Catégorie : Le Chat qui fume

Test Blu-ray / La Poupée de Satan, réalisé par Ferruccio Casapinta

LA POUPÉE DE SATAN (La Bambola di Satana) réalisé par Ferruccio Casapinta, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs : Erna Schurer, Roland Carey, Aurora Bautista, Ettore Ribotta, Lucia Bomez, Manlio Salvatori, Franco Daddi, Beverly Fuller, Eugenio Galadini, Giorgio Gennari…

Scénario : Ferruccio Casapinta, Giorgio Cristallini, Carlo M. Lori

Photographie : Francesco Attenni

Musique : Franco Potenza

Durée : 1h30

Année de sortie : 1969

LE FILM

A la mort de son oncle, Elizabeth Balljanon, accompagnée de Jack, son fiancé, journaliste, et d’un couple d’amis, se rend dans le sud de la France pour la lecture du testament. Unique héritière, Elizabeth se retrouve propriétaire du château des Balljanon et des terres environnantes. Mais une malédiction ancestrale semble planer sur la famille et, chaque nuit, la jeune femme est en proie à de terribles cauchemars dans lesquels un homme masqué la torture dans les catacombes…

Hum…moui…mouarf…Comment dire…Malgré son affiche, le visuel du Blu-ray et son synopsis on ne peut plus attractifs, La Poupée de Satan – La Bambola di Satana, seule réalisation de l’obscur Ferruccio Casapinta ne tient pas toutes ses promesses. Giallo tendance machination, ce thriller qui rappelle malgré-lui un épisode live de Scooby-Doo, par ailleurs créé la même année en 1969, peine à éveiller l’intérêt du spectateur. Sorte de pot-pourri de tout ce qui se faisait (et cartonnait) dans le cinéma d’exploitation transalpin, La Poupée de Satan, où il n’y a d’ailleurs aucune possession démoniaque et qu’une seule apparition d’une poupée au cours d’une scène, ne se gêne pas pour piocher à droite à gauche (comme Tarantino oui), en espérant que le quidam ayant acheté son billet en ait pour son argent. Le problème, c’est que La Bambola di Satana apparaît comme un gros foutoir, concocté certes dans le but de divertir, mais sans aucun souci de cohérence narrative et dramatique. Toutefois, et c’est là l’ironie, il n’est pas impossible d’y trouver ce qu’on est venu chercher en visionnant cette Poupée de Satan, à savoir quelques éléments nawak, par ailleurs excellemment photographiés. Est-ce que cela en fait un bon film ? Sûrement pas. Une œuvre récréative ? Sans doute.

Accompagnée de son fiancé journaliste Jack, une jeune femme blonde, Elisabeth, se rend au château familial après le décès de son oncle, afin d’y découvrir son testament. Elle s’aperçoit que l’ancienne secrétaire de son oncle qu’elle croyait morte est gardée enfermée dans une chambre, clouée dans un fauteuil roulant, totalement folle. Lors de la lecture des derniers souhaits de son oncle, elle apprend qu’elle est la seule héritière du manoir constitué d’une chambre de torture d’époque. Alors qu’une ombre noire rôde dans les couloirs du château, elle est prise d’hallucinations et d’étranges rêves érotiques. La sévère gouvernante, Claudine, lui raconte que le manoir est hanté et que la meilleure chose est à faire est de le vendre à un homme d’affaires, Paul Reynaud. Très vite, un membre du personnel est assassiné par un tueur ganté de noir. Alors qu’une détective se fait passer pour une artiste- peintre pour enquêter dans la demeure, Elisabeth sombre dans la folie, prise de terribles cauchemars. Mais sont-ce de véritables rêves, ou n’est-ce pas là un complot afin de rendre folle la jeune héritière ?

La Poupée de Satan essaye d’adopter un ton sérieux qui lui sied guère, un peu comme une production de la Cannon qui tentait de se faire passer pour un blockbuster de cent millions de dollars alors que le budget était dix fois moindre. Pourtant, on ne peut pas s’empêcher de trouver le film attachant. Ce qui marque surtout dans La Bambola si Satana c’est la beauté de la photographie du chef opérateur Francesco Attenni, qui aurait d’ailleurs largement assisté le réalisateur Ferruccio Casapinta, incapable de diriger ses comédiens – ça ne fait aucun doute quand on voit le film, même si Erna Schurer et Roland Carey s’en sortent bien – et dépasser par les événements. Le montage part à vau-l’eau dès l’introduction, extrêmement maladroite puisque le générique, constitué de photogrammes du film, dévoile le dénouement de l’intrigue et donc l’identité du tueur ! Tout cela durant les cinq premières minutes.

Cependant, si le film surfe évidemment sur la mode du giallo instauré par Mario Bava et des adaptations live des fumetti, il annonce également la mutation du genre à l’aube des années 1970, alors que L’Oiseau au plumage de cristal n’est pas encore arrivé sur les écrans, ou bien encore d’autres titres auxquels on pense comme Exorcisme tragique – Un bianco vestito per Marialé de Romano Scavolini et A la recherche du plaisir – Alla ricerca del piacere de Silvio Amadio, tous deux sortis en 1972 et d’ailleurs disponibles chez l’éditeur Le Chat qui fume. Comme quoi, La Poupée de Satan, en reprenant toutes les ficelles, thématiques, partis pris (quelques touches gothiques et une petite pointe d’érotisme) et recettes d’un genre déjà installé, aura contre toute attente contribué (à son échelle) à son évolution. La Poupée de Satan apparaît donc comme une expérience à part entière et vaut bien qu’on s’y attarde le temps d’une projection.

LE BLU-RAY

Ce petit film oublié de tous, ou presque, refait surface grâce aux bons soins du Chat qui fume, décidément prolifique en ce début d’année 2019 ! La Poupée de Satan apparaît en France sous la forme d’un Digipack 3 volets avec étui cartonné, dont le visuel très attractif est une fois de plus signé Frédéric Domont. Nous le précisons, puisque son nom a été oublié dans les credits. C’était juste pour relancer les tensions (sexuelles, ou pas) entre le talentueux graphiste et m’sieur Stéphane Bouyer, grand Manitou du Chat qui fume. Edition limitée à 1000 exemplaires. Le menu principal est animé et musical.

L’excellent Francis Barbier du site DeVilDead.com nous fait un beau tour d’horizon de La Poupée de Satan (29’30). Ce module ironiquement intitulé Satan l’habite, contient des spoilers et n’est donc à visionner qu’après avoir vu le film. Comme il en l’habitude, Francis Barbier croise habilement le fond et la forme de l’unique film de Ferruccio Casapinta en revenant sur ce qui fait de ce giallo atypique une expérience à part entière, même si le journaliste-critique énumère les très nombreux points faibles de La Bambola di Satana et indique même qu’il s’agit d’un désastre technique. Il passe également en revue le travail du réalisateur, du chef opérateur, du compositeur, ainsi que le casting du film et son échec dans les salles. « Un film bancal et attachant […] une vraie proposition, un vrai travail photographique et quelques fulgurances visuelles et narratives, ne peuvent laisser le spectateur indifférent, ce qui est sa plus grande qualité », voici comment Francis Barbier résume intelligemment La Poupée de Satan.

L’interactivité se clôt sur la piste musicale isolée (partition soignée de Franco Potenza) avec également les effets sonores.

L’Image et le son

L’élévation HD (1080p) pourrait sembler anecdotique pour un petit film de cet acabit. Pourtant, elle met en valeur les partis pris esthétiques de la photographie signée Francesco Attenni. Le piqué dépend des volontés artistiques originales et s’avère plus incisif sur toutes les lumineuses séquences tournées en extérieur. La copie est très propre, la restauration est superbe, aucune poussière n’est à signaler, les contrastes sont concis, les noirs souvent denses, les couleurs éclatantes. La gestion du grain original est équilibrée mais tend à être plus appuyé sur les scènes sombres et nocturnes. Le codec AVC consolide l’ensemble, les arrière-plans sont stables, la profondeur de champ est indéniable et les détails d’une richesse incontestée. Un très beau Blu-ray.

Comme pour l’image, le son a visiblement connu un dépoussiérage de premier ordre. Résultat : aucun souci acoustique constaté sur ce mixage italien DTS-HD Master Audio Mono pas même un souffle parasite. Le confort phonique de cette piste unique est indéniable, les dialogues sont clairs et nets. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © REWIND FILMS / Le Chat qui fume / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Cirque de la peur, réalisé par John Llewellyn Moxey

LE CIRQUE DE LA PEUR (Circus of fear – Psycho-Circus) réalisé par John Llewellyn Moxey, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Christopher Lee, Leo Genn, Anthony Newlands, Heinz Drache, Eddi Arent, Klaus Kinski, Margaret Lee, Suzy Kendall, Cecil Parker, Victor Maddern…

Scénario : Harry Alan Towers, d’après le roman The Three Just Man, d’Edgar Wallace

Photographie : Ernest Steward

Musique : Johnny Douglas

Durée : 1h31

Année de sortie : 1966

LE FILM

Un fourgon blindé transportant des sacs remplis de billets de banque est braqué par un gang près du Tower Bridge. Le butin est ensuite dissimulé dans le Cirque Barberini par l’un des membres. Coïncidence ? Le cirque est bientôt la proie d’étranges meurtres au couteau visant son personnel. Un inspecteur de police chevronné mène alors l’enquête, laquelle s’annonce difficile, tant les suspects au sein de la troupe sont nombreux.

Belle démonstration que ce Cirque de la peur – Circus of Fear (ou bien encore Psycho-Circus aux Etats-Unis, sorti dans une version tronquée et en N&B), réalisé par John Llewellyn Moxey en 1965 et sorti sur les écrans en 1966. Habitué des séries télévisées et téléfilms britanniques, le réalisateur emballe ce petit film qui oscille entre le film de casse et le cinéma d’horreur, le tout prenant la forme d’un whodunit à la Cluedo, dont la particularité est de voir son récit se dérouler sous le chapiteau d’un cirque. Interprété entre autres par Christopher Lee et Klaus Kinski, Le Cirque de la peur fait partie de ces longs métrages qui prennent aujourd’hui l’allure d’un épisode de série vintage dont le charme perdure grâce à sa mise en scène rigoureuse, la tenue de ses comédiens, son suspense maintenu du début à la fin, son rythme maîtrisé et son sens du divertissement.

À Londres, un dimanche matin, sur le Tower Bridge, une bande de malfaiteurs dévalisent une camionnette transportant d’importantes sommes d’argent. Après avoir bloqué le convoi avec leur voiture et braquer les convoyeurs, dont l’un est tué par son collègue complice des voleurs, se sont enfuis sur la Tamise à bord d’un canot à moteur. L’un d’entre eux, Mason, est chargé par leur commanditaire de lui ramener sa part du butin. Alors que ses acolytes sont arrêtés par la police, Mason se rend à son lieu de rendez-vous, un cirque à l’apparence abandonné, avec son chef mais il est aussitôt tué par un adroit lancer de couteaux et l’argent est aussitôt volé. La piste des billets dérobés, tous marqués, permet à l’inspecteur Elliott, chargé de l’enquête, de remonter jusqu’au campement d’hiver du cirque Barberini où des artistes ont dépensé de l’argent du casse. Afin d’y passer inaperçu , il se fait passer pour un photographe, désireux de faire un reportage sur la troupe. De Monsieur Loyal au lanceur de couteau, en passant par le trapéziste et le dompteur de fauves, tous semblent avoir quelque chose à cacher…

A la base du Cirque de la peur, il y a un roman du prolifique Edgar Wallace, écrivain et journaliste britannique, resté célèbre pour avoir participé à la création de King Kong de Merian C. Cooper et Ernest B. Schoedsack en 1933. Spécialiste du roman policier, du thriller anglais, d’aventures et de poursuite, toujours mâtiné d’enquête et de déduction, il signera 170 ouvrages en moins de trente ans, du début du XXe siècle, jusqu’à sa mort en 1932 à l’âge de 56 ans. A l’instar de ses meilleurs ouvrages, Le Cirque de la peur est mené tambour battant avec une succession quasi-ininterrompue d’actions et de revirements, jusqu’au final inattendu. L’auteur de la série des Quatre Justiciers, de Mr. J. G. Reeder, de l’Inspecteur Elk, de Sanders et bien d’autres, intéressera très vite le cinéma puisque les adaptations de ses nouvelles, romans et pièces de théâtre remontent déjà aux années 1920. C’est aussi et surtout en Angleterre et en Allemagne que ses écrits seront transposés en masse. Le Cirque de la peur, transposition de la nouvelle The Three Just Man, apparaît deux ans après la série The Edgar Wallace Mystery Theatre, 22 épisodes réalisés entre 1960 et 1964, dont six avaient déjà été réalisés par John Llewellyn Moxey.

