PHASE IV réalisé par Saul Bass, disponible en DVD, Blu-ray et Édition Coffret Ultra Collector – Blu-ray + DVD + Livre le 17 juin 2020 chez Carlotta Films.
Acteurs : Nigel Davenport, Michael Murphy, Lynne Frederick, Alan Gifford, Robert Henderson, Helen Horton…
Scénario : Mayo Simon
Photographie : Dick Bush
Musique : Brian Gascoigne
Durée : 1h23
Date de sortie initiale : 1974
LE FILM
Ernest Hubbs, un biologiste anglais, observe un dérèglement du comportement des fourmis dans une vallée de l’Arizona. Des espèces autrefois en conflit se mettent à communiquer entre elles, tandis que leurs prédateurs habituels disparaissent de façon inquiétante. Le professeur recrute le scientifique J.R. Lesko, spécialiste du langage, pour étudier ce curieux phénomène. Ce qu’ils vont bientôt observer sur place dépasse l’entendement…
Phase IV. Film culte. C’est ainsi que l’on pourrait résumer le seul et unique long métrage réalisé par le légendaire Saul Bass (1920-1996). Quand il entreprend Phase IV, le designer et graphiste a déjà vingt ans de carrière dans le domaine cinématographique, dont trois courts-métrages à son actif, The Searching Eye (1964), From here to There (1964) et Why Man Creates ? (1968) qui remporte un Oscar en 1969. Trois films qui posent d’emblée un ton, une ambiance, une atmosphère, un style, une griffe, ainsi que les sujets qui le fascineront toute sa vie, dont un en particulier, la place de l’homme sur Terre, dans l’univers. Extraordinaire long métrage avant-gardiste, ambitieux et expérimental, Phase IV fascine autant qu’il incite à la réflexion, éblouit autant qu’il tente de dialoguer avec le spectateur. Philosophique, métaphysique, hypnotique mais aussi sublime, le film de Saul Bass n’a jamais livré toutes ses clés et s’inscrit de façon indélébile dans la mémoire du cinéphile.
LES DAMNÉS (The Damned) réalisé par Joseph Losey, disponible en Édition Blu-ray + DVD + Livret le 4 février 2020 chez ESC Editions.
Acteurs : Macdonald Carey, Shirley Anne Field, Viveca Lindfors, Alexander Knox, Oliver Reed, Walter Gotell, James Villiers, Tom Kempinski, Kenneth Cope, Brian Oulton…
Scénario : Evan Jones d’après le roman d’après le roman « The Children of Light » de H.L. Lawrence.
Photographie : Arthur Grant
Musique : James Bernard
Durée : 1h31
Date de sortie initiale : 1962
LE FILM
Dans un petit port britannique de la côte sud, l’Américain Simon Wells est dévalisé par une bande de blousons noirs dirigés par King. La soeur de ce dernier, Joan, qui a servi d’appât, prend la défense de Wells et s’enfuit avec lui à bord de son petit yacht. Un peu plus tard, caché dans une maison sur la falaise, refuge de la sculpteur Freya, la maîtresse de Bernard, un agent du gouvernement, le couple est retrouvé par King et sa bande. En fuyant à nouveau, Joan et Simon tombent de la falaise et prennent pied dans une grotte où ils sont bientôt rejoints par King.
Produit entre les formidables Maniac (1963) de Michael Carreras et Paranoïaque (1964) de Freddie Francis, Les Damnés – The Damned, ou bien encore These Are the Damned pour son exploitation aux Etats-Unis, a pour particularité d’avoir été mis en scène par un réalisateur que nous n’imaginions pas s’associer avec la célèbre firme britannique. Il s’agit de Joseph Losey (1909-1984), cinéaste américain à la filmographie déjà impressionnante en 1963, qui compte parmi ses œuvres les plus célèbres Le Garçon aux cheveux verts (1948) avec Dean Stockwell encore tout gamin dans le rôle-titre, Le Rôdeur – The Prowler (1951) ou bien encore le formidable M (1951) remake du chef d’oeuvre de Fritz Lang. Avant d’obtenir le Grand prix du jury pour Accident au Festival de Cannes en 1967 et la Palme d’or pour Le Messager en 1971, le futur réalisateur de The Servant (1963), Cérémonie secrète (1968) et de Monsieur Klein (1976) emballe cette production Hammer, inspirée par le succès mondial du Village des damnés – Village of the Damned (1960) de Wolf Rilla. Etrange drame fantastique profondément pessimiste sur l’avenir de l’humanité, Les Damnés est autant un divertissement très réussi qu’un merveilleux objet de cinéma, dans lequel se démarque – une fois de plus – le grand Oliver Reed. Complètement méconnu et par ailleurs très souvent oublié quand on évoque l’histoire de la Hammer Films, The Damned connaît à juste titre un véritable regain d’intérêt depuis quelques années.
SATURN 3 réalisé par Stanley Donen, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 29 octobre 2019 chez Elephant Films
Acteurs : Kirk Douglas, Harvey Keitel, Farrah Fawcett, Ed Bishop…
Scénario : Martin Amis d’après une idée originale de John Barry
Photographie : Billy Williams
Musique : Elmer Bernstein
Durée : 1h27
Date de sortie initiale : 1980
LE FILM
Deux savants, Alex et Adam, vivent totalement isolés dans la station Titan, sur un satellite de Saturne. L’arrivée d’un nouveau voyageur est toujours un événement : aussi accueillent-ils comme il se doit, Benson, un étrange personnage arrivant de la Terre. Avec lui, un nouveau modèle de robot, baptisé Hector, qu’il met rapidement en service. Mais très vite, le robot multiplie les réactions bizarres et inquiétantes. Au point d’en devenir complètement incontrôlable…
Fawcett et Fossette sont dans l’espace…
Stanley Donen (1924-2019) aux commandes d’un film de science-fiction ??? Comment le réalisateur de Chantons sous la pluie (1952), Drôle de frimousse (1957), Charade (1963) et Voyage à deux (1967) s’est-il retrouvé sur ce projet ? En fait, Stanley Donen était bien attaché à la production de Saturn 3, dont la mise en scène était alors confiée à John Barry, chef décorateur britannique qui a fait sa renommée sur des films de prestige comme Orange mécanique de Stanley Kubrick, La Guerre des étoiles de George Lucas (Oscar des meilleurs décors en 1978) et Superman de Richard Donner. Un C.V. bien fourni qui le mène tout naturellement à la mise en scène. Saturn 3, dont il est l’auteur, devait être son coup d’essai derrière la caméra. Peu de temps après le début des prises de vue, des divergences artistiques, autrement dit de grosses engueulades, surviennent sur le plateau entre le réalisateur et sa tête d’affiche, la star Kirk Douglas. John Barry est vivement remercié et Stanley Donen, qui n’avait rien demandé à personne, reprend le train en marche. Pas facile de donner un semblant d’intérêt à un film dont le scénario est passé de main en main.
COLD SKIN réalisé par Xavier Gens, disponible en DVD et Blu-ray le 17 juillet 2019 chez Condor Entertainment
Acteurs : Ray Stevenson, David Oakes, Aura Garrido, Winslow M. Iwaki, John Benfield, Ben Temple, Iván González, Alejandro Rod…
Scénario : Jesús Olmo, Eron Sheean d’après le roman d’Albert Sánchez Piñol
Photographie : Daniel Aranyó
Musique : Víctor Reyes
Durée : 1h48
Date de sortie initiale : 2017
LE FILM
Au lendemain de la Grande Guerre, un officier météorologique de l’armée est envoyé sur une île isolée en Antarctique, dont le seul habitant est un vieux gardien de phare russe. La nuit venue, ils sont attaqués par des mystérieuses créatures marines.
Réalisateur de plus d’une quarantaine de vidéo-clips, Xavier Gens passe le cap du long métrage en 2007 avec Frontière(s), slasher produit par Luc Besson. Ce dernier parvient à le faire engager pour transposer à l’écran le jeu vidéo Hitman. Prenant peur devant la violence du film, la production reprend le montage de Xavier Gens, dépossédé alors de sa première expérience américaine, qui sera néanmoins un succès honorable. Il faudra attendre quatre ans pour que Xavier Gens livre son troisième long métrage, The Divide, film de science-fiction post-apocalyptique, avec Michael Biehn et Rosanna Arquette, qui ne sera pas exploité dans les salles françaises. Après une participation au film à sketches d’horreur The ABCs of Death (2012), l’actualité de Xavier Gens se bouscule avec les sorties successives de The Crucifixion, Cold Skin et de Budapest. Si ce dernier reste une comédie potache, bien enlevée et très drôle, les deux autres démontrent une fois de plus toute l’affection du réalisateur pour le film de genre. Nous parlerons de The Crucifixion une autre fois, car le film qui nous intéresse ici, Cold Skin est le meilleur film du cinéaste. Il revient avec ce film de science-fiction horrifique franco-espagnol, adapté du roman catalan La Peau froide – La Pell freda, best-seller d’Albert Sánchez Piñol publié en 2002. Un temps envisagé par David Slade (Hard Candy, 30 jours de nuit, Twilight – Chapitre III : Hésitation, cherchez l’intrus), Cold Skin atterrit dans les mains de Xavier Gens, qui s’empare littéralement du roman original. Cold Skin est un énorme coup de cœur. Avec sa merveilleuse photographie (Daniel Aranyó), ses décors magnifiques (le film a été tourné à Lanzarote, île volcanique des Canaries), sa mise en scène léchée, son interprétation inspirée et son mélange de fantastique, d’émotion et de survival, Cold Skin est un des films de 2019 à ne pas manquer.
QUAND LA TERRE S’ENTROUVRIRA (Crack in the World) réalisé par Andrew Marton disponible en DVD et Blu-ray le 19 février 2019 chez ESC Editions
Acteurs : Dana Andrews, Janette Scott, Alexander Knox, Kieron Moore, Peter Damon, Jim Gillen, Gary Lasdun, Alfred Brown, Mike Steen…
Scénario : Jon Manchip White, Julian Zimet
Photographie : Manuel Berenguer
Musique : Johnny Douglas
Durée : 1h36
Date de sortie initiale : 1965
LE FILM
Le savant Stephan Sorensin espère atteindre le centre de la Terre pour y trouver une nouvelle source d’énergie. Ne pouvant percer la croûte qui entoure le noyau central, il projette d’utiliser une bombe atomique. Hélas, le plan ne se déroule pas comme prévu car l’explosion créé une importante fissure… Cet évènement incontrôlé pourrait bien séparer la terre en deux morceaux !
C’est une toute petite série B produite pour moins d’un million de dollars. Et pourtant, ce long métrage de science fiction vaut le détour puisqu’on y trouve pour ainsi dire tous les ingrédients qui seront réutilisés par Hollywood dans les films catastrophe des années 1970 du style Tremblement de terre, mais aussi et surtout par certains cinéastes du nom de Roland Emmerich (Le Jour d’après, 2012) et Michael Bay (Armageddon) dans leurs blockbusters dès les années 1990. Autant dire que l’industrie cinématographique n’a jamais innové en la matière, en dehors des effets spéciaux bien sûr, car Quand la terre s’entrouvrira – Crack in the World, réalisé par Andrew Marton en 1964 condense à lui-seul tout un pan de l’entertainment américain.
Le docteur Stephen Sorensen est persuadé que le magma au centre de la Terre renferme une source d’énergie telle qu’elle permettrait aux humains de se constituer des réserves suffisantes pour longtemps. Pour atteindre son but, il doit faire éclater la croûte terrestre en profondeur, chose qu’il n’a pu faire jusqu’à présent. Il pourrait cependant venir à bout de cet obstacle s’il utilisait une bombe atomique. Ayant obtenu toutes les autorisations officielles, il envoie un missile au centre de la Terre, contre l’avis de son collaborateur, le géologue Ted Rampion, qui démissionne sur-le-champ. Selon lui, l’écorce terrestre a déjà été très affaiblie par les nombreux essais nucléaires souterrains et une nouvelle explosion, à cette profondeur, risque de mettre toute la planète en danger. Mais Sorenson, atteint d’un cancer, ne veut plus attendre et déclenche l’explosion de sa bombe. L’explosion, très puissante, provoque une suite de cataclysmes, tremblements de terre, coulées de lave. La terre commence à s’entrouvrir.
C’est un petit plaisir personnel de revoir ce genre de films qui renvoie parfois aux programmes de Noël sur Arte. On doit Quand la terre s’entrouvrira à Andrew Marton (1904-1992), réalisateur hongrois naturalisé américain. C’est sur les conseils d’Ernst Lubitsch qu’il tente sa chance à Hollywood au début des années 1920. Il revient en Europe quelques années plus tard et devient l’assistant de Max Linder, avant de passer lui-même derrière la caméra en 1929 et de repartir aux Etats-Unis en 1933 lors de l’arrivée d’Hitler au pouvoir. Il devra attendre 1950 pour obtenir son premier grand succès avec Les Mines du roi Salomon avec Stewart Granger et Deborah Kerr. En 1964, Andrew Marton a déjà derrière lui près d’une vingtaine de longs métrages à son actif, dont une participation à la mise en scène sur Le Jour le plus long (1962) et Les 55 Jours de Pékin (1963). Quand la terre s’entrouvrira est pour ainsi dire son dernier vrai long métrage, puisque le cinéaste se consacrera ensuite à la télévision (Daktari, Flipper le dauphin) et au travail d’assistant-réalisateur, comme il l’avait d’ailleurs fait précédemment aux côtés de William Wyler (Ben Hur, on lui doit la célèbre course de chars), d’Anthony Mann (La Chute de l’Empire romain) et plus tard de Brian G. Hutton (De l’or pour les braves) et Fred Zinnemann (Chacal). Un beau palmarès méconnu, tout comme Quand la terre s’entrouvrira qui rend compte à la fois du professionnalisme d’Andrew Marton, mais aussi de celui d’Eugène Lourié, responsable des effets visuels, qui a travaillé autant chez Sacha Guitry que Jean Renoir, Samuel Fuller et Charles Chaplin, principalement en tant que décorateur.
Le spectateur avide de séries B rétro-vintage saura faire un bon accueil à Quand la terre s’entrouvrira, spectacle réjouissant, qui contient son lot de théories scientifiques alarmistes (les savants en prennent pour leur grade) où les techniciens préfèrent utiliser l’arme atomique pour contrecarrer les effets dévastateurs de…l’arme atomique. Beaucoup de dialogues dans la première partie certes, mais le soin apporté à la mise en scène, aux décors, à la musique (signée John Douglas, avec quelques notes rappelant les compositions de John Williams) et aux effets spéciaux est indéniable, malgré un budget limité. Si l’on se passera volontiers du triangle amoureux composé de Dana Andrews, Janette Scott et de Kieron Moore, Crack in the World conserve un charme désuet intact et poétique.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray de Quand la terre s’entrouvrira, disponible chez ESC Editions, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.
L’excelleeeent Christophe Lemaire nous fait une brillante présentation de Quand la terre s’entrouvrira (25’). Un très bon moment durant lequel le journaliste de cinéma revient notamment sur le genre SF dans les années 1960 en donnant quelques titres de classiques et d’oeuvres moins connues. Il se souvient également de la diffusion du film qui nous intéresse dans le cadre de l’émission L’Avenir du futur sur TF1, avec Le Jour où la Terre prit feu de Val Guest en double-programme. Christophe Lemaire en vient ensuite au réalisateur Andrew Marton, au responsable des effets spéciaux Eugène Lourié, puis aux comédiens du film.
L’Image et le son
La copie est étonnamment lumineuse du début à la fin. Une clarté visible sur toutes les séquences en extérieur avec des couleurs pétillantes, surtout des teintes bleues omniprésentes. Des poussières, points noirs et griffures parsèment le générique, et s’amenuisent heureusement après, malgré quelques scories visibles ici et là. Le grain est évidemment respecté, plus accentué et grumeleux sur les scènes à effets spéciaux. Le détourage médiocre est d’époque et il n’est pas anodin de voir les comédiens entourés d’un halo bleuté. Divers fourmillements constatés sur les images composites. Dans l’ensemble, Quand la terre s’entrouvrira bénéficie d’un petit lifting très réussi, surtout pour un petit film de cet acabit, ce qui participe grandement à sa résurrection.
La version originale mono est largement supérieure à la piste française, qui demeure confinée au report des voix et accompagnée d’un bruit de fond persistant. Les ambiances sont très correctes en anglais, alors qu’elles disparaissent quasiment sur l’autre piste, essentiellement concentrée sur les dialogues. En revanche, le doublage français est très réussi, avec notamment l’immense Jean-Claude Michel qui prête sa voix légendaire à Kieron Moore.
UPGRADE réalisé par Leigh Whannell disponible en DVD et Blu-ray le 13 février 2019 chez Universal Pictures France
Acteurs : Logan Marshall-Green, Betty Gabriel, Harrison Gilbertson, Benedict Hardie, Christopher Kirby, Clayton Jacobson, Melanie Vallejo, Sachin Joab…
Scénario : Leigh Whannell
Photographie : Stefan Duscio
Musique : Jed Palmer
Durée : 1h40
Date de sortie initiale : 2018
LE FILM
Après la mort de son épouse lors d’une violente agression qui l’a laissé paralysé, Grey Trace est approché par un inventeur milliardaire qui propose de lui administrer un remède expérimental qui va « upgrader » son corps et ses facultés. Désormais doté d’un implant fonctionnant à l’intelligence artificielle, Grey voit ses capacités physiques décuplées et se lance dans une mission vengeresse, afin de faire payer ceux qui ont tué sa femme.
Scénariste chevronné à qui l’on doit les trois premiers épisodes de la saga Saw (dont il est également le producteur délégué), mais aussi Dead Silence de James Wan, ainsi que les quatre opus de la franchise Insidious, Leigh Whannell passe à la mise en scène en 2015 avec Insidious : Chapitre 3. Succès commercial, mais rejeté par la critique, ce troisième volet confirme cependant l’affection de l’auteur pour le genre fantastique. Son deuxième coup d’essai, Upgrade est un véritable coup de maître. Produite par le prolifique Jason Blum, cette série B au budget minuscule de 4 millions de dollars (!) est pourtant l’une des plus belles surprises SF de l’année 2018. Roublard, excellemment écrit, mis en scène et interprété (excellent Logan Marshall-Green avec sa grosse voix grinçante, genre Tom Hardy avec du talent), percutant, gentiment bourrin et même parfois gore, Upgrade est un spectacle aussi généreux qu’intelligent, très graphique et pourtant modeste, qui convoque tout un pan du cinéma de genre des années 1980-90, sans jamais singer ses grandes références. Ces dernières ont été bien digérées par le réalisateur, qui utilise son bagage pour inscrire son propre film dans l’air du temps.
Grey Trace vit avec sa femme Asha. Cette dernière travaille pour Cobolt, une entreprise travaillant sur l’amélioration humaine via des ordinateurs. Un soir, Grey et sa femme sont violemment agressés. Asha meurt sous les yeux de son mari. Paralysé, Grey Trace est approché par Eron Keen, un richissime inventeur. Ce dernier lui propose un remède expérimental qui va améliorer son corps et ses facultés. Grâce à un implant couplé à une intelligence artificielle, Grey voit ses capacités physiques multipliées. Il se lance alors dans une quête de vengeance pour traquer ceux qui ont détruit sa vie.
Le moins que l’on puisse dire, c’est que Leigh Whannell a visiblement été bercé par les meilleurs auteurs qui soient. Le spectre de David Cronenberg (la fusion entre l’homme et la machine), James Cameron (l’intelligence artificielle autonome) et Paul Verhoeven (nous y reviendrons) plane sur Upgrade, sans effets gratuits ou sans jamais tomber dans l’opportunisme outrancier. Le deuxième long métrage du cinéaste ne cache pas son manque de moyens, ce qui rajoute finalement une authenticité au récit. Les petites touches futuristes sont présentes, sans excès (les effets spéciaux sont limités), juste suffisantes pour instaurer un climat, une atmosphère et dépayser les spectateurs, comme un récit de Philip K. Dick. Les véhicules, l’architecture, certains costumes transportent l’audience vers un « demain » possible et réaliste, où l’intelligence artificielle existe et assiste l’être humain dans son quotidien, pour lui assurer un meilleur confort.
Après un prologue très réussi qui installe le personnage de Grey, nostalgique de l’ère analogique, quand on pouvait conduire soi-même sa voiture polluante, Upgrade prend ensuite la forme d’un vigilante saupoudré de whodunit, où le personnage principal, amélioré par la nouvelle technologie (L’Homme qui valait trois milliards n’est pas loin), mène son enquête pour retrouver ceux qui croyaient l’avoir tué après avoir assassiné sa femme. Et si Upgrade était le vrai remake de RoboCop ? On ne peut s’empêcher de penser au chef d’oeuvre de Paul Verhoeven surtout que Leigh Whannell parsème son film de petites touches sanglantes aussi inattendues que brutales, sur une image léchée et sans cesse élégante, avec toujours une petite touche bienvenue d’humour noir. Sans oublier la tagline de l’affiche « Not Man. Not Machine. More. » qui rappelle le « Part Man. Part Machine. All Cop. » sur celle de RoboCop.
Sur un rythme maîtrisé, à la frontière de plusieurs genres et de thématiques, le cinéaste et seul auteur du scénario, enchaîne les séquences très efficaces destinées à devenir cultes, pour déboucher sur un final, certes quelque peu prévisible, mais glaçant, incroyablement pessimiste, et surtout d’une rare maturité, qui incite à la réflexion. Un vrai coup de coeur et surtout un très grand plaisir de cinéma.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray d’Upgrade, disponible chez Universal Pictures France, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.
Aucun supplément sur cette
édition. Quel dommage…
L’Image et le son
L’éditeur soigne son master HD, absolument exemplaire. Les contrastes sont d’une densité jamais démentie, y compris sur les très nombreuses séquences sombres où l’image est constamment affûtée. Les noirs sont profonds, le piqué ciselé, les gros plans détaillés, les contrastes denses et la colorimétrie reste vive et froide. Les détails sont légion aux quatre coins du cadre large et la copie restitue les partis pris esthétiques caractéristiques de ce monde futuriste. Ce Blu-ray offre d’excellentes conditions pour revoir le film de Leigh Whannell et profiter de la photographie signée Stefan Duscio. L’apport HD sur ce titre est évidemment indispensable.
S’il n’est pas déshonorant, le mixage DTS 5.1 ne peut rivaliser avec la piste anglaise DTS HD Master Audio 5.1. Cette dernière laisse pantois par son ardeur, son soutien systématique des latérales, ses basses percutantes. Véritablement explosive sur les séquences appropriées, la version originale s’impose comme une véritable acoustique de démonstration avec des dialogues remarquablement exsudés par la centrale, des frontales saisissantes, des effets et ambiances riches, les enceintes arrière instaurent constamment un environnement musical, tout comme le caisson de basses, mis à rude épreuve, qui n’en finit pas de marteler les séquences les plus mouvementées. Un grand spectacle phonique.
THE BLACK CAGE (Black Hollow Cage) réalisé par Sadrac González-Perellón,disponible en DVD le 8 janvier 2019 chez Rimini Editions
Acteurs : Julian Nicholson, Lowena McDonell, Lucy Tillett, Haydée Lysander, Marc Puiggener, Daniel M. Jacobs, Will Hudson…
Scénario : Sadrac González-Perellón
Photographie : Iván Romero
Musique : Sergio Ramis
Durée : 1h41
Date de sortie initiale: 2017
LE FILM
Une jeune fille vit dans une maison isolée, au cœur des bois, avec son père et son chien loup. A la suite d’un accident, elle a perdu un bras. Que lui est-il arrivé ? Dans la forêt, elle découvre un mystérieux cube noir. Il semble avoir la faculté d’agir sur le passé…
Etrange film que The Black Cage aka Black Hollow Cage en version originale, premier long métrage réalisé en solo de l’espagnol Sadrac González-Perellón, après quelques courts aux très beaux titres (La jaula o Analogía de los pájaros, El señor cuello largo) et une mise en scène à deux têtes avec Sonia Escolano sur Le Départ de Myna (2009). Sur The Black Cage, il officie en tant que directeur de casting, designer du cube, opérateur caméra, producteur, scénariste et bien évidemment réalisateur. The Black Cage est une proposition de science-fiction intéressante sur le papier, mais qui peine à maintenir l’intérêt du spectateur du début à la fin. Les partis pris sont froids, glacials même, la mise en scène essentiellement composée de plans fixes peut dérouter et les enjeux sont somme toute limités. Néanmoins, il y a là une vraie personnalité, une âme, un ton, une forme qui ne peuvent laisser indifférents.
Le décor avec cette villa moderne constituée de grandes baies vitrées et perdue dans les bois rappelle celui d’Ex Machina, très grand film d’Alex Garland. La ressemblance est même troublante. On pense également au poussif (pour ne pas dire chiant) Morgane de Luke Scott avec cette jeune fille étonnante cloîtrée dans un environnement high-tech. Sans tomber dans l’ennui du second, mais loin de la virtuosité du premier, The Black Cage manque de chair. Beaucoup plus convaincant sur la forme que sur le fond, le film de Sadrac González-Perellón s’apparente à une œuvre de mathématicien, avec des événements calculés qui renvoient à d’autres, qui eux-mêmes sont la résultante d’autres éléments narratifs, puisque The Black Cage évoque le voyage dans le temps. Le problème c’est que tout est tellement figé, qu’il ne se crée aucune empathie, y compris pour Alice, interprétée par Lowena McDonell, qui passe très bien à l’écran et qui participe à la part de mystère distillée par l’intrigue, mais qui est finalement peu aidée par un personnage cloisonné et réduit au maximum.
Du coup, ce drame intimiste sur le deuil impossible se regarde essentiellement comme une expérience, tout ce qui tourne autour du bras mécanique et à la rééducation de la jeune fille amputée interpelle, tout comme cette chienne « parlante » qu’Alice appelle « maman », croyant que sa mère s’est réincarnée dans le canidé. Mais rien ou presque ne touche jamais vraiment les spectateurs, surtout dans le dernier tiers où le récit part dans tous les sens, au risque de perdre les spectateurs qui auront eu la patience d’arriver jusque-là. Certaines séquences étonnent par leur violence graphique, sèche, asphyxiante, osée même puisqu’elles mettent en scène des enfants. Les images sont belles, rien à redire là-dessus et le travail du chef opérateur Iván Romero est soigné avec sa photo entre chaud et froid, le reflet des vitres omniprésentes et ce cube étrange planté dans la forêt qui n’est pas sans rappeler le monolithe de 2001, l’Odyssée de l’espace.
The Black Cage ressemble à un film de fin d’études. On sent le potentiel de Sadrac González-Perellón, qui aime le genre, l’anticipation, la science-fiction, mais il lui faudrait un vrai sujet pour éviter de tomber dans cet écueil popularisé par Christopher Nolan, qui consiste à juxtaposer des images au vernis glacé, sans rythme, à la B.O. pompeuse, en espérant être considéré comme un nouveau prodige du cinéma. Sadrac González-Perellón a encore le temps de faire ses preuves. En tout cas, même s’il apparaît trop épuré, The Black Cage témoigne d’un vrai sens esthétique et c’est déjà pas mal.
LE DVD
The Black Cage apparaît dans les bacs français sous l’égide de Rimini Editions. Le visuel de la jaquette est suffisamment étrange pour attirer la curiosité du cinéphile. Le menu principal est animé et musical.
Seule la bande-annonce est disponible comme supplément.
L’Image et le son
Pas d’édition HD pour The Black Cage, mais un DVD de fort bonne qualité avec une copie éclatante dans les scènes diurnes (en forêt principalement) et aux contrastes élégants sur les séquences sombres et nocturnes. La colorimétrie est froide, aux teintes bleutées et vertes, la définition est solide, les noirs denses. Les visages sont peut-être un peu trop lisses, mais les détails ne manquent pas sur les décors. Notons également que le format 2.39 indiqué sur la jaquette semble recadré.
Seule la version originale est disponible. La piste Dolby Digital 5.1 instaure quelques ambiances sur les latérales avec le chant des oiseaux ou les insectes nocturnes. Quelques pics musicaux profitent également au caisson de basses. Les voix se détachent sans problème sur la centrale.
G.I. Joe : LE RÉVEIL DU COBRA (G.I. Joe: The Rise of Cobra) réalisé par Stephen Sommers,disponible en édition 4K Ultra HD + Blu-ray le 5 décembre 2018 chez Paramount Pictures
Acteurs : Channing Tatum, Dennis Quaid, Sienna Miller, Marlon Waynes, Saïd Taghmaoui, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Jonathan Pryce, Christopher Eccleston…
Scénario : Stuart Beattie, David Elliot, Paul Lovett d’après les jouets de Hasbro
Photographie : Mitchell Amundsen
Musique : Alan Silvestri
Durée : 1h58
Date de sortie initiale: 2009
LE FILM
Des montagnes de l’Asie centrale aux déserts d’Egypte, des rues de Paris au pôle Nord, les agents de l’équipe d’élite connue sous le nom de G.I. Joe mènent une lutte acharnée contre un ennemi redoutable. Disposant des toutes dernières technologies en matière de renseignement et de matériel militaire, ils combattent le puissant marchand d’armes Destro et la mystérieuse organisation terroriste nommée Cobra, qui cherchent à plonger le monde dans le chaos…
Portées par le milliard de dollars remporté au box-office par le premier Transformers de Michael Bay, la compagnie de jouets et de jeux pour enfants Hasbro et la Paramount décident en 2009 de sortir d’autres joujoux du placard en les animant avec de vrais acteurs, les célèbres G.I. Joe. Résultat des courses et malgré les critiques désastreuses, plus de 300 millions de dollars récoltés. Qu’en reste-t-il dix ans après ? A peu près la même chose. G.I. Joe : Le Réveil du Cobra – G.I. Joe: The Rise of Cobra reste un bon nanar de luxe au budget conséquent de 175 millions de dollars, interprété par des comédiens qui ont l’air de se demander constamment ce qu’ils foutent là et mis en en scène par un Stephen Sommers sous substances. Fort sympathique, extrêmement généreux, mais aussi lobotomisant, laid et interminable, G.I. Joe : Le Réveil du Cobra est un mauvais film attachant.
Alors que des soldats d’élite transportent une arme révolutionnaire mise au point par la société M.A.R.S. (Military Armaments Research Syndicate), leur convoi est attaqué par une force militaire inconnue menée par la Baronne. Grâce à l’intervention d’une unité de G.I. Joe, les soldats terroristes doivent s’enfuir sans pouvoir mettre la main sur l’arme. Du convoi de soldats, il ne reste que Ripcord et Duke. Ripcord et Duke sont amenés, avec l’arme, à la base des G.I. Joe dirigée par le général Hawk. Ils y subissent un entraînement poussé qui en fera des super soldats, des G.I. Joe. Plus tard, la base est attaquée par la même force militaire inconnue, laquelle s’emparera cette fois-ci de l’arme révolutionnaire, des ogives chargées de nanorobots destructeurs. Cependant, les G.I. Joe déterminent que les ogives seront activées à Paris. Ils s’y rendent pour mettre fin à la menace terroriste qui plane sur la ville.
Hollywood souhaite s’amuser et au passage engranger un maximum de billets verts, en profitant de l’engouement des spectateurs pour les figurines articulées en plastique qui prennent vie au cinéma. Créé en 1964 d’après une bande dessinée des années 1940, G.I. Joe a tout pour plaire aux américains avec ces soldats armés jusqu’aux dents. A ce titre, Channing Tatum, encore dans sa période Sexy Dance, était l’incarnation idéale du soldat en plastoc avec son charisme bovin, ses traits lisses, ses expressions figées, sa carrure imposante et son aisance à manipuler les armes. Le vétéran Dennis Quaid se la pète dans son treillis trop large avec une joie non dissimulée en se la jouant premier degré, Marlon Wayans vient faire le pitre et remplir le quota-black. Véritable festival de tronches et défilé de comédiens de talents, on compte également les participations de Jonathan Pryce, Christopher Eccleston (qui en fait des caisses), Joseph Gordon-Levitt, Arnold – Imhotep -Vosloo, Lee Byung-hunn, Ray Park (le plus charismatique de tous, même si son visage reste masqué du début à la fin), sans oublier les français Saïd Taghmaoui, Grégory Fitoussi et Jacques Frantz, ainsi qu’un caméo de Brendan Fraser, qui vient faire un petit coucou au réalisateur des deux premiers opus de La Momie. La gent masculine se souvient surtout des superbes Sienna Miller et Rachel Nichols, moulées dans une combinaison en cuir bien trop serrée pour être crédibles durant les affrontements musclés. Mais peu importe, les yeux sont flattés par ces décolletés et ces moues sexy. De son côté, Alan Silvestri n’est pas dupe et saupoudre tout ça d’une grosse musique patriotique teintée d’ironie, à la limite de la parodie.
Nous ne sommes pas ici dans le drame psychologique et Stephen Sommers ne s’en cache pas. Toutefois, les amateurs de spectacles bourrins en auront pour leur compte car le cinéaste, également responsable du nanar Van Helsing avec Hugh Jackman, enchaîne les séquences explosives durant deux longues heures, laissant tout juste le temps à deux personnages de faire un lien entre deux événements pour ensuite passer à la scène d’action suivante. Effets spéciaux numérique à foison, combats musclés, héros téméraires, méchants impitoyables aux costumes ridicules (mélange de Star Wars et de James Bond période Roger Moore), répliques tordantes, le spectacle régressif est assuré et d’ailleurs assumé. Mention spéciale au chapitre parisien (essentiellement tourné à Prague c’est vrai…), le GROS morceau de bravoure de G.I. Joe : Le Réveil du Cobra, une course-poursuite aussi effrénée qu’incroyable, fun (la Tour Eiffel en prend pour son grade) et décomplexée (plus de 110 voitures détruites, un record à l’époque), que l’on peut voir et revoir en boucle sans jamais se lasser.
Malgré son grand succès commercial, il faudra attendre quatre ans pour voir une suite débouler sur les écrans et surtout pour que les scénaristes revoient leur copie. G.I. Joe : Conspiration mis en scène par un certain John M. Chu, réalisateur de Sexy Dance 2, Sexy Dance 3D, Justin Bieber : Never Say Never se permettra même de surpasser le premier volet en confiant le rôle principal à Dwayne Johnson, nouveau venu qui s’imposait sans mal dans cet univers de gros calibres, de véhicules blindés et gadgets technologiques en tous genres. G.I. Joe était fait pour lui.
LE 4K UHD
Neuf ans après sa sortie en Blu-ray, G.I. Joe : Le Réveil du Cobra revient dans les bacs, cette fois en 4K Ultra-HD. Cette nouvelle édition se compose de deux disques, le 4K d’un côté et le Blu-ray traditionnel de l’autre. Pour ce test, seule l’édition UHD a été envoyée par l’éditeur, galette sur laquelle nous ne trouvons que le commentaire audio. Le making of et la featurette sur les effets visuels se trouvent sur l’autre disque. Le menu principal est fixe et musical.
Si vous avez passé un bon moment devant G.I. Joe : Le Réveil du Cobra, n’hésitez pas à passer deux heures en compagnie du réalisateur Stephen Sommers et du producteur Bob Ducsay. Les deux hommes se connaissent depuis toujours et cela s’entend. Bob Ducsay est en effet le monteur des films de Stephen Sommers depuis son premier long métrage Catch me if you can réalisé en 1989. Au fil de ce commentaire, les deux complices sont certes fiers du résultat à l’écran, mais savent également ce qu’ils ont livré aux spectateurs avides de spectacles décérébrés. Les anecdotes liées au tournage s’enchaînent, tout comme sur la façon dont les jouets ont pris vie devant la caméra. On sent que Stephen Sommers et Bob Ducsay ne peuvent évidemment pas tout raconter, quelques propos sont par exemple tenus sur le ton de la blague alors qu’on imagine volontiers que cela ne devait pas souvent rigoler sur une production de 175 millions de dollars dont la genèse et le tournage ont été quelque peu « houleux ».
L’Image et le son
C’est de plus en plus en rare donc nous tenons à le souligner, G.I. Joe : Le Réveil du Cobra est un blockbuster qui a été tourné en 35 mm et cela se voit. Le grain argentique est très élégant, flatteur pour les mirettes et la texture demeure palpable tout du long. La colorimétrie est vive voire étincelante, le relief omniprésent, les contrastes fermes, la clarté aveuglante, le piqué acéré y compris sur les scènes plus sombres (noirs très profonds), à l’instar du premier assaut en ouverture. Les détails ne sont pas en reste et fourmillent aux quatre coins du cadre large 2.40, sur les innombrables décors mais aussi sur les costumes que l’on peut analyser sous toutes leurs coutures. N’oublions pas la constante profondeur de champ, qui double le plaisir lors de la fameuse séquence de la poursuite dans les rues de Paris. L’upgrade 4K est omniprésent par rapport au Blu-ray dispo sur le marché depuis presque déjà dix ans. Mais cette promo UHD – HDR 10 fait ressortir le côté artificiel de nombreux effets spéciaux numériques, notamment sur les véhicules divers et variés, ainsi que la base sous-marine. Les détails sont multipliés, surtout sur les arrière-plans, tandis que la carnation semble plus naturelle.
On pouvait s’attendre à mieux puisque concernant la version originale, Paramount ne livre « qu’une » DTS-HD Master Audio 5.1. Pas de véritable « artillerie lourde », entendez par là pas de Dolby Atmos ou de DTS-X, même si nous vous déconseillons de visionner ce film tard le soir au risque de vous faire arrêter pour tapage nocturne. En effet, dès l’apparition des étoiles du logo Paramount, les latérales distillent des effets latéraux qui ne s’arrêteront jamais. Le caisson de basses démarre et se déplace presque tout seul sur le plancher, la musique d’Alan Silvestri explose, c’est parti pour une succession de déflagrations, de bastons et de fusillades. A côté, la piste française fait pâle figure avec son petit encodage Dolby Digital 5.1, même si elle conviendra aux allergiques à la version originale, avec son ouverture sympatoche des enceintes frontales, des arrières qui assurent et son doublage honteux mais rigolo. Un film « d’auteur » hollywoodien qui rend sourd et qui anesthésie, mais qu’on aime bien !
EVASION 2 : LE LABYRINTHE D’HADES (Escape Plan 2: Hades) réalisé par Steven C. Miller, disponible en DVD et Blu-ray le 20 août 2018 chez Metropolitan Vidéo
Acteurs : Sylvester Stallone, Dave Bautista, Xiaoming Huang, Jesse Metcalfe, 50 Cent, Wes Chatham, Chen Tang, Titus Welliver
Scénario : Miles Chapman
Photographie : Brandon Cox
Musique : The Newton Brothers
Durée : 1h36
Année de sortie : 2018
LE FILM
Ray Breslin, le spécialiste des systèmes de sécurité inviolables a désormais monté sa propre équipe d’experts en protection. Un de ses associés est kidnappé par une mystérieuse organisation et envoyé dans une prison secrète High-Tech, HADES où d’autres maîtres de l’évasion sont également enfermés. Ray décide de lui porter secours mais le défi est d’autant plus grand que cette fois-ci, avant de sortir de la forteresse inviolable, il faudra réussir à la pénétrer.
En 2013, sort sur les écrans Évasion – Escape Plan. En dehors de quelques clins d’oeil dans Jumeaux, Last Action Hero, Demolition Man et les apparitions de l’ancien gouverneur de Californie dans les deux premiers Expendables, Sylvester Stallone et Arnold Schwarzenegger n’avaient jamais tenu le haut de l’affiche ensemble, malgré de nombreux projets envisagés. Après trente ans d’attente, c’était donc la grande attraction d’Évasion, réalisé par le cinéaste suédois Mikael Håfström, metteur en scène de Chambre 1408 et Le Rite. S’il est vrai que nous attendions beaucoup plus de cette confrontation, Évasion était un savoureux divertissement, qui privilégiait la matière grise et les dialogues au détriment de l’action. Du moins durant les 90 premières minutes, essentiellement marquées par des bastons entre les prisonniers en guise de scènes agitées. Il fallait alors attendre le dernier tiers pour que les deux anciens rivaux et poids lourds du film d’action des années 1980-1990 se réveillent quelque peu et prennent la pétoire.
24 ans après le génial Haute sécurité de John Flynn, Sylvester Stallone retournait ainsi derrière les barreaux. Mais dans Évasion, il s’agissait de son job puisqu’il incarnait un expert dans l’art de s’évader, quitte à rester enfermer quelques semaines voire quelques mois afin de démontrer les failles dans la technologie sécuritaire mise en place dans diverses prisons. Jusqu’au jour où il se retrouve plongé dans une sorte de Guantanamo du futur. De son côté, Arnold Schwarzenegger interprétait un détenu prêt à l’aider dans sa nouvelle tentative d’évasion… ce qui lui permettrait également d’aller respirer le bon air. On sentait un véritable plaisir contagieux des deux acteurs bodybuildés à se donner la réplique. La trame en elle-même n’était pas très originale et lorgnait souvent du côté de Volte/Face de John Woo et son intrigue autour de la prison high-tech. La tension était maintenue, quelques punchlines faisaient gentiment leur effet, Jim Caviezel incarnait parfaitement le directeur de prison sadique. Évasion n’était pas un grand film et n’avait d’ailleurs pas la prétention de l’être. Il s’agissait surtout de faire plaisir aux millions de fans des deux stars. Alors si le choc des titans annoncé ne s’avérait pas aussi explosif que prévu, l’alchimie était là, la nostalgie et donc notre adhésion aussi. Alors…pourquoi Évasion 2 ?
Tout simplement parce que le marché chinois avait largement contribué à faire du premier volet un succès commercial. Doté d’un budget confortable de 70 millions de dollars, Évasion avait remporté près du double grâce au marché international avec près de 115 millions de dollars, alors que le film plafonnait à 25 millions sur le sol américain. Ce n’est pas une suite, mais deux nouveaux épisodes qui ont été annoncés. Exit Arnold Schwarzenegger, tandis que Sly reprend son rôle de Ray Breslin. Cependant, Évasion 2 ou Escape Plan 2: Hades, se révèle être une suite opportuniste puisque Sylvester Stallone apparaît surtout en tant que guest-star de luxe, tout comme Dave Bautista. Ce dernier, pratiquant de combat libre et catcheur américain, plus connu pour son rôle de Drax dans Les Gardiens de la Galaxie, ne fait quasiment rien du film, se contente de taper à l’ordinateur et se décide enfin à flinguer des sbires dans la dernière scène. Non, la star est surtout ici le comédien chinois Huang Xiaoming, vu dans The Crossing de John Woo. Puisque tout le projet a été conçu en visant essentiellement le marché chinois, Évasion 2 apparaît un peu, voire beaucoup, comme une arnaque puisque le matériel publicitaire est centré sur Sylvester Stallone et Dave Bautista.
Mikael Håfström n’a pas été rappelé derrière la caméra. Il est remplacé ici par Steven C. Miller, habitué des séries B qui tâchent, comme dernièrement Arsenal dans lequel Nicolas Cage jouait un rôle de caïd complètement azimuté. Le réalisateur est habitué à avoir des pointures dans ses délires comme Ray Wise dans The Aggression Scale, Malcolm McDowell dans Silent Night et même Bruce Willis dans trois films, Extraction, First Kill et Marauders. Pour Évasion 2, Steven C. Miller a voulu se faire plaisir et rendre hommage à Ridley Scott, en s’inspirant de l’univers visuel d’Alien et de Blade Runner. Bon cela partait d’un bon sentiment, mais le metteur en scène n’est pas aidé par un budget très limité, un scénario anémique, un casting d’endives, une musique bourrin, un montage haché, des effets spéciaux rudimentaires et…on continue ?
Des années après s’être échappé d’une prison high-tech surnommée « La tombe », Ray Breslin dirige désormais une équipe d’élites spécialisée pour faire sortir les gens des prisons les plus impénétrables du monde. Quand son meilleur agent, Shu Ren, est emprisonné dans un labyrinthe techno-terroriste informatisé connu sous le nom d’Hadès, où les prisonniers se battent dans des luttes mortelles, Breslin décide de s’incarcérer à l’intérieur de cette prison révolutionnaire pour le sauver.
Voilà pour le pitch. Alors oui Sly est là. Désormais septuagénaire avec des sourcils en forme de guillemets et des cheveux Playmobil, il incarne désormais la force tranquille, le sage taillé comme une armoire à glace. On attend donc patiemment qu’il donne du poing ici. Son apparition est épisodique pendant une heure, durant laquelle on entend principalement sa voix quand Shu tente de se rappeler chaque leçon que Breslin lui a inculquée en cas d’emprisonnement. Comme si Sly révisait sa liste de courses avant d’aller chez Mr Bricolage. Quand mister Stallone prend un flingue ou quand il déploie ses directs du droit, pas de doute, il reste bad-ass à fond et un monstre de charisme. Dave Bautista en revanche, qui a bien du mal à déplacer sa carcasse, fait la grimace et attend que ça se passe. Le reste du casting, en dehors de Huang Xiaoming convoque des tronches cassées (Curtis « 50 Cent » Jackson) et des comédiens lisses (Jesse Metcalfe, Wes Chatham).
Steven C. Miller fait donc son maximum avec les moyens du bord. Si la photo possède effectivement quelques qualités et que le cadre large capture assez bien la trogne de notre bon vieux Sly, Évasion 2 : Le Labyrinthe d’Hadès (son vrai titre) déçoit évidemment à plus d’un titre et peine sérieusement à divertir, d’autant plus qu’il n’y a ici aucun humour, sauf involontaire. Ou comment glisser doucement de la série B assumée à la série Z…Le syndrome Fortress et Fortress 2 : Réincarcération. Malgré le demi-million d’entrées d’Évasion en France, cette suite ne connaîtra pas de sorties dans nos salles et débarque en DVD et Blu-ray. Le tournage d’Évasion3, annoncé à la fin du second volet dans un fin ouverte, est déjà terminé depuis bientôt un an. Stallone sera donc de retour une dernière fois dans le rôle (qu’on espère cette fois plus conséquent) de Ray Breslin et a retrouvé pour l’occasion John Herzfeld, qui l’avait dirigé en 2014 dans Bad Luck (Reach Me). Mais nous en parlerons lors de sa (probable) sortie immédiate dans les bacs.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray d’Évasion 2, disponible chez Metropolitan Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est cheap, très légèrement animé et musical. La jaquette n’est pas mieux lotie…
Le making de 10 minutes présent en début de section se focalise essentiellement sur la présentation de l’histoire et des personnages par les comédiens, le réalisateur et le chef opérateur. Stallone n’est visible que quelques secondes sur le plateau, d’ailleurs il n’a pas dû rester bien longtemps, tandis que le metteur en scène Steven C. Miller tente de vendre son beurre comme il le peut. Quelques images de tournage, des propos ronflants (« Amazing », « Terrific », « Great », « The best ») et le tour est joué.
Un autre module (3’30) se concentre sur l’esthétique du film avec les mêmes intervenants, auxquels s’ajoute la chef décoratrice Niko Vilaivongs. Chacun y va de son petit mot sur les partis pris et les intentions du réalisateur, qui a voulu rendre hommage au cinéma de Ridley Scott, notamment Blade Runner. Arrêtez de rire !
Le dernier supplément (4’) est consacré au robot, que l’on aperçoit à peine dans Évasion2. Place aux créateurs des effets visuels qui expliquent pourquoi ils ont voulu limiter les images de synthèse au profit d’un véritable robot articulé.
L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.
L’Image et le son
Le master HD (1080p) d’Évasion2 restitue habilement les volontés artistiques du chef opérateur Brandon Cox (Arsenal, Bus 657) en conservant un très léger grain, des couleurs à la fois chaudes et froides, des contrastes léchés ainsi qu’un relief constamment palpable. La compression AVC consolide l’ensemble, les détails sont légion sur le cadre large et les visages des comédiens, le piqué est aiguisé, les noirs denses et la copie éclatante. Les très nombreuses séquences sombres jouissent également d’une belle définition, même si les détails se perdent quelque peu.
Honnêtement, il serait difficile voire impossible de faire mieux. Non pas qu’Évasion 2 regorge de scènes d’action pendant 1h35, mais toutes les séquences, y compris les nombreux échanges entre les personnages, sont constamment mises en valeur par des effets et ambiances puissantes, mettant à contribution chaque parcelle de votre installation acoustique (sans oublier le caisson de basses), dès l’apparition du cheval ailé Metropolitan. En anglais comme en français (avec le doublage d’Alain Dorval), les mixages DTS-HD Master Audio 5.1 créent une immersion constante, dynamique et souvent fracassante, avec un net avantage pour la version originale. Chaque coup de feu, chaque baston est prétexte à une déferlante frontale et latérale.
DÉLUGE (Deluge) réalisépar Felix E. Feist,disponible en DVD chez lobster Films le 27 novembre 2017
Avec : Peggy Shannon, Lois Wilson, Sidney Blackmer, Matt Moore, Fred Kohler, Ralf Harolde, Edward Van Sloan, Samuel S. Hinds…
Scénario : Warren Duff, John F. Goodrich
Photographie : Norbert Brodine
Musique : Val Burton
Durée : 1h03
Date de sortie initiale : 1933
LE FILM
Une série de catastrophes naturelles frappe le monde. Les éléments se déchaînent, les grandes métropoles comme New York se retrouvent détruites sous le coup d’énormes séismes, ou englouties sous les raz-de-marée. Au lendemain du désastre, une poignée de survivants tente tant bien que mal de survivre. Martin, séparé de sa famille qu’il croit disparue, tombe éperdument amoureux de Claire, une jeune femme en proie à une bande de malfrats qui tente de la kidnapper…
Déluge ou bien Deluge sans accent en version originale, est rétrospectivement l’un des premiers films catastrophe de l’histoire du cinéma. D’ailleurs, il est amusant de voir que tout ce qui fera 60 ans plus tard le triomphe des films de Roland Emmerich est déjà présent. Réalisé par Felix E. Feist, metteur en scène de La Vallée des géants avec Kirk Douglas et producteur de la série Peyton Place, ce petit film de science-fiction ramassé sur une durée de 63 minutes, va droit à l’essentiel en montrant tout d’abord des scientifiques alarmés par l’annonce de tempêtes violentes. Les bateaux, avions et dirigeables sont tous rappelés et doivent faire demi-tour, tandis qu’une éclipse non prévue a lieu, que les baromètres s’affolent, que des séismes ont détruit l’Europe. La fin du monde est proche disent certains, les journaux deviennent fous, la cote Ouest des Etats-Unis est immergée, la Nouvelle-Orléans a disparu sous les flots également.
Sur un montage alerte et souvent percutant, Felix E. Feist enchaine les séquences d’exposition, en allant droit à l’essentiel jusqu’à la destruction de la ville de New York. Evidemment, les effets spéciaux peuvent paraître aujourd’hui complètement désuets, mais à l’époque, Déluge proposait des images inédites. Les modèles réduits se voient certes comme le nez au milieu de la figure, pourtant la scène du raz-de-marée conserve son charme poétique. Plus qu’Independence Day, c’est surtout au Jour d’après auquel on pense avec cette grande vague déferlant sur New York et qui noie progressivement la Statue de la Liberté. Si les scènes de destructions massives ont souvent été la spécialité des films de Rolans Emmerich, ce dernier a souvent eu du mal à broder autour et à aborder le thème du survival après la catastrophe. Dans Déluge, le film démarre par la grosse séquence d’effets visuels, avant de se focaliser sur ceux qui ont réussi à s’en sortir.
C’est là où le film de Felix E. Feist devient encore plus intéressant, puisqu’il montre la société obligée de repartir de zéro, mais c’était sans compter quelques individus désireux de conserver leur standing et les privilèges dont ils bénéficiaient grâce à leur bonne situation. Certains voleurs et même quelques violeurs profitent immédiatement de la situation, puisqu’il n’existe plus d’autorités et encore moins de limites. La Terre devient un champ de bataille. Pendant ce temps, Martin (Sidney Blackmer), un homme qui croit sa femme et ses deux filles décédées dans la catastrophe, sauve Claire (Peggy Shannon), une jeune femme poursuivie par des individus mal intentionnés. Il en tombe amoureux. Felix E. Feist joue sur le suspense d’un triangle amoureux puisque Martin ne sait pas que sa famille est en fait bien vivante. Alors que va-t-il se passer quand la famille se retrouvera ? Martin va-t-il retourner auprès des siens ? Va-t-il laisser Claire ? Ou prendre les deux pour compagnes qui sait ?
Cette petite production RKO reste bien divertissante avec son aspect suranné et la scène du tsunami est très sympathique avec ses buildings creux qui s’écroulent comme des châteaux de cartes. Considéré comme perdu, une copie de Déluge a finalement été retrouvée en Italie au début des années 1980. Depuis, un négatif nitrate (en anglais) qui commençait à se décomposer a été retrouver au CNC. Le film a alors bénéficié d’une restauration image et son dans les laboratoires de Lobster Films, avant de ressortir à travers le monde, y compris à la Cinémathèque française et à l’Etrange Festival.
LE DVD
C’est sous la bannière de Lobster Films, également responsable de la restauration du film, que Déluge fait son apparition dans les bacs en France. Visuel très élégant montrant la tête de la Statue de la Liberté émerger des eaux. Le menu principal est animé sur une séquence du film.
Le premier supplément de cette édition s’intitule Survival Town (3’). Il s’agit d’un reportage hallucinant montrant des essais nucléaires américains dans le désert du Nevada en 1955. La bombe est alors lâchée dans un village reconstitué avec des mannequins en guise d’habitants. Aux images très impressionnantes s’ajoutent les commentaires sérieux indiquant que la population peut être rassurée sur le fait que l’on peut survivre en cas d’attaque nucléaire, comme le montrent les murs en béton armé à peine fendus. « Un tournant d’espoir » indique le journaliste.
Le second bonus est tout aussi incroyable, puisqu’il s’agit d’un court-métrage documentaire constitué d’images filmées après le terrible séisme et les incendies qui avaient quasiment rasé San Francisco de la carte en 1906 (25’). Comment le ravitaillement et les secours se sont organisés ? Comment recommencer à vivre après cette catastrophe ? Des cartons indiquent où les images ont été filmées et dressent un listing de toutes les pertes, humaines et matérielles. Il aura fallu plus de 200 millions de dollars pour reconstruire la ville.
L’interactivité se clôt sur un extrait des Derniers Jours de Pompéi d’Ernest B. Schoesack (1935 – 10’).
L’Image et le son
Déluge est un film rescapé. Malgré le travail acharné et de titan des Laboratoires Lobster Films, cette édition restaurée contient encore forcément un lot de points, griffures, poussières, raccords de montage, fils en bord de cadre et rayures, surtout durant la séquence du tsunami. Signalons que ces défauts tendent à s’amenuiser au fil du visionnage. Si le N&B retrouve une certaine fermeté, une clarté plaisante et une densité indéniable, le piqué et la gestion du grain restent évidemment aléatoires. Des fondus enchaînés décrochent, un bruit vidéo est notable mais aidé par un encodage solide, un effet de clignotement se fait ressentir, tandis que diverses séquences sortent du lot et se révèlent plus belles et détaillées.
La bande-son a également été restaurée car peu de craquements sont à déplorer. La musique est propre, certaines séquences sont peut-être plus étouffées que d’autres, un petit souffle est parfois audible, mais le confort acoustique est très appréciable. La version française apparaît plus étriquée.
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