Test Blu-ray / La Longue nuit de l’exorcisme, réalisé par Lucio Fulci

LA LONGUE NUIT DE L’EXORCISME (Non si sevizia un paperino) réalisé par Lucio Fulci, disponible en combo Blu-ray+DVD le 15 juillet 2017 chez Le Chat qui fume

Acteurs : Florinda Bolkan, Barbara Bouchet, Tomás Milián, Irene Papas, Marc Porel, Georges Wilson, Antonello Campodifiori, Ugo D’Alessio…

Scénario : Lucio Fulci, Roberto Gianviti, Gianfranco Clerici

Photographie : Sergio d’Offizi

Musique : Riz Ortolani

Durée : 1h48 (version intégrale)

Date de sortie initiale : 1972 (Italie), 1978 (France)

LE FILM

Début des années 70, dans le sud de l’Italie, un petit village de montagne est plongé dans la terreur : de jeunes garçons se font mystérieusement assassiner et la police semble avoir du mal à identifier le meurtrier. Les pistes sont nombreuses, mais aucune ne semble réellement aboutir. Alors que les affrontements deviennent de plus en plus violents entre les habitants, certains sont désignés comme coupables et d’autres n’hésitent pas à faire justice eux-mêmes. Pendant ce temps, les crimes odieux continuent.

Lucio Fulci (1927-1996), qui se destinait d’abord au monde de la médecine, décide de se tourner vers le cinéma et intègre le Centro Sperimentale di Cinematografia de Rome, en suivant les cours de Michelangelo Antonioni et de Luchino Visconti. Il devient l’assistant du réalisateur Marcel L’Herbier pour Les Derniers Jours de Pompéi en 1950. Mais c’est avec le cinéaste Steno, de son vrai nom Stefano Vanzina, que Fulci fait réellement ses premières classes. Il s’agit de comédies, principalement avec Totò, aux titres aussi évocateurs que Totò et les femmes, L’uomo, la bestia e la virtù, Où est la liberté. Progressivement, Lucio Fulci devient scénariste et signe Une fille formidable de Mauro Bolognini, Un Americano a Roma de Steno avec l’immense Alberto Sordi. Il passe enfin derrière la caméra en 1959 avec I Ladri, une comédie interprétée par… Totò. La boucle est bouclée. Dans les années 1960, Lucio Fulci enchaîne moult comédies avec le duo célèbre en Italie, Franco Franchi et Ciccio Ingrassia. Si le succès est au rendez-vous, il commence sérieusement à vouloir changer son fusil d’épaule et démontrer qu’il est capable de réaliser autre chose que des comédies. Il signe un western avec Franco Nero (Le Temps du massacre, 1966), une comédie policière intitulée (Au diable les anges, 1967), un drame (Liens d’amour et de sang, 1969). Mais le véritable tournant s’opère en 1969 avec le giallo Pervertion Story – La Machination (Una sull’altra).

Si Dario Argento et Mario Bava sont fréquemment annoncés comme étant les réalisateurs phares du giallo, ce genre italien de film d’exploitation, cocktail de cinéma d’horreur, de film policier et d’érotisme soft, il est grand temps aujourd’hui de réhabiliter Lucio Fulci, jusqu’ici surtout défendu par les amateurs de cinéma de genre. Un an après l’onirique, poétique, sensuel, cruel, oppressant, kafkaïen Le Venin de la peur – Una lucertola con la pelle di donna, et la même année que sa comédie érotique Obsédé malgré lui, Lucio Fulci signe un de ses films les plus célèbres, La Longue nuit de l’exorcisme – Non si sevizia un paperino, Don’t Torture a Duckling (titre international), ou bien encore Les Poupées de sang au Québec. S’il est souvent considéré comme un giallo, ce film (le préféré de son auteur) s’en démarque puisque tous les codes du thriller urbain sont ici transportés dans le sud de l’Italie, dans un petit village perdu et pittoresque, avec ses peurs, ses traditions et ses superstitions, devenu le théâtre d’une série de meurtres dont les victimes sont tous des enfants. Alors que l’enquête piétine, la tension monte au sein de la petite communauté. Andrea Martelli (Tomás Milián, impeccable et sobre), un journaliste venu écrire sur l’affaire, décide de suivre ses propres pistes. Il doit surmonter les idées reçues des habitants du bourg qui soupçonnent Patrizia (Barbara Bouchet), une jeune femme de la ville aux moeurs légères, avant de se tourner vers l’idiot du village puis la sorcière et sauvageonne Maciara (Florinda Bolkan).

S’il n’atteint pas la force de l’hypnotique Venin de la peur, on reste néanmoins sans voix devant la beauté de la mise en scène de ce thriller stylisé qu’est La Longue nuit de l’exorcisme, photographié avec virtuosité par le chef opérateur Sergio d’Offizi et bercé par la partition toujours inspirée du maestro Riz Ortolani. Le réalisateur considérait d’ailleurs lui-même La Longue nuit de l’exorcisme comme son meilleur film et probablement celui qui a le plus marqué les cinéphiles. Avec une folle liberté artistique et créatrice, le cinéaste ne se gêne pas pour déjouer les attentes des spectateurs, souvent conditionné à un mode de narration classique. Etude sur la culpabilité, le déni, la frustration sexuelle, les désirs refoulés, La Longue nuit de l’exorcisme, totalement inédit en France depuis 30 ans, est devenu culte dans le monde entier. Véritable film choral, on y croise pêle-mêle les acteurs Marc Porel, George Wilson, Tomas Milian, Florinda Bolkan, Barbara Bouchet et Irene Papas pour ne citer que les plus célèbres. Cette incroyable brochette de comédiens se donnent la réplique dans une intrigue à la croisée d’Agatha Christie et de Stephen King, où chaque personnage semble avoir quelque chose à cacher et devient donc suspect.

Lucio Fulci va loin, très loin pour instaurer une ambiance réellement dérangeante, entre meurtres en série d’enfants et nudité frontale. A ce titre, la scène où la sublime Barbara Bouchet apparaît complètement nue devant un gamin de dix ans troublé par ses charmes, a choqué la critique et les spectateurs, au point que la comédienne et Lucio Fulci ont été traîné en justice et accusés de corruption de mineur ! Le cinéaste avait été obligé d’expliquer que l’enfant n’avait jamais tourné en présence de Barbara Bouchet, mais remplacé par une doublure, en l’occurrence un homme de petite taille filmé de dos, quand les deux personnages sont présents sur le même plan. Ce parfum de scandale a évidemment contribué au succès du film, tout comme l’incroyable et éprouvante séquence du lynchage de la sorcière, incarnée par Florinda Bolkan, par les pères de famille ayant perdu un enfant. Symbole des croyances ancestrales et traditionnelles du sud de l’Italie, cette sorcière, coupable parfaite puisqu’il faut bien attribuer les meurtres à quelqu’un, est immédiatement perçue comme étant la responsable. Le décalage entre la chanson légère et la brutalité des hommes s’acharnant sur cette femme avec une violence inouïe, glace les sangs encore aujourd’hui, tout comme son épilogue avec l’appel à l’aide au bord de la route, la main tendue vers les automobilistes alors en route vers des vacances bien méritées. Ou comment l’indifférence des hommes est tout aussi violente que des coups de chaînes.

La Longue nuit de l’exorcisme est un film de mise en scène, d’atmosphères, multipliant les fausses pistes, qui ne cesse de surprendre par son opposition entre la beauté sèche des paysages de la région des Pouilles et la noirceur de crimes particulièrement morbides, et ce jusqu’au dénouement inattendu qui n’épargne personne, adultes comme enfants. Redoutablement pessimiste et sombre, La Longue nuit de l’exorcisme montre des enfants déjà corrompus, que rien ni personne ne peut sauver. A moins de les empêcher de sombrer encore plus en devenant adulte. C’est un des motifs du tueur de ce film incroyable et intemporel qu’est La Longue nuit de l’exorcisme.

Bien que le film soit sorti en Italie en 1972, la France devra attendre 1978 pour le découvrir dans une version censurée et au titre surfant de façon éhontée sur le chef d’oeuvre de William Friedkin, puisqu’il n’y a aucun exorcisme réalisé dans le film de Lucio Fulci. Avec l’acharnement des passionnés du genre, Non si sevizia un paperino est devenue une œuvre phare du cinéma d’exploitation.

LE BLU-RAY

Attendu comme le Messie par les fans de Lucio Fulci, La Longue nuit de l’exorcisme arrive enfin dans les bacs grâce aux bons soins du Chat qui fume. Cette édition limitée à 2000 exemplaires (le plus gros tirage de l’éditeur à ce jour) prend la forme d’un magnifique combo Digipack à trois volets – illustrés de portraits tirés du film – composé du Blu-ray (film + intégralité des suppléments), du DVD (film + première partie des suppléments) et d’un troisième disque (deuxième partie des suppléments). Le tout est glissé dans un fourreau cartonné liseré rouge sang, au visuel élégant et très attractif. La Longue nuit de l’exorcisme est présenté en version intégrale dans un nouveau master HD. C’est une édition évidemment incontournable pour les passionnés du bis italien, décidément servis comme des rois par Le Chat qui fume.

Quatre heures de suppléments ! QUATRE !!! Autant vous dire que Le Chat qui fume a mis le paquet (de clopes) afin de combler toutes les attentes des cinéphiles !

On commence par le témoignage de la comédienne Florinda Bolkan (28’), qui reçoit chaleureusement chez elle dans le sud de l’Italie. Il est beaucoup question de Lucio Fulci, que l’actrice décrit comme étant un homme « un peu fourbe, très spécial, un vrai diable mais qui parvenait à le dissimuler ». Florinda Bolkan évoque les tournages successifs du Venin de la peur et de La Longue nuit de l’exorcisme, en s’attardant évidemment sur ce dernier et pour lequel elle aborde longuement son personnage, ainsi que sa préparation. La comédienne se souvient entre autres d’un tournage sur lequel elle s’est beaucoup amusée. Ce module se clôt par la redécouverte de la plus célèbre séquence du film, celle du lynchage de la sorcière. Florinda Bolkan accepte de visionner cette scène, qu’elle n’avait pas revue depuis la sortie du film, et souffre littéralement avec/pour son personnage.

Pour l’entretien avec Barbara Bouchet (18’30), l’éditeur reprend l’introduction et la conclusion de l’interview présente sur l’édition HD d’A la recherche du plaisir. Par ailleurs, on craint de se retrouver face au même module, mais la comédienne évoque bel et bien le tournage de La Longue Nuit de l’exorcisme, son premier thriller, dans lequel elle désirait faire quelque chose de différent. Cet entretien est un peu décevant, dans le sens où Barbara Bouchet évoque surtout des histoires de cul entre Tomás Milián et Irène Papas (et comment elle-même a récupéré le mec de la comédienne grecque), plutôt que de véritables souvenirs de tournage. Quelques mots sur ses partenaires (de jeu cette fois) et surtout sur Lucio Fulci, sans oublier le scandale provoqué par la fameuse scène où elle se tient nue et provocante devant un enfant.

Né en 1934, Sergio D’Offizi est le directeur de la photographie de Cannibal Holocaust, Le Marquis s’amuse et bien évidemment de La Longue nuit de l’exorcisme. Durant un entretien fleuve de 48 minutes, le chef opérateur aborde sa rencontre avec Lucio Fulci et ne tarit pas d’éloges à l’encontre de cet « excellent réalisateur, qui connaissait tous les métiers du cinéma […] qui avait quelques défaillances avec les acteurs […] pas méchant, mais qu’il fallait savoir prendre […] mais dont le caractère l’a empêché d’être vraiment reconnu ». Tout d’abord, Sergio D’Offizi mentionne son association avec le cinéaste. Puis, le directeur de la photographie parle du casting (un Tomás Milián très introverti, sérieux et professionnel), des lieux de tournage, des partis pris esthétiques et du jeu sur les contrastes, tout en partageant d’autres souvenirs.

Nous passons ensuite à l’interview du monteur Bruno Micheli (27’), qui en réalité était l’assistant de sa sœur monteuse Ornella durant quasiment toute sa carrière, y compris sur La Longue nuit de l’exorcisme. C’est donc à son tour de se pencher sur ses débuts au cinéma (un enfant de la balle, fils du caméraman Mario Micheli, fidèle technicien de Roberto Rossellini), son travail auprès de sa sœur Ornella, sa rencontre avec Lucio Fulci (« qui n’intervenait jamais dans la salle de montage ») et l’importance du son dans le cinéma de genre. Il faut attendre 20 minutes pour que Bruno Micheli parle de La Longue nuit de l’exorcisme, mais ce rendez-vous, qui se termine sur une note amère où l’assistant monteur regrette que Lucio Fulci ait décidé du jour au lendemain de stopper leur collaboration, ne manque pas d’intérêt.

Le Chat qui fume va faire plaisir aux fans de Lucio Fulci, puisque cette section propose ensuite une très longue interview audio de Lucio Fulci, divisée en deux temps (43’). En août 1988, le journaliste italien Gaetano Mistretta écrit au cinéaste italien pour lui poser des questions sur sa vie et ses films. Lucio Fulci enregistre ses réponses sur cassettes audio et lui envoie. L’interview a été partiellement publiée dans le magazine Darkstar le 2 août 1988, ainsi que dans le livre Spaghetti Nightmares publié en 1996. Si le montage de photos et de vidéos laisse quelque peu à désirer, l’écoute s’avère heureusement passionnante. Lucio Fulci est très prolixe sur l’ensemble de ses films, déclare aimer les jeunes qui s’intéressent au fantastique, genre peu pris au sérieux dans son pays mais porté par l’amour des passionnés en France (il salue d’ailleurs son ami Christophe Gans du magazine Starfix), tout en donnant de nombreuses indications sur son parcours (assistant de Steno), ses passions (Proust), ses premières mises en scène, le succès ou l’échec de ses œuvres, tout en évoquant sa rivalité avec Dario Argento. Sur ce point, Lucio Fulci indique « Dario ne m’aime pas et je ne sais pas pourquoi. S’il pense que je ne vaux rien, qu’il m’ignore ! Mais il me déteste. Non, il ne me déteste pas, il ne déteste personne? Il n’aime que lui. Il répétera sans cesse ce qu’il a déjà fait. C’est un artisan qui se prend pour un artiste, contrairement à Alfred Hitchcock. C’est un habile réalisateur, mais un exécrable scénariste ». S’il se jette parfois des fleurs et pousse quelques petits coups de gueule (« Je n’aime pas Shining, Stanley Kubrick est bien trop bon pour faire des films d’horreur »), on se rend compte que même après la maladie et une succession de bides commerciaux depuis 1982, Lucio Fulci – qui préparait le téléfilm La Casa nel tempo – était toujours animé par la passion de son métier. A ce titre, le réalisateur en profite pour dire que La Mouche de David Cronenberg apparaît pour lui comme étant un tournant décisif pour le cinéma d’horreur.

Spécialiste et auteur de Lucio Fulci – le poète du macabre, écrit avec Jean-François Rauger, mais aussi rédacteur en chef du site luciofulci.fr, Lionel Grenier nous propose une bonne présentation, analyse et critique de La Longue nuit de l’exorcisme (19’30). Il replace le film dans la carrière du maître, évoque le casting, les conditions de tournage, les intentions et partis pris, les lieux de tournage, les thèmes abordés, la polémique autour de la séquence de Barbara Bouchet nue face à l’enfant. Dans un second temps, il se penche davantage sur l’aspect psychologique tout en mêlant le fond et la forme, notamment sur la scène du lynchage de la sorcière qui a nécessité trois jours de tournage. Si cette intervention, qui contient de très nombreux spoilers, paraît parfois trop récitée et monocorde, c’est ici, avec l’intervention suivante, que vous en apprendrez le plus sur La Longue nuit de l’exorcisme.

Ne manquez donc pas la présentation de La Longue nuit de l’exorcisme par Olivier Père (23’). Le journaliste, critique de cinéma, directeur général d’Arte France cinéma et directeur cinéma à Arte France propose une longue et passionnante analyse du film de Lucio Fulci, en croisant habilement le fond avec la forme. Sans aucun temps mort, Olivier Père aborde les partis pris du cinéaste, les thèmes, les intentions, les motifs récurrents, les séquences les plus célèbres, tout en replaçant le film dans l’oeuvre de Lucio Fulci.

Critique de cinéma et directeur de la programmation de la Cinémathèque Française, Jean-François Rauger s’intéresse à son tour à La Longue nuit de l’exorcisme (16’). Si certains de ses propos font écho avec ce qui a déjà été entendu précédemment, il serait dommage de ne pas accorder un petit quart d’heure à cette analyse. Jean-François Rauger se penche surtout sur les thèmes et les motifs, ainsi que sur la dimension sociale du film et la figure de chacun des personnages. Rauger se souvient également de la découverte du film – « un peu à part dans le cinéma de Lucio Fulci, mais logique dans son parcours » – à sa sortie, au Brady, ainsi que de sa violence.

Déjà présent sur l’interactivité de Tropique du cancer, le scénariste Fathi Beddiar revient à son tour sur La Longue nuit de l’exorcisme (22’30). Pour lui, Lucio Fulci approfondit les thèmes déjà abordés par Elio Petri dans À chacun son dû – A ciascuno il suo en 1967. Grand passionné du cinéma italien et du giallo en particulier, Fathi Beddiar est visiblement heureux de parler de Lucio Fulci et de La Longue nuit de l’exorcisme, qu’il affectionne tout particulièrement. Il aborde les thèmes, le folklore méditerranéen, la réalité sociale, la figure de la sorcière et de l’assassin, sans oublier une fois de plus la séquence « incroyablement dangereuse » de Barbara Bouchet qui a fait grincer les dents d’un côté et émoustiller les autres.

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces d’A la recherche du plaisir, Opéra, Sanctuaire et Le Retour des morts-vivants.

N’oublions pas le livret de 24 pages, constitué d’affiches et de photos d’exploitation, uniquement réservé aux acheteurs de ce titre sur le site du Chat qui fume.

L’Image et le son

Un peu plus d’un an et demi après Le Venin de la peur, c’est au tour de La Longue nuit de l’exorcisme d’atterrir dans l’escarcelle du Chat qui fume, en version intégrale, en DVD et en Blu-ray (1080p) ! Ce nouveau master restauré HD 2K comble toutes les espérances. Non si sevizia un paperino bénéficie d’un superbe transfert, qui respecte le grain original, très bien géré, y compris sur les nombreuses séquences sombres. La définition est solide comme un roc et les flous constatés sont d’origine. Après un générique marqué par un bruit vidéo et des teintes fanées, le master (16/9 compatible 4/3) trouve un équilibre fort convenable et restitue les très beaux partis pris esthétiques du directeur de la photographie Sergio D’Offizi (Cannibal Holocaust). Sombre et poisseuse, mais aussi lumineuse et solaire, l’atmosphère trouble et troublante du film trouve un nouvel écrin en Haute-Définition, les contrastes sont élégants et même si les noirs manquent parfois de concision, la copie affiche une propreté ainsi qu’une stabilité jamais prises en défaut. Les séquences diurnes sont lumineuses à souhait avec un piqué plus acéré et des détails plus flagrants sur le cadre large. De quoi combler les fans et faire de nouveaux adeptes !

La Longue nuit de l’exorcisme est présenté dans sa version intégrale. De ce fait, certaines séquences qui n’avaient jamais bénéficié de doublage français, passent automatiquement en italien sous-titré dans la langue de Molière. Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place à la musique de Riz Ortolani. Elle demeure la plus riche du lot. La version française DTS-HD Master Audio Mono, au doublage typique de l’époque, apparaît tout aussi vive, même si évidemment moins naturelle. Le changement de langue est verrouillée à la volée et les sous-titres français imposés sur la version originale.

Crédits images : © Madusa Distribuzione . Le Chat qui fume / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / A la recherche du plaisir, réalisé par Silvio Amadio

A LA RECHERCHE DU PLAISIR (Alla ricerca del piacere) réalisé par Silvio Amadio, disponible en Édition Collector limité (1000ex) Blu-ray + DVD + CD le 15 juin 2017 chez Le Chat qui fume

Acteurs : Barbara Bouchet, Farley Granger, Rosalba Neri, Nino Segurini, Dino Mele, Umberto Raho, Patrizia Viotti…

Scénario : Silvio Amadio

Photographie : Aldo Giordani

Musique : Teo Usuelli

Durée : 1h40

Date de sortie initiale : 1972

LE FILM

Greta Franklin s’établit sur une île près de Venise et entre en contact avec Richard Stuart, qui vit dans une magnifique maison en compagnie de son épouse Elonora. Elle est engagée comme nouvelle secrétaire par Richard, la précédente ayant disparu dans d’étranges circonstances. Richard et Eleonora ignorent que Greta a une bonne raison d’accepter ce job : elle connaissait personnellement Sally…

L’oeuvre éclectique du réalisateur italien Silvio Amadio (1926-1995) n’est pas restée dans la mémoire des cinéphiles. Il faut dire que ses derniers films aux titres fleuris et explicites comme Comment faire cocu les maris jaloux, Les Polissonnes excitées, Si douce, si perverse ou bien encore La Lycéenne a grandi ont souvent éclipsé d’autres opus nettement plus intéressants. C’est le cas d’A la recherche du plaisir – Alla ricerca del piacere (1972), également connu sous le titre américain Amuck ! ou bien encore Maniac Mansion, superbe variation du giallo, qui s’avère avant tout un drame-thriller psychologique et érotique brillant et passionnant. La sublime Barbara Bouchet, au sommet de sa carrière (la même année que La Longue nuit de l’exorcisme de Lucio Fulci) et de sa beauté, qui enchaînait alors les tournages en Italie depuis la fin des années 1960, porte le film sur ses belles épaules – et quelle chute de reins mamma mia ! – et inspire Silvio Amadio.

Greta Franklin (Barbara Bouchet) part en Italie suite à son embauche comme secrétaire auprès de l’écrivain notoire Richard Stuart (Farley Granger), qui possède un vaste domaine isolé sur une île aux alentours de Venise. Mais son but premier est de retrouver Sally, son amie, son amante, disparue alors qu’elle occupait le même poste. Eleonora (Rosalba Neri), la femme de Stuart, bisexuelle, lui fait bientôt des avances, puis la drogue pour assouvir ses désirs. Lors d’une soirée décadente, Stuart diffuse un petit film amateur dans lequel Greta reconnaît Sally. Décidée à enquêter sur ce couple sulfureux, elle ne s’aperçoit pas qu’elle tombe dans le piège qu’il lui tend. Un piège dangereux, peut-être même mortel.

A la recherche du plaisir n’est pas un énième film de genre, bâclé et réalisé à la va-vite. Certes, nous sommes en plein cinéma d’exploitation, mais Silvio Amadio soigne chaque plan, instaure une atmosphère trouble et troublante du début à la fin, pour ne pas dire jusqu’à la toute dernière seconde. Dès le générique, le cinéaste transporte le spectateur à Venise, avec Barbara Bouchet qui découvre la ville. Puis, le personnage s’en éloigne pour finalement débarquer sur une petite île près de la Sérénissime, dans une grande demeure. En quelques minutes, le réalisateur a donc dressé le tableau et isole cette jeune secrétaire. A la recherche du plaisir s’avère un véritable jeu de pistes, reposant sur la mise en scène (toute l’investigation de Greta est vraiment une référence), l’étrangeté et la beauté des décors, sans oublier la peur distillée par celles et ceux qui gravitent autour de Greta.

Découvert chez Alfred Hitchcock dans La Corde (1948) et L’Inconnu du Nord-Express (1951), premier rôle chez Luchino Visconti dans Senso en 1954, Farley Granger sort de quinze ans d’apparitions à la télévision, avant d’être à nouveau appelé par le cinéma italien au début des années 1970. Il apporte à Amuck ! son charme venimeux, suintant et semble se délecter de ce personnage ambigu et machiavélique. N’oublions pas la sensuelle Rosalba Neri (La Polak dans la saga Angélique, Lady Frankenstein, cette obsédée sexuelle, Les Vierges de la pleine Lune) et son regard troublant, peu avare de ses charmes, dont la scène saphique avec Barbara Bouchet, tournée au ralenti sur une musique envoûtante de Teo Usuelli (Le Lit conjugal, Dilinger est mort) reste probablement la plus célèbre du film.

A la recherche du plaisir combine de façon assez virtuose le film d’enquête et l’histoire d’amour, en jouant avec les codes du giallo sans pour autant entrer dans cette catégorie puisqu’il n’y a ici aucun tueur ganté, ni crime à l’arme blanche réalisé en caméra subjective, juste une brute épaisse au cerveau en compote qui utilise ses mains pendant une partie de jambes en l’air qui tourne mal. Ce qui n’empêche pas A la recherche du plaisir d’être une immense réussite, anxiogène, culte auprès des amateurs, aussi rare que précieux, d’autant plus que le film n’est jamais sorti en France.

LE BLU-RAY

Que dire si ce n’est que Le Chat qui fume nous offre une nouvelle fois un magnifique objet qui devrait intégrer la DVD-Bluraythèque de tout cinéphile qui se respecte ! Le combo Digipack à trois volets de ce nouveau titre « Exploitation italienne », renferme à la fois le DVD du film, le Blu-ray et également le CD de la bande originale de Teo Usuelli, que l’auteur de ces mots écoute d’ailleurs en fond pendant qu’il écrit cette chronique. Sur le verso des volets, nous trouvons l’affiche américaine du film (Amuck !), ainsi que deux visuels provenant de l’exploitation italienne. L’ensemble se glisse dans un fourreau cartonné du plus bel effet, au visuel superbe, jaune « giallo » et attractif. Cette édition collector est limitée à 1000 exemplaires. Le menu principal est élégant, animé et musical.

Après avoir écouté ces 52 minutes de musique enivrante, regardons ce que le Chat nous propose en guise de suppléments.

On commence par l’excellente interview de la comédienne Rosalba Neri (16’). Visiblement heureuse et émue de partager ses souvenirs liés à A la recherche du plaisir, l’actrice évoque le tournage à Venise et dans ses environs, y compris dans la villa de la styliste Roberta di Camerino. Rosalba Neri en vient ensuite à sa collaboration avec le réalisateur Silvio Amadio, « un homme et cinéaste très dur, qui inspirait la crainte », parle de son personnage et de ses partenaires, sans oublier les conditions des prises de vues de la célèbre séquence saphique avec Barbara Bouchet.

Cette dernière prend ensuite la parole dans un entretien (19′) plus détaché que celui de Rosalba Neri, comme si la comédienne gardait un souvenir amer de « jouer à peu près toujours le même personnage » et qu’elle voulait être mieux considérée que pour sa participation aux films d’exploitation. En italien, la comédienne indique que l’année 1972 fut pourtant la plus intense de sa carrière – « Souvent, je ne savais même pas dans quel film j’étais en train de jouer ! » – avec plus de 8 films tournés quasi-simultanément. Barbara Bouchet ne parvient pas à réaliser que « ce genre de film » ait pu traverser les décennies et déclare que c’est à Quentin Tarantino – qui avait voulu la rencontrer lors de sa venue au Festival de Venise – que l’on doit entre autres ce regain de popularité. Contrairement à sa partenaire, l’actrice décrit Silvio Amadio comme un homme assez calme et doux, qui ne s’agitait jamais, toujours très gentil et aimable, dont elle garde un très bon souvenir. Barbara Bouchet parle ensuite du travail du réalisateur, du tournage à Venise et des scènes érotiques, de ses partenaires.

Nous passons à l’entretien avec Stefano Amadio (22’), fils du réalisateur Silvio Amadio, qui propose un portrait de son père et un panorama de sa carrière. Son enfance, ses débuts dans le cinéma grâce à son beau-frère Massimo Girotti et à Luchino Visconti, ses premières mises en scène, ses succès et les genres abordés (péplum, western, policier, comédie) sont évoqués. Puis Stefano Amadio aborde A la recherche du plaisir à travers des anecdotes amusantes (celle sur Barbara Bouchet nue sur le plateau, devant le regard médusé des techniciens) et souvenirs divers. Quand on lui demande quelle empreinte a laissé son père dans le cinéma italien, Stefano Amadio répond « une petite empreinte, mais son sérieux et son professionnalisme demeurent auprès de ceux qui ont travaillé avec lui ».

Le supplément qui suit donne la parole à l’excellent Philippe Chouvel, journaliste chez Psychovision, qui propose une présentation d’A la recherche du plaisir (« pas un des meilleurs gialli, mais un thriller de bonne facture qui possède de nombreuses qualités »), tout en revenant sur l’ensemble de la carrière de Silvio Amadio (24’). Ce bonus complète parfaitement ce qui a déjà été entendu précédemment et propose de nombreux éléments pertinents, d’autant plus que l’énumération des films du cinéaste (dont les quatre comédies grivoises avec Gloria Guida) donne sérieusement envie de redécouvrir cette oeuvre. Philippe Chouvel s’extasie – on le comprend – sur la scène saphique entre Barbara Bouchet et Rosalba Neri et se dit ravi que le film soit enfin disponible dans les meilleures conditions possibles.

Le dernier bonus de cette section est désormais le rendez-vous incontournable où l’éditeur demande à un invité de donner ses trois gialli préférés. C’est au tour du directeur de la Cinémathèque Jean-François Rauger de s’y coller (12’), d’expliquer sa vision du giallo et de parler de l’évolution du genre. L’intéressé donne plus que trois titres, à savoir Les Frissons de l’angoisse – Profondo Rosso de Dario Argento (dont il défend la version courte), Six femmes pour l’assassin – Sei donne per l’assassino, Cinq filles dans une nuit chaude d’été – 5 bambole per la luna d’agosto et La Baie sanglante – Reazione a catena de Mario Bava, L’Emmurée vivante – Sette note in nero de Lucio Fulci, Les Rendez-vous de Satan – Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ? de Giuliano Carnimeo.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces de films disponibles ou prochainement prévus chez Le Chat qui fume. Par ailleurs, le trailer d’A la recherche du plaisir vaut le coup d’oeil pour son (faux ?) micro-trottoir de spectateurs (« Ceux qui ont fait ce film devraient être arrêtés ! », « Je n’ai jamais vu autant de sexe et de nudité dans un film ! ») réalisé après une projection du film de Silvio Amadio. Certains jubilent, d’autres sont choqués. La bande-annonce insiste bien sur le caractère sexuel du film pour appâter, tandis qu’une voix annonce que des coupes ont dû être faites (malgré un aperçu de la scène saphique), mais que le film sera bien présenté dans sa version intégrale dans les salles. « Un film si réaliste et troublant, que vous aurez envie de quitter la salle, mais vous n’en serez pas capable ! ».

L’Image et le son

L’élévation HD (1080p) magnifie les partis pris esthétiques de la photographie signée Aldo Giordani, chef opérateur culte à qui l’on doit les images de On l’appelle Trinita et de sa suite, ou bien encore Dommage que tu sois une canaille et Moi, moi, moi et les autres d’Alessandro Blasetti. La photo éthérée d’A la recherche du plaisir baigne dans des teintes brunes du plus bel effet. Le piqué dépend des volontés artistiques originales et s’avère plus incisif sur toutes les lumineuses séquences tournées en extérieur. La copie est très propre, la restauration est superbe, aucune poussière n’est à signaler, les contrastes sont concis, les noirs souvent denses, les couleurs éclatantes. La gestion du grain original est équilibrée mais tend à être plus appuyé sur les scènes sombres et nocturnes. Mais le codec AVC consolide l’ensemble avec brio, les arrière-plans sont stables, la profondeur de champ est indéniable et les détails d’une richesse incontestée sur le magnifique cadre large. Un très beau Blu-ray qui permet de (re)découvrir totalement le film, présenté en version intégrale, de Silvio Amadio !

Comme pour l’image, le son a également été restauré. Résultat : aucun souci acoustique constaté sur ce mixage italien DTS-HD Master Audio Mono, pas même un souffle parasite. Le confort phonique de cette piste unique est total, les dialogues sont clairs et nets, même si les voix des comédiens, enregistrées en postsynchronisation, peuvent parfois saturer ou apparaître en très léger décalage avec le mouvement des lèvres. La composition de Teo Usuelli est excellemment délivrée. Notons que les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Le Chat qui fume / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Tropique du Cancer, réalisé par Edoardo Mulargia et Giampaolo Lomi

TROPIQUE DU CANCER (Al Tropico del Cancro) réalisé par Edoardo Mulargia et Giampaolo Lomi, disponible en combo DVD/Blu-ray le 1^er avril 2017 chez Le Chat qui fume

Acteurs : Anthony Steffen, Anita Strindberg, Gabriele Tinti, Umberto Raho, Stelio Candelli, Gordon Felio, Kathryn Witt…

Scénario : Anthony Steffen, Giampaolo Lomi, Edoardo Mulargia

Photographie : Marcello Masciocchi

Musique : Piero Umiliani

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1972

LE FILM

Vivant depuis de nombreuses années à Port-au-Prince, le Docteur Williams traîne une réputation de fabricant de drogue. Sa dernière création est un puissant hallucinogène permettant de plonger dans un univers érotique ouvrant sur ses désirs les plus secrets. Peacock, énorme fortune de l’île, pédophile notoire, convoite la formule, tout comme un certain Murdock, fraîchement arrivé en ville. Après avoir caché son invention, Williams voit débarquer un vieil ami, Fred Wright et son épouse Grace. Commence alors une série de règlements de comptes de plus en plus violents, tandis que Grace, au son des tambours vaudous, découvre ses désirs enfouis.

Tropique du Cancer – Al Tropico del Cancro (1972), est un giallo à part. Alors que les films du genre se déroulent habituellement dans une ville (européenne), de nuit, éclairée froidement ou au contraire avec moult jeux de couleurs baroques, le film coréalisé – enfin c’est à voir, comme cela est expliqué dans les suppléments du Blu-ray – par Edoardo Mularcia (Creuse ta fosse, j’aurai ta peau, El Puro, la rançon est pour toi) et Giampaolo Lomi (assistant sur Les Négriers de Gualtiero Jacopetti et Franco Prosperi, déjà tourné à Haïti) se déroule sous la chaleur moite et le soleil éclatant d’Haïti. En plus de cette approche singulière et exotique, le giallo est lui-même parasité par un autre genre d’exploitation alors lancé depuis dix ans, le mondo. Ce qui caractérise le mondo est une approche semi-documentaire, proposant des images souvent très crues, destinées avant tout à choquer les spectateurs. Comme qui dirait l’ancêtre du found-footage, puisqu’il s’agit avant tout de renforcer l’immersion de l’audience. C’est donc à la lisière de ces deux genres qu’apparaît Tropique du Cancer.

Le Docteur Williams (Anthony Steffen aka Antonio De Teffè, également coscénariste) vit à Port-au-Prince depuis plusieurs années et semble se consacrer à son travail à l’hôpital. En réalité, Williams s’adonne à des recherches et même à la fabrication de substances illicites. Le scientifique solitaire et misanthrope a mis au point un puissant hallucinogène à haute teneur érotique, ayant pour conséquence de rendre réaliste les fantasmes de celui ou celle qui le respire. La découverte de Williams, aidé dans ses travaux par deux assistants, est parvenue jusqu’aux oreilles d’individus peu scrupuleux, qui souhaitent acquérir la formule par tous les moyens possibles. C’est alors que débarquent Fred (Gabriele Tinti, le « vrai » Don Cesar de La Folie des grandeurs) et son épouse Grace (Anita Strindberg), visiblement pour essayer de relancer leur couple en crise. Tandis que cette dernière tombe immédiatement sous le charme de l’île et de ses habitants, un en particulier, la visite de Fred, ancien ami de Williams, ne semble pas innocente. Pendant ce temps, les deux assistants du docteur se font assassiner. Se pourrait-il que le meurtrier soit le dénommé Peacock, un obèse pédophile qui a la mainmise sur l’île grâce à son argent ? Ou bien encore un certain Murdock, qui vient tout juste d’arriver dans la capitale accompagné d’un homme de main ? Malgré les tensions, Williams ne souhaite pas vendre son invention et l’a dissimulée. Mais les menaces se multiplient.

Tropique du Cancer est plus un film d’ambiances et d’atmosphère qu’un véritable thriller proprement dit, même si les meurtres réalisés par un tueur aux gants de cuir s’enchaînent – en caméra subjective bien entendu – et s’avèrent de plus en plus sauvages. En situant le récit à Port-au-Prince, dans un climat étouffant et anxiogène, les deux réalisateurs créent un malaise constant et inquiétant, d’autant plus qu’ils marquent le film de brisures documentaires, notamment quelques transes, rituels et pratiques vaudou organisés pour les moyens du tournage, mais bel et bien réels, non mis en scène, y compris le sacrifice d’un taureau dont on recueille le sang après égorgement, comme plus tard lors d’une visite d’abattoirs. Sous ce climat lourd et suffocant, nous suivons la course à un aphrodisiaque puissant et révolutionnaire. Là encore, c’est moins cet aspect « espionnage » – à la résolution très décevante il faut bien l’avouer – que le réveil du désir d’une femme qui s’avère le plus intéressant, d’autant plus quand celle-ci est interprétée par la sublime actrice suédoise Anita Strindberg !

Dès l’arrivée de Grace sur le sol de Port-au-Prince, la jeune femme remarque un des employés de l’hôtel où elle a posé ses valises. On sent Grace bouleversée par ce qui lui arrive et cet habitant, lui-même peu indifférent, semble réveiller chez elle quelques fantasmes sexuels jusqu’alors refoulés. Sentiments qui conduisent à la séquence la plus célèbre du film, quand Grace, sous le charme de l’aphrodisiaque distillé à son insu, plonge dans un rêve peuplé de jeunes éphèbes noirs, nus, qui tentent de l’agripper dans un couloir couleur rouge-sang, jusqu’à ce qu’elle tombe dans les bras de celui sur qui elle fantasme depuis son arrivée, le tout bercé par la superbe partition de Piero Umiliani. Magnifique scène graphique qui n’est évidemment pas sans rappeler l’ouverture du Venin de la peur de Lucio Fulci, également interprété par Anita Strindberg.

Film pluriel, à la croisée des genres, à la lisière du fantastique, Tropique du Cancer est finalement un film inclassable et sensuel, curieux, atypique et ambitieux, à la fois divertissant et réflexion sur la sexualité féminine. De grandes qualités qui font oublier les quelques facilités et l’aspect parfois décousu du scénario.

LE BLU-RAY

Le Chat qui fume a mis le turbo depuis la sortie en Blu-ray du Venin de la peur en octobre 2015 ! Après les sublimes éditions HD La Nuit des diables, Exorcisme tragique, La Soeur d’Ursula et Terreur sur la lagune, le félin sort les griffes à nouveau ! C’est au tour de Tropique du Cancer d’arriver dans l’escarcelle – ou la gamelle – du Chat noir. L’objet est magnifique.

Le combo Digipack à trois volets de ce nouveau titre « Exploitation italienne », renferme à la fois le DVD du film, celui alloué aux suppléments et le Blu-ray qui reprend le tout. Sur le verso des volets, nous trouvons trois affiches originales du film. L’ensemble se glisse dans un étui cartonné du plus bel effet, au visuel superbe et attractif. Cette édition limitée à 1000 exemplaires s’avère un véritable objet de collection. Le menu principal est animé et musical. Un service princier.

Comme d’habitude pour ses éditions HD, Le Chat qui fume a mis le paquet concernant les suppléments avec plus d’1h45 de bonus à se mettre sous la dent !

On commence par l’entretien avec le coréalisateur Giampaolo Lomi (32’). Né en 1930 et ne comptant que deux films à son actif en tant que metteur en scène, Tropique du Cancer en 1972 et I Baroni en 1975, Giampaolo Lomi explique que l’idée d’Al Tropico del Cancro vient de lui et de son désir de retravailler en Haïti, où il a vécu 1 an et demi et où il a surtout servi d’assistant-réalisateur sur Les Négriers de Gualtiero Jacopetti et Franco Prosperi. Dans un deuxième temps, Lomi insiste sur le fait qu’on lui ait imposé de réaliser Tropique du Cancer en binôme avec Edoardo Mulargia en raison de son manque d’expérience dans le domaine de la fiction. Mais l’argument est aussitôt démenti par l’intéressé qui indique que Mulargia, qui était chargé à la base de superviser le tournage, préférait aller à la plage en lui faisant confiance. Lomi s’accapare donc l’entière paternité du film, sur lequel il revient ensuite plus longuement, les conditions de tournage – en Arriflex 9mm – des scènes de vaudou, le travail avec les comédiens, Anthony Steffen qu’il qualifie de voleur de gros plans et qui s’est imposé pour écrire également le scénario, sans oublier Anita Strindberg, dont il se souvient surtout de la poitrine refaite qu’il a essayé de dissimuler à l’image. Après être revenu sur les personnages et la représentation de l’homme de couleur dans Tropique du Cancer, Lomi aborde un sujet épineux, ses rencontres avec le dictateur François Duvalier ou Papa Doc, qu’il considère comme l’un des chefs d’état les moins cruels « dans le genre » et tente de démontrer ce qu’il a fait pour Haïti, en permettant à la population d’avoir accès à la nourriture. Damn !

Tout ce qui est dit par Lomi est en quelque sorte démenti par le second réalisateur de Tropique du Cancer dans le supplément suivant. Contrairement au module précédent, le document présenté est composé d’entretiens audio avec Edoardo Mulargia (décédé en 2005), ainsi que des propos face caméra du journaliste Davide Pulci, du réalisateur Roger A. Fratter et des comédiens Robert Woods et Marc Fiorini (18’). Dans son interview à l’enregistrement grinçant, Edoardo Mulargia annonce de son côté être l’auteur du film en avançant que Giampaolo Lomi « s’est uniquement occupé de tourner quelques scènes secondaires, mais pas grand-chose […] il n’a pas grand-chose à y voir, même si le film est sorti sous nos deux noms ». Ce sur quoi les autres intervenants réagissent en allant dans ce sens, en expliquant que Lomi s’est probablement occupé de la partie « documentaire » du film, à savoir les scènes de vaudou, alors que Mulargia s’est chargé de tout le reste, autrement dit de la partie fictive et du travail avec les acteurs. Tropique du cancer est ensuite un peu abordé sur la forme et sur le fond, même si ce module s’égare ensuite sur le travail d’acteur de Anthony Steffen avec les interventions de deux comédiens qui lui ont donné la réplique. Dans la dernière partie de ce documentaire, l’intérêt se recentre sur la fin de carrière de Mulargia, placée sous le signe de films érotiques, ce que l’intéressé dément dans son entretien. Plus critique, Davide Pulci indique que Mulargia « était un réalisateur qui n’avait pas vraiment de style notable et ses films sans particularité artistique ou technique ».

C’est ensuite au tour du journaliste Francis Barbier du site DeVilDead.com de prendre la parole pour une analyse indispensable de Tropique du Cancer (27’). Comme il l’indique d’entrée de jeu, ce module contient des spoilers et n’est donc à visionner qu’après avoir vu le film. Outre son attachement pour la belle Anita Strindberg (« avec son corps qui capte le soleil… ») et sa pique sur « cette espèce de vieux con d’Eastwood » quand il aborde le thème du racisme, Francis Barbier croise habilement le fond et la forme du film qui nous intéresse en revenant sur son caractère singulier et transgenre, entre giallo et mondo, sans oublier une touche de blaxploitation. La scène d’hallucination est passée au crible, tout comme le travail des deux réalisateurs, le cadre, l’espace et l’homme de couleur dans le cinéma italien.

Dernier entretien de cette interactivité avec celui du scénariste Fathi Beddiar (25) qui nous présente ses trois gialli préférés. Visiblement peu habitué à l’exercice, l’intéressé s’embrouille quelque peu dans ses propos qui manquent de construction, même si l’ensemble est malgré tout sympathique et intéressant. L’auteur du très bon Colt 45, qu’il a néanmoins renié avec le réalisateur Fabrice Du Welz en raison d’une production catastrophique, essaye tout d’abord de donner sa propre définition du giallo, avant de livrer son top constitué de Gente di rispetto de Luigi Zampa (1975), Le Corps et le Fouet et 6 Femmes pour l’assassin de Mario Bava (1963 et 1964), ainsi que Les Frissons de l’angoisse de Dario Argento (1975). Si Fathi Beddiar s’égare quelque peu, au moins l’intéressé fait preuve de grandes connaissances du giallo (et du cinéma en général) et son intervention ne manque pas d’attraits.

Egalement au programme, à la fois sur le DVD consacré aux bonus et sur cette édition HD, nous trouvons Tropique du Cancer proposé en mode VHS, en version française et encodé en 1080i sur le Blu-ray. Outre la fibre nostalgique titillée, c’est aussi l’occasion de voir tout le travail effectué du point de vue de la restauration !

Cette section se clôt sur un lot de bandes-annonces de films, celle de Tropique du Cancer, mais aussi celles de films prochainement disponibles chez Le Chat qui fume dont La Longue nuit de l’exorcisme de Lucio Fulci !

Une des éditions indispensables et incontournables de ce premier semestre 2017 sur laquelle devraient se ruer tous les cinéphiles !

L’Image et le son

Une fois passé le générique grumeleux et marqué par quelques rayures verticales, la Haute-Définition prend son envol devant nos yeux sans cesse flattés. Le Blu-ray édité par Le Chat qui fume restitue habilement les volontés artistiques originales en conservant heureusement le précieux grain cinéma ainsi que les couleurs chaudes et clinquantes (voir les carrosseries rutilantes des voitures). Les contrastes sont léchés et le relief étonnamment palpable, tandis que le piqué demeure acéré. Ces partis pris entraînent certes une image parfois plus douce, une sensible perte de la définition sur les nombreux zooms, mais la compression AVC consolide l’ensemble avec brio, les détails sont légion sur le cadre large, les noirs denses et la copie éclatante. Quant à la restauration, elle est souvent sidérante.

Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono 2.0 ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place à la musique de Piero Umiliani (Le Pigeon, A cheval sur le tigre). A titre de comparaison, elle demeure la plus dynamique et la plus riche du lot, à tel point que l’on parvient à entendre les maracas jouées par un musicien au fond de l’image. La version française DTS-HD Master Audio Mono 2.0, au doublage particulièrement raté (donc amusant), apparaît plus grinçante, même si comme son homologue, elle apparaît dépourvue de souffle parasite. Le changement de langue est verrouillée à la volée et les sous-titres français imposés sur la version originale.

Crédits images : © Le Chat qui fume / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Soeur d’Ursula, réalisé par Enzo Milioni

LA SOEUR D’URSULA (La Sorella di Ursula) réalisé par Enzo Milioni, disponible en combo Blu-ray/DVD et Blu-ray le 2 novembre 2016 chez Le Chat qui fume

Acteurs : Barbara Magnolfi, Marc Porel, Stefania D’Amario, Anna Zinnemann, Antiniska Nemour, Yvonne Harlow, Vanni Materassi…

Scénario : Enzo Milioni

Photographie : Vittorio Berninni

Musique : Mimi Uva

Durée : 1h36

Date de sortie initiale : 1978

LE FILM

Ursula et Dagmar Beyne, deux sœurs ayant récemment hérité, vont passer des vacances en Italie dans un magnifique hôtel sur la côte. Elles cachent un sombre passé : abandonnées par leur mère, elles ont vu leur père sombrer dans la dépression et se suicider. Tombée dans la névrose, Ursula fuit le contact des hommes et vit recluse dans sa chambre, tandis que sa sœur s’adonne à une libido effrénée. Parmi ses courtisans : Roberto Delleri, le directeur de l’hôtel, et Filippo Andrei, un loubard cocaïnomane au comportement étrange. Les vacances des deux sœurs ne seront pas de tout repos puisqu’on découvre bientôt, aux abords de l’hôtel, le cadavre mutilé d’une prostituée, puis les corps d’un jeune couple…

Réalisé en 1978, La Soeur d’Ursula – La Sorella di Ursula est le premier long métrage du réalisateur Enzo Milioni, jusqu’alors scénariste du film au titre fleuri Non… je suis encore vierge ! (1971). Jouant avec les codes du giallo, La Soeur d’Ursula tire sur la corde en proposant surtout une histoire érotique et en compilant les scènes de sexe, toujours soulignées par le même thème musical, à l’instar des téléfilms diffusés sur M6 après Sexy Zap le dimanche soir dans les années 1990. Vous vous rappelez coquins ? Néanmoins, La Sorella di Ursula demeure typique du cinéma d’exploitation transalpin de l’époque avec une belle photographie vaporeuse, des comédiennes peu avares de leurs charmes et qui se déshabillent toutes les dix minutes, quelques meurtres violents et sanglants (toujours hors champ), visiblement commis par un homme au sexe surdimensionné.

Soyons honnêtes, avec son intrigue qui part dans tous les sens, ce petit giallo vaut essentiellement pour la beauté surréelle de Barbara Magnolfi (Olga dans Suspiria de Dario Argento), dont le regard vert subjugue et foudroie. Ce sont ces yeux fantastiques qui font surtout l’intérêt de La Soeur d’Ursula, ainsi que le charme vintage qui agit du début, il ne faut pas attendre trois minutes pour déjà apprécier le premier full frontal, jusqu’à la fin nawak et improbable, mais qui fonctionne malgré tout auprès d’une audience déjà conquise et donc indulgente. Aux côtés de Barbara Magnolfi, Stefania D’Amario (Les Déportées de la section spéciale SS, L’Enfer des zombies) et Marc Porel (Le Clan des Siciliens, La Horse, La Longue nuit de l’exorcisme) portent également le film vers le haut du Bis par leur charisme et leur indéniable talent, sans oublier la beauté des décors naturels de la côte Amalfitaine, au bord de la mer tyrrhénienne.

Le giallo est déjà mort, mais certains réalisateurs s’amusent encore avec ses cendres, tout en lorgnant sur un autre genre de cinéma Bis qui attire de nouveaux spectateurs, surtout depuis le triomphe international d’Emmanuelle en 1974. De l’aveu de Barbara Magnolfi, le résultat final ne correspond pas au scénario ambitieux initialement prévu, puisque selon elle les producteurs auraient imposé les scènes de sexe, très nombreuses et totalement gratuites au final, au metteur en scène Enzo Milioni, histoire de pimenter une intrigue policière teintée de fantastique qu’ils pensaient idiote et éculée. Ou comment couvrir ses arrières en découvrant ses actrices. Seulement voilà, les producteurs tendaient la carotte au réalisateur en lui promettant de lui financer son prochain long métrage, un projet personnel et vrai film d’auteur, qui ne verra jamais le jour.

Visionner La Soeur d’Ursula – qui d’ailleurs n’avait pas connu d’exploitation dans les salles françaises – de nos jours, c’est se retrouver face à un échantillon d’un cinéma désuet et disparu, mais agréable, parfois excitant et toujours divertissant, qui rend compte du revirement soudain des producteurs afin de mieux répondre aux attentes et au goût des spectateurs.

LE BLU-RAY

Si le film peut laisser quelque peu indifférent, cette édition combo Blu-ray/DVD concoctée par notre Chat noir à la clope est à tomber. L’élégant digipack se compose de trois volets, superbement illustrés, qui accueillent les deux disques. L’ensemble est glissé dans un étui cartonné du plus bel effet. Le menu principal, animé et musical, est identique sur le DVD et le Blu-ray. Petite erreur sur le verso de l’étui qui annonce que le supplément avec le réalisateur s’intitule « Ursula c’est moi ». Le film est proposé dans sa version intégrale.

Le Chat qui fume n’est pas venu les mains vides et nous livre quelques entretiens particulièrement généreux.

On commence par celui du réalisateur Enzo Milioni réalisé en 2008 (38’). Longuement, posément, le metteur en scène de La Soeur d’Ursula revient sur la genèse chaotique de son premier long métrage, une commande qui devait en réalité lui permettre de financer un film beaucoup plus personnel, dans lequel la comédienne Valentina Cortese devait tenir le premier rôle. Malgré la réussite commerciale de La Soeur d’Ursula, les producteurs qui lui avaient imposé de tourner des scènes érotiques non prévues, n’ont pas tenu leur parole pour son second long métrage. Ensuite, le cinéaste passe en revue le casting de son film et s’attarde sur chaque comédien. Il évoque ainsi le regard de Barbara Magnolfi, les problèmes de drogue de Marc Porel et comment il s’était mis d’accord avec l’acteur quand ce dernier voulait aller « à la chasse aux papillons ». Enzo Milioni évoque ensuite le bon accueil ainsi que la version du film qui circulait sous la manteau et qui comprenait des inserts pornographiques.

C’est avec un grand plaisir que nous retrouvons Barbara Magnolfi dans le supplément suivant. La comédienne née en France, d’un père italien et d’une mère française, parle parfaitement la langue de Molière et se livre avec franchise sur La Soeur d’Ursula. Franchise parce qu’elle se rappelle avoir été dupée sur le produit fini étant donné que le scénario sur lequel elle s’était engagée ne comportait aucune scène de sexe ! Tout d’abord, elle parle de son enfance avec une mère qui la délaissait, puis de ses débuts dans le cinéma avec notamment la rencontre avec Dario Argento qui l’engage pour Suspiria alors qu’elle n’a que 21 ans. Vient ensuite la rencontre avec l’acteur Marc Porel, qui sera son compagnon de 1977 à la mort prématurée de celui-ci en 1983 des suites d’une méningite consécutive à ses graves problèmes de drogue. Barbara Magnolfi déclare ne pas vouloir être associée au genre de film comme La Soeur d’Ursula puisque les scènes dénudées ont toutes été filmées à l’insu des comédiens. Estimant avoir été trahie, elle n’en veut pas au réalisateur, mais aux producteurs. L’actrice clôt cet entretien en parlant de sa vie aux Etats-Unis.

Plus anecdotique, Le Chat qui fume est allé demander à Philippe Chouvel, journaliste chez Psychovision, quels étaient ses trois gialli (mineurs) préférés (6’30). Ce dernier répond La Casa dalle finestre che ridono (Pupi Avati), L’Occhio nel Labirinto (Mario Caiano) et La Corrupción (Chris Miller). L’interviewé présente rapidement ces trois films et évoque le genre qu’il affectionne tout particulièrement, un « cinéma qui s’écoutait autant qu’il se regardait ».

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces, dont celle de La Soeur d’Ursula, uniquement axée sur les scènes érotiques.

L’Image et le son

Peu importe si La Soeur d’Ursula est un film mineur, Le Chat qui fume déroule le tapis rouge au film d’Enzo Milioni avec un superbe master Haute-Définition (1080p, AVC). Ce traitement royal permet même de revoir à la hausse ce giallo érotique. Dès le générique, la propreté s’avère sidérante, la copie est stable, le piqué aiguisé et la photo légèrement ouatée du chef opérateur Vittorio Bernini (Une suédoise sans culotte, La Nipote) est respectée et n’a vraisemblablement jamais été aussi resplendissante. Les quelques poussières et griffures qui ont pu échapper au scalpel numérique demeurent subliminales, la restauration subjugue du début à la fin, tout comme la luminosité, les couleurs et l’élégante tenue des contrastes.

Point de version française ici puisque La Soeur d’Ursula n’a pas été exploitée dans nos salles, même celles qui proposaient les films les plus coquins. Le mixage italien DTS HD Master Audio Mono aux sous-titres français respecte les partis pris d’époque, à savoir un doublage réalisé en postproduction, qui occasionne par moments un très léger décalage entre les dialogues et le mouvement des lèvres des comédiens. En dehors de cela, l’écoute demeure très propre avec parfois quelques sensibles saturations dans les aigus, mais rien de bien méchant.

Test Blu-ray / Terreur sur la lagune, réalisé par Antonio Bido

TERREUR SUR LA LAGUNE (Solamente Nero) réalisé par Antonio Bido, disponible en édition Blu-ray + DVD + CD audio le 2 novembre 2016 chez Le Chat qui fume

Acteurs : Lino Capolicchio, Stefania Casini, Craig Hill, Massimo Serato, Juliette Mayniel, Laura Nucci, Attilio Duse, Gianfranco Bullo, Luigi Casellato, Alfredo Zammi…

Scénario : Marisa Andalò, Antonio Bido, Domenico Malan

Photographie : Mario Vulpiani

Musique : Stelvio Cipriani

Durée : 1h49

Date de sortie initiale : 1978

LE FILM

Jeune professeur à l’université de Rome, Stefano D’Archangelo profite des vacances pour aller voir son frère, Don Paolo, prêtre dans une paroisse proche de Venise. En chemin, il rencontre la belle Sandra, artiste peintre qui vit avec sa mère paralysée. Le soir même de son arrivée, une médium est étranglée en face du presbytère, sous les yeux de Don Paolo. La vision du cadavre provoque chez Stefano une série de flash-back lui renvoyant l’image d’un petit garçon effrayé caché derrière un buisson. Dès lors, un tueur élimine un par un les participants aux séances de spiritisme dirigées par la médium. Tous ces crimes auraient-ils un lien avec le meurtre d’une jeune fille, vingt ans auparavant ?

Sorti sur les écrans en 1978, Terreur sur la lagune – Solamente Nero, arrive au moment où le giallo connaît ses derniers soubresauts. Réalisé par Antonio Bido, qui signait ici son deuxième long métrage (sur sept à ce jour) après le succès de Il gatto dagli occhi di giada, ce thriller se déroule dans l’ambiance poisseuse, spectrale et inquiétante de Venise et de ses environs, dont l’île de Murano. Les spectateurs aujourd’hui au fait des ficelles et des codes du genre (dont le trauma originel), ne seront pas dépaysés et auront même toujours un peu d’avance sur les supposés rebondissements, mais la mise en scène, l’interprétation et le soin tout particulier apporté à l’esthétique en font toujours une indéniable réussite.

Film noir et sombre, Terreur sur la lagune doit finalement plus au cinéma d’Alfred Hitchcock (avec même un caméo de Bido), grande référence avouée du cinéaste, qu’à celui de Dario Argento ou de Mario Bava. Sans en révéler l’aboutissement, la séquence finale n’est pas sans rappeler celle de Sueurs froides – Vertigo, et les séquences de meurtres, même si elles s’avèrent spécifiquement mises en scène chaque fois, marquent plus les esprits par l’installation du suspens que par l’acte proprement dit. Si le giallo s’essouffle, cela n’empêche pas Antonio Bido d’user de ses ressorts, pour finalement se les approprier et emmener le spectateur vers un thriller, non pas plus « classique », mais plus contemporain.

Terreur sur la lagune est un film ambitieux puisque conscient que le giallo est un genre qui s’éteint, le réalisateur souhaite décortiquer la mécanique de ce qui crée la peur dans ce cinéma, tout en cherchant à faire muter le fond et la forme vers quelque chose de plus moderne. Antonio Bido fait également appel à de solides comédiens, dont Lino Capolicchio (Le Jardin des Finzi-Contini), Craig Hill (Au nom du père, du fils, et du colt…, Dracula contre Frankenstein) et Stefania Casini (Suspiria). Avec leur charisme « hors du temps », ils traversent le film comme s’ils étaient plongés sous hypnose et campent des personnages ambigus, même si l’on découvre très vite qui s’évertue à laisser des cadavres derrière lui/elle. Ce qui intéresse Antonio Bido, qui bénéficiait alors d’une grande liberté et d’un budget très confortable, est surtout de marquer son film par de solides moments d’angoisse, les crimes sadiques et atroces apparaissant finalement comme la cerise sur la gâteau, mais pas aussi gores que pouvaient l’espérer certains spectateurs. Mention spéciale à la séquence d’ouverture, ou encore à celle où un homme plonge dans le canal glacé pour échapper au tueur, s’agrippe au bastingage d’un bateau, avant d’être rattrapé par le tueur qui l’écrase littéralement entre les deux coques. Même chose pour la vieille dame en fauteuil roulant, poussée dans le feu vif d’une cheminée.

Terreur sur la lagune ne révolutionne pas le thriller et joue avec les braises déjà consumées du giallo à travers une intrigue faussement alambiquée et même une scène de sexe, qui semble avoir été imposée au réalisateur. Il s’en acquitte fort admirablement notamment grâce à son décor brumeux, fantomatique, pour ne pas dire théâtral, remarquablement exploité et photographié par le chef opérateur Mario Vulpiani (La Grande bouffe, Un bourgeois tout petit, petit) et souligné par la composition aérienne de Stelvio Cipriani. A sa sortie, Terreur sur la lagune est bien accueilli par la critique, mais le film rapporte deux fois moins que Il gatto dagli occhi di giada au box-office, malgré son exploitation dans le monde entier. Mais le film demeure chéri par de nombreux cinéphiles quarante ans après.

LE BLU-RAY

Voilà assurément un des plus beaux coffrets que nous trouverons sur le marché cette année ! Disponible chez l’éditeur Le chat qui fume dans sa collection Exploitation italienne, le Blu-ray de Terreur sur la lagune repose dans un sublime Digipack à quatre volets, également composé du DVD du film, d’un autre consacré aux suppléments (que nous retrouvons sur l’édition HD), sans oublier le CD de la bande originale composée par Stelvio Cipriani. Sur le verso des volets, nous trouvons trois affiches originales du film, ainsi que la playlist du CD. L’ensemble se glisse dans un étui cartonné du plus bel effet, au visuel superbe et attractif. Cette édition limitée à 1000 exemplaires s’avère un véritable objet de collection. Le menu principal est animé et musical. Le grand luxe !

Plus rien n’arrêtera Le Chat qui fume ! En plus de nous proposer un formidable master HD et un merveilleux coffret, l’éditeur nous a concocté pas moins de 2 heures de suppléments particulièrement denses, passionnants et réjouissants, sans compter la possibilité de visionner le film en mode VHS (sur le Blu-ray uniquement), encodé ici en AVC et disponible en 1080i et version française (dans son montage charcuté donc), malgré un générique en anglais.

Mort à Venise, par Jean-François Rauger (19’) : Dans un premier temps, le critique de cinéma et directeur de la programmation de la Cinémathèque Française s’intéresse au parcours du réalisateur Antonio Bido, auteur de sept longs métrages et donne quelques indications sur le contexte de ses mises en scène. Ou comment un metteur en scène émerge en Italie au moment où son cinéma connaît ses dernières heures de gloire, y compris le giallo. Jean-François Rauger loue le caractère ambitieux et libre de l’oeuvre d’Antonio Bido à cette époque où la télévision commence à avoir la mainmise sur le cinéma. Ensuite, notre interlocuteur se penche plus précisément sur l’oeuvre qui nous intéresse, Terreur sur la lagune, en croisant judicieusement le fond avec la forme. Pour lui, Terreur sur la lagune s’inscrit dans la continuité de la tradition du giallo, œuvre dans laquelle Antonio Bido exprime son admiration pour Dario Argento et Mario Bava, mais également pour Alfred Hitchcock. Les conditions des prises de vues à Venise et ses environs sont passées en revue, tout comme les partis pris esthétiques, la musique, la mise en scène des meurtres. Enfin, Jean-François Rauger s’intéresse à la réflexion du film sur la mythologie et l’influence du giallo, ainsi que sur l’impact sur les spectateurs.

Le Monstre de Venise, avec le réalisateur Antonio Bido (36’) : Né en 1949, Antonio Bido est visiblement très heureux de partager ses nombreux souvenirs liés à Terreur sur la lagune. Le cinéaste replace ce long métrage, son second, dans sa carrière, en évoquant sa genèse, après son premier film et grand succès Il gatto dagli occhi di giada en 1977. Un hit qui lui a permis d’avoir carte blanche pour Terreur sur la lagune, Solamente Nero, titre choisi par les distributeurs – pour surfer sur l’aura de Dario Argento – et dont celui au moment du tournage était alors E dietro l’angolo il terrore (« Et à l’angle, la terreur »). Antonio Bido explique avoir voulu réaliser un film plus personnel que son premier long métrage. Jouer avec le genre du giallo, tout en réalisant un vrai film d’auteur. Les anecdotes liées au tournage s’enchaînent, comme les conditions des prises de vues à Venise et Murano, le travail avec les comédiens, sa petite apparition dans le film. Certains fans seront surpris d’apprendre que le réalisateur n’a pas vraiment d’affection pour le slasher, la violence et le sang au cinéma, mais préfère largement instaurer la peur aux spectateurs en jouant sur les effets suggérés et la montée de tension grâce à des effets de mise en scène, hérités notamment d’Alfred Hitchcock, sa grande inspiration. Sans langue de bois, il affirme ne pas aimer la séquence tournée en zodiac, en précisant que cette scène « joyeuse et solaire » rompt avec l’ambiance du film, tout comme il déclare également ne pas apprécier la scène d’amour. Antonio Bido passe également en revue sa collaboration avec le chef opérateur Mario Vulpiani et le compositeur Stelvio Cipriani. Enfin, le cinéaste parle de la sortie du film, qui a rapporté deux fois moins que son précédent long métrage, en raison d’une mauvaise distribution, même si le film s’était alors très bien vendu dans le monde entier.

Profondo noir, avec l’acteur Lino Capolicchio (24’) : Le comédien découvert en 1970 dans Le Jardin des Finzi-Contini de Vittorio De Sica, puis vu dans La Maison aux fenêtres qui rient de Pupi Avati (1976), commence cet entretien en racontant un souvenir personnel lié aux Frissons de l’angoisse – Profondo rosso de Dario Argento (1975) dans lequel il aurait pu jouer le rôle principal s’il n’avait pas eu un accident de voiture. Lino Capolicchio se penche ensuite sur la situation du cinéma italien à la fin des années 1970. Il y reviendra d’ailleurs en fin d’interview en disant qu’il regrette cette liberté au cinéma aujourd’hui, une industrie qui dépend de la télévision et qui n’a plus du tout l’enthousiasme qui animait son art il y a plus de 40 ans. Nous retiendrons également toutes les anecdotes de tournage de cette présentation, durant laquelle l’acteur évoque également son travail avec Antonio Bido, Stefania Casini et Craig Hill, les conditions de tournage, le perfectionnisme du chef opérateur Mario Vulpiani, la mauvaise distribution du film malgré le bon accueil par la critique.

Les photos du crime, avec Antonio Bido (11’) : Le réalisateur est de retour, cette fois confortablement installé dans son canapé, pour commenter avec nous diverses photos prises sur le plateau. Une nouvelle occasion pour lui de parler de son travail avec les acteurs et ses techniciens.

Danza Macabra, d’Antonio Bido (23’) : Dernière intervention du réalisateur, qui présente ici une de ses dernières mises en scène, Danza Macabra. Bien qu’il n’ait pas réalisé de long métrage depuis 2000, Antonio Bido continue de tourner pour son plaisir personnel comme c’est le cas ici. Il s’agit d’un court-métrage d’un quart d’heure, sorte de long vidéo-clip, consacré au jeune pianiste Axel Trolese. Antonio Bido explique avoir toujours voulu réaliser un film musical. Le réalisateur s’est entouré de comédiens non professionnels, à l’exception de Manuela Morabito (vue dans Caos Calmo et plusieurs films de Pupi Avati), ayant tous acceptés de tourner gratuitement pendant cinq jours chez le cinéaste, qui s’est également occupé de l’éclairage et de la photographie, puis du montage. Un hommage au cinéma de Roger Corman et Mario Bava. Etrange et kitsch.

3 Gialli, avec Olivier Père (9’) : Le directeur du cinéma d’Arte France intervient ici, non pas pour parler de Terreur sur la lagune, mais du giallo. Quand on lui demande quels sont ses trois gialli préférés, Olivier Père répond Frissons d’horreur – Macchie solari (Armando Crispino, 1975), puis deux ex-aequo avec 6 femmes pour l’assassin – Sei donne per l’assassino (Mario Bava, 1964) et Les frissons de l’angoisse – Profondo Rosso (Dario Argento, 1977), puis Je suis vivant – La corta notte delle bambole di vetro et Qui l’a vue mourir ? – Chi l’ha vista morire ?, deux films réalisés par Aldo Lado en 1971 et 1972. C’est ici l’occasion pour notre interlocuteur de faire une petite présentation du genre.

L’interactivité se clôt sur les génériques de début et de fin en langue anglaise (The Bloodstained Shadow), ainsi que sur les bandes-annonces de Terreur sur la lagune, La Soeur d’Ursula (test Blu-ray à venir), Tropique du cancer et La Longue nuit de l’exorcisme qui sortent très prochainement chez l’éditeur.

L’Image et le son

Jusqu’ici disponible en import uniquement, Terreur sur la lagune arrive dans l’escarcelle du Chat qui fume, en version intégrale, en DVD et en Blu-ray (1080p) ! La classe internationale ! Solamente nero bénéficie d’un superbe transfert, qui respecte le grain original, très bien géré, y compris sur les nombreuses séquences sombres. La définition est solide comme un roc et les flous constatés sont d’origine. Le master 1.85 (16/9 compatible 4/3) trouve d’emblée un équilibre fort convenable et restitue les très beaux partis-pris esthétiques du directeur de la photographie Mario Vulpiani (La Grande bouffe, Dillinger est mort, Liza). Sombre et poisseuse, l’atmosphère du film trouve un nouvel écrin en Haute-Définition, les contrastes sont élégants et même si les noirs manquent parfois de concision, la copie affiche une propreté ainsi qu’une stabilité jamais prises en défaut. Les séquences diurnes sont lumineuses à souhait avec un piqué plus acéré et des détails plus flagrants, à l’instar du visage rosé et des yeux bleus de Craig Hill.

Terreur sur la lagune est présenté dans sa version intégrale. De ce fait, certaines séquences qui n’avaient jamais bénéficié de doublage français, passent automatiquement en italien sous-titré dans la langue de Molière. Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono 2.0 ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place à la musique de Stelvio Cipriani (La Baie sanglante). En dépit de quelques craquements, surtout en début de film, elle demeure la plus dynamique et la plus riche du lot. La version française DTS-HD Master Audio Mono 2.0, au doublage réussi, apparaît plus feutrée, légèrement chuintante, avec des effets plus confinés et un souffle très présent. Le changement de langue est verrouillée à la volée et les sous-titres français imposés sur la version originale. Le verso de l’étui n’indique pas les langues disponibles.