Test Blu-ray / Little Big Man, réalisé par Arthur Penn

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LITTLE BIG MAN réalisé par Arthur Penn, disponible en Blu-ray et Édition Coffret Ultra Collector – Blu-ray + DVD + Livre le 19 octobre 2016 chez Carlotta Films

Acteurs : Dustin Hoffman, Faye Dunaway, Chief Dan George, Martin Balsam, Richard Mulligan, Jeff Corey…

Scénario : Calder Willingham

Photographie : Harry Stradling Jr.

Musique : John Paul Hammond

Durée : 2h20

Date de sortie initiale : 1970

LE FILM

Âgé de 121 ans, Jack Crabb, seul survivant du massacre de Little Big Horn, raconte son histoire à un journaliste. Adopté par une famille de Cheyennes, ce visage pâle est surnommé Little Big Man à cause de son immense courage. Un jour, toute sa tribu est massacrée par les Blancs et Jack est alors recueilli par un pasteur et sa femme. Mais le jeune homme est partagé entre ses origines indiennes et son nouveau peuple..

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Le cinéaste Arthur Penn (1922-2010) commence sa carrière en 1958 avec Le Gaucher, d’après un scénario de Gore Vidal, un petit western tourné en N&B, avec le jeune Paul Newman dans le rôle de Billy the Kid. Refusant de se fondre dans le moule hollywoodien, le perfectionnisme et les méthodes peu orthodoxes d’Arthur Penn irritent les studios et même certains comédiens et producteurs avec qui il travaille. Burt Lancaster obtient même son renvoi du tournage du Train, repris en main par John Frankenheimer en 1964. Si la critique américaine ne cesse de le bouder, les cinéphiles français et européens accueillent chaleureusement ses films, La Poursuite impitoyable (1966), Alice’s Restaurant (1969) et surtout Bonnie and Clyde (1967) qui lui offre le succès des deux côtés de l’Atlantique. 1970 est une année pivot aux Etats-Unis. Dans le monde politique, mais également cinématographique. Arthur Penn entreprend alors son film le plus ambitieux, Little Big Man.

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Grosse production entièrement tournée en décors naturels, entre le Canada et les réserves indiennes du Montana, Little Big Man est une fresque grandiose et magnifique. Arthur Penn souhaitait déjà réaliser ce projet depuis quelques années, mais ne parvenait pas à réunir le budget nécessaire en essuyant quelques refus polis des producteurs en raison de la part belle faite aux Indiens dans le scénario. Le triomphe de Bonnie and Clyde lui sera bénéfique. Révélé en 1967 dans Le Lauréat de Mike Nichols, Dustin Hoffman enchaîne avec Macadam Cowboy de John Schlesinger, nouveau triomphe qui place alors le comédien parmi les plus convoités. Après John et Mary de Peter Yates, Dustin Hoffman est choisi par Arthur Penn pour tenir le rôle principal dans Little Big Man. Un pari risqué pour l’acteur puisqu’il doit incarner un personnage de l’âge de 17 à…121 ans, Dustin Hoffman étant alors dissimulé sous d’incroyables prothèses très réalistes.

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Plus de dix ans après Le Gaucher, Arthur Penn revient au western. Toutefois, le scénario écrit par Calder Willingham (Les Sentiers de la gloire, La Vengeance aux deux visages) d’après le roman de Thomas Berger publié en 1964 et sorti en France l’année suivante sous le titre Mémoires d’un Visage pâle, entreprend de revisiter l’Ouest américain, en se focalisant notamment sur le point de vue des Indiens. Pour Arthur Penn il s’agit plutôt d’un film de guerre. Little Big Man est le récit d’un homme dont le destin s’est retrouvé mêlé à celui d’une figure historique, en l’occurrence celle du major-général Custer lors de la célèbre bataille de Little Bighorn aka Custer’s Last Stand, qui opposa les hommes du 7e régiment de cavalerie de l’armée américaine à une coalition de Sioux et de Cheyennes rassemblés par Sitting Bull puis menés par Crazy Horse les 25 et 26 juin 1876. Recueilli avec sa sœur (qui préférera s’enfuir le soir même) par les Cheyennes à l’âge de dix ans, alors que leur village venait d’être massacré par les Pawnee, Jack est ensuite élevé comme un des leurs. Il apprend leur langue, leurs méthodes de combat et leurs coutumes. Malgré sa petite taille, il fait preuve de courage et de bonté auprès des « siens », ce qui lui vaut d’être appelé Little Big Man. Lors d’une attaque des Tuniques Bleues, qui s’en prennent également aux femmes et aux enfants, Jack parvient à se faire voir comme un « Blanc » et se trouve à nouveau recueilli par une nouvelle famille.

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Little Big Man est aussi le destin d’un petit homme lié à la Grande Histoire. Tour à tour guerrier indien, pupille d’un révérend, complice d’un charlatan, roi du pistolet, commerçant, ivrogne, muletier, ermite, Jack Crabb est placé plusieurs fois sur le chemin de Custer, responsable de l’extermination de ses frères Indiens. S’il tente d’assassiner le militaire américain, sans succès, l’Histoire placera une dernière fois Jack devant Custer avant que ce dernier ne lance son assaut sur Little Big Horn. Jack, entre deux cultures diamétralement opposées, passera sa vie à chercher sa place dans un monde complètement fou, où la guerre et la violence refont surface chaque fois qu’il semblait enfin apaisé.

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Fantastique épopée photographiée par le chef opérateur Harry Stradling Jr. (Le Fantôme de Cat Dancing, Le Merdier), Little Big Man convoque la Grande Histoire, évoque le massacre des Indiens à travers de stupéfiantes séquences d’exterminations tournées de manière frontale. Nous sommes à la fin des années 1960 et cette évocation rappelle évidemment la guerre du Vietnam alors au centre des actualités. Outre l’immense interprétation de Dustin Hoffman, n’oublions pas celle du Chef Dan George, né Te-Wah-No, authentique chef Indien issu de la Colombie-Britannique à Vancouver. Devenu comédien, il est le seul à avoir été nommé aux Oscars pour Little Big Man. L’une de ses plus célèbres apparitions demeure également celle aux côtés de Clint Eastwood dans le formidable Josey Wales hors-la-loi (1976). La participation de Faye Dunaway, trois ans après Bonnie and Clyde, est également truculente et marquante, tout comme celle de Martin Balsam dans la peau du charlatan Merriweather et Richard Mulligan qui campe un Général Custer frappadingue, reflet d’une Amérique qui a trouvé le parfait pantin pour laisser libre cours à ses instincts les plus bas. Malgré ses scènes violentes, Little Big Man est un film qui regorge d’humour et même de séquences burlesques, à l’instar de la partie « Pistolero » où Jack affublé d’un costume ridicule essaye de prendre la posture d’une terreur de l’Ouest alors qu’il ne sait tirer que sur des bouteilles.

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Enfin, Little Big Man est un récit initiatique durant lequel le personnage, alors innocent, sera témoin d’un des plus grands génocides de l’Histoire. A travers ce portrait, Arthur Penn livre une œuvre allégorique et résolument contestataire doublée d’un profond message humaniste. Un chef d’oeuvre.

LE BLU-RAY

L’édition chroniquée est celle du Blu-ray Single. Little Big Man est également disponible en édition limitée et numérotée à 3000 exemplaires. Ce quatrième coffret Ultra-Collector comprend le Blu-ray, l’édition Double DVD ainsi qu’un livre de 160 pages. Ce titre rejoint ainsi Body Double, L’Année du Dragon et Panique à Needle Park, sortis également en coffret Ultra-Collector depuis décembre 2015. Le Blu-ray de Little Big Man, édité chez Carlotta Films, repose dans un boîtier classique de couleur noire, glissé dans un surétui cartonné du plus bel effet. Le visuel de la jaquette – celui de l’affiche de la ressortie 2016 – est on ne peut plus élégant et attractif. Le menu principal est fixe et musical.

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En plus de la bande-annonce originale et celle de la ressortie 2016, nous ne trouvons sur cette édition qu’une préface de l’historien du cinéma et critique à Positif, Philippe Rouyer (7′). Cette présentation est intéressante, bien que courte, et permet de situer Little Big Man dans la carrière d’Arthur Penn. Le parcours du cinéaste est brièvement évoqué, tout comme la genèse et les thèmes du film, ainsi que la place du réalisateur à Hollywood.

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L’édition Ultra-Collector comprend également un deuxième disque intégralement consacré aux autres suppléments :

Une épopée picaresque (25′) : Philippe Rouyer revient sur les aventures de Jack Crabb, héros tragi-comique témoin du génocide indien.

Arthur Penn sur le tournage de Little Big Man (26′) : Dans ce documentaire du photographe américain Elliott Erwitt réalisé au coeur du tournage de Little Big Man, le cinéaste Arthur Penn se confie sur sa méthode de travail et celle de son acteur Dustin Hoffman, et revient sur les choix artistiques opérés pour ce film.

Les Multiples facettes de Dustin Hoffman (14′) : Dans Little Big Man, Dustin Hoffman réalise l’exploit de jouer un personnage âgé de 17 à 121 ans. Dans ce documentaire signé Elliott Erwitt, le comédien américain évoque son travail sur le tournage du film d’Arthur Penn et livre quelques-uns de ses secrets d’acteur.

Le livre de 160 pages, intitulé Penser la spontanéité, contient 60 photos inédites provenant du tournage, explore la réalisation de Little Big Man et surtout le travail d’Arthur Penn au sein de l’industrie hollywoodienne. Au fil d’un entretien fleuve avec Robin Wood et d’analyses cinématographique et historique, se dessinent une méthode de travail et une pensée uniques qui font de Little Big Man un des films les plus contestataires et démythificateurs produits par Hollywood.

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L’Image et le son

Quelle restauration ! Ce master HD (1080p, AVC) permet aux spectateurs de redécouvrir Little Big Man dans de superbes et inédites conditions techniques, avec un grain original heureusement conservé et bien géré. Les volontés artistiques du mythique chef opérateur Harry Stradling Jr. Sont respectées et nous avons l’impression de redécouvrir complètement le chef d’oeuvre d’Arthur Penn. Après un prologue et un générique au grain plus appuyé et aux légers fourmillements, tout s’arrange. La copie est souvent sidérante de beauté et de stabilité, le nouvel éclat des couleurs est saisissant – à l’instar du ciel bleu – la luminescence du ciel est aveuglante. Les noirs sont concis, le piqué vif et acéré, la propreté impressionnante même si quelques poussières et points blancs subsistent, les détails sur le cadre large sont légion et les contrastes pointus, y compris sur les séquences en intérieur. Les gammes chatoyantes sont harmonieuses, la profondeur de champ est abyssale sur les plaines ou paysages enneigés, et le relief omniprésent.

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La version originale a bénéficié d’un lifting de premier ordre avec une promotion en DTS-HD Master Audio 5.1. Les latérales restent pratiquement au point mort tout du long et se contentent principalement de spatialiser la musique du film et les ambiances lors des fusillades. Ce mixage est donc essentiellement frontal et se révèle d’une propreté hallucinante. Chaque trot de cheval, le vent qui souffle dans la plaine, les coups de feu sont distincts. Pour un meilleur confort acoustique, n’hésitez pas à sélectionner directement le mixage anglais 1.0 qui s’avère plus harmonieux et tout aussi riche en terme d’effets. La piste française est uniquement disponible en 1.0., propre, sans aucun souffle ni grincements ou saturations, cette option est aussi de haut niveau. Les sous-titres sont imposés sur la version originale et le changement de langue est verrouillé.

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© 1970 Hiller ProductionS, LTD. and Stockbridge Productions, Inc. Tous droits réservés.

© 2016 CBS Studios INC. CBS et tous les logos apparentés sont des marques de CBS Broadcasting Inc. Tous droits réservés.

 

Hommage à Pierre Etaix (1928-2016)

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“Ce doit être un terrible métier que celui qui consiste à faire rire les honnêtes gens” (Extrait de Pays de cocagne)

Pierre Etaix (23 novembre 1928 – 14 octobre 2016)

En 2010, il y a eu une révélation importante dans ma cinéphilie. L’oeuvre de Pierre Etaix, dont je pleure aujourd’hui la disparition. En dépit d’une renommée internationale et la diffusion d’une pétition signée par quelques grands du cinéma (Bertrand Tavernier, Jerry Lewis, Woody Allen), les droits des films de Pierre Etaix demeuraient bloqués depuis près d’une vingtaine d’années. Après un jugement en faveur du réalisateur, clown et comédien, les films sont alors restaurés sous sa supervision et diffusés au cinéma l’été 2010. En novembre de la même année, Arte Vidéo sort l’intégrale en DVD de cet immense artiste.

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Pierre Etaix était tour à tour clown, dessinateur, gagman, musicien, metteur en scène, décorateur, mime, cinéaste, poète, magicien, affichiste et caricaturiste. Graphiste de formation, il commence quelques numéros dans les cabarets de Paris et fait plus tard une rencontre, qui sera alors décisive dans sa carrière, celle de Jacques Tati. Il devient son assistant sur Mon Oncle (1958) et crée pour lui des gags, des décors et des dessins. Peu le savent, mais c’est à lui que l’on doit la célèbre silhouette de Monsieur Hulot. Les deux hommes seront néanmoins brouillés pendant une vingtaine d’années, après que Jacques Tati ait tenté de lui « voler » un de ses numéros.

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Au début des années 1960, Pierre Etaix souhaite réaliser ses propres films. Il rencontre Jean-Claude Carrière. La passion du slapstick et celle du cinéma de Chaplin, Laurel & Hardy, Buster Keaton et Harold Lloyd les réunissent. En 1961, ils commencent à écrire des bribes d’histoires et aboutissent à un premier scénario qui deviendra Rupture, leur premier court métrage réalisé en duo. Ce court-métrage est alors projeté en première partie de La Guerre des boutons d’Yves Robert.

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Pierre Etaix, c’est cinq longs métrages indispensables, Le Soupirant en 1962, Yoyo en 1964, Tant qu’on a la santé en 1965, Le Grand amour en 1969 (son premier film en couleur), Pays de cocagne en 1969 (un documentaire sur la France et les français après les événements de mai 68) et trois courts-métrages, Rupture en 1961, Heureux anniversaire en 1965 (Oscar du meilleur court-métrage) et En pleine forme en 1965, ce dernier faisait alors partie du premier montage de Tant qu’on a la santé.

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A l’instar des films de Chaplin et de Buster Keaton, j’ai eu immédiatement la sensation que ceux de Pierre Etaix avaient été faits « pour moi », tant je m’y retrouvais dans ce personnage timide, mélancolique, lunaire et maladroit. Ce sens inouï du gag, des quiproquos, des rebondissements et de la rêverie poétique m’a littéralement bouleversé et bien évidemment fait mourir de rire. A la sortie de l’intégrale en DVD chez Arte, connaissant l’adresse de Pierre Etaix, j’avais été tenté d’aller le voir, juste pour le remercier et pour qu’il me signe le coffret. Je n’ai pas osé. Mais après tout, voir et revoir ses films, même après sa disparition, me donnera toujours l’impression de converser avec lui.

Franck Brissard / JamesDomb

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Chronique du DVD / Moontrap (Péril sur la Lune), réalisé par Robert Dyke

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Péril sur la Lune (Moontrap)alisé par Robert Dyke, disponible en DVD le 18 octobre 2016 chez Rimini Editions

Acteurs : Walter Koenig, Bruce Campbell, Leigh Lombardi, Robert Kurcz, John J. Saunders, Reavis Graham

Scénario : Tex Ragsdale

Photographie : Peter Klein

Musique : Joseph LoDuca

Durée : 1h21 (version courte), 1h25 (version longue)

Date de sortie initiale : 1989

LE FILM

Lors d’une mission de routine, deux astronautes américains découvrent un étrange cocon dans l’épave d’un vaisseau spatial d’origine inconnue, ainsi que le corps d’un humanoïde qui serait mort depuis… 14 000 ans. Ils ramènent leur découverte sur Terre et sont renvoyés sur la lune, où la NASA espère découvrir l’explication de ces mystères.

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Moontrap (1989) est un nanar de l’espace ! Production Shapiro / Glickhenhaus complètement fauchée, aux maquettes jamais crédibles, aux décors hilarants, au montage catastrophique, nous sommes ici en plein divertissement bas de gamme, mais qui parvient tout de même à distraire ! L’affiche est pourtant prometteuse. Réunir Walter Koenig (Chekov de la série et des films Star Trek) et Bruce Campbell (Evil Dead, Mort sur le Grill, Maniac Cop) dans un film de science-fiction avec en fond une invasion de la Terre par des aliens, excusez du peu ! Mais il faut bien se rendre à l’évidence, Moontrap, également en France sous le titre Péril sur la Lune, est en fait un « narvet », à mi-chemin entre le nanar et le navet, mais comprenant plus de sang nanar. Cela fait donc peser Moontrap du bon côté de la balance puisqu’on ne s’ennuie pas devant cette suite de scènes mal reliées, surjouées avec un Walter Koenig qui disparaît sous le fond de teint et Bruce Campbell qui reste les yeux écarquillés à chaque apparition.

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Toutes les supposées punchlines tombent systématiquement à plat, tout comme les scènes d’action où les personnages affrontent des créatures venues d’ailleurs constituées d’un ballon de rugby, de morceaux de robots et de « pièces détachées » humaines. Ce qui nous vaut quelques fusillades sans consistance et forcément très amusantes. Outre l’interprétation neurasthénique, nous retiendrons également la superbe poitrine de la comédienne Leigh Lombardi, dévoilée dans une scène aussi gratuite qu’improbable dans un igloo-airbag. Si l’on pousse le bouchon, on peut y voir le film qui aura inspiré d’autres nanars comme Transformers 3 – La Face cachée de la Lune de Michael Bay et même Independence Day de Roland Emmerich. Certaines séquences se répondent, notamment celle de la présence de robots le 20 juillet 1969 pour le premier, et le gigantesque vaisseau-mère qui s’apprête à envahir la Terre pour le second.

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Moontrap est une œuvre qui s’amuse à faire l’aller-retour entre la série B et la série Z, qui essaye de faire fi de son manque de moyens en gardant la tête haute, ou plutôt celle des poupées en scaphandre sur la maquette du module lunaire. Il y a donc un côté attendrissant et désuet (on pense même à Planète interdite et à ses ersatz des années 1950) devant ce système D. Pour son premier long métrage en tant que réalisateur, Robert Dyke, responsable des miniatures sur Evil Dead 2 et des effets spéciaux de Bigfoot et les Henderson, fait visiblement le maximum avec ce qu’on a pu lui obtenir, autrement dit 3 millions de dollars. Moontrap n’a aucune autre prétention que divertir les spectateurs et il y parvient sans ennuyer. Mission accomplie ? Affirmatif !

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LE DVD

Jusqu’alors inédit en France, Moontrap est enfin disponible en DVD dans nos contrées. Dommage pour l’édition HD, disponible en import américain et allemand. Remercions tout de même Rimini Editions pour cette sortie française ! Le DVD repose dans un boîtier Amaray classique de couleur noire. Le menu principal est légèrement animé sur la musique du film. La jaquette est très réussie et attractive.

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Malheureusement, les suppléments semblent avoir été aspirés dans un trou noir. En revanche, l’éditeur propose la version longue du film (85’), plus longue de 4 minutes par rapport au montage connu des cinéphiles.

moontrap-11moontrap-10Des produits dérivés ? Non, des plans tirés du film

L’Image et le son

Aïe aïe aïe ! Bon alors, commençons par ce qui est positif. La copie est propre, même si divers points blancs font une apparition ici et là, mais le nettoyage est convaincant. Bon, ça c’était pour ce qui allait. Quant au reste…on ne sait pas d’où provient ce nouveau master (Haute-Définition annonce la jaquette), mais force est de constater qu’il paraît bien plus âgé que les 27 bougies du film ! L’image paraît sans cesse floue, la colorimétrie, certes singulière, bave et ne trouve jamais un équilibre convenable, les visages restent cireux et la définition demeure fort médiocre. Mais bon, il s’agit d’un nanar et cela rajoute un peu de piment à l’ensemble. Découvrir ce petit film dans ces conditions n’est finalement pas désagréable.

moontrap-8moontrap-7Walter Koenig appelle son agent

Seule la version courte du film est disponible en version française. Le doublage est parfois improbable et donc souvent tordant. Les voix sont parfois étriquées, grinçantes, de temps en temps à la limite de la saturation. La piste anglaise, présente sur les deux versions, s’avère plus « harmonieuse », même si l’ensemble manque d’homogénéité entre les dialogues, les effets et la musique. Les deux versions manquent de punch et il ne faut donc pas hésiter à monter le volume. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la piste anglaise.

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Crédits images : © Rimini Editions / Captures : Franck Brissard

Chronique du Blu-ray / Exte : Hair Extensions, réalisé par Sono Sion

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EXTE : HAIR EXTENSIONS (Ekusute – エクステ) réalisé par Sono Sion, disponible en Édition Limitée Blu-ray + DVD le 12 octobre 2016 chez HK Vidéo

Acteurs : Chiaki Kuriyama, Ren Osugi, Megumi Satô, Tsugumi, Eri Machimoto, Miku Satô, Yûna Natsuo

Scénario : Sono Sion, Masaki Adachi, Makoto Sanada

Photographie : Hiro’o Yanagida

Musique : Tomoki Hasegawa, Sono Sion

Durée : 1h48

Date de sortie initiale : 2007

LE FILM

Lors d’une inspection de containers sur le port, des agents des douanes découvrent le cadavre d’une jeune femme dont la chevelure continue de croître. Cet étrange phénomène n’échappe pas au gardien de la morgue qui entreprend de fabriquer des extensions pour les revendre aux salons de coiffure. Mais tous ignorent que ces extensions, douées d’une vie propre, sont muées par des pulsions meurtrières. Accompagnée de sa nièce, une apprentie coiffeuse va tenter de démêler le mystère avant que d’autres décès ne surviennent…

Parfois, la vie ne tient qu’à un cheveu…parfois non (tagline de l’affiche originale)

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Imaginez le Blob, cette créature gélatineuse qui serait remplacée par…des extensions de cheveux ! Et ces rajouts capillaires, symboles de l’obsession de la beauté, de l’apparence et de la mode chez les jeunes filles, ne cesseraient de s’étendre, jusqu’à engloutir les êtres humains qui voudraient les couper ! Bienvenus dans le monde du réalisateur déjanté et prolifique Sono Sion ! Réalisé en 2007, Exte – Hair Extensions est un film « d’horreur » à voir au 36e degré, jamais effrayant en raison de d’effets spéciaux au rabais du type Asylum, mais rigolos. Un film foutraque et pourtant maîtrisé, souvent complètement barré, parfois émouvant, un véritable univers, toujours original, dans lequel on plonge volontiers.

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Le metteur en scène de Suicide Club (2002), Love Exposure (2008) et Guilty of Romance (2011) confie le rôle principal à la délicieuse Chiaki Kuriyama (Kill Bill : volume 1, Battle Royale), poupée de porcelaine plongée dans une histoire rocambolesque, dans laquelle une apprentie coiffeuse de 20 ans devra affronter des extensions de cheveux « vivantes » provenant du corps d’une jeune femme décédée, dont la chevelure n’a de cesse de s’étendre. Malgré des baisses de rythme et une absence de rebondissements, on ne s’ennuie jamais. Sono Sion n’a pas son pareil pour dresser le portrait de personnages déglingués, à l’instar de celui du croquemitaine (Ren Osugi), fétichiste des cheveux, habillé en salopette ornée d’un smiley et d’un gros coeur, complètement cinglé et donc souvent hilarant.

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Exte – Hair Extensions prend souvent des allures de manga filmé avec des extérieurs ouatés aux couleurs pastel, une violence graphique (jamais gore) qui n’a pas la prétention d’être « réaliste », ainsi qu’un affrontement final what the fuck entre le gore et l’humour potache. Malgré ces débordements fantastiques, certaines maladresses et facilités, les personnages ne sont jamais oubliés et l’on s’attache très vite à Yûko et sa nièce Mami, petite fille battue par une mère indigne et immature, arrachée bien trop vite à l’enfance et à l’innocence par la monstruosité de l’homme. A l’instar des extensions capillaires, le drame social se greffe sur l’histoire fantastique et cela prend parfaitement !

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Le cinéma nippon peut dire merci à Sono Sion, véritable auteur atypique, qui en 2016 compte près d’une cinquantaine de réalisations, entre courts et longs métrages, documentaires et séries TV. Si les idées foisonnantes ne sont pas toujours exploitées à fond, Exte – Hair Extensions est une œuvre rappelant certaines productions des années 80, jubilatoire, bourrée d’imagination, et surtout très généreuse avec les spectateurs. Ça décoiffe !

LE BLU-RAY

Exte – Hair Extensions, est disponible dans une édition limitée Blu-ray+DVD, chez HK Vidéo. Le test de l’édition HD a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est sombre, musical et légèrement animé sur le visuel le plus célèbre tiré du film. L’édition originale contient un livret exclusif de 12 pages.

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L’éditeur propose quelques suppléments pour les aficionados de Sono Sion.

Un module se focalise sur la présentation du film par les acteurs et le réalisateur (9’), au cinéma Sunshine dans le quartier d’Ikebukuro de Tokyo. Devant une salle bondée, les comédiens parlent des personnages, du scénario, du travail avec le réalisateur…

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Cette première du film se prolonge au café Ariapita (5’), situé dans le même quartier, customisé pour l’occasion en Café Exte – Hair Extensions. Des éléments repris du film ornent les murs, notamment des cheveux, et les comédiens se plient au jeu des interviews dans ce décor singulier.

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Adeptes du karaoké, vous serez ravis d’apprendre que la chanson entêtante du personnage de Yamazaki est proposée ici (2’). Les paroles sont disponibles en phonétique pour les spectateurs français.

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Envie d’un décalage culturel ? Alors ne manquez pas la rencontre de la comédienne Chiaki Kuriyama avec des étudiants (12’). L’actrice évoque brièvement son personnage dans Exte – Hair Extensions, l’ambiance sur le plateau, le travail avec ses partenaires, avant de se voir poser des questions du genre « quelles stars connaissez-vous ? », « comment faites-vous pour garder la ligne ? », « quelle musique écoutez-vous ? », vous lisez dans les transports ? », « à quels jeux vidéo jouez-vous ? », « quel shampooing utilisez-vous ? ». Vous l’aurez compris, il s’agit d’un débat absolument palpitant !

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Deux petites scènes coupées (1’) basées sur la relation de Yûko avec sa chef sont également au programme.

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L’interactivité se clôt sur la bande-annonce originale, le film-annonce international et quelques trailers de films disponibles chez HK Vidéo.

L’Image et le son

Le Blu-ray est au format 1080p. Ce master (1.77, 16/9) n’est pas « décevant », mais le film de Sono Sion date déjà de 2007 et l’image ne peut rivaliser avec les standards HD actuels. Le piqué est émoussé en raison de partis pris esthétiques souvent vaporeux et aux sources d’éclairages parfois trop luminescentes. Les couleurs sont froides, les détails peu nombreux, les contrastes légers et l’ensemble bien trop lisse.

Deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 au choix ! Le doublage français est amusant, malgré des voix trop mises en avant. Pour plus de naturel et une meilleure homogénéité entre les dialogues, les effets et la musique, privilégiez évidemment la piste japonaise. Même si celle-ci s’avère moins dynamique sur les frontales, le spectacle acoustique est quand même assuré sur les séquences plus agitées. Le caisson de basses intervient à bon escient.

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Crédits images : © HK Vidéo / Captures des suppléments : Franck Brissard

Chronique du DVD / La Dernière orgie du IIIeme Reich, réalisé par Cesare Canevari

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LA DERNIERE ORGIE DU IIIeme REICH (L’ultima orgia del III Reich) réalisé par Cesare Canevari, disponible en DVD le 4 octobre 2016 chez Artus Films

Acteurs : Adriano Micantoni, Daniela Poggi, Maristella Greco, Fulvio Ricciardi, Antiniska Nemour, Caterina Barbero

Scénario : Cesare Canevari, Antonio Lucarella

Photographie : Claudio Catozzo

Musique : Alberto Baldan Bembo

Durée : 1h32

Date de sortie initiale : 1977

LE FILM

Pendant la guerre, la jolie Lise est envoyée dans un camp de concentration. Le commandant du camp, Conrad Von Starke, succombe à son charme et commence à entretenir une relation de maître à esclave avec elle. Capable d’endurer la souffrance, Lise subit les jeux de domination du SS de plus en plus cruels et sadiques. Quelques années après la fin de la guerre, les deux retournent dans le camp, afin de se remémorer ainsi des souvenirs troubles et malsains.

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Amis du cinéma déviant, bonjour ! La Dernière orgie du IIIème Reich est un des films « emblématiques » du sous-genre du film d’exploitation décrié appelé nazisploitation. Au début des années 1970, le cinéma Bis italien a trouvé un nouveau filon suite aux succès des Damnés de Visconti, de Salò ou les 120 Journées de Sodome de Pasolini, de Portier de nuit de Liliana Cavani et de Madame Kitty de Tinto Brass. Pour le meilleur pour les producteurs, mais surtout pour le pire pour les spectateurs et les critiques. En 1975, Ilsa, la louve des SS de Don Edmonds avec la très « émouvante » Dyanne Thorne dans le rôle principal pose les bases de ce genre éphémère, très vite récupéré par les italiens à qui rien ne fait peur. Toutefois, La Dernière orgie du IIIème ReichL’Ultima orgia del III Reich, également connu en France sous le titre Des filles pour le bourreau ou bien encore Bourreaux SS, fait partie du dessus du panier et s’avère un film tout à fait réussi dans le (sous) genre.

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Réalisé par Cesare Canevari (1927-2012), metteur en scène de Moi, Emmanuelle (1969), Parties déchaînées (1976) et surtout de Matalo, son chef d’oeuvre réalisé en 1970, cet opus n’est pas aussi irresponsable ou en roue libre comme pouvait l’être par exemple Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich). On y retrouve les mêmes éléments indispensables, autrement dit des scènes sulfureuses durant lesquelles des nazis sont montrés en train de torturer leurs victimes, commettre des actes criminels, des viols, dans des décors souvent dépouillés supposés refléter des camps de concentration. Quelques années après la Seconde guerre mondiale, Conrad von Starke (Adriano Micantoni) arpente les ruines d’un camp d’extermination. Il doit y rencontrer Lise Cohen (Daniela Poggi), une ancienne détenue, qui jadis par son témoignage, a permis à Conrad d’échapper à la peine capitale. Ils font l’amour, et des souvenirs reviennent en mémoire à Lise, à l’époque où Conrad, officier SS, traitait Lisa comme son esclave sexuelle.

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Après une citation de Nietzsche en introduction, le film déroule tranquillement son récit. Une caméra embarquée dans une voiture place le spectateur à la place du mort, tandis que certains témoignages en voix-off, visiblement issus du Procès de Nuremberg, présentent les personnages Conrad Von Starker et de Lise. Le premier a été le bourreau de la seconde, prisonnière juive qui a subi toutes les brimades possibles et imaginables, mais la déclaration de Lise a blanchi Von Starker, qui échappe alors à la prison. Il a pu être réintégré dans la société, mais le souvenir de Lise demeure encore vif. Les deux ont visiblement décidé de se revoir, sur les lieux mêmes qui ont vu naître leur étrange relation.

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La Dernière orgie du IIIème Reich se compose de flashbacks et enchaîne les scènes érotiques et surtout d’humiliations. Certaines séquences sont largement déconseillées aux âmes sensibles, notamment une prisonnière suspendue et trempée dans de la chaux vive, ou bien encore celle – absolument repoussante – du banquet, à base d’aliments issus des corps des prisonniers exterminés, ici un fœtus. Même chose pour la scène de l’orgie qui s’ensuit qui voit les hôtes flamber au cognac une prisonnière en guise de dessert, avant de copuler près du corps calciné.

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La nazisploitation est un sous-genre tellement étrange et glauque, malsain, vicieux et provocateur, mais qui n’a aucune autre prétention que de « divertir » les spectateurs. La Dernière orgie du IIIème Reich ne laisse pas indifférent et n’est sûrement pas un navet, grâce à une solide interprétation, et encore moins un nanar avec une mise en scène tendue et appliquée, une partition soignée d’Alberto Baldan Bembo et une photographie inspirée de Claudio Catozzo.

LE DVD

Le DVD de La Dernière orgie du IIIème Reich, édité chez Artus Films, repose dans un boîtier Amaray classique. La jaquette, estampillée Guerre et barbarie, est très attractive avec un visuel clinquant. Le menu principal est fixe et musical.

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Aucune présentation de La Dernière orgie du IIIème Reich au programme ! Néanmoins, les spectateurs désireux d’en savoir plus sur le genre de la nazisploitation, pourront se reporter sur celle de Christophe Bier présente sur le DVD de Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich).

En revanche, Artus Films propose une fin alternative (5’) durant laquelle – ATTENTION SPOILERS – Lise se relève après avoir assassiné Von Starker. Elle laisse le corps aux bons soins de l’homme aux tics aperçu au début du film, et sort en regardant la cheminée du camp qui crache une fumée noire.

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Cette section se clôt sur un diaporama de photos et d’affiches d’époque et de plusieurs bandes-annonces.

L’Image et le son

Le master 1.77 d’origine (16/9 compatible 4/3) est correct. Du moins le confort de visionnage est suffisant malgré des points blancs, de nombreux fourmillements, des griffures et autres rayures verticales. Les couleurs sont fanées, certains plans flous, mais étrangement, l’état de la copie accentue le malaise distillé par le film.

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La version française est sourde, ou au contraire parfois trop aigüe au point d’irriter les tympans. La piste italienne s’en sort bien mieux avec une plus grande clarté des voix et des effets annexes. Certains passages au doublage perdu passent directement en version originale sous-titrée en français.

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Crédits images : © Artus Films / Captures : Franck Brissard

Chronique du Blu-ray / Le Flic ricanant, réalisé par Stuart Rosenberg

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LE FLIC RICANANT (The Laughing Policeman) réalisé par Stuart Rosenberg, disponible en Blu-ray et DVD le 21 septembre 2016 chez Rimini Editions

Acteurs : Walter Matthau, Bruce Dern, Louis Gossett Jr., Albert Paulsen, Joanna Cassidy, Anthony Zerbe…

Scénario : Thomas Rickman, d’après le roman de Maj Sjöwall et Per Wahlöö

Photographie : David M. Walsh

Musique : Charles Fox

Durée : 1h50

Date de sortie initiale : 1973

LE FILM

San Francisco, années 1970. Un inconnu pénètre dans un bus nocturne et en mitraille les passagers. Bilan : huit morts, dont un inspecteur de police. Son ami et partenaire, le cynique Jake Martin, mène l’enquête selon des méthodes très personnelles, secondé par une jeune recrue, l’arrogant Leo Larsen. L’oeuvre d’un fou, d’un serial killer ? Plutôt que de suivre la piste officielle, Martin obéit à son instinct, convaincu que le carnage trouve son origine dans une vieille affaire…

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Un polar des années 1970 dont l’intrigue se déroule à San Francisco, avec Walter Matthau et Bruce Dern dans les rôles principaux ? En disant cela, le cinéphile est directement conquis et Le Flic ricanant tient toutes ses promesses. Le réalisateur Stuart Rosenberg (1927-2007), célèbre pour Luke la main froide avec Paul Newman et Folies d’avril avec Catherine Deneuve et Jack Lemmon, adapte le roman Le Policier qui rit, écrit par le couple suédois Maj Sjöwall et Per Wahlöö. L’histoire est évidemment délocalisée aux Etats-Unis et le nom du protagoniste, Martin Beck, personnage principal de cette série d’enquêtes publiées de 1965 à 1975, n’est repris que partiellement puisqu’il se nomme ici Jake Martin.

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Le film démarre très fort avec une tension installée dès les premiers plans. 23h05, dans une gare routière, un homme semble être suivi par un autre. L’agitation du jour s’est dispersée, le lieu est quasi-désert. Un bus arrive. L’homme suivi, stressé, y monte. C’est au tour de l’autre de s’y engouffrer in extremis avant que le bus démarre. A l’intérieur une dizaine de personnes. Quelques arrêts plus loin, le bus stoppe et prend un passager vêtu d’un imperméable, mais dont nous ne verrons pas le visage. Il s’installe à l’arrière. Ses mains gantées s’affairent et montent un fusil-mitrailleur. Alors que le bus poursuit sa route, l’homme se lève et tire sur tous les passagers et le chauffeur. Le bus termine sa course accidentellement, le criminel prend la fuite. Peu de temps après, la police arrive sur les lieux, suivie de l’équipe scientifique. Il semble y avoir un survivant, mais son état reste critique. Le flic Jake Martin (Walter Matthau), la cinquantaine, 1m90, bougon, visage buriné, la mâchoire occupée par un chewing-gum. Il observe le travail de ses collègues et se rend compte qu’une des victimes, en l’occurrence l’homme qui suivait l’autre, est son collègue qu’il croyait en congé maladie. Cela devient une affaire personnelle. On lui adjoint les services de l’inspecteur Leo Larsen (Bruce Dern), chien fou et impulsif. Martin est persuadé que cet acte terroriste possède un lien avec une affaire qui lui a échappé deux ans auparavant. Malgré les réticences de Larsen, Martin préfère se fier à son instinct. L’enquête est ouverte, mais Martin décide de la mener à sa façon, loin des règles habituelles prônées par Larsen.

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Après cette ouverture dantesque et très violente, suivie d’une séquence quasi-documentaire montrant l’équipe scientifique au travail au milieu des cadavres, Le Flic ricanant adopte un rythme hérité du film noir. Les décors urbains tiennent une place importante dans l’intrigue, le réalisateur mène le spectateur dans certaines communautés et dans des coins alors peu montrés de San Francisco au cinéma. Alors que l’enquête avance, à petits pas, le quotidien des flics n’est pas oublié et l’on suit Martin dans sa famille. Ses enfants le voient à peine, tout comme sa femme qui se demande chaque soir s’il va pouvoir passer la nuit chez eux. « C’est un sale boulot » comme il le dit, mais c’est le sien et ce job est toute sa vie. Larsen, plus jeune, aime son travail à la criminelle, pas seulement à cause de la paye, mais parce qu’il le trouve passionnant. Deux écoles s’affrontent, deux générations s’observent, même s’il y a fort à parier que Larsen deviendra un Martin avec les années. Le déroulement de l’enquête est souvent captivant, bien que certains spectateurs risquent de perdre le fil tant les éléments peuvent paefois se disperser. Même si la mise en scène de Stuart Rosenberg n’égale pas celle de Don Siegel, Sidney Lumet et William Friedkin, Le Flic ricanant demeure un formidable polar, digne des meilleurs fleurons du genre dans cette extraordinaire décennie de cinéma.

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LE BLU-RAY

Jusqu’alors inédit en France, Le Flic ricanant est enfin disponible en DVD et en Blu-ray dans nos contrées. C’est à l’éditeur Rimini Editions que l’on doit cette sortie attendue par les amateurs de polars des années 1970. Le Blu-ray repose dans un boîtier classique de couleur noire. Le menu principal est animé sur la musique du film.

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Afin d’en savoir un peu plus sur Le Flic ricanant, l’éditeur nous livre un formidable entretien avec François Guérif, critique de cinéma, éditeur et directeur de la collection Rivages/Noir (22’). Avec sa passion toujours contagieuse pour le polar et le film policier, Guérif profite de la sortie du Flic ricanant en Blu-ray et DVD, pour nous présenter les livres engagés du couple scandinave Maj Sjöwall et Per Wahlöö, et plus particulièrement la saga des enquêtes de l’inspecteur Martin Beck, dix romans publiés entre 1965 et 1975. Les thèmes et les personnages de cette saga de livres sont alors passés en revue (le crime de la société capitaliste et ultralibérale contre les travailleurs, l’envers du décor du « modèle suédois ») par cet expert. François Guérif revient sur la radiographie du pays réalisée au fil des livres, dresse le portrait des deux écrivains, indique ce qui fait la préciosité de leur collaboration et la rareté de voir adapter un roman suédois à Hollywood. En revanche, François Guérif n’aborde jamais la transposition à l’écran et évoque à peine le film de Stuart Rosenberg. Les premières traductions françaises des Martin Beck sont parues aux éditions Planète, puis chez 10/18 dans la collection Grands Détectives. Les traductions révisées et intégrales sont maintenant publiées dans la collection Rivages/Noir.

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En plus de la bande-annonce du Flic ricanant (non sous-titrée), un petit module centré sur la restauration (2’) oppose les images avant/après le nettoyage numérique. C’est malheureusement ici que la disparition du grain original se fait le plus remarquer.

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L’Image et le son

Le Blu-ray du Flic ricanant est au format 1080i. Comme l’atteste un module dans les suppléments, une restauration a eu lieu. Mais alors, où est passé le grain original ? Certes, ce master HD présente une propreté quasi-irréprochable (rares sont les rayures et les points blancs), mais était-il nécessaire de gommer ce qui fait l’essence des photographies de cette époque bénie du cinéma ? Les décors dépouillés sont omniprésents et les personnages se détachent sans mal devant des fonds unis, souvent froids, les gros plans étant bien restitués avec de beaux détails, en particulier sur la tronche burinée de Walter Matthau, malgré des visages un peu roses à notre goût. Les noirs paraissent tantôt concis tantôt poreux et dénaturent quelque peu le piqué. Signalons également quelques fourmillements, mais dans l’ensemble la définition s’avère correcte.

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Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio 2.0 sont propres et distillent parfaitement la musique du film. La piste anglaise manque peut-être un peu d’ardeur, mais se révèle nettement suffisante. Au jeu des différences, la version française (au doublage excellent) se focalise trop sur les dialogues au détriment de certaines ambiances et effets annexes, mais le rendu musical est élevé. Aucun souffle constaté sur les deux pistes.

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Crédits images : © Rimini Editions / Captures Bonus : Franck Brissard

 

Chronique du DVD / Fais ta prière,Tom Dooley, réalisé par Ted Post

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FAIS TA PRIERE, TOM DOOLEY (Fais ta prière… Tom Dooley) réalisé par Ted Post, disponible en DVD le 21 septembre 2016 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Michael Landon, Jo Morrow, Jack Hogan, Richard Rust, Dee Pollock, Ken Lynch…

Scénario : Stanley Shpetner

Photographie : Gilbert Warrenton

Musique : Ronald Stein

Durée : 1h16

Date de sortie initiale : 1959

LE FILM

1865. Tom Dooley, un soldat sudiste, et deux amis attaquent une diligence nordiste et tuent les passagers. Par la suite, ils apprennent que la guerre de Sécession est finie et qu’ils sont des assassins. Tous trois doivent fuir la région pour éviter la prison. Dans sa fuite, Tom persuade sa fiancée Laura de le suivre…

THE LEGEND OF TOM DOOLEY, Michael Landon, 1959

C’est un petit western dont on n’attendait rien en vue du titre français, de son apparente modestie et de son casting. Et pourtant la surprise est de taille ! Fais ta prière, Tom DooleyThe Legend of Tom Dooley est d’abord réalisé par le solide Ted Post (1918-2013) qui a surtout fait ses classes à la télévision avec des séries comme Perry Mason, Rawhide, L’Homme à la carabine et signe son premier long métrage The Peacemaker en 1956. Ses films les plus connus demeurent ses deux collaborations avec Clint Eastwood, Pendez-les haut et court (1968) et Magnum Force (1973), le deuxième opus de la franchise Harry Callahan sur un scénario de John Milius et Michael Cimino. Fais ta prière, Tom Dooley (1959) est seulement son second long métrage. Tourné en Californie dans des décors épurés, pour ne pas dire approximatifs, habituellement utilisés pour la télévision et vraisemblablement dans les plaines situées autour des studios de la Columbia, ce western repose sur une histoire en béton écrite par Stanley Shpetner, également producteur.

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Durant la Guerre de Sécession, trois soldats Confédérés, Tom Dooley, Country Boy et Abel, sont envoyés derrière les lignes ennemies pour attaquer un convoi d’armes. L’affaire tourne en leur faveur malgré la mort des opposants nordistes et Abel est sérieusement blessé. Dans la diligence, ils découvrent un soldat Sudiste, victime de leurs balles. Avant de mourir, il leur annonce que la guerre est terminée. Pris de court, Tom, Country Boy et Abel deviennent malgré eux des meurtriers très vite recherchés. Si le point de départ rappelle celui du Relais de l’or maudit, réalisé par Roy Huggins en 1952, Fais ta prière, Tom Dooley suit un autre chemin. En dépit d’un budget restreint et d’un tournage qu’on imagine rapide, le film s’avère passionnant en se focalisant sur ce trio d’amis qui n’ont nulle part où aller et qui ne peuvent même plus rentrer chez eux. Tom Dooley est interprété par le tout jeune Michael Landon, 23 ans, avant Bonanza et surtout bien avant le triomphe mondial de La Petite maison dans la prairie et sa consécration dans le rôle de Charles Ingalls. S’il est un peu lisse, le comédien porte convenablement le film sur ses épaules et campe un Tom Dooley très attachant. Mais son partenaire Richard Rust (Country Boy) s’en sort encore mieux et impose sans mal un charisme froid et animal.

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Tom Dooley ne souhaite qu’une chose, essayer de prendre la fuite avec Laura (Jo Morrow), celle qu’il a laissée avant de partir à la guerre et à laquelle il a promis de revenir pour l’épouser. Tom et Laura se retrouvent et le film prend alors la tournure d’un film noir avec le couple en fuite qui tente d’échapper aux pièges tendus sur leur passage. Jusqu’où les personnages pourront-ils aller alors qu’ils sont traqués par les civils, les militaires et même par un homme jaloux qui convoitait Laura ? Dans un magnifique N&B signé Gilbert Warrenton, l’ambiance s’assombrit et l’issue semble fatale comme l’indique d’ailleurs d’emblée la récurrente ballade populaire de Caroline du Nord entonnée par le Kingston Trio (et par Les Compagnons de la Chanson en version française), inspirée d’un fait divers, qui donne son titre au film :

Hang down your head Tom Dooley,
hang down your head and cry,
Hang down your head, Tom Dooley
Poor boy, you’re bound to die.

Fais ta prière, Tom Dooley est un petit film plein de qualités, soigné, passionnant, une véritable tragédie sur fond de western (la violence est sèche et les affrontements brutaux), comme une fable noire et cynique. A connaître absolument.

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LE DVD

Le test du DVD de Fais ta prière, Tom Dooley, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

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Les éminents Bertrand Tavernier (20’) et Patrick Brion (14’) ont répondu à l’appel de Sidonis pour présenter ce petit western qu’ils affectionnent, plus particulièrement le second. Le premier partage ses souvenirs émus de sa découverte (en version française) du film de Ted Post à sa sortie dans un cinéma parisien situé sur les Grands Boulevards. Un film qui selon lui était et demeure une très agréable surprise qui possède de nombreuses qualités. Bertrand Tavernier passe en revue les conditions de tournage, les décors, le casting qu’il juge composé de jeunes acteurs pas vraiment charismatiques parmi lesquels se distingue tout de même Richard Rust (Country Boy dans le film). Notre interlocuteur loue également la qualité du scénario et l’originalité de l’histoire même si le point de départ rappelle celui de Le Relais de l’or maudit, réalisé par Roy Huggins en 1952. La carrière du cinéaste Ted Post est ensuite rapidement évoquée et Bertrand Tavernier indique à cette occasion que Magnum Force, le second épisode des aventures de l’inspecteur Harry, est pour lui considéré à tort comme un bon film et critique le scénario qu’il juge très faible. En revanche, Bertrand Tavernier encense Go Tell the Spartans, connu en France sous le titre Le Merdier. Il clôt ce passionnant entretien en parlant de la bande originale qui donne son titre au film et qui se fait entendre du début à la fin.

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De son côté, Patrick Brion fait un check-up du western en 1959, une grande année. A l’instar de Bertrand Tavernier, Fais ta prière, Tom Dooley est un western que Patrick Brion adore et se réjouit de pouvoir le présenter aux spectateurs. Le fond est un peu plus fouillé que chez son confrère, tout comme les collaborations de Ted Post avec Clint Eastwood. Malgré quelques inévitables redites, les propos se complètent, mais la passion et l’engouement de Brion pour ce western sont vraiment contagieux.

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En plus de l’incontournable galerie de photos, nous trouvons également 5 chansons sur le thème de Tom Dooley, y compris celle entonnée par Les Compagnons de la Chanson pour les besoins de la version française du film de Ted Post ! Même Neil Young est présent dans cette section !

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L’Image et le son

Le format original 1.37 n’est pas respecté et celui constaté sur le DVD est en 1.45. La compression est solide comme un roc et cette copie en met plein les yeux avec une définition étincelante du N&B. Les contrastes sont denses, les noirs profonds, les blancs lumineux et le grain original préservé. En dehors d’une ou deux séquences peut-être moins définies, l’image est nette et bien nettoyée et les très nombreuses séquences sombres sont tout aussi soignées que les scènes plus claires, le piqué est plaisant, la stabilité de mise, les détails étonnent par leur précision.

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L’éditeur nous propose ici les versions originale et française restaurées en mono 2.0. Les mixages s’avèrent propres, dynamiques, et restituent solidement les voix, fluides, sans souffle. Le confort acoustique est largement assuré dans les deux cas avec de belles ambiances naturelles. Les sous-titres français sont imposés sur cette dernière et le changement impossible à la volée. Un carton indique que la piste française, plus sourde, est incomplète et que les passages non doublés passent directement en version originale sous-titrée en français.

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Crédits images : © Sidonis Calysta / Captures suppléments : Franck Brissard

 

 

Chronique du Blu-ray / Mr. Majestyk, réalisé par Richard Fleischer

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Mr. Majestyk réalisé par Richard Fleischer, disponible en Édition Collector Blu-ray + DVD + Livre le 5 octobre 2016 chez Wild Sild Vidéo.

Acteurs : Charles Bronson, Al Lettieri, Linda Cristal, Lee Purcell, Paul Koslo, Taylor Lacher

Scénario : Elmore Leonard

Photographie : Richard H. Kline

Musique : Charles Bernstein

Durée : 1h45

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

Vétéran du Vietnam, Vince Majestyk n’aspire aujourd’hui qu’à une seule chose : mener une existence paisible en dirigeant son exploitation de pastèques. Sa rencontre avec Bobby Kopas, crapule locale, va provoquer une redoutable réaction en chaîne et placer en travers de sa route Frank Renda, tueur à gages des plus sadiques… L’heure de l’affrontement a sonné. La lutte sera acharnée…

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Fils du pionnier de l’animation Max Fleischer (producteur de Popeye et de Betty Boop), Richard Fleischer (1916-2006) tente d’abord de devenir comédien mais se retrouve rapidement dans la salle de montage pour s’occuper des films d’actualités pour la RKO. Après quelques courts-métrages remarqués en tant que réalisateur, Richard Fleischer se voit confier quelques séries B. C’est le cas d’Assassin sans visage, remarquable film noir d’une heure montre en main tourné en seulement dix jours en 1949. Jalon de l’histoire du film criminel, l’oeuvre de Richard Fleischer repose sur une mise en scène virtuose et stylisée et demeure l’un des premiers films à traiter de manière réaliste de la figure du serial killer.

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Sous contrat avec la RKO, Richard O. Fleischer, signe plus tard Bodyguard, un petit polar à l’intrigue banale et même sans surprise, qu’il parvient à élever grâce à une mise en scène inspirée et dynamique, une direction d’acteurs parfaite (parfait Lawrence Tierney et dernière apparition de l’adorable Priscilla Lane) et même quelques touches d’humour qui font mouche. Bodyguard fait partie des premiers longs-métrages du réalisateur, qui en profite ici pour se faire la main en expérimentant sur le cadre, le rythme et le montage. Série B vive et dynamique, particulièrement intéressante sur le plan visuel et faisant fi d’un budget somme toute restreint, bourrée d’idées (la scène finale dans l’abattoir) et de trouvailles sympathiques (un gros plan sur un oeil), Bodyguard, ce quatrième long-métrage de Richard Fleischer, se voit encore aujourd’hui comme une belle curiosité annonçant par bribes, les plus grands films du cinéaste.

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Tous ces « petits longs métrages » vont permettre à Richard Fleischer de révéler son savoir-faire. Sa spécialité ? Les polars secs et nerveux à l’instar du Pigeon d’argile grâce auquel le cinéaste transcende une fois de plus un postulat de départ classique pour s’amuser avec les outils techniques mis à sa disposition. Dès 1952 avec L’Enigme du Chicago Express, le réalisateur est reconnu dans le monde entier comme étant un nouveau maître du cinéma. Cette ascension fulgurante lui ouvrira les portes des principaux studios Hollywoodiens où il démontrera son immense talent et son goût pour un éclectisme peu commun : Vingt Mille lieues sous les mers (1954), La Fille sur la balançoire (1955), Les Inconnus dans la ville (1955), Les Vikings (1958), Le Voyage fantastique (1966), L’Etrangleur de Boston (1968), Soleil vert (1973). Pour beaucoup de cinéphiles, Mr. Majestyk, réalisé en 1973, est un de ses meilleurs films.

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Richard Fleischer, réalisateur prolifique, est assurément l’un des plus grands metteurs en scène et raconteur d’histoires de l’industrie hollywoodienne. Dans Mr. Majestyk, comme il n’a eu de cesse de le prouver tout au long de sa longue carrière (60 films en 45 ans), Le cinéaste s’entoure de formidables comédiens et confie le rôle principal à Charles Bronson. Tout auréolé de son nouveau statut de star après un détour par le cinéma européen qui lui a fait prendre du galon, l’acteur alors âgé de 52 ans est de retour aux Etats-Unis et commence sa véritable carrière en tant que tête d’affiche. Entre le polar et le thriller d’aventures, Mr. Majestyk repose sur un scénario en béton écrit par l’immense écrivain Elmore Leonard (1925-2013), spécialisé dans les romans de western. Il n’est donc pas étonnant de retrouver de nombreux codes du genre dans le film de Richard Fleischer avec les affrontements nerveux et violents et les courses-poursuites dantesques où les voitures remplacent les chevaux sur des chemins impraticables. Les personnages apparaissent comme de vrais cowboys du XXe siècle.

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Vince Majestyk dirige une exploitation de pastèques dans un coin paumé du Colorado. Homme solitaire, il ne pensait pas être ennuyé par Bobby Kopas (Paul Koslo), une petite frappe de la petite bourgade du coin, qui voudrait l’obliger à engager de la main-d’oeuvre « du pays » plutôt que des saisonniers mexicains comme il a l’habitude de le faire, parmi lesquels Nancy Chavez (Linda Cristal), à qui Majestyk est venu en aide lors de son arrivée en ville. Mais c’était sans compter sur Vince Majestyk qui a plus d’un tour dans son sac, ou plutôt qui ne garde pas ses poings – gros comme des gants de baseball – serrés dans ses poches. Cette petite « anicroche » va alors le précipiter en prison, le mettre au contact du tueur Frank Renda (Al Lettieri), arrêté une dizaine de fois mais systématiquement relâché faute de preuves. Cette fois pourrait être la bonne. Mais lors du convoi des prisonniers vers le tribunal, une attaque destinée à libérer Renda a lieu en plein centre-ville. Les victimes tombent des deux côtés et finalement Majestyk s’empare du bus de la police et s’enfuit avec Renda, toujours menotté. Majestyk pense alors livrer Renda aux autorités en échange de sa propre libération, pour ainsi aller récolter ses pastèques qui l’attendent sur son terrain de 65 hectares. Mais son plan ne se déroule pas comme prévu.

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Soutenu par un montage vif de Ralph E. Winters (Ben-Hur, La Panthère rose), une photo élégante du chef opérateur Richard H. Kline (Soleil vert, Le Mystère Andromède, L’Etrangleur de Boston) et l’entêtante musique de Charles Bernstein (Les Griffes de la nuit, Cujo), Richard Fleischer déroule son récit avec une virtuosité unique et un art jamais démenti de la conduite dramaturgique. Charles Bronson, corps de reptile et regard de félin, n’a que « peu à faire » pour s’imposer et semble prendre beaucoup de plaisir à incarner Vince Majestyk, ennuyé dans son quotidien par quelques sbires mal intentionnés. Ces derniers étaient loin d’imaginer que ce propriétaire terrien avait passé trois ans dans l’armée, avait été instructeur de rangers à Fort Benning, capturé puis évadé d’un camp au Viet Nam et avait été décoré de la Silver Star. Autrement dit, ils auraient dû y réfléchir à deux fois avant de lui chercher des noises. Bronson, sourire en coin et la bonne répartie prête à fuser, est parfait dans un rôle à l’origine écrit pour Steve McQueen. Il prend la pétoire et n’allait quasiment plus la lâcher jusqu’à la fin de sa carrière en enchaînant directement avec Un justicier dans la ville, qui sera suivi par de nombreuses suites au cinéma et à la télévision pendant 25 ans. Bronson fait face à Al Lettieri, dont la carrière fut courte en raison de sa mort prématurée, mais son visage et son imposante carrure demeurent dans la mémoire des cinéphiles grâce à ses participations au Parrain de Francis Ford Coppola et Guet-Apens de Sam Peckinpah.

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Divertissement sévèrement burné qui fait parfois penser au Prime Cut Carnage de Michael Ritchie, Mr Majestyk est encore un joyau issu de la filmographie de Richard Fleischer.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Mr. Majestyk, disponible chez Wild Side, a été réalisé sur un check-disc. Cette édition se compose du Blu-ray et du DVD du film, ainsi que d’un livret exclusif de 86 pages sur le film et sa genèse, écrit par Frédéric Albert Lévy (journaliste de cinéma et cofondateur de la revue Starfix), illustré de magnifiques photos et de documents d’archives rares. Le menu principal est animé et musical.

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Pour cette édition, deux interviews sont proposées :

Colorado cool (14′) : Le directeur de la photographie Richard H. Kline, né en 1926, partage ses souvenirs liés au tournage de Mr. Majestyk, y compris sur ses diverses collaborations avec Richard Fleischer sur L’Étrangleur de Boston, Soleil vert et Don Angelo est mort. Les deux hommes travailleront ensemble une dernière fois en 1975 sur Mandingo. Le chef opérateur parle également de Charles Bronson, l’homme et le comédien, tout en partageant quelques anecdotes de tournage. Mais dans l’ensemble et bien que le bonhomme soit très sympathique, nous ne tirons pas grand-chose de cette interview, d’autant plus que Richard H. Kline passe plus ou moins son temps à raconter l’histoire du film.

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Colorado chic (28′) : Dans Mr. Majestyk, la comédienne Lee Purcell interprète Wiley, le contact de Frank Renda. A l’instar de Richard H. Kline, peu de choses sont à retenir de cet entretien. Lee Purcell nous parle de son arrivée sur le film, s’avère aujourd’hui surprise que Mr. Majestyk soit considéré comme une œuvre culte pour beaucoup de cinéphiles. Après, cela devient typique de l’entretien « américain » où tout le monde il est beau, tout le monde il est gentil. On ne doute pas de la sincérité de ces propos, mais il y avait sûrement plus d’éléments à raconter sur le film de Richard Fleischer.

L’Image et le son

Ce nouveau master restauré HD de Mr. Majestyk brille souvent de mille feux et s’impose comme une grande réussite technique à ajouter au palmarès de l’éditeur. En effet, en dépit de quelques petites poussières subsistantes, l’image bénéficie d’un traitement de faveur qui participe à la (re)découverte du film de Richard Fleischer. Le cadre offre une profondeur de champ très plaisante, le piqué est acéré, la stabilité jamais démentie, les contrastes soignés. Si les noirs manquent parfois de stabilité et la définition vacille quelque peu sur les séquences sombres, la colorimétrie retrouve un éclat et une chaleur bienvenus sur les scènes diurnes. Les gros plans sont souvent épatants, les détails abondent et la gestion du grain est épatante. C’est beau, c’est carré, c’est élégant.

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Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio 2.0 Surround sont propres et distillent parfaitement la musique de Charles Bernstein. La piste anglaise (avec les sous-titres français imposés) est la plus équilibrée du lot avec une homogénéité entre les dialogues et les bruitages. Au jeu des différences, la version française (au doublage excellent avec Claude Bertrand et Georges Aminel) s’avère plus chuintante et couverte, avec certaines ambiances et d’autres effets annexes qui peinent à se faire entendre quand on compare avec la piste anglaise. Le changement de langue est impossible à la volée et nécessite le retour au menu contextuel.

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Crédits images : © Wild Side Vidéo

Chronique du DVD / Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich), réalisé par Luigi Batzella

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HOLOCAUSTE NAZI (ARMES SECRETES DU IIIe REICH) réalisé par Luigi Batzella, disponible en DVD le 4 octobre 2016 chez Artus Films

Acteurs : Macha Magall, Gino Turini, Edilio Kim, Xiro Papas, Salvatore Baccaro

Scénario : Luigi Batzella, Lorenzo Artale

Photographie : Ugo Brunelli

Musique : Giuliano Sorgini

Durée : 1h28

Date de sortie initiale : 1965

LE FILM

Les Nazis recherchent les partisans réfugiés dans les montagnes. Pour obtenir des informations, ils séquestrent les femmes des villages alentour, qui sont faites prisonnières dans un camp, dirigé par la SS Ellen Kratsch. Cette dernière mène en parallèle une expérience scientifique, et a créé un monstre hybride mi-homme mi-singe, qu’elle garde en cage. Afin de les faire parler, elle n’hésite pas à lui donner les filles en pâture.

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Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich) fait partie de cette douzaine de films issus du sous-genre du film d’exploitation décrié, appelé nazisploitation. Au début des années 1970, le cinéma Bis italien racle les fonds de tiroir pour lancer un nouveau courant et les succès des Damnés de Visconti, de Salò ou les 120 Journées de Sodome de Pasolini, de Portier de nuit de Liliana Cavani et de Madame Kitty de Tinto Brass vont lancer quelques idées auprès d’« irresponsables ». La nazisploitation est un courant cinématographique sulfureux dans lequel des nazis sont montrés en train de torturer leurs victimes, commettre des actes criminels, des viols, dans des décors souvent dépouillés supposés refléter des camps de concentration. En 1975, Ilsa, la louve des SS de Don Edmonds avec la très « émouvante » Dyanne Thorne dans le rôle principal pose les bases de ce genre éphémère. Si cette production canadienne sera précédée de deux suites, Ilsa, gardienne du harem en 1976 et Ilsa, la tigresse du goulag en 1977, les italiens plongent tête baissée et vont alors produire quelques longs métrages à ne pas mettre devant tous les yeux. Horreurs nazies (Sergio Garrone, 1976), La Dernière orgie du IIIème Reich (Cesare Canevari, 1977) débarquent sur les écrans, ainsi que Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich).

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Egalement connu sous son titre original La Bestia in Calore, mais également sous The Beast in Heat, Horrifying Experiments in the Last Days of the SS ou SS Hell Camp, Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich) est un fleuron du genre qui ne peut laisser indifférent. Même s’il s’agit du côté déviant du déviant, jusqu’au-boutiste, c’est avant tout une expérience de cinéma à part entière. Entre la série B et la série Z, Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich) pousse tous les curseurs du mauvais goût à fond, à croire que le réalisateur Luigi Batzella (1924-2008), ici sous le pseudonyme Ivan Kathansky, a voulu livrer un des films les plus repoussants. Certes le film est réservé à un public averti et quelques séquences sadiques mettent toujours mal à l’aise aujourd’hui, mais l’ensemble est franchement ridicule et vulgaire. C’est surtout le cas de la bête du titre original “interprétée” par Salvatore Baccaro et son visage déformé par la maladie constamment filmé en gros plan. Pour les amateurs du Bis, Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich) est évidemment un film inconfortable, laid, cruel, complètement crétin et inconscient, avec les atrocités nazies montrées de manière frontale. D’un autre côté, il y a aussi un côté “comics” pour adultes avec sa violence graphique hallucinante, qui n’a pas pour prétention de se montrer “réaliste”, d’autant plus par l’expérience centrale du film.

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Les corps apparaissent nus, violentés, fouettés, rongés, meurtris, on y coupe des pénis (hors-champs), on électrocute des vagins (plein cadre), les femmes SS aussi savent être des boute-en-train quoi ! C’est le cas du Dr. Ellen Kratsch, interprétée par Macha Magall, qui rit à gorge déployée devant ses victimes, qui se fout à poil pour mieux les impressionner et qui est surtout contente d’avoir créé une redoutable (rires) bestiole mi-homme mi-primate, constamment assoiffée de sexe. Afin de bien conduire son expérience, la SS Kratsch enferme quelques donzelles fraîchement arrêtées dans la cage de ce surexcité, dont les grimaces éhontées entraînent inévitablement les rires.

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Luigi Batzella (Pour Django les salauds ont un prix, Les Vierges de la pleine lune) explose les frontières du mauvais goût, tout comme la musique de Giuliano Sorgini (Le Massacre des morts-vivants de Jorge Grau) qui met mal à l’aise dès les premières notes. On passe constamment du rire nerveux (les croix gammées apparaissent souvent à l’envers, la mise en scène part en vrille, l’ombre de la caméra apparaît) à l’écoeurement. On ne sait qu’en penser, on s’ennuie pas mal avec cette histoire de résistance, de sabotages et de fusillades dans les Abruzzes aussi rythmée qu’un épisode de Derrick et composée de nombreux stock-shots notamment du film Quand explose la dernière grenade du même réalisateur, mais impossible de rester de marbre devant un tel long métrage !

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LE DVD

Le DVD d’Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich), édité chez Artus Films, repose dans un boîtier Amaray classique. La jaquette, estampillée Guerre et barbarie, est très attractive avec un visuel clinquant. Le menu principal est fixe et musical.

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Acteur vu chez Jean-Pierre Mocky, réalisateur, historien de cinéma et critique de cinéma, Christophe Bier propose une formidable et indispensable présentation d’Holocauste nazi (Armes secrètes du IIIe Reich) (33’). Bien plus passionnant que le film lui-même, cet exposé sur le sous-genre dit de la nazisploitation est brillant du début à la fin. Les titres alternatifs et l’historique de ce courant cinématographique ainsi que ses œuvres les plus célèbres sont d’abord passés en revue par Christopher Bier, qui en vient ensuite au film qui nous intéresse, considéré comme une œuvre culte en Italie et un des films les plus fous du genre. Au-delà de l’aspect « divertissant », notre interlocuteur indique y trouver du fond, notamment l’échec de la virilité et la régression totale de l’homme.

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Cette section se clôt sur un diaporama de photos et d’affiches d’époque et de plusieurs bandes-annonces.

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L’Image et le son

Le premier plan annonce la couleur. Le générique sur fond de croix gammée est tremblant, instable, poussiéreux avec des couleurs complètement fanées. Si cela s’améliore après, le teint des comédiens reste cireux, les raccords de montage subsistent, les tâches et points également. Les stock-shots se voient comme le nez au milieu de la figure avec un grain plus accentué et une gestion des contrastes encore plus aléatoire. Sur les plans «empruntés », les teintes paraissent même parfois en N&B. Le format original 1.77 (16/9 compatible 4/3) est respecté et l’état du master participe à cette sensation de malaise, comme un « documentaire » qui aurait été retrouvé après la Seconde Guerre mondiale.

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La version française s’accompagne d’un étrange écho sur les dialogues. De plus quelques grésillements se font entendre tout du long. La piste italienne s’en sort bien mieux avec une plus grande clarté des voix et des effets annexes. Certains passages jamais doublés en français passent directement en version originale sous-titrée en français.

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Crédits images : © Artus Films / Captures : Franck Brissard

Chronique du DVD / Le Massacre des Sioux, réalisé par Sidney Salkow

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LE MASSACRE DES SIOUX (The Great Sioux Massacre) réalisé par Sidney Salkow, disponible en DVD le 21 septembre 2016 chez Sidonis Calysta...

Acteurs : Joseph Cotten, Philip Carey, Darren McGavin, Julie Sommars, Nancy Kovack, John Matthews

Scénario : Marvin A. Gluck

Photographie : Irving Lippman

Musique : Emil Newman, Edward B. Powell

Durée : 1h37

Date de sortie initiale : 1965

LE FILM

Encouragé par des politiciens affairistes de Washington, Custer, héros de la guerre de Sécession, est persuadé d’éliminer les Sioux afin que les terres de ceux-ci puissent être données aux colons blancs, en violation des traités. Custer accueille avec plaisir l’arrivée du capitaine Benton et méprise les avis qu’il reçoit concernant la volonté des Sioux de conserver leurs terres.

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Le Massacre des SiouxThe Great Sioux Massacre est un western dit « révisionniste » réalisé par Sidney Salkow (1909-2000) en 1965, alors que le genre est déjà révolu aux Etats-Unis. De plus, la célèbre bataille de Little Bighorn aka Custer’s Last Stand, qui opposa les hommes du 7e régiment de cavalerie de l’armée américaine du lieutenant-colonel Custer à une coalition de Sioux et de Cheyennes rassemblés par Sitting Bull puis menés par Crazy Horse les 25 et 26 juin 1876 avait déjà inspiré deux films de Raoul Walsh, La Charge fantastique (1941) avec Errol Flynn, et La Brigade héroïque (1954) avec Alan Ladd. Déjà en 1954, Sidney Salkow (Je suis une légende avec Vincent Price) avait réalisé Sitting Bull, même si finalement le chef indien n’était pas le personnage principal de l’intrigue. En raison de restrictions budgétaires dues au rejet de plus en plus important des spectateurs pour le genre, la Columbia Pictures impose que diverses séquences d’action ou qui auraient nécessité des dizaines voire des centaines de figurants, soient directement reprises d’autres westerns. Au montage final, Sidney Salkow insère des plans et des séquences, essentiellement de batailles, provenant de Siege of the Saxons (1963) et East of Sudan (1964) de Nathan Juran, The Brigand of Kandahar (1965) de John Gillung et même de son propre Sitting Bull ! Du coup, les images du Massacre des Sioux coïncident mal avec le reste et le film s’apparente à un patchwork avec les coutures apparentes. Cela ne dérange pas vraiment, mais occasionne parfois quelques sourires quand un personnage est supposé observer et réagir à un affrontement. Le contrechamp extrait d’un autre film montre bien que les événements coïncident difficilement du point de vue formel et que les paysages ne sont pas raccords.

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Le point négatif de cette « illustration historique » vient surtout du casting. Joseph Cotten, qui débarque tout juste de Chut, chut, chère Charlotte de Robert Aldrich a l’air complètement ailleurs, Darren McGavin n’a aucun charisme, tandis que Philip Carey n’est jamais crédible dans le rôle du Colonel Custer. Les autres comédiens font surtout office de figurants. Néanmoins, Sidney Salkow, cinéaste inégal, soigne sa mise en scène et le rythme demeure soutenu. Certes l’ensemble est un peu trop didactique, et ce en dépit de faits historiques vraisemblablement peu respectés, malgré une voix-off qui annonce le contraire, mais Le Massacre des Sioux vaut pour quelques séquences particulièrement réussies. C’est le cas de Custer qui fonce avec ses hommes à travers un village d’indiens pour exterminer hommes, femmes et enfants, tout comme le même Custer qui tire dans le dos de ses hommes qui s’enfuient, ainsi que la bataille finale qui fait son petit effet. Le cadre Cinemascope est très beau et l’on peut voir Le Massacre des Sioux comme un dernier « baroud d’honneur » avant de laisser le genre s’éteindre paisiblement pendant plusieurs décennies aux Etats-Unis.

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LE DVD

Le test du DVD du Massacre des Sioux, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

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L’indispensable Patrick Brion est seul à bord dans cette section ! Dans sa présentation (10’), notre critique de cinéma commence tout d’abord par indiquer que le western américain est pour ainsi dire déjà mort en 1965, alors que le genre triomphe en Italie et en Espagne. Il en vient ensuite au film de Sidney Salkow proprement dit en indiquant les westerns les plus célèbres de ce réalisateur « sympathique » quelque peu oublié. Puis, Patrick Brion en vient au casting du Massacre des Sioux, au montage qui reprend diverses scènes de Sitting Bull réalisé dix ans auparavant, en raison d’un manque de budget. Si Brion critique cette oeuvre et ses acteurs « peu concernés », il déclare tout de même qu’il s’agit d’un film divertissant.

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Nous trouvons également une galerie de photos et la bande-annonce.

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L’Image et le son

Chez Sidonis, même les plus petits westerns sont souvent aussi bien logés que les grands classiques et chefs-d’oeuvre incontestés ! Le master du Massacre des Sioux s’avère lumineux, propre malgré encore quelques tâches, stable et franchement plaisant pour les mirettes. Le cadre large 2.35 étonne par son lot de détails, le piqué est pointu, les contrastes sont fermes. Du moins en ce qui concerne les séquences filmées en 1965 puisque le film reprend également de nombreux plans d’autres westerns, parmi lesquels Sitting Bull, également réalisé par Sidney Salkow dix ans auparavant ! Le grain n’est pas le même, comme la colorimétrie et les contrastes. Ces stock-shots se voient comme le nez au milieu de la figure et la restauration pose donc problème de ce point de vue. Du coup, une même séquence alterne les séquences claires au ciel bleu étincelant, avec d’autres grisâtres et ternes. Dans l’ensemble, le grain original est conservé et bien géré et la copie restaurée en HD plaisante.

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Que votre choix se porte sur la version originale (avec sous-titres français imposés) ou la version française, la restauration est également fort satisfaisante. Aucun souffle constaté sur les deux pistes, l’écoute est frontale et riche. Les effets annexes sont plus conséquents sur la version originale que sur la piste française, moins précise, mais le confort acoustique est assuré sur les deux options. Le changement de langue est verrouillé à la volée. Signalons également que la version française est incomplète et que les passages jamais doublés passent automatiquement en version originale sous-titrée en français.

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Crédits images : © Sidonis Calysta