale des hommes de la maison et pense peut-être quitter la maison. Malgré les épreuves et les menaces, les liens du clan Stamper se resserrent à travers la lutte qui l’oppose aux grévistes.

Paul Newman plonge ses personnages – qu’il ne ménage pas et qui n’inspirent pas forcément la sympathie – au milieu de paysages sublimes, les montre en plein travail à travers une mise en scène sans cesse inspirée, délicate, caressante. Soutenu par la magnifique photographie du chef opérateur Richard Moore (Virages), le metteur en scène instaure un spleen qui lui est propre et qui prendra tout son essor dans De l’influence des rayons gamma sur le comportement des marguerites. Il y a du John Ford chez Paul Newman – on pense alors à Qu’elle était verte ma vallée ou bien encore aux Raisins de la colère avec Henry Fonda qui fait le lien – qui montre également la violence et les risques du métier de manière frontale, à l’instar de cette séquence hallucinante où un arbre se fend et entraîne avec lui Henry et Joe Ben. Quand ce dernier, probablement empalé sur un tronc flottant, se retrouve à la merci de la montée des eaux et que Hank tente de l’en sortir, le suspense est à son comble. Cette scène très difficile est déconseillée aux âmes sensibles. Un extraordinaire moment de mise en scène et d’émotions. On se dit d’ailleurs que c’est peut-être une des plus grandes séquences dramatiques jamais tournées.

Sur la superbe composition d’Henry Mancini, la beauté et la violence des dialogues, ce diamant brut, pudique, psychologique, brutal, complexe et pourtant non dépourvu d’humour cynique et d’espoir, qui s’impose de minute en minute, de scène en scène, est à redécouvrir de toute urgence.

LE BLU-RAY

Le Clan des irréductibles est disponible en combo Blu-ray-DVD chez Elephant Films. Le test de l’édition HD a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est élégant, animé et musical.

En guise de suppléments, outre une galerie de photos, un lot de bandes-annonces et les credits du Blu-ray, Elephant Films convoque Sophie Serbinide, journaliste à SFR Sport, ainsi que son confrère Charles Alf Lafon de So Film. Dans ces entretiens croisés, les deux journalistes proposent un portrait de Paul Newman (15’). L’homme engagé, le mari, le père, l’acteur, le réalisateur, le sportif, toutes ces facettes sont abordées en un petit quart d’heure plutôt plaisant qui donne envie de se refaire une petite rétrospective consacrée à ce monstre hollywoodien.

L’Image et le son

Que dire si ce n’est que nous nous trouvons devant une remarquable restauration du film de Paul Newman. On oublie rapidement les deux ou plans plus flous ou grumeleux, car dès la première séquence, le master HD du Clan des irréductibles en met plein la vue et permet d’apprécier la sensationnelle photographie du chef opérateur Richard Moore ainsi que les extraordinaires paysages naturels de l’Oregon. Le piqué est constamment ciselé, la texture du grain toujours palpable, la luminosité chronique (mention spéciale aux scènes d’abattage) et les détails omniprésents aux quatre coins du cadre large. Les contrastes affichent également une solidité à toutes épreuves sur les scènes nocturnes et diurnes, le relief est indéniable, la colorimétrie est chatoyante et la profondeur de champ impressionnante. Un lifting de très grande classe.

Le Clan des irréductibles est disponible en version originale et française DTS-HD Master Audio 2.0. La première instaure un confort acoustique plaisant avec une délivrance suffisante des dialogues, des effets annexes convaincants et surtout une belle restitution de la musique. La piste française se focalise souvent sur les voix au détriment des ambiances environnantes, même si le doublage est particulièrement réussi. Les deux options acoustiques sont propres et dynamiques.

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr