Test DVD / Irréprochable, réalisé par Sébastien Marnier

IRREPROCHABLE réalisé par Sébastien Marnier, disponible en DVD le 6 décembre 2016 chez Orange Studio

Acteurs : Marina Foïs, Jérémie Elkaïm, Joséphine Japy, Benjamin Biolay, Jean-Luc Vincent, Véronique Ruggia

Scénario : Sébastien Marnier, Samuel Doux

Photographie : Laurent Brunet

Musique : Zombie Zombie

Durée : 1h43

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Sans emploi depuis un an, Constance revient dans sa ville natale quand elle apprend qu’un poste se libère dans l’agence immobilière où elle a démarré sa carrière, mais son ancien patron lui préfère une autre candidate plus jeune. Constance est alors prête à tout pour récupérer la place qu’elle estime être la sienne.

Irréprochable, thriller social et psychologique nappé d’humour noir, a révélé un nouveau réalisateur et auteur en 2016, Sébastien Marnier. Journaliste et écrivain (Mimi, Une vie de petits fours), il a également signé quelques courts métrages, dont Le Grand avoir en 2002 et Le Beau Jacques en 2003 avec Philippe Nahon. Véritable coup de maître sorti au milieu de blockbusters estivaux, porté par une critique quasi-unanime, Irréprochable offre à Marina Foïs son plus grand rôle. Elle est terrifiante dans la peau de Constance, agent immobilière au chômage à Paris. Sans appartement et vivant du RSA, elle décide de retourner dans sa ville natale en Charente-Maritime, où vit également sa mère hospitalisée, pour essayer de pourvoir un emploi dans l’agence où elle a commencé sa carrière. Une jeune concurrente, Audrey, obtient le poste à sa place en acceptant d’être moins payée. Dès lors, Constance, considérant subir une injustice et mériter l’emploi, va tout faire pour le récupérer. Elle se met à suivre la jeune femme et parvient à s’immiscer dans sa vie. Portrait intime, anxiogène et glaçant d’une véritable sociopathe, Irréprochable est un fascinant portrait de femme trouble et désaxée, qui est pourtant persuadée de bien faire les choses, en étant « irréprochable », sans jamais se remettre en question.

Marina Foïs parvient à rendre humain son personnage pourtant monstrueux. Son phrasé unique et particulier, sa voix basse, son regard fuyant, renvoient à l’un de ses personnages des Robin des Bois, Sophie Pétoncule, comme si elle nous en présentait son côté obscur. La comédienne est excellemment épaulée par Jérémie Elkaïm, ancien amant de Constance qu’elle fait tourner en bourrique, Joséphine Japy (Le Moine, Cloclo, Respire) dans le rôle d’Audrey, la jeune femme qui gêne Constance, Benjamin Biolay, rencontre dans le TGV qui devient l’amant de Constance. L’histoire glaçante contraste avec très belle la photo chaude et estivale signée Laurent Brunet (La Petite Jérusalem, Free Zone, Séraphine). La composition du groupe français électro Zombie Zombie distille également un malaise du début à la fin, comme si les mélodies étaient branchées sur la psyché et le rythme cardiaque du personnage principal.

Malgré ses actes odieux et grâce à l’interprétation, y compris physique, de la comédienne, on ressent une certaine affection pour Constance, qui n’est sûrement pas devenue un monstre-humain du jour au lendemain et surtout sans raison. Il y a donc quelque chose de foncièrement touchant chez cette femme déséquilibrée et impulsive, qui se laisse envahir par ses émotions et qui en viendra à commettre l’irréparable pour arriver à ses fins, telle une voiture-bélier que plus rien ne peut arrêter, sans jamais penser aux conséquences de ses actes. Tel un soldat, pour ne pas dire machine de guerre, Constance partage son temps libre entre un entraînement physique et athlétique exténuant et la manipulation de ceux qui l’entourent. Pathétique, drôle, mais foncièrement inquiétante, mythomane, vénéneuse, déterminée et manipulatrice, Constance est un personnage qui va marquer les esprits des cinéphiles.

En toute logique, nous devrions retrouver Irréprochable à la prochaine cérémonie des César où le film pourrait rafler les compressions du Meilleur premier film et pour lequel Marina Foïs peut largement prétendre à celle de la Meilleure actrice. Les paris sont ouverts !

LE DVD

Le visuel de la jaquette d’Irréprochable, disponible chez Orange Studio, reprend celui de l’affiche d’exploitation estampillée des critiques élogieuses. Le menu principal est animé sur la musique de Zombie Zombie.

 

 

L’éditeur nous propose 12 minutes de scènes coupées, non étalonnées et non mixées, durant lesquelles Constance fait semblant de s’évanouir au milieu de ses anciennes amies, une autre où Constance allume littéralement Philippe (Jérémie Elkaïm) avant de se rétracter, ce qui rend furieux ce dernier, qui la vire de chez lui. Outre une autre séance de sport, la scène où Gilles (Benjamin Biolay) offre à Constance un sex-toy au cours d’un dîner est proposée en version longue.

Un minuscule making of de 6 minutes, suit le tournage une journée durant l’été 2015. L’occasion de voir l’investissement physique de Marina Foïs et de Joséphine Japy (courir sous un soleil de plomb), mais également le réalisateur Sébastien Marnier à l’oeuvre avec sa comédienne, ainsi que le soutien de l’équipe technique, en particulier le chef opérateur Laurent Brunet. Quelques propos des actrices, du cinéaste et de la productrice Caroline Bonmarchand sont également au programme.

L’Interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Malgré l’engouement critique et public, il semble qu’Orange n’ait pas jugé bon de sortir Irréprochable en Blu-ray. Il faudra donc se contenter de cette édition standard, mais heureusement la qualité est là. Les couleurs sont bien loties, entre chaud et froid, le piqué est suffisamment affûté, la clarté de mise sur toutes les séquences en extérieur et les contrastes élégants. Les détails ne manquent pas sur le cadre large, les noirs sont denses. On aurait vraiment aimé une édition HD !

Le mixage Dolby Digital 5.1 instaure un excellent confort acoustique en mettant l’excellente composition de Zombie Zombie en avant, tout en délivrant les dialogues avec ardeur, sans jamais oublier les effets et ambiances annexes. Quelques basses soulignent également diverses séquences. La piste Stéréo s’en donne également à coeur joie, se révèle dynamique et même percutante dans son genre. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © Memento Films Distribution / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Insaisissables 2, réalisé par Jon M. Chu

INSAISISSABLES 2 (Now You See Me 2) réalisé par John M. Chu, disponible en DVD et Blu-ray le 30 novembre 2016 chez M6 Vidéo

Acteurs : Jesse Eisenberg, Mark Ruffalo, Woody Harrelson, Daniel Radcliffe, Dave Franco, Morgan Freeman, Michael Caine, Lizzy Caplan, Jay Chou

Scénario : Ed Solomon, Pete Chiarelli

Photographie : Peter Deming

Musique : Brian Tyler

Durée : 2h09

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Un an après avoir surpassé le FBI et acquis l’admiration du grand public grâce à leurs tours de magie exceptionnels, les 4 cavaliers reviennent. Pour leur retour sur le devant de la scène, ils vont dénoncer les méthodes peu orthodoxes d’un magnat de la technologie à la tête d’une vaste organisation criminelle. Ils ignorent que cet homme d’affaires, Walter Marbry, a une longueur d’avance sur eux, et les conduit dans un piège : il veut que les magiciens braquent l’un des systèmes informatiques les plus sécurisés du monde. Pour sortir de ce chantage et déjouer les plans de ce syndicat du crime, ils vont devoir élaborer le braquage le plus spectaculaire jamais conçu.

Réalisé par Louis Leterrier, Insaisissables avait créé la surprise en 2013 en devenant le plus grand, le plus fun et ludique des divertissements de l’été , qui s’est d’ailleurs soldé par un succès fracassant dans nos salles avec plus de 3 millions de spectateurs et en empochant plus de 350 millions de dollars au box-office mondial. Porté par un casting de choc avec Jesse Eisenberg, Woody Harrelson, Mark Ruffalo, Isla Fisher, Mélanie Laurent, Dave Franco, Michael Caine, Morgan Freeman et une petite apparition amusante de José Garcia, Insaisissables reposait sur un scénario malin, rempli de rebondissements en tous genres, aussi constants qu’inattendus. Ce qui faisait également la force du film, c’était également la mise en scène de Louis Leterrier qui emballait élégamment son attraction en 35 mm (très belle photographie) tant sur les scènes d’action que sur les grandes illusions, usant le plus possible de véritables trucages et tours de magie sur scène. Sa caméra virevoltait sans faire mal à la tête, le montage restait alerte sans pour autant rendre incompréhensible ce qui se déroulait à l’écran. L’alchimie entre les comédiens demeurait l’un des principaux attraits de ce divertissement qui se doublait d’une originale et entière réflexion sur le cinéma et la notion du divertissement.

Film d’action, de casse, comédie, d’aventures – l’histoire se déroulait entre Las Vegas, La Nouvelle-Orléans, New York et Paris – le tout teinté de fantastique, Insaisissables était, n’ayons pas peur des mots, un vrai joyau réalisé par un mec qui aime le cinoche pour ce qu’il est avant tout, pour les spectateurs désireux de passer un super moment de détente.

Les producteurs auraient dû savoir qu’il ne faut jamais demander à un magicien de refaire deux fois le même tour sous peine de découvrir le truc. Peu importe, car alléchés par l’odeur de l’argent, la suite d’Insaisissables a rapidement été mise en chantier. Si Louis Leterrier a poliment refusé la mise en scène pour aller filmer l’excellent Grimsby – Agent trop spécial, les studios LionsGate ont fait appel au dénommé John M. Chu, auteur (ou responsable c’est selon) de Sexy Dance 2, Sexy Dance 3D, Justin Bieber : Never Say Never (oui bon…) et le plaisir (même pas coupable) G.I. Joe : Conspiration qui avait rapporté près de 400 millions de dollars à la Paramount. Avant d’aller filmer les nouveaux tours de magie de notre bande, le réalisateur a réussi à mettre en boite une adaptation live de Jem et les Hologrammes, énorme four. Ce qui nous intéresse c’est donc le comeback des magiciens d’Insaisissables, qui ont tous répondu à l’appel, ou presque. Exit Mélanie Laurent (qui n’a pas été rappelée pour le coup) et Isla Fisher, alors en congé maternité, bienvenue à la délicieuse Lizzy Caplan, vue dans Cloverfield de Matt Reeves et surtout la série Masters of Sex, qui interprète le nouveau personnage de Lula, magicienne spécialisée dans le gore. Les autres reprennent leurs rôles respectifs, auxquels se joint Daniel Radcliffe, qui incarne ici le grand méchant (d’1m65) – Harry Potter passé du côté obscur – qui s’en prend aux Horsemen, avec une délectation plutôt contagieuse.

Insaisissables 2 est typique de la suite mise en route uniquement pour surfer sur le triomphe du premier film et de l’attachement des spectateurs pour les héros. Si on les retrouve effectivement avec plaisir, tout comme les ingrédients qui ont fait la réussite de la recette originale, cette séquelle n’a absolument plus rien à dire et tout est fait ici pour faire vendre du popcorn. John M. Chu fait de son mieux pour insuffler un rythme trépident à cette entreprise, mais le gros problème d’Insaisissables 2 c’est que la magie n’opère plus. Là où le premier privilégiait les illusions « réalistes, crédibles et authentiques » le second a trop souvent recours aux images de synthèse (l’arrêt de la pluie, sérieusement ?), ce qui rompt complètement le charme original. Le ton est ici un peu plus sombre, le film se déroule d’ailleurs quasiment entièrement de nuit, mais les rebondissements ne fonctionnent pas. Pourquoi ? L’audience s’est déjà faite entourloupée. Alors quand les Horsemen sont montrés en fâcheuse posture, les spectateurs savent d’emblée qu’ils ont plus d’un tour dans leur sac et/ou que tout avait déjà été prévu grâce à un « plan qui se déroule sans accroc ».

Malgré une baguette magique agitée dans tous les sens, peu de scènes marquantes viennent relever l’attention – à part celle du casse, bien qu’interminable – et ce n’est pas le dernier acte, complètement raté car sans cesse prévisible, qui sauvera l’entreprise. Les acteurs font le boulot sans y croire vraiment cette fois, à part Woody Harrelson qui s’amuse (et nous aussi) dans un double-rôle de frères jumeaux qui se détestent cordialement. A cette occasion, le comédien porte postiche, fausses dents et bronzage artificiel, et fait furieusement penser à son pote Matthew McConaughey ! Vous y penserez la prochaine fois. Lizzy Caplan s’agite un peu trop, Jesse Eisenberg semble se demander ce qu’il fait là, Dave Franco sourit, Mark Ruffalo garde la tête penchée en mode en Grumpy Cat, Morgan Freeman et Michael Caine gardent les mains dans les poches en attendant que ça se passe en se promenant entre Macao et Londres. Bon, aller, on va dire qu’on a déjà vu bien pire, mais après la grande réussite du premier opus, la déception est immense.

Si le film a connu un échec commercial aux Etats-Unis en récoltant un peu plus de 60 millions de dollars, soit deux fois moins que le premier, Insaisissables 2 a bien fonctionné dans le reste du monde avec notamment 2 millions d’entrées chez nous. Avant même la sortie du second, un troisième volet était déjà annoncé. Mais devant les chiffres décevant au box-office US, sa mise en route reste suspendue.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray d’Insaisissables 2, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé, musical et ponctué par quelques scènes du film en version française.

Le premier supplément, Un casting de choix (21’) revient sur la mise en chantier de ce second volet, marqué par le retour des comédiens au grand complet, ou presque, avec la présentation des nouveaux personnages. Les comédiens s’expriment sur les conditions de tournage, le producteur se frotte les mains, le scénariste présente les enjeux de cette suite et le réalisateur et les consultants en magie parlent du travail avec les acteurs. En grande partie, nous assistons à un concours de louanges avec les superlatifs attendus, le tout saupoudré des coulisses du tournage et notamment de la création du double-rôle campé par Woody Harrelson.

Le segment suivant, Ne les quittez pas des yeux (17’), accueille les mêmes participants, qui se focalisent cette fois sur les lieux de tournage, en particulier Macao et Londres. Le directeur de la photo, la chef déco et les créateurs des effets spéciaux se mêlent à la partie et analysent quelques séquences clés du film.

Enfin, le module Donner vie à la magie (16’) donne la parole aux magiciens qui ont officié comme consultants sur Insaisissables 2, y compris David Copperfield, également co-producteur. Des images montrent la préparation et l’entraînement des comédiens à la manipulation puisque le producteur désirait garder au maximum l’authenticité du premier volet en laissant faire aux acteurs le maximum de tours de magie en live.

Si vous désirez en savoir un peu plus sur Insaisissables 2, pourquoi pas revoir le film en compagnie du réalisateur John M. Chu, qui commente son film (en vostf) avec beaucoup d’entrain et suffisamment d’anecdotes pour qu’on ne s’ennuie pas une seconde. S’il brasse un peu tout ce qui est abordé au fil des suppléments en vidéo, ce commentaire s’avère distrayant, rythmé et intéressant. En revanche, bien qu’il indique avoir beaucoup laissé de scènes sur le banc de montage, nous aurions aimé les trouver dans les bonus ! Nous apprenons également que Louis Leterrier a donné un coup de main à la mise en scène, en particulier pour la séquence où la bande s’évade à moto.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Un très bel objet que ce master HD d’Insaisissables 2. L’image bénéficie d’un codec AVC de haut niveau, renforçant les contrastes léchés, ainsi que les détails aux quatre coins du cadre. Certains plans nocturnes sont magnifiques et tirent entièrement parti de cette élévation en Haute Définition. Les gros plans peuvent être analysés sans problème puisque la caméra numérique (Arri Alexa XT Plus, Red Epic Dragon) de John M. Chu colle parfois au plus près des personnages, les ombres et les lumières s’accordent parfaitement avec des scènes ambrées en extérieur et plus froids dans les extérieurs, notamment à Macao avec les buildings éclairés aux néons. En dépit de quelques légers fléchissements, ce Blu-ray est évidemment une franche réussite technique et restitue les partis pris esthétiques du talentueux chef opérateur Peter Deming (Evil Dead 2, Mulholland Drive, La Cabane dans les bois) avec parfois un très beau grain.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre pas moins de quatre mixages, deux français et deux anglais DTS-HD Master Audio 5.1 et 7.1 ! Ces options s’avèrent particulièrement bluffantes, surtout dans les scènes de représentations, mais également dans les séquences plus calmes. Les quelques pics d’action peuvent compter sur une balance impressionnante des frontales comme des latérales, avec des effets en tous genres qui environnent le spectateur. Les effets annexes sont présents et dynamiques. Seuls les dialogues auraient mérité d’être un peu plus relevés sur la centrale, comme bien souvent chez l’éditeur. De son côté, le caisson de basses souligne efficacement chacune des actions au moment opportun, notamment durant le dernier acte se déroulant à Londres. La spatialisation est en parfaite adéquation avec le ton du film. L’éditeur joint également une piste française en Audiodescription, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © SND / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Massacres dans le train fantôme (version longue non censurée), réalisé par Tobe Hooper

MASSACRES DANS LE TRAIN FANTOME (The Funhouse) réalisé par Tobe Hooper, disponible en Édition Collector Blu-ray + DVD le 23 novembre 2016 chez Elephant Films

Acteurs : Elizabeth Berridge, Shawn Carson, Jeanne Austin, Jack McDermott, William Finley, Sylvia Miles, Cooper Huckabee, Largo Woodruff

Scénario : Lawrence Block

Photographie : Andrew Laszlo

Musique : John Beal

Durée : 1h35 (version longue non censurée), 1h32 (version française)

Date de sortie initiale : 1981

LE FILM

C’est la fête ! Un parc d’attractions vient de s’installer en ville. Quatre adolescents délurés décident de passer la nuit à l’intérieur du manège le plus imposant de la fête : un mystérieux train fantôme. Alors que le parc ferme, les ennuis commencent pour nos quatre héros.

Massacres dans le train fantômeThe Funhouse, demeure un film injustement mal aimé. Après le phénomène Massacre à la tronçonneuse (1974), son second long métrage, Tobe Hooper enchaîne avec Le Crocodile de la mort, un nouveau film d’horreur gore avec Marilyn Burns, Mel Ferrer et William Finley, récompensé dans de nombreux festivals. Le cinéaste a alors le vent en poupe. Pour la télévision, il adapte Salem, le chef d’oeuvre et best-seller de Stephen King, dans un téléfilm de trois heures. En 1981, il fait son retour au cinéma avec Massacres dans le train fantôme, qui sera un échec à sa sortie. Le public attendait forcément une débauche d’hémoglobine du début à la fin et a dû être décontenancé par la très longue et pourtant passionnante installation. En effet, il faut attendre près d’une heure pour que le premier meurtre se déroule à l’écran et les spectateurs avides de sang ont dû trouver le temps long. Pourtant, Massacres dans le train fantôme est un film formidable qui repose entièrement sur la mise en scène de Tobe Hooper et un scénario qui rend hommage au grand classique de Tod Browning, Freaks, la monstrueuse parade (1932), mais aussi aux Universal Monsters des années 1930-40.

Dès la première séquence, hommage à Psychose d’Alfred Hitchcock et à Halloween, la nuit des masques de John Carpenter, Tobe Hooper happe le spectateur par l’intermédiaire d’une caméra subjective. Un individu rôde dans une chambre décorée de figurines, de masques et de posters d’épouvante (dont Frankenstein de James Whale), ainsi que de fausses armes de torture et d’araignées en silicone. Plan suivant, la charmante actrice Elizabeth Berridge nous gratifie d’un superbe topless (rien en silicone de son côté) puisqu’elle se prépare à prendre une douche. De son côté, l’individu louche revêt un des masques d’horreur et se dirige vers la salle de bain. Chanceux que nous sommes, nous partageons l’eau tiède avec la jeune femme, Amy Harper, quand nous apercevons la porte s’ouvrir doucement à travers le rideau de douche. A l’instar de Psychose, celui-ci est écarté brutalement tandis qu’une main brandit une arme blanche qui s’abat directement sur la (belle) poitrine et les hanches de la jeune femme. Quelques cris, mais pas de sang. L’arme est factice et l’individu louche s’avère en réalité le jeune frère d’Amy qui voulait lui donner la peur de sa vie. S’il a réussi à l’effrayer, Amy empoigne sévèrement son frère Joey et jure de lui rendre la monnaie de sa pièce et de façon encore pire qu’il puisse l’imaginer. Peu de temps après, Amy part avec son boyfriend et un couple d’amis pour la fête foraine qui vient de s’installer dans les environs. Malgré l’interdiction du père d’Amy de s’y rendre en raison de l’assassinat inexpliqué de deux fillettes dans cette fête foraine peu de temps auparavant, les quatre adolescents sont bien décidés à prendre du bon temps, à flirter, à assister à quelques spectacles de magie, bref à profiter de leur jeunesse. De son côté, Joey fait le mur, pour aller faire des tours de manège.

Tobe Hooper prend le temps d’installer son très beau décor principal, les personnages, une ambiance de plus en plus inquiétante, angoissante et anxiogène. La photo du chef opérateur Andrew Laszlo (Les Guerriers de la nuit, Rambo, Les Rues de feu) est superbe et sublime même chaque plan composé par le cinéaste, qui invite son audience à venir visiter un nouveau musée des horreurs peuplé de vaches difformes, avec deux museaux, un fœtus placé dans une cuve de formol. Le malaise et la peur sont donc inattendus et présents là où on ne le soupçonnait pas. C’est alors qu’en guise de défi, les personnages décident de passer la nuit à l’intérieur du train fantôme gardé par un homme portant un masque de la créature de Frankenstein. Un peu plus tard dans la nuit, tapis dans l’ombre de l’attraction, ils assistent au brutal assassinat d’une vieille diseuse de bonne aventure par l’homme au masque, qui se révèle être le fils du gérant du train fantôme. Après un coup de malchance, les adolescents se font remarquer. Conscient qu’ils ont dû assister à toute la scène, le boss lance son fils à leur poursuite. Ce dernier retire son masque de monstre, qui dissimule en réalité un autre mais vrai être difforme, tout droit sorti de l’enfer (maquillage signé Rick Baker), avec des dents aiguisées et des yeux rouges. Les quatre adolescents se retrouvent coincés dans le manège. Eux qui voulaient faire le plein d’émotions fortes vont être servis !

A la fois slasher et survival, The Funhouse parvient à sortir des sentiers battus grâce à sa forme (inspirée) mais aussi par le drame social qui se joue en filigrane, notamment les rapports familiaux dans la société américaine à la fin des années 1970. Un fossé générationnel n’a de cesse de se creuser et de faire de chaque membre des freaks à part entière. C’est là toute la force du cinéma de Tobe Hooper, ici en pleine possession de ses moyens (plutôt confortables d’ailleurs), à la fois divertissement généreux et fable ironique sur ses contemporains. Bien que le film soit rentable, Massacres dans le train fantôme est considéré comme un échec. Le producteur Steven Spielberg, qui souhaitait déjà le voir réaliser E.T. l’extra-terrestre, engage Tobe Hooper pour un film fantastique. Son titre ? Poltergeist. Bien que plus moins connu que ce dernier, Massacres dans le train fantôme est absolument à réhabiliter et mérite surtout d’être réévalué !

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Massacres dans le train fantôme, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical. A noter que le DVD propose uniquement la version cinéma, tant en version originale qu’en français, alors que la version longue non censurée est uniquement disponible en anglais et en Blu-ray !

En guise de barbe à papa, l’éditeur nous gratifie d’une présentation du film par le critique Stéphane Du Mesnildot (18’) officiant aux Cahiers du Cinéma. Cet exposé revient sur le troisième film pensé comme étant le dernier volet d’une trilogie consacrée à l’Amérique et à ses mythes. Stéphane Du Mesnildot passe en revue le thème des freaks, les références aux films de monstres Universal, analyse quelques séquences et les thèmes abordés de manière sous-jacente par Tobe Hooper.

Elephant Films joint également 5 minutes de scènes coupées, en réalité des séquences ajoutées pour la première diffusion de Massacres dans le train fantôme à la télévision, afin de compenser les coupes réalisées sur les séquences violentes ou à caractère sexuel. Nous voyons donc le père d’Amy s’entretenir plus longuement avec Buzz, avant qu’ils partent s’amuser, tandis que Joey lit l’histoire d’Hansel et Gretel dans sa chambre avant de se faire la malle.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos et des bandes-annonces. Cette édition contient également un livret de 23 pages (non reçu), intitulé Faux slasher, vrai film de monstre, écrit par Lionel Grenier.

L’Image et le son

Massacres dans le train fantôme arrive dans les bacs français dans une très belle édition HD (1080p) entièrement restaurée. Le travail est impressionnant et l’image est très propre, débarrassée de la majeure partie des poussières, griffures et autres résidus qui ont dû être minutieusement enlevés image par image. Les images endommagées ont été réparées et les problèmes de densité et de stabilité ont été considérablement améliorés. Tout au long du processus de restauration, un soin particulier a été apporté afin que la texture originale du film, les détails, la structure du grain ne soient pas affectés par le traitement numérique. Ce nouveau transfert Haute Définition permet de redécouvrir Massacres dans le train fantôme sous toutes ses coutures avec une magnifique patine argentique. Cette élévation HD offre à la colorimétrie un nouveau lifting et retrouve pour l’occasion une nouvelle vivacité. Si la gestion du grain et des contrastes demeure aléatoire et plus altérée sur les séquences sombres, au moins pas de réduction de bruit à l’horizon, les détails et le piqué sont plus qu’honorables. N’oublions pas la stabilité de la copie soutenue par un codec AVC exigeant.

En anglais (version longue) comme en français (version cinéma), les deux mixages DTS-HD Master Audio 2.0 contenteront les puristes. Ces deux options acoustiques s’avèrent dynamiques et limpides, avec une belle restitution des dialogues et de la musique. Les effets sont solides bien que certains paraissent plus étouffés, mais le confort est assuré. Pas de souffle constaté.

Crédits images : © Elephant Films / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Equals, réalisé par Drake Doremus

EQUALS (Akai Satsui) réalisé par Drake Doremus, disponible en Blu-ray et DVD le 20 décembre 2016 chez Orange Studio

Acteurs : Kristen Stewart, Nicholas Hoult, Guy Pearce, Jacki Weaver, Kate Lyn Sheil, Aurora Perrineau, Toby Huss, Scott Lawrence

Scénario : Nathan Parker

Photographie : John Guleserian

Musique : Dustin O’Halloran, Sascha Ring

Durée : 1h41

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Durant « La Grande Guerre », la Terre a connu 28 jours de bombardements. 99,6 % de la surface habitable de la planète a été anéantie. Une zone a survécu, la Péninsule, peuplée d’êtres jugés primitifs appelés les Déficients. Le reste de la population est confinée dans des cités où les sentiments sont considérés comme une maladie à éradiquer car symboles et vestiges du passé tumultueux de la race humaine. C’est dans une de ces villes blanches et aseptisées que Nia et Silas tombent éperdument amoureux. Pour survivre, ils devront cacher leur amour et résister ensemble.

Prendre Kristen Stewart et Nicholas Hoult, qui sont loin d’être les comédiens les plus expressifs, pour interpréter deux jeunes qui tombent amoureux dans une société dystopique où les sentiments (peur, angoisse, amour, colère), les contacts physiques et les désirs sont prohibés dès la naissance, n’était pas une mauvaise idée sur le papier. Le problème avec Equals, réalisé par l’américain Drake Doremus, dont les quatre premiers longs métrages indépendants ne sont jamais sortis dans les salles françaises, c’est qu’il croule sous les références, tant sur le fond que sur la forme, et qu’il ne se distingue jamais d’autres films du genre. S’il n’était pas interprété par ces deux jeunes acteurs, qui font partie des plus convoités aujourd’hui, Equals, présenté en compétition au Festival de Venise 2015, n’aurait sans doute pas bénéficié d’une sortie en e-cinéma en France.

Equals est un petit film de science-fiction qui lorgne sur le 1984 de George Orwell, sur THX 1138 de George Lucas et Bienvenue à Gattaca d’Andrew Niccol. En dehors de ces excellentes références, Equals ne parvient jamais à instaurer une ambiance, un climat, un contexte, un ton et demeure aussi figé que le jeu apathique de son couple principal. Heureusement, les apparitions furtives des excellents Guy Pearce et Jacki Weaver viennent un peu secouer tout ça. Mais on s’ennuie rapidement devant ce petit film qui veut probablement inciter à la réflexion sur monde d’aujourd’hui, qui a sûrement des choses à dire sur l’incommunicabilité entre les êtres et sur la force des sentiments face à l’adversité et la répression, mais qui les dit mal en se reposant trop sur ses modèles pour faire passer son discours. Dernièrement, The Lobster de Yorgos Lanthimos et même The Island de Michael Bay il y a plus de dix ans en disaient bien plus sur le conditionnement de l’être humain.

Dommage quand on sait que le scénario est signé Nathan Parker, auteur du fantastique Moon de Duncan Jones et que le film est également coproduit par Ridley Scott. Ici, le décor est pauvre et glacé, comme si les comédiens déambulaient dans la Bibliothèque François Mitterrand, on prend un thème musical de trente secondes que l’on passe en boucle non-stop pendant près de deux heures durant lesquelles Kristen Stewart et Nicholas Hoult font la tronche, ce en quoi ils excellent, et sont filmés comme pour une pub de parfum de luxe. La mise en scène compile des gros plans sans consistance tandis que les dialogues s’inspirent visiblement d’une chanson de Patrick Bruel avec « l’amour, c’est mieux que la guerre ».

Equals est un film sur lequel on misait, mais qui finit par irriter au bout d’un quart d’heure et qui n’a rien à proposer si ce n’est du vide, sur un rythme lent. Avec son « intrigue » redondante et trop classique, parvenir jusqu’à la fin de ce film d’anticipation, qui s’avère constamment prévisible et peu convaincant, s’avère un véritable challenge.

LE BLU-RAY

Après une courte carrière en VOD, Equals arrive dans les bacs en DVD et Blu-ray chez Orange Studio. Le Blu-ray repose dans un boîtier classique de couleur bleue. Le menu principal est animé sur la musique du film.

L’éditeur réalise ici une sortie technique puisque nous ne trouvons en tout et pour tout que 6 minutes de suppléments. Deux featurettes qui donnent la parole aux comédiens, au producteur et au réalisateur. Quelques rapides images de tournage dévoilent l’envers du décor et les propos des intervenants se penchent principalement sur les personnages et les thèmes explorés.

L’Image et le son

L’éditeur soigne son master HD (1080p), même si le piqué manque souvent de mordant. Cependant, les contrastes sont d’une densité rarement démentie, à part peut-être durant les séquences sombres où l’image paraît plus douce et moins affûtée. La clarté demeure frappante, les gros plans détaillés (ce qui permet de voir que Kristen Stewart n’entretient pas sa peau) et la colorimétrie marquée par les décors métalliques et bleus dans une première partie, puis plus rouge-orangée dans la seconde, est à l’avenant. Les détails sont plaisants et la copie restitue les partis pris esthétiques caractéristiques de ce monde futuriste, aseptisé, immaculé, des décors aux costumes.

Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio 5.1 délivrent délicatement les rares dialogues, la musique, les légères ambiances qui environnent les personnages durant leur journée de travail. La balance frontale est joliment équilibrée, les latérales interviennent à bon escient. La spatialisation musicale est systématique et le confort acoustique solide. Il en est de même pour les pistes Stéréo, de fort bon acabit, qui conviendront aisément à ceux qui ne seraient pas équipés sur la scène arrière. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé à la volée.

Crédits images : © Orange Studio / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Tire encore si tu peux (version intégrale non censurée), réalisé par Giulio Questi

TIRE ENCORE SI TU PEUX (Se sei vivo, spara) réalisé par Giulio Questi, disponible en DVD et Blu-ray le 23 novembre 2016 chez Rimini Editions

Acteurs : Tomás Milián, Ray Lovelock, Piero Lulli, Milo Quesada, Roberto Camardiel, Miguel Serrano, Angel Silva, Sancho Gracia, Marilù Tolo

Scénario : Franco Arcalli, María del Carmen Martínez Román, Giulio Questi, Benedetto Benedetti

Musique : Ivan Vandor

Durée : 1h57

Date de sortie initiale : 1967

LE FILM

Un métis, parfois surnommé L’Etranger, fait partie d’une bande de voleurs qui s’empare d’une importante cargaison d’or après l’attaque d’un convoi de la Wells Fargo. Au moment du partage, les mexicains du gang sont abattus un à un par leurs collègues américains. Laissé pour mort, L’Etranger est sauvé par deux Indiens. Il se lance alors à la poursuite de ses anciens complices, et découvre qu’ils ont été tués par les habitants d’un petit village. Qu’est devenu l’or ?

La réputation de Tire encore si tu peuxSe sei vivo, spara n’est pas usurpée. Il s’agit bel et bien d’un des plus grands westerns italiens jamais réalisés. Mis en scène par Giulio Questi (1924-2014) en 1967, ce chef d’oeuvre joue avec les genres et même parfois avec les codes du giallo, ce qui lui a valu de nombreux déboires avec la censure à sa sortie, au point d’être interdit trois jours seulement après son arrivée sur les écrans. Egalement connu sous le titre anglais Django, Kill … If You Live, Shoot! – « Django » n’apparaissant pas dans ce film – ou également Oro hondo, Tire encore si tu peux est ensuite ressorti en 1975 dans une version tronquée avec notamment l’absence de séquences très gore dans lesquelles des individus s’acharnent sur le corps criblé de balles en or d’un mourant, désireux de s’emparer de ce butin inattendu. Même chose pour la scène où un indien se fait scalper en gros plan. Au total, plus de quinze minutes du film ont été coupées. C’est donc un événement et un vrai choc de découvrir le montage du réalisateur.

D’emblée, le spectateur est happé par cette main qui surgit de la terre comme dans un film de zombies. Un homme (Tomás Milián) recouvert de poussière, avait visiblement été enterré vivant. En réalité, il venait de participer à un braquage, mais ses complices (américains) ont décidé de le doubler lui et les autres mexicains ayant participé à ce vol, pour s’enfuir avec l’or. Ces derniers se font abattre dans le désert après avoir creusé leur propre tombe. Seul survivant de ce massacre, l’homme est sauvé in extremis par deux mystérieux indiens. Déterminé à se venger, il parcourt l’Ouest et apprend que des villageois ont tué et lynché les hors-la-loi, sans savoir ce qui est advenu du butin. Des bandits apprennent pour l’argent et kidnappent le fils d’un homme qui saurait où l’argent se trouve. L’Etranger sauve l’adolescent, mais malheureusement peu après qu’il se soit fait violer par les pistoleros homosexuels vêtus de chemises noires. Qui a dit fascisme ?

C’est là l’immense réussite de Tire encore si tu peux, western qui s’avère également un vrai film d’horreur surréaliste teinté de fantastique. L’Etranger survit malgré les balles et grâce à la magie des deux indiens. Giulio Questi filme une ville hostile et cauchemardesque, comme une cité perdue peuplée de monstres violents et sanguinaires, paumés dans un univers post-apocalyptique. Les salauds de l’histoire ne sont pas ceux que l’on croyait dans les premières séquences, puisque les traitres vont rapidement se faire trucider par les habitants de la ville où ils croyaient pouvoir se réfugier avant de pouvoir profiter de l’or. L’Etranger, campé par un formidable Tomás Milián, sera plongé au milieu des balles, qui visiblement ne l’atteignent pas ou plus, et tentera de reprendre sa part du butin. Seulement l’or est convoité de toutes parts et la partie est loin d’être gagnée. A la fin, L’Etranger partira au galop, dégoûté par ce qu’il aura vu, notamment ce qui restait du butin fondre littéralement sur le visage d’un adversaire. Une des séquences les plus marquantes du film.

Chef d’oeuvre baroque et redoutablement pessimiste sur la nature humaine, Tire encore si tu peux agit comme une séance d’hypnose angoissante et glaçante. Alors qu’il désirait à la base mettre en scène un thriller violent, Giulio Questi réalise l’oeuvre de sa vie, dans laquelle il désirait combattre ses démons après avoir été traumatisé pendant la Seconde Guerre mondiale. Virtuose, maîtrisé du début à la fin, audacieux, sans cesse inventif, déjanté, limite expérimental (y compris sur la bande-son), Se sei vivo, spara n’est pas un film à mettre devant tous les yeux, mais n’aura de cesse de faire de nouveaux adeptes auprès des cinéphiles et passionnés de cinéma déviant. Tire encore si tu peux reste et restera une véritable et fascinante curiosité.

LE BLU-RAY

Jusqu’alors inédit en Haute-Définition en France, Tire encore si tu peux est enfin disponible en Blu-ray dans nos contrées et ressort également en DVD, plus de dix ans après la copie Seven7 Editions. C’est à l’éditeur Rimini Editions que l’on doit cette sortie attendue par les amateurs de westerns italiens. Le Blu-ray repose dans un boîtier classique de couleur noire. Le menu principal est animé sur la musique du film.

L’éditeur a mis la main sur un entretien inédit du cinéaste Giulio Questi (45’), réalisé à son domicile en mars 2009. Si la réalisation de cette interview laisse franchement à désirer et si le journaliste rebondit peu aux propos du metteur en scène, Giulio Questi se livre sur son art et revient sur les grandes étapes de sa carrière. Ses films sont passés au crible, notamment Tire encore si tu peux, tout comme La Mort a pondu un œuf (La morte ha fatto l’uovo) réalisé en 1968. Le réalisateur évoque sa passion pour le cinéma français des années 1920, son travail dans le monde du documentaire, l’évolution du cinéma, le travail avec Tomás Milián, le genre du western, ses rencontres déterminantes, sa passion pour le cinéma de Woody Allen et de Pedro Almodóvar dont il ne ratait aucun film dans les salles.

Fidèle à Rimini Editions, l’historien du cinéma Christophe Champclaux nous propose ensuite un portrait du comédien Tomás Milián (8’). Si cette présentation est sans doute trop rapide, l’ensemble ne manque pas d’informations, d’anecdotes et surtout de titres qui donnent furieusement envie de voir ou revoir les westerns, mais aussi les drames de Mauro Bolognini, Alberto Lattuada, Valerio Zurlini, Liliana Cavani, Bernardo Bertolucci, Michelangelo Antonioni et bien d’autres, dans lesquels le comédien, né à Cuba en 1933, a su briller et devenir un acteur culte auprès des spectateurs.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce américaine de « Django, Kill … If You Live, Shoot! » et la bande-annonce allemande.

L’Image et le son

Rimini livre un master HD au format 1080p (très important à signaler) qui permet aux spectateurs de redécouvrir Tire encore si tu peux dans de très belles conditions techniques, malgré quelques tâches et fils en bord de cadre qui n’ont pas pu être éradiqués. Les volontés artistiques sont respectées, tout comme le grain cinéma, le confort de visionnage est omniprésent avec ses couleurs ravivées. Le piqué est flagrant, l’apport HD non négligeable sur plans larges, les séquences sombres sont aussi bien définies que le reste, les noirs sont concis, les détails fort appréciables, notamment sur les nombreux gros plans. N’oublions pas le relief des textures, la profondeur de champ inédite, la stabilité et la restauration très impressionnante.

Les pistes italienne et française (au doublage réussi) DTS-HD Master Audio 2.0 sont de même acabit. Les deux versions délivrent leurs dialogues avec suffisamment d’ardeur et les ambiances annexes sont dynamiques. S’il fallait vraiment les différencier, la piste italienne s’avère plus modérée, les voix des comédiens apparaissent plus fluides et les ambiances plus naturelles et homogènes. Dans les deux cas, aucun souffle intempestif n’est à déplorer, la propreté est de mise et la partition du compositeur Ivan Vandor est très bien restituée. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement impossible à la volée. Comme il s’agit de la version intégrale non censurée, certaines séquences jamais doublées passent automatiquement en italien sous-titré en français.

Crédits images : © Rimini Editions / Captures Bonus : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Désir meurtrier, réalisé par Shōhei Imamura

DESIR MEURTRIER (Akai Satsui) réalisé par Shôhei Imamura, disponible en DVD le 15 novembre 2016 chez Elephant Films

Acteurs : Masumi Harukawa, Kô Nishimura, Shigeru Tsuyuguchi, Yûko Kusunoki, Ranko Akagi, Tomio Aoki

Scénario : Shôhei Imamura, Shinji Fujiwara, Keiji Hasebe

Photographie : Shinsaku Himeda

Musique : Toshirô Mayuzumi

Durée : 2h30

Date de sortie initiale : 1964

LE FILM

Après avoir accompagné son mari à la gare et envoyé son fils chez sa belle-mère, Sadako est suivie jusque chez elle par un jeune homme. Celui-ci force la porte de sa maison et la viole. La jeune femme, humiliée, en garde le secret. Quelques jours plus tard, Hiraoka, revient et lui explique que malade du cœur, il ne lui reste que peu de temps à vivre. Une passion déchainée va lier ces deux amants et Sadako ne voit qu’une seule issue: la mort.

Désir meurtrier (Akai Satsui) est considéré à juste titre comme étant l’un des plus grands films de Shôhei Imamura. Réalisé en 1964, entre La Femme insecte (1963) et Le Pornographe (1966), ce septième long métrage du maître japonais demeure un sommet dans une filmographie pourtant exigeante. Dans une maison en bois, au bord d’une voie ferrée, vit un couple modeste dont la femme, Sadako, une femme un peu naïve et que son compagnon n’a pas reconnu comme épouse légitime, mène une vie résignée, entièrement vouée à son foyer, à son mari, à la mère (cruelle) de celui-ci et à son fils adoptif. Un soir d’hiver, en l’absence de son époux, elle est violée par un cambrioleur qui s’est introduit chez elle. Cet homme, Hiraoka, provoque un déclic dans sa vie monotone, un électrochoc révélateur. Sadako décide de garder le silence et n’en dit rien à son mari, Koichi. Quelques jours plus tard, son agresseur, Hiraoka, revient et lui explique qu’il est atteint d’une maladie du cœur et qu’il ne lui reste plus que quelques jours à vivre. Contre toute attente, ils entament une relation passionnelle, malsaine et morbide, qui n’échappera pas à un funeste dénouement.

Remarquable drame traitant de la condition féminine dans une société où elle n’a quasiment aucun droit ni autorité, Désir meurtrier étend son histoire sur près de 2h30 afin de faire ressentir le chamboulement physique et psychologique de son personnage principal. Complexe et ambigu, ce portrait de femme soumise car comme l’indique un carton en présentation « Il faut obéir aux règles de la famille car sans règles un foyer ne peut pas fonctionner » fustige les rites et coutumes éculés, pour ne pas dire stupides, d’un pays qui souhaite pourtant s’ouvrir au monde moderne et en plein boom économique. Originale, virtuose, passionnée, cette étude sur la psyché féminine subjugue également sur la forme. Soutenu par la merveilleuse photographie de Shinsaku Himeda, Shôhei Imamura joue avec le cadre, qu’il fige pendant quelques secondes, avant de proposer un montage plus découpé, qui reflète le trauma et la révélation de Sadaka, magnifiquement interprétée par Masumi Harukawa, qui se livre corps et âme à la caméra du cinéaste. On s’attache très vite à cette jeune femme bien en chair, enfermée chez elle et qui voit quotidiennement les trains passés devant chez elle, symboles d’un ailleurs qu’elle ne connaîtra probablement jamais.

Comme dans la plupart des films d’Imamura, Désir meurtrier est marqué par une dimension documentaire, à l’instar de la scène d’au revoir au mari de Sadaka au début du film, dans laquelle on retrouve l’oeil aiguisé de l’entomologiste qu’était le réalisateur depuis son premier film et qui aimait étudier ses contemporains. Ce mari entretient une relation essentiellement charnelle avec une collègue de bureau, qu’il connaissait avant de rencontrer Sadako. Apprenant que cette dernière entretiendrait également une liaison, la jalousie le pousse à espionner sa femme par l’intermédiaire de sa propre maîtresse. Les pulsions sexuelles dominent et renvoient les êtres humains à leur animalité, qui se laissent dévorer et conduire par leurs envies soudaines, qu’ils n’expliquent pas. C’est évidemment le cas pour Sadako qui pour la première fois de sa vie ressent le plaisir et l’épanouissement sexuel durant le viol, scène par ailleurs très impressionnante par sa crudité, qui a fait scandale à la sortie du film. On pense évidemment au récent et formidable Elle de Paul Verhoeven, dans lequel Isabelle Huppert incarne une femme qui entretient une relation trouble avec l’homme qui l’a violée.

C’est dire si Shôhei Imamura était en avance sur son temps, ainsi que sur ses confrères de la nouvelle vague japonaise, et que Désir meurtrier demeure toujours aussi provocateur et violent, y compris dans sa forme éclatée et marquée par des flashbacks. Un indispensable et audacieux chef d’oeuvre.

LE DVD

Désir meurtrier est à ce jour le seul film de Shôhei Imamura édité seulement en DVD par Elephant Films dans sa collection Cinéma Master Class – La Collection des Maîtres, avec un joli fourreau cartonné. Le visuel de la jaquette est vraiment très élégant, tout comme le menu principal, animé et musical.

En plus d’un livret de 20 pages intitulé Shōhei Imamura, maître des désirs inassouvis par Bastian Meiresonne, de bandes-annonces (dont celles de la première salve Imamura sortie fin 2015 chez l’éditeur), d’une galerie de photos et des credits du disque, nous trouvons une excellente présentation de Désir meurtrier par Stephen Sarrazin (11’). Notre interlocuteur, spécialiste du cinéma japonais, est ici plus prolixe que sur les autres films de cette salve et commence d’emblée en indiquant que nous sommes ici en présence d’un des très grands films du maître. Les thèmes du film sont analysés, tout comme la dimension sociale et culturelle de ce chef d’oeuvre. L’histoire et les personnages sont également passés au peigne fin par Stephen Sarrazin.

L’Image et le son

Dommage de ne pas bénéficier d’un master HD pour ce titre, car la copie s’en sort très bien. Les partis-pris de la photographie de Shinsaku Himeda sont respectés, la copie est plutôt stable et propre, le cadre large ne manque pas de détails et la définition demeure solide tout du long. Le N&B aurait pu être plus dense et quelques fourmillements restent notables à plusieurs reprises, surtout sur les séquences sombres, mais ce DVD est vraiment très beau.

Point de version française, mais une uniquement la piste originale japonaise Dolby Digital Mono. Cette unique option acoustique s’avère riche, propre et précise. Le report des voix est appréciable, tout comme la musique, malgré quelques échanges sensiblement plus étouffés, mais les saturations sont évitées et l’ensemble est au final suffisamment dynamique et sans souffle parasite.

Crédits images : © Elephant Films / Captures DVD : Franck Brissard

Test Blu-ray / Trois vies et une seule mort, réalisé par Raoul Ruiz

TROIS VIES ET UNE SEULE MORT réalisé par Raoul Ruiz, disponible en Combo Blu-ray+DVD le 15 novembre 2016 chez Blaq Out.

Acteurs : Marcello Mastroianni, Anna Galiena, Melvil Poupaud, Chiara Mastroianni, Arielle Dombasle, Marisa Paredes, Féodor Atkine, Pierre Bellemare, Smaïn, Lou Castel

Scénario : Pascal Bonitzer, Raoul Ruiz

Photographie : Laurent Machuel

Musique : Jorge Arriagada

Durée : 2h05

Date de sortie initiale : 1996

LE FILM

Quatre personnages étonnamment semblables mènent des vies pourtant fort différentes. Mateo Strano, un commis-voyageur, rentre chez lui après une très longue absence et retrouve sa tendre et charmante épouse. Le professeur d’«anthropologie négative» Georges Vickers tombe dans la mendicité et s’éprend d’une promeneuse de petite vertu des rues de Pigalle, qui porte le nom de Tania. Quant à Luc Allamand, un homme d’affaires, il s’invente une famille pour justifier certaines opérations financières, puis s’étonne lorsqu’il apprend que «les siens», qu’il croyait fictifs, s’apprêtent à lui rendre visite. Enfin, un vieux majordome accueille dans une riche et somptueuse demeure le couple d’amants misérables qui vient très curieusement d’en hériter…

Chef d’oeuvre de Raoul Ruiz, Trois vies et une seule mort est un vibrant hommage au métier d’acteur doublé d’un portrait de son acteur principal, l’immense Marcello Mastroianni, dans son avant-dernier rôle au cinéma. Par ailleurs, « rôle » devrait s’écrire au pluriel puisque l’acteur italien, âgé de 72 ans, campe pas moins de quatre personnages, qui habitent en réalité le même corps. Tantôt riche personnage qui aide un jeune couple, professeur en Sorbonne qui devient clochard ou maître d’hôtel, Marcello Mastroianni campe un personnage affecté par le syndrome de la multiplication de la personnalité. Pris dans le tourbillon de ce conte fantastique, cet homme vit plusieurs vies et assume trois destins qui ne cesseront de s’entrecouper. Ce sont les histoires d’abord successives, puis tragiquement entremêlées, du commis-voyageur Mateo Strano, de retour auprès de sa femme Maria, après une longue absence… du célèbre professeur d’anthropologie Georges Vickers, tombé dans la mendicité et amoureux d’une “maîtresse” de Pigalle, Tania… du puissant homme d’affaires Luc Allamand, pris au piège d’un énorme mensonge devenu réalité… Ces histoires entre cauchemar et comédie n’en forment qu’une, parce que ces trois hommes n’en sont donc en réalité qu’un seul, affligé du syndrome connu de la “personnalité multiple”. Et s’il dispose ainsi plusieurs vies, il n’a comme tout le monde qu’une seule mort. Une mort en l’occurrence tragique…car on ne vit pas impunément plusieurs vies.

Non seulement Raoul Ruiz dresse un portrait du caractère protéiforme de son mythique comédien, mais il dresse également celui du cinéma italien en adoptant la forme d’un film à sketches…qui n’en est pas vraiment un ! On suit l’itinéraire de ce vieil homme, qui mécontent de la vie qui s’offrait à lui a décidé « malgré-lui » de se démultiplier afin de connaître plusieurs existences en parallèle. Personnalités qui doivent bientôt s’affronter pour n’en former qu’une seule, quand ce vieil homme mystérieux arrive à la fin de sa véritable vie. Ces histoires sont marquées par les interventions de Pierre Bellemare, dont la célèbre voix – qui a su raconter moult histoires criminelles – sert de transition entre les diverses existences de notre protagoniste. A 70 ans passés, Marcello Mastroianni n’a rien perdu de sa verve et s’amuse comme un gamin dans ce(s) rôle(s) aux mille facettes. Tendre, inquiétant, drôle, émouvant, sensible, le comédien réalise un de ses derniers tours de piste avec une virtuosité de tous les instants.

Le scénario coécrit par Raoul Ruiz et Pascal Bonitzer est à ce titre jubilatoire et agit comme une spirale étourdissante dans laquelle sont aspirés à la fois les personnages et les spectateurs. Pensé comme une « œuvre à la manière cubiste » par son réalisateur, Trois vies et une seule mort est une œuvre dense et riche, labyrinthique, passionnante, singulière, surréaliste, poétique et baroque, à la fois intellectuelle et populaire, qui joue avec les actions simultanées dans un même temps que le réalisateur aime distordre pour mieux affronter sa nature inéluctable. Aux côtés de Marcello Mastroianni, citons également les prestations de sa fille Chiara Mastroianni, Melvil Poupaud, Anna Galiena, Marisa Paredes, Arielle Dombasle et Féodor Atkine, plongés malgré eux dans les vies dissociées de Mateo Strano, ou Georges Vickers, ou Luc Allamand, ou bref.

Malgré l’excellence de ses partenaires, nous n’avons d’yeux que pour Marcello Mastroianni, silhouette fatiguée mais l’oeil toujours aussi vif et pétillant, qui allait alors enchaîner avec son dernier film, Voyage au début du monde de Manoel de Oliveira. Emballés par cette grande expérience cinématographique, Pascal Bonitzer et Raoul Ruiz collaboreront à nouveau pour le non moins excellent Généalogies d’un crime.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Généalogies d’un crime, disponible chez Blaq Out, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est élégant, fixe et musical.

Cette édition ne comporte qu’un seul supplément et non des moindres puisqu’il s’agit d’un documentaire intitulé Raoul Ruiz, contre l’ignorance fiction !, réalisé en 2016 par Alexandra Rojo. Pendant plus d’une heure, ce module donne la parole à quelques amis et/ou collaborateurs du réalisateur franco-chilien, comme son fidèle producteur Paulo Branco, le compositeur Jorge Arriagada, les comédiens Ricardo Pereira et Melvil Poupaud, le philosophe Andrés Claro, le poète Waldo Rojas, et propose une fabuleuse plongée dans le cinéma de Raoul Ruiz. Quelques extraits de ses films et d’images de tournage de Ce jour-là (2003) viennent illustrer certains propos. A l’instar de ses longs-métrages, ce documentaire propose quelques pistes pour mieux appréhender le cinéma complexe et atypique de Raoul Ruiz, ainsi que ses influences (poétiques, scientifiques, politiques), sans pour autant en dévoiler les clés, qui n’appartenaient d’ailleurs qu’à son auteur, dont la voix survole parfois les images et qui n’apparaît vraiment à l’écran qu’à la fin.

L’Image et le son

Trois vies et une seule mort est disponible en Haute-Définition, dans un master restauré à 2K par l’incontournable Immagine Ritrovata de la Cinémathèque de Bologne. La propreté de l’image de ce Blu-ray (1080p, AVC) flatte les mirettes, d’autant plus que les couleurs retrouvent une belle vivacité. En dehors de divers plans plus ternes sur les séquences sombres, le relief est palpable, y compris sur les plans en intérieur, tout comme le piqué, vif et acéré. Les noirs retrouvent une certaine densité, les contrastes sont plutôt solides. Le grain original est heureusement respecté, mais certains fourmillements demeurent à plusieurs reprises. Cela n’empêche pas d’apprécier ce nouveau et très beau master HD qui instaure un excellent confort de visionnage.

Que ce soit en DTS-HD Master Audio 5.1 ou 2.0, le confort acoustique est indéniable. La musique est doucement spatialisée, les dialogues bien installés sur la centrale et les effets riches sur les frontales. Si la Stéréo est évidemment plus « plate », elle s’avère tout aussi dynamique. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Copyright Blaq Out / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Ça – “Il” est revenu, réalisé par Tommy Lee Wallace

Ça – « Il » est revenu (It) réalisé par Tommy Lee Wallace, disponible en Blu-ray le 12 octobre 2016 chez Warner Bros.

Acteurs : Tim Curry, Harry Anderson, Dennis Christopher, Richard Masur, Annette O’Toole, John Ritter, Seth Green…

Scénario : Lawrence D. Cohen, Tommy Lee Wallace d’après le roman Ça (It) de Stephen King

Photographie : Richard Leiterman

Musique : Richard Bellis

Durée : 3h07

Date de sortie initiale : 1990

LE FILM

Octobre 1957. ÇA se réveille et la petite ville tranquille de Derry dans le Maine ne sera plus jamais la même. Stephen King révèle au grand jour toutes les peurs et les phobies de l’enfance, alors que sept enfants font face à une horreur inimaginable qui apparaît sous plusieurs formes, et notamment « Grippe-sou », un clown qui vit, chasse et tue dans les égouts de la ville. Des années plus tard, ces adultes qui ont survécu, sont assez courageux pour retourner à Derry et arrêter cette tuerie, et cette fois pour de bon…

C’est une madeleine pour beaucoup de (télé)spectateurs. Une mini-série culte qui compte des millions de fans à travers le monde et qui en gagne sans cesse de nouveaux, notamment en France où elle est très régulièrement diffusée sur la TNT après avoir été programmée pendant des années sur M6, sa première diffusion à la télé française remontant à octobre 1993 : Ça, plus connu en France sous le titre « Il » est revenu. Périodiquement, la ville de Derry dans le Maine est hantée par une terrible créature, un clown pervers capable de changer à loisir d’apparence afin de personnifier les peurs les plus intimes de ses victimes. Dans les années 1950, des événements tragiques se produisent à nouveau. S’attaquant uniquement aux enfants, qui disparaissent ou qui sont retrouvés morts dépecés, «Ça» est un jour vaincu par un groupe de sept jeunes amis de onze ans, six garçons et une fille, ayant fait la promesse de toujours poursuivre l’odieuse entité, qui a disparu dans les égouts abandonnés. Trente ans plus tard, alors que chacun mène une vie paisible aux quatre coins du pays, «Ça» réapparaît à nouveau à Derry. Conformément à leur promesse, le groupe des sept devra se reformer à l’âge de 40 ans pour affronter ses peurs d’enfants.

En 1990, cette adaptation est un événement. Certes, les plus passionnés du chef d’oeuvre absolu de Stephen King publié en 1986 trouveront toujours à redire sur sa transposition, le ton édulcoré pour toucher une plus large audience, les changements inévitables apportés pour le passage du livre à l’écran, mais Ça demeure une véritable référence et finalement le livre et la mini-série en deux parties se complètent parfaitement. D’ailleurs, ceux qui auront vu la mini-série avant de lire le roman, projeteront inévitablement le visage des comédiens au fil de mots du maître de l’horreur.

Le casting est remarquable, que ce soit les enfants ou les adultes, tous extrêmement attachants et solidement dirigés par Tommy Lee Wallace (Halloween 3 : Le Sang du sorcier, Vampire, vous avez dit vampire ? 2), qui par ailleurs soigne sa mise en scène et regorge d’inventions pour faire peur et divertir. L’alchimie entre les deux groupes est indéniable et participe à l’immersion du spectateur dans cette histoire fantastique, qui en a traumatisé plus d’un, au point d’en devenir coulrophobiques, autrement dit phobique des clowns. Il faut dire que Tim Curry est particulièrement angoissant dans le rôle-titre et signe une de ses plus grandes performances après The Rocky Horror Picture Show de Jim Sharman et Legend de Ridley Scott. Si ses apparitions sont finalement limitées sur plus de trois heures, chacune demeure marquante et donne de nombreuses sueurs froides, tant aux personnages qu’aux spectateurs.

Si la télévision ne bénéficiait pas des mêmes budgets et de la même liberté créatrice qu’aujourd’hui, Ça« Il » est revenu fait partie de ces rares productions devenues des classiques dès leur première diffusion. Avec son aspect film-noir, notamment avec le personnage de Mike Hanlon qui mène son enquête et dont les mémoires sont dites en voix-off, combiné à une histoire fantastique, d’horreur, d’épouvante, dramatique, d’amour et d’amitié (les retrouvailles du Club des paumés 30 ans après sont très émouvantes), Ça traverse les décennies sans prendre de rides – à part au niveau des effets spéciaux, mais est-ce bien là le plus important ? – et reste précieux dans le coeur des spectateurs.

Il sera difficile pour la nouvelle adaptation cinématographique prévue dans les salles en 2017, envisagée un temps par le cinéaste Cary Fukunaga mais finalement réalisée par Andrés Muschietti (Mama) avec Bill Skarsgård dans le rôle de Pennywise, de toucher autant l’audience que la mini-série de Tommy Lee Wallace, même si les producteurs promettent une transposition beaucoup plus fidèle au roman original, autrement dit plus sombre, plus sanglante et sexuelle.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Ça, disponible chez Warner Bros., repose dans un boîtier Steelbook du plus bel effet ! Le visuel est reconnaissable entre mille. Le menu principal est fixe et muet. Contrairement à l’édition DVD 2003, le téléfilm est bel et bien présenté dans son intégralité sur une seule face.

Le seul supplément présent sur ce disque est le commentaire audio (non sous-titré) du réalisateur Tommy Lee Wallace, accompagné des comédiens Dennis Christopher (Eddie Kaspbrak adulte), Tim Reid (Mike Hanlon adulte), Richard Thomas (Bill Denbrough adulte) et John Ritter (Ben Hanscom adulte) décédé en 2003. Ce commentaire se suit sans déplaisir, malgré une ambiance un peu triste et de nombreux blancs, sur une durée qui excède quand même plus de trois heures. Tommy Lee Wallace est enregistré de son côté et livre quelques informations intéressantes sur la production de Ça. Les acteurs se livrent à quelques anecdotes liées au tournage et partagent leurs bons souvenirs.

L’Image et le son

Pour son quart de siècle (et même un peu plus), Ça bénéficie d’un lifting de premier ordre et d’une édition Haute-Définition 1080p (AVC). Le résultat est probant, même si le master 1.33 (4/3) n’est pas parfait, compte tenu des conditions de production originales. Ce qui frappe d’emblée, c’est avant tout la luminosité inédite sur les séquences diurnes, notamment l’été durant lequel les gamins font connaissance. Il en est de même pour la colorimétrie ravivée avec des teintes rutilantes sur les scènes des années 1950 et sur le costume bleu, rouge et jaune du personnage éponyme. Toutefois, la gestion du grain demeure aléatoire, y compris au cours d’une même séquence où la patine argentique est sensiblement différente dans un champ-contrechamp. Dans l’ensemble, les noirs sont profonds. L’image est d’une propreté absolue, les contrastes solides et en toute honnêteté, en dépit de quelques fléchissements et un piqué duveteux, sur le long terme, nous n’avions jamais vu Ça dans de telles conditions techniques. Ce grand classique méritait bien pareil traitement et rend caduque l’édition DVD éditée en 2003 !

Parlons des choses qui fâchent : le doublage français disponible ici n’est pas celui réalisé pour la télévision française dans les années 1990, mais bel et bien celui refait pour la sortie en DVD en 2003. Non seulement le doublage a été refait, mais en plus nous ne retrouvons pas les trois quarts des voix originales. Heureusement, Jacques Ciron prête toujours son timbre inimitable à Grippe-Sou le clown, mais toutes les voix des enfants ont évidemment changé, en dehors de Ritchie. Seuls les personnages de Bill adulte et d’Audra bénéficient également du même doublage. Les puristes risquent d’être vraiment déçus. Passée cette déconvenue, le mixage Stéréo se focalise sur les dialogues au détriment de quelques ambiances annexes et la musique. Bien qu’indiquée en DTS-HD Master Audio 5.1 sur le visuel, la piste anglaise n’est proposée qu’en DTS-HD Master Audio 2.0. Moins connue, et pour cause, que la version française, il est amusant de constater que Ça paraît beaucoup plus sombre dans l’interprétation originale de Tim Curry. Du point de vue technique, ce mixage l’emporte aisément du point de vue homogénéité entre les voix, la composition de Richard Bellis et les effets sonores, très riches et précis. D’ailleurs, certains semblent avoir été rajoutés pour le nouveau mixage du téléfilm au début des années 2000 pour élargir le spectre.

Crédits images : © Warner Bros. / Captures Blu-ray : Franck Brissard

 

Test Blu-ray / Mon deuxième frère, réalisé par Shōhei Imamura

MON DEUXIEME FRERE (Nianchan) réalisé par Shôhei Imamura, disponible en DVD et Combo Blu-ray + DVD le 15 novembre 2016 chez Elephant Films

Acteurs : Hiroyuki Nagato, Kayo Matsuo, Takeshi Okimura, Akiko Maeda, Kô Nishimura, Yoshio Ômori, Taiji Tonoyama, Shinsuke Ashida

Scénario : Ichirô Ikeda, Shôhei Imamura

Photographie : Shinsaku Himeda

Musique : Toshirô Mayuzumi

Durée : 1h41

Date de sortie initiale : 1959

LE FILM

Dans une ville minière japonaise ravagée par la misère, une fratrie de quatre orphelins coréens de dix à vingt ans tente de subsister. Kiichi, l’aîné, trouve un travail dans la mine, mais celui-ci est très précaire.

A l’instar de son premier long métrage Désirs volés, Shōhei Imamura (1926-2006) démarre Mon deuxième frèreNianchan (1959) par un plan en altitude. C’est donc le réalisateur entomologiste qui à l’aide d’une loupe installe le décor social, culturel et géographique de son quatrième film. Une voix-off annonce qu’après une période de croissance et après la guerre de Corée, le Japon connaît au début des années 1950 une grave récession, la pire période pour l’industrie charbonnière. Les mines les plus importantes sont en déficit, tandis que plus de 200 petites et moyennes ferment leurs portes. Plus de 20.000 personnes perdent leur emploi. L’histoire, adaptée du journal intime d’une fillette de 10 ans, se déroule dans la préfecture de Saga, située dans la partie nord-ouest de Kyūshū. C’est ici que vit une famille composée de quatre enfants orphelins. Deux fils, 20 ans et 12 ans, deux filles, 16 et 10 ans. Dans leur petite ville où la mine est également menacée, cette famille garde l’espoir de s’en sortir, en dépit de leur extrême pauvreté. Les grèves se multiplient. Les deux aînés se voient contraints de partir à l’ouest du pays afin de subvenir à leurs besoins et à ceux de leur frère et sœur plus jeunes, Koichi et Sueko la benjamine. Ces derniers sont recueillis par des familles solidaires, qui malgré leurs maigres revenus décident de s’occuper d’eux comme s’ils étaient des leurs.

Avec ce superbe drame, Shōhei Imamura expérimente encore le cadre (d’une suprême élégance), même si la beauté des comédiens et la « propreté » peuvent créer un décalage avec l’histoire racontée. Au fil de sa carrière, le cinéaste délaissera cet aspect au profit d’un réalisme dramatique. Mais pour l’heure, Mon deuxième frère demeure un très beau film, encore largement inspiré par le néoréalisme italien. Imamura évite tout pathos malgré la misère sociale évoquée et se concentre sur ses personnages en créant une empathie immédiate avec les spectateurs. Chaque plan est soigné, trop diront certains, mais on ne peut reprocher au metteur en scène de peaufiner – de manière quasi-obsessionnelle – chaque détail sur les plans composés au millimètre avec des personnages qui grouillent, qui vivent.

On s’attache très rapidement à cette famille parmi tant d’autres, livrée à elle-même, obligée de se séparer pour pouvoir survivre. Mon deuxième frère est le dernier film de commande pour Shōhei Imamura, qui en viendra ensuite à des projets uniquement personnels. Voulant obtenir une totale liberté artistique, le maître japonais surpasse les attentes des producteurs de la Nikkatsu afin qu’ils le laissent ensuite mettre en scène les histoires qui lui tiennent à coeur, notamment Cochons et cuirassés. Du point de vue politique et social, Mon deuxième frère montre tout de même un pays économiquement atteint, malgré une politique qui affirme le contraire, ainsi que la situation précaire de la communauté immigrée coréenne au Japon, les Zainichi, privés de leur identité et devant se conformer à une autre.

Par son immense sensibilité, sa pudeur et sa beauté plastique, Mon deuxième frère subjugue, alors même que le meilleur et les plus grands films de Shōhei Imamura sont à venir. C’est dire la préciosité de l’oeuvre de ce cinéaste !

LE BLU-RAY

Mon deuxième frère est édité en combo par Elephant Films dans sa collection Cinéma Master Class – La Collection des Maîtres, avec un joli fourreau cartonné et un boîtier plastique contenant le Blu-ray et le DVD du film. Le visuel de la jaquette est vraiment très élégant, tout comme le menu principal, animé et musical.

En plus d’un livret de 20 pages intitulé Shōhei Imamura, maître des désirs inassouvis par Bastian Meiresonne, de bandes-annonces (dont celles de la première salve Imamura sortie fin 2015 chez l’éditeur), d’une galerie de photos et des credits du disque, nous trouvons une courte mais très bonne présentation de Mon deuxième frère par Stephen Sarrazin (5’). Notre interlocuteur, spécialiste du cinéma japonais, s’avère plutôt critique avec ce quatrième film d’Imamura. S’il loue le soin apporté au cadre, Stephen Sarrazin dit que les plans sont « trop cadrés et trop beaux », l’ensemble « trop artificiel et trop propre » en contradiction avec le sujet traité. Il évoque également la communauté coréenne au Japon, les thèmes abordés et la critique récurrente d’Imamura envers les institutions japonaises.

L’Image et le son

Mon deuxième frère est proposé dans un nouveau master restauré en Haute-Définition. Le Blu-ray est format 1080p (AVC). Les premiers plans font un peu peur avec des rayures apparentes, des points blancs, quelques instabilités. Puis, la copie trouve un très bel équilibre et le cadre large NakkatsuScope regorge de détails. La stabilité est évidente, tout comme la propreté, le N&B est lumineux et les contrastes nuancés. En dehors d’une introduction passable et d’un défaut de pellicule, le master HD de Mon deuxième frère tient vraiment ses promesses et permet d’admirer les plans composés d’Imamura avec le grain de la photo heureusement conservé.

Seule la version originale DTS HD Master Audio Mono 1.0 est disponible et se révèle heureusement riche et propre. La musique est joliment restituée, le report des voix est appréciable, malgré quelques échanges sensiblement plus étouffés, mais les saturations sont évitées et l’ensemble est au final suffisamment dynamique et sans souffle parasite.

Crédits images : © Elephant Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard

Test DVD / Cyborg 2087 – Coffret La Guerre des Robots, réalisé par Franklin Adreon

CYBORG 2087 réalisé par Franklin Adreon, disponible en coffret DVD Prestige « La Guerre des Robots » le 6 décembre 2016 chez Artus Films

Acteurs : Michael Rennie, Karen Steele, Wendell Corey, Warren Stevens, Eduard Franz, Harry Carey Jr., Adam Roarke

Scénario : Arthur C. Pierce

Photographie : Alan Stensvold

Musique : Paul Dunlap

Durée : 1h19

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

Le professeur Sigmund Marx a développé une machine permettant de contrôler l’esprit humain. Cependant, en 2087, son invention est détournée de son objectif originel par l’un de ses élèves qui a créé une armée de cyborg permettant la mise en place d’un régime totalitaire. Un cyborg, Garth, qui a réussi à acquérir une brève liberté de pensée, se transporte alors en 1966, afin de convaincre le professeur Sigmund Marx d’abandonner ses recherches. Notre voyageur de temps découvre bientôt qu’il n’est pas seul lorsque des agents du gouvernement du futur tentent de l’empêcher de mener à bien sa mission…

Hmmm…il semblerait qu’un certain James Cameron se soit grandement inspiré de Cyborg 2087 pour son Terminator ! Réalisé en 1966 par Franklin Adreon (1902-1979), ce film de science-fiction contient beaucoup d’éléments qui seront repris par le metteur en scène de Titanic dans ses deux volets de Terminator. En 2087, quelques rebelles envoient un cyborg dans le passé, en 1966, afin qu’il mette la main sur un scientifique, le Professeur Zellar, responsable sans le savoir d’un futur – de leur présent donc – où règne le chaos, où la liberté de pensée a cessé, où l’esprit humain est contrôlé par des dictateurs grâce à la radiotélépathie. Lors de son périple, ce cyborg Garth A7 (Michael Rennie, droit comme un i), organisme cybernétique, commencera à s’humaniser au contact d’une femme, le docteur Sharon Mason (Karen Steele), mais il se fait également poursuivre par d’autres de son espèce. Ces « Traceurs », plus perfectionnés, ont pour mission de lui mettre le grappin dessus et d’éliminer les humains qui lui viendraient en aide.

Alors certes, Cyborg 2087 est un film aujourd’hui redoutablement kitsch et la mise en scène uniquement fonctionnelle et illustrative, mais les troublantes similitudes avec Terminator et Terminator II : Le Jugement dernier (également le cyborg qui montre sa main robotisée comme le T-800) en font une très belle curiosité. Si les décors sont plutôt pauvres et les moyens visiblement limités (le genre étant alors peu considéré par les studios), le scénario est malin, les idées sont nombreuses et exploitées autant que le budget le permettait et l’histoire joue avec les codes d’un genre qui n’a finalement pas beaucoup évolué depuis.

Cyborg 2087 est une série B toujours aussi divertissante, qui contient quelques rebondissements et des scènes d’action bien menées, à l’instar de la poursuite dans la centrale électrique. Si les emprunts à Cyborg 2087 sont évidents pour Terminator, il en est de même pour Mondwest, puisque le Cyborg débarque dans une ville de l’Ouest abandonnée, tel un cowboy sophistiqué, qui se retrouve immédiatement en terrain hostile et se voit malmener par deux hommes et un chien pressés de lui chercher des noises. Pour toutes ces raisons, Cyborg 2087, réalisé au départ pour la télévision, est à (re)découvrir, d’autant plus que le film est encore très sympa et saura aisément contenter les nombreux adeptes de science-fiction vintage.

LE DVD

Cyborg 2087, est pour le moment uniquement disponible dans le coffret DVD La Guerre des Robots disponible chez Artus Films. Sont également disponibles dans ce coffret, Objectif Terre (Target Earth) de Sherman A. Rose (1954), Le Maître du monde – Tobor the Great de Lee Sholem (1954) et The Creation of the Humanoids de Wesley Barry (1962), tous déjà chroniqués dans nos colonnes.

Un premier menu (fixe et muet) nous propose de sélectionner le film à visionner, ici Objectif Terre ou Cyborg 2087. Puis un menu principal fixe et musical nous accueille. En guise d’interactivité, nous trouvons la bande-annonce originale, ainsi qu’un diaporama d’affiches et de photos d’exploitation. Le superbe Digipack – qui comblera les cinéphiles pour Noël – renferme les deux galettes, ainsi qu’un livret de douze pages Alerte aux robots – Le Robot au coeur de l’Age d’or de la SF cinématographique américaine (par Pr Brave Ghoul) et quatre reproductions de lobby cards reprenant les affiches des quatre films disponibles dans ce coffret.

L’Image et le son

En introduction, un panneau indique que le matériel de Cyborg 2087 n’a pas été conservé dans des conditions optimales. Malgré les efforts réalisés par l’équipe de la restauration, de nombreux défauts subsistent. En effet, l’image n’est jamais stable, reste floutée tout du long, tandis que la gestion des contrastes et des couleurs restent totalement aléatoires. Il faudra donc être très indulgent puisqu’il semble que l’éditeur ait mis la main sur un master – 1.37, 16/9 compatible 4/3 – déjà très fatigué, pour ne pas dire au bout du rouleau, même si la copie reste finalement assez propre. Si les yeux brûlent un peu en fin de séance avec cet aspect VHS, la rareté du film prime sur le reste, donc nous n’en voulons pas à notre cher éditeur Artus.

Seule la version anglaise mono est disponible avec des sous-titres français non verrouillés. Les craquements et chuintements, mais aucunement gênants, surtout que le souffle est limité. Les dialogues s’avèrent aérés, propres et fluides, tout comme la musique de Paul Dunlap (Shock Corridor).

Crédits images : © Artus Films / Captures : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr