Auteur/autrice : JamesDomb

Test Blu-ray / Comme des chiens enragés, réalisé par Mario Imperoli

COMME DES CHIENS ENRAGÉS (Come cani arrabbiati) réalisé par Mario Imperoli, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Piero Santi, Annarita Grapputo, Paola Senatore, Cesare Barro, Luis La Torre, Gloria Piedimonte, Mario Farese, Silvia Spinozzi…

Scénario : Mario Imperoli, Piero Regnoli

Photographie : Romano Albani

Musique : Mario Molino

Durée : 1h38

Année de sortie : 1976

LE FILM

Dans la Rome des années 1970, trois amis, Tony, Rico et Silvia, étudiants exemplaires, surmontent leur ennui en laissant libre cours à leurs bas instincts. Braquages, torture, viols et meurtres constituent leur quotidien, tandis que le commissaire Muzi et sa collègue Germana cherchent à les démasquer. Tony, le cerveau de la bande, est le fils d’un homme riche et influent, lui-même corrompu. Se croyant intouchables, le jeune homme et ses complices sont entraînés dans une spirale infernale à laquelle seul Muzi pourra mettre un terme.

« Si vous n’aimez pas la réalité sur une certaine jeunesse d’aujourd’hui, alors ce film n’est pas fait pour vous ! S’il vous déplaît d’apprendre que vous non plus n’êtes peut-être pas des parents modèles, laissez tomber ce film ! »

Au cours des années 70, l’Italie subit les revendications politiques des Brigades Rouges et vit ce que l’on appellera plus tard ses « années de plomb » . Reflet social, le cinéma va exprimer cette violence dans une vague de polars urbains âpres et cruels. Fortement inspirés par des films comme L’inspecteur Harry (1971), Un justicier dans la ville (1974) ou encore French Connection (1971), les réalisateurs Enzo G. Castellari, Fernando Di Léo, Umberto Lenzi, et bien d’autres, vont faire mettre en images violence, vengeance et justice. Franco Nero, Tomás Milián, Fabio Testi, ou Maurizio Merli, vont camper les flics, voyous, mafieux, escrocs ou justiciers, pour le plus grand bonheur des spectateurs. A l’heure où certaines villes italiennes sont ratissées par certains gangs organisés et les petits commerçants pillés de toutes parts, Comme des chiens enragés – Come cani arabiati agit comme un véritable défouloir dans les salles de cinéma en 1976.

Le film est réalisé par Mario Imperoli (1931-1977), cinéaste rare qui n’aura tourné que huit longs métrages en quatre années. Il fait d’abord ses classes en tant que journaliste, puis devient scénariste en signant l’histoire et en produisant L’interrogatorio (1970) de Vittorio De Sisti. Puis il passe lui-même derrière la caméra avec des histoires érotiques aux titres explicites, Mia moglie, un corpo per l’amore (1973), La Lycéenne découvre l’amour (1974), Le Dolci zie (1975), Couples impudiques (1975). Avec Comme des chiens enragés, Mario Imperoli prend le train en marche et signe son premier poliziesco. Si par la suite, le réalisateur reviendra au film érotique avec Quella strana voglia d’amare (1977), il terminera sa carrière sur un autre thriller, Canne mozze. Mais son film le plus célèbre auprès des amateurs de films Bis, reste incontestablement Comme des chiens enragés.

Ce thriller violent n’a sans doute pas l’audace de Big Racket d’Enzo G. Castellari, mais n’en demeure pas moins un reflet de l’Italie d’alors et n’a rien perdu de sa férocité aujourd’hui. Co-écrit par le prolifique Piero Regboli (Deux salopards en enfer, L’Avion de l’apocalypse, La Collégienne en vadrouille), Come cani arrabbiati n’est pas un film aimable et n’a pas peur de choquer à travers des séquences particulièrement violentes envers les femmes notamment. Sur un montage sec et nerveux d’Otello Colangeli, on suit cette enquête policière qui possède pas mal de points communs avec l’excellent San Babila : Un crime inutile de Carlo lizzani, sorti la même année. Une description frontale de la violence qui animait les rues des grandes villes italiennes (d’ailleurs le film s’inspire d’un fait divers réel), des crimes réalisés par des fils de bonne famille alors en lutte contre leurs pères, les institutions et les prostituées qui constituent des cibles faciles et qu’ils trucident à la pelle. C’est également là que l’on voit l’impact d’Orange mécanique de Stanley Kubrick sur une génération de cinéastes puisque la scène finale n’est pas sans rappeler celle où Alex et ses compagnons prennent d’assaut une maison en pleine nuit, tabassent son propriétaire et violent sa femme.

Véritable tour de force et polar prenant, Comme des chiens enragés vaut également pour la beauté insolente et le talent de Paola Senatore, sans doute le plus beau rôle du film et qui en profite pour ravir les yeux de ces messieurs lors de scènes dénudées disons très émouvantes. C’est du vrai et excellent cinéma italien d’exploitation.

LE BLU-RAY

Comme des chiens enragés est savamment pris en charge par Le Chat qui fume. Ce combo Blu-ray/DVD est disponible dans un Digipack 3 volets glissé dans un superbe surétui cartonné liseré bleu et au visuel on ne peut plus attractif. Edition limitée à 1000 exemplaires. Le menu principal est animé et musical.

Un seul supplément sur cette édition, l’interview de Claudio Bernabei (31’30), assistant-réalisateur de Mario Imperoli sur Comme des chiens enragés. Claudio Bernabei se souvient de sa rencontre avec le réalisateur sur L’interrogatorio de Vittorio De Sisti et le couvre d’éloges en disant « Imperoli n’était pas quelqu’un de bien, mais de très très bien […] gentil, poli, jamais autoritaire, sans doute parce qu’il était devenu réalisateur sur le tard ». L’assistant-réalisateur se penche plus longuement sur le film qui nous intéresse en parlant du fait divers à l’origine du scénario, des années de plomb en Italie, le tout ponctué par de nombreuses anecdotes de tournage.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.

L’Image et le son

Le Chat qui fume nous gratifie d’un master HD (1080p, AVC) impressionnant, présenté dans son format original 2.35 (16/9, compatible 4/3). La propreté de la copie est indéniable, la restauration ne fait aucun doute, les contrastes sont beaux, le cadre fourmille de détails, même si le piqué demeure aléatoire. Le grain est très bien géré (sans doute plus prononcé sur les séquences sombres), l’ensemble stable sans bruit vidéo, les couleurs concoctées par Romano Albani (Inferno, Phenomena) sont agréables pour les mirettes, souvent rutilantes. Le charme opère et l’on (re)découvre Comme des chiens enragés avec ses partis pris esthétiques originaux.

Le film de Mario Imperoli est présenté dans sa version intégrale et seulement en version originale. Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono 2.0 ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place aux ambiances naturelles, ainsi qu’à la musique de Mario Molino.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Rewind SRL / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Chats rouges dans un labyrinthe de verre, réalisé par Umberto Lenzi

CHATS ROUGES DANS UN LABYRINTHE DE VERRE (Gatti rossi in un labirinto di vetro) réalisé par Umberto Lenzi, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Martine Brochard, John Richardson, Ines Pellegrini, Andrés Mejuto, Mirta Miller, Daniele Vargas, George Rigaud, Silvia Solar, Raf Baldassarre…

Scénario : Umberto Lenzi, Félix Tusell

Photographie : Antonio Millán

Musique : Bruno Nicolai

Durée : 1h32

Année de sortie : 1975

LE FILM

Lors d’un voyage organisé à Barcelone, un groupe de touristes américains est attaqué par un tueur en série vêtu de rouge qui égorge les jeunes femmes puis leur arrache l’œil gauche. Alors que l’enquête policière patine, l’un des leurs, le publiciste Mark Burton, est soupçonné d’être le maniaque. Bien décidé à prouver son innocence, il décide d’enquêter avec l’aide de sa maîtresse, une certaine Paulette Stone.

Umberto Lenzi (1931-2017) est l’exemple typique du réalisateur qui a su suivre la mode, les goûts et les préférences des spectateurs, en passant successivement du film de pirates (Mary la rousse, femme pirate, Les Pirates de la Malaisie) au péplum (Maciste contre Zorro, Hercule contre les mercenaires) dans les années 1960, puis du giallo (Le Tueur à l’orchidée, Spasmo) au poliziottesco (Brigade spéciale, La Rançon de la peur, Le Cynique, l’Infâme et le Violent) dans les années 1970, pour terminer sa carrière dans le genre épouvante (La Secte des cannibales, L’Avion de l’apocalypse). Un cinéaste prolifique, diplômé du Centro Sperimentale di Cinematografia, avec plus de 60 films à son actif réalisés en 35 ans de carrière. Chats rouges dans un labyrinthe de verre – Gatti rossi in un labirinto di vetro apparaît tout juste au milieu de sa carrière.

Ce giallo traditionnel s’inscrit dans la droite lignée du genre avec son lot de crimes réalisés par un tueur ganté et filmés en caméra subjective. Ce qu’il y a d’original ici, c’est que le film est tourné quasi-intégralement à Barcelone, sous un soleil radieux, loin des villes froides et angoissantes, habituellement le terrain de jeu traditionnel des tueurs masqués transalpins. Les victimes trépassent presque au milieu de la foule sur La Rambla, en plein jour. A côté de ça, Chats rouges dans un labyrinthe de verre n’a rien de vraiment miraculeux ou d’original, mais reste un bon moment pour les amateurs d’un genre qui connaissait déjà une sérieuse baisse de régime en 1975.

Des vacanciers venus du Vermont parcourent les routes en car lors d’un voyage organisé en Espagne. Au cours d’une escale à Barcelone, une jeune femme du cru est assassinée. Quand on la découvre, l’oeil gauche énucléé, l’image saisissante renvoie les touristes à un crime identique commis un an plus tôt à Burlington. Bientôt, c’est l’une des américaines qui succombe sous les coups du maniaque. Pour le commissaire Tudela, le groupe de touristes est forcément lié aux crimes. Mark Burton, quant à lui, commence petit à petit à soupçonner que sa femme puisse être la coupable. Insaisissable, le tueur continue à frapper…

Soyons honnêtes, les indices laissés par le metteur en scène (également coscénariste) et Félix Tusell sont tellement énormes que l’on parvient à deviner l’identité du maniaque au bout d’une demi-heure. Une fois cette découverte faite, le but est donc de s’amuser à voir comme il/elle parvient à donner le change à ses petits camarades et surtout de savoir pourquoi il/elle s’en prend à eux ainsi. Et pourquoi cet œil crevé systématiquement ?

Umberto Lenzi n’est heureusement pas un amateur derrière la caméra. Son film se suit sans déplaisir, grâce à un montage plutôt nerveux, une belle photo ensoleillée, une visite carte-postale de la ville, ainsi que des meurtres assez brutaux ou inattendus comme lors de la séquence du train-fantôme. Si la musique est signée Bruno Nicolai, son omniprésence agace en revanche prodigieusement. Le thème revient constamment alors que Lenzi aurait gagné en tension en laissant certains moments reposer uniquement sur les bruitages et les cris.

Du point de vue interprétation, la frenchie Martine Brochard (Polices parallèles de Sergio Martino) tire aisément son épingle du jeu, ainsi que l’argentin George Rigaud (Les Rendez-vous de Satan de Giuliano Carnimeo) dans la peau d’un prêtre au regard perçant, sans oublier le charme sexy d’Ines Pellegrini (vue dans Les Mille et Une Nuits de Pier Paolo Pasolini) et la tronche cramée aux UV – sorte de rejeton de Donald Trump et de Valentino – d’Andrés Mejuto dans le rôle du commissaire chargé de l’enquête (à une semaine de la retraite) qui aimerait bien mettre la main sur le tueur avant d’aller pêcher la truite. Le reste du casting, dont le falot John Richardson et les acteurs en majeure partie espagnols, co-production oblige, marque peu les esprits.

Malgré ses points faibles, Chats rouges dans un labyrinthe de verre, ou Eyeball pour son exportation, conserve son charme désuet. Nous sommes ici en plein cinéma d’exploitation et le réalisateur ne s’en cache pas. Tout est fait ici pour attirer le chaland, pour lui faire acheter un billet de cinéma et Umberto Lenzi n’était sûrement pas le dernier à vouloir faire rentabiliser son ticket au spectateur venu là pour être diverti. Gatti rossi in un labirinto di vetro est une œuvre généreuse, parfois maladroite certes, mais animée par une envie de bien faire et de faire plaisir à une audience toujours partante pour quelques émotions fortes.

LE BLU-RAY

Chats rouges dans un labyrinthe de verre – Gatti rossi in un labirinto di vetro est le second giallo édité par Le Chat qui fume en novembre 2018. Ce superbe combo Blu-ray/DVD, proposé sous la forme d’un Digipack 3 volets avec étui cartonné, est disponible en édition limitée à 1000 exemplaires.Le menu principal est animé et musical.

Nous commençons les suppléments par un entretien d’Umberto Lenzi, décédé en octobre 2017 (23’). En introduction, un carton indique que cette interview dévoile plusieurs fins des gialli du réalisateur comme Paranoia (1970), Spasmo (1974) et bien sûr Chats rouges dans un labyrinthe de verre. Umberto Lenzi indique que son giallo avait tout d’abord été pensé dans le but de sortir un ami metteur en scène de la faillite, le cinéaste étant prêt à faire le film gratuitement. Ensuite, le réalisateur aborde le film qui nous intéresse en revenant sur les conditions de tournage à Barcelone, sur l’explication du titre, sur le casting, sur la musique de Bruno Nicolai et sur l’évolution du travail du metteur en scène.

Après Olivier Père, Jean-François Rauger, Fathi Beddiar et Philippe Chouvel, c’est au tour du journaliste Francis Barbier du site DeVilDead.com de nous donner la liste de ses trois gialli préférés (14’), vus sous « l’angle du plaisir ». Non seulement l’invité du Chat qui fume indique quels sont ses gialli de prédilection, Le Chat a neuf queues de Dario Argento, La Dame rouge tua sept fois d’Emilio Miraglia et La Queue du scorpion de Sergio Martino, mais Francis Barbier dresse également en parallèle l’histoire du genre dans les années 1970, avec ses codes, son évolution et sa fin.

Ne manquez pas la délicieuse rencontre avec la comédienne Martine Brochard (17’). Douce, accueillante et chaleureuse, l’actrice revient sur sa carrière en mettant en parallèle son parcours professionnel et sa vie personnelle. De ses débuts en tant que danseuse dans les émissions de Maritie et Gilbert Carpentier, en passant par ses premiers pas devant la caméra dans Baisers volés de François Truffaut, jusqu’à son arrivée en Italie, Martine Brochard est visiblement très heureuse d’évoquer ses plus belles rencontres. Elle y raconte également à quel point « le cinéma italien était grisant » et évoque le tournage de Chats rouges dans un labyrinthe de verre, son personnage dans le film ainsi que sa collaboration avec Umberto Lenzi qu’elle a toujours aimé et admiré. Les anecdotes de tournage s’enchaînent, souvent teintées d’émotion. La comédienne est également ravie de constater que ces films intéressent aujourd’hui autant si ce n’est plus les spectateurs, surtout les plus jeunes. Notons également que Martine Brochard réalise une petite présentation de Chats rouges dans un labyrinthe de verre juste lors du lancement du film.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.

L’Image et le son

La copie est très propre, lumineuse et les couleurs profitent de cette élévation en Haute-Définition. Malgré tout, nous dénotons divers fourmillements, le piqué est peu acéré et la gestion des contrastes est parfois aléatoire. Celle du grain est en revanche bien gérée, certaines séquences sortent du lot (toutes celles tournées en extérieur) et le bilan est au final positif.

Seule la version originale aux sous-titres français est imposés est disponible. L’omniprésente musique de Bruno Nicolai est bien délivrée avec une ardeur souvent étonnante, tandis que les dialogues, entièrement réalisés en post-synchronisation sont également dynamiques. Un léger souffle se fait entendre, mais l’ensemble est clair, net, précis.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Variety / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Rendez-vous de Satan, réalisé par Giuliano Carnimeo

LES RENDEZ-VOUS DE SATAN (Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ?) réalisé par Giuliano Carnimeo, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Edwige Fenech, George Hilton, Paola Quattrini, Giampiero Albertini, Franco Agostini, Oreste Lionello, Ben Carra, Carla Brait, George Rigaud…

Scénario : Ernesto Gastaldi

Photographie : Stelvio Massi

Musique : Bruno Nicolai

Durée : 1h35

Année de sortie : 1972

LE FILM

Deux jeunes femmes sont assassinées coup sur coup dans le même immeuble appartenant à l’architecte Andrea Antinori. Ce dernier, en échange d’une séance photo pour une campagne de publicité, propose à deux mannequins, Jennifer et Marylin, de venir s’y installer. Tandis que Jennifer, au passé trouble, échappe de peu aux assauts du tueur, les soupçons de la police se portent sur Andrea, devenu son amant…

Les gialli fleurissent sur les écrans depuis quelques années déjà quand le réalisateur Anthony Ascott, aka Giuliano Carnimeo (1932-2016) entreprend le sien, lui qui était habituellement cantonné au western. Depuis Six femmes pour l’assassin de Mario Bava sorti en 1964, puis l’avènement de Dario Argento avec son Oiseau au plumage de cristal (1970), moult ersatz ou autres chefs d’oeuvre du genre ont vu le jour. Alors comment se démarquer du tout-venant ? Giuliano Carnimeo, loin d’être un manchot derrière la caméra comme il avait déjà pu le démontrer avec Le Fossoyeur (1969) et Bonnes funérailles, amis, Sartana paiera (1970), tous deux avec le mythique Gianni Garko, a toujours su s’entourer de solides collaborateurs. Pour Les Rendez-vous de Satan, son unique thriller, le cinéaste s’associe à nouveau avec le scénariste Ernesto Gastaldi, qui avait déjà signé pour lui deux westerns, Le Fossoyeur et Una nuvola di polvere… un grido di morte… arriva Sartana (1970).

A la barre, Luciano Martino produit Giuliano Carnimeo pour la troisième fois, le fidèle Bruno Nicolai tient la baguette, tandis que le chef opérateur Stelvio Massi signe une fois de la plus la photographie. Tous ces talents combinés donnent naissance au giallo Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ?, sorti en France sept ans plus tard sous le titre accrocheur bien qu’improbable, Les Rendez-vous de Satan, qui surfait de manière opportuniste sur la vague Exorciste. Ajoutez à cela la présence en haut de l’affiche de la sublime et sexy Edwige Fenech, qui donne cette fois encore la réplique au comédien George Hilton après L’Étrange Vice de madame Wardh – Lo strano vizio della Signora Wardh et Toutes les couleurs du vice – Tutti i colori del buio réalisés par Sergio Martino, et vous obtenez un pur film d’exploitation vraiment bien troussé qui mérite largement le détour.

En moins de 24 heures, deux jeunes femmes sont sauvagement assassinées dans un immeuble luxueux. Peu après, la propriétaire des lieux, Andrea, invite deux mannequins, Jennifer et Marilyn, à emménager dans le bâtiment, souhaitant en retour qu’elles posent pour une campagne de publicité. Mais Jennifer est très vite harcelée par le tueur en série. Alors que tous les soupçons se portent sur Andrea, Jennifer tente de démasquer le meurtrier avant qu’elle ne devienne la prochaine victime. Les suspects sont nombreux : son ancien époux membre d’une secte sexuelle, une voisine lesbienne, le fils difforme d’une vieille veuve ou encore l’architecte et propriétaire de l’immeuble qui ne supporte pas la vue du sang. Qui est le coupable ?

D’entrée de jeu, Giuliano Carnimeo parvient à marquer Les Rendez-vous de Satan de sa griffe. A l’aide d’une caméra portée, le cinéaste donne à son film une respiration, un côté organique, qui suit les personnages, court avec eux, s’essouffle même en cadence lors des séquences agitées. Le cadre happe l’audience à l’aide de contre-plongées, de renversements à 180°, la mise en scène vit, pulse, tandis que la photo cotonneuse à la palette chromatique volontairement effacée et aux sources luminescentes ravit les yeux. Il n’en fallait pas plus pour que les spectateurs se laissent porter par cette histoire, classique du genre, mais représentative de l’efficacité d’un scénariste chevronné (La Queue du scorpion, Plus venimeux que le cobra). S’il n’est finalement pas difficile de deviner qui est le véritable tueur dans ce whodunit transalpin, Les Rendez-vous de Satan va à l’essentiel. Tous les ingrédients du giallo sont là, largement influencés par le chef d’oeuvre matriciel de Mario Bava, tant certaines scènes y font écho de façon troublante, ne serait-ce que dans l’apparence du tueur.

Outre l’indéniable maîtrise formelle qui dynamise constamment un script respectant le cahier des charges, l’un des autres points forts des Rendez-vous de Satan est la composition de Bruno Nicolai, aux accents forcément « morriconiens », une plus-value qui n’a rien d’anecdotique et qui participe à la véritable identité du film. Enfin, nous l’avons mentionné plus haut, Edwige Fenech est l’une des principales attractions de Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ?. A l’instar de Barbara Bouchet, l’actrice âgée ici de 24 ans hypnotise par sa beauté sauvage héritée de sa mère sicilienne, son regard félin et ses courbes affriolantes. Elle démontre une fois de plus qu’elle était bien plus qu’une redoutable créature, ici dans la peau d’une jeune femme en détresse. George Hilton (Deux salopards en enfer, L’Adorable corps de Deborah) qui s’éloignait des westerns qui l’ont rendu populaire est ambigu à souhait, Paola Quattrini apporte cette touche mutine, innocente et coquine aux côtés d’Edwige Fenech, tout comme Carla Brait, l’atout blaxploitation, Giampiero Albertini (le commissaire) et Franco Agostini (l’inspecteur) livrent quelques touches d’humour bienvenues, sensiblement décalées et surtout très réussies.

Mine de rien, sans en avoir l’air, Les Rendez-vous de Satan enchaîne les petites scènes élégantes (cadrage stylisé), violentes (la scène du meurtre au scalpel dans l’ascenseur fait penser à Pulsions huit ans avant), sexy (on se rince l’oeil comme il faut), drôles (le flic philatéliste, l’inspecteur maladroit), angoissantes (la séquence de la baignoire), avec une réelle virtuosité, sans aucun temps mort, jusqu’à la révélation finale. D’ailleurs, l’épilogue reste aujourd’hui bien étrange et peu importe si le spectateur comprend ou pas sa signification. Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ? est un très bon cru qui se déguste et s’apprécie toujours autant plus de 45 ans après sa sortie en Italie.

LE BLU-RAY

Edition limitée tirée à 1 000 exemplaires pour Les Rendez-vous de Satan, nouveau giallo à atterrir dans l’escarcelle du Chat qui fume. Le DVD et le Blu-ray reposent tranquillement dans un Digipack 3 volets avec étui cartonné, avec d’un côté Carla Brait dans une de ses démonstrations scéniques (qui rappelle Perle Noire contre James Bond dans Les Diamants sont éternels), et de l’autre Edwige Fenech recouverte d’iris. Nous en avons déjà parlé, mais il est toujours bon de saluer le superbe travail du graphiste Frédéric Domont, qui livre une fois de plus un objet à se damner. Le menu principal est animé sur la musique de Bruno Nicolai. Enfin, le film de Giuliano Carnimeo est proposé dans sa version intégrale.

En ce qui concerne les suppléments, l’éditeur est allé à la rencontre du comédien Jorge Hill Acosta y Lara alias George Hilton (21’). Alors qu’il s’apprêtait à fêter ses 84 ans en 2018, l’acteur né en Uruguay revient dans un premier temps sur sa carrière et son succès dans le western, et explique avoir voulu sortir de ce carcan. Il cite volontiers les films L’Adorable Corps de Deborah et La Queue du scorpion, qui lui ont permis de montrer qu’il pouvait aisément passer à un autre genre, pour montrer ses capacités d’adaptation. Ensuite, George Hilton évoque sa rencontre avec le réalisateur Giuliano Carnimeo sur le western Django arrive, préparez vos cercueils, tout en louant son talent de metteur en scène. En ce qui concerne Les Rendez-vous de Satan, il parle des prises de vues effectuées à Gênes, partage quelques souvenirs de tournage (l’affrontement final), évoque ses partenaires (dont sa grande amitié et ses diverses collaborations avec Edwige Fenech) et indique qu’il n’a jamais compris l’épilogue du film !

Les mêmes questions ou presque sont posées à l’actrice Paolo Quattrini (12’). Cet entretien est plus court puisque l’intéressée déclare avoir du mal à se souvenir du film qui nous intéresse. A part le fait qu’elle se trouve excellente dans Les Rendez-vous de Satan, qu’elle avait revu pour l’occasion, la comédienne n’a effectivement pas grand-chose à dire de plus, si ce n’est que la ville de Gênes tient une place importante dans sa vie.

Enfin, c’est au tour du journaliste Francis Barbier du site DeVilDead.com de prendre la parole pour une analyse indispensable des Rendez-vous de Satan (33’). Comme un panneau l’indique en introduction, ce module contient des spoilers et n’est donc à visionner qu’après avoir vu le film. Comme il en l’habitude, Francis Barbier croise habilement le fond (le thème de l’homosexualité notamment) et la forme (les partis pris, la photographie) du film de Giuliano Carnimeo en revenant sur ce qui fait de ce giallo son caractère propre que l’on doit à son réalisateur, à son chef opérateur, à son compositeur, à son producteur et à son scénariste. Quelques séquences du film sont passées au scalpel (c’est le cas de le dire), tout comme le travail du metteur en scène et sur le cadre. Le casting n’est évidemment pas oublié, tout comme l’épilogue troublant (Francis Barbier donne sa propre interprétation) et enfin la sortie et le succès du film en Italie.

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces des Rendez-vous de Satan et de La Saignée.

L’Image et le son

Nous avons déjà testé une quinzaine de titres édités par Le Chat qui fume. Force est d’admettre que nous nous trouvons devant l’un de leurs plus beaux Blu-ray. Le cadre large, superbe, regorge de détails aux quatre coins et ce dès la première séquence. Si le générique est évidemment plus doux, la définition reste solide comme un roc, la stabilité est de mise et le grain original flatte constamment la rétine. La propreté de la copie est irréprochable, à part peut-être quelques pétouilles bleutées à la 52e minute, mais ce serait vraiment chipoter. La palette chromatique profite de cet upgrade avec des teintes jaunes, rouges et bleues revigorées. Les séquences diurnes en extérieur bénéficient d’un piqué pointu et d’une luminosité inédite. Ajoutez à cela des noirs denses, une magnifique patine seventies, quelques éclairages luminescents et vous obtenez donc l’une des plus belles éditions HD de l’éditeur.

Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono 2.0 ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place à la sublime musique de Bruno Nicolai. A titre de comparaison, elle demeure la plus dynamique et la plus riche du lot. La version française DTS-HD Master Audio Mono 2.0 est tout aussi dynamique, malgré un léger souffle et un rendu plus artificiel. Le changement de langue est verrouillée à la volée et les sous-titres français imposés sur la version originale. Les scènes coupées réintégrées ici et non doublées, passent directement en version originale sous-titrée.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Variety / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Divorce à l’italienne, réalisé par Pietro Germi

DIVORCE À L’ITALIENNE (Divorzio all’italiana) réalisé par Pietro Germi, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 7 novembre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Marcello Mastroianni, Daniela Rocca, Stefania Sandrelli, Leopoldo Trieste, Odoardo Spadaro, Margherita Girelli, Angela Cardile, Lando Buzzanca…

Scénario : Ennio De Concini, Pietro Germi, Alfredo Giannetti

Photographie : Leonida Barboni, Carlo Di Palma

Musique : Carlo Rustichelli

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Un noble sicilien est amoureux d’une magnifique jeune femme. Mais le divorce est illégal en Italie. Il concocte donc un « divorce à l’italienne » : surprendre sa femme dans les bras d’un amant, l’assassiner et, de bon droit, n’écoper que d’un minimum de prison…

Pietro Germi (1914-1974), comédien, réalisateur, producteur et scénariste plusieurs fois récompensé pour ses oeuvres dans les festivals du monde entier est aujourd’hui bien trop souvent oublié quand on évoque l’âge d’or du cinéma italien. Malgré une timidité maladive, Pietro Germi a toujours défendu un cinéma engagé et usait de son art comme d’un vecteur pour contester certaines moeurs de la société, tout en désirant avant toute chose divertir les spectateurs dans le drame ou dans la comédie. C’est le cas de Divorce à l’italienne, probablement le film le plus connu de son auteur.

Comme il le fera dans Séduite et abandonnée en 1966, Pietro Germi décrit les us et coutumes archaïques, ainsi que les comportements hypocrites qui reflètent une société ancrée, pour ne pas dire engluée, dans une tradition obsolète. Sommet de la comédie de mœurs, chef d’oeuvre absolu, Divorce à l’italienne est l’un des plus grands films italiens de tous les temps et permet à Marcello Mastroianni d’être enfin considéré comme un immense acteur d’un genre dans lequel le public avait encore du mal à l’identifier et même à l’accepter. Chose amusante et troublante, dans ce film son personnage se retrouve au cinéma pour aller voir La Dolce Vita de Federico Fellini, comme si les célèbres masques représentatifs du théâtre, l’un triste, l’autre riant, se faisaient face.

Comment détourner la loi qui interdit le divorce quand on est amoureux d’une attrayante personne ? Le baron Ferdinando Cefalù, noble sicilien, veut se remarier avec la jeune Angela. Mais comme le divorce est illégal en Italie, il fait tout pour que son épouse ait une aventure avec un autre homme, pour pouvoir les surprendre ensemble, la tuer et n’avoir qu’une peine légère pour crime d’honneur. La recherche de l’amant potentiel est une tâche ardue au regard de la laideur de la baronne.

Après Meurtre à l’italienne, titre français de Un maledetto imbroglio (1959), voici donc Divorce à l’italienne réalisé cette fois encore par de Pietro Germi et qui a permis à Marcello Mastroianni de recevoir le Golden Globe et le BAFTA du meilleur acteur la même année pour sa magnifique interprétation. A l’origine, le cinéaste ne pensait pas réaliser une comédie, registre qu’il n’avait jamais abordé frontalement. Pietro Germi voulait se pencher sur la question du « crime d’honneur ». En Italie, le divorce n’existait pas encore – il ne sera finalement voté au Parlement italien qu’en 1969 – et restait interdit. La vie d’un couple marié ne prenait fin qu’à la mort de l’un des deux conjoints. Sur ce postulat de départ, Pietro Germi et ses collaborateurs s’appuient sur l’article 587 du code pénal, qui prévoit pour un mari ou une femme trompé(e) une peine de trois à sept ans de prison s’il ou elle a tué pour venger son honneur. Selon Pietro Germi « Si son affaire est bien préparée, sa cause bien défendue, s’il se conduit bien en prison et bénéficie automatiquement d’une remise de peine, il se retrouve libre au bout de deux ans ».

Le jeu en vaut la chandelle alors pour ce noble, qui chamboulé par la juvénile Angela, sa cousine de 16 ans (!) décide de se débarrasser de sa femme à moustache (y compris frontale) en la poussant dans les bras d’un autre, après avoir lui-même rêvé de la trucider. Divorce à l’italienne bascule dans l’ironie et la satire sociale, sans jamais rendre le personnage de Marcello Mastroianni repoussant ou antipathique. Malgré tout ce qu’il entreprend, on l’aime ce pauvre baron qui commence à péter les plombs face à cette femme envahissante (géniale Daniela Rocca, enlaidie pour l’occasion), la sienne donc, qui se permet même de couper la parole à la voix-off !

C’est souvent le cas dans le cinéma de Pietro Germi, la foule, les habitants du quartier réunis autour d’un verre, s’amassent sur les trottoirs, en regardant une scène de ménage ici, en attendant là que quelqu’un passe à l’acte et ose enfin faire le premier pas. Car personne n’est dupe, tout le monde est au courant de la situation du baron Fernandino qui est un cas parmi tant d’autres, loin d’être le modèle de vertu que son statut social semble afficher.

Habitué au drame néoréaliste (le sublime Il Ferroviere – Le Disque rouge, le film préféré et le plus personnel du cinéaste) et aux intrigues policières (Au nom de la loi), Pietro Germi utilise les codes et la forme des genres qu’il a abordés dans le passé, pour les mettre au service d’une comédie, sur les conseils de son ami, le grand Mario Monicelli. Le regard sur son pays et ses concitoyens est le même, acéré. L’Italie archaïque mène à l’hystérie collective. Sur un montage percutant, le réalisateur enchaîne une série de quiproquos corrosifs, de répliques cinglantes, de rebondissements, de gags visuels déchaînés qui demeurent aussi frais qu’au premier jour, le tout joyeusement mis en musique par l’incontournable Carlo Rustichelli.

Avec son sens de l’observation aussi aiguisé que chaleureux et surtout en évitant de tomber dans la morale toute faite, Pietro Germi signe un véritable bijou du cinéma transalpin, élevant la comédie à l’italienne sur un indéboulonnable piédestal, illuminé par la beauté de Stefania Sandrelli et l’immense talent de Marcello Mastroianni. Divorce à l’italienne est récompensé par l’Oscar du meilleur scénario original, le Prix de la meilleure et devient le premier film estampillé « comédie à l’italienne ».

LE BLU-RAY

Plus de huit ans après une très belle édition DVD, Divorce à l’italienne débarque en Blu-ray, toujours chez M6 Vidéo qui a concocté à cette occasion un Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret de 24 pages. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur reprend l’exceptionnel documentaire intitulé Marcello Mastroianni, l’attrait d’un homme ordinaire (1h) qui rend hommage à cet immense artiste et homme exceptionnel. Ce module indispensable revient longuement sur la prolifique carrière du comédien à travers des extraits d’entretiens réalisés tout au long de sa vie. Intitulé en version originale « Le charme discret d’un homme comme les autres », ce reportage produit et diffusé sur la RAI dresse le portrait d’un acteur simple, humble et modeste, refusant d’être catalogué latin lover en remettant constamment son image en jeu. De nombreux cinéastes et comédiens de renom font leur apparition, en particulier Federico Fellini, Vittorio Gassman, Vittorio De Sica, Luchino Visconti et Marco Ferreri, lui rendant un hommage aussi sincère qu’émouvant, notamment lors des Prix d’interprétation ou pour l’ensemble de sa carrière que Marcello Mastroianni reçoit dans les dernières années de sa vie. Ce documentaire permet d’avoir un large panel des transformations physiques du comédien qui a marqué à jamais le cinéma. Ce segment se clôt sur les rares images de Marcello Mastroianni accompagné de sa fille Chiara lors de leur passage au Festival de Cannes.

Le nouveau supplément proposé par M6 Vidéo est un entretien avec Philippe Rouyer (25’). Le critique et historien du cinéma, membre du comité de rédaction de la revue Positif et en charge des pages cinéma du magazine Psychologies propose de réhabiliter le cinéaste Pietro Germi. Selon lui, « le réalisateur n’a pas la place qu’il mérite » et devrait apparaître auprès des noms plus prestigieux et souvent cités. Philippe Rouyer revient sur la carrière de Pietro Germi, croise le fond et la forme de Divorce à l’italienne, « un film d’une incroyable modernité […] avec un metteur en scène qui se fait plaisir ».

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces de Dommage que tu sois une canaille et de Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ?.

L’Image et le son

Le chef d’oeuvre de Pietro Germi est présenté en édition restaurée 2K. Un master HD très impressionnant. Contrairement à ce que la jaquette indique (et c’était déjà le cas sur le DVD), Divorce à l’italienne n’est pas proposé dans un format plein cadre 1.33 mais 1.85. Le transfert est irréprochable avec des contrastes fabuleux une stabilité irréprochable (le DVD s’accompagnait de légers défauts de compression et un tremblement d’image), une propreté sidérante, des noirs denses, des blancs lumineux, des détails à foison et un grain cinéma respecté. Les quelques micro-poussières et les décrochages sur les fondus enchaînés sont purement anecdotiques. Il s’agit probablement d’un des plus beaux Blu-ray sortis chez M6 Vidéo. Un véritable plaisir pour les yeux.

Divorce à l’italienne contient son lot de cris en tous genres. De ce fait, quelques saturations sont inévitables mais le mixage demeure d’excellente qualité avec de solides effets et un souffle qui ne se fait entendre qu’à deux reprises. Les voix des comédiens sont dynamiques, la musique bien mise en valeur et ce mixage italien en DTS-HD 2.0 restauré fait de véritables prouesses acoustiques. Pas de version française, mais les sous-titres pour les spectateurs sourds et malentendants.

Crédits images : © Les Films du Camélia / SND / M6 Vidéo / Rai Trade/Rai Teche /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Commando pour un homme seul, réalisé par Etienne Périer

COMMANDO POUR UN HOMME SEUL (When Eight Bells Toll) réalisé par Etienne Périer, disponible en DVD et Blu-ray le 9 octobre 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Anthony Hopkins, Nathalie Delon, Robert Morley, Jack Hawkins, Corin Redgrave, Derek Bond, Ferdy Mayne, Maurice Roëves…

Scénario : Alistair MacLean d’après son roman « 48 heures de grâce »

Photographie : Arthur Ibbetson

Musique : Angela Morley

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 1971

LE FILM

Un agent des services secrets anglais, enquête sur des pirates ayant attaqué des bateaux transportant de l’or aux larges des côtes écossaises.

Voilà près de dix ans que le phénomène James Bond prolifère dans les salles du monde entier. Devant ce triomphe international moult ersatz ont vu le jour, y compris en France avec par exemple les OSS 117 d’André Hunebelle. En Angleterre, certains producteurs commencent à vouloir surfer sur la vague espionnage en tentant de mettre un nouvel espion sur le circuit afin de concurrencer l’agent 007 sur ses plates-bandes. Elliott Kastner et Jerry Gershwin viennent de produire Quand les aigles attaquent de Brian G. Hutton, adapté de l’oeuvre d’Alistair MacLean, avec Richard Burton et Clint Eastwood en haut de l’affiche. L’écrivain et auteur à succès de thrillers et d’histoires d’aventures avait d’ailleurs adapté lui-même son propre roman. Ayant de la suite dans les idées, Kastner et Gershwin demandent à MacLean de transposer son roman d’espionnage When Eight Bells Toll, publié en 1966 sous le titre 48 heures de grâce dans nos contrées. Le titre original sera conservé pour le film réalisé par un certain Etienne Périer, qui sort sur les écrans en mars 1971, alors que Sean Connery est sur le point de raccrocher (presque) définitivement son Walther PPK. Aujourd’hui, s’il n’atteint évidemment pas la dimension d’un épisode de James Bond, Commando pour un homme seul reste une délicieuse curiosité, réalisée pour de profiter de l’engouement des spectateurs pour les missions exotiques des agents secrets sur grand écran.

Depuis quelque temps, des navires britanniques chargés de lingots d’or disparaissent le long des côtes écossaises. Pour percer ce mystère, les services secrets font appel à un agent de l’Amirauté, Philip Calvert. Celui-ci, aidé de son ami Hunslett, s’installe sur un bateau et commença son enquête en inspectant la région. Ses recherches, contrariées par le mutisme des habitants des villages avoisinants ainsi que par l’agressivité de Lord Kirkside, le châtelain du lieu, le conduisent jusqu’au yacht de Sir Anthony Skouras. Celui-ci fait apparemment un séjour de plaisance en compagnie de sa seconde épouse, Charlotte, et de ses deux conseillers, Lavorski et McCallum… Les ennuis commencent pour Calvert, à plusieurs reprises, l’adversaire tente de l’éliminer. Flairant la bonne piste, Calvert a cependant du mal à convaincre son chef hiérarchique, Sir Arthur Arnold-Jones, de la véracité de ce qu’il avance. Une bande fort bien organisée détourne les bateaux, les immerge, puis transporte l’or, sous l’eau.

Commando pour un homme seul contient tous les ingrédients des livres d’Alistair MacLean, déjà présents dans les adaptations des Canons de Navarone, de Destination Zebra, station polaire et de Quand les aigles attaquent. Même schéma, même développement des rapports hiérarchiques (MacLean était un ancien de la Royal Navy et avait participé à la Seconde Guerre mondiale), même construction avec crescendo des révélations jusqu’à l’assaut final. Commando pour un homme seul réserve donc son lot de rebondissements, d’action, d’aventures avec une belle dose d’humour so british et une touche de charme avec la présence au générique de la frenchie Nathalie Delon. Mais le film vaut aussi pour le rôle principal tenu par Anthony Hopkins dans l’un de ses premiers vrais rôles au cinéma.

Acteur de théâtre et ayant principalement travaillé pour la télévision, Anthony Hopkins alors âgé de 32 ans (le même âge que Sean Connery dans son premier 007), se délecte dans la peau de ce personnage, sorte de cousin éloigné de James Bond dont la spécialité est d’enquêter sur les affaires nautiques. Déjà charismatique et surtout talentueux, le comédien traverse le film avec une sorte de zen attitude attachante et un flegme naturel qui lui sied à ravir. Toutefois, comme le sera Roger Moore dans la peau de l’agent créé par Ian Fleming, Anthony Hopkins est remplacé par une doublure cascade (visible) dès qu’il faut lever le petit doigt. Les paysages écossais (patrie d’Alistair Maclean) sont superbes et donnent au film une personnalité propre, loin des James Bond plus chatoyants et carte-postale.

Commando pour un seul homme se suit avec plaisir, certaines séquences comme l’attaque puis le naufrage de l’hélicoptère, ou bien encore l’affrontement sous-marin et le final dans le repaire des bandits sont très bien menées par le belge Etienne Périer derrière la caméra. Ajoutez à cela un rythme bien géré, une belle photo, la présence tordante de Robert Morley (L’Odyssée de l’African Queen, Plus fort que le diable) et sa trogne impayable, tout comme celle reconnaissable du cultissime Ferdy Mayne (le comte Von Krolock du Bal des vampires) et vous obtenez un petit thriller d’espionnage aux accents bondiens , jusque dans la musique de Walter Scott (aka Angela Morley), néanmoins plus proche du thème d’Austin Powers que de Goldfinger, plaisant et divertissant. En Angleterre, Commando pour un homme seul est un triomphe, mais le succès reste timide dans le reste du monde, ce qui empêche les producteurs de lancer un autre épisode des aventures de Philip Calvert, comme cela avait été pensé pendant un temps.

LE BLU-RAY

L’un des éditeurs français à nous avoir le plus gâté cette année est incontestablement Rimini Editions. Commando pour un homme seul apparaît dans les bacs en DVD et Blu-ray. La galette bleue est disposée dans un boîtier classique de couleur noire et la jaquette saura attirer les amateurs de thrillers vintage. Le menu principal est animé sur la musique de Walter Scott.

Nous ne trouvons que la bande-annonce comme supplément.

L’Image et le son

Film culte en Angleterre, When Eight Bells Toll a été restauré par les mythiques studios Pinewood. C’est ce master 2K qui est présenté ici par Rimini Editions. Le générique est chancelant avec une fluctuation de la définition sur les credits. Cela s’arrange après. La palette chromatique est élégante et lumineuse sur les scènes diurnes, le piqué est agréable, les contrastes soignés et la propreté de la copie indéniable. Les séquences sombres sont plus altérées avec un grain moins bien géré, quelques effets de pompage sur les noirs et divers fourmillements. Le point fort de ce Blu-ray provient des séquences sous-marines, superbes et qui profitent de cette élévation HD.

Pas de version française pour le film d’Etienne Périer alors que nous notons tout de même une sortie hexagonale de Commando pour un homme seul en mars 1972. Mais peu importe, car il est indispensable de (re)découvrir les aventures de Philip Calvert en version originale, afin de profiter de l’accent des comédiens. Rien à redire sur cette piste mono aux dialogues clairs et distincts. Les ambiances sont aussi présentes que précises, tandis que le thème principal (assez récurrent) est bien délivré.

Crédits images : © Gershwin-Kastner Productions – Winkast Film Productions / Rimini Editions /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / La Vengeance de la femme au serpent, réalisé par Beverly & Ferd Sebastian

LA VENGEANCE DE LA FEMME AU SERPENT (‘Gator Bait II : Cajun Justice) réalisé par Ferd & Beverly Sebastian, disponible en DVD le 2 octobre 2018 chez Artus Films

Acteurs : Jan Sebastian, Tray Loren, Paul Muzzcat, Brad Koepenick, Jerry Armstrong, Ben Sebastian, Reyn Hubbard, Levita Gros…

Scénario : Beverly Sebastian, Ferd Sebastian

Photographie : Ferd Sebastian

Musique : George H. Hamilton

Durée : 1h38

Date de sortie initiale : 1988

LE FILM

Venant d’épouser Big T., un cajun, Angélique part vivre en Louisiane, au beau milieu des marais et des crocodiles. Elle y apprend la vie rude des autochtones, quand une bande de rednecks, dont le chef, Leroy, est le rival de Big T., tue ce dernier et enlève la jeune femme. La belle se fait violer par la bande. Pour se venger, elle va devoir user de courage et de cruauté à la hauteur des sévices subis.

Suite tardive au sympathique Les Marais de la haine – ‘Gator Bait, qui valait surtout pour la beauté flamboyante de la magnifique Claudia Jennings, La Vengeance de la femme au serpent, sobrement intitulé ‘Gator Bait II : Cajun Justice en version originale, est un film conçu uniquement pour son exploitation en VHS. Suite à une commande de la prestigieuse Paramount, 14 ans après Les Marais de la haine, Beverly et Ferd Sebastian reprennent leur caméra Arriflex et retournent dans le bayou. Comme Claudia Jennings est décédée tragiquement en 1979, l’un des seuls liens entre les deux films se fait avec le personnage de Big T.,  le petit frère muet du premier volet. S’il était interprété par Tracy Sebastian, le fils des metteurs en scène, le rôle – ici adulte – est repris dans le second par un certain Tray Loren. C’est du moins ce qu’indique le générique, car il s’agit en fait de la même personne. Sans aucune explication rationnelle, Big T. retrouve l’usage de la parole ici. Beverly et Ferd Sebastian ont ensuite révélé qu’ils avaient été obligés de supprimer tous les dialogues de leur fils, ce dernier étant peu sûr de lui devant la caméra. De toute façon, il faut bien dire que l’intérêt de ce second ‘Gator Bait, comme pour le premier, est ailleurs.

La femme du titre français est ici incarnée par l’inconnue Jan Sebastian, belle-fille des réalisateurs puisque mariée à l’époque à…ah bah tiens au frère de Tracy Sebastian. Une histoire de famille quoi. Peu avare de ses charmes, pulpeuse, crinière au vent, la comédienne n’a certes pas le charisme, la beauté, le talent et le magnétisme de Claudia Jennings, mais s’en sort honorablement dans le rôle principal. Les auteurs repoussent cette fois les limites en inscrivant La Vengeance de la femme au serpent dans le genre du rape & revenge, avec des séquences parfois difficiles, en jouant à la fois sur le voyeurisme et la patience du spectateur.

Jeune citadine, Angélique quitte la ville pour épouser un Cadien, surnommé « Big T. », et s’installer avec lui dans une maison en plein milieu des marécages de la Louisiane. Leur fête de mariage est perturbée par une bande de rednecks, menée par un certain Leroy. Son mari éduque Angélique en lui enseignant l’art de vivre dans le bayou. Il lui apprend à chasser et manier le hors-bord, à pêcher ou encore à manier des armes. Pourtant, leur idylle amoureuse est rompue lorsque Leroy et ses amis pénètrent chez eux pour tuer Big T. et kidnapper Angélique. Violée et laissée pour morte, elle est déterminée à se venger. Elle va devoir user de courage et de cruauté à la hauteur des sévices subis pour torturer et abattre ses ravisseurs un par un…

‘Gator Bait II : Cajun Justice parvient à contenter ceux qui avaient aimé le premier volet et l’audience plus contemporaine qui demandait alors une violence plus frontale. Cette séquelle propose son lot de scènes un peu cucul la praline avec ce couple d’amoureux qui batifolent dans les marais, qui baisent, qui pêchent, qui rebaisent, qui tirent à la carabine, qui baisent encore, qui font du bateau et qui ont bien mérité de baiser après une dure journée. Comme pour le premier opus, le problème de ‘Gator Bait 2 est son absence de rythme et sa succession de vignettes alignées les unes derrière les autres pour en faire un long métrage. Malgré tout, on ne s’ennuie pas. La Vengeance de la femme au serpent se permet même d’être un film Bis plus dégénéré et déviant, plus axé sur les us et coutumes du coin, à l’instar de la séquence du mariage en début du film, variation démunie de celle du premier Parrain.

Ferd et Beverly Sebastian profitent des courbes généreuses de leur comédienne principale en la filmant sous tous les angles, en prenant le temps de la montrer (longtemps) dans son bain, dehors, sur le ponton, devant les yeux affamés de quelques rednecks qui se lèchent les babines. Puis vient la scène où Angélique se voit humiliée par cette bande de cinglés, qui profitent de l’absence de son mari pour abuser d’elle. Puis, ils l’enlèvent, l’attachent comme une bête à un piqué et finissent par la violer au cours d’une longue séquence que certains trouveront interminable. Angélique parvient ensuite à s’échapper, ce qui nous vaut encore quelques séquences en bateau à moteur comme dans le premier épisode, puis prépare sa vengeance après avoir enfilé un short en jean déchiré et trop petit pour ses hanches pleines, tout en ayant pris soin de ne pas boutonner son bustier.

Sans se cacher, ‘Gator Bait 2 : Cajun Justice s’inspire d’une des séquences phares de Délivrance. Si le genre est largement dépassé, Ferd et Beverly Sebastian tirent encore sur la corde de la Hicksploitation, rappelons que Hick signifie péquenaud. Aujourd’hui, nous revoyons La Vengeance de la femme au serpent avec curiosité, tout en se rinçant l’oeil c’est vrai devant Jan Sebastian (qui a d’ailleurs voulu réaliser elle-même ses petites cascades et scènes agitées), avec ce même désir pervers et malgré tout divertissant typique du cinéma d’exploitation, de voir des individus malmenés par des bouseux à la gueule de porte-bonheur, pour ensuite apprécier de voir ces derniers se faire dézinguer à coup de calibre 12.

LE DVD

Artus Films ne manque pas d’idée et encore moins d’audace. L’éditeur lance la collection Rednecks ! Et pour ouvrir le bal, rien de mieux que La Vengeance de la femme au serpent (sorti le même jour que Les Marais de la haine), disponible en DVD dans un superbe slim Digipack au visuel affriolant avec Jan Sebastian. Le menu principal est fixe et musical.

Dans un premier temps, nous retrouvons le même module déjà présent sur l’édition DVD des Marais de la haine. Un bonus qui nous avait quelque peu laissé sceptiques concernant le « témoignage » de Beverly et Ferd Sebastian (12’), qui font ici la promo pour leur association destinée à sauver les chiens lévriers (qui aident également à la réhabilitation des prisonniers), tout en voulant apprendre à créer un « partenariat » avec Jésus, qui selon Ferd a entendu ses prières et l’a sauvé d’une mort imminente alors qu’il était tombé très gravement malade du coeur. Ferd avoue qu’il avait refusé que ses films, « violents et sexuels », ressortent au cinéma ou soient exploités en VHS et DVD, suite à cette expérience miraculeuse. Jusqu’à ce qu’il ait enfin trouvé la « paix intérieure », ou que l’argent venait à manquer, mais ça Ferd ne le dit pas.

Ensuite, l’éditeur a évidemment demandé à Maxime Lachaud de présenter à nouveau le titre « redneck » qui nous intéresse (27’). Comme pour l’exposé consacré aux Marais de la haine, l’auteur du livre Redneck movies : Ruralité et dégénérescence dans le cinéma américain (Rouge Profond, 2014), essayiste et journaliste français semble toujours aussi peu à l’aise devant la caméra, même s’il s’en sort mieux ici. Peut-être le sujet principal abordé, le viol dans le cinéma de la Hicksploitation, l’inspire plus. Maxime Lachaud donne également quelques informations sur le tournage de La Vengeance de la femme au serpent, les réalisateurs et le casting. Si l’ensemble manque de rythme, on y trouve les informations qu’on espérait y glaner, donc le bilan est positif.

Suite et fin du « making of », qui n’en est pas un, dont la première partie est disponible sur le DVD des Marais de la haine, autrement dit l’entretien avec les deux réalisateurs, réalisé en 2012 (14’). Confortablement assis, le couple Sebastian, Beverly et Ferd, répondent aux questions envoyées par leurs fans. Les conditions de tournage sont abordées, les souvenirs s’enchaînent. Beverly explique que leur fils Tracy a repris son rôle des Marais de la haine, même s’il était difficile d’expliquer pourquoi le personnage, muet dans le premier film, parle désormais dans le second. Ferd explique comment certaines séquences ont été tournées, comme celle du mariage, reconstitué pour les besoins du film avec des habitants du cru, dans l’optique d’être le plus authentique possible.

L’interactivité se clôt sur un spot vidéo de trente secondes et le film-annonce qui raconte tout le film !

L’Image et le son

Réalisé près de quinze ans après Les Marais de la haine, La Vengeance de la femme au serpent nous parvient dans un master plus propre, même si le piqué est ici complètement émoussé. L’image est stable, le grain conservé, tout comme les partis pris qui reflètent les pauvres conditions de tournage. Il n’est pas rare d’avoir quelques plans flous ou que la colorimétrie varie au cours d’une même séquence. Le format 1.37 est respecté.

N’hésitez pas à sélectionner la version française, au doublage particulièrement gratiné. Par contre, ce que vous gagnerez en « cachet Bis », vous y perdrez en ambiances annexes. Nettement moins dynamique que la piste anglaise, la VF est quand même très amusante, surtout quand les doubleurs s’en donnent à coeur joie dans les insanités. La version originale semble plus homogène, en dépit de dialogues parfois sourds.

Crédits images : © Artus Films /  Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Religieuse, réalisé par Jacques Rivette

LA RELIGIEUSE réalisé par Jacques Rivette, disponible en combo Blu-ray/DVD le 18 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Anna Karina, Liselotte Pulver, Micheline Presle, Francine Bergé, Francisco Rabal, Yori Bertin, Catherine Diamant…

Scénario : Jean Gruault, Jacques Rivette d’après le roman « La Religieuse » de Denis Diderot

Photographie : Alain Levent

Musique : Jean-Claude Eloy

Durée : 2h20

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

Au XVIIIe siècle, Suzanne Simonin est cloîtrée contre son gré dans un couvent. Elle trouve un peu de réconfort auprès de la Mère supérieure, mais celle-ci meurt peu après, et est remplacée par une femme sadique qui ne cesse de brimer Suzanne. La jeune femme obtient l’autorisation de changer de couvent, mais reste toujours aussi déterminée à sortir.

Librement adapté d’une œuvre polémique de Diderot…

C’est le film français à avoir provoqué le plus grand scandale dans les années 1960. C’est aussi le second long métrage du réalisateur Jacques Rivette (1928-2016), critique – comme Eric Rohmer et Jean-Luc Godard – aux Cahiers du cinéma depuis 1953 où il devient directeur en chef de la revue dix ans après. Après quelques courts-métrages (Le Quadrille, Le Coup du berger), il signe son premier long en 1960 avec Paris nous appartient. La Religieuse, également connu sous son titre original Suzanne Simonin, la Religieuse de Denis Diderot est rétrospectivement l’oeuvre la plus célèbre de son auteur avec La Belle Noiseuse (1991) et son plus grand succès. Nul autre film dans sa carrière n’aura un tel retentissement et un tel impact. Chef d’oeuvre absolu et d’une folle modernité, La Religieuse offre également à la splendide Anna Karina son plus beau rôle au cinéma.

Les deux sœurs de Suzanne Simonin ont été richement dotées. Leur père n’a plus les moyens d’en faire autant pour Suzanne qui, de plus, n’est pas sa fille. La solution, au XVIIIe siècle, est simple, expéditive : mettre l’enfant mal-aimée au couvent. Suzanne refuse de prononcer ses vœux de chasteté, de pauvreté et d’obéissance, mais nul ne l’entend et elle se retrouve cloîtrée contre son gré au couvent de Longchamp que dirige Mme de Moni. Cette dernière convainc la jeune fille d’accepter son destin et de prononcer ses vœux. Mais, après la mort de la Supérieure, Mère Sainte Christine impose une discipline de fer. Elle enferme Suzanne dans sa cellule et pour faire échec à sa tentative de résiliation de ses vœux, affirme qu’elle est possédée du démon. Innocentée, Suzanne est transférée au couvent d’Arpajon où règne une totale liberté instaurée par la supérieure, Mme de Chelles. Celle-ci s’intéresse beaucoup à Suzanne et commence par lui faire quelques avances amoureuses puis sexuelles.

Les spectateurs ne manqueront pas de s’interdire toute généralisation hâtive, injuste et évidemment indéfendable…

Qui d’autre qu’Anna Karina aurait pu incarner cette jeune femme rebelle à toute autorité, et désirant retourner à la vie civile, malgré la cruauté d’une abbesse sadique qui lui inflige humiliations et tortures, la croyant possédée par le diable ? Quasiment de tous les plans, la comédienne alors âgée de 25 ans est devenue le visage de la Nouvelle Vague avec déjà à son palmarès Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part et Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution, tous réalisés par son compagnon Jean-Luc Godard. Le projet remonte à la fin des années 1950. Le célèbre et grand producteur Georges de Beauregard propose à Jacques Rivette de réaliser l’adaptation du livre de Diderot. En 1962, un avis de précensure défavorable de la commission de contrôle conduit les scénaristes Jacques Rivette et Jean Gruault à le transposer tout d’abord au théâtre (les trois coups retentiront d’ailleurs au début du film) au Studio des Champs-Elysées en 1963. Anna Karina interprète le rôle principal de la pièce mise en scène par Jean-Luc Godard, qui n’entraîne d’ailleurs aucun scandale et n’obtient pas de succès. Puis les deux scénaristes revoient leur copie afin que le film puisse obtenir une autorisation pour les spectateurs âgés de plus de 18 ans. La Religieuse n’est même pas encore tourné, qu’il se voit en fait déjà interdire.

Des religieuses et des associations de parents d’élèves de l’enseignement privé appellent au boycott. En 1965, la présidente de l’Union des supérieures majeures de France s’adresse directement à Alain Peyrefitte, ministre de l’information. Ce dernier « entend » son inquiétude quant au « caractère blasphématoire de ce film qui déshonore les religieuses ». Jacques Rivette entreprend néanmoins le tournage de La Religieuse, même s’il essuie le refus des monuments historiques pour effectuer ses prises de vue à l’abbaye de Fontevraud. La commission de contrôle autorise enfin la distribution de La Religieuse avec une interdiction aux moins de 18 ans. C’est alors qu’Yvon Bourges, secrétaire d’État à l’information, ainsi que Maurice Grimaud, directeur de la sécurité nationale, interdisent totalement la distribution et l’exportation du film, en prétextant que La Religieuse risque de troubler l’ordre public.

Là-dessus Jean-Luc Godard intervient et interpelle André Malraux, ministre de la culture. Le scandale est national et passe même les frontières françaises. Le film de Jacques Rivette parvient à être sélectionné au Festival de Cannes en 1966. Le producteur Georges de Beauregard se lance dans une bataille juridique et la remporte en 1967 auprès du tribunal administratif. L’interdiction d’exploitation est levée, à l’exception de celle aux moins de 18 ans. La Religieuse sort bel et bien le 26 juillet 1967 dans cinq salles parisiennes, plus d’un an après sa première projection sur la Croisette. C’est un triomphe avec près de trois millions d’entrées. Il faudra tout de même attendre 1975 pour que l’interdiction complète soit levée de façon définitive.

Mais La Religieuse ou Suzanne Simonin, la Religieuse de Denis Diderot va bien au-delà du scandale provoqué à sa sortie. Plus de cinquante ans après, sa modernité étonne encore et le film est loin d’être académique ou « poussiéreux ». Avec sa grâce, son regard bleu perçant, son visage ovale emprisonné dans un voile et son corps sans cesse en mouvement qui reflète sa rébellion contre l’institution, Anna Karina enflamme la pellicule. Jacques Rivette suit son personnage après avoir prévenu dans un sublime prologue que Suzanne ne s’en sortira pas. Chronique d’une mort ou d’une résignation annoncée ? Le spectateur suit le quotidien de Suzanne et devient le témoin de sa lutte acharnée pour sortir de cette prison où on l’a placée de force. Ses rencontres, déterminantes ou pas, s’enchaînent, l’espoir parvient à renaître parfois, mais les désillusions reviennent très vite. Il n’y a rien d’austère dans La Religieuse, film de chair et de sang qui palpite. Derrière la photo et les partis pris froids du chef opérateur Alain Levent, c’est un récit sur la volonté de vivre librement sa vie que nous raconte Jacques Rivette.

Le montage capte l’attention du spectateur sur 2h20, sans un moment de répit. Si Anna Karina reste le diamant du film, ses partenaires, Liselotte Pulver, Micheline Presle, Kean Martin et bien d’autres, témoignent de la solide direction d’acteurs du cinéaste qui rappelons-le n’en était qu’à son second long métrage. La Religieuse demeure l’une des plus grandes expériences du cinéma français des années 1960, un chef d’oeuvre à l’apparence épurée et pourtant d’une richesse thématique et formelle (un certain Claude Zidi à la caméra), parfois quasi-fantastique, insondable qui traverse le temps sans une égratignure. En 2013, une nouvelle et excellente transposition du roman de Denis Diderot réalisée par Guillaume Nicloux sort sur les écrans, avec Pauline Etienne dans le rôle principal.

LE BLU-RAY

Le chef d’oeuvre de Jacques Rivette fait son retour chez Studiocanal, dans un combo Blu-ray/DVD. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

En plus de la bande-annonce de la version restaurée, l’éditeur joint un documentaire intitulé Suzanne Simonin …la scandaleuse !, réalisé par Dominique Mallet (28’). Ce module se compose des interventions de Georges Kiejman, avocat et homme politique (ancien ministre sous Mitterrand), et de la grande Anna Karina. Les deux invités reviennent sur toutes les étapes de la sortie houleuse de La Religieuse au cinéma. La comédienne évoque la pièce de théâtre originale puis les menaces de mort qui l’ont conduit à déménager, tandis que l’homme de loi et ancien avocat du producteur Georges de Beauregard replace surtout l’affaire dans son contexte, deux ans avant les événements de mai 68. La mise en scène, les intentions et les partis pris de Jacques Rivette sont abordés dans un second temps, ainsi que le triomphe du film.

L’Image et le son

Entièrement restauré par L’Immagine Ritrovata, La Religieuse profite de cette élévation en Haute-Définition. Les couleurs froides voire glaciales sont nettes et tranchées, les noirs denses, les contrastes sont parfois trop appuyés dans la première partie, mais trouvent ensuite un bon équilibre. Le grain original est heureusement respecté et bien géré, tandis que les nombreux gros plans ne manquent pas de détails. La sublime photographie d’Alain Levent aux ambiances bleutées est admirablement restituée, tout comme les séquences partagées entre ombre et lumière, qui reflètent les tourments et l’espoir de Suzanne. Hormis quelques baisses de la définition et de légers flous, ce Blu-ray de La Religieuse est superbe.

La piste DTS-HD Master Audio mono 2.0 n’est certes pas exempt de sensibles saturations, résonances et de quelques répliques qui paraissent étouffées, mais le confort acoustique est suffisamment assuré. Aucun souffle n’est à déplorer et les sensibles ambiances environnantes sont bien délivrées, même à volume peu élevé. L’ensemble est clair et distinct, la propreté est de mise. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Prédateur, réalisé par Dick Maas

PRÉDATEUR (Prooi) réalisé par Dick Maas, disponible en DVD et Blu-ray le 27 octobre 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Sophie van Winden, Mark Frost, Britte Lagcher, Abbey Hoes, Victor Löw, Mike Libanon, Kees Boot, Julian Looman…

Scénario : Dick Maas

Photographie : Lennert Hillege

Musique : Dick Maas

Durée : 1h47

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Vétérinaire au zoo d’Amsterdam, Lizzy est appelée par la police : on vient de découvrir les cadavres atrocement mutilés d’une famille. La jeune femme comprend rapidement que ces morts ont été causées par un fauve d’une taille et d’une férocité exceptionnelles. Alors que d’autres victimes sont découvertes, Lizzie fait appel à l’un de ses vieux amis, un ancien chasseur de lions. Mais le prédateur reste insaisissable et continue de semer la terreur…

Nous sommes en pleine série B. Seulement voilà, ce n’est pas n’importe quel réalisateur aux commandes. Prédateur – Prooi en version originale, est mis en scène par le célèbre Dick Maas, cinéaste culte pour beaucoup et précurseur du film d’épouvante aux Pays-Bas, l’auteur de L’Ascenseur (1983), Grand Prix au Festival d’Avoriaz en 1984, de sa suite réalisée en 2001 et surtout d’Amsterdamned (1988). Né en 1951, Dick Maas fait son retour derrière la caméra quatre ans après Quiz avec un petit film de genre bourré d’humour. Si l’on accepte le fait qu’un lion de 300 kilos et mesurant plus de deux mètres puisse se cacher dans les fourrés et échapper au système de surveillance le plus perfectionné, alors Prédateur est un vrai et génial divertissement. Le film a vraiment de la gueule et crée une vraie complicité avec son public.

La trentaine, Lizzy est vétérinaire au zoo d’Amsterdam. Un matin, la jeune femme est contactée par un policier, Olaf, qui sollicite son aide pour enquêter sur le massacre d’une famille d’agriculteurs. Selon elle, les victimes ont été attaquées par un lion mangeur d’hommes. Plus tard, un golfeur est retrouvé mutilé à son tour, également tué par l’animal sauvage. Alors que les morts s’accumulent et que la rumeur circule dans la ville, le chef de la police refuse de croire qu’un gigantesque lion est responsable de cette hécatombe et choisit de ne pas communiquer sur l’affaire. Malgré elle, Lizzy se retrouve à la tête d’une gigantesque battue organisée à travers la capitale néerlandaise afin de capturer ou anéantir à tout prix la bête surdimensionnée et sanguinaire. La vétérinaire contacte son ancien compagnon, un Britannique chasseur de fauves, pour mettre fin à ses agissements.

Prédateur est le film d’un vieux briscard qui connaît par coeur les rouages pour faire peur et surtout pour faire plaisir aux spectateurs avides de sensations fortes. Certes, ce qui faisait peur jadis prête souvent à rire aujourd’hui, c’est pour cela que Prooi mélange habilement et judicieusement effets gore et humour noir souvent jubilatoire. Rien de tout ceci n’est sérieux, Dick Maas le prévient d’emblée à l’instar de cette séquence en ouverture où un père de famille, se lève après avoir entendu un bruit étrange et aperçoit sa fille aînée dans la pénombre. Si le spectateur comprend qu’elle est en train de se faire dévorer, le père pense qu’elle est en train de faire une fellation à son petit-ami. Il n’est donc pas interdit de rire, surtout pas, c’est fait exprès et Dick Maas – également compositeur ici – a réalisé son film dans ce sens.

Amsterdam devient un plateau de jeu idéal pour y déplacer ses personnages et surtout son lion entièrement conçu – ou presque – en images de synthèse. Les effets spéciaux sont d’ailleurs fort limités, pour ne pas dire mauvais, mais peu importe puisque les apparitions du fauve se déroulent principalement de nuit avec juste les lampadaires pour l’éclairer fugitivement. Au passage, nul n’est épargné, y compris les enfants. Du point de vue des comédiens, nous retiendrons surtout la belle Sophie van Winden, qui rappelle à la fois Rachel McAdams et Kristin Scott Thomas, sur laquelle repose une très grande partie du film. Une actrice à connaître. Ses partenaires, l’anglais Mark Frost (impeccable en Indiana Jones improbable et pourtant spécialiste des félins) et le néerlandais Julian Looman, très amusant en caméraman chaud comme la braise, assurent également le spectacle.

Dick Maas est un malin. Pour son scénario, il s’inspire en grande partie du premier Jurassic Park et adapte littéralement les plus grands moments de ce film avec le lion qui remplace les dinosaures comme la poursuite de la jeep par le T-Rex, avec ici le félin qui court après un scooter (avec le reflet dans le rétro qui crée l’angoisse), la partie de cache-cache avec les raptors dans la cuisine et même l’appeau des brachiosaures qui fait écho ici dans la scène où le braconnier tente d’appâter le lion dans le parc. Cette relecture à la sauce hollandaise du chef d’oeuvre de Steven Spielberg ne révolutionne rien, mais démontre toute l’étendue du talent du réalisateur du début à la fin et l’ambiance est particulièrement prenante. Une réussite donc et un film fort sympathique.

LE BLU-RAY

Rimini Editions a eu la très bonne idée de sortir Prédateur dans les bacs, en DVD et Blu-ray. L’édition HD est disponible dans un boîtier classique de couleur noire et au visuel très attractif avec un lion qui « n’a pas une gueule de porte-bonheur ». Le menu principal est kitsch, animé et musical.

Seule la bande-annonce est disponible comme supplément, dommage.

L’Image et le son

Le Blu-ray est au format 1080i. Le film de Dick Maas est joliment photographié par Lennert Hillege et cette édition HD délivre son lot de couleurs vives et chatoyantes sur les séquences diurnes. Les détails sont convaincants aux quatre coins du cadre large et le piqué évident (surtout sur les teintes froides), même si les contrastes pèchent parfois par un manque de concision sur les scènes sombres. Certains flous sporadiques tout comme de sensibles fourmillements sont constatables (surtout sur les scènes avec le lion en CGI), notamment au niveau des visages des comédiens, mais demeurent subliminaux et n’entravent en rien le visionnage. La clarté est de mise, le relief notable, la propreté incontestable et la définition élégante. Que demander de plus ?

Pas de pistes 5.1 pour les langues néerlandaise et française. Juste de la Stéréo, mais heureusement, le confort acoustique est assuré avec une belle délivrance de la musique de Dick Maas, des grognements du félin, des dialogues et des effets particulièrement dynamiques. La version originale est évidemment à privilégier. 

Crédits images : © Shooting Star Filmcompany & Parachute Pictures 2016 / Rimini Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Code 211, réalisé par York Alec Shackleton

CODE 211 (211) réalisé par York Alec Shackleton, disponible en DVD et Blu-ray le 7 novembre 2018 chez AB Vidéo

Acteurs : Nicolas Cage, Sophie Skelton, Michael Rainey Jr., Dwayne Cameron, Weston Cage, Cory Hardrict, Ori Pfeffer, Mark Basnight…

Scénario : John Rebus

Photographie : Alexander Krumov

Musique : Frederik Wiedmann

Durée : 1h27

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Un simple flic essaie d’interrompre un braquage en cours dans une banque.

Code 211 ou 211 pourrait bien représenter le 211e DTV de Nicolas Cage depuis 2013. A l’exception de Snowden d’Oliver Stone dans lequel il faisait une apparition en 2016, Joe de David Gordon Green est le dernier long métrage avec le comédien à avoir connu une sortie dans les salles françaises. Depuis, Nicolas Cage aura tourné près de 25 films avec une moyenne d’un bon film sur deux avec même d’excellents crus comme Suspect de Scott Walker, The Runner d’Austin Stark, Le Casse des frères Brewer, USS Indianapolis de Mario Van Peebles et Dog Eat Dog de Paul Shrader. Quant au reste…En dehors de Croisades dans lequel il maniait le sabre en nous faisant rire, Pay the Ghost où il affrontait des forces surnaturelles à la Nouvelle-Orléans, La Sentinelle où il arborait une moumoute grisonnante du plus bel effet, Arsenal où il trucidait son véritable frère, Usurpation où il résistait aux courbes de Nicky Whelan, le reste, notamment Tokarev et Le Chaos sont à oublier illico. Je ne suis pas encore « à jour » dans sa filmographie, bien que j’essaye de l’être chaque année, et je dois encore découvrir The Humanity Bureau, Mom and Dad, Army of One, The Watcher et surtout Mandy. Toujours est-il que Code 211 appartient à la catégorie des navets de Nicolas Cage. Malheureusement. On aurait bien voulu l’aimer ce film, mais force est de constater que l’acteur assure ici le minimum syndical et lui-même a l’air de trouver le temps long. Un DTV sans aucune imagination, éculé, lent, long. Et pourtant, le charisme de Nicolas Cage agit toujours autant, c’est dire si on l’aime. 

Le quotidien banal d’un policier veuf, Mike Chandler, est chamboulé par un braquage sanglant et violent. Secondé par son collègue et beau-fils, Steve, et un jeune civil, Kenny, Chandler n’a pas d’autre choix que de lutter contre les bandits. L’affrontement entre la police et les voleurs est sans pitié. Mais leur fusillade vire au carnage…

Pour la sixième fois, Nicolas Cage tourne pour le compte de la célèbre Millenium Films. Code 211 est un thriller réalisé en Bulgarie par un ancien snowboarder professionnel. Ça vous suffit ? Le truc, c’est que le metteur en scène, un certain York Alec Shackleton, est incapable d’insuffler le moindre rythme à son récit auquel on ne croît d’ailleurs jamais. L’installation des personnages est poussive, à l’instar de cette séquence d’ouverture en Afghanistan qui semble avoir été filmée dans la carrière de calcaire du coin, avec des comédiens qui gesticulent comme des marionnettes de Team America, police du monde de Trey Parker et Matt Stone. Là-dessus arrive une improbable agent d’Interpol interprétée par la divine comédienne roumaine Alexandra Dinu, très agréable à regarder, mais qui fait rire dès qu’elle montre son badge pour intimider quelques sbires.

Et Nicky là-dedans ? Bah on le voit cinq secondes durant les vingt premières minutes. En train de conduire, en train de boire son café, en train de froncer les sourcils puisque son personnage est triste en raison de la mort de son épouse. Son deuil impossible l’a éloigné de sa fille. Cette dernière (Sophie Skelton de la série Outlander) apprend qu’elle est enceinte de son compagnon (Dwayne Cameron, celui dont on aime bien se moquer durant le film), flic également, qui bosse avec mister Cage. Ajoutez à cela un adolescent afro-américain qui subit des brimades dans son lycée, mais qui suite à un imbroglio se retrouve à devoir suivre les deux policiers pour se remettre sur « le droit chemin », un employé de banque qui dit au revoir à sa femme avant d’aller bosser (on se doute alors qu’il y passera à un moment), une serveuse au décolleté vertigineux et surtout des braqueurs à la mine patibulaire dont l’un est « incarné » par le propre fils de Nicolas Cage, Weston. Au cours d’une scène, ce dernier n’hésitera pas à vouloir canarder son paternel.

Weston Cage, visant son père

En fait, Code 211 ne propose rien, si ce n’est un affrontement à coup de gros calibres, durant une plombe. Ça se tire dessus, ça atteint rarement sa cible, même à quelques mètres de distance, malgré le fait que les mecs soient des tireurs d’élite et qu’ils utilisent des lunettes perfectionnées. En gros, le point rouge apparaît clairement sur la tête de Nicky, mais la balle s’encastre à un mètre au-dessus de sa perruque. Ce n’est pas qu’on s’ennuie devant Code 211, c’est qu’une fois de plus Nicolas Cage se vautre dans une production indigne de son immense talent. Le plus dingue, c’est qu’il parvient toujours à briller à un moment comme lorsqu’il s’insurge devant sa hiérarchie quant au temps mis par les renforts pour intervenir. D’autres scènes mettent mal à l’aise et font sourire involontairement, comme celle où le gendre de Nicolas Cage, pensant bientôt rendre son dernier souffle, s’adresse en vidéo à son enfant (il venait d’apprendre qu’il allait être père juste avant de partir au boulot le matin) en lui disant tout ce qu’ils ne pourront pas faire tous les deux. Gloups.

Je flingue ma carrière encore une fois

Encore quelques minutes où les protagonistes semblent tirer dans le vide, puis hop, Cage fait son footing, rentre chez lui et générique de fin. Nicolas, l’homme qui tourne plus vite que son ombre, étant déjà parti sur un autre plateau. Next ! Tiens d’ailleurs c’était un autre film amusant de Nicky ça…

La séquence gênante du film

LE BLU-RAY

AB Vidéo avait déjà édité The Runner et Pay the Ghost en DVD et Blu-ray. Cette édition HD de Code 211 se présente sous la forme classique d’un boîtier de couleur bleue, avec un visuel attractif. Le menu principal est animé et musical.

La bande-annonce est disponible.

L’Image et le son

Peu de choses à dire sur ce master français Haute-Définition de Code 211 qui peine parfois à convaincre. Le relief est certes appréciable, mais le piqué est aléatoire et pâtit de la mise en scène heurtée. Les détails ne manquent pas (voir les raccords capillaires de Nicolas Cage), les couleurs sont vives et la clarté des séquences diurnes tire profit de cet upgrade. Le reste est plus anecdotique.

Du côté acoustique, les mixages français et anglais DTS-HD Master Audio 5.1 créent un espace d’écoute suffisamment plaisant en faisant la part belle à la musique et à quelques effets latéraux comme les très nombreux affrontements au tir. Des ambiances naturelles percent les enceintes arrière sans se forcer mais avec une efficacité chronique. Le doublage français est convaincant et que les fans soient rassurés, Dominique Collignon-Maurin prête sa voix cette fois encore à Nicolas Cage. L’éditeur joint également deux pistes DTS HD Master Audio 2.0.

Crédits images : © AB Vidéo / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Mort a pondu un oeuf, réalisé par Giulio Questi

LA MORT A PONDU UN OEUF (La Morte ha fatto l’uovo) réalisé par Giulio Questi, disponible en combo Blu-ray/DVD le 30 octobre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Gina Lollobrigida, Jean-Louis Trintignant, Ewa Aulin, Jean Sobieski, Renato Romano, Vittorio André…

Scénario : Franco Arcalli, Giulio Questi

Photographie : Dario Di Palma

Musique : Bruno Maderna

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1968

LE FILM

Marco est un éleveur de poules. Sa femme, Anna, est la patronne de l’entreprise et pense être l’épouse idéale pour son mari. Mais Marco, qui s’est rendu compte qu’il s’était trompé en l’épousant, recherche des émotions inhabituelles auprès des prostituées d’un motel.

Venu du documentaire, Giulio Questi (1924-2014) n’aura réalisé que trois longs métrages pour le cinéma. Pourtant, ses trois films, Tire encore si tu peux (1967), La Mort a pondu un œuf (1968) et Arcana (1972) ont su marquer les cinéphiles et leur réputation n’est pas usurpée. Le premier est tout simplement l’un des plus grands westerns italiens, un chef d’oeuvre qui joue avec les genres et même parfois avec les codes du giallo, ce qui lui a valu de nombreux déboires avec la censure à sa sortie, au point d’être interdit trois jours seulement après son arrivée sur les écrans. Avec ses séquences très gore comme celle où des individus mal intentionnés s’acharnent sur le corps criblé de balles en or d’un mourant, désireux de s’emparer de ce butin inattendu, Tire encore si tu peux est un western teinté de film d’horreur surréaliste et de fantastique. Giulio Questi souhaite s’affranchir des conventions. Pour son second long métrage, il surfe sur la vague du giallo. Mais comme pour son premier film, le cinéaste décide d’aller bien au-delà. Les éléments-clé sont présents, un tueur ganté, une arme blanche (poignard et rasoir), une pointe d’érotisme, mais La Mort a pondu un œuf – La Morte ha fatto l’uovo repousse encore une fois les limites. Le réalisateur livre un véritable OFNI redoutablement pessimiste sur la nature humaine, dans lequel brille une fois de plus l’immense talent de Jean-Louis Trintignant.

Marco occupe le poste de cadre supérieur au sein d’une entreprise que possède son épouse Anna. Il s’agit d’une ferme industrielle expérimentale, dotée d’un laboratoire, spécialisé dans l’élevage de poulets en batterie. Mais le couple bat de l’aile, ils ne se supportent plus. D’autant plus que Marco, castré et complexé par sa femme, lui cache ses pulsions meurtrières. Il entraîne des prostituées dans une chambre d’hôtel pour les tuer. Quant à Anna, elle tient les rênes de la société et gère la bourse de leur business. Marié mais sans enfants, le couple vit avec Gabrielle, la jeune cousine, orpheline et leur héritière directe. Un jour, alors qu’il assassine une femme de petite vertu, Marco est surpris par un témoin qui n’intervient pas et n’appelle pas la police.  Le lendemain, Marco est convoqué pour rencontrer Mondaini, un directeur de marketing. Il s’agit du témoin du meurtre de la prostituée.

La Mort a pondu un œuf est un film expérimental, inclassable, unique, qui agit comme une séance d’hypnose angoissante et glaçante. Virtuose, maîtrisé du début à la fin, audacieux, sans cesse inventif, La Morte ha fatto l’uovo reste et restera une véritable et fascinante curiosité. Dans cette optique, Giulio Questi « détourne » Jean-Louis Trintignant en lui faisant endosser le rôle principal, celui d’un homme frustré, à l’esprit déviant. Son visage impassible exprime la folie intérieure qui anime son personnage, qui s’ennuie à la fois dans son travail et dans son couple. Sa moitié n’est autre que la « Lollo », Gina Lollobrigida, dans l’une de ses dernières véritables apparitions au cinéma. Sculpturale, magnétique, sensuelle, l’éternelle Bersagliera de Pain, Amour et Fantaisie de Luigi Comencini incarne également une femme à la sexualité refoulée, attirée par les femmes et même par l’inceste.

Si l’intention de départ était de réaliser un giallo, Giulio Questi dresse en réalité le portrait d’un couple qui n’est pas sans rappeler La Nuit – La Notte de Michelangelo Antonioni, avec cette célèbre « absence de dialogue » vulgairement appelée « incommunicabilité ». Derrière ce vernis glacé, une mélancolie naît et se fait palpable. La Mort a pondu un œuf c’est le récit d’un homme malheureux, paumé dans une élite bourgeoise dans laquelle il ne se reconnaît pas et qui cherche à se sentir vivant en donnant la mort. Sans en révéler plus, disons que cette jouissance provoquée par l’assassinat n’est qu’éphémère. Marco sera toujours un être seul, perdu dans ses tourments, son mal-être, ses complexes. Le montage frénétique, particulier et déstructuré renvoie au cerveau perturbé du personnage principal, tout comme cette musique dissonante marquée constamment par des ruptures.

Autour de lui, le monde change. L’industrialisation implique le renvoi des employés (qui protestent derrière un grillage comme des poules dans leur enclos), la manipulation génétique – des volatiles naissent sans tête et sans ailes – remplace l’élevage traditionnel. Marco perd ses repères et n’est pas prêt à affronter ces mutations. Il n’a donc qu’un seul remède pour se sentir encore vivant et repousser le plus longtemps cette société déshumanisée qui souhaite l’absorber. On pourrait continuer encore longtemps ainsi tant La Mort a pondu un œuf regorge de pistes possibles, certaines inexplorées, toujours labyrinthiques. C’est là toute la puissance de cet étonnant et très étrange faux giallo, mais avant tout drame social et psychologique, mystérieux objet de culte chéri par les cinéphiles du monde entier et les réalisateurs (David Lynch pour Eraserhead, David Cronenberg pour Frissons et Rage), qui est loin d’avoir dévoilé et révélé toutes ses facettes.

LE BLU-RAY

La Mort a pondu un oeuf est le numéro 5 de la collection Make my Day supervisée par Jean-Baptiste Thoret. Comme pour les autres titres de la collection, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir La Mort a pondu un oeuf dans une édition digne de ce nom. Le film de Giulio Questi est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

En tant que créateur de cette collection, Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (6’). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante La Mort a pondu un oeuf dans son contexte, dans la filmographie et le parcours de Giulio Questi. « Un film extraordinaire et extrêmement rare » déclare Thoret, qui indique également que ce film était perdu dans le catalogue de Studiocanal sous le titre « Le Sadique de la chambre 24 ». Il évoque également la sortie de La Mort a pondu un oeuf dans une version amputée, ainsi que la genèse et les thèmes du film, mais également le casting « intelligent et judicieux ». Tout cela est abordé sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

L’éditeur propose ensuite un entretien de Giulio Questi, réalisé à Florence en novembre 2009 (12’30). Durant cette interview, le réalisateur parle de ses films « qui ont toujours eu du mal à faire recette » en raison du traitement original et personnel avec lequel il abordait ses sujets. Le cinéaste était toujours animé par cette passion pour « l’art pop » comme il désignait le septième art et se penche plus longuement sur sa liberté créatrice, ou comment reprendre les schémas éprouvés du cinéma de genre, pour mieux se les approprier.

Nous trouvons un entretien passionnant avec James Blackford, producteur de DVD et de Blu-ray au British Film Institute, qui propose un formidable tour d’horizon des films de Giulio Questi, dont il admire l’oeuvre (19’). Cet exposé contient des spoilers sur les œuvres abordées. James Blackford ne manque pas d’arguments pour analyser les longs métrages « singuliers, fascinants, étranges, surréels, extravagants et magnifiques » de ce cinéaste qui le fascine tant. L’atmosphère, le style et le regard sur le monde de Giulio Questi sont finement abordés, ainsi que son sens de l’humour macabre, la complexité de son montage et de son désir de « renverser les modèles préétablis ». Les thèmes de La Mort a pondu un œuf sont également explorés, ainsi que les trente minutes coupées au montage, réintégrées ici dans cette édition.

Nous terminons pas un véritable cadeau, un entretien avec l’immense Jean-Louis Trintignant, réalisé en 2004 par Sandrine Dumarais, intitulé Jean-Louis Trintignant – J’ai rendez-vous avec vous (51’). Ce film diffusé sur France Télévisions est un voyage poétique dans l’univers du comédien. Suivant le rythme tranquille des représentations bi-hebdomadaires des Poèmes à Lou de Guillaume Apollinaire, en immersion dans la quiétude  du Théâtre de La Madeleine, entre deux répétitions, nous le retrouvons dans la chaleur feutrée de sa loge :  alors Trintignant nous entraîne  sur les chemins du cinéma, propos souvent amusés, inédits. Avec un réel plaisir, il parle des comédiens (les « Colonels » comme Mastroianni), des réalisateurs qu’il a aimé rencontrer (Jacques Audiard, François Truffaut, Patrice Chéreau), il parle aussi des films qu’il a faits (en tant qu’acteur mais aussi comme réalisateur), il parle surtout de ce drôle de métier qu’il exerce depuis plus de cinquante ans. Revenant sur la création théâtrale, il parle de sa fascination pour les poèmes d’Apollinaire, de la relation passionnée qui le liait à Lou, de la genèse de ce spectacle qui est née de sa fille Marie qui était à ses côtés sur scène lors de la première création. Les images de la représentation, des répétitions, se mêlent à la musique aérienne du spectacle, à la voix de Trintignant qui raconte, qui se raconte…  Des images super 8, comme de petites bulles naîtront de la musique et s’évanouiront entre les lignes des poèmes interprétés par Trintignant sur scène.

L’Image et le son

Rien ne l’indique, sauf dans les suppléments, mais le montage présenté ici de La Mort qui a tué un œuf est la version intégrale du film. Censuré à sa sortie avec près d’une demi-heure de séquences coupées, La Morte ha fatto l’uovo a depuis été reconstitué. Hors la qualité des images des scènes longtemps invisibles se voient comme le nez au milieu de la figure. En dépit d’une forte restauration, certains défauts n’ont pu être corrigés sur les séquences coupées, comme tout ce qui concerne l’ami de Marco, qui était passé à la trappe. Il n’est d’ailleurs pas rare que la définition flanche brutalement au cours d’une même séquence avec un grain nettement plus imposant (les scènes de Marco au travail) et des visages très rosés. En dehors de ça, malgré quelques fourmillements, cette présentation HD se tient avec une belle luminosité, des couleurs ragaillardies, un piqué parfois même acéré et une propreté indéniable du master.

Seule la version originale aux sous-titres français est disponible. Ce mixage est dynamique et le souffle aux abonnés absents. Comme de coutume, les dialogues ont été entièrement retravaillés en post-production, d’autant plus que Jean-Louis Trintignant ne parlait pas italien.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr