Test Blu-ray / Panique année zéro, réalisé par Ray Milland

PANIQUE ANNÉE ZÉRO (Panic in Year Zero!) réalisé par Ray Milland, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 18 mai 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Ray Milland, Jean Hagen, Frankie Avalon, Mary Mitchel, Joan Freeman, Richard Garland, Richard Bakalyan, Rex Holman…

Scénario : Jay Simms & John Morton

Photographie : Gilbert Warrenton

Musique : Les Baxter

Durée : 1h28

Date de sortie initiale : 1962

LE FILM

Tandis que la famille Baldwin est en route pour un week-end à la campagne, Los Angeles est victime d’une attaque nucléaire. Réalisant peu à peu l’ampleur de l’événement, ils vont devoir s’organiser pour se mettre à l’abri, survivre et faire face aux survivants, dont certains sont prêts à tout.

En 1962, un an après l’érection du mur de Berlin, quelques semaines après le débarquement de la baie des Cochons et trois mois avant la Crise des missiles de Cuba, le péril atomique fait trembler la planète. Une Troisième Guerre mondiale semble imminente. Le cinéma s’empare de cette paranoïa omniprésente et internationale. Plusieurs films vont alors traiter, à leur façon, de cette hystérie qui couve, The Creation of the Humanoids de Wesley Barry, La Jetée de Chris Marker, This Is Not a Test de Fredric Gadette et Panique année zéro – Panic in Year Zero! de Ray Milland. En effet, l’acteur d’Uniformes et jupon court, Le Poison (Prix d’interprétation masculine au Festival de Cannes et Oscar du meilleur acteur), Californie, terre promise, La Fille sur la balançoire, Espions sur la Tamise, Un pacte avec le diable et Le Crime était presque parfait était déjà passé derrière la caméra à plusieurs reprises et ce depuis 1955, année d’Un homme traqué A Man Alone. Si ses travaux en tant que réalisateur seront essentiellement destinés à la télévision, Ray Milland dirigera également quatre autres longs-métrages pour le cinéma, dont Panique année zéro, survival (il s’agissait d’ailleurs du titre original), film de science-fiction à tout petit budget, mais rempli d’imagination et qui repose sur un script malin signé Jay Simms (The Giant Gila Monster, Les Musaraignes tueuses et cette fois encore de The Creation of the Humanoids), d’après deux nouvelles de Ward Moore, L’Aube des nouveaux jours (Lot, 1953) et Les Nouveaux Jours (Lot’s Daughter, 1954), contes post-apocalyptiques d’inspiration biblique. En dépit d’un manque évident de moyens, Ray Milland se défend très bien à la mise en scène et livre un opus bourré de charme, pas si sympathique que ça, qui rend compte de la complexité et de la noirceur de l’âme humaine en cas de situation extrême. Panique année zéro est à la fois rétro dans sa forme, mais on ne peut plus d’actualité…

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Test Blu-ray / Les Chasseurs de scalps, réalisé par Sydney Pollack

LES CHASSEURS DE SCALPS (The Scalphunters) réalisé par Sydney Pollack, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 7 avril 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Burt Lancaster, Shelley Winters, Telly Savalas, Ossie Davis, Dabney Coleman, Paul Picerni, Dan Vadis, Armando Silvestre…

Scénario : William W. Norton

Photographie : Duke Callaghan & Richard Moore

Musique : Elmer Bernstein

Durée : 1h43

Date de sortie initiale : 1968

LE FILM

En 1850, dans les Montagnes Rocheuses. Un trappeur, Joe Bass, rencontre des Indiens Kiowas, qui lui proposent d’échanger ses fourrures contre un esclave noir. Joe est obligé d’accepter. Plus tard, il retrouve les Indiens scalpés. Il décide de retrouver ses chasseurs, payés par l’Etat, afin de reprendre ses fourrures.

Sydney Pollack (1934-2008) doit comme qui dirait les débuts de sa carrière à Burt Lancaster (1913-1994), ce dernier ayant remarqué le talent qui couvait chez ce jeune aspirant metteur en scène sur le tournage du Temps du châtiment de John Frankeinheimer (1961) où il officiait comme stagiaire, l’avait encouragé et fait sa promo auprès de quelques gens importants des studios. C’est tout d’abord à la télévision qu’il va faire ses classes, en mettant en boite moult épisodes de séries diverses et variées (Bob Hope Presents the Chrysler Theatre, Haute tension, Ben Casey, The Law and Mr. Jones, Shotgun Slade), avant de signer son premier long-métrage en 1965, 30 minutes de sursis The Slender Thread, avec Sidney Poitier, Anne Bancroft et Telly Savalas. Il enchaîne très vite sur Propriété interdite This Property Is Condemned, d’après une pièce de Tennessee Williams et un scénario de Francis Ford Coppola, sur lequel il dirige Robert Redford, Natalie Wood et Charles Bronson. 1968, Sydney Pollack dirige enfin Burt Lancaster dans un western quelque peu tardif, Les Chasseurs de scalps The Scalphunters, d’après une histoire de William W. Norton, futur auteur du formidable The Hunting Party Les Charognards (1971) de Don Medford et de White Lightning Les Bootleggers de Joseph Sargent (1973). Alors qu’On l’appelle Trinita – Lo chiamavano Trinità… n’était même pas encore sorti, le troisième long-métrage du réalisateur flirtait déjà avec le western parodique, sans se vautrer complètement dans la comédie (au contraire de Cat Ballou d’Elliot Silverstein sorti trois ans plus tôt), mais comporte tout de même beaucoup d’humour et même quelques séquences quasi-burlesques, qui contrastent avec la violence sèche des affrontements. Chasse à l’homme, survival, road-trip, comédie, buddy-movie, Les Chasseurs de scalps est bel et bien et avant tout un vrai et excellent western.

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Test Blu-ray / Rock-O-Rico, réalisé par Don Bluth

ROCK-O-RICO (Rock-A-Doodle) réalisé par Don Bluth, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 6 avril 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Glen Campbell, Ellen Greene, Christopher Plummer, Sorrell Booke, Eddie Deezen, Phil Harris, Sandy Duncan, Dee Wallace, Eddy Mitchell, Lio, Tom Novembre…

Scénario : Don Bluth, John Pomeroy, David J. Steinberg, David N. Weiss, T.J. Kuenster & Gary Goldman, d’après la pièce Chantecler d’Edmond Rostand

Photographie : Robert Paynter

Musique : Robert Folk

Durée : 1h14

Date de sortie initiale : 1991

LE FILM

Pour les animaux de la basse-cour, le soleil ne se lève que lorsque le coq se met à chanter. Or, ce matin-là, Chanteclerc, le coq le plus rock’n roll de la ferme a oublié de chanter et le soleil s’est quand même levé. Ridiculisé, il décide de quitter la ferme. Une bonne nouvelle pour le Grand Duc, le hibou qui va pouvoir faire régner la nuit éternelle. Pour les autres animaux de la ferme, un seul objectif : faire revenir leur coq.

Quelle énergie, quelle fougue, quelle frénésie ! Plus de trente ans après sa sortie, Rock-O-Rico, ou Rock-A-Doodle en version originale demeure à la fois l’un des opus les plus méconnus sans doute de Don Bluth, et paradoxalement l’un de ses plus ambitieux en matière d’animation. On reconnaît bien là le style, la griffe, la patte de l’auteur de Brisby et le secret de NIMH (1982), de Fievel et le Nouveau Monde (1986) et du Petit dinosaure et la vallée des merveilles (1988), qui a très longtemps placé le réalisateur en digne héritier, mais aussi en concurrent direct des productions Disney, où Don Bluth (né en 1937) aura officié pendant près d’une dizaine d’années, en oeuvrant sur Robin des Bois, Les Aventures de Bernard et Bianca, ou bien encore Rox et Rouky. Après trois beaux succès internationaux, Charlie, mon héros connaît un certain revers au box-office. Si les résultats ne sont pas catastrophiques (le film rapporte 27 millions aux Etats-Unis), ils sont loin d’égaler ceux des deux précédents. Don Bluth jette son dévolu sur un projet de longue date, un scénario inspiré librement de Chantecler d’Edmond Rostand, envisagé par Walt Disney et son équipe au cours des années 1960. Rock-O-Rico repose sur une histoire de David N. Weiss (producteur des Razmoket, futur scénariste de Shrek 2), même s’ils sont six à avoir planché sur ces aventures, dont le fidèle Gary Goldman, également coréalisateur. Il en résulte un film quelque peu hybride, d’ailleurs Rock-O-Rico contient des séquences live, tournées avec de véritables comédiens, ce qui renvoie parfois à Peter et Elliott le dragon de Don Chaffey, sur lequel Don Bluth était chargé de l’animation de la créature, ainsi qu’au Magicien d’Oz. Rock-O-Rico est branché sur cent mille volts et ne laisse pas un moment de répit aux spectateurs, qui comme le personnage principal d’Edmond, se retrouvent emportés dans une tornade de rebondissements, d’action, de chansons, de musique, d’émotions et de couleurs qui ne s’arrêtent jamais.

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Test DVD / Mise en scène with Arthur Penn (Une conversation), réalisé par Amir Naderi

MISE EN SCÈNE WITH ARTHUR PENN (UNE CONVERSATION) (Mise en scène with Arthur Penn (a conversation)) réalisé par Amir Naderi, disponible en DVD le 1er mars 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Arthur Penn

Photographie : Amir Naderi

Durée : 6h

Date de sortie initiale : 2014

LE FILM

En 2002, le réalisateur iranien Amir Naderi, passionné par le travail d’Arthur Penn, entame avec celui un long entretien, qu’il enregistre chez le cinéaste au fil de multiples rendez-vous. A ce jour, jamais le public n’avait pu voir ces échanges, en dehors d’une version courte projetée il y a quelques années au Festival de Venise.

Jean-Pierre Vasseur, le grand manitou de Rimini Editions, a toujours eu une immense affection pour le cinéma d’Arthur Penn. Après le DVD de Georgia, les Blu-ray de Missouri Breaks et de Miracle en Alabama, sans oublier le combo consacré au merveilleux Alice’s Restaurant, l’éditeur propose cette pièce de résistance, qui trônera fièrement dans votre DVDthèque, Mise en scène with Arthur Penn (une conversation), un document exceptionnel présenté dans sa version intégrale de six heures ! Le dispositif est simple, en 2002, Arthur Penn, à l’aube de ses 80 ans, accepte de s’entretenir avec le réalisateur iranien Amir Naderi (Le Coureur, L’eau, le vent, la poussière), face caméra, seul, chez lui dans son appartement new-yorkais, regardant son interlocuteur droit dans les yeux. Enregistré sur plusieurs jours, parfois éloignés de quelques semaines, cette interview rétrospective aborde des sujets divers et variés, comme l’enfance du cinéaste, qui n’a cessé d’être ballotté entre son père et sa mère divorcés, sur son amour pour les femmes (qu’il mettra en valeur tout au long de son illustre carrière, sur scène comme au cinéma), sa passion pour Howard Hawks, George Stevens, John Ford, William Wyler, Joseph L. Mankiewicz, Orson Welles, Akira Kurosawa, Ingmar Bergman, Elia Kazan, Robert Bresson, Louis Malle, Jean-Luc Godard, François Truffaut, Claude Chabrol (la Nouvelle vague a été déterminante dans son approche du cinéma, notamment en ce qui concerne l’utilisation de la caméra comme moyen de raconter une histoire), Gregg Toland et Ghislain Cloquet (directeurs de la photographie), Federico Fellini, Roberto Rossellini, Martin Ritt, Robert Towne, Horton Foote, Jack Smight, Warren Beatty, Vittorio De Sica, Bernardo Bertolucci, George Sidney, Raoul Walsh Nicholas Ray, Fred Zinnemann, que ça soit pour leur travail et/ou pour leur personne, Arthur Penn ayant pu rencontrer certains de ces grands noms au fil de sa vie.

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Test Blu-ray / Les Pirates du métro, réalisé par Joseph Sargent

LES PIRATES DU MÉTRO (The Taking of Pelham One Two Three) réalisé par Joseph Sargent, disponible en Combo Blu-ray + DVD + DVD de bonus le 5 avril 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Walter Matthau, Robert Shaw, Martin Balsam, Hector Elizondo, Earl Hindman, James Broderick, Dick O’Neill, Lee Wallace…

Scénario : Peter Stone, d’après le roman de John Godey

Photographie : Owen Roizman

Musique : David Shire

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

À New York, quatre hommes armés, utilisant des couleurs comme noms, prennent en otage une voiture de métro et demandent une rançon d’un million de dollars pour la libération des passagers. Le Lieutenant Zachary Garber de la police du métro de New York doit gérer cette affaire, alors même qu’il doit faire visiter le centre de contrôle du réseau à des responsables du métro de Tōkyō.

Les Pirates du métro The Taking of Pelham 123 est réalisé en 1974 par Joseph Sargent. De son vrai nom Giuseppe Danielle Sorgente, il naît en 1925 dans le New Jersey et commence sa carrière au cinéma en tant qu’acteur. Il attrape le virus de la comédie quand il a une dizaine d’années, au moment où il reçoit une caméra 8 mm de la part de son oncle, avec laquelle il s’amuse à réaliser et à interpréter quelques courts métrages bien évidemment amateurs. Il intègre ensuite les rangs de l’Actors Studios dans les années 1940 et commence à se produire à Broadway dans quelques pièces, tout en multipliant les apparitions dans diverses séries télévisées, comme Peter Gunn ou The Lone Ranger. Il apparaît également comme figurant dans Tant qu’il y aura des hommes de Fred Zinnemann en 1953. Mais au milieu des années 1950 Joseph Sargent change son fusil d’épaule et souhaite devenir réalisateur. Il a l’opportunité de mettre en scène son premier long-métrage en 1959, Streetfighter, un drame à petit budget, écrit et interprété par Vic Savage, qui raconte l’histoire d’un jeune délinquant en quête de rédemption, après la mort de celle qu’il aimait. Mais c’est véritablement au cours de la décennie suivante que Joseph Sargent va apprendre son métier et surtout s’épanouir derrière la caméra, en réalisant moult épisodes de séries télévisées diverses et variées, Lassie, Gunsmoke, Les Envahisseurs, Bonanza, Le Fugitif, Opération vol et surtout Des agents très spéciaux. En 1966-1967, sortent deux longs-métrages, Un espion de trop et L’Espion au chapeau vert, qui sont en fait constitués chacun de deux épisodes de la série tirés de la seconde et de la troisième saison. Puis Joseph Sargent signe un film de guerre avec Claudia Cardinale et Rod Taylor, Tous les héros sont morts. Au début des années 1970, Joseph Sargent va signer son premier chef d’oeuvre, Le Cerveau d’acier Colossus : The Forbin Projet, sublime film de science-fiction apocalyptique, dans lequel Eric Braden, « monsieur Moustaches » des Feux de l’amour, qui avait alors une carrière intéressante au cinéma (Les Evadés de la planète des singes ou Les 100 fusils de Tom Gries), affrontait une intelligence artificielle, sur le point de prendre le contrôle de la Terre et de ses habitants. Toutes proportions gardées bien sûr, cette relecture glaçante du mythe de Prométhée apparaît comme un chaînon manquant entre 2001 l’odyssée de l’espace de Stanley Kubrick et Point Limite de Sidney Lumet. Méconnu et néanmoins précurseur, ce film aurait grandement inspiré James Cameron pour la création du Skynet de Terminator. Tout en continuant son travail pour la télévision, entre téléfilms et séries télévisées, il a d’ailleurs réalisé l’épisode de Kojak, Joseph Sargent reçoit de plus en plus de propositions pour le cinéma. En 1972, il commence le tournage d’un western, Buck et son complice, avec Sidney Poitier et Harry Belafonte, mais suite à des divergences avec la production, il est débarqué du tournage peu de temps après le début des prises de vues. Il sera remplacé par Sidney Poitier lui-même. Il enchaîne avec The Man Le numéro 4, téléfilm dans lequel James Earl Jones interprète le premier président des Etats-Unis afro-américain. Un téléfilm qui connaîtra une petite exploitation dans les salles et qui deviendra culte, au point d’être projeté lors de la première investiture de Barack Obama en 2009. Puis, Joseph Sargent réalise un film d’action avec Burt Reynolds, Les Bootlegers, dont l’acteur réalisera une suite trois ans plus tard et avec laquelle il fera lui-même ses débuts à la mise en scène. On lui propose alors de prendre les manettes des Pirates du métro.

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Test Blu-ray / L’Autoroute de l’enfer, réalisé par Ate de Jong

L’AUTOROUTE DE L’ENFER (Highway to Hell) réalisé Ate de Jong, disponible en Édition Collector Blu-ray + DVD + Livret le 10 mars 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Patrick Bergin, Adam Storke, Chad Lowe, Kristy Swanson, Pamela Gidley, Jarrett Lennon, C.J. Graham, Richard Farnsworth…

Scénario : Brian Helgeland

Photographie : Robin Vidgeon

Musique : Hidden Faces

Durée : 1h30

Date de sortie initiale : 1991

LE FILM

Décidés à se marier malgré l’opposition de leurs familles, Charlie et Rachel se rendent à Las Vegas. Ils vont croiser la route du sergent Bedlam, une sorte de flic zombie qui enlève Rachel et disparaît. Charlie découvre que pour retrouver sa fiancée, il doit aller en Enfer.

Quand on parle de Brian Helgeland, on évoque tour à tour L.A Confidential (1997) de Curtis Hanson, merveilleuse adaptation du roman éponyme de James Ellroy récompensée par deux Oscars, Mystic River (2003) de Clint Eastwood, une autre transposition, celle d’un des meilleurs livres de Dennis Lehane, film lui qui sera lui aussi lauréat de deux belles statuettes dorées, Payback (1999), même si renvoyé avant la fin du tournage, avant qu’une Directors’s Cut ne soit dévoilée en 2006. Brian Helgeland est un nom connu des cinéphiles. On oublie un peu plus facilement ce qu’il a fait par la suite, Man on fire et L’Attaque du métro 123 de Tony Scott, Green Zone de Paul Greengrass, Salt de Phillip Noyce, Robin des Bois de Ridley Scott, ainsi que ses propres mises en scène, Chevalier A Knight’s Tale (2001), Le Purificateur The Order (2003), ou bien Legend (2015), dans lequel Tom Hardy a cette mauvaise idée de jouer un double-rôle et donc d’être deux fois plus irritant. On connaît encore moins ses débuts, placés sous le signe du film d’épouvante. Emballés par leur collaboration sur La Ligne du diable 976-EVIL, Robert Englund, dont il s’agissait du premier film en tant que réalisateur, et Brian Helgeland se retrouvent sur le quatrième opus de la série Freddy Krueger, Le Cauchemar de Freddy A Nightmare on Elm Street 4: The Dream Master (1988) de Renny Harlin. Puis, après deux épisodes de la série Vendredi 13, le scénariste signe le script de L’Autoroute de l’enfer Highway to Hell, connu aussi en France sous le titre Bienvenue en enfer. En revanche, le réalisateur néerlandais Ate de Jong demeure totalement oublié. Pourtant, en dépit d’une exploitation limitée à sa sortie, L’Autoroute de l’enfer est devenu un film chéri par les aficionados du genre. Comédie horrifique et fantastique, survoltée, menée sur un train d’enfer, interprétée par des comédiens en mode frappadingue, dans de superbes décors, avec des effets spéciaux cheap et néanmoins très réussis, Highway to Hell (ne cherchez pas, il n’y a aucun lien avec la chanson d’AC/DC ici) s’apparente à un rollercoaster déglingué, aux armatures fragiles, mais dans lequel on prend place volontiers, pour être brinquebalé de tous les côtés. Ça fait un bien fou !

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Test Blu-ray / Secret défense – Hidden Agenda, réalisé par Ken Loach

SECRET DÉFENSE (Hidden Agenda) réalisé Ken Loach, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 15 mars 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Frances McDormand, Brian Cox, Brad Dourif, Mai Zetterling, John Benfield, Des McAleer, Jim Norton, Maurice Roëves…

Scénario : Jim Allen

Photographie : Clive Tickner

Musique : Stewart Copeland

Durée : 1h48

Date de sortie initiale : 1990

LE FILM

Paul Sullivan et sa fiancée Ingrid Jessner se rendent à Belfast pour enquêter sur des allégations d’atteinte aux droits de l’homme commises par les forces de sécurité britanniques. Paul est assassiné dans des circonstances mystérieuses et est enregistré en tant que complice de l’IRA. Mais Ingrid et l’enquêteur britannique Paul Kerrigan, mettent en doute les conclusions de l’enquête et viennent à découvrir un complot mettant en cause des personnalités haut placées…

Quand il tourne Hidden Agenda, plus connu en France sous le titre Secret défense, Ken Loach (né en 1936) n’est pas encore le réalisateur acclamé dans les festivals et ses films les plus populaires sont devant lui. Pourtant, en 1990, le cinéaste a déjà plus de cinquante ans et près d’une dizaine de longs-métrages à son actif. Issu de la classe moyenne basse, fils d’ouvrier, Ken Loach se dirige très vite vers le cinéma social, en démarrant sa carrière dans le documentaire et à la télévision, pour laquelle il multiplie les projets dans les années 1960-70. S’il débute au cinéma à la fin des années 1960 avec Pas de larmes pour Joy Poor Cow (1967), Kes (1969) et surtout Family Life (1971), Ken Loach mettra près de dix ans pour revenir sur le grand écran avec Black Jack. Il tâtonne durant quelques années, jusqu’à Hidden Agenda, qui va rabattre les cartes en devenant le catalyseur des plus grands succès du metteur en scène puisque suivront Land and Freedom, Carla’s Song, My Name Is Joe… Secret défense est un formidable, puissant, anxiogène et percutant drame politique et thriller d’espionnage engagé, qui rend compte de la situation en Irlande du Nord, avec lequel Ken Loach s’est attiré les foudres de la critique et des dirigeants de son pays, dont il fustige ouvertement les décisions et surtout les agissements pour annihiler la résistance irlandaise. Chef d’oeuvre absolu.

Une équipe de la Ligue internationale pour les droits civils arrive à Belfast lors d’une crise entre l’Irlande et la Grande-Bretagne. Son leader américain y est abattu par des policiers alors qu’il était en compagnie d’un militant de l’IRA. Un policier britannique enquête. Le chef de la police locale se méfie de lui. Un complot est progressivement révélé, mettant en cause six hauts personnages de l’État britannique impliqués dans cette affaire, mais aussi dans la déstabilisation du précédent gouvernement travailliste avant l’arrivée au pouvoir de Margaret Thatcher.

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Test Blu-ray / Le Salaire du Diable, réalisé par Jack Arnold

LE SALAIRE DU DIABLE (Man In the Shadow) réalisé Jack Arnold, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 15 février 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Jeff Chandler, Orson Welles, Colleen Miller, Ben Alexander, Barbara Lawrence, John Larch, James Gleason, Royal Dano…

Scénario : Gene L. Coon

Photographie : Arthur E. Arling

Musique : Hans J. Salter & Herman Stein

Durée : 1h17

Date de sortie initiale : 1957

LE FILM

Ben Sadler est le shérif d’une petite ville, cernée de terres appartenant au puissant Virgil Renchler, propriétaire d’un ranch florissant où travaillent de très nombreux clandestins mexicains. Un soir, le contremaître du ranch tue l’un des employés. Renchler va tout mettre en oeuvre pour empêcher le shérif de mener l’enquête.

Spécialiste des séries B, John Arnold Waks alias Jack Arnold (1916-1992) n’en est pas moins un immense réalisateur. Bien que disposant de budgets très modestes, le cinéaste a toujours su transcender son postulat de départ minimaliste…pour aller vers le gigantisme. Prolifique, Jack Arnold prend son envol dans les années 1950 où il enchaîne les films qui sont depuis devenus de grands classiques : Le Météore de la nuit (1953), L’Etrange Créature du lac noir (1954), La Revanche de la créature (1955), Tarantula (1955), L’Homme qui rétrécit (1957) d’après l’oeuvre de Richard Matheson, sans oublier La Souris qui rugissait (1959). Au total, près d’une vingtaine de longs-métrages tournés à la suite, toujours marqués par le professionnalisme et le talent de son auteur, combinant à la fois les effets spéciaux alors à la pointe de la technologie, des personnages ordinaires et attachants, plongés malgré eux dans une histoire extraordinaire. Le film qui nous intéresse aujourd’hui est Le Salaire du diable, tout de suite mis en scène par Jack Arnold après L’Homme qui rétrécit et se révèle être une passerelle dressée entre le western et le film noir. Le cinéaste avait d’ailleurs déjà abordé les deux genres, avec Tornade sur la ville The Man from Bitter Ridge et Crépuscule sanglant Red Sundown d’un côté (il y reviendra avec le formidable Une balle signée X No Name on the Bullet, un des meilleurs films avec Audie Murphy), et Le Crime de la semaine The Glass Web de l’autre. Avec Le Salaire du diable Man In The Shadow, Jack Arnold revient à une épure après son merveilleux film fantastique. Il en résulte un polar rural bluffant de maîtrise, sec et brutal, qui annonce les romans de James Lee Burke, dans lequel le génial Jeff Chandler crève l’écran une fois de plus en shérif droit et intègre, prêt à se mettre la ville à dos pour que justice soit faite. Un immanquable pour les cinéphiles.

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Test Blu-ray / La Chute de l’empire romain, réalisé par Anthony Mann

LA CHUTE DE L’EMPIRE ROMAIN (The Fall of the Roman Empire) réalisé Anthony Mann, disponible en Combo Blu-ray + DVD – Édition Limitée le 2 février 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Sophia Loren, Stephen Boyd, Alec Guinness, James Mason, Christopher Plummer, Anthony Quayle, John Ireland, Omar Sharif, Mel Ferrer…

Scénario : Philip Yordan, Basilio Franchina & Ben Barzman

Photographie : Robert Krasker

Musique : Dimitri Tiomkin

Durée : 3h05

Date de sortie initiale : 1964

LE FILM

César sent la mort approcher et désigne Livius pour lui succéder. Mais son fils Commode refuse de s’effacer : il fait assassiner son père et s’empare du trône. Livius va tenter de s’opposer à lui. C’est le début d’une époque troublée pour Rome, qui va entamer son déclin.

Confortés par l’engouement critique et l’enthousiasme des spectateurs pour Le Cid, Anthony Mann et le producteur Samuel Bronston ont de la suite dans les idées et s’associent une seconde fois pour une nouvelle superproduction ambitieuse, La Chute de l’empire romain – The Fall of the Roman Empire. Cependant, suite au rejet de Charlton Heston pour ce film et en dépit du fait que la construction des décors avait déjà bien avancé, Les 55 Jours de Pékin 55 Days at Peking de Nicholas Ray passera finalement en priorité, puisque la star hollywoodienne a donné son accord pour celui-ci. Il faudra attendre 1964, pour que le gigantesque péplum d’Anthony Mann prenne vie. On prend comme qui dirait les mêmes et on recommence derrière la caméra, puisque le réalisateur est épaulé par le légendaire Yakima Canutt pour diriger la deuxième équipe, Ben Barzman et Philip Yordan planchent sur le scénario, Veniero Colasanti et John Moore s’occupent des costumes, Robert Krasker de la photographie, Gordon K. McCallum du son, Robert Lawrence du montage et même Sophia Loren apparaît en haut de l’affiche, magnifique ici dans le rôle de Lucilla. Tout est donc parfaitement en place pour signer un nouveau triomphe au box-office. Mais ce ne sera pas le cas, loin de là. La Chute de l’empire romain est et demeure l’un des plus gros échecs commerciaux de l’histoire du cinéma, du même acabit – ce sera peut-être plus parlant pour certains – que L’Île aux pirates de Renny Harlin ou La Porte du paradis de Michael Cimino. Mais bien sûr, le score du film au box-office n’a rien à voir avec sa réussite, car La Chute de l’empire romain est, au même titre que Le Cid et Les 55 jours de Pékin, autres productions Bronston, une œuvre titanesque, époustouflante, dont on admire l’incroyable virtuosité, la beauté de la mise en scène, ainsi que celle du casting, cette fois encore international, prestigieux, hors-norme (Anthony Quayle, Omar Sharif, Mel Ferrer…), où se démarque l’immense Christopher Plummer dans le rôle de l’empereur Commode (à l’origine destiné à Richard Harris), qui crève l’écran trèèès large – de l’Ultra Panavision 70 – pour sa troisième apparition au cinéma. Si La Chute de l’empire romain vaut pour sa reconstitution, ses décors ahurissants et ses costumes clinquants, la performance du comédien vaudrait à elle seul le déplacement. Le temps a fait son office, The Fall of the Roman Empire est devenu chéri par les cinéphiles du monde entier, d’autant plus depuis le raz-de-marée de Gladiator en 2000, Ridley Scott ayant souvent déclaré que son film était ni plus ni moins un remake de l’opus d’Anthony Mann.

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Test Blu-ray / Le Cid, réalisé par Anthony Mann

LE CID (El Cid) réalisé Anthony Mann, disponible en Combo Blu-ray + DVD – Édition Limitée le 16 février 2022 chez Rimini Editions.

Acteurs : Charlton Heston, Sophia Loren, Raf Vallone, Geneviève Page, John Fraser, Gary Raymond, Hurd Hatfield, Massimo Serato…

Scénario : Philip Yordan, Fredric M. Frank & Ben Barzman

Photographie : Robert Krasker

Musique : Miklós Rózsa

Durée : 3h

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

L’Espagne est presque entièrement aux mains des Maures du sultan Ben Youssouf. Seuls les petits royaumes d’Aragon et de Léon résistent encore. Don Rodrigue, jeune chevalier castillan, multiplie les exploits, au point que ses ennemis eux-mêmes l’appellent le Cid, le seigneur. Pour avoir fait grâce à des princes arabes vaincus, Rodrigue est accusé de trahison par le père de sa bien-aimée, don Gormaz. Au cours du duel les opposant, Rodrigue blesse à mort don Gormaz, qui fait jurer à sa fille Chimène qu’elle le vengera. Partagée entre son amour pour Rodrigue et sa promesse, Chimène choisit de tenir parole…

En l’espace de dix ans, Charlton Heston aura interprété à l’écran le président Andrew Jackson (Le Général invincible d’Henry Levin), par ailleurs à deux reprises (Les Boucaniers d’Anthony Quinn), Buffalo Bill (Le Triomphe de Buffalo Bill de Jerry Hopper), l’explorateur William Clark (Horizons lointains de Rudolph Maté) et Moïse (Les Dix Commandements de Cecil B. DeMille). Si l’on ajoute à tous ces rôles celui de Judah Ben-Hur, le comédien est devenu le spécialiste des personnages « bigger than life ». Charlton Heston est incontestablement l’une des plus grandes stars du cinéma et débarque dans les années 1960 avec Le Cid El Cid d’Anthony Mann, superproduction internationale dans laquelle il incarne Rodrigo Díaz de Vivar, dit El Cid Campeador ou simplement El Cid, chevalier mercenaire chrétien, héros de la Reconquista. Si ce dernier est évidemment peu connu en dehors des frontières espagnoles, l’occasion était trop belle pour le producteur Samuel Bronston (John Paul Jones, maître des mers de John Farrow, Le Roi des rois de Nicholas Ray), qui s’empare de ce mythe national pour mettre en route un spectacle cinématographique qui a pour vocation de concurrencer Hollywood, par l’intermédiaire de son studio installé en terre ibérique. Alors qu’il vient de réaliser les scènes du camp d’esclaves en Libye, Anthony Mann est viré du tournage de Spartacus par Kirk Douglas lui-même, producteur en plus de tenir le haut de l’affiche, qui lui reproche son manque de poigne. Samuel Bronston lui confie les rênes du Cid, de son budget conséquent et de son casting quatre étoiles, composé également de Sophia Loren, Raf Vallone, Geneviève Page et John Fraser. Considéré par maître Scorsese comme étant l’un des plus grands films épiques jamais réalisés, Le Cid est assurément l’un des longs-métrages les plus impressionnants que vous aurez l’opportunité de voir dans votre vie de cinéphile.

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