Catégorie : Horreur

Test Blu-ray / L’Au-delà, réalisé par Lucio Fulci

L’AU-DELÀ (L’aldilà… E tu vivrai nel terrore !) réalisé par Lucio Fulci, disponible en Édition Collector Blu-ray + DVD + Livre chez Artus Films

Acteurs :  Catriona MacColl, David Warbeck, Cinzia Monreale, Antoine Saint-John, Veronica Lazar, Larry Ray, Giovanni De Nava, Al Cliver…

Scénario :  Dardano Sacchetti, Lucio Fulci, Giorgio Mariuzzo

Photographie : Sergio Salvati

Musique : Fabio Frizzi

Durée : 1h27

Année de sortie : 1981

LE FILM

La Nouvelle-Orléans en 1927, le peintre Schweick se fait lyncher, dans un hôtel, par la population, pour avoir peint une fresque représentant l’Enfer. Quelques cinquante ans plus tard, Liza Merril hérite de cet hôtel et entreprend de le rénover. Mais, très vite, des événements tragiques succèdent les uns aux autres, et les ouvriers meurent dans des circonstances mystérieuses. Puis, Liza fait la connaissance d’Emily, une jeune aveugle, qui la met en garde contre ce lieu maudit : l’hôtel abriterait une des sept portes de l’Enfer dont le peintre martyr serait le gardien.

Pour faire le point sur la carrière de Lucio Fulci, nous vous invitons à (re)lire nos chroniques consacrées à La Longue nuit de l’exorcisme https://homepopcorn.fr/test-blu-ray-la-longue-nuit-de-lexorcisme-realise-par-lucio-fulci/ et L’Enfer des zombies https://homepopcorn.fr/test-blu-ray-lenfer-des-zombies-realise-par-lucio-fulci/. Pour la plupart des cinéphiles, les amateurs de films de genre et la critique, L’Au-delà, ou bien L’aldilà… E tu vivrai nel terrore ! en version originale, est le chef d’oeuvre de Lucio Fulci. Réalisé en 1981 entre Le Chat noir et La Maison près du cimetière, L’Au-delà est un film somme, baroque et onirique, mais aussi celui où le cinéaste, alors au sommet de sa carrière et de sa popularité, y met tout son talent, sa science du montage, son art de créer une véritable expérience immersive qui n’a absolument rien perdu de son pouvoir hypnotique plus de trente-cinq après sa sortie.

Résumer l’intrigue de L’Au-delà n’est pas vraiment difficile. En fait, Lucio Fulci part d’un postulat plus que d’un simple scénario classique, pour laisser libre cours à son imagination. De l’aveu-même du réalisateur, le film est volontairement épuré, principalement construit autour de visions, de sensations et de cauchemars qui s’enchaînent sur une partition étonnante de Fabio Frizzi (4 de l’apocalypse, L’Emmurée vivante) constituée de choeurs qui instaurent d’emblée un malaise palpable. Dans le prologue de 1927 (année de naissance du cinéaste au passage) aux teintes sépia, incroyablement violent et qui rappelle le lynchage de Florinda Bolkan dans La Longue nuit de l’exorcisme, suivi d’une scène de crucifixion où le sang s’écoule du corps telle une fontaine, Lucio Fulci installe le décor (une maison en Louisiane), le ton (premier degré), l’atmosphère (poisseuse, suintante) et la prophétie qui entoure tout ce beau monde.

On arrive donc en 1981 face à cette même maison où l’exécution s’est déroulée plus de cinquante ans auparavant. Très vite, le metteur en scène enchaîne les apparitions de zombies, fantômes, momies, difficile de mettre un terme exact sur les créatures qui apparaissent à l’écran. Liza, le personnage joué par la toujours divine Catriona MacColl se retrouve face aux disparitions mystérieuses de ceux qui l’entourent et se rend compte que tout est lié à cette étrange bâtisse. Elle fait alors la rencontre d’Emily (Cinzia Warbeck), aveugle, qui paraît perdue entre le monde des vivants et celui des morts. Aidée du docteur John McCabe (David Warbeck), Liza doit alors affronter les créatures qui l’entourent et qui semblent vouloir l’attirer vers les enfers.

Tourné entre La Nouvelle-Orléans et Rome, L’Au-delà se passerait bien de tous ces mots en fait puisqu’il s’agit avant tout d’une véritable immersion concoctée par l’un des plus grands spécialistes en la matière. Lucio Fulci parvient à nous faire perdre nos repères avec une économie de dialogues, en se focalisant sur les ambiances, la sublime photographie de Sergio Salvati (Les Guerriers du Bronx), les décors (ce pont suspendu au milieu de nulle-part), tout en jouant avec les genres. Référence ultime du film d’horreur et fantastique, L’Au-delà enchaîne les séquences macabres d’anthologie comme des perles sur un collier, tout en flattant les amateurs de gore avec des exécutions crues et frontales. Des visages recouverts de chaux bouillante, des tarentules voraces, des énucléations, des crânes explosés, des gorges dévorées, Lucio Fulci se lâche complètement dans les meurtres très graphiques. Et tel un jeu de pistes, les deux personnages principaux passent de niveau en niveau, combattent quelques macchabées (au maquillage très réussi) à la démarche lente et qui souhaitent leur bouffer le cerveau, pour finalement atteindre l’une des portes de l’Enfer.

Ce qui nous conduit enfin à la dernière séquence, absolument effrayante, indélébile, crépusculaire, souvent copiée et jamais égalée, redoutablement pessimiste et malgré tout extraordinaire et furieusement poétique.

LE BLU-RAY

Nous disions en mai dernier que le magnifique et luxueux Mediabook de L’Enfer des zombies, estampillé « Collection Lucio Fulci » était l’un des plus beaux objets que vous trouveriez sur le marché en 2018. C’est évidemment la même chose pour ce Mediabook de L’Au-delà. Artus Films a cette fois encore concocté un visuel clinquant et en plus doux au toucher. Cette édition se compose du Blu-ray et du DVD glissés dans des compartiments cartonnés, ainsi que d’un incroyable livre de 80 pages (La Louisiane : de Lucio Fulci à Neil Jordan, exploration d’un territoire des morts) rédigé par Lionel Grenier (rédacteur en chef du site luciofulci.fr), Gilles Vannier (Psychovision), Larry Ray (comédien et assistant), le tout supervisé par le premier. Vous y trouverez de fabuleux visuels, photos et affiches, des extraits d’entretiens, des souvenirs de tournage, un essai passionnant sur les films tournés à la Nouvelle-Orléans. Artus Films livre un vrai et grand travail éditorial et a mis toute sa passion pour le genre dans ce Mediabook, sans oublier l’incroyable beauté de la copie HD.

Spécialiste et auteur de Lucio Fulci – le poète du macabre, écrit avec Jean-François Rauger, mais aussi rédacteur en chef du site luciofulci.fr, Lionel Grenier nous propose une formidable présentation, analyse et critique de L’Au-delà (19’). Il replace le film dans la carrière du maître, évoque sa genèse, l’équipe technique, le casting, les conditions de tournage à la Nouvelle-Orléans. Dans un second temps, il se penche davantage sur le fond et les partis pris du film, en dressant un parallèle entre L’Au-delà et Le Carnaval des âmes de Herk Harvey https://homepopcorn.fr/test-dvd-le-carnaval-des-ames-realise-par-herk-harvey/.

Place à la superbe comédienne Cinzia Monreale (16’) qui interprète l’étrange Emily dans L’Au-delà. Créditée au générique sous le nom de Sarah Keller, l’actrice se souvient de sa rencontre avec Lucio Fulci à l’occasion du casting du western Sella d’argento en 1978. A l’instar des autres intervenants, elle aborde entre autres le caractère bien trempé du cinéaste, ainsi que sa direction d’acteurs. Elle se penche également sur les difficiles conditions de tournage de L’Au-delà, liées à son maquillage qui comprenait une paire de lentilles douloureuses, destinées à la faire passer pour une aveugle.

Le module suivant donne la parole à l’acteur Michele Mirabella (27’). Homme de théâtre et de radio, le comédien aborde tout d’abord les débuts de sa carrière et comment Lucio Fulci l’a repéré puis demandé de participer à L’Au-delà. La célèbre séquence des tarentules est analysée sous toutes les coutures. Michele Mirabella explique que l’équipe des effets spéciaux avait rembourré son costume de papier journal, afin de le protéger de possibles piqûres, tandis que son visage était lui séparé des bestioles par une plaque en plexiglas.

Le dernier entretien de cette interactivité est celui que l’on attendait avec impatience. La comédienne Catriona MacColl revient avec détails et sensibilité sur son travail avec Lucio Fulci (21’). Pas seulement sur L’Au-delà, mais également sur ses autres collaborations avec le maître, même si elle avoue que le film qui nous intéresse reste son préféré. Catriona MacColl passe en revue le travail avec ses partenaires, l’équipe technique, les difficultés liées au tournage de la séquence finale, et clôt cette interview par un très bel hommage à Lucio Fulci.

L’Au-delà s’ouvre sur un prologue en 1927. Lucio Fulci et son chef opérateur Sergio Salvati l’ont pensé et conçu en teintes jaunes orangées. La séquence a été tournée en couleur, au cas où les distributeurs étrangers auraient été rebutés par ces partis pris. La majorité des pays importateurs ont suivi la volonté de l’équipe artistique. Mais pas en Allemagne, qui a exploité le film avec son prologue en couleurs. Artus Films propose de découvrir cette scène dans ces conditions (8’34). Même chose, l’éditeur livre également le prologue dans sa version N&B (7’).

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces de la collection Lucio Fulci, ainsi qu’un diaporama d’affiches et de photos.

L’Image et le son

Artus Films nous livre la tant attendue édition HD française 2K de L’Au-delà ! Avec son magnifique grain argentique, force est de constater que le chef d’oeuvre de Lucio Fulci renaît bel et bien de ses cendres avec une édition digne de ce nom. La propreté du master est ébouriffante. Toutes les scories, poussières, griffures ont été purement et simplement éradiquées. Ce Blu-ray au format 1080p (AVC) s’avère tout autant saisissant dans son rendu des scènes diurnes que pour les séquences sombres, l’image est souvent éclatante avec un piqué inédit, une profondeur de champ impressionnante et un relief des textures que nous n’attendions pas. Les couleurs retrouvent une deuxième jeunesse, à tel point que l’on pourrait même distinguer les couches de maquillage sur les zombies. L’élévation HD pour L’Au-delà est indispensable et le lifting de premier ordre. Enfin, le film est proposé dans sa version intégrale non censurée.

Point de remixage à l’horizon, mais pas de Haute-Définition non plus en ce qui concerne le son ! Les pistes italienne (à privilégier) et française sont présentées en LPCM 2.0 et instaurent toutes deux un bon confort acoustique, sans souffle, propre, avec une très bonne délivrance des dialogues. L’excellente partition de Fabio Frizzi bénéficie d’une belle ouverture des canaux, le doublage français est réussi et les effets annexes riches. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la version originale.

Crédits images : © Euro Immobilfin Srl – Rome, Italy. Licenced by Variety Communications Srl – Rome, Italy. All Rights reserved. / Artus Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Secte, réalisé par Michele Soavi

LA SECTE (La Setta) réalisé par Michele Soavi, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs : Kelly Curtis, Herbert Lom, Mariangela Giordano, Michel Adatte, Carla Cassola, Angelika Maria Boeck, Giovanni Lombardo Radice, Niels Gullov, Tomas Arana, Dario Casalini, Paolo Pranzo, Yasmine Ussani, Erica Sinisi

Scénario : Michele Soavi, Dario Argento, Gianni Romoli

Photographie : Raffaele Mertes

Musique : Pino Donaggio

Durée : 1h57

Année de sortie : 1991

LE FILM

1970, Californie. Une communauté hippie est massacrée par Damon et les membres de sa secte. Vingt-et-un ans plus tard, Francfort. Tandis que des crimes rituels attribués à la secte des Sans-Visage ponctuent l’actualité, Miriam Kreisl, jeune institutrice, manque de renverser un vieillard au comportement étrange. S’il refuse de se faire soigner, il accepte en revanche de se reposer quelques heures chez elle. Curieusement, Moebius semble connaître la maison et fait part à Miriam d’une mystérieuse destinée. Bientôt, des faits étranges et sanglants se produisent dans l’entourage de la jeune femme.

Auréolé du succès de Sanctuaire, son second long métrage, le réalisateur Michele Soavi s’associe à nouveau deux ans plus tard avec le producteur Dario Argento. Ce dernier cosigne également le scénario avec le metteur en scène, mais aussi Gianni Romoli, futur auteur de la mini-série culte La Caverne de la Rose d’or. Ecrit durant la période « ésotérique » du cinéaste, La Secte – La Setta manque cruellement de rythme et les années ne lui ont pas été profitables. Pourtant, Michele Soavi ne manque pas d’imagination, son style visuel est souvent percutant et l’interprétation est solide, mais le récit est à la traîne en raison d’un intérêt relatif.

1970, Californie. Une communauté hippie accueille dans son camp un voyageur, Damon, sans se douter qu’il est un fanatique. La nuit tombée, ce dernier, accompagné d’autres membres de sa secte, la massacre entièrement. 1991, Francfort. L’actualité allemande est ponctuée de crimes rituels sataniques. Un homme, Martin Romero, traque une femme, Mary Crane, dans les rues de la ville avant de l’assassiner chez elle. Face à la police, avant qu’il ne se suicide, il affirme qu’il était obligé de la tuer. Pendant ce temps, une institutrice, Miriam Kreisl, renverse un vieillard, Moebius Kelly, en voiture. Sans se douter de lui, qui refuse de se faire soigner à l’hôpital, elle accepte de l’accueillir chez elle pour le soigner. Le vieil homme étrange semble reconnaître sa maison et fait part à Miriam d’une étrange destinée. Alors qu’elle dort, il lâche un scarabée sur son corps et l’insecte pénètre son nez. Réveillée par un cauchemar, elle trouve Moebius en train de suffoquer.

La Secte est un film fourre-tout. La ravissante Kelly Curtis, tout aussi sexy que sa sœur de Jamie Lee, doit affronter un scarabée, un lapin qui zappe à la télé, un suaire maléfique, des arracheurs de visages, un docteur amoureux, le tout sur une musique au synthé de Pino Donaggio. Comme s’ils étaient eux-mêmes conscients que le genre arrivait à sa fin, ce qui sera alors le cas avec Dellamorte Dellamore, le film suivant de Michele Soavi, les auteurs peinent à se renouveler et donc décident de créer le chaos dans la vie jusqu’alors calme et bien réglée d’une simple institutrice, qui comme dans Rosemary’s Baby se retrouve à devoir enfanter l’Antéchrist.

Le premier acte est interminable. Les scènes s’étirent en longueur, les séquences s’enchaînent à la va-comme-je-te-pousse et la photo de Raffaele Mertes n’est guère enthousiasmante. Arrive alors Kelly Curtis, certes moins célèbre que son illustre sœur, mais qui n’en possède pas moins une belle présence face à la caméra et dont la ressemblance parfois troublante avec sa cadette rappelle parfois Laurie Strode en prise avec Michael Myers. Heureusement, La Secte va en s’améliorant. Le deuxième acte, celui où bascule l’histoire contient son lot d’émotions fortes, notamment tout ce qui concerne le puits et le suaire qui étouffe ses victimes. Divers effets gores font leur effet, surtout celui du rituel consistant à arracher le visage d’une femme innocente à l’aide de crochets « sacrés », pour ensuite le greffer sur celui du grand gourou (qui ne s’appelle pas Skippy) interprété par Herbert Lom (la franchise La Panthère Rose) et le ramener ainsi à la vie.

Michele Soavi se lâche alors dans un dernier acte beaucoup plus intéressant. Le rythme s’emballe, tout comme la mise en scène. Les angles improbables se suivent pour refléter la folie dans laquelle se retrouve plongée Miriam, le chef opérateur s’amuse avec les filtres et les spots de couleurs, l’oeuvre de Roman Polanski plane tout du long sur le final, à l’instar du récent Mother ! de Darren Aronofsky qui se révèle finalement plus proche, jusque dans son dénouement, de La Secte que de Rosemary’s Baby. C’est donc un résultat en demi-teinte pour La Secte, surtout après la grande réussite de Sanctuaire, pris entre un délire visuel et pictural inspiré et une histoire de satanisme peu convaincante.

LE BLU-RAY

La Secte est disponible dans les bacs grâce aux bons soins de ce cher Chat qui fume. Un sublime combo Blu-ray/DVD, trois disques, un Digipack trois volets quadri avec un étui cartonné du plus bel effet et au visuel intrigant. Les menus principaux sont animés sur la musique du film.

Attention, nous disposons ici d’encore plus de suppléments que pour Sanctuaire ! Près de 2h30 de bonus qui font de cette édition l’une des plus complètes de l’éditeur à ce jour.

La première partie de l’entretien avec Michele Soavi (20’) reprend les mêmes propos que celui disponible sur l’édition de Sanctuaire. Le réalisateur se remémore sa rencontre Dario Argento, dont le cinéma lui a donné la passion pour le genre quand il avait 12 ans. Le destin a finalement réuni les deux hommes qui sont rapidement devenus amis, jusqu’à ce que Dario Argento lui propose d’être son assistant sur Ténèbres (1982). Ce dernier a ensuite produit son second long métrage en tant que metteur en scène, Sanctuaire. Michele Soavi en vient ensuite plus précisément sur La Secte. La genèse (une adaptation avortée du Golem de Gustav Meyrink), les conditions des prises de vues (Soavi a tourné lui-même 90 % du film en tant que caméraman), ses inspirations (la culture celte, l’ésotérisme, Rosemary’s Baby, The Wicker Man), le casting, les symboles (l’eau notamment), la bande originale et l’accueil (frileux) du public. Michele Soavi clôt cet entretien sur une note nostalgique, en se remémorant l’époque où il était alors totalement libre derrière la caméra.

Comme pour Michele Soavi, l’intervention du chef décorateur Massimo Antonello Geleng démarre de la même façon que pour celle de Sanctuaire (23’). Après avoir évoqué sa rencontre avec le réalisateur, notre interlocuteur aborde son travail sur La Secte, un film réalisé dans de meilleures conditions que pour Sanctuaire et à 70 % dans des studios italiens. Le focus est surtout fait sur les séquences du puits, mais Massimo Antonello Geleng parle également du casting et du travail de Michele Soavi. Cet entretien se termine également sur la même conclusion que pour Sanctuaire.

Place au comédien Giovanni Lombardo Radice, qui interprète Martin Romero dans La Secte (12’). Ce n’est pas une surprise, cette interview reprend également certains propos entendus pour Sanctuaire. L’acteur revient surtout sur son amitié avec Michele Soavi, sur Dario Argento à la production, sur le fait qu’il n’aime pas les films d’horreur et n’a d’ailleurs jamais vu La Secte.

Place à un module plus inédit en la présence de Raffaele Mertes (28’). Le directeur de la photographie aborde les partis pris et les conditions de tournage de La Secte. Le travail à la steadycam, avec l’Innovision, cet objectif spécial permettant de s’incruster dans les moindres recoins (comme dans un tuyau de lavabo) sont passés en revue, tout comme le casting, l’investissement de Kelly Curtis dans les scènes difficiles et mouvementées.

Voici maintenant l’entretien indispensable de cette édition. Gianni Romoli, scénariste aux côtés de Dario Argento et Michele Soavi revient avec détails sur la genèse, le tournage et la sortie de La Secte (35’). On apprend entre autres que le projet original s’intitulait Catacombes et liait l’Italie contemporaine avec l’antiquité, où l’on suivait l’histoire horrifique d’une secte. Devant le refus de Dario Argento de produire cette histoire qu’il n’aimait pas, l’histoire est alors remaniée en conservant ce qui concerne la secte. Gianni Romoli explique ensuite ce qui a nourri le scénario et comment La Secte est finalement devenu une analyse consciente de l’évolution du genre. Diverses anecdotes liées au tournage s’enchaînent alors sur un rythme vif. Cette interview se termine sur une note assez amère, Gianni Romoli indiquant que Dario Argento les a éjecté lui et le coscénariste Franco Ferrini après avoir bien avancé sur Trauma (1993). Il indique également regretter le fait que Michele Soavi ait préféré suivre la voie du film d’auteur, plutôt que de persévérer dans la veine horrifique.

Oublié sur la liste des bonus sur le Digipack, l’immense compositeur Pino Donaggio intervient également pour parler de son travail sur La Secte (13’). Il se souvient tout d’abord de sa rencontre avec Dario Argento pour son segment de Deux yeux maléfiques, coréalisé avec George A. Romero en 1990. Puis Pino Donaggio aborde ses expérimentations au synthétiseur électronique pour La Secte, film qu’il apprécie d’ailleurs toujours autant, bien qu’il ait uniquement collaboré avec Dario Argento, alors producteur, et non pas Michele Soavi.

Tout cela se termine par l’intervention plus analytique de La Secte, par l’historien du cinéma Fabrizio Spurio (25’). C’est ici que les passionnés des critiques détaillées se dirigeront pour en savoir plus sur les intentions du réalisateur Michele Soavi, sur ses partis pris et sur les symboles (présence des insectes et des animaux, l’eau comme vecteur du mal) disséminés dans son film. Le fond et la forme sont donc habilement croisés, tandis que Fabrizio Spuro se rappelle avoir été invité à venir sur le plateau grâce au créateur des effets spéciaux Rosario Prestopino, décédé en 2008 et auquel un hommage est rendu à la fin du module. ce dernier lui avait offert un des « visages arrachés » en souvenir, que Fabrizio Spuro présente ici à la caméra.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces des films bientôt disponibles chez Le Chat qui fume.

L’Image et le son

Que voilà un superbe master ! Présenté dans son format original 1.85 respecté (16/9 compatible 4/3), La Secte brille de mille feux. La colorimétrie est riche, le piqué étonnamment aiguisé, les noirs denses, le grain argentique plaisant, les contrastes au beau fixe et la propreté irréprochable. L’apport HD est non négligeable et profite aux partis paris du chef opérateur Raffaele Mertes (Trauma) qui fait la part belle aux teintes bleutées. Le confort est donc total pour (re)découvrir La Secte et peut-être lui redonner une seconde chance.

Trois versions DTS-HD Master Audio 2.0 disponibles sur cette édition ! Quitte à choisir, sélectionnez la piste anglaise (le film a d’ailleurs été tourné dans cette langue), plus dynamique, aérée, percutante que les versions française et italienne. Cette dernière s’en tire néanmoins avec les honneurs, du moins bien mieux que la langue de Molière au spectre réduit. Les sous-titres français sont imposés et le changement de langue verrouillé à la volée.

Crédits images : © Le Chat qui fume, 1994 Mario et Vittorio Cecchi Gori – Silvio Berlusconi Communications / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Chucky – Jeu d’enfant, réalisé par Tom Holland

CHUCKY – JEU D’ENFANT (Child’s Play) réalisé par Tom Holland, disponible en DVD et Édition Collector Blu-ray + DVD + Livret le 3 juillet 2018 chez ESC Edition

Acteurs : Catherine Hicks, Chris Sarandon, Alex Vincent, Brad Dourif, Dinah Manoff, Tommy Swerdlow, Jack Colvin, Neil Giuntoli

Scénario : Don Mancini, John Lafia, Tom Holland

Photographie : Bill Butler

Musique : Joe Renzetti

Durée : 1H27

Année de sortie : 1989

LE FILM

Abattu par la police et sur le point de rendre son dernier souffle, le serial killer Charles Lee Ray transfère, grâce au vaudou, son esprit dans une poupée Brave Gars, le dernier jouet à la mode. Si, baptisée Chucky, elle fait le bonheur du petit Andy, six ans, la poupée révèle bientôt sa nature maléfique, multipliant les victimes. Prisonnier de son enveloppe de plastique, Charles Lee Ray n’attend plus qu’une chose : changer au plus vite de corps. Et Andy lui semble tout indiqué comme donneur involontaire…

Commençons cette critique par un étrange fait divers : En 1876, la famille Otto emménage dans une grande maison en Californie dans la ville de Key West. La famille est aisée et dispose de plusieurs employés. Un jour, le patriarche se dispute violemment avec une des domestiques qui quittera le domicile par la suite. Mais avant de partir, elle offrira au petit Robert Eugene Otto, âgé de 6 ans, un poupon que l’enfant nommera comme lui : Robert. Robert est ensuite devenu une des attractions les plus insolites de la Californie. Après avoir vraisemblablement semé la terreur auprès de ses multiples propriétaires, il est maintenant exposé dans le musée de sa ville natale, Key West. Don Mancini et Tom Holland s’inspireront de cette étrange histoire pour écrire le script du chef-d’oeuvre en devenir, Child’s Play ou Jeu d’enfant, plus connu dans nos contrées sous le titre Chucky.

Magistral tour de force visuel et scénaristique, ce premier opus entraînera une franchise qui a force de suites s’est embourbée dans un humour autrefois subtil, mais rapidement devenu poussif. Jeu d’enfant est un véritable film d’horreur. Une ambiance générale très premier degré, une mise en scène millimétrée et astucieuse accompagne à merveille cette histoire de poupée psychopathe qui va bien plus loin que son simple concept de base. Chucky n’est pas un simple jouet, c’est un tueur cruel piégé dans un corps en plastique, qui sévit dans une famille déjà fragilisée. Sa soif de sang va s’animer dans l’appartement de l’enfant innocent qui l’a « adopté »,  Andy Barclay (Alex Vincent), qui va alors devoir affronter cette entité aussi grotesque qu’effroyablement dangereuse. Seuls sa mère, interprétée par Catherine Hicks (Sept à la maison) et le lieutenant Norris qu’incarne un Chris Sarandon (visiblement dépassé par les événements), viendront en aide à l’enfant menacé.

Tom Holland, fraîchement sorti du sympathique Vampire, vous avez dit vampire ? (1985), met comme à son habitude la pédale douce sur la violence outrancière et préfère employer une multitude d’astuces que n’aurait pas renié Alfred Hitchcock, en laissant son décor, les ombres et le hors-champ créer la peur chez le spectateur. La caméra, utilisée de manière subjective de manière à se mettre dans la peau du nabot démoniaque, a été inspiré à Tom Holland par le biais du téléfilm Trilogy of Terror. Un téléfilm a sketches en trois parties, diffusé en mars 1975 et dont le troisième acte (écrit par Richard Matheson), La Poupée de la terreur, raconte l’histoire d’une poupée vaudou cherchant à assassiner sa propriétaire. Traumatisé par ce petit film, Tom Holland aura nourri son imaginaire au fil des ans, en repensant inlassablement à ce minuscule poupon qui l’avait tant effrayé.

Et le réalisateur semble avoir rarement été aussi à l’aise, il est même surprenant de l’entendre parler de restriction artistique, ainsi que du tournage rapidement devenu complexe, en raison des marionnettes utilisées dont les dispositifs étaient à l’époque révolutionnaires. Les mouvements de Chucky s’avèrent pourtant d’une remarquable fluidité, encore aujourd’hui.

Porté par la voix désincarnée du génial Brad Dourif, Chucky tue, frappe, insulte, mord, poignarde, grâce au génie des créateurs des effets visuels, dont les prouesses techniques effectuées directement face à la caméra restent particulièrement bluffantes.

Jeu d’Enfant est un bijou, qui plus est, soulignée par une très belle bande originale signée Joe Renzett.

LE BLU-RAY

Jeu d’Enfant est disponible dans les bacs grâce aux bons soins d’ESC Editions. En DVD, mais aussi et surtout dans un superbe combo Blu-ray/DVD épais, Un mediabook visuellement très beau et élégant. Le boîtier contient également un livret de 24 pages écrit par Marc Toullec.

Le menu principal est animé, fluide et accompagné par le thème du film.

 

 

Pour ce qui est des suppléments, les fans de la poupée psychopathe pourront se repaître de trois entretiens tous très intéressants.

Les poupées maléfiques, une projection enfantine effrayante (17’), par Laurent Aknin. l’historien et critique de cinéma revient sur l’utilisation de la poupée ou du pantin au cinéma, des oeuvres d’épouvante des années 50 aux productions Blumhouse.

Jeu d’enfant, l’origine d’une saga familiale (16’), par Caroline Vié. La romancière et critique de cinéma revient sur les origines du célèbre poupon. De ses inspirations à la continuité de la saga, soulignant les qualités et défauts des six films, ainsi que la carrière du scénariste Don Mancini.

Entretien avec Tom Holland (20’) Cela faisait un bon bout de temps que ce bon vieux Tom Holland n’avait pas montré sa bouille devant une caméra. Il revient donc afin de présenter son film et aussi pour livrer quelques anecdotes croustillantes sur Jeu d’Enfant. Soucis de production, souvenirs d’enfance, le cinéaste se livre avec honnêteté et modestie dans cet entretien passionnant.

N’oublions pas la présentation du cinéaste (20 secondes), disponible en introduction du film !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Jeu d’Enfant – Chucky arrive dans les bacs français dans une très belle édition HD (1080p) entièrement restaurée 4K. Le travail est impressionnant et l’image est très propre, débarrassée de la majeure partie des poussières, griffures et autres résidus qui ont dû être minutieusement enlevés image par image. Tout au long du processus de restauration, un soin particulier a été apporté afin que la texture originale du film, les détails, la structure du grain ne soient pas affectés par le traitement numérique. Ce nouveau transfert Haute Définition permet de redécouvrir Jeu d’Enfant – Chucky sous toutes ses coutures avec une magnifique patine argentique. Cette élévation HD offre à la colorimétrie un nouveau lifting et retrouve pour l’occasion une nouvelle vivacité. La gestion du grain et des contrastes demeure solide du début à la fin, y compris sur les séquences sombres, sans aucune réduction de bruit. Les détails et le piqué sont assez impressionnants, les plans flous sont d’origine. N’oublions pas la stabilité de la copie soutenue par un codec AVC exigeant.

La version originale bénéficie d’un remixage DTS-HD Master Audio 5.1. Au premier abord on pouvait craindre le pire. Il n’en est rien, bien au contraire. Cette option acoustique séduisante permet à la composition de Joe Renzetti (Frankenhooker) d’environner le spectateur pour mieux le plonger dans l’ambiance du film. Les effets latéraux ajoutés ne tombent jamais dans la gratuité ni dans l’artificialité. De plus, les dialogues ne sont jamais noyés et demeurent solides, la balance frontale assurant de son côté le spectacle acoustique, riche et dynamique. Les fans de l’excellente version française devront se contenter d’une piste DTS-HD Master Audio 2.0. Cette version se révèle assez percutante et propre, mais certains dialogues s’avèrent sensiblement couverts. Aucun souffle constaté.

Test Blu-ray / Sanctuaire, réalisé par Michele Soavi

SANCTUAIRE (La Chiesa) réalisé par Michele Soavi, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Hugh Quarshie, Tomas Arana, Fedor Chaliapine Jr., Barbara Cupisti, Giovanni Lombardo Radice, Asia Argento, Roberto Caruso, Roberto Corbiletto, Alina De Simone, John Karlsen

Scénario : Franco Ferrini, Michele Soavi

Photographie : Renato Tafuri

Musique : Keith Emerson, Fabio Pignatelli, Philip Glass

Durée : 1h42

Année de sortie : 1989

LE FILM

Moyen Âge. Accusés de servir le Diable, les habitants d’un village sont massacrés par des chevaliers. Afin d’enrayer la propagation du mal, une église est érigée sur le charnier. De nos jours, lors des travaux de restauration qu’elle dirige, Lisa découvre un parchemin dissimulé dans la paroi des sous-sols de l’église. Elle s’empresse d’en faire part à Ewald, le nouveau bibliothécaire. Imprégné des théories de l’alchimiste Fulcanelli, Ewald, bien résolu à percer le secret du parchemin, va, bien malgré lui, réveiller des forces obscures et malveillantes… qui bientôt vont se déchaîner en se propageant à tous ceux présents dans l’édifice.

Né en 1957, Michele Soavi débute au cinéma en tant qu’assistant-réalisateur de Dario Argento sur Ténèbres (1982), Phenomena (1985) et Opéra (1987). Il seconde également Lamberto Bava sur Démons (1985), coécrit et produit par le même Dario Argento. Il fait ses premiers pas derrière la caméra avec Bloody Bird, slasher, giallo, film d’horreur qui remporte un vrai succès et se voit même primé au Festival d’Avoriaz. Alors qu’un troisième volet de la franchise Démons (au succès international) est abandonné durant l’écriture du film, Michele Soavi reprend le travail des scénaristes Franco Ferrini, Lamberto Bava, Dardano Sacchetti et Dario Argento pour le remanier, afin d’en faire son second long métrage en tant que réalisateur. Ce travail donnera naissance à Sanctuaire – La Chiesa, aka The Church dans les pays anglo-saxons, formidable film d’épouvante et fantastique qui contient son lot d’émotions fortes, tout en offrant à la jeune Asia Argento, âgée de 13 ans, son premier vrai rôle au cinéma.

Durant le Moyen-Age, des chevaliers teutoniques éliminent tout un village accusé d’hérésie et de sorcellerie. Pour purifier le lieu, une cathédrale est bâtie sur les cadavres de ces villageois considérés comme possédés et soupçonnés d’être des partisans de Satan. Cette construction est censée enterrer les forces du Mal pour l’éternité. Des siècles plus tard, alors que des travaux de rénovation sont engagés dans l’édifice, une jeune femme, Lisa, fait la découverte d’un parchemin dissimulé dans une fissure du bâtiment et contacte un jeune bibliothécaire, Evan, pour qu’il le déchiffre. Ce dernier tente de le décrypter mais il délivre, sans le savoir, des esprits maléfiques. Alors que le bâtiment religieux enferme un groupe de visiteurs à cause d’un mécanisme accidentellement déclenché par Evan, autrefois pensé par l’architecte de la cathédrale, les démons s’échappent du charnier pour prendre le contrôle de leurs corps et les poussent à commettre des atrocités entre eux.

Passionné par la peinture et les grands maîtres, Michele Soavi imprègne Sanctuaire de références picturales (Jérôme Bosch notamment) et concocte de vrais tableaux gothiques absolument remarquables. Du point de vue visuel, on en prend plein les mirettes durant 1h40. Sa mise en scène étonnamment virtuose pour un deuxième film, ses décors impressionnants et la photo riche et contrastée de Renato Tafuri, font de Sanctuaire l’un des films de genre italiens des années 1980 les plus recherchés sur la forme. Le prologue médiéval étonne par sa violence graphique qui peut faire penser à quelques séquences de la série Game of Thrones avant l’heure, toutes proportions gardées bien sûr. Si certains trouveront à redire sur un dernier acte qui part un peu dans tous les sens dans le but sans doute d’épater la galerie, Sanctuaire est une œuvre très généreuse, qui reflète l’amour du cinéaste pour le genre, soucieux d’offrir aux spectateurs un spectacle riche en émotions fortes et en hémoglobine.

Du point de vue interprétation, hormis le plaisir de suivre les premiers pas d’Asia Argento devant la caméra, nous retiendrons surtout la tronche incroyable de Fedor Chaliapine Jr. (Le nom de la rose) qui campe un évêque qui ne semble pas très catholique, la beauté de Barbara Cupisti (L’éventreur de New York) et l’excellent Hugh Quarshie. Sur un rythme plutôt lent, mais très maîtrisé, Sanctuaire enchaîne les morceaux de bravoure (un coït avec un démon), entre effets gores très réussis (un suicide au marteau piqueur), huis clos dégénéré (coucou [REC] !) possessions démoniaques, humour noir (les vieux qui fêtent leur anniversaire de mariage), dans une recherche formelle, baroque, constante et omniprésente, avec en fond les compositions de Keith Emerson, Philip Glass et le groupe incontournable Goblin.

Tous ces ingrédients en apparence hétérogènes, contribuent à la singularité et surtout à la belle réussite de Sanctuaire.

LE BLU-RAY

Sanctuaire est disponible dans les bacs grâce aux bons soins de ce cher Chat qui fume. Un sublime combo Blu-ray/DVD, trois disques, un Digipack trois volets quadri avec un étui cartonné du plus bel effet et au visuel intrigant. Les menus principaux sont animés sur la musique du film.

C’est devenu une habitude, mais nous ne pouvons que saluer une fois de plus le travail acharné de l’éditeur griffu qui ne vient pas les pattes vides, puisque près de 90 minutes de suppléments accompagnent le film de Michele Soavi !

Et c’est Asia Argento qui ouvre le bal de cette interactivité, à travers une interview (8’30) au cours de laquelle la comédienne se souvient du tournage de l’un de ses premiers films. Un module un peu trop court, mais être en compagnie d’Asia ne se refuse évidemment pas.

Ensuite, c’est au tour de Michele Soavi de prendre la parole (20’). le réalisateur se remémore sa rencontre Dario Argento, dont le cinéma lui a donné la passion pour le genre quand il avait 12 ans. Le destin a finalement réuni les deux hommes qui sont rapidement devenus amis, jusqu’à ce que Dario Argento lui propose d’être son assistant sur Ténèbres (1982). Ce dernier a ensuite produit son second long métrage en tant que metteur en scène, Sanctuaire. Michele Soavi en vient ensuite plus précisément sur le film qui nous intéresse. La genèse, les conditions des prises de vues, ses inspirations (les peintures de Jérôme Bosch), le casting, la bande originale et l’accueil du public.

Passons maintenant à l’entretien avec Franco Casagni (10’). Le créateur des maquillages et effets spéciaux aborde les débuts de sa carrière dans Les Barbarians (1987) puis sa collaboration avec Dario Argento sur Opéra (1987), qui l’a conduit à travailler pour Michele Soavi sur Sanctuaire. Cette fois encore, diverses anecdotes de tournage s’enchaînent pour notre plus grand plaisir.

Place au comédien Giovanni Lombardo Radice, qui interprète le Révérend dans Sanctuaire (14’30). Le « Père Giovanni » revient surtout sur son amitié avec Michele Soavi, sur Dario Argento à la production, sur ses partenaires à l’écran, sur son personnage et le tournage à Budapest.

L’intervention la plus dense et la plus complète de cette édition reste celle du chef décorateur Massimo Antonello Geleng (21’). D’emblée, ce dernier indique être très heureux d’évoquer Sanctuaire, pour lequel il a toujours une grande affection. L’association avec Michele Soavi qui lui a permis de travailler également sur La Secte et Dellamorte Dellamore du même metteur en scène, mais également sur divers films de Dario Argento dont Le syndrome de Stendhal (1996) et Le Fantôme de l’Opéra (1998). Massimo Antonello Geleng mentionne également les difficultés rencontrées pour éclairer le plateau, notamment en raison des vitraux de la cathédrale qui servait alors de décor à Budapest.

Le dernier invité de cette édition n’est autre que Franco Ferrini (13’), scénariste de Sanctuaire, Phenomena de Dario Argento, mais aussi des deux Démons, réalisés par Lamberto Bava en 1985 et 1986. Alors que les producteurs désiraient surfer sur les succès de ces deux précédents films, Lamberto Bava décline finalement cette proposition. Dario Argento et Franco Ferrini ayant déjà bien avancé le script pour un troisième volet de Démons, l’histoire est ensuite reprise pour aboutir finalement à ce que deviendra Sanctuaire. Le casting est également passé au peigne fin.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce (anglaise) du film et d’autres trailers de films prévus chez l’éditeur.

L’Image et le son

Nous ne sommes pas déçus ! C’est avec un plaisir immense que nous découvrons ce film de Michele Soavi dans de pareilles conditions ! D’emblée, la colorimétrie s’impose par sa tenue, le relief est très appréciable et le piqué est souvent tranchant pour un film qui a déjà près de trente ans. Le chef-opérateur Renato Tafuri (Bloody Bird), voit sa photo – légèrement ouatée dans son prologue médiéval et plus contrastée par la suite – restituée et offre un lot de détails conséquents. Si la profondeur de champ n’est guère exploitée, certains gros plans étonnent par leur précision, la clarté est de mise sur quelques scènes, la copie stable (merci au codec AVC), le grain bien géré et les noirs denses. N’oublions pas non plus la vertueuse restauration et la propreté de la copie, débarrassée de toutes les scories possibles et imaginables. Ce Blu-ray est en format 1080p et l’apport HD loin d’être négligeable.

Trois versions DTS-HD Master Audio 2.0 disponibles sur cette édition ! Quitte à choisir, sélectionnez la piste anglaise, plus dynamique, aérée, percutante que les versions française et italienne. Cette dernière s’en tire néanmoins avec les honneurs, du moins bien mieux que la langue de Molière au spectre réduit. Les sous-titres français sont imposés.

Crédits images : © Le Chat qui fume, 1994 Mario et Vittorio Cecchi Gori – Silvio Berlusconi Communications / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Secret des Marrowbone, réalisé par Sergio G. Sánchez

LE SECRET DES MARROWBONE (El Secreto de Marrowbone ou Marrowbone) réalisé par Sergio G. Sánchez, disponible en DVD et Blu-ray le 18 juillet 2018 chez Metropolian Vidéo

Acteurs :  George MacKay, Anya Taylor-Joy, Charlie Heaton, Mia Goth, Matthew Stagg, Kyle Soller, Nicola Harrison, Tom Fisher…

Scénario : Sergio G. Sánchez

Photographie : Xavi Giménez

Musique : Fernando Velázquez

Durée : 1h51

Année de sortie : 2018

LE FILM

Pour ne pas être séparés, Jack, 20 ans, et ses frères et sœurs plus jeunes, décident de cacher à tout le monde le décès de leur mère qui les élevait seule. Ils se retrouvent livrés à eux-mêmes dans la ferme familiale isolée, mais bientôt, d’étranges phénomènes indiqueraient qu’une présence malveillante hante leur unique refuge…

Alors oui, bien sûr, on a déjà sûrement vu ça plusieurs fois au cinéma ces quinze dernières années, mais Le Secret des Marrowbone – El Secreto de Marrowbone ou tout simplement Marrowbone (titre international) est un film très prometteur. Même si le tournage s’est fait en langue anglaise, le titre espagnol renvoie à ses décors naturels (tout le film y a été tourné), mais aussi et surtout à son cinéaste et scénariste Sergio G. Sánchez. Né en 1973, il signe ici son premier long métrage en tant que réalisateur, après avoir écrit les deux premiers films de J.A. Bayona, L’Orphelinat (2007) et The Impossible (2012). D’ailleurs l’oeuvre de ce dernier, jusque dans la musique composée par Fernando Velázquez (Quelques minutes après minuit), imprègne chaque plan et même l’histoire du Secret des Marrowbone. C’est même ce qui en fait sûrement son relatif point faible, puisque le spectateur un tant soit peu intéressé par le cinéma de genre, surtout ibérique, parviendra à anticiper les rebondissements et le twist à la M. Night Shyamalan. Toutefois, la mise en scène, la beauté de la photographie et l’excellence de ses interprètes valent largement le déplacement.

Lorsque leur mère décède, Jack, ses deux frères et leur sœur se réfugient à Marrowbone, une ferme isolée abandonnée depuis des années et qui appartenait à leur grand-tante. Par peur d’être séparés et placés dans des foyers différents, ils décident d’enterrer le cadavre de leur mère dans le jardin et continuent à faire croire qu’elle est toujours vivante. Un jour, alors qu’ils sont isolés du monde extérieur, un notaire débarque chez eux pour demander à leur mère de signer un testament. La demeure est également hantée et renferme un secret dans le grenier…

En fait, raconter l’histoire du Secret des Marrowbone en dit déjà presque trop. Sans « singer » le cinéma de celui qui lui a donné sa chance dans le milieu, qui apparaît ici en tant que producteur et avec lequel il a fait ses premières armes sur des films importants, Sergio G. Sánchez démontre surtout ici un don pour le storytelling, pour la direction d’acteurs et pour instaurer une ambiance inquiétante, tout en privilégiant l’émotion et les liens entre les personnages. Pas étonnant que le metteur en scène se soit vu remettre le Prix Goya du meilleur nouveau réalisateur en 2018. En fait ce que l’on retient avant tout du Secret des Marrowbone, également influencé par les incontournables du genre (Les Innocents de Jack Clayton, Rebecca d’Alfred Hitchcock, Les Autres d’Alejandro Amenábar), c’est avant tout les comédiens.

Le rôle principal est tenu par le britannique George MacKay, l’une des révélations du magnifique Captain Fantastic de Matt Ross (2016), vu également dans la série 22.11.63 adaptée de l’oeuvre de Stephen King. Magnétique et à fleur de peau, George MacKay est assurément l’un des grands acteurs en devenir et porte admirablement le film de Sergio G. Sánchez. C’est aussi le cas de la désormais incontournable Anya Taylor-Joy. Après The Witch de Robert Eggers, Morgan de Luke Scott et Split de M. Night Shyamalan (bientôt dans Glass), la comédienne confirme son aura, son charisme et l’art d’inspirer les réalisateurs de genre. Le reste du casting est du même acabit avec Charlie Heaton (Stranger Things), Mia Goth (A Cure for Life) et Kyle Soller (la série Poldark), tous vraiment épatants.

Le Secret des Marrowbone a du mal à se sortir d’un certain cahier des charges. On sent le nouveau réalisateur appliqué, chaque plan étant particulièrement soigné, également soutenu par le travail du chef opérateur Xavi Giménez, ancien collaborateur de Jaume Balagueró sur La Secte sans nom ou de Brad Anderson sur The Machinist. Une pléthore de talents réunis à la fois devant et derrière la caméra. Si au final ce conte émeut bien plus qu’il donne les frissons, Le Secret des Marrowbone, présenté en ouverture de Gérardmer en 2018, qui mélange allègrement thriller, horreur, fantastique et histoire d’amour, n’est en aucun cas déplaisant et mérite l’attention des spectateurs et des cinéphiles.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray du Secret des Maroowbone, disponible chez Metropolitan Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est élégant, animé et musical.

Point de making-of à l’horizon, ni d’interviews, mais une grande quantité de scènes coupées (28’). Ces séquences prolongeaient notamment la relation entre Jack et Allie, ainsi que d’autres moments clés du film. Mais la plupart des scènes laissées sur le banc de montage dévoilaient également trop le twist final et l’on comprend aisément pourquoi le réalisateur les a écartées. On se demande également pourquoi elles avaient été écrites tant celles-ci paraissaient trop explicites. Une fin alternative, très jolie, est également disponible.

L’interactivité comporte également une bande-démo avant/après l’incrustation des effets visuels, ainsi que des bandes-annonces et des liens internet.

L’Image et le son

Metropolitan est synonyme d’excellence : relief, colorimétrie, piqué (acéré), contrastes (impressionnants), densité des noirs, on en prend plein les yeux. Les teintes sont chatoyantes et chaque détail aux quatre coins de l’écran est aussi saisissant qu’étourdissant. Ce transfert immaculé soutenu par un encodage AVC solide comme un roc laisse pantois d’admiration. Heureusement, les scènes sombres sont logées à la même enseigne. Ce master HD du Secret des Marrowbone permet de découvrir le film dans de superbes conditions. Le léger grain inhérent à la photo d’origine est respecté.

Le spectateur est littéralement plongé dans l’atmosphère du film grâce aux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 anglais et français. La composition de Fernando Velázquez est distillée par l’ensemble des enceintes. Nous sommes en plein conte et les latérales, ainsi que les frontales et le caisson de basses remplissent parfaitement leur fonction, à savoir distiller un lot conséquent d’effets qui font sursauter, même à bas volume. Les conditions acoustiques sont donc soignées, amples, précises, les voix des comédiens jamais noyées. Une piste Audiodescription est également disponible, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Metropolitan FilmExport / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Fille de Dracula, réalisé par Jess Franco

LA FILLE DE DRACULA réalisé par Jess Franco, disponible en combo DVD/Blu-ray le 5 juin 2018 chez Artus Films

Acteurs :  Carmen Yazalde, Anne Libert, Alberto Dalbés, Howard Vernon, Daniel White, Jesús Franco, Fernando Bilbao, Carmen Carbonell

Scénario :   Jess Franco

Photographie : José Climent

Musique : René Sylviano, Daniel White

Durée : 1h22

Année de sortie : 1972

LE FILM

Louisa se rend dans le manoir familial où l’attend sa grand-mère, la baronne Karlstein. Celle-ci, mourante, lui dévoile la malédiction qui pèse sur leur famille depuis des générations. En effet, dans la crypte, repose leur ancêtre, Dracula, qui a toujours besoin de sang de jeunes femmes.

Ancien assistant d’Orson Welles sur Falstaff, Jesús Franco Manera dit Jess Franco (1930-2013) a réalisé près de 200 films, depuis son premier succès L’horrible docteur Orloff (1961). Agrémentant ses films d’horreur d’un érotisme aussi esthétique que sulfureux, il va enchaîner les films à un rythme infernal, adaptant Sade, Masoch, Mirbeau. Sa muse, Soledad Miranda, disparue, il trouve en Lina Romay sa nouvelle et ultime égérie, qu’il magnifiera de films en film. Bien plus qu’un simple artisan boulimique de pellicules, Jess Franco, également connu sous les pseudonymes de Clifford Brown, Adolf M. Frank, J.P. Johnson, David Khune et Jess Frank, restera un véritable auteur, un cinéaste doué et prolifique. Les titres de ses films restent très explicites : Le Sadique Baron Von Klaus (1962), Le Diabolique docteur Z (1966), Sumuru, la cité sans hommes (1969), Les Inassouvies (1970), Le Journal intime d’une nymphomane (1972), Les Expériences érotiques de Frankenstein (1973) et bien d’autres.

Production franco-portugaise sortie en 1972, La Fille de Dracula n’est clairement pas l’un de ses meilleurs opus et décontenancera même les amateurs de petits films d’horreur, puisque ce qui intéresse une fois de plus Jess Franco c’est de mettre toutes ses comédiennes à poil dès qu’il en a l’occasion. Soyons honnêtes, cet opus n’apporte absolument rien au mythe et cette variation ennuie souvent pendant ses 82 minutes.

Une jeune fille, Luisa, rend visite à sa grand-mère mourante, la baronne Karlstein, dans sa demeure. Avant de mourir, elle lui dévoile la malédiction qui pèse sur leur lignée familiale depuis des générations. La crypte dans le sous-sol de sa maison renferme l’ancêtre Karlstein, connu sous le nom de Dracula, et l’on doit s’assurer qu’il ne boira plus jamais de sang. Mais ce dernier, toujours avide de chair fraîche, sort de sa tombe et oblige Luisa, en la plongeant dans une transe sexuelle, à séduire de jeunes filles pour ensuite les ramener à lui pour qu’il suce leur sang. Mais Luisa, vampirisée par ce dernier, y prend également goût…

Bon, La Fille de Dracula n’est pas non plus mauvais hein, c’est juste que Jess Franco passe un peu trop de temps à filmer les corps nus, certes désirables et sensuels, de ses comédiennes, en jouant avec le zoom sur les poitrines tendues vers la caméra ou sur les pubis généreux. Tout cela pendant qu’un piano de bastringue s’emporte pour essayer de donner du rythme à cette succession de cadres redondants. On en viendrait même à oublier que le film est tout d’abord pensé comme une relecture d’une des grandes figures du cinéma d’horreur. Heureusement, quelques gros plans sur des incisives aiguisées, des cous recouverts de ketchup (ou de tabasco) et un cercueil qui s’ouvre sur le célèbre comte Dracula, « interprété » par un Howard Vernon fardé qui passe son peu de temps à l’écran allongé ou à se relever légèrement pour s’étirer, nous sortent un peu de la léthargie.

A côté de cela, les séquences saphiques sont plutôt jolies à regarder et Jess Franco parvient à plonger les spectateurs dans une sorte de transe chaleureuse et agréable. Sur un rythme en dents de (vampires) scie, le réalisateur espagnol compile les séquences très réussies à l’instar de la première scène de « voyeurisme » très giallesque, qui alterne les gros plans sur un oeil écarquillé et ceux sur la jeune femme épiée en prenant son bain, avec d’autres beaucoup plus anecdotiques liées à l’enquête policière. La Fille de Dracula, un des neuf films que Jess Franco mettra en scène en 1972, comblera donc les fans de belles poupées dénudées, surtout la troublante Britt Nichols qui ne laisse pas du tout indifférent, mais risque de frustrer celles et ceux qui s’attendaient à un véritable film d’épouvante.

LE BLU-RAY

La Fille de Dracula est disponible chez Artus Films, dans un très beau combo DVD/Blu-ray. La jaquette au visuel soigné est glissée dans un boîtier de couleur noire. Le menu principal est fixe et muet.

En plus d’un diaporama, l’éditeur propose une intervention de Jean-François Rauger (19’), disponible dans une qualité fort médiocre, comme si le directeur de la programmation de la Cinémathèque avait été enregistré via sa webcam. Toujours est-il que cet entretien est comme d’habitude passionnant, riche en anecdotes sur la carrière de Jess Franco, auquel Jean-François Rauger semble très attaché. La Fille de Dracula est replacé dans la filmographie du cinéaste. Notre interlocuteur évoque également les intentions, mais surtout l’approche du mythe de l’épouvante par le réalisateur, et n’hésite pas à comparer Jess Franco à Jean-Luc Godard dans ses partis pris de déconstruction du cinéma classique.

L’Image et le son

Qui aurait pu croire qu’une œuvre de Jess Franco serait choyée de la sorte ? Si certains points blancs restent visibles sur les très nombreux zooms, la copie restaurée est très élégante et l’apport HD n’est pas sans donner un nouvel intérêt à La Fille de Dracula. Le piqué est éloquent, la patine argentique heureusement conservée, les couleurs très appréciables et les détails indéniables sur les décors. Très beau lifting.

Seule la version française est disponible. Le confort acoustique est assuré, l’espace phonique se révèle probant et les dialogues sont clairs, nets, précis. Aucun souffle ne vient parasiter votre projection et l’ensemble reste propre.

Crédits images : © Artus Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Insidious : la dernière clé, réalisé par Adam Robitel

INSIDIOUS : LA DERNIÈRE CLÉ (Insidious: The Last Key) réalisé par Adam Robitel, disponible en DVD et Blu-ray le 9 mai 2018 chez Sony Pictures

Acteurs :  Leigh Whannell, Lin Shaye, Angus Sampson, Kirk Acevedo, Caitlin Gerard, Spencer Locke, Josh Stewart, Bruce Davison…

Scénario :   Leigh Whannell

Photographie : Toby Oliver

Musique : Joseph Bishara

Durée : 1h45

Année de sortie : 2018

LE FILM

Le docteur Elise Rainier, la brillante parapsychologue, va affronter le cas le plus effrayant et le plus personnel de son histoire : elle doit intervenir dans sa propre maison…

Annoncé comme étant le dernier volet de la saga (avant un reboot à la Saw dans quelques années ?), Insidious : La Dernière Clé se déroule en fait avant les événements du premier film réalisé par James Wan en 2010. Si l’on a constamment l’impression que les producteurs ont tout fait pour tirer sur la corde en espérant engranger le maximum de billets verts grâce à la renommée des précédents opus, surtout des deux premiers en fait, ce quatrième chapitre n’est pas déplaisant. La Dernière Clé fait « suite » à Insidous : Chapitre 3 de Leigh Whannell (2015), préquel aux deux précédents volets (vous suivez ?), qui se focalisait sur le personnage d’Elise Rainier, médium qui devenait finalement la protagoniste de la franchise puisque celle-ci apparaît dans chaque épisode.

Des années avant les événements des trois précédents films, durant la jeunesse d’Elise Rainier dans le Nouveau-Mexique, cette dernière commence à être hantée par un esprit maléfique et démoniaque dans sa propre maison, la poussant plus profondément dans le Lointain (« The Further »). Plusieurs années après, une famille dit être victime d’événements paranormaux et fait appel à Elise. Seulement cette fameuse famille habite dans sa maison d’enfance et le démon dévoreur d’âmes qui hantait Elise dans le passé, semble être revenu. Secondée par deux parapsychologues, Tucker et Specs, Elise accepte alors de tenter d’entrer en contact avec les morts. Forcée de s’aventurer dans les tréfonds de l’au-delà, Elise va affronter le pire ennemi qu’elle ait jamais rencontré…

Oui bon d’accord, les scénaristes raclent les fonds de tiroir pour épuiser le filon. Toutefois, Insidious : La Dernière Clé est loin d’être honteux ou décevant. C’est juste qu’il n’a pas la prétention de rivaliser avec les deux films signés James Wan, encore producteur ici. Après Leigh Whannel, scénariste et co-créateur de la saga avec James Wan et interprète du chasseur de fantômes Specs, la mise en scène est cette fois confiée à Adam Robitel, réalisateur, monteur, producteur et scénariste (Paranormal Activity 5 : Ghost dimension) du formidable film d’épouvante L’Etrange cas Deborah Logan, qui prenait alors la forme d’un documenteur, avec quelques témoignages face caméra et extraits de journaux télévisés.

Insidious : La Dernière Clé n’est pas vraiment un film d’horreur. Bien sûr, nous retrouvons quelques éléments qui ont fait le succès de la franchise, comme l’errance dans le « Lointain », mais ce quatrième chapitre fonctionne surtout du point de vue dramatique. L’enfance d’Elise en 1954 est racontée à travers un excellent prologue qui fait froid dans le dos, sans trop en faire, grâce à une excellente utilisation du son et l’interprétation d’une jeune comédienne très convaincante. La suite du film est un peu plus chaotique, mais fonctionne grâce à l’investissement de Lin Shaye, qui retrouve pour la quatrième fois, et probablement la dernière, son personnage de médium charismatique. Le film n’est pas dépourvu d’humour grâce à ses deux acolytes. Elise fait face à un démon également très réussi avec ses doigts munis de clés qui lui permettent de « fermer » le clapet de celles et ceux qui hurlent devant lui, mais aussi de cloîtrer leurs esprits.

Alors certes, Insidious : La Dernière Clé, toujours produit par Jason Blum, ne fait pas vraiment peur, mais le spectacle et le divertissement sont facilement assurés. Le public s’est d’ailleurs déplacé en masse, le film étant devenu le plus grand succès de la saga dans le monde entier, y compris en France. Mais il est temps de passer à autre chose maintenant !

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Insidious : La Dernière Clé repose un boîtier classique de couleur bleue, glissé dans un surétui cartonné. Le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film. Le menu principal est fixe et musical.

Cette édition comprend huit scènes coupées (sobrement intitulées « scènes effrayantes effacées ») qui n’apportent pas grand-chose au final et qui ont visiblement été écartées pour des questions de rythme (19’). La fin alternative (3’) montrait la libération des âmes perdues après la mort de Key Face.

S’ensuivent trois featurettes promotionnelles, Rencontrez le Nouveau Démon – Déverrouillez les clés (2’30), Voyage dans le Lointain (3’30) et Incarner Elise (5’30). Le réalisateur, les acteurs, la chef costumière, la chef décoratrice et les producteurs présentent les enjeux d’Insidious : La Dernière Clé avec professionnalisme, sans en faire des tonnes, donnant envie d’en savoir plus sur ce dernier volet. Des images de tournage, des maquillages et des effets spéciaux sont également au programme.

L’Image et le son

Insidious : La Dernière Clé est un film sombre et la Haute définition restitue habilement la photo du chef opérateur Toby Oliver (Get Out, Happy Birthdead). Les volontés artistiques sont donc respectées, sans aucune perte du piqué et des détails dans les scènes les moins éclairées. Ce master HD demeure impressionnant de beauté, le cadre est sublime, les contrastes affichent une densité remarquable (du vrai goudron en ce qui concerne les noirs) et la colorimétrie froide est optimale. Un vrai régal pour les yeux. Un disque de démo.

Les deux versions DTS-HD Master Audio 5.1 font quasiment match nul en ce qui concerne la délivrance des ambiances sur les enceintes latérales, la restitution des dialogues et la balance frontale. Le spectateur est littéralement plongé dans ce quasi-huis clos, la spatialisation reste solide tout du long et le caisson de basses est utilisé à bon escient. Sans surprise, la version originale l’emporte de peu sur l’homogénéité et la fluidité acoustique, ainsi que sur le report des voix.

Crédits images : © Sony Pictures Releasing France / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / L’Enfer des zombies, réalisé par Lucio Fulci

L’ENFER DES ZOMBIES (Zombi 2) réalisé par Lucio Fulci, disponible en Édition Collector Blu-ray + DVD + Livre le 2 mai 2018 chez Artus Films

Acteurs :  Tisa Farrow, Ian McCulloch, Richard Johnson, Al Cliver, Olga Karlatos, Auretta Gay, Stefania D’Amario, Ugo Bologna…

Scénario :  Dardano Sacchetti, Elisa Briganti

Photographie : Sergio Salvati

Musique : Fabio Frizzi

Durée : 1h31

Année de sortie : 1979

LE FILM

Un voilier semblant abandonné dérive lentement dans la baie de New York. Les garde-côtes interviennent et se font agresser par une créature monstrueuse qui y gisait caché. Après avoir résisté aux balles, la créature plonge dans l’eau et disparaît. Anne Bowles (Tisa Farrow), la fille du propriétaire du bateau, alors porté disparu, décide d’en savoir plus. En compagnie de Peter West (Ian McCulloch), un journaliste, elle se rend sur l’île de Matoul, dans les Antilles, d’où provient le navire. Sur place, ils rencontrent le docteur Ménard (Richard Johnson), un scientifique confronté depuis plusieurs semaines à de curieux phénomènes. Les morts sortent de leurs tombes pour dévorer les vivants…

Lucio Fulci (1927-1996), qui se destinait d’abord au monde de la médecine, décide de se tourner vers le cinéma et intègre le Centro Sperimentale di Cinematografia de Rome, en suivant les cours de Michelangelo Antonioni et de Luchino Visconti. Il devient l’assistant du réalisateur Marcel L’Herbier sur Les Derniers Jours de Pompéi en 1950. Mais c’est avec le cinéaste Steno, de son vrai nom Stefano Vanzina, que Fulci fait réellement ses classes, sur des comédies interprétées par Totò. Progressivement, Lucio Fulci devient scénariste et signe Une fille formidable de Mauro Bolognini, Un Americano a Roma de Steno avec l’immense Alberto Sordi. Il passe enfin derrière la caméra en 1959 avec I Ladri, une comédie portée par… Totò. La boucle est bouclée. Dans les années 1960, Lucio Fulci enchaîne moult comédies avec le duo aussi célèbre en Italie qu’improbable chez nous, Franco Franchi et Ciccio Ingrassia. Si le succès est au rendez-vous, il commence sérieusement à vouloir changer son fusil d’épaule et démontrer qu’il est capable de réaliser autre chose que des comédies. Il signe un western avec Franco Nero (Le Temps du massacre, 1966), un drame (Liens d’amour et de sang, 1969). Mais le véritable tournant s’opère en 1969 avec le giallo Pervertion Story – La Machination (Una sull’altra).

Un an après l’onirique, poétique, sensuel, cruel, oppressant, kafkaïen Le Venin de la peur – Una lucertola con la pelle di donna, et la même année que sa comédie érotique Obsédé malgré lui, Lucio Fulci signe un de ses films les plus célèbres, La Longue nuit de l’exorcisme – Non si sevizia un paperino. S’ensuivent deux aventures de Croc-Blanc (1973 et 1974), Les Quatre de l’apocalypse (1975) et L’Emmurée vivante (1977). A la fin des années 1970, la carrière de Lucio Fulci bat de l’aile après quelques échecs successifs, tandis que sa fille connaît un très grave accident et que son divorce l’a laissé sur la paille. Contre toute attente, le producteur Fabrizio De Angelis lui confie les commandes de L’Enfer des Zombies, titre opportuniste surfant sur le triomphe du Zombie de George A. Romero, dont le montage européen avait été confié à Dario Argento. Sur un scénario écrit par Dardano Sacchetti (Le Chat à neuf queues, La Baie sanglante, Le cynique, l’infâme, le violent, L’emmurée vivante) même si crédité sous le nom de sa femme Elisa Brigranti, L’Enfer des Zombies va non seulement relancer la carrière de Lucio Fulci, comme il n’aurait jamais pu l’espérer, être à l’origine de tout un tas d’ersatz, et surtout devenir et rester un des films les plus emblématiques du genre.

Alors oui, merci à George A. Romero et à Dario Argento. Mais quand même, L’Enfer des Zombies n’a rien du plagiat longtemps évoqué, en particulier par le second, plus outré par l’utilisation opportuniste du titre que par la réelle copie de Zombie. D’une part, parce que Lucio Fulci et Dardano Sacchetti ne traitent pas la figure du mort-vivant de la même façon que leurs prédécesseurs (modernes chez Romero qui fustige la société de consommation, renvoyant aux sources du vaudou chez Fulci), d’autre part parce que L’Enfer des Zombies est un pur film de mise en scène, virtuose du début à la fin, qui porte la griffe du cinéaste à chaque plan. Si Zombi 2 est un film de commande pour lequel Lucio Fulci était loin d’être le premier choix (Enzo G. Castellari avait demandé un salaire astronomique, puis rapidement remercié), ce dernier se l’est bel et approprié pour en faire une œuvre personnelle, sans doute comme un exutoire. Car L’Enfer des Zombies est non seulement un film hypnotique, qui se regarde comme un véritable cauchemar éveillé, mais c’est aussi et surtout un thriller dramatique très violent, dans lequel le réalisateur a pour la première fois recours à des séquences particulièrement gore. Ces scènes ont marqué le public et participé au triomphe international de Zombi 2. Aujourd’hui encore, elles demeurent d’une redoutable efficacité, grâce aux incroyables maquillages et effets spéciaux à l’instar de l’énucléation par l’écharde de bois. Plus qu’aux films de zombies qui l’ont précédé, L’Enfer des Zombies s’apparente souvent à une relecture de L’Île du docteur Moreau version Earl C. Kenton (1932) matinée du Vaudou de Jacques Tourneur (1943).

 Lucio Fulci est lui-même épaulé par des valeurs sûres avec notamment Sergio Salvati, qui signe une magnifique photographie éthérée, moite, poisseuse, crépusculaire, réalisée en CinémaScope. Les plans sur la baie de Manhattan restent gravées dans toutes les mémoires, tout comme la célèbre séquence de plongée où la comédienne Auretta Gay, à peine vêtue d’un string-ficelle, se retrouve nez à nez avec un requin…et un zombie au fond de l’océan ! L’épilogue, tourné sans aucune autorisation sur le pont de Brooklyn, est également inoubliable, tandis que la partition de Fabio Frizzi reste bien longtemps dans un coin de la tête.

Pierre angulaire du film d’horreur en Italie, L’Enfer des Zombies sait jouer avec les nerfs des spectateurs, prenant même le risque de le faire patienter au beau milieu du film (avec l’aide de quelques plans topless très agréables ceci dit), pour mieux le surprendre et le plonger dans un déferlement de violence graphique, de terreur, de torrents de chair et d’hémoglobine, dans un dernier acte absolument fascinant. Et l’expérience proposée par Lucio Fulci est encore intacte.

LE BLU-RAY

Attention, attention ! Voilà probablement l’un des plus beaux objets que vous pourrez trouver sur le marché en 2018 ! Artus Films a concocté un magnifique et luxueux Mediabook estampillé « Collection Lucio Fulci », au visuel clinquant et en plus doux au toucher. Cette édition se compose du Blu-ray et du DVD glissés dans des compartiments cartonnés, ainsi que d’un incroyable livre de 80 pages (Fulci, zombies et opportunisme : quand les morts-vivants ont envahi le cinéma italien) rédigé par Lionel Grenier (rédacteur en chef du site luciofulci.fr), Gilles Vannier (Psychovision), David Didelot (Videotopsie), Didier Lefèvre (Medusa), le tout supervisé par le premier. Vous y trouverez de fabuleux visuels, photos et affiches, des extraits d’entretiens, un retour sur la genèse du film, des extraits du scénario original, une analyse sur la figure du zombie chez Lucio Fulci, une autre sur le cinéma d’épouvante en Italie, etc. Nous ne reviendrons pas sur la polémique stérile quant à l’absence des bonus anciennement disponibles sur l’édition DVD Neo Publishing. Artus Films livre un vrai et grand travail éditorial et a mis toute sa passion pour le genre dans ce Mediabook, sans oublier l’incroyable beauté de la copie HD.

Spécialiste et auteur de Lucio Fulci – le poète du macabre, écrit avec Jean-François Rauger, mais aussi rédacteur en chef du site luciofulci.fr, Lionel Grenier nous propose une formidable présentation, analyse et critique de L’Enfer des zombies (19’). Il replace le film dans la carrière du maître, évoque sa genèse, l’équipe technique, le casting, les conditions de tournage, les accusations de plagiat de la part de Dario Argento. Dans un second temps, il se penche davantage sur le fond et les partis pris du film.

S’ensuit un long entretien avec le scénariste de Dardano Sacchetti (41’). Sans langue de bois, l’auteur des Guerriers du Bronx, Pulsions cannibales, L’au-delà, 2072, les mercenaires du futur donne sa version de la mise en route de L’Enfer des zombies, de l’arrivée de Lucio Fulci sur le projet et du tournage du film qui nous intéresse. Notons que quelques-uns en prennent pour leur grade comme le producteur Fabrizio De Angelis (« qui ne se gênait pas pour copier les autres »), tout en se couvrant de louanges : « j’étais le seul qui faisait mourir de peur les mémés ! […] j’ai créé le slasher avec La Baie sanglante, et l’autre con nous pond un Vendredi 13 qui en est un plagiat total ! ».

C’est au tour du maquilleur Maurizio Trani de revenir sur son travail sur L’Enfer des zombies (20’). Fils et neveu de créateurs de maquillages pour le cinéma, notre interlocuteur évoque sa collaboration avec son maître Giannetto De Rossi et bien sûr ses créations les plus marquantes sur le film de Lucio Fulci. Les anecdotes de tournage sont savoureuses. Notons une apparition rapide de Rosario Prestopino, confrère de Maurizio Trani, décédé en 2008.

Le dernier entretien se déroule en compagnie d’Alain Petit (11’). Fidèle complice d’Artus Films, l’historien du cinéma se souvient surtout ici de la programmation inespérée de L’Enfer des zombies dans le cadre de l’émission Quartier interdit, diffusée de septembre 1998 à août 2002. Comme une réponse à son propre Cinéma de quartier, Jean-Pierre Dionnet y présentait ici des films déviants, gore, avec bien sûr une prédilection pour les séries B et Z interdites aux moins de 13 et 18 ans. Nous apprenons que Dionnet (et Petit donc, alors assistant), avaient réussi à programmer la version intégrale du film de Lucio Fulci, mais uniquement en vostf à une heure avancée de la nuit, alors que la version française censurée avait été proposée juste avant. Ce qui avait décontenancé quelques cinéphiles qui avaient voulu réenregistrer la VF de L’Enfer des zombies sur leur VHS originale et qui s’étaient finalement retrouvés avec un montage coupé ! En 2002, Dominique Farrugia, alors président de Canal+, décide de mettre fin à l’émission.

L’interactivité se clôt sur le film-annonce original (qui annonçait aux spectateurs qu’un sac à vomi sera mis à leur disposition à l’entrée du cinéma) et la bande-annonce française d’époque.

L’Image et le son

C’est sublime. Comment dire les choses autrement ? Artus Films livre un master HD restauré 2K qui comblera de joie même les plus difficiles. Les splendides partis-pris esthétiques du directeur de la photographie Sergio Salvati trouvent en Blu-ray un nouvel écrin et se voient entièrement respectés, y compris dans les défauts originaux liés à la pellicule, qui font partie du charme du film. Point de réducteur de bruit à l’horizon, le grain est présent tout en étant discret (même sur les plans légèrement enfumés, difficiles à consolider), la photo ouatée et suintante est savamment restituée pour les scènes sur l’île, la colorimétrie retrouve un éclat inédit et le piqué est probant. Le format 2.35 est conservé, la profondeur de champ très appréciable. L’encodage AVC est solide, la gestion des noirs impeccable, la stabilité indéniable, la propreté exceptionnelle (un ou deux points blancs sans importance) et le niveau de détails impressionnant, y compris lors de l’incroyable séquence sous-marine. L’Enfer des zombies qui affiche déjà près de quarante ans au compteur peut se targuer d’un lifting de premier ordre et d’un transfert d’une folle élégance. Le film est présenté dans sa version intégrale non censurée. Notons également que l’éditeur est reparti du négatif original transféré en 2K (puis nettoyé et restauré en France), puisque celui restauré et fourni par les ayants droits avait entre autres complètement perdu sa patine argentique. Autant dire qu’Artus ne s’est pas laissé aller à la facilité comme certains auraient pu être tentés de le faire !

Alors oui il n’y a pas de version anglaise sur le Blu-ray. Et alors ? A l’instar des films de Sergio Leone qui réunissaient des vedettes internationales, qui s’exprimaient d’ailleurs dans leur langue d’origine, L’Enfer des zombies n’a pas de « réelle » version originale en dehors de la langue italienne puisque production transalpine avant tout. Certes les comédiens s’exprimaient dans la langue de Shakespeare au moment des prises de vue, mais la version officielle est et demeure l’italienne, présente sur cette édition, alors que demander de plus ? Les versions italienne et française bénéficient d’une piste DTS-HD Master Audio Stéréo 2.0 exemplaire et limpide, restituant les dialogues avec suffisamment d’efficacité, ainsi que l’enivrante bande originale signée Fabio Frizzi qui jouit d’un coffre inédit, surtout dans le dernier acte. Les effets sont solides, le confort acoustique largement assuré. La piste française est par moments légèrement désynchronisée, mais ce problème est d’origine et en aucun cas imputable à l’éditeur. Le mixage français est peut-être sensiblement moins riche mais contentera les habitués de cette version, d’autant plus que le doublage vaut souvent son pesant. Nous échappons heureusement à un remixage 5.1 inutile. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Euro Immobilfin Srl – Rome, Italy. Licenced by Variety Communications Srl – Rome, Italy. All Rights reserved. / Artus Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Street Trash, réalisé par Jim Muro

STREET TRASH réalisé par Jim Muro, disponible en DVD et combo DVD-Blu-ray-Livret le 24 avril 2018 chez ESC Editions

Acteurs :  Mike Lackey, Bill Chepil, Vic Noto, Marc Sferrazza, Jane Arakawa, Nicole Potter, Pat Ryan, Clarenze Jarmon, Roy Frumkes…

Scénario :  Roy Frumkes

Photographie : David Sperling

Musique : Rick Ulfik

Durée : 1h42

Année de sortie : 1987

LE FILM

Fred et Kevin sont deux adolescents paumés qui vivent dans une décharge, au royaume des clochards. Par misère ou méchanceté, tous ceux qui gravitent autour du bidonville leur en veulent et essaient d’avoir leur peau, sans compter un alcool frelaté qui transforme les buveurs en une flaque de bouillie jaunâtre.

Street Trash est un film culte, un vrai. Ne ressemblant à aucun autre, unique en son genre encore trente ans après, le seul long métrage réalisé par Jim Muro reste emblématique du cinéma d’horreur des années 1980. A la seule évocation du titre, l’affiche nous apparaît avec ces deux chevilles encore fumantes plantées dans des godasses posées devant des toilettes, avec une bouteille d’alcool vidée de son contenu. Comédie d’épouvante, Street Trash n’est certes pas un chef d’oeuvre, mais cela ne l’a pas empêché de traverser le temps et d’être toujours aussi chéri par les aficionados.

Dans les tréfonds de sa réserve, le propriétaire d’une petite boutique de spiritueux découvre par hasard une caisse d’un alcool frelaté de marque Viper. Mises en vente à 1$ pièce, les bouteilles trouvent très vite preneurs, achetés par les marginaux et clochards qui peuplent une casse automobile du quartier. Ses effets sont dévastateurs, le breuvage d’origine inconnue décapant de l’intérieur ceux qui l’ingurgitent, dans un éventail de couleurs. Un flic brutal, Bill, décide de mener l’enquête sur ces étranges disparitions. Son travail le mène à Bronson, vétéran du Vietnam, chef autoproclamé des sans-abri, qui règle sur la casse et le quartier à l’aide d’un fémur humain transformé en couteau aiguisé.

Bienvenus dans Street Trash ! Ici, la crasse, la violence et la mort sont reines et omniprésentes. A peine le film commence qu’un personnage se retrouve derrière un autre qui lui lâche une grosse caisse au nez, avant même la première réplique. Mais ce qui frappe aussi d’emblée, c’est la mise en scène. Devenu l’un des plus grands spécialistes du steadicam, James M. Muro, alias Jim Muro, alors âgé de 21 ans, plonge le spectateur dans une sorte de monde parallèle planté à quelques kilomètres de Manhattan puisque les tours du World Trade Center apparaissent au loin. En glissant littéralement sur le bitume craquelé avec sa caméra, Jim Muro présente le territoire de ces laissés-pour-compte vivant dans la fange, qui ont appris à faire avec et dont la vie se résume à une loi de la jungle régie par la consommation d’alcool qui permet de faire passer le temps. Quant aux femmes, également présentes, leurs vies se résument à assouvir les pulsions sexuelles des mecs toujours en rut.

S’il ne signera que quelques épisodes de séries diverses en tant que metteur en scène (Southland, Animal Kingdom, Longmire), Jim Muro aura surtout travaillé avec les plus grands en tant que cameraman, chez Michael Mann (Heat, Révélations, Miami Vice – Deux flics à Miami), James Cameron (Abyss, Titanic, Terminator 2 : Le Jugement Dernier), Brian de Palma (L’Esprit de Caïn), Oliver Stone (JFK, L’Enfer du dimanche), Martin Scorsese (Casino) ou Kathryn Bigelow (Point Break – Extrême limite, Strange Days). Bon, son C.V. indique également Brett Ratner (Dragon rouge, X-Men: L’affrontement final, Rush Hour 3), mais quand même ! Son talent explose dans Street Trash. S’il a aujourd’hui totalement renié son film, Jim Muro livre pourtant une œuvre souvent jubilatoire, constamment inventive, qui parvient même à contourner la censure en utilisant des giclées multicolores Pop art lors des séquences d’horreur (effets spéciaux encore très réussis aujourd’hui), quand les personnages fondent après avoir bu leur gnôle.

Sous ses allures de gros délire gore réalisé par des étudiants en cinéma de la School of visual arts de New-York sous la houlette d’un de leurs professeurs, Roy Frumkes, Street Trash peut également se voir comme un « document » sur celles et ceux qui représentent la face cachée de la politique libérale reaganienne, les rebuts du rêve américain. Alors que les buildings brillent de mille feux dans la brume (ou la pollution), les bâtisses branlantes et les boutiques mal famées font le quotidien des habitants qui ont atterri là parce qu’ils ne pouvaient sans doute pas faire autrement.

Le problème de Street Trash, qui était à l’origine un court-métrage, c’est son manque de rythme. Le film s’apparente à une série de sketches reliés par le fil rouge des bouteilles d’alcool frelaté. Si Jim Muro parvient à maintenir l’intérêt sur 1h40 au moyen de quelques séquences savoureuses et mythiques, dont une partie de football américain où une bite tranchée remplace le ballon ovale, Street Trash contient quelques ventres mous et l’ennui peut s’installer. Et dire que le montage original durait 2h40 !

Satire sociale désopilante et pourtant bien acérée sur les bas-fonds dégueulasses de la société new-yorkaise, bourrée d’idées visuelles à chaque plan, Street Trash est loin de proposer un discours neutre sur les conditions de vie de ses protagonistes. C’est sans doute pour cela que cette série B au budget de 500.000 dollars a su rester une référence et qu’il dépasse de loin son simple statut de film d’horreur. En fait, Street Trash peut se voir comme un remake trash d’Affreux, sales et méchants d’Ettore Scola. Ce qui n’est pas un mince compliment.

LE BLU-RAY

Street Trash, disponible chez ESC Editions, est disponible en DVD et en édition Médiabook combo 2 DVD + Blu-ray + livret exclusif de 24 pages. Superbe objet aux couleurs étincelantes et livret concocté par Marc Toullec. Le menu principal est animé et musical sur le Blu-ray, fixe et muet sur le DVD bonus.

Le premier supplément disponible sur le Blu-ray est le court-métrage Street Trash, à l’origine du film (15’). Quand Roy Frumkes, professeur de Jim Muro découvre le film de fin d’études de ce dernier, il lui propose d’en faire un vrai long métrage. On y retrouve évidemment ce qui fera le succès de la version cinéma, à savoir les clochards, la boisson frelatée et bien sûr les personnages qui se mettent à fondre après absorption du tord-boyaux.

Le bonus suivant croise les propos souvent passionnants de Nicolas Stanzick des Cahiers du cinéma et de Fausto Fasulo de Mad Movies (33’). Le premier se souvient de sa découverte de Street Trash, film gore inventif et explosif, repoussant et pourtant jubilatoire, qui l’avait marqué à l’adolescence. Le second insiste sur le côté « film odorant, devant lequel on se sent sale ». Ensuite, les deux journalistes dressent le portrait du réalisateur Jim Muro, qui signait ici son unique long métrage, évoquent la genèse de Street Trash et les conditions de tournage de la version long métrage. La mise en scène, les décors, le premier montage de 2h40, les thèmes, les personnages, les effets visuels, l’utilisation de la couleur, l’affiche et le statut culte du film sont ensuite passés au crible sans aucun temps mort.

L’interactivité du Blu-ray se clôt sur deux bandes-annonces du film.

Mettez ensuite le DVD Bonus dans votre lecteur, pour savourer l’incroyable documentaire rétrospectif sur Street Trash, d’une durée de 120 minutes et réalisé à l’occasion du vingtième anniversaire du film. Si Jim Muro est évidemment absent (sauf via quelques images d’archives) puisqu’il refuse aujourd’hui de parler du film (qu’il a par ailleurs renié), c’est Roy Frumkes, producteur, scénariste et ancien professeur du réalisateur, qui monopolise la parole ici. Néanmoins, la plupart des comédiens et techniciens du film ont également accepté de participer à ce documentaire : Mike Lackey (Fred, également responsable des maquillages), Robert Marcucci (décorateur), Denise Labelle (directrice artistique), Vic Noto (Bronson), Tony Darrow (Nick Duran), Clarence Jarmon (Burt), David Sperling (directeur de la photographie), Bryan Singer alors assistant et bien d’autres.

La genèse, l’écriture du scénario, le parcours de Jim Muro, les conditions des prises de vues, l’élaboration du storyboard, la postproduction, la Première du film, l’affiche, la critique, sa mauvaise exploitation dans les salles et son triomphe en VHS sont longuement abordés. Le tout illustré par des photos et même des images de tournage, ainsi que des essais des comédiens et des scènes coupées au montage !

L’Image et le son

Jusqu’ici, Street Trash était disponible uniquement en DVD chez Opening, dans une copie au format original respecté 1.85 (16/9). Cette nouvelle copie restaurée proposée par ESC Editions est annoncée en 1.77, ceci à la demande du producteur, en accord avec Jim Muro. Si l’apport de la HD demeure peu indispensable pour Street Trash, force est de constater que l’image est très lumineuse, avec des couleurs éclatantes. En revanche, la texture argentique manque à l’appel. Cela est très regrettable puisque le grain original faisait non seulement partie de la photographie de David Sperling, mais rajoutait également au côté sordide des décors et des conditions de vie des protagonistes. Cette image trop lisse à notre goût est néanmoins très propre, malgré divers points blancs, le piqué est évident et les contrastes revus à la hausse.

La version française, puisque de nombreux spectateurs ont découvert puis revu le film ainsi, est proposée en DTS-HD Master Audio 2.0. Si la piste est propre, les dialogues sont parfois très forts et frôlent la saturation. Cela n’empêche pas d’apprécier les propos particulièrement fleuris. La version originale bénéficie d’un remixage DTS-HD Master Audio 5.1, aux sous-titres français non imposés. Cela profite essentiellement à la composition de Rick Ulfik, bien présente sur l’ensemble des canaux. Plus homogène, cette version est également plus dynamique avec quelques effets de basses sympathiques, même si le volume des voix aurait pu être plus élevé.

Crédits images : © Roy Frumkes / ESC Editions/ Captures Blu-ray et DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test DVD / Frightmare, réalisé par Pete Walker

FRIGHTMARE réalisé par Pete Walker, disponible en DVD chez Uncut Movies le 3 avril 2017

Avec :  Sheila Keith, Rupert Davies, Deborah Fairfax, Kim Butcher, Paul Greenwood, Fiona Curzon…

Scénario : Pete Walker, David McGillivray

Photographie : Peter Jessop

Musique : Stanley Myers

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

Quinze ans après avoir été emprisonné pour avoir commis les crimes les plus horribles et les plus violents, Dorothy et Edmund Yates sont libérés dans la collectivité. Mais malgré les efforts déployés d’Edmund, Dorothy retrouve ses tendances cannibales et elle est bientôt encore rendue à commettre des meurtres horribles. Pendant ce temps, leur fille et belle-fille Debbie et Jackie commencent à être tirées dans leur étrange spirale de violence, et l’une d’elles pourrait même avoir hérité du goût de la chair humaine de Dorothy…

La même année que Flagellations – House of Whipcord, le réalisateur Pete Walker et le scénariste David McGillivray remettent le couvert avec ce qui reste aujourd’hui leur collaboration la plus célèbre, Frightmare. Né en 1939, Pete Walker débute par des courts-métrages dénudés (Soho Striptease, The Girl That Boys Dream About, Please Do Not Touch) qu’il produit lui-même et revend sous le manteau, avant de passer au long-métrage en 1968 avec The Big Switch. Suivront alors des œuvres aux titres explicites L’Ecole du sexe, Der Porno-Graf von Schweden, Four Dimensions of Greta en relief !. Puis, il change de registre en abordant l’épouvante avec Meurs en hurlant, Marianne et Le Rideau de la mort. Si pour les aficionados, les cinéphiles et les amateurs de films de genre, Flagellations reste leur film de prédilection, Frightmare est unanimement salué comme étant son œuvre la plus ambitieuse et la plus réussie, à tel point que certains en viennent à préférer ce film au Massacre à la tronçonneuse de Tobe Hooper, sorti la même année et avec lequel il partage quelques points communs.

Dorothy Yates vit avec son mari Edmund dans une petite ferme isolée à l’abri des regards indiscrets. La vieille femme dissimule en réalité un terrible passé puisqu’elle fut internée pendant de nombreuses années aux côtés de son époux pour avoir commis une série de meurtres brutaux sur fond de cannibalisme. Aujourd’hui libérée et réintégrée dans la société Dorothy mène une vie tranquille sous l’œil bienveillant de son mari hier complice par amour des crimes de son épouse. En réalité la vieille femme n’a rien perdu de sa démence et va de nouveau céder à l’appel de la chair humaine dont elle se révèle après toutes ces années de psychanalyse toujours aussi friande ! Dorothy attire ainsi secrètement chez elle ses victimes pour leur tirer les cartes avant de les massacrer avec sauvagerie et de se repaitre de leur cervelle encore tiède. Seule Jackie, la fille d’Edmund, semble prendre conscience de la nouvelle dérive meurtrière de sa belle-mère. Parviendra-t-elle à mettre un terme à ce carnage qui ensanglante de nouveau la campagne anglaise ?

Avec Flagellations (1974), Frightmare (1974) et Mortelles confessions (1976), le cinéaste Pete Walker mérite largement d’être réévalué, reconnu et réhabilité. Sur un sujet scabreux et à ne pas mettre devant tous les yeux, le réalisateur britannique fait preuve d’une incroyable virtuosité et instaure progressivement une peur, une angoisse sourde avec pourtant une économie d’effets frontaux. Particulièrement dérangeant, Frightmare happe d’emblée le spectateur avec un prologue en N&B, qui se déroule en 1957 dans le décor d’une fête foraine désertée. S’ensuit le meurtre hors-champ d’un homme, puis le procès d’un couple reconnu comme étant les assassins. En entendant la sentence, cet homme et cette femme, dont nous ne voyons pas les visages, se prennent la main. Retour à la couleur, place au sang, quinze ans plus tard. Pete Walker aborde le cannibalisme dans une famille dégénérée, où le goût du sang et des viscères se transmet génétiquement.

La photographie de Peter Jessop appuie la crasse environnante, désormais théâtre des histoires de monstres à visages humains. Si le casting est comme d’habitude soigné, la comédienne Sheila Keith tire une fois de plus son épingle du jeu dans le rôle de Dorothy Yates, celle par qui le mal arrive dans la famille. Comme dans Flagellations et avant Mortelles confessions, l’actrice se délecte d’un rôle difficile qui lui permet de créer un personnage repoussant, tout en lui insufflant une évidente humanité. Pete Walker joue avec l’empathie du spectateur puisqu’il démontre une fois de plus que les institutions sont incapables de prendre en charge et de soigner un tel cas pathologique et schizophrénique. Quelques années après avoir été enfermée avec son époux Edmund, complice de ses meurtres, Dorothy Yates ressort d’un institut psychiatrique après avoir été jugée apte à être réinsérée dans la société. Seulement voilà, sitôt remise en liberté, Dorothy replonge immédiatement, avec le soutien de son époux, amoureux transi, et de sa belle-fille Debbie (excellente Deborah Fairfax) qui essaye de déjouer l’appétit déviant de sa belle-mère. Mais c’était sans compter le mal qui s’est transmis à la fille de Dorothy et d’Edmund.

Véritable film d’horreur moderne et thriller psychologique produit en totale indépendance, Frightmare n’a rien à envier à Texas Chain Saw Massacre avec son ambiance oppressante. Son final très sombre n’a pas fini de triturer les méninges.

LE DVD

Uncut Movies frappe fort avec cette édition DVD Collector limitée et numérotée à 1000 exemplaires de Frightmare ! Le disque repose dans un sublime Digipack constitué d’un livret de 28 pages merveilleusement illustré, avec en introduction un mot de l’éditeur et la présentation du label Uncut Movies, puis un petit focus sur les maîtres de l’horreur britannique et une analyse de quelques-uns des films les plus célèbres de Pete Walker. Sans oublier un petit poster collector du film tiré de son exploitation italienne. Le menu principal est animé et musical. Un très bel objet de collection.

Cette édition de Frightmare s’accompagne d’une galerie de photos, du trailer original du film, de bandes-annonces Uncut Movies et surtout d’une large présentation de l’oeuvre de Pete Walker qui nous intéresse ici, par l’expert, monsieur David Didelot. 1H17 en compagnie de ce dernier, cela ne se refuse pas. Le co-fondateur du fanzine Vidéotopsie revient armé jusqu’aux dents de VHS, d’ouvrages et de DVD pour illustrer ses propos toujours aussi passionnants et qui donnent furieusement envie de se jeter sur tous les titres Bis évoqués. Pas un seul moment de répit pour David Didelot qui dresse un fabuleux portrait du réalisateur Pete Walker. Ses débuts au cinéma, ses films, ses partis pris, ses intentions, sa rencontre déterminante avec le scénariste David McGillivray, mais également son ambiguïté sont passés au crible. Ne tarissant pas d’éloges sur ce réalisateur indépendant qu’il affectionne tout particulièrement, David Didelot déclare que Pete Walker mériterait d’être reconsidéré à sa juste valeur. Au bout de 50 minutes, Frightmare est analysé – dans le fond comme dans la forme – par notre spécialiste du Bis, évoquant également le casting, l’accueil critique, la sortie du film et les divers titres d’exploitation.

L’Image et le son

Ce DVD permet de (re)découvrir le film de Pete Walker dans de très bonnes conditions techniques. Souvent nette et précise, la copie est bien restaurée avec des contrastes appréciables, une image propre, le grain argentique préservé, un piqué élégant et des détails qui étonnent souvent par leur précision, en particulier les gros plans. Le prologue en N&B est plus altéré avec des points, poussières et autres scories visibles. Cela s’améliore dès le passage à la couleur. La photo hivernale, grisâtre, sombre du chef opérateur Peter Jessop (Schizo, Mortelles confessions) est élégamment restituée avec ses teintes fanées. N’oublions pas la stabilité d’ensemble.

Point de version française ici. Le mixage anglais aux sous-titres français (non imposés) instaure une écoute propre avec parfois quelques sensibles chuintements dans les aigus, mais rien de bien méchant.

Crédits images : © Uncut Movies / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr