Test DVD / Divorce Club, réalisé par Michaël Youn

DIVORCE CLUB réalisé par Michaël Youn, disponible en DVD le 2 décembre 2020 chez M6 Vidéo.

Acteurs : Arnaud Ducret, François-Xavier Demaison, Caroline Anglade, Audrey Fleurot, Michaël Youn, Charlotte Gabris, Youssef Hajdi, Benjamin Biolay…

Scénario : Matt Alexander, Michaël Youn, Claude Zidi Jr., Cyrille Droux & Marie-Pierre Huster

Photographie : Stéphane Le Parc

Durée : 1h48

Date de sortie initiale : 2020

LE FILM

Après 5 ans de mariage, Ben est toujours aussi éperdument amoureux. Jusqu’au jour où il découvre en public que sa femme le trompe : humilié et plaqué dans la foulée ! Abattu et lâché par ses proches, Ben peine à remonter la pente jusqu’à ce qu’il croise le chemin de Patrick, un ancien ami lui aussi divorcé qui lui propose d’emménager chez lui. Patrick, au contraire de Ben, entend bien profiter de son célibat retrouvé et de tous les plaisirs auxquels il avait renoncé durant son mariage. Bientôt rejoints par d’autres divorcés, les fêtards quarantenaires ébauchent les premières règles du ” Divorce Club “…

Après les beaux succès dans les salles de Fatal (1.2 million de spectateurs en 2010 ) et de Vive la France (1,1 million d’entrées), pour lequel il avait disposé d’un budget confortable de 15 millions d’euros, le troisième long-métrage de Michaël Youn en tant que réalisateur se faisait attendre. Sept ans séparent Divorce Club de son deuxième film, mais force est de constater que l’humour de l’ancien trublion du PAF n’a pas changé. Sa troisième mise en scène témoigne de son incroyable énergie et de son sens du gag largement influencé par les comiques anglo-saxons. Mais Michaël Youn s’affranchit de cette référence pour signer une comédie bien de chez nous, une sorte de mélange de hamburger nappé de beaujolais en fait, avec une touche de pudding, bref un gloubi-boulga qui mixe à la fois l’humour américain, franchouillard et british, avec une rare décontraction et surtout avec une belle réussite.

Tous les comédiens s’en donnent à coeur joie dans Divorce Club, dans lequel Michaël Youn parvient même à tirer quelque chose d’Arnaud Ducret. Révélé par la série humoristique Parents mode d’emploi sur France 2 (2012-2018), le comédien a enchaîné les comédies bas de gamme (Les Profs 1 et 2, L’Embarras du choix, Gaston Lagaffe) et aux titres souvent explicites (Les Dents, pipi et au lit), dans lesquelles il faisait plus preuve d’hyperventilation que d’un réel talent comique. Dans Divorce Club il est bien dirigé, sobre quand il le faut, drôle le reste du temps et son naturel comique est enfin exploité au cinéma. Michaël Youn est bien présent au générique, mais s’est mis cette fois en retrait pour laisser la plus grande place à ses camarades de jeu. Outre Arnaud Ducret, se distinguent François-Xavier Demaison, dans le rôle de Patrick, celui qui aidera Benjamin à se relever de sa rupture brutale, mais aussi Audrey Fleurot, qui avait déjà donné la réplique au réalisateur dans le navrant Fantôme de Canterville de Yann Samuell. Michaël Youn a surtout eu la grande idée de confier le rôle principal féminin à la géniale, belle, sexy et lumineuse Caroline Anglade, qu’on ne se lasse pas de revoir depuis sa révélation dans le brillant Tout le monde debout de Frank Dubosc. En fait, Michael Youn semble plus gâter ses actrices, et l’on retiendra notamment la participation de Frédérique Bel, dans le rôle de la catho vieille-fille, nymphomane et psychopathe (rôle dans lequel elle excelle), ainsi que celle de Charlotte Gabris (Babysitting 1 et 2, Epouse-moi mon pote), toujours aussi hilarante. Sans oublier les apparitions de Youssef Hajdi (Problemos), Grégoire Bonnet (Le Sens de la fête, Philippe dans la série Scènes de ménages), les humoristes Jarry et Clauda Tagbo, et en vrac Benjamin Biolay, Patrick Braoudé, Vincent Moscato et bien sûr le complice Vincent Desagnat.

Il se dégage de Divorce Club un vrai sentiment de troupe et donc une dynamique qui emporte tout sur son passage. Aucun personnage n’est laissé de côté, le récit avance sans cesse au gré des rencontres et des scènes qui peuvent devenir cultes. Non seulement le film est réussi et fait rire quasiment tout du long, mais Divorce Club est une comédie bien mise en scène et surtout agréable à regarder avec ses couleurs chatoyantes. Comme il l’avait déjà démontré avec Fatal et Vive la France !, Michaël Youn soigne une fois de plus la forme de son film avec entre autres un montage dynamique (comprenez donc un rythme très efficace), ainsi qu’une belle photographie signée Stéphane Le Parc, chef opérateur du Lucky Luke (2009) de James Huth, Le Mac (2010) de Pascal Bourdiaux et Le Crocodile du Botswanga (2014) de Fabrice Eboué et Lionel Steketee.

Vous cherchez une bonne comédie qui vous fera oublier quelque peu cette ù^$ù!ù* d’année 2020 ? Alors, avec ses gags et ses répliques redoutablement efficaces, Divorce Club, récompensée par le Grand Prix du Festival de l’Alpe d’Huez est faite pour vous !

LE DVD

Divorce Club n’a pas vraiment eu de bol…Devant tout d’abord sortir au mois de mars, le film est repoussé en raison du confinement, avant d’atterrir dans les salles le 14 juillet 2020, alors que les spectateurs rechignent à revenir au cinéma. Résultat, le troisième long-métrage de Michaël Youn ne réalise « que » 623.000 entrées, alors qu’il aurait pu largement prétendre au double. Sa sortie en DVD a également été repoussée du 25 novembre 2020 au 2 décembre…en raison du deuxième « confinement ». Nous ne doutons pas que Divorce Club connaîtra une seconde carrière bien méritée grâce à sa sortie dans les bacs, qui se fait d’ailleurs sous les couleurs de M6 Vidéo. Le menu principal est animé et musical.

Malheureusement, seule la bande-annonce est disponible en guise de supplément.

L’Image et le son

Nous ne sommes pas en présence d’une édition HD mais le résultat est très appréciable et ce DVD de Divorce Club s’avère lumineux. Le piqué est acéré, les couleurs éclatantes, le relief est indéniable et les contrastes affichent une belle densité. N’oublions pas la profondeur des noirs, l’aspect clinquant de l’ensemble et le rendu des matières qui demeure assez bluffant. Quelques baisses de la définition, mais rien d’important.

Le spectateur a le choix entre les pistes Dolby Digital 5.1 et 2.0. Notre préférence va pour la première qui instaure un confort acoustique percutant, une spatialisation musicale aussi convaincante qu’omniprésente et des effets latéraux foisonnants. Le caisson de basses s’invite à la partie à moult reprises, les ambiances naturelles sont légion (notamment lors des fiestas), la balance frontale est toujours dynamique et équilibrée, et le report des voix solide. La piste stéréo est évidemment plus plate mais riche et remarquablement équilibrée. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © M6 Vidéo / SND / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Slacker, réalisé par Richard Linklater

SLACKER réalisé par Richard Linklater, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 4 novembre 2020 chez Extralucid Films.

Acteurs : Richard Linklater, Rudy Basquez, Jean Caffeine, Jan Hockey, Stephan Hockey, Mark James, Samuel Dietert, Bob Boyd, Terrence Kirk, Keith McCormack…

Scénario : Richard Linklater

Photographie : Lee Daniel

Durée : 1h37

Année de sortie : 1990

LE FILM

Quelques heures à Austin, Texas, un jour d’été en 1989. La caméra suit un passant puis l’autre, voyageant à travers les rues de la ville et multipliant de curieuses rencontres : jeunes excentriques, velléitaires et complotistes, personnages originaux et anticonformistes.

Richard Linklater est un des réalisateurs les plus prolifiques et éclectiques du cinéma contemporain. On lui doit notamment un des plus beaux triptyques de ces 25 dernières années Before Sunrise Before SunsetBefore Midnight (1995-2004-2013) et dernièrement Boyhood, oeuvre exceptionnelle tournée par intermittence sur une période de douze ans, de 2002 à 2013, avec la même distribution et la même équipe technique. Après Everybody Wants Some !! que l’on pouvait voir comme une suite spirituelle à Génération rebelle (Dazed and Confused, 1993), le cinéaste était parvenu en 2017 à une forme de maturité avec Last Flag Flying : La Dernière Tournée, qui semblait représenter un adieu définitif à la jeunesse et à l’innocence pour ce grand enfant qui vient d’ailleurs de fêter ses 60 bougies en cette curieuse année 2020. Il est donc peut-être temps de revenir là où tout a commencé pour Richard Linklater, autrement dit à la fin des années 1980. Après un court-métrage documentaire intitulé Woodshock (1985), il tente le format long avec It’s Impossible to Learn to Plow by Reading Books (1988), tourné en Super 8 et qui ne sera jamais distribué. Sur ce film, le cinéaste est quasiment seul en piste derrière la caméra puisqu’il occupe tous les postes de production. Mais le véritable premier long-métrage de Richard Linklater, qui condense tout ce qui composera sa longue et diverse filmographie à venir, est Slacker. Tourné avec 23.000 dollars dans les rues d’Austin avec uniquement des acteurs non professionnels, des gens de passage, des amis et sans doute des membres de la famille du réalisateur, Slacker, qui signifie « bon à rien » est aujourd’hui considéré comme un film culte, une ode à la fainéantise, qui a comme particularité de passer d’un personnage à l’autre, qui se passent comme qui dirait le témoin, puisque la caméra s’amuse à jongler d’un protagoniste à l’autre, qui la plupart du temps n’ont aucun lien entre eux à part d’être présent quelque part et au même moment. Si l’intérêt est somme toute relatif, la griffe Linklater, qui apparaît dans son propre film et donne le départ de cette vadrouille de 24 heures dans une petite bourgade du Texas, est déjà reconnaissable à travers quelques motifs. Impossible de ne pas penser aux plans-séquences qui rythment la trilogie Before avec ses très longues plages de dialogues. Si le procédé n’est pas encore au point dans Slacker, surtout au niveau des répliques qui peuvent souvent n’inspirer qu’un ennui poli, le rapport au temps (sujet alors récurrent chez le cinéaste, tout comme le questionnement sur la notion de grandir et sur la façon de devenir un adulte), celui qui se déroule pendant que l’on parle, celui qu’on a pas vu passer et qui est désormais loin derrière nous, et peut-être celui qui nous reste, est au coeur de Slacker. C’est une découverte pour les cinéphiles que nous sommes, puisqu’il s’agit d’une œuvre comme qui dirait matricielle du cinéma de Richard Linklater.

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Test DVD / Juliette ou la clé des songes, réalisé par Marcel Carné

JULIETTE OU LA CLÉ DES SONGES réalisé par Marcel Carné, disponible en DVD le 28 septembre 2020 chez Doriane Films.

Acteurs : Gérard Philipe, Suzanne Cloutier, Jean-Roger Caussimon, René Génin, Roland Lesaffre, Gabrielle Fontan, Arthur Devère, Louise Fouquet, Yves Robert…

Scénario : Jacques Viot & Marcel Carné, d’après la pièce de Georges Neveux

Photographie : Henri Alekan

Musique : Joseph Kosma

Durée : 1h29

Date de sortie initiale : 1951

LE FILM

Michel a volé par amour pour Juliette. Du fond de sa cellule, il songe à la jeune fille. Transporté par ses rêves, le voici dans un étrange village dont les habitants semblent avoir perdu la mémoire. Juliette, elle, est retenue captive par un mystérieux châtelain, fort jaloux, qu’elle doit bientôt épouser. Michel essaie de la reconquérir et croise des personnages singuliers – des villageois, des musiciens… Il retrouve Juliette et lui fait une promesse. Mais qu’en sera-t-il à son réveil ?

Rétrospectivement, il semblerait que Marcel Carné (1906-1996) compte beaucoup de « films maudits » à son palmarès comme La Fleur de l’âge, qui ne sera d’ailleurs jamais achevé, Les Portes de la nuit, la dernière collaboration Carné – Prévert ou bien encore celui qui nous intéresse aujourd’hui, Juliette ou la clé des songes (1951). Pour les cinéphiles du monde entier, le cinéma de Marcel Carné se résume aux films cosignés avec Jacques Prévert, de Jenny (1936) aux Portes de la nuit (1946), en passant bien évidemment par Drôle de drame (1937), Le Quai des brumes (1938), Le Jour se lève (1939), Les Visiteurs du soir (1942) et Les Enfants du paradis (1945). Par la suite, l’oeuvre du réalisateur est comme qui dirait passée plus inaperçue, malgré d’incontestables réussites, Thérèse Raquin (1953), Les Tricheurs (1958), Trois chambres à Manhattan (1965), Les Jeunes Loups (1968) et Les Assassins de l’ordre (1971). Souvent oublié dans la filmographie du metteur en scène, Juliette ou la clé des songes est pourtant un sublime conte, une histoire d’amour tragi-comique où le fantastique s’immisce par l’intermédiaire du rêve. Si on le compare aux Visiteurs du soir, auquel on peut aisément le rattacher, ce dixième long métrage de Marcel Carné a beaucoup mieux vieilli, sans doute parce qu’il s’agit d’un film contemporain alors que le premier était abordé sous l’angle médiéval. Loin de l’interprétation théâtrale, figée, voire franchement douteuse (ça c’est pour Alain Cuny) des Visiteurs du vendredi (on ne parle pas des fabuleux Arletty et Jules Berry), Juliette ou la clé des songes foudroie par sa beauté plastique, par son romanesque, par la beauté de ses dialogues et celle du couple vedette, Gérard Philipe et Suzanne Cloutier.

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Test Blu-ray / Ariane, réalisé par Billy Wilder

ARIANE (Love in the Afternoon) réalisé par Billy Wilder, disponible en DVD, Blu-ray et Édition Coffret Ultra Collector – Blu-ray + DVD + Livre 18 novembre 2020 chez Carlotta Films.

Acteurs : Gary Cooper, Audrey Hepburn, Maurice Chevalier, John McGiver, Van Doude, Lise Bourdin…

Scénario : Billy Wilder & I.A.L. Diamond d’après le roman Ariane, jeune fille russe de Claude Anet (1924)

Photographie : William C. Mellor

Musique : Franz Waxman

Durée : 2h10

Date de sortie initiale : 1957

LE FILM

À Paris, le détective privé Claude Chavasse est spécialisé dans les affaires d’adultère. Sa fille, Ariane, est fascinée par son travail et plus particulièrement par le cas du playboy Frank Flannagan. Lorsqu’Ariane surprend un client de son père menaçant de tuer Flannagan, elle court prévenir ce dernier du danger qui l’attend. Quand le client jaloux débarque à l’hôtel, il trouve le millionnaire en compagnie d’Ariane et non de sa femme infidèle. Intrigué, Flannagan organise un rendez-vous avec elle le lendemain après-midi…

ArianeLove in the Afternoon n’est certes pas un chef d’œuvre comme le seront les films à venir de Billy Wilder, mais son treizième long-métrage annonce en grande pompe la deuxième partie de la carrière hollywoodienne du cinéaste basée sur l’affrontement des sexes, le politiquement incorrect, l’apologie du mensonge, avec une joie communicative de jouer avec la censure. En 1957, trois ans après le succès international de Sabrina, Billy Wilder fait à nouveau appel à Audrey Hepburn pour Love in the Afternoon, plus connu par le prénom du personnage principal, Ariane. En signant ce remake du film éponyme de Paul Czinner réalisé en 1931, lui-même tiré du roman de Claude Anet, Ariane, une jeune fille russe, Billy Wilder souhaite rendre hommage au cinéma de sa jeunesse ainsi qu’à son mentor Ernst Lubitsch. Les succès de Boulevard du crépuscule (1950), Stalag 17 (1953), Sabrina (1954) et Sept ans de réflexion (1955), permettent à Billy Wilder d’être l’auteur complet d’Ariane. Il est ainsi scénariste (pour la première fois avec I.A.L. Diamond), producteur et réalisateur, il choisit lui-même ses comédiens et se place en tant qu’auteur à part entière à l’intérieur même du système hollywoodien. Avec Ariane, il impose le N&B renvoyant à ses premiers films, témoigne de son amour pour Ernst Lubitsch avec qui il fit ses premières armes, choisit Paris comme lieu d’action et impose encore un rythme et des thèmes qui deviendront récurrents dans ses œuvres ultérieures comme La Garçonnière, Irma la Douce et Avanti!.

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Test Blu-ray / Vierges, réalisé par Keren Ben Rafael

VIERGES réalisé par Keren Ben Rafael, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 7 octobre 2020 chez Extralucid Films.

Acteurs : Joy Rieger, Michael Aloni, Manuel Elkaslassy, Evgenia Dodina, Rami Heuberger, Eric Raphael Mizrahi, Vladimir Friedman, Yoni Meles…

Scénario : Keren Ben Rafael & Élise Benroubi

Photographie : Damien Dufresne

Musique : Renaud Mayeur

Durée : 1h28

Année de sortie : 2018

LE FILM

À Kiryat Yam, petite station balnéaire au nord d’Israël, tout semble s’être arrêté. Lana, 16 ans, s’est jurée de lutter contre l’immobilisme et la résignation. Elle est loin d’imaginer que la rumeur d’une sirène va réveiller sa ville de sa torpeur et lui permettre enfin de vivre.

La cinéaste et scénariste Keren Ben Rafael a tout d’abord étudié la philosophie et la littérature française à l’Université de Tel Aviv avant d’intégrer le département réalisation à la Fémis. Vierges, son premier long-métrage, est une vraie bouffée d’air frais, une comédie dramatique inspirée par un fait divers réel, remarquablement interprétée, notamment par la jeune comédienne israélienne Joy Rieger (née en 1994), lauréate du Prix de l’Académie israélienne de la télévision 2017 de la meilleure actrice pour Oboy. Largement récompensé ou nommé dans de multiples festivals, du Montenegro à Tribeca, en passant par Jerusalem et Cannes, Vierges est porté du début à la fin par un vent de liberté rafraîchissant, une poésie indéniable, la beauté de ses deux actrices principales et celle de sa lumineuse photographie.

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Test Blu-ray / Uniformes et jupon court, réalisé par Billy Wilder

UNIFORMES ET JUPON COURT (The Major and the Minor) réalisé par Billy Wilder, disponible en DVD et Blu-ray 4 novembre 2020 chez Rimini Editions.

Acteurs : Ginger Rogers, Ray Milland, Rita Johnson, Robert Benchley, Diana Lynn, Edward Fielding, Frankie Thomas, Raymond Roe…

Scénario : Charles Brackett & Billy Wilder d’après la pièce de Edward Childs Carpenter et l’histoire de Fannie Kilbourne

Photographie : Leo Tover

Musique : Robert Emmett Dolan

Durée : 1h36

Date de sortie initiale : 1942

LE FILM

Après avoir tenté sa chance à New York, Susan Applegate souhaite rentrer chez elle dans l’Iowa. Afin de bénéficier d’un billet de train à prix réduit, elle se fait passer pour une adolescente. Traquée par les contrôleurs, elle trouve refuge auprès du major Philip Kirby, qui, persuadé qu’elle est mineure, décide de lui venir en aide.

Contrairement à ce que l’on a souvent pensé, Uniformes et jupon courtThe Major and the Minor (1942) n’est pas le premier long-métrage mis en scène par Billy Wilder (1906-2002). En effet, son premier coup d’essai derrière la caméra demeure Mauvaise graine, interprété par la jeune Danielle Darrieux, qu’il co-réalise à Paris avec Pierre Mingand en 1934, juste après avoir fui l’Allemagne nazie et dans lequel on retrouvait déjà moult motifs qui caractériseront son œuvre à venir, notamment une mise en scène constamment inventive et un rythme trépidant. Mauvaise graine n’était qu’une étape, une escale, puisque Billy Wilder parvient à s’envoler pour les Etats-Unis sous les conseils et avec l’aide du cinéaste Joe May (La Maison aux sept pignons, pionnier du cinéma allemand). Sur le sol de l’Oncle Sam, Billy Wilder, bien qu’ayant encore du mal avec la langue anglaise, devient scénariste. Outre Musique dans l’airMusic in the Air de Joe May qui lui a permis de laisser l’Europe derrière lui, il s’associe avec Charles Brackett et signent tous les deux l’histoire de La Huitième Femme de Barbe-BleueBluebeard’s Eighth Wife d’Ernst Lubitsch en 1938. C’est une révélation et les deux hommes ne se quitteront plus jusqu’à Boulevard du crépusculeSunset Boulevard (1950). Après Cet âge ingratThat Certain Age (1938) d’Edward Ludwig, La Baronne de minuit Midnight (1939) de Mitchell Leisen, Ninotchka (1939) d’Ernst Lubitsch, What a Life (1939) de Theodore Reed, Éveille-toi mon amour Arise, my love (1940) de Mitchell Leisen, Boule de feuBall of Fire (1941) de Howard Hawks et Par la porte d’orHold Back the Dawn (1941) de Mitchell Leisen, Billy Wilder obtient le feu vert pour mettre en scène son premier long-métrage américain, Uniformes et jupon court, pour lequel il demande une fois de plus à son complice Charles Brackett d’écrire le scénario avec lui, en s’inspirant d’une pièce d’Edward Childs Carpenter. C’est un petit coup de maître, un film matriciel, celui d’où l’une des plus grandes filmographies de l’histoire cinéma américain est partie. Si rétrospectivement The Major and the Minor apparaît subsidiaire, cette comédie n’en reste pas moins corrosive et culottée, puisque pour reprendre les mots de Billy Wilder lui-même « il s’agit du premier film américain qui traite clairement de pédophilie », où suite à un quiproquo, un homme de 35 ans se trouve sexuellement attiré par ce qu’il pense être une jeune fille de 12 ans…Contre toute attente, Billy Wilder est passé à travers les mailles du filet de la censure du tristement célèbre Code Hays qui faisait de ravages, en misant avant tout sur le caractère divertissant d’un vrai postulat de vaudeville, tout en faisant confiance à l’intelligence des spectateurs qui n’y verront avant tout qu’une confusion de la part de protagonistes idiots qui entourent le personnage principal. Toujours est-il qu’Uniformes et jupon court est une comédie truculente, dans laquelle brille Ginger Rogers, le véritable premier astre de la carrière cinématographique de Billy Wilder, définitivement lancé dans l’arène des cinéastes hollywoodiens.

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Test Blu-ray / Les Parfums, réalisé par Grégory Magne

LES PARFUMS réalisé par Grégory Magne, disponible en DVD et Blu-ray le 3 novembre 2020 chez Pyramide Vidéo.

Acteurs : Emmanuelle Devos, Grégory Montel, Gustave Kervern, Sergi López, Zelie Rixhon, Pauline Moulène, Sacha Bourdo, Eva Chico…

Scénario : Grégory Magne

Photographie : Thomas Rames

Musique : Gaëtan Roussel

Durée : 1h41

Date de sortie initiale : 2020

LE FILM

Mademoiselle Walberg, impérieuse et asociale, est un nez qui a eu son heure de gloire autrefois, Guillaume Favre un chauffeur de maître au bout du rouleau : lorsque la première fait appel aux services du second par l’intermédiaire de l’agence qui l’emploie, tout semble mal parti entre les deux. Pourtant…

En 2012, sort un tout petit film charmant et très attachant, qui passe malheureusement complètement inaperçu, L’Air de rien, coécrit et coréalisé par Grégory Magne et Stéphane Viard. Dans ce premier long-métrage, comme dans un monde parallèle à la Jean-Philippe, les deux réalisateurs imaginaient un Michel Delpech qui aurait arrêté la chanson au top de sa popularité à la fin des années 70, qui se retrouverait criblé de dettes et tenu de trouver une issue avec les huissiers. Et pourquoi pas un retour sur scène ? Pour cela, les deux metteurs en scène s’étaient attachés les services du chanteur populaire, dont le charisme à l’écran se révélait indéniable, dont le naturel et le talent avaient déjà pu être appréciés devant la caméra dans Les Bien-aimés de Christophe Honoré. Mais ce qui se détachait de ce film, c’était sa sincérité, sa tendresse, sa douce mélancolie et l’on y découvrait surtout un brillant comédien, Grégory Montel. Huit ans après L’Air de rien, les deux Grégory se retrouvent pour Les Parfums, brillante comédie-dramatique, leur deuxième association et le premier film réalisé en solo pour Grégory Magne. Si certains s’en souviendront comme étant l’un des premiers films proposés après le premier confinement (il aura d’ailleurs réussi à attirer plus de 250.000 spectateurs durant cette délicate période), Les Parfums est avant tout un merveilleux film dont on retrouve la grande sensibilité du cinéaste, dans lequel Grégory Montel (la série Dix pour cent) crève l’écran une fois de plus et tient la dragée haute à l’excellente Emmanuelle Devos. Un vrai petit bijou.

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Test Blu-ray / Les Monstres, réalisé par Dino Risi

LES MONSTRES (I Mostri) réalisé par Dino Risi, disponible en DVD et Blu-ray le 15 octobre 2020 chez LCJ Editions.

Acteurs : Vittorio Gassman, Ugo Tognazzi, Michèle Mercier, Lando Buzzanca, Marisa Merlini, Rika Dialina…

Scénario : Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Elio Petri, Dino Risi, Ettore Scola, Ruggero Maccari

Photographie : Alfio Contini

Musique : Armando Trovajoli

Durée : 1h51

Date de sortie initiale : 1963

LE FILM

Dix-neuf sketches, souvent féroces, sur les petites bassesses de tous les jours interprétés avec vigueur par Vittorio Gassman et Hugo Tognazzi.

Les MonstresI Mostri (1963) est l’un des films les plus célèbres de l’immense et prolifique réalisateur Dino Risi (1916-2008), le maître incontesté de la comédie italienne. Tour à tour médecin, psychiatre, journaliste, puis devenu metteur en scène presque par hasard, le mythique cinéaste du Fanfaron, Parfum de femme et Il Vedovo signe avec Les Monstres l’une des meilleures comédies italiennes de l’âge d’or du genre. Observateur implacable de ses contemporains, pourfendeur des travers de son époque, le réalisateur laisse libre cours à sa verve satirique. En une vingtaine de « tableaux », le cinéaste croque une humanité dont la bêtise n’a d’égale que la cruauté. Se défendant de faire du cinéma militant, le réalisateur transalpin n’épargne personne et toutes les couches sociales sont touchées, de gauche comme de droite, de la grande bourgeoisie au prolétariat. Cinéaste humaniste mais profondément ironique, considéré comme le plus pessimiste des réalisateurs italiens – « tout est grave mais rien n’est sérieux » disait-il – et qui se sert de la puissance du cinéma populaire pour lancer des débats après la projection, Dino Risi, doctorant en psychologique, donne à réfléchir sur les relations humaines dans la société italienne contemporaine, après le boom économique. Les Monstres reste l’une des plus grandes références du film à sketches (qui sont d’ailleurs de qualité et de durée inégales), genre que le cinéaste retrouvera en 1969 dans Une poule, un train… et quelques monstres, en 1971 dans Moi, la femme et en 1973 dans Le Sexe fou – Sessomatto. Enfin, le film est un véritable festival porté par deux autres « monstres », mais du cinéma cette fois, Vittorio Gassman et Ugo Tognazzi.

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Test 4K UHD / Sherlock Holmes : Jeu d’ombres, réalisé par Guy Ritchie

SHERLOCK HOLMES : JEU D’OMBRES (Sherlock Holmes: A Game of Shadows) réalisé par Guy Ritchie, disponible en 4K Ultra HD + Blu-ray le 16 septembre 2020 chez Warner Bros. Entertainment France.

Acteurs : Robert Downey Jr., Jude Law, Noomi Rapace, Rachel McAdams, Jared Harris, Stephen Fry…

Scénario : Michele Mulroney & Kieran Mulroney d’après les personnages créés par Sir Arthur Conan Doyle

Photographie : Philippe Rousselot

Musique : Hans Zimmer

Durée : 2h08

Année de sortie : 2011

LE FILM

Sherlock Holmes a toujours été réputé pour être l’homme à l’esprit le plus affûté de son époque. Jusqu’au jour où le redoutable professeur James Moriarty, criminel d’une puissance intellectuelle comparable à celle du célèbre détective, fait son entrée en scène… Il a même sans doute un net avantage sur Holmes car il met non seulement son intelligence au service de noirs desseins, mais il est totalement dépourvu de sens moral. Partout dans le monde, la presse s’enflamme : on apprend ainsi qu’en Inde un magnat du coton est ruiné par un scandale, ou qu’en Chine un trafiquant d’opium est décédé, en apparence, d’une overdose, ou encore que des attentats se sont produits à Strasbourg et à Vienne et qu’aux Etats-Unis, un baron de l’acier vient de mourir…
Personne ne voit le lien entre ces événements qui semblent sans rapport, hormis le grand Sherlock Holmes qui y discerne la même volonté maléfique de semer la mort et la destruction. Et ces crimes portent tous la marque du sinistre Moriarty.

Avec plus de 200 millions de dollars récoltés sur le sol de l’Oncle Sam et plus de 300 millions dans le reste du monde, un second épisode des aventures de Sherlock Holmes était forcément attendu et ne s’est pas fait attendre. Deux ans plus tard, débarquait sur les écrans Sherlock Holmes : Jeu d’ombresSherlock Holmes: A Game of Shadows. On prend les mêmes – des deux côtés de la caméra – et on recommence ? Certes. Sauf que ce deuxième opus s’avère une franche réussite où l’humour complètement décalé fonctionne à plein régime, comme si Guy Ritchie, conforté par le succès du premier film, avait enfin pu y aller à fond dans le nawak et la relation gay friendly qui unit Holmes et Watson. Contrairement à Sherlock Holmes premier du nom, ce Jeu d’ombres voit les deux héros traverser l’Europe, ce qui donne à l’enquête un côté road movie très plaisant, d’autant plus qu’ils sont accompagnés cette fois par une certaine Madame Simza Heron, interprétée par la géniale Noomi Rapace, qui participe à l’action, complète parfaitement le tandem et qui ne sera pas de trop face au professeur Moriarty, l’ennemi juré de Sherlock Holmes. Tout cela pour dire que Sherlock Holmes : Jeu d’ombres met réellement les bouchées doubles et une fois n’est pas coutume s’avère une suite qui surpasse (et de loin) le premier opus.

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Test Blu-ray / La Grande pagaille, réalisé par Luigi Comencini

LA GRANDE PAGAILLE (Tutti a casa) réalisé par Luigi Comencini, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 6 octobre 2020 chez Rimini Editions.

Acteurs : Alberto Sordi, Serge Reggiani, Carla Gravina, Martin Balsam, Didi Perego, Nino Castelnuovo, Alex Nicol, Claudio Gora…

Scénario : Agenore Incrocci, Furio Scarpelli

Photographie : Carlo Carlini

Musique : Angelo Francesco Lavagnino

Durée : 1h55

Date de sortie initiale : 1960

LE FILM

8 septembre 1943. Mussolini est destitué et l’Italie signe l’armistice avec les alliés. Le sous-lieutenant Innocenzi et deux de ses hommes tentent de rentrer chez eux. Le voyage sera long et mouvementé, cocasse et bouleversant…

Immense star en Italie, peut-être la plus grande de toute l’histoire du cinéma transalpin, adulé par les spectateurs, encore plus que les autres piliers Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Ugo Tognazzi et autres monstres, le mythique Alberto Sordi (1920-2003) a fait les grandes heures de la comédie italienne. Loin de se reposer sur ses lauriers, le comédien n’aura de cesse de se renouveler de film en film, plus de 150 au total, étalés sur soixante ans. Alors âgé de 40 ans, le comédien vient d’enchaîner tour à tour La Grande guerreLa Grande Guerra de Mario Monicelli, Profession MagliariI Magliari de Francesco Rosi et Le VeufIl Vedovo de Dino Risi. S’il n’avait fait que ces trois longs-métrages, Alberto Sordi serait déjà inscrit au panthéon des plus grands acteurs dans son pays. Pourtant, les années 1960 seront encore plus spectaculaires avec notamment Il Vigile et Il medico della mutua de Luigi Zampa, Une vie difficileUna vita difficile de Dino Risi, Mafioso ou L’Homme de la Mafia d’Alberto Lattuada ou Il boom de Vittorio De Sica. Mais cette extraordinaire filmographie compte aussi huit collaborations avec un autre maître du cinéma italien, Luigi Comencini (1916-2007). Cinq ans après La Belle de Rome La bella di Roma, les deux hommes se retrouvent pour La Grande pagailleTutti a casa. Il serait redondant de dire qu’il s’agit d’une de leurs meilleures associations, puisqu’ils signeront plus tard Le Commissaire Il commissario (1962), L’Argent de la vieilleLo scopone scientifico (1972) et Le Grand EmbouteillageL’ingorgo (1979), mais c’est bel et bien le cas. La Grande pagaille, étrangement moins connu en France que les titres mentionnés précédemment, n’en demeure pas moins sensationnel à tout point de vue, de l’interprétation en passant par la mise en scène, le scénario, la qualité des dialogues, tout en faisant passer le spectateur du rire aux larmes en un claquement de doigts. Il fut un temps où le cinéma italien était le plus grand d’Europe. En voici une nouvelle démonstration.

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