Ce dernier s’empare du scénario écrit par Harry Alan Towers (également producteur) et signe un film policier très soigné, aux personnages troubles, énigmatiques et marquants, où les crimes à l’arme blanche et l’humour so british se confrontent pour notre plus grand plaisir durant 1h30. Certes Christopher Lee et Klaus Kinski apparaissent au générique, mais surtout comme seconds rôles (surtout le deuxième), et c’est surtout le comédien Leo Genn (Quo Vadis, Moby Dick, Le Jour le plus long, Le Venin de la peur) qui se distingue surtout dans ce film choral, dans le rôle de l’inspecteur Elliott. Autour de lui, tels des électrons qui s’agitent et périclitent, s’affolent tout un tas de protagonistes, dont le curieux Gregor (Christopher Lee donc), dont le visage demeure dissimulé sous une cagoule les trois quarts du film. Cela n’empêche pas l’immense acteur de s’imposer avec sa voix inimitable et son regard perçant. On appelle ça le charisme. N’oublions pas également le charme des deux actrices Suzy Kendall (L’Oiseau au plumage de cristal) et Margaret Lee (Les Insatisfaites poupées du docteur Hitchcock), mises en valeur par la belle photographie d’Ernest Steward (Les 13 fiancées de Fu Manchu).

John Llewellyn Moxey est un solide technicien – la séquence d’ouverture du casse sur le véritable Tower Bridge est d’ailleurs un brillant échantillon de son savoir-faire – qui sera repéré par l’industrie américaine et qui passera le reste de sa carrière à travailler sur de multiples séries de renoms comme Hawaï, police d’état, Mission impossible, Mannix, Magnum et Arabesque. Le Cirque de la peur est l’une de ses rares incursions au cinéma et mérite largement d’être découvert.

LE BLU-RAY

Le Cirque de la peur fait son apparition en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume. Les deux disques reposent tranquillement dans un Digipack 3 volets avec étui cartonné du plus bel effet et au magnifique visuel coloré. Superbe objet. Le menu principal est animé et musical. Edition limitée à 1000 exemplaires. Nous trouvons également un petit encart de quatre pages signé Christophe Lemaire, qui signe une déclaration d’amour pour Christopher Lee.

Outre un lot de bandes-annonces, nous trouvons sur cette édition une présentation du Cirque de la peur par Eric Peretti (19’). Le programmateur au Lausanne Underground Film et Music Festival, ainsi qu’aux Hallucinations collectives de Lyon retrace avec une passion toujours contagieuse les origines du Cirque de la peur avec moult anecdotes de production et de tournage, un tableau dressé du casting, les portraits du producteur Harry Alan Towers et du réalisateur John Llewellyn Moxey, sans oublier une grande partie consacrée à l’écrivain Edgar Wallace. On apprend notamment qu’il existe une version allemande du film, en N&B, amputée de quelques séquences et comprenant un happy-end, qui a quand même été interdite aux moins de 18 ans à sa sortie.

L’Image et le son

Que voilà un beau master ! Rien à signaler sur la propreté et la stabilité de la copie, c’est impeccable, immaculé même. Point de scories, de points noirs ou autres griffures constatés, le master est irréprochable avec des couleurs éclatantes dans les coulisses du cirque, volontairement plus terne avec un ciel grisâtre dans la première partie londonienne. Le piqué est surprenant, vif, tandis que la patine argentique flatte constamment les rétines. Mention spéciale aux gros plans, notamment la tronche de Klaus Kinski, riche en détails avec également un teint naturel des visages. Le film utilise quelques stock-shots sur les numéros de cirque et la définition est forcément plus chancelante avec un grain plus appuyé et des teintes plus fanées. Mais cela ne dure que quelques secondes. Le film est proposé dans sa version intégrale.

La belle partition à la trompette de Johnny Douglas s’accompagne de sensibles saturations. Les dialogues sont en revanche solides et dynamiques, aucun souffle ne vient parasiter l’écoute. Signalons quelques légers « couinements » à la 55e minute. L’ensemble est très clair et les sous-titres français non imposés. Seule la version originale est disponible.

Crédits images : © Liliom Audiovisuel / Le Chat qui fume / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Massacre à la tronçonneuse 2, réalisé par Tobe Hooper

MASSACRE À LA TRONÇONNEUSE 2 (The Texas Chainsaw Massacre 2) réalisé par Tobe Hooper, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs : Dennis Hopper, Caroline Williams, Jim Siedow, Bill Moseley, Bill Johnson, Ken Evert, Harlan Jordan, Kirk Sisco…

Scénario : L.M. Kit Carson

Photographie : Richard Kooris

Musique : Tobe Hooper, Jerry Lambert

Durée : 1h40

Date de sortie initiale : 1986

LE FILM

Douze ans après le massacre d’un groupe de jeunes au Texas, la tronçonneuse vrombit à nouveau dans les mains de Bubba, le tueur masqué, la famille Sawyer ayant désormais trouvé refuge dans un parc d’attractions abandonné. Mais l’arrivée du shérif Lefty Enright, oncle de deux des victimes de Leatherface, va changer la donne, d’autant que l’homme de loi est aussi un maniaque de la scie à moteur.

Est-ce un nanar ? C’est ce que l’auteur de ces mots pensait jusqu’alors, mais non, finalement, Massacre à la tronçonneuse 2 – The Texas Chainsaw Massacre 2 est juste une incroyable comédie d’horreur. Douze ans après le film qui l’a fait connaître, Tobe Hooper décide de revenir à sa scie mécanique, surtout suite aux échecs commerciaux consécutifs de Lifeforce (1985) et de L’Invasion vient de Mars (1986). Troisième long métrage produit par la Cannon et les trublions Menahem Golan et Yoram Globus, Massacre à la tronçonneuse 2 va emmener les spectateurs là où ils s’y attendaient le moins, sur le territoire de la comédie noire. Aujourd’hui encore, les fans hardcore du premier volet ne savent pas quoi faire cet épisode quasi-indépendant de la franchise Texas Chainsaw. C’est là toute l’ambition d’un cinéaste conscient que l’époque avait changé et qui ne voulait surtout pas se répéter. Massacre à la tronçonneuse 2 est une oeuvre totalement barrée, insolite, inclassable, extrêmement généreuse. Et s’il s’agissait là d’une des meilleures suites de l’histoire du cinéma ?

Depuis plus de 10 ans, le Texas Ranger Lefty Enright, l’oncle de Sally et Franklin, cherche sans relâche à venger le meurtre brutal des enfants de son frère par Leatherface et sa famille de cannibales. Aujourd’hui c’est son jour de chance : une présentatrice de radio vient d’enregistrer la bande son du meurtre par Leatherface de deux jeunes hommes qui étaient en communication téléphonique avec la radio au moment du crime.

Sur un scénario signé L.M. Kit Carson, qui avait participé à celui du sublime Paris, Texas de Wim Wenders, Tobe Hooper confronte sa famille de fous furieux cannibales aux yuppies de l’Amérique de Ronald Reagan. Alors que les hippies subissaient les assauts de Leatherface dans le premier épisode, le réalisateur s’en prend aux jeunes cadres ambitieux et sans scrupules dans Massacre à la tronçonneuse 2, tout en jouant avec l’empathie des spectateurs. Ici, en dehors du personnage joué par la bad-ass et sexy Caroline Williams, Vanita Brock aka Stretch, on en vient à préférer cette bande de frappadingues merveilleusement interprétés à l’écran par Jim Siedow (seul rescapé du premier film) devenu un businessman et à qui le libéralisme a également profité, l’incroyable Bill Moseley (Chop-Top) et Bill Johnson, qui remplace Gunnar Hansen derrière le masque en peau de Leatherface. A tout ce beau monde se joint évidemment Dennis Hopper, qui se fond totalement dans l’esprit tordu du film. Arborant un Stetson démesuré et deux tronçonneuses en guise de colts, le comédien traverse ce récit en assumant le ridicule de son personnage, qui ne fait quasiment rien du film, à part couper les poutres du repaire de ses adversaires.

Conçu et mis en scène comme un délire ultime, cette séquelle longtemps mal aimée est pourtant un incroyable tour de force. Tobe Hooper ne craint pas de détourner les attentes de son audience, pour mieux les surprendre, du moins ceux qui sauront accepter ces partis-pris. Si quelques séquences apparaissent trop étirées, à l’instar de l’apparition de Leatherface et de Chop-Top dans la station de radio, le film parvient à trouver son rythme de croisière. Massacre à la tronçonneuse 2 se divise en trois parties distinctes. Le meurtre des deux yuppies partis en virée laisse place à l’attaque de la station de radio, puis à un huis clos hallucinant où notre héroïne se retrouve enfermée dans l’antre – superbe décor forain – de la famille dégénérée.

Progressivement, les personnages principaux pètent les plombs, comme Dennis Hopper tout droit sorti de Blue Velvet et qui semble encore avoir un pied sur le plateau du chef d’oeuvre de David Lynch. Il faut attendre l’apparition de Chop-Top, revenu du Viet Nam avec une plaque en fer greffée sur le crâne pour que le film dévie et ne fasse plus machine arrière. Ajoutez à cela un Leatherface “romantique” qui use de sa tronçonneuse comme d’un sexe turgescent, qui tombe amoureux de Stretch et qui s’amuse à lui caresser l’entrecuisse avec son outil, tout en lui confectionnant un masque de sa composition pour qu’ils puissent jouer ensemble. Ça crie, ça gesticule et parle fort, c’est complètement dingue et grand guignolesque, c’est aussi vulgaire et outrancier. Tobe Hooper repousse les limites de l’hystérie, jusqu’au dîner final repris directement du premier film avec même la présence du Grandpa, toujours en (sur)vie, prêt à donner des coups de marteau sur les demoiselles.

Malgré une semaine de tournage annulée, un million de dollars amputé sur le budget initialement prévu et des réécritures quotidiennes du scénario, Massacre à la tronçonneuse 2, farce malsaine, témoigne de la virtuosité d’un cinéaste (également compositeur ici) en pleine possession de ses moyens (ici avec plus de sang et des maquillages très réussis signés Tom Savini) et au sommet de son art créatif. Pour sa sortie, craignant de voir leur film classé X, les Go-Go Boys décident de se passer de la commission en faisant interdire Massacre à la tronçonneuse 2 aux moins de 17 ans. Le film remporte tout de même deux fois sa mise sur le sol américain, mais se voit priver d’une sortie en Angleterre, en Australie et en Allemagne. Le montage diffère selon les pays et même si ce second épisode ne connaît pas le triomphe inattendu du film original, Massacre à la tronçonneuse 2 n’est pas un échec commercial. Aujourd’hui, il est peut-être même devenu encore plus culte que le film original.

LE BLU-RAY

Voilà une belle et grosse édition concoctée une fois de plus par Le Chat qui fume ! Massacre à la tronçonneuse 2 fait son retour dans les bacs, douze ans après le DVD MGM sorti en juin 2007. Cette édition limitée à 2000 exemplaires se compose du Blu-ray et de deux DVD, placés dans un sublime Digipack 3 volets (Frédéric Domont, tu es le meilleur !) avec étui cartonné du plus bel effet. Le menu principal est animé et musical. Nous trouvons également un petit encart de quatre pages signé Christophe Lemaire, qui évoque la découverte de Massacre à la tronçonneuse 2 au cinéma la première semaine d’octobre 1986, au festival de Sitges.

Il vous faudra réserver près de six heures pour aller au bout de tous les suppléments disponibles sur cette édition de Massacre à la tronçonneuse 2 !

On commence par un commentaire audio (vostf) du cinéaste Tobe Hooper, mené par David Gregory, réalisateur de Texas Chaisaw Massacre: The Shocking (2000). Ce commentaire, réalisé en juillet 2006 est plutôt agréable, dans le sens où Tobe Hooper se livre progressivement au fil de l’exercice. La genèse, le contexte politique et social des années 1980, les partis pris, les intentions, les conditions de tournage, le casting, les décors, les effets visuels, la réception du film à sa sortie, le metteur en scène revient sur tous ces aspects. Notons quelques silences et le fait que Tobe Hooper désirait revenir « à ce genre de film scandaleux » et qu’il travaillait alors sur « quelque chose de dément ».

Le second commentaire audio, également sous-titré en français, donne cette fois la parole au maquilleur Tom Savini, accompagné des comédiens Caroline Williams et Bill Moseley. Si les informations sont moins nombreuses ici, la bonne humeur des trois intervenants est réellement contagieuse. Sans aucun temps mort, les invités se lâchent derrière le micro, refont des dialogues du film, avec quelques cris de circonstance et surtout beaucoup de rires.

Cinq scènes inédites sont disponibles (13’ au total). Présentées séparément avec un carton en introduction qui permet de remettre ladite séquence dans son contexte, ces scènes coupées au montage (pour des questions de rythme) prolongent surtout les virées nocturnes de la famille Sawyer, à la recherche de viande fraîche pour leur chili con carne ! Cela nous vaut un carnage dans un parking avec des membres arrachés. La qualité fait mal aux yeux, mais ces suppléments restent une belle curiosité. Egalement présent, un générique alternatif.

Réalisé en 2006, le documentaire C’est de famille (87’) est ici divisé en six parties distinctes, Le scénario du massacre du Texas (13’), L’art du grabuge (17’), Une série de personnages (26’), Viande de premier choix sur le plateau avec Tom Savini (14’), Père de la tronçonneuse (8’) et Requiem pour une suite (9’). On y retrouve donc les mêmes intervenants, à savoir le scénariste M. Kit Carson, le directeur de la photo Richard Kooris, le chef décorateur Cary White, les acteurs Bill Johnson (Leatherface), Lou Perryman (LG), Bill Moseley (Chop Top) et Caroline Williams (Stretch), l’accessoiriste Michael Sullivan et le maquilleur Tom Savini.

Tout ce beau petit monde, enregistré séparément, revient sur la genèse et surtout sur le tournage de Massacre à la tronçonneuse 2. Remplit d’anecdotes (surtout sur Tobe Hooper, toujours la canette de Dr Pepper et le cigare Montecristo à portée de main) et d’images de plateau, ce passionnant making of aborde tous les aspects de la production du film qui nous intéresse, la création des décors, le casting, les maquillages, etc.

Place à l’excellent Julien Sévéon, dont nous avons parlé à plusieurs reprises sur Homepopcorn.fr, à l’occasion de ses présentations sur les galettes d’Incidents de parcours de George A. Romero, de Gungala, la vierge de la jungle de Romano Ferrara et de Maximum Overdrive de Stephen King. Une fois de plus, il nous propose une brillante et passionnante analyse de Massacre à la tronçonneuse 2 (33’), en croisant le fond avec la forme. Certes, les propos font parfois écho avec ce qui a déjà été entendu au fil des suppléments précédents, mais l’ensemble reste dynamique, toujours intéressant et bourré d’informations, notamment en ce qui concerne les problèmes de continuité d’un film à l’autre. Julien Sévéon en profite également pour indiquer ses trois opus préférés de la franchise, à savoir les deux films réalisés par Tobe Hooper, ainsi que le Leatherface de Julien Maury et Alexandre Bustillo.

Le dernier documentaire de cette incroyable édition, La Maison de la douleur (42’30) compile cette fois les interventions des associés de Tom Savini, à savoir John Vulich (responsable du maquillage de Grandpa), Gino Crognale (responsable du maquillage de Lou Perryman), Barx Mixon (assistant de l’équipe) et Gabe Bartalos (responsable des matières). Chaque invité se remémore les conditions de tournage, tout en dévoilant les trucs de l’époque pour donner vie à la famille Sawyer et à leur univers. Tom Savini intervient à la fin du générique pour une petite blague.

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces de Massacre à la tronçonneuse 2, La Saignée et La Rose écorchée.

L’Image et le son

L’apport HD est flagrant sur la luminosité de la copie, sur le nouvel éclat des couleurs (dans l’antre des Sawyer surtout) et le renforcement des contrastes. Des points blancs restent notables du début à la fin, discrets certes, mais bel et bien présents. Le piqué est somme toute inédit, les détails éloquents et la profondeur de champ indéniable, ce qui nous permet d’apprécier le soin apporté aux décors et surtout aux maquillages de Tom Savini qui n’ont pour ainsi dire pas vieilli, comme l’écorché ou bien encore le crâne de Chop-Top. Signalons également quelques plans plus flous, qui nous semblent d’origine. N’oublions pas la texture argentique, évidemment et heureusement préservée.

La version française (géniale) est à la fois proposée en Stéréo et en Mono. La première option offre un rendu plus aéré, mais les différences sont minimes et l’écoute reste plutôt confinée. En revanche, la version originale DTS HD Master Audio 2.0 est plus riche et dynamique, équilibrée entre la b.o. démentielle et les dialogues (ou les cris, c’est selon). Point de remixage artificiel 5.1 et c’est pas plus mal.

Crédits images : © Le Chat qui fume / Metro-Goldwyn – Mayer Studios / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Emmanuelle et Françoise, réalisé par Joe D’Amato

EMMANUELLE ET FRANÇOISE (Emmanuelle e Françoise – Le Sorelline) réalisé par Joe D’Amato, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  George Eastman, Rosemarie Lindt, Annie Carol Edel, Patrizia Gori, Maria Rosaria Riuzzi, Massimo Vanni, Eolo Capritti, Giorgio Fieri…

Scénario : Joe D’Amato, Bruno Mattei

Photographie : Joe D’Amato

Musique : Gianni Marchetti

Durée : 1h37

Année de sortie : 1975

LE FILM

Humiliée jour après jour par son petit ami Carlo, Françoise finit par se suicider. Venue reconnaître le corps de sa sœur, Emmanuelle récupère une lettre dans laquelle Françoise relate toutes les souffrances endurées auprès de l’homme qu’elle aimait. Dès lors, Emmanuelle va tout mettre en œuvre pour retrouver Carlo et se venger de la plus cruelle des façons.

Quel film de cinglé ! Emmanuelle et Françoise aka Le Sorelline en version originale, est réalisé en 1975 par le prolifique Joe D’Amato, l’un des multiples pseudonymes (on lui en prête une bonne cinquantaine) du cinéaste, directeur de la photographie, cadreur et scénariste italien Aristide Massaccesi (1936-1999). Près de deux cent films en 27 ans de carrière (de l’horreur, du porno, du western…), un vrai record. 1975 est une « petite » année pour Joe D’Amato, puisqu’il ne réalise que deux longs métrage, là où il est parfois habitué à en boucler plus de vingt en douze mois ! Bill Cormack le fédéré est le premier et le second est bien évidemment celui qui nous intéresse. Emmanuelle et Françoise est un film d’exploitation, sorte de vigilante movie mâtiné de rape & revenge, d’érotisme et d’une touche de cannibalisme, séquence qu’affectionnait le sous-genre de la nazisploitation. Mais pas de relecture du IIIème Reich ici hein, Le Sorelinne est un film bien contemporain et cette séquence de boustifaille pas très catholique, même si évidemment gratuite, n’est là que pour illustrer la psyché chamboulée par la drogue du prisonnier qui perd alors complètement les pédales. Emmanuelle et Françoise est bien sûr un film réservé à un public savamment averti, devant lequel il n’est pas interdit de prendre son pied devant « l’hénaurmité » de la chose. Joe D’Amato ne recule devant aucune faute de (mauvais) goût pour satisfaire alors une audience venue voir le film pour cette raison.

Emmanuelle est bien décidée à venger sa soeur, qui s’est suicidée après avoir réussi à échapper à Carlo, un admirateur sadique et pervers. Après avoir capturé Carlo, elle l’enferme dans une cave, le drogue, et le force à observer des actes sexuels. Carlo, sous l’emprise des drogues, commence à avoir des hallucinations et à rêver de cannibalisme…

Voilà. Le synopsis permet à Joe D’Amato de s’en donner à coeur joie en nous montrant des viols, des boobs, des fesses rebondies, mais aussi des bites, des torses velus, de la sueur. Non seulement ça, le bougre se permet d’éclairer joliment tout ce bazar avec une photo aussi soignée que le cadre. Si ce qui est montré à l’écran est parfois dégueulasse, on ne peut pas dire que la forme le soit. Chef opérateur avant tout, l’ami Joe s’amuse à nous raconter une fable perverse, dépravée, vicieuse, cynique et malsaine, avec sûrement un grand sourire derrière la caméra. De plus, le récit prend son temps sans ennuyer.

La première partie essentiellement constituée de flashbacks retrace l’existence douloureuse de Françoise (belle et fragile Patrizia Gori) auprès de son amant Carlo (vénéneux et puant George Eastwman), qui ne cesse d’abuser d’elle, de l’humilier, de l’exposer, de la prostituer et de la mettre dans les bras d’autres hommes, en guise de monnaie d’échange ou pour rembourser ses dettes de jeu qui s’accumulent. Jusqu’au jour où Françoise, surprenant Carlo dans les bras d’une nouvelle conquête, arrive au bout du rouleau et décide de se jeter sous un train. Elle laisse alors à sa sœur Emmanuelle (Rosemarie Lindt, vue dans Qui l’a vue mourir ? d’Aldo Lado) une lettre où elle lui explique tout. Emmanuelle prépare alors sa vengeance et décide de séduire Carlo en le menant par le bout de la queue, du nez pardon, jusqu’à son habitation où elle parvient à l’enfermer dans une pièce dissimulée et insonorisée derrière un miroir sans tain. Attaché, drogué, Carlo perd pied, mais arrivera-t-il à s’évader ?

Joe D’Amato installe tranquillement ses personnages, avant de se lâcher dans le deuxième acte qui démarre quand Carlo se retrouve prisonnier. Cette fois, le réalisateur (aidé par son coscénariste Bruno Mattei, d’après un film grec de 1969, The Wild Pussycat) en vient aux choses sérieuses, autrement dit aux nanas qui se mettent à oilp, un trio saphique fait place à une séquence hallucinante (sous hallucinogène pourrait-on dire) où des convives commencent à se masturber mutuellement pendant qu’ils dévorent des organes humains, ainsi que quelques membres comme une main ou un pied, devant un George Eastman qui en fait des caisses, les yeux révulsés, la bave aux lèvres. Osons le dire, Emmanuelle et Françoise, considéré comme l’un des meilleurs films de son auteur, est une bonne série B, parfois limite série Z il est vrai, mais qui remplit aisément le contrat signé avec les spectateurs, qui en ont pour leur argent en ce qui concerne le spectacle peu ragoutant et qui permet en même temps de se rincer l’oeil.

C’est là toute la maestria d’un expert en la matière, qui connaissait son taf, qui le faisait bien, qui savait ce qu’on attendait de lui et qui donnait tout pour ne décevoir personne, afin de passer au projet suivant. Mesdames et messieurs, saluons Joe D’Amato.

LE BLU-RAY

Vous avez entre les mains l’édition limitée à 1000 exemplaires d’Emmanuelle et Françoise, destinée à un « public averti et pervers » comme c’est indiqué sur l’étui cartonné ! Le chat qui fume a de nouveau sorti les griffes avec ce superbe Digipack 3 volets, où sont confortablement logés le Blu-ray et les deux DVDs. Le menu principal est animé sur la scène du repas. Le visuel est quant à lui magnifique.

Plus de 2h45 de suppléments au programme !

On commence par un entretien avec le comédien Luigi Montefiori, véritable nom de George Eastman (24’). Egalement scénariste sur une soixantaine de films et réalisateur, l’intéressé ne mâche pas ses mots sur son complice Joe D’Amato, pour lequel il avait une grande affection, qu’il encense en tant que cadreur et directeur de la photographie, mais dont il regrette l’appât du gain qui a eu raison de sa carrière. George Eastman déclare : «Aristide aurait pu s’élever, mais il a au contraire régressé car il se contentait des miettes et restait finalement toujours en ligue 2. Même en Nationale. Je voyais son potentiel, mais ses projets restaient toujours de bas étage». Leurs multiples associations sont passées au peigne fin, ainsi qu’Emmanuelle et Françoise, film qu’il n’apprécie pas beaucoup en raison de ses scènes trash et pour lequel il a repris une grande partie du scénario. Le casting est aussi abordé.

Place à Maria Rosaria Riuzzi, actrice qui incarne Pamela dans Emmanuelle et Françoise, l’une des trois participantes au threesome. Cette interview (14’30) a peu d’intérêt puisque le personnage est évidemment mineur (au sens propre comme au figuré d’ailleurs), mais l’invitée est sympathique et donne quelques informations sur les conditions de tournage.

Ne manquez pas la géniale intervention de Sébastien Gayraud (49’), auteur de Joe D’Amato : Le réalisateur fantôme (dispo chez Artus Films). C’est ici que vous en apprendrez énormément sur le maître de l’horreur et de l’érotisme à l’italienne. Anthropophagous, Blue holocaust, Horrible, références incontournables du gore, la série des Black Emanuelle, icône des années 70, autant de titres connus dans une filmographie inconnue qui traverse tous les genres : western, péplum, Mondo movie, sous Mad Max, héroïc fantasy et jusqu’au porno hard. Des années 60 aux années 90 (tout le monde ou presque se souvient de ses téléfilms érotiques diffusés en troisième partie de soirée le dimanche sur M6), une œuvre  étrange, excessive, outrancière, traversée de bout en bout par une dose de folie. Sexe, violence, démence macabre sont au rendez-vous de cette présentation exceptionnelle sur l’une des références mondiales, Joe D’Amato. Tout cela ne serait pas complet sans l’analyse d’Emmanuelle et Françoise, où les thèmes récurrents du réalisateur comme la frustration, la castration, le voyeurisme sont analysés.

Last but not least, Le Chat qui fume nous offre 79 minutes en compagnie de monsieur Aristide Massaccesi aka Joe D’Amato ! Dans cette émission ponctuée d’extraits et d’une interview de George Eastman, le réalisateur est visiblement très heureux de revenir sur la partie de son incroyable carrière consacrée aux films d’horreur. Quelques-uns de ses plus grands titres sont abordés, les anecdotes s’enchaînent, tout comme les propos sur les acteurs et ses collaborateurs. Les fans vont être aux anges.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.

L’Image et le son

Joe D’Amato était avant tout directeur de la photographie. Et mine de rien, Emmanuelle et Françoise est un film qui adopte de très beaux partis pris. Le Chat qui fume transcende les volontés artistiques originales à travers un superbe master HD. Rien à redire et nous commençons à manquer d’arguments pour louer la qualité des copies proposées par l’éditeur. La propreté est évidemment au rendez-vous, tout comme la stabilité. Le générique est en langue française. L’aspect est parfois sensiblement voilé, l’éclairage luminescent, tandis que certaines scènes paraissent légèrement grisâtres ou moins définies avec des visages blafards. Les plans flous sont d’origine. C’est au final un ravissement pour les mirettes.

En italien (aux sous-titres imposés) comme en français, le confort acoustique est conséquent avec une excellente restitution des dialogues et de la musique de Gianni Marchetti. Pas de souffle constaté, c’est fluide et dynamique.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Comme des chiens enragés, réalisé par Mario Imperoli

COMME DES CHIENS ENRAGÉS (Come cani arrabbiati) réalisé par Mario Imperoli, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Piero Santi, Annarita Grapputo, Paola Senatore, Cesare Barro, Luis La Torre, Gloria Piedimonte, Mario Farese, Silvia Spinozzi…

Scénario : Mario Imperoli, Piero Regnoli

Photographie : Romano Albani

Musique : Mario Molino

Durée : 1h38

Année de sortie : 1976

LE FILM

Dans la Rome des années 1970, trois amis, Tony, Rico et Silvia, étudiants exemplaires, surmontent leur ennui en laissant libre cours à leurs bas instincts. Braquages, torture, viols et meurtres constituent leur quotidien, tandis que le commissaire Muzi et sa collègue Germana cherchent à les démasquer. Tony, le cerveau de la bande, est le fils d’un homme riche et influent, lui-même corrompu. Se croyant intouchables, le jeune homme et ses complices sont entraînés dans une spirale infernale à laquelle seul Muzi pourra mettre un terme.

« Si vous n’aimez pas la réalité sur une certaine jeunesse d’aujourd’hui, alors ce film n’est pas fait pour vous ! S’il vous déplaît d’apprendre que vous non plus n’êtes peut-être pas des parents modèles, laissez tomber ce film ! »

Au cours des années 70, l’Italie subit les revendications politiques des Brigades Rouges et vit ce que l’on appellera plus tard ses « années de plomb » . Reflet social, le cinéma va exprimer cette violence dans une vague de polars urbains âpres et cruels. Fortement inspirés par des films comme L’inspecteur Harry (1971), Un justicier dans la ville (1974) ou encore French Connection (1971), les réalisateurs Enzo G. Castellari, Fernando Di Léo, Umberto Lenzi, et bien d’autres, vont faire mettre en images violence, vengeance et justice. Franco Nero, Tomás Milián, Fabio Testi, ou Maurizio Merli, vont camper les flics, voyous, mafieux, escrocs ou justiciers, pour le plus grand bonheur des spectateurs. A l’heure où certaines villes italiennes sont ratissées par certains gangs organisés et les petits commerçants pillés de toutes parts, Comme des chiens enragés – Come cani arabiati agit comme un véritable défouloir dans les salles de cinéma en 1976.

Le film est réalisé par Mario Imperoli (1931-1977), cinéaste rare qui n’aura tourné que huit longs métrages en quatre années. Il fait d’abord ses classes en tant que journaliste, puis devient scénariste en signant l’histoire et en produisant L’interrogatorio (1970) de Vittorio De Sisti. Puis il passe lui-même derrière la caméra avec des histoires érotiques aux titres explicites, Mia moglie, un corpo per l’amore (1973), La Lycéenne découvre l’amour (1974), Le Dolci zie (1975), Couples impudiques (1975). Avec Comme des chiens enragés, Mario Imperoli prend le train en marche et signe son premier poliziesco. Si par la suite, le réalisateur reviendra au film érotique avec Quella strana voglia d’amare (1977), il terminera sa carrière sur un autre thriller, Canne mozze. Mais son film le plus célèbre auprès des amateurs de films Bis, reste incontestablement Comme des chiens enragés.

Ce thriller violent n’a sans doute pas l’audace de Big Racket d’Enzo G. Castellari, mais n’en demeure pas moins un reflet de l’Italie d’alors et n’a rien perdu de sa férocité aujourd’hui. Co-écrit par le prolifique Piero Regboli (Deux salopards en enfer, L’Avion de l’apocalypse, La Collégienne en vadrouille), Come cani arrabbiati n’est pas un film aimable et n’a pas peur de choquer à travers des séquences particulièrement violentes envers les femmes notamment. Sur un montage sec et nerveux d’Otello Colangeli, on suit cette enquête policière qui possède pas mal de points communs avec l’excellent San Babila : Un crime inutile de Carlo lizzani, sorti la même année. Une description frontale de la violence qui animait les rues des grandes villes italiennes (d’ailleurs le film s’inspire d’un fait divers réel), des crimes réalisés par des fils de bonne famille alors en lutte contre leurs pères, les institutions et les prostituées qui constituent des cibles faciles et qu’ils trucident à la pelle. C’est également là que l’on voit l’impact d’Orange mécanique de Stanley Kubrick sur une génération de cinéastes puisque la scène finale n’est pas sans rappeler celle où Alex et ses compagnons prennent d’assaut une maison en pleine nuit, tabassent son propriétaire et violent sa femme.

Véritable tour de force et polar prenant, Comme des chiens enragés vaut également pour la beauté insolente et le talent de Paola Senatore, sans doute le plus beau rôle du film et qui en profite pour ravir les yeux de ces messieurs lors de scènes dénudées disons très émouvantes. C’est du vrai et excellent cinéma italien d’exploitation.

LE BLU-RAY

Comme des chiens enragés est savamment pris en charge par Le Chat qui fume. Ce combo Blu-ray/DVD est disponible dans un Digipack 3 volets glissé dans un superbe surétui cartonné liseré bleu et au visuel on ne peut plus attractif. Edition limitée à 1000 exemplaires. Le menu principal est animé et musical.

Un seul supplément sur cette édition, l’interview de Claudio Bernabei (31’30), assistant-réalisateur de Mario Imperoli sur Comme des chiens enragés. Claudio Bernabei se souvient de sa rencontre avec le réalisateur sur L’interrogatorio de Vittorio De Sisti et le couvre d’éloges en disant « Imperoli n’était pas quelqu’un de bien, mais de très très bien […] gentil, poli, jamais autoritaire, sans doute parce qu’il était devenu réalisateur sur le tard ». L’assistant-réalisateur se penche plus longuement sur le film qui nous intéresse en parlant du fait divers à l’origine du scénario, des années de plomb en Italie, le tout ponctué par de nombreuses anecdotes de tournage.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.

L’Image et le son

Le Chat qui fume nous gratifie d’un master HD (1080p, AVC) impressionnant, présenté dans son format original 2.35 (16/9, compatible 4/3). La propreté de la copie est indéniable, la restauration ne fait aucun doute, les contrastes sont beaux, le cadre fourmille de détails, même si le piqué demeure aléatoire. Le grain est très bien géré (sans doute plus prononcé sur les séquences sombres), l’ensemble stable sans bruit vidéo, les couleurs concoctées par Romano Albani (Inferno, Phenomena) sont agréables pour les mirettes, souvent rutilantes. Le charme opère et l’on (re)découvre Comme des chiens enragés avec ses partis pris esthétiques originaux.

Le film de Mario Imperoli est présenté dans sa version intégrale et seulement en version originale. Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono 2.0 ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place aux ambiances naturelles, ainsi qu’à la musique de Mario Molino.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Rewind SRL / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Chats rouges dans un labyrinthe de verre, réalisé par Umberto Lenzi

CHATS ROUGES DANS UN LABYRINTHE DE VERRE (Gatti rossi in un labirinto di vetro) réalisé par Umberto Lenzi, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Martine Brochard, John Richardson, Ines Pellegrini, Andrés Mejuto, Mirta Miller, Daniele Vargas, George Rigaud, Silvia Solar, Raf Baldassarre…

Scénario : Umberto Lenzi, Félix Tusell

Photographie : Antonio Millán

Musique : Bruno Nicolai

Durée : 1h32

Année de sortie : 1975

LE FILM

Lors d’un voyage organisé à Barcelone, un groupe de touristes américains est attaqué par un tueur en série vêtu de rouge qui égorge les jeunes femmes puis leur arrache l’œil gauche. Alors que l’enquête policière patine, l’un des leurs, le publiciste Mark Burton, est soupçonné d’être le maniaque. Bien décidé à prouver son innocence, il décide d’enquêter avec l’aide de sa maîtresse, une certaine Paulette Stone.

Umberto Lenzi (1931-2017) est l’exemple typique du réalisateur qui a su suivre la mode, les goûts et les préférences des spectateurs, en passant successivement du film de pirates (Mary la rousse, femme pirate, Les Pirates de la Malaisie) au péplum (Maciste contre Zorro, Hercule contre les mercenaires) dans les années 1960, puis du giallo (Le Tueur à l’orchidée, Spasmo) au poliziottesco (Brigade spéciale, La Rançon de la peur, Le Cynique, l’Infâme et le Violent) dans les années 1970, pour terminer sa carrière dans le genre épouvante (La Secte des cannibales, L’Avion de l’apocalypse). Un cinéaste prolifique, diplômé du Centro Sperimentale di Cinematografia, avec plus de 60 films à son actif réalisés en 35 ans de carrière. Chats rouges dans un labyrinthe de verre – Gatti rossi in un labirinto di vetro apparaît tout juste au milieu de sa carrière.

Ce giallo traditionnel s’inscrit dans la droite lignée du genre avec son lot de crimes réalisés par un tueur ganté et filmés en caméra subjective. Ce qu’il y a d’original ici, c’est que le film est tourné quasi-intégralement à Barcelone, sous un soleil radieux, loin des villes froides et angoissantes, habituellement le terrain de jeu traditionnel des tueurs masqués transalpins. Les victimes trépassent presque au milieu de la foule sur La Rambla, en plein jour. A côté de ça, Chats rouges dans un labyrinthe de verre n’a rien de vraiment miraculeux ou d’original, mais reste un bon moment pour les amateurs d’un genre qui connaissait déjà une sérieuse baisse de régime en 1975.

Des vacanciers venus du Vermont parcourent les routes en car lors d’un voyage organisé en Espagne. Au cours d’une escale à Barcelone, une jeune femme du cru est assassinée. Quand on la découvre, l’oeil gauche énucléé, l’image saisissante renvoie les touristes à un crime identique commis un an plus tôt à Burlington. Bientôt, c’est l’une des américaines qui succombe sous les coups du maniaque. Pour le commissaire Tudela, le groupe de touristes est forcément lié aux crimes. Mark Burton, quant à lui, commence petit à petit à soupçonner que sa femme puisse être la coupable. Insaisissable, le tueur continue à frapper…

Soyons honnêtes, les indices laissés par le metteur en scène (également coscénariste) et Félix Tusell sont tellement énormes que l’on parvient à deviner l’identité du maniaque au bout d’une demi-heure. Une fois cette découverte faite, le but est donc de s’amuser à voir comme il/elle parvient à donner le change à ses petits camarades et surtout de savoir pourquoi il/elle s’en prend à eux ainsi. Et pourquoi cet œil crevé systématiquement ?

Umberto Lenzi n’est heureusement pas un amateur derrière la caméra. Son film se suit sans déplaisir, grâce à un montage plutôt nerveux, une belle photo ensoleillée, une visite carte-postale de la ville, ainsi que des meurtres assez brutaux ou inattendus comme lors de la séquence du train-fantôme. Si la musique est signée Bruno Nicolai, son omniprésence agace en revanche prodigieusement. Le thème revient constamment alors que Lenzi aurait gagné en tension en laissant certains moments reposer uniquement sur les bruitages et les cris.

Du point de vue interprétation, la frenchie Martine Brochard (Polices parallèles de Sergio Martino) tire aisément son épingle du jeu, ainsi que l’argentin George Rigaud (Les Rendez-vous de Satan de Giuliano Carnimeo) dans la peau d’un prêtre au regard perçant, sans oublier le charme sexy d’Ines Pellegrini (vue dans Les Mille et Une Nuits de Pier Paolo Pasolini) et la tronche cramée aux UV – sorte de rejeton de Donald Trump et de Valentino – d’Andrés Mejuto dans le rôle du commissaire chargé de l’enquête (à une semaine de la retraite) qui aimerait bien mettre la main sur le tueur avant d’aller pêcher la truite. Le reste du casting, dont le falot John Richardson et les acteurs en majeure partie espagnols, co-production oblige, marque peu les esprits.

Malgré ses points faibles, Chats rouges dans un labyrinthe de verre, ou Eyeball pour son exportation, conserve son charme désuet. Nous sommes ici en plein cinéma d’exploitation et le réalisateur ne s’en cache pas. Tout est fait ici pour attirer le chaland, pour lui faire acheter un billet de cinéma et Umberto Lenzi n’était sûrement pas le dernier à vouloir faire rentabiliser son ticket au spectateur venu là pour être diverti. Gatti rossi in un labirinto di vetro est une œuvre généreuse, parfois maladroite certes, mais animée par une envie de bien faire et de faire plaisir à une audience toujours partante pour quelques émotions fortes.

LE BLU-RAY

Chats rouges dans un labyrinthe de verre – Gatti rossi in un labirinto di vetro est le second giallo édité par Le Chat qui fume en novembre 2018. Ce superbe combo Blu-ray/DVD, proposé sous la forme d’un Digipack 3 volets avec étui cartonné, est disponible en édition limitée à 1000 exemplaires.Le menu principal est animé et musical.

Nous commençons les suppléments par un entretien d’Umberto Lenzi, décédé en octobre 2017 (23’). En introduction, un carton indique que cette interview dévoile plusieurs fins des gialli du réalisateur comme Paranoia (1970), Spasmo (1974) et bien sûr Chats rouges dans un labyrinthe de verre. Umberto Lenzi indique que son giallo avait tout d’abord été pensé dans le but de sortir un ami metteur en scène de la faillite, le cinéaste étant prêt à faire le film gratuitement. Ensuite, le réalisateur aborde le film qui nous intéresse en revenant sur les conditions de tournage à Barcelone, sur l’explication du titre, sur le casting, sur la musique de Bruno Nicolai et sur l’évolution du travail du metteur en scène.

Après Olivier Père, Jean-François Rauger, Fathi Beddiar et Philippe Chouvel, c’est au tour du journaliste Francis Barbier du site DeVilDead.com de nous donner la liste de ses trois gialli préférés (14’), vus sous « l’angle du plaisir ». Non seulement l’invité du Chat qui fume indique quels sont ses gialli de prédilection, Le Chat a neuf queues de Dario Argento, La Dame rouge tua sept fois d’Emilio Miraglia et La Queue du scorpion de Sergio Martino, mais Francis Barbier dresse également en parallèle l’histoire du genre dans les années 1970, avec ses codes, son évolution et sa fin.

Ne manquez pas la délicieuse rencontre avec la comédienne Martine Brochard (17’). Douce, accueillante et chaleureuse, l’actrice revient sur sa carrière en mettant en parallèle son parcours professionnel et sa vie personnelle. De ses débuts en tant que danseuse dans les émissions de Maritie et Gilbert Carpentier, en passant par ses premiers pas devant la caméra dans Baisers volés de François Truffaut, jusqu’à son arrivée en Italie, Martine Brochard est visiblement très heureuse d’évoquer ses plus belles rencontres. Elle y raconte également à quel point « le cinéma italien était grisant » et évoque le tournage de Chats rouges dans un labyrinthe de verre, son personnage dans le film ainsi que sa collaboration avec Umberto Lenzi qu’elle a toujours aimé et admiré. Les anecdotes de tournage s’enchaînent, souvent teintées d’émotion. La comédienne est également ravie de constater que ces films intéressent aujourd’hui autant si ce n’est plus les spectateurs, surtout les plus jeunes. Notons également que Martine Brochard réalise une petite présentation de Chats rouges dans un labyrinthe de verre juste lors du lancement du film.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.

L’Image et le son

La copie est très propre, lumineuse et les couleurs profitent de cette élévation en Haute-Définition. Malgré tout, nous dénotons divers fourmillements, le piqué est peu acéré et la gestion des contrastes est parfois aléatoire. Celle du grain est en revanche bien gérée, certaines séquences sortent du lot (toutes celles tournées en extérieur) et le bilan est au final positif.

Seule la version originale aux sous-titres français est imposés est disponible. L’omniprésente musique de Bruno Nicolai est bien délivrée avec une ardeur souvent étonnante, tandis que les dialogues, entièrement réalisés en post-synchronisation sont également dynamiques. Un léger souffle se fait entendre, mais l’ensemble est clair, net, précis.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Variety / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Rendez-vous de Satan, réalisé par Giuliano Carnimeo

LES RENDEZ-VOUS DE SATAN (Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ?) réalisé par Giuliano Carnimeo, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Edwige Fenech, George Hilton, Paola Quattrini, Giampiero Albertini, Franco Agostini, Oreste Lionello, Ben Carra, Carla Brait, George Rigaud…

Scénario : Ernesto Gastaldi

Photographie : Stelvio Massi

Musique : Bruno Nicolai

Durée : 1h35

Année de sortie : 1972

LE FILM

Deux jeunes femmes sont assassinées coup sur coup dans le même immeuble appartenant à l’architecte Andrea Antinori. Ce dernier, en échange d’une séance photo pour une campagne de publicité, propose à deux mannequins, Jennifer et Marylin, de venir s’y installer. Tandis que Jennifer, au passé trouble, échappe de peu aux assauts du tueur, les soupçons de la police se portent sur Andrea, devenu son amant…

Les gialli fleurissent sur les écrans depuis quelques années déjà quand le réalisateur Anthony Ascott, aka Giuliano Carnimeo (1932-2016) entreprend le sien, lui qui était habituellement cantonné au western. Depuis Six femmes pour l’assassin de Mario Bava sorti en 1964, puis l’avènement de Dario Argento avec son Oiseau au plumage de cristal (1970), moult ersatz ou autres chefs d’oeuvre du genre ont vu le jour. Alors comment se démarquer du tout-venant ? Giuliano Carnimeo, loin d’être un manchot derrière la caméra comme il avait déjà pu le démontrer avec Le Fossoyeur (1969) et Bonnes funérailles, amis, Sartana paiera (1970), tous deux avec le mythique Gianni Garko, a toujours su s’entourer de solides collaborateurs. Pour Les Rendez-vous de Satan, son unique thriller, le cinéaste s’associe à nouveau avec le scénariste Ernesto Gastaldi, qui avait déjà signé pour lui deux westerns, Le Fossoyeur et Una nuvola di polvere… un grido di morte… arriva Sartana (1970).

A la barre, Luciano Martino produit Giuliano Carnimeo pour la troisième fois, le fidèle Bruno Nicolai tient la baguette, tandis que le chef opérateur Stelvio Massi signe une fois de la plus la photographie. Tous ces talents combinés donnent naissance au giallo Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ?, sorti en France sept ans plus tard sous le titre accrocheur bien qu’improbable, Les Rendez-vous de Satan, qui surfait de manière opportuniste sur la vague Exorciste. Ajoutez à cela la présence en haut de l’affiche de la sublime et sexy Edwige Fenech, qui donne cette fois encore la réplique au comédien George Hilton après L’Étrange Vice de madame Wardh – Lo strano vizio della Signora Wardh et Toutes les couleurs du vice – Tutti i colori del buio réalisés par Sergio Martino, et vous obtenez un pur film d’exploitation vraiment bien troussé qui mérite largement le détour.

En moins de 24 heures, deux jeunes femmes sont sauvagement assassinées dans un immeuble luxueux. Peu après, la propriétaire des lieux, Andrea, invite deux mannequins, Jennifer et Marilyn, à emménager dans le bâtiment, souhaitant en retour qu’elles posent pour une campagne de publicité. Mais Jennifer est très vite harcelée par le tueur en série. Alors que tous les soupçons se portent sur Andrea, Jennifer tente de démasquer le meurtrier avant qu’elle ne devienne la prochaine victime. Les suspects sont nombreux : son ancien époux membre d’une secte sexuelle, une voisine lesbienne, le fils difforme d’une vieille veuve ou encore l’architecte et propriétaire de l’immeuble qui ne supporte pas la vue du sang. Qui est le coupable ?

D’entrée de jeu, Giuliano Carnimeo parvient à marquer Les Rendez-vous de Satan de sa griffe. A l’aide d’une caméra portée, le cinéaste donne à son film une respiration, un côté organique, qui suit les personnages, court avec eux, s’essouffle même en cadence lors des séquences agitées. Le cadre happe l’audience à l’aide de contre-plongées, de renversements à 180°, la mise en scène vit, pulse, tandis que la photo cotonneuse à la palette chromatique volontairement effacée et aux sources luminescentes ravit les yeux. Il n’en fallait pas plus pour que les spectateurs se laissent porter par cette histoire, classique du genre, mais représentative de l’efficacité d’un scénariste chevronné (La Queue du scorpion, Plus venimeux que le cobra). S’il n’est finalement pas difficile de deviner qui est le véritable tueur dans ce whodunit transalpin, Les Rendez-vous de Satan va à l’essentiel. Tous les ingrédients du giallo sont là, largement influencés par le chef d’oeuvre matriciel de Mario Bava, tant certaines scènes y font écho de façon troublante, ne serait-ce que dans l’apparence du tueur.

Outre l’indéniable maîtrise formelle qui dynamise constamment un script respectant le cahier des charges, l’un des autres points forts des Rendez-vous de Satan est la composition de Bruno Nicolai, aux accents forcément « morriconiens », une plus-value qui n’a rien d’anecdotique et qui participe à la véritable identité du film. Enfin, nous l’avons mentionné plus haut, Edwige Fenech est l’une des principales attractions de Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ?. A l’instar de Barbara Bouchet, l’actrice âgée ici de 24 ans hypnotise par sa beauté sauvage héritée de sa mère sicilienne, son regard félin et ses courbes affriolantes. Elle démontre une fois de plus qu’elle était bien plus qu’une redoutable créature, ici dans la peau d’une jeune femme en détresse. George Hilton (Deux salopards en enfer, L’Adorable corps de Deborah) qui s’éloignait des westerns qui l’ont rendu populaire est ambigu à souhait, Paola Quattrini apporte cette touche mutine, innocente et coquine aux côtés d’Edwige Fenech, tout comme Carla Brait, l’atout blaxploitation, Giampiero Albertini (le commissaire) et Franco Agostini (l’inspecteur) livrent quelques touches d’humour bienvenues, sensiblement décalées et surtout très réussies.

Mine de rien, sans en avoir l’air, Les Rendez-vous de Satan enchaîne les petites scènes élégantes (cadrage stylisé), violentes (la scène du meurtre au scalpel dans l’ascenseur fait penser à Pulsions huit ans avant), sexy (on se rince l’oeil comme il faut), drôles (le flic philatéliste, l’inspecteur maladroit), angoissantes (la séquence de la baignoire), avec une réelle virtuosité, sans aucun temps mort, jusqu’à la révélation finale. D’ailleurs, l’épilogue reste aujourd’hui bien étrange et peu importe si le spectateur comprend ou pas sa signification. Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ? est un très bon cru qui se déguste et s’apprécie toujours autant plus de 45 ans après sa sortie en Italie.

LE BLU-RAY

Edition limitée tirée à 1 000 exemplaires pour Les Rendez-vous de Satan, nouveau giallo à atterrir dans l’escarcelle du Chat qui fume. Le DVD et le Blu-ray reposent tranquillement dans un Digipack 3 volets avec étui cartonné, avec d’un côté Carla Brait dans une de ses démonstrations scéniques (qui rappelle Perle Noire contre James Bond dans Les Diamants sont éternels), et de l’autre Edwige Fenech recouverte d’iris. Nous en avons déjà parlé, mais il est toujours bon de saluer le superbe travail du graphiste Frédéric Domont, qui livre une fois de plus un objet à se damner. Le menu principal est animé sur la musique de Bruno Nicolai. Enfin, le film de Giuliano Carnimeo est proposé dans sa version intégrale.

En ce qui concerne les suppléments, l’éditeur est allé à la rencontre du comédien Jorge Hill Acosta y Lara alias George Hilton (21’). Alors qu’il s’apprêtait à fêter ses 84 ans en 2018, l’acteur né en Uruguay revient dans un premier temps sur sa carrière et son succès dans le western, et explique avoir voulu sortir de ce carcan. Il cite volontiers les films L’Adorable Corps de Deborah et La Queue du scorpion, qui lui ont permis de montrer qu’il pouvait aisément passer à un autre genre, pour montrer ses capacités d’adaptation. Ensuite, George Hilton évoque sa rencontre avec le réalisateur Giuliano Carnimeo sur le western Django arrive, préparez vos cercueils, tout en louant son talent de metteur en scène. En ce qui concerne Les Rendez-vous de Satan, il parle des prises de vues effectuées à Gênes, partage quelques souvenirs de tournage (l’affrontement final), évoque ses partenaires (dont sa grande amitié et ses diverses collaborations avec Edwige Fenech) et indique qu’il n’a jamais compris l’épilogue du film !

Les mêmes questions ou presque sont posées à l’actrice Paolo Quattrini (12’). Cet entretien est plus court puisque l’intéressée déclare avoir du mal à se souvenir du film qui nous intéresse. A part le fait qu’elle se trouve excellente dans Les Rendez-vous de Satan, qu’elle avait revu pour l’occasion, la comédienne n’a effectivement pas grand-chose à dire de plus, si ce n’est que la ville de Gênes tient une place importante dans sa vie.

Enfin, c’est au tour du journaliste Francis Barbier du site DeVilDead.com de prendre la parole pour une analyse indispensable des Rendez-vous de Satan (33’). Comme un panneau l’indique en introduction, ce module contient des spoilers et n’est donc à visionner qu’après avoir vu le film. Comme il en l’habitude, Francis Barbier croise habilement le fond (le thème de l’homosexualité notamment) et la forme (les partis pris, la photographie) du film de Giuliano Carnimeo en revenant sur ce qui fait de ce giallo son caractère propre que l’on doit à son réalisateur, à son chef opérateur, à son compositeur, à son producteur et à son scénariste. Quelques séquences du film sont passées au scalpel (c’est le cas de le dire), tout comme le travail du metteur en scène et sur le cadre. Le casting n’est évidemment pas oublié, tout comme l’épilogue troublant (Francis Barbier donne sa propre interprétation) et enfin la sortie et le succès du film en Italie.

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces des Rendez-vous de Satan et de La Saignée.

L’Image et le son

Nous avons déjà testé une quinzaine de titres édités par Le Chat qui fume. Force est d’admettre que nous nous trouvons devant l’un de leurs plus beaux Blu-ray. Le cadre large, superbe, regorge de détails aux quatre coins et ce dès la première séquence. Si le générique est évidemment plus doux, la définition reste solide comme un roc, la stabilité est de mise et le grain original flatte constamment la rétine. La propreté de la copie est irréprochable, à part peut-être quelques pétouilles bleutées à la 52e minute, mais ce serait vraiment chipoter. La palette chromatique profite de cet upgrade avec des teintes jaunes, rouges et bleues revigorées. Les séquences diurnes en extérieur bénéficient d’un piqué pointu et d’une luminosité inédite. Ajoutez à cela des noirs denses, une magnifique patine seventies, quelques éclairages luminescents et vous obtenez donc l’une des plus belles éditions HD de l’éditeur.

Propre et dynamique, le mixage italien DTS HD Master Audio Mono 2.0 ne fait pas d’esbroufe et restitue parfaitement les dialogues, laissant une belle place à la sublime musique de Bruno Nicolai. A titre de comparaison, elle demeure la plus dynamique et la plus riche du lot. La version française DTS-HD Master Audio Mono 2.0 est tout aussi dynamique, malgré un léger souffle et un rendu plus artificiel. Le changement de langue est verrouillée à la volée et les sous-titres français imposés sur la version originale. Les scènes coupées réintégrées ici et non doublées, passent directement en version originale sous-titrée.

Crédits images : © LE CHAT QUI FUME / Variety / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Possédées du diable, réalisé par Jesus Franco

LES POSSÉDÉES DU DIABLE réalisé par Jesús Franco, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Pamela Stanford, Guy Delorme, Jacqueline Laurent, Lina Romay, Richard Bigotini, Catherine Lafferière, Howard Vernon, Jesús Franco, Raymond Hardy, Caroline Rivière…

Scénario : Jesús Franco, Nicole Guettard, Robert de Nesle

Photographie : Étienne Rosenfeld

Musique : André Bénichou, Robert de Nesle

Durée : 1h38

Année de sortie : 1974

LE FILM

L’homme d’affaires, Patrick Mariel part en vacances avec sa femme Marianne et sa fille Linda. Une vieille amie de Patrick, Lorna Green, arrive juste à temps pour le 18ème anniversaire de Linda et prend possession du corps et de l’âme de la jeune fille. Elle ne demande à Patrick que de respecter le contrat qu’ils ont passé 18 ans plus tôt : un contrat de sexe et de sang !

Toujours aussi prolifique, Jesús Franco ne se laisse pas aller en 1974 ! Célestine…bonne à tout faire, Plaisir à trois, Maciste contre la reine des Amazones, Un capitaine de quinze ans, Embrasse-moi (Tango au clair de lune), La Comtesse perverse (Les Croqueuses), La Comtesse noire (La Comtesse aux seines nus ou bien encore Les Avaleuses), Exorcisme (Expériences sexuelles au château des jouisseuses), Le Jouisseur (L’Homme le plus sexy du monde) sortent tous la même année sous les noms de Clifford Brown, Roland Marceignac, J.P. Johnson, James P. Johnson. Mais celui qui distingue est incontestablement Les Possédées du diable aka Lorna, l’exorciste. L’ami Jess se fait plaisir à fond ici en filmant ses comédiennes sous tous les angles et en s’attardant sur leur anatomie, pour laisser aux spectateurs le temps d’apprécier le magnifique papier peint orange aux losanges marrons en toile de fond. Les Possédées du diable joue avec la transgression, n’a pas peur de se vautrer dans le mauvais goût et le tabou, en particulier l’inceste, tout en lorgnant sur le mythe de Faust, qui n’aurait pas été rebuté par le mobilier en plastoque de couleur borne d’incendie.

Si l’on fait exception de tout ce qui touche au décor, oui bon c’est sans doute difficile, alors Les Possédées du diable apparaît comme un petit film fantastique qui bouscule pas mal dans ses partis pris et intentions. Etrange tout d’abord de retrouver l’excellent Guy Delorme (1929-2005) en haut de l’affiche. Acteur qui pourrait servir de mètre étalon dans la rubrique « On ne sait jamais comment ils s’appellent », Guy Delorme c’est pourtant un comédien, cascadeur et cavalier émérite, qui a promené son incroyable charisme et son talent dans près de 75 films. Les spectateurs se souviennent surtout de lui dans les films de cape et d’épée comme Le Bossu d’André Hunebelle (1959), Le Capitaine Fracasse de Pierre Gaspard-Huit (1961) et dans le diptyque des Trois Mousquetaires de Bernard Borderie (1961) où il incarnait le perfide Rochefort. Les années 1970 sont plus difficiles. Il n’est donc pas étonnant de le retrouver dans un drame érotico-fantastique comme Les Possédées du diable, dans lequel il n’a d’ailleurs rien perdu de sa classe. C’est donc l’un des rares cas chez Jess Franco où un comédien, qui retrouvera d’ailleurs le metteur en scène en 1977 dans Le Cabaret des filles perverses, se permet de faire de l’ombre à ses partenaires dénudées. Mais de ce point de vue-là nous ne sommes pas déçus.

Maquillée comme une voiture volée, Pamela Stanford (Les Gloutonnes, La Dévoreuse) surjoue chaque scène, mais ravit les yeux avec sa magnifique poitrine, Lina Romay (Les Expériences érotiques de Frankenstein, Les Nuits brûlantes de Linda), future madame Franco, joue bien la jeune fille innocente qui dissimule en réalité un tempérament de feu, tandis que Jacqueline Laurent reste bien sage et promène son visage de Joconde en voyant sa famille se dissoudre.

Cette production Robert de Nesle laisse carte blanche à au maître ibérique, qui fait durer les scènes en se foutant complètement de son scénario dans la première partie. Si le plaisir des sens est intact, il n’est pas interdit de trouver le temps long tant il ne se passe rien d’autre que quelques séquences de masturbation sur fond de musique barbante, avec une ritournelle qui passe en boucle durant des plombes. Mais l’intérêt va heureusement crescendo dès que Patrick et Lorna se confrontent. Le film prend alors tout son sens et Jésus Franco accélère la cadence en montrant carrément une mère dépuceler sa propre fille à l’aide d’un godemiché sacré, afin d’y recueillir le sang de la vierge pour s’en repaître et prendre ainsi possession du corps de sa progéniture. Le film se clôt sur une scène particulièrement angoissante et reposant sur le jeu très convaincant de Lina Romay.

Les Possédées du diable est une œuvre complètement cinglée, mais souvent fascinante dans sa proposition de cinéma. En même temps, Franco s’en balance de savoir ce que le spectateur en pensera, tant que ce dernier arrive à prendre son pied devant de belles poupées qui se déshabillent en exposant leurs toisons épaisses…à la Grande Motte. Ça ne s’invente pas. En 2002, Jésus Franco reviendra à cette histoire avec Incubus, remake à la réputation peu glorieuse, avec cette fois encore Lina Romay au générique.

LE BLU-RAY

Dans la foulée de notre chronique sur Le Journal intime d’une nymphomane, voici celle des Possédées du diable ! Ce combo Blu-ray/DVD possède les mêmes caractéristiques que le premier, à savoir deux disques disposés dans un Digipack trois volets avec un étui cartonné du plus bel effet et au visuel sensuel. Les menus principaux sont animés sur la musique du film. Et puis il faut dire que les titres du Chat qui fume disposés les uns à côtés des autres dans une DVDthèque ont sacrément de la gueule ! Cette édition est limitée à 1500 exemplaires.

Alain Petit is back ! Dans sa présentation de 47 minutes, l’historien du cinéma est décidément très inspiré par Jess Franco, qu’il a côtoyé personnellement et avec lequel il a d’ailleurs collaboré plusieurs fois. Rappelons qu’il lui a d’ailleurs consacré un ouvrage, Jess Franco ou les prospérités du bis, disponible chez Artus Films. Nous en apprenons énormément sur cette seizième association entre le réalisateur et le producteur Robert de Nesle, tournée en même temps que Célestine…bonne à tout faire, avec quasiment le même casting, la même équipe technique et dans les mêmes décors. Alain Petit aborde la censure, les scènes de sexe beaucoup plus explicites que dans les films précédents de Jess Franco, se marre en parlant des décors hideux. Puis, le casting est évidemment passé au peigne fin.

Le Chat est ensuite allé à la rencontre de la comédienne Pamela Stanford (14’). Cette dernière revient sur ses débuts comme danseuse aux Folies-Bergère, puis comme figurante au cinéma, et enfin comme vedette dans différents films de Jess Franco après que le producteur Robert de Nesle l’ait repéré puis présenté au cinéaste. Elle explique entre autres que jouer au cinéma lui a permis de guérir ses troubles du comportement alimentaire et qu’elle aimait parler de paranormal avec Jess Franco, pour lequel elle garde une grande affection.

L’éditeur reprend enfin le même entretien avec Jacqueline Laurent (25’) disponible sur l’édition du Journal intime d’une nymphomane. Fille de l’acteur Jacques Auger, auquel elle rend hommage au cours de son interview, la comédienne évoque ses débuts à l’Ecole nationale du théâtre de Montréal, puis son arrivée en France où elle suit l’enseignement de Françoise Rosay au milieu des années 1960. Puis, Jacqueline Laurent parle de ses premiers pas à la télévision et au cinéma, puis du tournant de sa carrière avec ses apparitions dans des films érotiques, dont Le Journal intime d’une nymphomane et Les Possédées du diable de Jesús Franco, l’un des meilleurs directeurs d’acteurs qu’elle a pu rencontrer dans sa vie. Devenue professeur d’interprétation puis enseignante de l’art dramatique dans un collège réputé de Montréal pendant quinze ans, l’actrice indique avoir été renvoyée en 2014, après avoir été reconnue par l’un de ses élèves dans Le Journal intime d’une nymphomane.

L’interactivité se clôt sur un comparatif avant/après la restauration (4’30), ainsi qu’un lot de bandes-annonces de films bientôt disponibles chez l’éditeur.

L’Image et le son

Un carton indique que la copie présentée provient d’un montage de deux copies 35mm. La première mouture était de bonne qualité, mais incomplète. La seconde était de qualité vraiment médiocre. En dépit d’une forte restauration, tous les défauts n’ont pu être corrigés. L’éditeur indique également que nous avons entre les mains la version plus complète des Possédées du diable, film quasi-disparu. Alors certes, la différence entre les deux copies se voit comme le nez au milieu de la figure, d’autant plus que le moins bon master se retrouve constellé de rayures verticales vertes, de couleurs complètement délavées. Il n’est d’ailleurs pas rare de faire un saut d’une copie à l’autre au cours d’une même séquence. En dehors de ça, malgré quelques fourmillements, cette présentation HD se tient avec une belle luminosité, des couleurs ragaillardies, un piqué parfois même acéré.

La version française est à privilégier, même si la piste reste parfois couverte avec des dialogues chuintants ou grinçants, repris entièrement en postsynchro. La musique s’en tire mieux avec une belle délivrance et quelques pics dynamiques sur les scènes chaudes notamment. Notons également que le son change de la même façon que l’image lors du passage d’une source à l’autre. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et une piste audio dans la même langue. C’est propre, mais un souffle demeure.

Crédits images : © Le Chat qui fume / 2018 Mangue Pistache / Captures Blu-ray et DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Journal intime d’une nymphomane, réalisé par Jesus Franco

LE JOURNAL INTIME D’UNE NYMPHOMANE réalisé par Jesús Franco, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs :  Mona Proust, Jacqueline Laurent, Jean-Pierre Bourbon, Gaby Herman, Anne Libert, Howard Vernon, Gene Harris, Yelena Samarina, Doris Thomas, Jesús Franco…

Scénario :  Jesús Franco, Élisabeth Ledu de Nesle

Photographie : Gérard Brisseau

Musique : Jean-Bernard Raiteux, Vladimir Cosma

Durée : 1h27

Année de sortie : 1973

LE FILM

Ortiz est soupçonné du meurtre de Linda Vargas, stripteaseuse qu’il a rencontrée lors d’un spectacle. Rendant visite à une amie de la morte, la comtesse Anna de Monterey, Rosa, la femme d’Ortiz, apprend comment Linda est tombée dans une spirale de sexe et de drogue après avoir été agressée sur un manège de foire par Ortiz, alors qu’elle était jeune.

Ancien assistant d’Orson Welles sur Falstaff, Jesús Franco Manera dit Jess Franco (1930-2013) a réalisé près de 200 films, depuis son premier succès L’horrible docteur Orloff (1961). Agrémentant ses films d’horreur d’un érotisme aussi esthétique que sulfureux, il va enchaîner les films à un rythme infernal, adaptant Sade, Masoch, Mirbeau. Sa muse, Soledad Miranda, disparue, il trouve en Lina Romay sa nouvelle et ultime égérie, qu’il magnifiera de films en film. Bien plus qu’un simple artisan boulimique de pellicules, Jess Franco, également connu sous les pseudonymes de Clifford Brown, Adolf M. Frank, J.P. Johnson, David Khune et Jess Frank, restera un véritable auteur, un cinéaste doué et prolifique. Les titres de ses films restent très explicites : Le Sadique Baron Von Klaus (1962), Le Diabolique docteur Z (1966), Sumuru, la cité sans hommes (1969), Les Inassouvies (1970), Les Expériences érotiques de Frankenstein (1973) et bien d’autres.

Le Journal intime d’une nymphomane est l’un des neuf longs métrages réalisés par Jesús Franco en 1972. C’est aussi et surtout l’un des meilleurs films de son auteur. Certes, Le Journal intime d’une nymphomane reste complètement ancré dans son époque, mais le scénario tient la route puisqu’il s’agit d’une chronique centrée sur un trauma, la déchéance, puis la vengeance d’une jeune femme, le tout très efficacement mis en scène et marqué par des séquences érotiques aussi réussies que bandantes.

Mari volage, Ortiz est entraîné par Linda Vargas, une prostituée rencontrée dans un bar où elle officie également comme danseuse et stripteaseuse, qui après une nuit d’ivresse et de plaisirs se suicide pendant le sommeil de son client. Accusé du meurtre, Ortiz est arrêté et emprisonné. L’enquête faite par Rosa Ortiz, son épouse, retrace la vie de Linda Vargas et l’histoire de sa déchéance. Au fil de cette enquête, elle reconstitue son portrait et les raisons de son suicide mises en évidence maintiennent la thèse du désir d’accuser le suspect aux yeux de la justice.

Produit par le légendaire Robert de Nesle via sa société le Comptoir Français du Film Production, prolifique touche-à-tout qui a financé Georges Franju (Judex), José Bénazéraf (Le Cri de la chair), Riccardo Freda (Les Deux orphelines), Yves Boisset (Coplan sauve sa peau), Le Journal intime d’une nymphomane, également connu sous les titres Les Inassouvies 77, Sinner ou Diary of a Nymphomaniac, fait clairement partie du haut du panier. Les deux hommes collaboreront vingt fois (!) entre 1970 et 1977, des Cauchemars naissent la nuit à Blue Rita (Le Cabaret des filles perverses). Le film qui nous intéresse est un savoureux mélange des genres, à la fois exploitation érotique, mais aussi drame psychologique (si si) et thriller. Jesús Franco, sous le nom de Clifford Brown, attaque d’emblée en montrant deux femmes dénudées et noyées dans une lumière rouge, s’adonner à quelques caresses explicites. Puis le contrechamp montre que les deux partenaires sont en fait en pleine représentation sur la scène d’un nightclub où les consommateurs ne ratent rien du spectacle qui leur est offert. Mine de rien, Franco interroge le spectateur sur son propre voyeurisme en lui tendant son propre reflet.

Le premier rebondissement qui conduit le personnage d’Ortiz en prison, entraîne une narration sous forme de flashbacks, puisque la femme de l’accusé décide d’enquêter elle-même sur l’innocence (ou non) de son époux. Pour cela, elle rencontre quelques femmes qui ont de près ou de loin connu la jeune Linda, retrouvée égorgée dans les bras de son mari. La forme du film étonne et surtout se tient. Ce serait mentir de dire que nous ne sommes pas venus voir Le journal intime d’une nymphomane pour ses scènes de sexe, mais Jesús Franco va bien au-delà. Il suit et nous raconte le destin sombre et dramatique de sa jeune héroïne incarnée par la divine Montserrat Prous (aka Mona Proust ici au générique) dont la première expérience sexuelle, un viol quand elle avait 14 ans, va marquer sa jeune existence. Puis, le spectateur la voit se perdre dans les bras d’hommes, mais surtout de femmes, l’occasion d’admirer la beauté et les corps sensuels d’Anne Libert, Kali Hansa et Jacqueline Laurent, tomber dans la drogue et la dépendance sexuelle. Un espoir de rédemption apparaît lors de sa rencontre avec le « Docteur », interprété par Howard Vernon et sa trogne incroyable.

Sur un montage fluide et très efficace de Gérard Kikoïne, le maître ibérique livre un très beau portrait de femme, dont il prend constamment le parti. Il critique également la gent masculine avide de chair fraîche et montre des messieurs infidèles, lâches, incapables de penser autrement qu’avec leur sexe. Le Journal intime d’une nymphomane aurait très bien pu tomber dans le tout-venant, dans les abîmes du cinéma d’exploitation. C’était sans compter sur la rigueur d’un cinéaste, certes inégal, mais habile technicien (le film est d’ailleurs beau à regarder), véritable auteur, passionné par son sujet, qui avait clairement un œil pour mettre en valeur ses ravissantes comédiennes et qui n’oubliait pas de divertir les spectateurs. Le tout prenant souvent la forme d’un bad-trip mis en musique par Jean-Bernars Raiteux et un certain « W »ladimir Cosma, et marqué par des dialogues souvent très crus.

Le Journal intime d’une nymphomane apparaît donc comme un film-somme, une référence, peut-être la plus emblématique du cinéma de Jesús Franco. Et l’on peut sérieusement penser que cette œuvre ait plus tard inspiré le diptyque controversé de Lars von Trier, Nymphomaniac sorti en 2014, tant certaines séquences y font étrangement écho. C’est dire son importance et son immense réussite.

LE BLU-RAY

Le Chat qui fume souhaite la bienvenue à Jesús Franco ! Après Gaumont et Artus Films, l’un de nos éditeurs préférés rend hommage au cinéaste espagnol avec les sorties consécutives du Journal intime d’une nymphomane et Les Possédées du diable, dont le test sera également disponible très bientôt dans nos colonnes. En ce qui concerne ce Journal intime, l’édition prend la forme d’un combo Blu-ray/DVD, deux disques, un Digipack trois volets avec un étui cartonné du plus bel effet et au visuel sensuel. Les menus principaux sont animés sur la musique du film.

Le premier module proposé en guise de bonus est une présentation de l’indéboulonnable Alain Petit (41’). L’historien du cinéma ne manque pas d’infos en ce qui concerne ce film de Jesús Franco qu’il affectionne tout particulièrement. Le producteur Robert de Nesle, sa collaboration avec le réalisateur, les intentions du cinéaste, les thèmes du film et ses partis pris sont abordés. Puis, Alain Petit se penche plus particulièrement sur le casting, en évoquant surtout les actrices du Journal intime d’une nymphomane, en donnant quelques titres alléchants de leurs carrières respectives.

Ensuite, nous avons l’immense plaisir d’écouter les souvenirs du chef monteur Gérard Kikoïne (47’, alors que la jaquette indique 1h). Confortablement installé dans son canapé, l’invité du Chat partage ses souvenirs liés à ses débuts comme monteur-son dans le doublage de films chez son père Léon Kikoïne, puis comme monteur-images et son. Véritable tornade, Gérard Kikoïne passe d’une anecdote à l’autre, en évoquant la rencontre avec le producteur Robert de Nesle, son boulot sur les films de Jesús Franco évidemment, mais également sur ses propres films en tant que réalisateur, notamment sa collaboration avec Oliver Reed. Rétrospectivement, il s’agit probablement d’un des meilleurs suppléments concoctés par Le Chat qui fume. Absolument passionnant, chaleureux, drôle et blindé d’infos.

On termine sur un entretien avec Jacqueline Laurent (25’). Fille de l’acteur Jacques Auger, auquel elle rend hommage au cours de son interview, la comédienne évoque ses débuts à l’Ecole nationale du théâtre de Montréal, puis son arrivée en France où elle suit l’enseignement de Françoise Rosay au milieu des années 1960. Puis, Jacqueline Laurent parle de ses premiers pas à la télévision et au cinéma, puis du tournant de sa carrière avec ses apparitions dans des films érotiques, dont Le Journal intime d’une nymphomane et Les Possédées du diable de Jesús Franco, l’un des meilleurs directeurs d’acteurs qu’elle a pu rencontrer dans sa vie. Devenue professeur d’interprétation puis enseignante de l’art dramatique dans un collège réputé de Montréal pendant quinze ans, l’actrice indique avoir été renvoyée en 2014, après avoir été reconnue par l’un de ses élèves dans Le Journal intime d’une nymphomane.

L’Image et le son

On oublie les raccords de montage peu discrets lors des changements de bobines, d’autant plus que cela rajoute un cachet vintage qui sied bien à l’ensemble. Car la restauration est éloquente, impressionnante et redonne un sacré coup de jeune au Journal intime d’une nymphomane, tout en conservant, heureusement, son grain argentique. Les couleurs à dominante brune retrouvent également une certaine vivacité, même si les visages restent blafards et cireux. Mais les détails sont étonnants, comme des traces de doigts sur les verres des lunettes, ou bien encore la transpiration sur le visage de Jacqueline Laurent. Non, nous ne parlerons pas du rendu des toisons bien fournies des comédiennes bande de coquins ! La propreté est de mise (nous parlons de l’image hein), la copie est stable, et le tout flatte constamment les sens et les mirettes.

La version française est à privilégier, même si la piste reste parfois couverte avec des dialogues chuintants ou grinçants. La musique s’en tire mieux avec une belle délivrance et quelques pics dynamiques sur les scènes chaudes notamment. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et une piste audio dans la même langue. C’est propre, mais un souffle demeure.

Crédits images : © Le Chat qui fume / 2018 Mangue Pistache / Captures Blu-ray et DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Secte, réalisé par Michele Soavi

LA SECTE (La Setta) réalisé par Michele Soavi, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs : Kelly Curtis, Herbert Lom, Mariangela Giordano, Michel Adatte, Carla Cassola, Angelika Maria Boeck, Giovanni Lombardo Radice, Niels Gullov, Tomas Arana, Dario Casalini, Paolo Pranzo, Yasmine Ussani, Erica Sinisi

Scénario : Michele Soavi, Dario Argento, Gianni Romoli

Photographie : Raffaele Mertes

Musique : Pino Donaggio

Durée : 1h57

Année de sortie : 1991

LE FILM

1970, Californie. Une communauté hippie est massacrée par Damon et les membres de sa secte. Vingt-et-un ans plus tard, Francfort. Tandis que des crimes rituels attribués à la secte des Sans-Visage ponctuent l’actualité, Miriam Kreisl, jeune institutrice, manque de renverser un vieillard au comportement étrange. S’il refuse de se faire soigner, il accepte en revanche de se reposer quelques heures chez elle. Curieusement, Moebius semble connaître la maison et fait part à Miriam d’une mystérieuse destinée. Bientôt, des faits étranges et sanglants se produisent dans l’entourage de la jeune femme.

Auréolé du succès de Sanctuaire, son second long métrage, le réalisateur Michele Soavi s’associe à nouveau deux ans plus tard avec le producteur Dario Argento. Ce dernier cosigne également le scénario avec le metteur en scène, mais aussi Gianni Romoli, futur auteur de la mini-série culte La Caverne de la Rose d’or. Ecrit durant la période « ésotérique » du cinéaste, La Secte – La Setta manque cruellement de rythme et les années ne lui ont pas été profitables. Pourtant, Michele Soavi ne manque pas d’imagination, son style visuel est souvent percutant et l’interprétation est solide, mais le récit est à la traîne en raison d’un intérêt relatif.

1970, Californie. Une communauté hippie accueille dans son camp un voyageur, Damon, sans se douter qu’il est un fanatique. La nuit tombée, ce dernier, accompagné d’autres membres de sa secte, la massacre entièrement. 1991, Francfort. L’actualité allemande est ponctuée de crimes rituels sataniques. Un homme, Martin Romero, traque une femme, Mary Crane, dans les rues de la ville avant de l’assassiner chez elle. Face à la police, avant qu’il ne se suicide, il affirme qu’il était obligé de la tuer. Pendant ce temps, une institutrice, Miriam Kreisl, renverse un vieillard, Moebius Kelly, en voiture. Sans se douter de lui, qui refuse de se faire soigner à l’hôpital, elle accepte de l’accueillir chez elle pour le soigner. Le vieil homme étrange semble reconnaître sa maison et fait part à Miriam d’une étrange destinée. Alors qu’elle dort, il lâche un scarabée sur son corps et l’insecte pénètre son nez. Réveillée par un cauchemar, elle trouve Moebius en train de suffoquer.

La Secte est un film fourre-tout. La ravissante Kelly Curtis, tout aussi sexy que sa sœur de Jamie Lee, doit affronter un scarabée, un lapin qui zappe à la télé, un suaire maléfique, des arracheurs de visages, un docteur amoureux, le tout sur une musique au synthé de Pino Donaggio. Comme s’ils étaient eux-mêmes conscients que le genre arrivait à sa fin, ce qui sera alors le cas avec Dellamorte Dellamore, le film suivant de Michele Soavi, les auteurs peinent à se renouveler et donc décident de créer le chaos dans la vie jusqu’alors calme et bien réglée d’une simple institutrice, qui comme dans Rosemary’s Baby se retrouve à devoir enfanter l’Antéchrist.

Le premier acte est interminable. Les scènes s’étirent en longueur, les séquences s’enchaînent à la va-comme-je-te-pousse et la photo de Raffaele Mertes n’est guère enthousiasmante. Arrive alors Kelly Curtis, certes moins célèbre que son illustre sœur, mais qui n’en possède pas moins une belle présence face à la caméra et dont la ressemblance parfois troublante avec sa cadette rappelle parfois Laurie Strode en prise avec Michael Myers. Heureusement, La Secte va en s’améliorant. Le deuxième acte, celui où bascule l’histoire contient son lot d’émotions fortes, notamment tout ce qui concerne le puits et le suaire qui étouffe ses victimes. Divers effets gores font leur effet, surtout celui du rituel consistant à arracher le visage d’une femme innocente à l’aide de crochets « sacrés », pour ensuite le greffer sur celui du grand gourou (qui ne s’appelle pas Skippy) interprété par Herbert Lom (la franchise La Panthère Rose) et le ramener ainsi à la vie.

Michele Soavi se lâche alors dans un dernier acte beaucoup plus intéressant. Le rythme s’emballe, tout comme la mise en scène. Les angles improbables se suivent pour refléter la folie dans laquelle se retrouve plongée Miriam, le chef opérateur s’amuse avec les filtres et les spots de couleurs, l’oeuvre de Roman Polanski plane tout du long sur le final, à l’instar du récent Mother ! de Darren Aronofsky qui se révèle finalement plus proche, jusque dans son dénouement, de La Secte que de Rosemary’s Baby. C’est donc un résultat en demi-teinte pour La Secte, surtout après la grande réussite de Sanctuaire, pris entre un délire visuel et pictural inspiré et une histoire de satanisme peu convaincante.

LE BLU-RAY

La Secte est disponible dans les bacs grâce aux bons soins de ce cher Chat qui fume. Un sublime combo Blu-ray/DVD, trois disques, un Digipack trois volets quadri avec un étui cartonné du plus bel effet et au visuel intrigant. Les menus principaux sont animés sur la musique du film.

Attention, nous disposons ici d’encore plus de suppléments que pour Sanctuaire ! Près de 2h30 de bonus qui font de cette édition l’une des plus complètes de l’éditeur à ce jour.

La première partie de l’entretien avec Michele Soavi (20’) reprend les mêmes propos que celui disponible sur l’édition de Sanctuaire. Le réalisateur se remémore sa rencontre Dario Argento, dont le cinéma lui a donné la passion pour le genre quand il avait 12 ans. Le destin a finalement réuni les deux hommes qui sont rapidement devenus amis, jusqu’à ce que Dario Argento lui propose d’être son assistant sur Ténèbres (1982). Ce dernier a ensuite produit son second long métrage en tant que metteur en scène, Sanctuaire. Michele Soavi en vient ensuite plus précisément sur La Secte. La genèse (une adaptation avortée du Golem de Gustav Meyrink), les conditions des prises de vues (Soavi a tourné lui-même 90 % du film en tant que caméraman), ses inspirations (la culture celte, l’ésotérisme, Rosemary’s Baby, The Wicker Man), le casting, les symboles (l’eau notamment), la bande originale et l’accueil (frileux) du public. Michele Soavi clôt cet entretien sur une note nostalgique, en se remémorant l’époque où il était alors totalement libre derrière la caméra.

Comme pour Michele Soavi, l’intervention du chef décorateur Massimo Antonello Geleng démarre de la même façon que pour celle de Sanctuaire (23’). Après avoir évoqué sa rencontre avec le réalisateur, notre interlocuteur aborde son travail sur La Secte, un film réalisé dans de meilleures conditions que pour Sanctuaire et à 70 % dans des studios italiens. Le focus est surtout fait sur les séquences du puits, mais Massimo Antonello Geleng parle également du casting et du travail de Michele Soavi. Cet entretien se termine également sur la même conclusion que pour Sanctuaire.

Place au comédien Giovanni Lombardo Radice, qui interprète Martin Romero dans La Secte (12’). Ce n’est pas une surprise, cette interview reprend également certains propos entendus pour Sanctuaire. L’acteur revient surtout sur son amitié avec Michele Soavi, sur Dario Argento à la production, sur le fait qu’il n’aime pas les films d’horreur et n’a d’ailleurs jamais vu La Secte.

Place à un module plus inédit en la présence de Raffaele Mertes (28’). Le directeur de la photographie aborde les partis pris et les conditions de tournage de La Secte. Le travail à la steadycam, avec l’Innovision, cet objectif spécial permettant de s’incruster dans les moindres recoins (comme dans un tuyau de lavabo) sont passés en revue, tout comme le casting, l’investissement de Kelly Curtis dans les scènes difficiles et mouvementées.

Voici maintenant l’entretien indispensable de cette édition. Gianni Romoli, scénariste aux côtés de Dario Argento et Michele Soavi revient avec détails sur la genèse, le tournage et la sortie de La Secte (35’). On apprend entre autres que le projet original s’intitulait Catacombes et liait l’Italie contemporaine avec l’antiquité, où l’on suivait l’histoire horrifique d’une secte. Devant le refus de Dario Argento de produire cette histoire qu’il n’aimait pas, l’histoire est alors remaniée en conservant ce qui concerne la secte. Gianni Romoli explique ensuite ce qui a nourri le scénario et comment La Secte est finalement devenu une analyse consciente de l’évolution du genre. Diverses anecdotes liées au tournage s’enchaînent alors sur un rythme vif. Cette interview se termine sur une note assez amère, Gianni Romoli indiquant que Dario Argento les a éjecté lui et le coscénariste Franco Ferrini après avoir bien avancé sur Trauma (1993). Il indique également regretter le fait que Michele Soavi ait préféré suivre la voie du film d’auteur, plutôt que de persévérer dans la veine horrifique.

Oublié sur la liste des bonus sur le Digipack, l’immense compositeur Pino Donaggio intervient également pour parler de son travail sur La Secte (13’). Il se souvient tout d’abord de sa rencontre avec Dario Argento pour son segment de Deux yeux maléfiques, coréalisé avec George A. Romero en 1990. Puis Pino Donaggio aborde ses expérimentations au synthétiseur électronique pour La Secte, film qu’il apprécie d’ailleurs toujours autant, bien qu’il ait uniquement collaboré avec Dario Argento, alors producteur, et non pas Michele Soavi.

Tout cela se termine par l’intervention plus analytique de La Secte, par l’historien du cinéma Fabrizio Spurio (25’). C’est ici que les passionnés des critiques détaillées se dirigeront pour en savoir plus sur les intentions du réalisateur Michele Soavi, sur ses partis pris et sur les symboles (présence des insectes et des animaux, l’eau comme vecteur du mal) disséminés dans son film. Le fond et la forme sont donc habilement croisés, tandis que Fabrizio Spuro se rappelle avoir été invité à venir sur le plateau grâce au créateur des effets spéciaux Rosario Prestopino, décédé en 2008 et auquel un hommage est rendu à la fin du module. ce dernier lui avait offert un des « visages arrachés » en souvenir, que Fabrizio Spuro présente ici à la caméra.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces des films bientôt disponibles chez Le Chat qui fume.

L’Image et le son

Que voilà un superbe master ! Présenté dans son format original 1.85 respecté (16/9 compatible 4/3), La Secte brille de mille feux. La colorimétrie est riche, le piqué étonnamment aiguisé, les noirs denses, le grain argentique plaisant, les contrastes au beau fixe et la propreté irréprochable. L’apport HD est non négligeable et profite aux partis paris du chef opérateur Raffaele Mertes (Trauma) qui fait la part belle aux teintes bleutées. Le confort est donc total pour (re)découvrir La Secte et peut-être lui redonner une seconde chance.

Trois versions DTS-HD Master Audio 2.0 disponibles sur cette édition ! Quitte à choisir, sélectionnez la piste anglaise (le film a d’ailleurs été tourné dans cette langue), plus dynamique, aérée, percutante que les versions française et italienne. Cette dernière s’en tire néanmoins avec les honneurs, du moins bien mieux que la langue de Molière au spectre réduit. Les sous-titres français sont imposés et le changement de langue verrouillé à la volée.

Crédits images : © Le Chat qui fume, 1994 Mario et Vittorio Cecchi Gori – Silvio Berlusconi Communications / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr