Test DVD / Demi-soeurs, réalisé par Saphia Azzeddine & François-Régis Jeanne

DEMI-SOEURS réalisé par Saphia Azzeddine et François-Régis Jeanne, disponible en DVD le 3 octobre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Sabrina Ouazani, Alice David, Charlotte Gabris, Barbara Probst, Patrick Chesnais, Meriem Serbah, Ouidad Elma, Antoine Gouy…

Scénario : Saphia Azzeddine, François-Régis Jeanne, Joris Morio

Photographie : Christophe Graillot

Musique : Damien Bonnel, Hugo Gonzalez Pioli

Durée : 1h41

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Lauren, ravissante it-girl de 29 ans, tente de percer dans le milieu de la mode en écumant les soirées parisiennes. Olivia, 28 ans et un rien psychorigide, a deux obsessions : sauver la confiserie de ses parents, et se trouver le mari idéal. A 26 ans, Salma, jeune professeur d’histoire fougueuse, vit encore chez sa mère en banlieue. Leurs routes n’ont aucune raison de se croiser… Jusqu’au jour où, à la mort de leur père biologique qu’elles n’ont jamais connu, elles héritent ensemble d’un splendide appartement parisien. Pour ces trois sœurs qui n’ont rien en commun, la cohabitation va s’avérer pour le moins explosive…

A mi-chemin entre Les Trois frères, Trois Hommes et un couffin (sans le bébé) et Tout ce qui brille, Demi-sœurs ne révolutionne certes rien dans la comédie française, mais s’avère plutôt une bonne surprise. Co-réalisé par Saphia Azzeddine et François-Régis Jeanne, ce petit film repose essentiellement sur la véritable alchimie entre les trois actrices principales, excellentes et pétillantes, Sabrina Ouazani, Charlotte Gabris et Alice David. Le charme et le bagou de la première l’emportent haut la main, même si ses deux partenaires vues dans les deux Babysitting ne sont pas en reste. S’il y a de gros problèmes de rythme à signaler, Demi-sœurs remplit son contrat doucement, mais sûrement et s’il n’y a rien de nouveau sur les relations inter-communautaires, sujet particulièrement chéri en France, le film divertit et parvient finalement à trouver son rythme de croisière durant 1h40.

Avant tout romancière, la franco-marocaine Saphia Azzeddine, née en 1979, avait signé son premier long métrage en 2011, Mon père est femme de ménage, d’après son roman. Le résultat n’était guère probant, mais avait au moins révélé la comédienne Alison Wheeler. Il aura donc fallu attendre sept ans pour que la réalisatrice revienne derrière la caméra, avec cette fois l’aide technique de François-Régis Jeanne, auréolé du succès dans les salles de Connasse, princesse des coeurs avec 1,2 million d’entrées. On pardonne volontiers à Demi-sœurs son postulat de départ qui fait franchement penser au film des Inconnus, car le récit part dans une autre direction et prend surtout la forme de vignettes juxtaposées, en passant d’un personnage féminin à l’autre, ou lors de leurs confrontations. On comprend très vite que les trois nanas ne vont pas se détester très longtemps. Du coup, les deux cinéastes profitent de la parfaite osmose et de la complémentarité de leur trio vedette.

Tout n’est pas hilarant, forcément et l’on sourit d’ailleurs plus qu’on ne rit, mais l’énergie des actrices est très contagieuse, les apparitions des géniaux Patrick Chesnais et Sam Karmann sont très plaisantes et on s’attache à ces trois jeunes femmes de culture, de classe sociale et de religion différentes. Les dialogues sont souvent amusants – Sabrina Ouazani enchaîne d’ailleurs les punchlines avec un naturel déconcertant – même si on pourra regretter que le phrasé de certains personnages, c’est le cas par exemple pour tous les élèves de Salma, parlent tellement vite en avalant leurs mots qu’on ne comprend absolument rien à ce qu’ils peuvent raconter.

C’est mignon, c’est tendre, c’est rigolo, c’est léger et ça passe le temps avec une touche de glamour. Malgré une réalisation au point mort, une photo au look sitcom, de nombreux clichés à l’instar de la jeune femme de confession juive qui souhaite respecter la tradition ou bien l’autre qui voudrait intégrer le milieu branché de la mode, sans oublier des effets larmoyants qui ne fonctionnent pas (Lauren avec sa mère), on passe un bon moment, sans se forcer. Mission accomplie donc.

LE DVD

Le test du DVD de Demi-sœurs, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical.

Seule la bande-annonce est disponible comme supplément.

L’Image et le son

Pas de Blu-ray pour ce titre. Néanmoins, l’éditeur soigne le transfert de Demi-soeurs. Soutenu par une solide définition, le master est parfaitement propre. La copie est exemplaire et lumineuse tout du long, les couleurs excellemment gérées, avec une prédominance de teintes chaudes, tout comme les contrastes très élégants.

Ne vous attendez pas à un déluge d’effets surround sur l’unique Dolby Digital 5.1 qui se contente seulement de faire entendre de très bonnes ambiances naturelles ou tout simplement d’offrir une forte spatialisation de la musique du film. Demi-soeurs ne se prêtant évidemment pas aux exubérances sonores, le principal de l’action se trouve canalisé sur les frontales. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © SND /  Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / The Shanghai Job, réalisé par Charles Martin

THE SHANGHAÏ JOB (S.M.A.R.T. Chase) réalisé par Charles Martin, disponible en DVD et Blu-ray le 4 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Orlando Bloom, Leo Wu, Simon Yam, Hannah Quinlivan, Lynn Xiong, Liang Jing, Ying Da, Chang Rong…

Scénario : Kevin Bernhardt

Photographie : Philipp Blaubach

Musique : Li Bin

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Danny Stratton, le meilleur convoyeur d’oeuvre d’art de Shanghai, traverse une mauvaise passe. Engagé, pour protéger une antiquité chinoise d’une très grande valeur, son opération va très vite se compliquer, lorsque son convoi est embusqué. Une course contre la montre s’engage, pour sauver sa femme, et pour démasquer le cerveau qui se cache derrière ce braquage.

The Shanghai Job ou S.M.A.R.T. Chase en version originale, est une coproduction britannico-chinoise, effet de mode dans le cinéma depuis un petit bout de temps. Ici, un Orlando Bloom peroxydé et sec comme un coup de trique vient se la péter à Shanghai, pour y tourner un petit film d’action banal, sans aucune surprise, réalisé avec les pieds et qui lorgne sur les séries Z écrites et produites par Luc Besson. Le comédien anglais promène son absence de charisme et ses yeux vides qui auraient inspiré Stephen Hawking pour ses études sur le trou noir, avec un je-m’en-foutisme qui frôle l’admiration. Ce qu’il y a de plus sympa dans The Shanghai Job, c’est de voir que le film commence de façon dramatique et que plus le récit avance, plus l’ensemble devient amusant, léger, comme si toute l’équipe s’était rendu compte que tout cela n’allait nulle part et que ce n’était pas la peine d’essayer de faire croire le contraire.

Un agent de sécurité britannique, Danny Stratton, est chargé d’escorter une antiquité chinoise d’une valeur inestimable en dehors de Shanghai. Humilié après avoir empêché le vol d’un tableau de Van Gogh, ce service est une opportunité de restaurer sa réputation. Mais, sur son chemin, Stratton est pris en embuscade et l’œuvre d’art est dérobée sous ses yeux. Il n’a pas d’autre choix que d’affronter la bande de voleurs pour la récupérer.

A l’époque de sa révélation dans la trilogie du Seigneur des Anneaux de Peter Jackson, Orlando Bloom était encore « intéressant ». Son physique androgyne convenait parfaitement au personnage de Legolas et avait su marquer les spectateurs du monde entier. L’acteur avait ensuite rebondi immédiatement, au sens propre comme au figuré, avec la franchise Pirates des Caraïbes dans laquelle il montrait déjà ses limites dans les scènes dramatiques avec son visage lisse alors débarrassé du grimage elfique. Depuis, c’est comme qui dirait le désert dans sa filmographie. Ridicule dans Troie de Wolfgang Petersen, risible dans Kingdom of Heaven de Ridley Scott, transparent dans Rencontres à Elizabethtown de Cameron Crowe, Orlando Bloom n’a pu compter que sur notre Jérôme Salle national et son impressionnant Zulu pour faire parler de lui ces dernières années. Ce n’est pas sa participation aux ronflants Hobbit (d’ailleurs on en roupille encore) qui auront pu lui redonner un nouveau souffle.

Le voilà donc débarquant en Chine avec des comédiens du cru, Lynn Hung (la trilogie Ip Man), Simon Yam (PTU, Election), Lei Wu, Hannah Quinlivan (Skyscrapper), beaucoup plus crédibles et drôles que la star. En fait, on a du mal à croire à Orlando Bloom en agent de sécurité qui n’hésite pas à donner du pied et du poing quand on vient lui chercher des noises. Les combats sont extrêmement mal chorégraphiés et l’on sent d’ailleurs les coups passer à trente centimètres de leurs cibles. La mise en scène au rabais de Charles Martin, venu de la télévision (Skins, Marcella), ne parvient jamais à insuffler un rythme à une intrigue totalement dépourvue d’intérêt. Le réalisateur abuse des plans filmés au drone et finalement The Shanghai Job fait surtout penser à un spot destiné à attirer les touristes, mais aussi à une pub pour une bagnole (filmée sous tous les angles « une voiture, qu’elle est bien pour la conduire ») ou une montre de luxe.

Pendant ce temps, Orlando Bloom fronce les sourcils, donne des coups dans le vide en se prenant pour Jason Statham ou plutôt Keanu Reeves dans John Wick avec un soupçon de Drive (une endive éclairée aux néons, comme chez Nicolas Winding Refn) et court encaisser son chèque pour se payer une nouvelle teinture.

LE BLU-RAY

The Shanghai Job débarque directement dans les bacs en France, en DVD et Blu-ray. Le visuel de la jaquette de cet DTV est assez attractif. Le menu principal est non seulement fixe et muet, mais affiche également le titre du film en version originale.

Aucun supplément sur ce titre.

L’Image et le son

Un très bel objet que ce master HD. L’image bénéficie d’un codec AVC de haut niveau, renforçant les contrastes, ainsi que les détails aux quatre coins du cadre. Certains plans nocturnes sont magnifiques et tirent entièrement parti de cette élévation en Haute Définition. Les gros plans peuvent être analysés sans problème puisque la caméra numérique de Charles Martin colle parfois au plus près des personnages, les ombres et les lumières s’accordent parfaitement avec notamment des scènes somptueuses éclairées aux néons. Ce Blu-ray est une franche réussite technique et la profondeur de champ laisse souvent pantois.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 particulièrement bluffants, surtout dans les scènes de poursuites, mais également dans les séquences plus calmes. Les quelques pics d’action peuvent compter sur une balance impressionnante des frontales comme des latérales, avec des effets en tous genres qui environnent le spectateur. Les effets annexes sont présents et dynamiques. De son côté, le caisson de basses souligne efficacement chacune des actions au moment opportun. La spatialisation est en parfaite adéquation avec le ton du film. A ce titre, la version originale l’emporte sur son homologue.

Crédits images : © Studiocanal /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Histoires d’outre-tombe, réalisé par Freddie Francis

HISTOIRES D’OUTRE-TOMBE (Tales from the Crypt) réalisé par Freddie Francis, disponible en Édition Blu-ray + DVD + Livret le 18 septembre 2018 chez ESC Editions

Acteurs : Ralph Richardson, Joan Collins, Peter Cushing, Ian Hendry, Richard Greene, Nigel Patrick, Patrick Magee…

Scénario : Milton Subotsky d’après une histoire originale de Al Feldstein, Johnny Craig et William M. Gaines

Photographie : Norman Warwick

Musique : Douglas Gamley

Durée : 1h32

Date de sortie initiale : 1972

LE FILM

Dans les catacombes, cinq personnes entrent dans une pièce dont la porte se referme sur eux. Aux visiteurs, sachant que tous nourrissent de noirs desseins, le gardien de la crypte pose la question : « Quels sont vos projets d’avenir quand vous sortirez ? » Entre une meurtrière en prise avec un Père Noël psychopathe, le propriétaire puni par le fantôme du vieillard qu’il aura délogé, l’homme d’affaires piégé par trois vœux, un accidenté de la route appelé à revivre la même situation et le directeur d’un institut pour aveugles confronté à la colère de ses pensionnaires, chacun teste le monstre qui se cache en lui.

Entrez ! Entrez, âmes damnées ! Soyez les bienvenus chez Amicus, cette société de production cinématographique britannique née dans les années 1960, spécialisée dans les films d’horreur. Fondée par les américains Milton Subotsky et Max J.Rosenberg, la Amicus a voulu concurrencer la célèbre Hammer sur son propre territoire et dans le reste du monde. Dans cette optique, les pontes décident d’offrir quelque chose de différent aux spectateurs, notamment des histoires d’épouvante contemporaines. Un nom devient alors récurrent, celui du réalisateur Freddie Francis (1917-2007), à qui l’on doit déjà quelques fleurons de la Hammer comme Paranoïaque (1963), qui était à l’époque un chef opérateur très convoité. Il avait entre autres signé les images inoubliables des Innocents de Jack Clayton (1961) et avait auparavant travaillé Jack Cardiff sur Amants et filsSons and Lovers (1960), pour lequel il avait remporté l’Oscar de la meilleure photographie. Après cette récompense suprême, Freddie Francis décide de passer à la réalisation. Il signera L’Empreinte de Frankenstein, Dracula et les femmes et Meurtre par procuration, pour le compte de la Hammer. S’il mettra en scène d’autres films dans les années 1970-80, Freddie Francis réalisera également les inoubliables photographies d’Elephant Man, Dune et Une histoire vraie pour David Lynch, mais aussi celle du remake des Nerfs à vif par Martin Scorsese, ainsi que celle de Glory d’Edward Zwick, qui lui vaudra un second Oscar. Mais pour l’heure, Histoire d’outre-tombeTales from the Crypt démontre une fois de plus tout son savoir-faire derrière la caméra.

L’aventure de Freddie Francis avec la Amicus démarre en 1965 avec Le Train des épouvantesDr. Terror’s House of Horrors. Les autres séries B d’horreur s’enchaînent avec des titres aussi explicites que Le Crâne maléfiqueThe Skull (1965), Poupées de cendreThe Psychopath (1966), The Deadly Bees (1967), They Came from Beyond Space (167), Le Jardin des tortures Torture Garden (1967), puis le film qui nous intéresse, Histoires d’outre-tombe en 1972. Ce film à sketches se compose de cinq segments reliés par un fil rouge, tous réalisés par le même metteur en scène, avec le même directeur de la photographie, ce qui assure une véritable cohérence stylistique.

Le postulat de départ est simple : Au cours d’une visite dans des catacombes, cinq personnes, quatre hommes et une femme, soudainement isolées, se retrouvent en présence d’un moine étrange qui leur dévoile à chacun leur destin. Bien avant la célèbre série créée en 1989, le film s’inspire des bandes dessinées publiées par EC Comics au début des années 1950, Les Contes de la Crypte, et reprend cinq histoires disparates écrites par William Gaines et Al Feldstein. Cinq sketches forcément inégaux comme bien souvent dans ce genre de production – même les plus grands n’y échappaient pas comme en Italie où c’était devenu une spécialité (Les Monstres, Sept fois femme) – mais qui n’en restent pas moins élégants, souvent jubilatoires, bien rythmés, concis, même si prévisibles. Ce qui fait également le sel de ce genre de production c’est également le casting et de ce point de vue-là nous sommes gâtés ici. Le gardien de la crypte est interprété par le grand Ralph Richardson, puis interviennent tour à tour Joan Collins, Peter Cushing (sublime), Patric Magee, ainsi que des têtes parfaitement reconnaissables et symboliques de la rubrique « On ne sait jamais comment ils s’appellent ».

La mort est évidemment au centre de chaque segment, mais chacun reflète également la bassesse de l’être humain, prêt à tout pour son satisfaire son propre bonheur personnel et surtout sa réussite sociale. A sa sortie en France, le film passe totalement inaperçu. Pourtant, Histoires d’outre-tombe conserve encore un charme dingue malgré les années, la poésie macabre est au rendez-vous et on se délecte de passer d’un récit à l’autre, même si notre préférence se tourne vers les segments un (avec Joan Collins), trois (avec Peter Cushing) et cinq (avec Patrick Magee). Rétrospectivement, il s’agit également de la source d’inspiration de Creepshow (1982) de Stephen King et George A. Romero. Alors pourquoi hésiter plus longtemps ?

LE BLU-RAY

ESC Distribution ne manque décidément pas de nouveaux projets. Histoires d’outre-tombe inaugure une nouvelle collection de l’éditeur, la « British Terrors » qui comprendra entre autres Le Caveau de la terreur, Le Train des épouvantes, Asylum et Les Contes aux limites de la folie. Cette édition se compose du DVD et du Blu-ray du film, ainsi que d’un livret de 16 pages rédigé par Marc Toullec. Le menu principal est animé et musical.

L’intervention de Laurent Aknin se déroule en deux temps. Dans le premier module, l’historien et critique de cinéma raconte l’histoire de la Amicus (5’). Sa création, les producteurs, les titres les plus célèbres de la firme, ses intentions et ses influences sur les réalisateurs des années 1980-90 sont donc abordés de façon concise et passionnante.

Le deuxième segment se focalise sur Histoires d’outre-tombe (13’30). De la même manière que pour son exposé précédent, Laurent Aknin est toujours aussi attachant, enjoué et informatif sur la genèse du film de Freddie Francis, sur l’adaptation des célèbres Contes de la Crypte, sur le casting et les partis pris.

L’Image et le son

Le transfert est irréprochable, le master immaculé, stable et dépourvu de déchets résiduels. Les noirs sont concis, la colorimétrie est volontairement froide et fanée. Les décors dépouillés sont omniprésents et les personnages n’ont aucun mal à ressortir devant un fond uni, avec de très beaux gros plans. La gestion des contrastes est également très solide. Malgré un très léger voile apparent, ainsi que de menus changements chromatiques au cours d’une même séquence et un grain parfois trop lissé, ce master HD présenté dans son format d’origine 1.85 ne manque pas d’attraits. Le Blu-ray est au format 1080p.

Le film de Freddie Francis bénéficie d’un doublage français. Au jeu des comparaisons avec la version originale, la piste française au doublage réussi s’accompagne de quelques chuintements et les dialogues sont souvent mis trop en avant. La version anglaise DTS-HD Master Audio 1.0 est plus dynamique, propre et intelligible, homogène dans son rendu, notamment au niveau des effets sonores. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © ESC Distribution /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Adieu Bonaparte, réalisé par Youssef Chahine

ADIEU BONAPARTE réalisé par Youssef Chahine, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 28 août 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Michel Piccoli, Mohsen Mohieddin, Patrice Chéreau, Mohsena Tewfik, Christian Patey, Gamil Ratib, Claude Cernay, Taheya Cariocca, Mohamad Dardiri…

Scénario : Youssef Chahine, Yousry Nasrallah

Photographie : Mohsen Nasr

Musique : Gabriel Yared

Durée : 1h54

Date de sortie initiale : 1985

LE FILM

1798. Le général Bonaparte est envoyé en Égypte par le Directoire. Une soixantaine de chercheurs l’accompagnent dont le général Caffarelli. Astronome, inventeur, celui-ci sait que cette expédition va lui permettre de découvrir une prestigieuse civilisation. Infirme et solitaire, il se lie d’amitié avec deux jeunes égyptiens pendant que les troupes de Bonaparte répandent le sang et la terreur à travers le pays.

Difficile de juger un film comme Adieu Bonaparte. Réalisée par Youssef Chahine (1926-2008), cette fresque historique peut souvent laisser le spectateur sur le bas-côté en raison de son propos quelque peu hermétique, y compris par son flagrant manque de rythme, mais interpelle en même temps par sa dimension cinématographique d’envergure. Le cinéaste égyptien, auteur de plus de 40 films et documentaires, soigne la forme de son 28e opus à travers les décors grandioses, les costumes et les milliers de figurants. Toutefois, le souffle ne prend pas, on se désintéresse de certains enjeux et trop de personnages s’entrecroisent pour devenir réellement attachants.

Avide de puissance et de gloire, la flotte française, menée par Bonaparte, envahit l’Égypte en 1798, Alexandrie d’abord, puis le Caire, dans le but de libérer le peuple asservi par les mamelouks. Caffarelli, l’un de ses généraux, scientifique et humaniste, découvre la civilisation égyptienne. Envouté par l’âme de ce pays et son peuple, cet homme extravagant et unijambiste se lie d’amitié avec deux frères Aly et Yehia. Réfugiés dans la capitale, les jeunes hommes, avides de connaissances, sont fascinés par ce militaire savant, passionné et original. Alors que les résistants s’organisent face à l’oppression sanglante, Caffarelli, loin des préoccupations guerrières, s’oppose lui aussi à Bonaparte, qui se pose alors en libérateur face à l’oppression turque, et à ses conquêtes destructrices.

Adieu Bonaparte vaut une fois de plus pour ses comédiens, en particulier le grand, le monstre, Michel Piccoli. A fleur de peau, il compose un général Caffarelli bouleversant et ambigu. On le suit se mêlant à la population des rues du Caire, où il rencontre Ali (Mohen Mohieddin), épris de poésie et de philosophie, puis son jeune frère Yehia, encore impressionnable, tous deux réfugiés dans la capitale avec leur famille depuis l’arrivée des Français. Membres de la résistance locale, ceux-ci acceptent néanmoins cette relation trouble avec Caffarelli, militaire sensible et spirituel, qui leur enseigne, en humaniste, quelques rudiments de chimie et d’astronomie, tout en dénonçant cette guerre d’occupation en s’opposant à un Bonaparte austère et ambitieux. Aux côtés de Michel Piccoli, celui qui tire son épingle du jeu est Patrice Chéreau, dans l’une de ses rares prestations en tant qu’acteur. Deux ans après Danton d’Andrzej Wajda dans lequel il jouait Camille Desmoulins, le grand metteur en scène de théâtre interprète ici Napoléon Bonaparte, une des meilleures incarnations de celui qui était encore général. Son regard, sa prestance, son charisme, son phrasé ne s’oublient pas.

Au-delà de la dimension historique du film, peu aisée à cerner donc, Adieu Bonaparte est une œuvre qui se laisse agréablement suivre, en dépit de ses défauts et maladresses. L’empathie manque à l’appel, Youssef Chahine multiplie les points de vue et les protagonistes pour finalement laisser le spectateur se faire sa propre opinion sur les évènements, les décisions et les agissements de chacun, sans jamais prendre parti. En résulte une coproduction franco-égyptienne (avec Humbert Balsan à la barre) quelque peu foutraque, un film brouillon, bavard, trop écrit sans doute, mais excessivement généreux, humaniste et animé par une envie gigantesque de cinéma, de toucher une audience large et internationale. Malheureusement, le film sera éreinté lors de sa présentation en compétition au Festival de Cannes et connaîtra un bide retentissant à sa sortie en 1985. Le temps a depuis fait son office et Adieu Bonaparte est aujourd’hui largement reconsidéré.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray d’Adieu Bonaparte, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le disque est estampillé du H de la collection Héritage. Le menu principal est animé sur une des séquences du film. Le Blu-ray s’accompagne également du DVD du film, glissés dans un boîtier Digibook avec un livret de 40 pages.

Nous trouvons à la fois la bande-annonce d’époque et un making of rare de trente minutes. Ce documentaire s’accompagne d’images de tournage, d’interviews séparées du réalisateur Youssef Chahine, des comédiens Michel Piccoli et Patrice Chéreau. Le premier évoque le fait de vouloir créer le débat puisque selon lui le dialogue n’existe quasiment plus. Les acteurs abordent le travail avec le cinéaste, les personnages et louent la qualité humaniste de Youssef Chahine.

L’Image et le son

Adieu Bonaparte a été entièrement restauré 4K  à partir du négatif image (scanné en immersion), grâce aux bons soins financiers de la Cinémathèque Française, Misr International Films et TF1 Studio, et bien sûr techniques des Laboratoires Eclair Ymagis de Vanves. Un superbe lifting qui permet d’apprécier la composition des plans de Youseh Chahine, en particulier sur les scènes de batailles avec plusieurs centaines de figurants. L’image est très propre (aucune poussière, griffure ou déchirure) et stable, les couleurs sont lumineuses, entre ocre et bleu cyan, le piqué est pointu, les détails impressionnants (y compris sur les gros plans et le rendu des matières des costumes) et la profondeur de champ éloquente. N’oublions pas le grain argentique, précieusement préservé.

Les versions française et originale (arabe + français) sont proposées en DTS-HD Master Audio Stéréo. Les deux versions s’avèrent propres, naturelle pour la piste multilingue, dynamique (même si certains échanges auraient pu être relevés) et évidemment plus « artificielle » pour l’autre. La musique de Gabriel Yared est joliment mise en valeur. Les sous-titres français sont imposés sur la version multilingue. L’éditeur joint également les sous-titres destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription. La restauration a été réalisée grâce aux bandes magnétiques originales, par L.E. Diapason.

Crédits images : © TF1 Studios / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Embrasse-moi, idiot, réalisé par Billy Wilder

EMBRASSE-MOI IDIOT (Kiss me, Stupid) réalisé par Billy Wider, disponible en DVD et Blu-ray le 18 septembre 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Dean Martin, Kim Novak, Ray Walston, Felicia Farr, Cliff Osmond, Barbara Pepper, Skip Ward, Doro Merande…

Scénario : Billy Wilder, I.A.L. Diamond d’après la pièce L’Ora della Fantasia d’Anna Bonacci

Photographie : Joseph LaShelle

Musique : André Previn

Durée : 2h05

Date de sortie initiale : 1964

LE FILM

D’une jalousie maladive, Orville doit héberger, durant une nuit, Dino, célèbre crooner à la réputation de séducteur. Redoutant que sa femme soit sensible au charme du chanteur, il la renvoie chez sa mère et engage Polly, une entraîneuse de bar, pour jouer son rôle. La nuit va être longue…

Rétrospectivement, Embrasse-moi, idiotKiss Me, Stupid, réalisé en 1964, est le dernier grand film emblématique de l’immense carrière de Billy Wilder. Malgré quelques sursauts avec La Vie privée de Sherlock Holmes (1970), grand film « malade » comme dirait François Truffaut, et surtout Fedora (1978), Embrasse-moi, idiot, charge corrosive, contient toute la sève du cinéma de l’auteur de Sabrina (1954), Certains l’aiment chaud (1959) et La Garçonnière (1960). Dilapidé par la critique américaine, échec commercial, le cinéaste n’arrivera jamais à se remettre totalement de ce procès d’intention. Pourtant, plus d’un demi-siècle après sa sortie, Kiss Me, Stupid demeure un savoureux tour de force qui fustige à la fois l’hypocrisie et la frustration sexuelle américaine, mais aussi la valeur symbolique du mariage à travers une radiographie de la femme épouse et de la femme putain, que la morale bien pensante préfère opposer. Parallèlement, Embrasse-moi, idiot est un modèle de comédie, qui ravit à la fois le coeur et l’âme, qui met en avant les seconds couteaux plutôt que ses stars confirmées, même si le film aurait pu s’intituler Dean Martin chez les ploucs. Souvent dissimulé derrière les deux monuments Some Like It Hot et The Apartment, Kiss Me, Stupid est pourtant largement à reconsidérer.

Orville Spooner et Barney Milsap habitent à Climax, Nevada. L’un donne des leçons de piano, l’autre est garagiste. Tous deux composent des chansons. Un jour Dino, un chanteur de charme sur le retour, s’arrête à Climax. Barney sabote sa voiture de façon à lui faire passer la nuit chez Orville, où il pourra écouter leurs compositions. Mais Orville est extrêmement jaloux concernant sa femme Zelda, et Dino est malheureusement pour lui un grand séducteur. Barney a alors l’idée de faire jouer le rôle de Zelda à Polly, ancienne manucure, devenue serveuse dans un rade et qui se prostitue occasionnellement. Ne reste plus qu’à Orville d’éloigner sa femme.

Si l’on pense souvent à Sept ans de réflexion qui abordait le même thème de la jalousie maladive, Embrasse-moi, idiot est pourtant bien plus frontal. Pour leur cinquième collaboration, Billy Wilder et I. A. L. Diamond, ont décidé de pousser les curseurs à fond, en jouant constamment avec la censure et le fameux code Hays (qui arrivait à sa fin), en abordant la sexualité omniprésente et le faux puritanisme de l’Oncle Sam. Dean Martin interprète quasiment son propre rôle, un crooner proche de la cinquantaine, porté sur la bibine, tombeur de femmes qui se pâment et qui feraient tout pour passer une nuit avec lui. Mais comme dans Irma la Douce sorti l’année précédente, le personnage (à l’origine écrit pour Marilyn Monroe, disparue en 1962) qui représente à la fois le désir refoulé et l’imposture de la supposée bigoterie du citoyen américain moyen est celui de la prostituée, merveilleusement interprétée par Kim Novak. Sulfureuse avec ses costumes qui ne dissimulent rien de ses formes très avantageuses, notamment de sa superbe poitrine débordant largement de son bustier échancré qui a dû donner quelques sueurs froides (et pour cause) aux censeurs, l’immortelle comédienne de Vertigo incarne finalement ce qu’il y a de plus pur. Rejetée par l’American Dream, Polly, partage son temps entre sa caravane plantée dans une cour non loin des ordures, et le bar Le Nombril (le Belly Button) où elle officie comme serveuse qui présente aux clients à la fois la carte et ses propres charmes. Alors, quand un professeur de piano et un garagiste, dont le rêve est de percer avec leurs chansons écrites sur un coin de table, décident de la « louer » afin de la jeter dans les bras d’une star du music-hall pour que ce dernier achète leurs compositions, Polly accepte gentiment, comme une simple passe.

A travers ce portrait de la douce et désirable prostituée, Billy Wilder et I. A. L. Diamond dresse celui des petites gens arrivistes qui ne reculent devant rien pour essayer d’avoir leur part du fameux rêve américain, quitte à sacrifier celui ou celle qui partage leur vie. Cette petite bourgade du nom de Climax (ou Jouy en version française, ce qui signifie « orgasme »), devient le théâtre de la petite vie américaine et fait penser à un village utilisé pour les essais atomiques américains. Si Dean Martin tient le haut de l’affiche et si Kim Novak devient l’atome de cette histoire, ce sont surtout les électrons qui gravitent autour du noyau central qui intéresse Billy Wilder. Jack Lemmon étant indisponible, le cinéaste jette son dévolu sur Peter Sellers pour le rôle d’Orville Spponer. Au bout de quatre semaines de tournage, le comédien est victime d’une crise cardiaque et rapatrié en Angleterre où il est mis au repos forcé. Billy Wilder doit alors lui trouver un remplaçant. Il décide d’engager Ray Walston, star de la série Mon martien favori, qu’il avait dirigé dans La Garçonnière. Si le rapport était très frileux avec le réalisateur et ses partenaires, le comédien s’acquitte très bien de la tâche et campe un personnage malgré tout attachant, en dépit de son aspect quelque peu rigide. Il est également très bien épaulé par le colosse Cliff Osmond, dont le charisme rappelle celui de John Candy. Quant à la femme, « bien sous tous rapports », qui de mieux que la divine Felicia Farr (3 h 10 pour Yuma), épouse de Jack Lemmon, pouvait incarner à la fois l’épouse dévouée et bien apprêtée, qui dissimule en réalité un tempérament de feu. L’actrice aura d’ailleurs le dernier mot du récit et bénéficiera de la réplique qui donne son titre au film.

Les rôles sont interchangeables chez Billy Wilder, ancien disciple d’Ernst Lubisch. Le mari est à la fois le bigot et le libidineux, la femme à la fois la maman et la putain. Tout ce petit monde se mélange, l’un ou l’une prend la place de l’autre dans le but de se laisser aller à ses pulsions personnelles. A la fin, chacun reprend sa « place ». Embrasse-moi, idiot est une comédie sensationnelle, au rythme fou, merveilleusement interprétée, écrite et photographiée (quel beau CinémaScope), une satire brillante, ironique et cynique, qui n’épargne rien ni personne et qui surtout n’a rien perdu de sa force ni de sa virtuosité aujourd’hui.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray d’Embrasse-moi, idiot, disponible chez Rimini Editions, repose dans un boîtier classique de couleur bleue, glissé dans un surétui très élégant. Le menu principal est légèrement animé. N’oublions pas le livret de 28 pages concocté par Marc Toullec intitulé Celui par qui le scandale arrive.

On commence par une passionnante conversation (36’) sur Embrasse-moi, idiot, entre Mathieu Macheret (Le Monde) et Frédéric Mercier (Transfuge). Face à face, les deux journalistes-critiques cinéma croisent le fond et la forme du film de Billy Wilder, en le replaçant tout d’abord dans la carrière du maître. Puis, les interventions des deux confrères se complètent parfaitement, l’un et l’autre rebondissant sur les arguments avancés, sans aucun temps mort. La genèse du film (à partir d’une pièce de théâtre italienne), l’écriture du scénario, les thèmes explorés, les partis pris, les intentions, le casting, la psychologie des personnages, le tournage avec Peter Sellers avant son remplacement par Ray Walston en raison de la crise cardiaque du comédien britannique, et bien d’autres sujets sont abordés avec une passion contagieuse !

L’éditeur propose un documentaire intitulé Billy Wilder, la perfection hollywoodienne, réalisé en 2016 par Julia et Clara Kuperberg (54’). Les deux intervenants principaux sont les historiens du cinéma Tony Maietta et Joseph McBride, qui retracent la carrière hollywoodienne de Billy Wilder, d’Uniformes et jupons courts (1942) à Fedora (1978), même si Victor la gaffe (1981) son dernier film n’est pas évoqué. L’ensemble est illustré par des extraits de films, des bandes-annonces, mais surtout par des propos (en allemand) de Billy Wilder, qui raconte quelques anecdotes de tournage ou sur les acteurs qu’il a côtoyés. Nous apprenons entre autres que le plus grand regret du cinéaste est de ne pas avoir pu tourner La Liste de Schindler, projet qui lui tenait particulièrement à coeur, mais dont les droits étaient détenus par Steven Spielberg. Notons que le fils du scénariste I. A. L. Diamond apparaît brièvement.

Nous retrouvons d’ailleurs ce dernier dans le dernier module de cette interactivité (21’30). Durant cet entretien, le fils du fidèle coscénariste de Billy Wilder, qui aura collaboré avec le cinéaste de Certains l’aiment chaud jusqu’à Victor la gaffe, revient en détails sur le processus créatif des deux amis.

Cette section se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

La restauration numérique d’Embrasse-moi, idiot est très impressionnante. Le nouveau master HD (codec AVC, 1080p) au format respecté se révèle extrêmement pointilleux en matière de piqué, de gestion de contrastes (noirs denses, blancs lumineux), de détails ciselés, de clarté et de relief. La propreté de la copie est souvent sidérante, la nouvelle profondeur de champ permet d’apprécier la composition des plans de Billy Wilder. La photo signée Joseph LaShelle (Laura, Hangover Square, Irma la Douce) retrouve une nouvelle jeunesse doublée d’un superbe écrin, malgré un grain d’origine souvent trop lissé.

Les mixages anglais et français DTS-HD Dual Mono distillent parfaitement la musique d’Andre Previn. La piste anglaise manque peut-être un brin de dynamisme, mais se révèle nettement suffisante. Au jeu des différences, la version française se focalise parfois trop sur les dialogues au détriment des ambiances et effets annexes, mais le rendu musical est élevé. La piste originale, souvent exemplaire et limpide, s’accompagne d’un très léger souffle. Cette version est évidemment à privilégier, le confort acoustique étant plus probant.

Crédits images : © Metro-Goldwyn-Mayer Studios Inc. All Rights Reserved / Rimini Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Dames du Bois de Boulogne, réalisé par Robert Bresson

LES DAMES DU BOIS DE BOULOGNE réalisé par Robert Bresson, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 25 septembre 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Paul Bernard, María Casares, Élina Labourdette, Lucienne Bogaert, Jean Marchat, Yvette Etiévant…

Scénario : Robert Bresson d’après le roman Jacques le fataliste et son maître de Denis Diderot

Photographie : Philippe Agostini

Musique : Jean-Jacques Grünenwald

Durée : 1h26

Date de sortie initiale : 1945

LE FILM

Hélène a juré de se venger de Jean, son amant qui la délaisse. Elle retrouve une de ses amies qui loue sa jeune fille à de riches fêtards. Hélène s’arrange alors pour que Jean rencontre la jeune Agnès. Mais celui-ci tombe amoureux d’Agnès et décide de l’épouser.

Les Dames du Bois de Boulogne n’est pas un film sur les femmes de petite vertu. Loin de là. Le second long métrage de Robert Bresson (1901-1999) est un drame sombre et impitoyable qui a connu un tournage chaotique à la fin de l’Occupation Allemande, avec de longs arrêts en raison de la Libération de Paris, des prises de vue durant une saison rude, des pannes d’électricité, des alertes aux bombardements, une pellicule limitée, des tensions entre le réalisateur et Maria Casarès. Le film s’inspire librement de l’histoire de Mme de la Pommeraye dans Jacques le fataliste et son maître, de Denis Diderot, qui vient d’ailleurs d’être adaptée par Emmanuel Mouret avec Mademoiselle de Joncquières. Sorti en 1945, ce deuxième essai est un coup de maître, qui cependant ne connaîtra pas le succès critique et commercial des Anges du péché (1943). Sur des dialogues signés Jean Cocteau, même si ce dernier aura toujours déclaré n’avoir participé que de façon amicale, Les Dames du Bois de Boulogne permet à son auteur de trouver et d’imposer son style, notamment à travers un immense travail sur le son.

Hélène a la désagréable impression que son amant, Jean, lui échappe. Pour vérifier ses suppositions et faciliter de pénibles aveux, elle prêche le faux et apprend à son grand désarroi que Jean ne l’aime plus. Blessée, Hélène décide de se venger et monte un plan minutieux. Elle s’arrange pour que Jean rencontre Agnès, une danseuse de cabaret fort séduisante qu’elle a prise sous sa protection. Comme Hélène l’avait prévu, le plan fonctionne à merveille et Jean tombe immédiatement amoureux de la jeune femme. Consciente de ses écarts passés, Agnès manque de faire échouer la combinaison d’Hélène en révélant dans une lettre écrite à son fiancé qu’elle n’est qu’une fille perdue. Mais Jean refuse de lire la missive…

S’il n’atteint pas les sommets comme pourront le faire plus tard Un condamné à mort s’est échappé (1956) et Pickpocket (1959), Les Dames du Bois de Boulogne ne cesse d’épater par sa maîtrise formelle, encore plus lorsque sont connues les conditions des prises de vues. Il n’est ainsi pas rare de voir de la buée sortir de la bouche des comédiens, puisque le chauffage n’était pas disponible sur le plateau. Au-delà de cette situation particulière, Les Dames du Bois de Boulogne foudroie surtout par son histoire de vengeance échafaudée par la vénéneuse Hélène, interprétée par l’incroyable Maria Casarès, révélation des Enfants du Paradis de Marcel Carné. Drapée de noir, en deuil de ses illusions amoureuses, le regard froid et déterminé, la comédienne ne cesse d’étonner encore aujourd’hui par la modernité de son jeu. Cela contraste totalement avec celui parfois ampoulé du stoïque et falot Paul Bernard (après les défections d’Alain Cuny et de Jean Marais), vu dans Lumière d’été (1943) de Jean Grémillon et Le Bossu (1944) de Jean Delannoy.

Pour se venger d’être délaissée, Hélène jouera les bonnes âmes en installant deux anciennes connaissances, Madame D. et sa fille Agnès (la belle Élina Labourdette), endettées, dans un appartement près du Bois de Boulogne. En réalité, Hélène, connaissant le passé « sulfureux » d’Agnès, fait tout pour la jeter dans les bras du mondain Jean, pour ensuite tout révéler et ruiner la réputation de son ancien amant et l’humilier en public. Avec ses décors dépouillés signés Max Douy, la fulgurance des dialogues (la patte de Cocteau est évidente), la photo N&B sèche de Philippe Agostini et son montage percutant où le cinéaste expérimente sur le son, Les Dames du Bois de Boulogne est un drame qui vaut surtout pour le jeu intense de Maria Casarès. Pourtant, Robert Bresson, trouvant le jeu de sa comédienne souvent excessif et reniant même le film, décidera de ne plus faire appel qu’à des acteurs non professionnels, ses célèbres « modèles ».

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray des Dames du Bois de Boulogne, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le disque est estampillé du H de la collection Héritage. Le menu principal est animé sur une des séquences du film. Le Blu-ray s’accompagne également du DVD du film, glissés dans un boîtier Digibook avec un livret.

Outre la bande-annonce originale, l’éditeur joint un entretien complet et passionnant de l’historien du cinéma français, Jean-Ollé Laprune (27’). Ce dernier revient longuement sur les débuts de la carrière de Robert Bresson, puis détaille le contexte particulier et difficile du tournage des Dames du Bois de Boulogne. Jean-Ollé Laprune évoque également le producteur Raoul Ploquin, l’adaptation de l’oeuvre de Denis Diderot, la participation de Jean Cocteau aux dialogues, le casting, la mise en scène de Robert Bresson, l’utilisation du son à des fins dramatiques et l’accueil frileux du film.

L’Image et le son

Les Dames du Bois de Boulogne a été restauré 4K par les laboratoires Hiventy, à partir des négatifs image et son nitrate. En dehors de quelques fils en bord de cadre, d’une poignée de points blancs et des rayures verticales, la propreté est ahurissante, les contrastes fermes, la stabilité indéniable et les partis pris du chef opérateur Philippe Agostini sont respectés avec un N&B étonnant de détails. Le grain argentique, bien géré, est heureusement respecté, tout comme le format original. Superbe Blu-ray.

La piste DTS-HD Master Audio Mono instaure un haut confort acoustique avec des dialogues percutants et une très belle restitution des effets annexes, très importants chez le cinéaste. Un très léger souffle, mais rien d’alarmant, tout comme les chuintements occasionnels. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © TF1 Studios / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Les Faucons de la nuit, réalisé par Bruce Malmuth

LES FAUCONS DE LA NUIT (Nighthawks) réalisé par Bruce Malmuth, disponible en DVD et Blu-ray le 4 septembre 2018 chez L’Atelier d’images

Acteurs : Sylvester Stallone, Rutger Hauer, Billy Dee Williams, Lindsay Wagner, Persis Khambatta…

Scénario : David Shaber

Photographie : James A. Contner

Musique : Keith Emerson

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 1981

LE FILM

Wulfgar, le terroriste le plus redouté d’Europe, annonce son arrivée à New York de façon explosive. Deke DaSilva de la brigade anti-terroriste se voit alors confier une mission quasiment impossible : le traquer et l’appréhender avant qu’il ne frappe à nouveau…

Propulsé star internationale du jour au lendemain après le triomphe critique et public de Rocky, Sylvester Stallone décide immédiatement de ne pas rester enfermé dans ce rôle. Il enchaîne avec FIST de Norman Jewison, puis joue et réalise La Taverne de l’enferParadise Alley, sa première mise en scène. Les deux films sont des échecs. Pour se refaire, il écrit, réalise et interprète la suite de Rocky en 1979, grâce auquel il renoue avec le succès. Il reçoit ensuite le scénario – un temps envisagé pour un troisième French Connection ! – des Faucons de la nuit, encore intitulé A.T.A.C., qui signifie Anti-terrorist Action Command, titre finalement laissé de côté en raison de la sortie précédente de F.I.S.T. Gary Nelson, réalisateur d’Un vendredi dingue, dingue, dingue (1976), du Trou noir (1979) et de moult séries télévisées est alors choisi pour mettre en scène le film. Seulement voilà, il est renvoyé une semaine après le début des prises de vues en raison de divergences artistiques avec Sylvester Stallone et les producteurs. Si dans un premier temps le comédien reprend le flambeau, le syndicat de la DGA (la Directors Guild of America) s’en mêle et interdit que le comédien remplace Gary Nelson. Le cinéaste Bruce Malmuth est alors engagé, tandis que Sylvester Stallone reprend le scénario pour l’arranger à sa sauce. Le tournage reprend. Au montage, le personnage de Lindsay Wagner est quasiment évincé du récit et tout est fait pour mettre la star en valeur. A sa sortie, Les Faucons de la nuit Nighthawks est un échec commercial important. Près de quarante ans après, ce thriller quelque peu bancal, est pourtant toujours aussi divertissant et mérite d’être reconsidéré.

Heymar ‘Wulfgar’ Reinhardt, terroriste international, pose une bombe à Londres puis il vient à Paris y subir une opération de chirurgie esthétique. Peu après, il s’envole pour New York où il a l’intention de mettre la ville à feu et à sang. Interpol forme, in extremis, une brigade anti-Wulfgar. Le policier new-yorkais Deke DaSilva, ancien de la guerre du Viêt Nam n’est pas satisfait de la proposition de ses supérieurs qui désirent le muter dans une section antiterroriste car il aime son travail. On réserve le même sort à son collègue de travail et ils seront rapidement obligés de livrer bataille.

Désireux de montrer qu’il peut interpréter autre chose que Rocky, Sylvester Stallone décide tout d’abord de changer de tête et de look. Visiblement très inspiré par Serpico de Sidney Lumet, Sly se fait donc la coupe et la barbe d’Al Pacino, adopte la démarche chaloupée de John Travolta dans La Fièvre du samedi soir et s’en va déloger les caïds dans leurs repaires miteux des bas-fonds de New York. S’il n’y a rien à redire sur sa performance, on pourra tiquer en revanche sur ses partis pris de faire apparaître son personnage déguisé en vieille dame afin d’attirer la racaille. Si le film est également resté célèbre, c’est aussi pour sa dernière séquence qui tire légèrement vers le nanar, durant laquelle DaSilva décide une fois de plus de se grimer en femme (décidément) avec perruque longue et chemise de nuit, pour tromper Wulfgar, bien décidé à assassiner la compagne de son adversaire. Si l’on excepte ces fautes de goût, alors Les Faucons de la nuit reste une bonne série B ponctuée par quelques moments d’anthologie.

La poursuite dans le métro (mise en scène par Stallone) n’est pas sans rappeler celle de French Connection, toutes proportions gardées bien sûr, la séquence de la discothèque est aussi rondement menée, excellemment photographiée et mise en scène. Sylvester Stallone est bourré de charisme, même s’il peut parfois en faire des caisses, son acolyte Billy Dee Williams (Lando Calrissian dans L’Empire contre-attaque et Le Retour du Jedi) ne joue pas les faire-valoir, Lindsay Wagner, bien que peu présente à l’écran, est sublime. C’est aussi l’une des rares occasions de voir Sylvester Stallone se faire voler littéralement la vedette, ici par Rutger Hauer dans sa première incursion hollywoodienne, où il crève littéralement l’écran. Si le premier acte met un peu de temps à se mettre en place et pâtit d’un humour maladroit, d’un aller-retour entre les deux personnages principaux à travers un montage peu inspiré et au rythme en dents de scie, le second instaure une prenante chasse à l’homme, qui se clôt dans un dernier acte rendu célèbre pour sa prise d’otages d’une délégation des Nations Unies dans le Roosevelt Island Tramway au-dessus de l’East River.

En dépit d’un prologue – involontairement – amusant et d’un final quelque peu grotesque, Les Faucons de la nuit est et demeure un polar urbain tendu bien emballé et interprété, typique de son époque, des décors aux costumes (aaah les pattes d’eph!) en passant par son excellente B.O. signée Keith Emerson, que l’on a plaisir à revoir.

LE BLU-RAY

Après être passé tour à tour chez Universal, Lancaster puis Seven7, Les Faucons de la nuit atterrit dans l’escarcelle de L’Atelier d’images où il est enfin choyé puisque l’éditeur reprend les bonus et le même master disponibles chez Shout ! Factory, en agrémentant le tout d’un véritable cadeau pour les admirateurs de Stallone. Le disque repose dans un sublime Steelbook au visuel clinquant, mettant en valeur un Sly barbu et taciturne. Le menu principal est animé et musical.

Plus de 90 minutes de suppléments et sept entretiens !

On commence par le plus « dispensable », autrement dit l’interview du conseiller technique Randy Jurgensen (11’). L’intéressé cherche quelque peu ses mots, mais indique néanmoins pourquoi et comment Gary Nelson a été purement et simplement viré du tournage des Faucons de la nuit après une semaine de prises de vue. Ce qui a également entraîné son éviction du plateau puisque Randy Jurgensen était le consultant de Gary Nelson.

Place au producteur Herb Nanas (16’) ! S’il n’apparaît pas à l’écran puisqu’il s’agit ici d’un entretien téléphonique diffusé sur une photo fixe tirée du film, le producteur, qui fut également le manager personnel de Sylvester Stallone avant même qu’il tourne son premier Rocky, partage ses souvenirs avec entrain. La genèse des Faucons de la nuit, l’arrivée de Sly sur le projet, les intentions du film, le directeur de la photo James A. Contner, le casting (Nanas avait repéré Rutger Hauer dans Soldier of Orange de Paul Verhoeven), l’éviction de Gary Nelson, l’investissement de Stallone dans les scènes d’action, le rôle de Lindsay Wagner sacrifié au montage, sans oublier quelques anecdotes de tournage, Herb Nanas est prolixe et son intervention ne manque sûrement pas d’intérêt.

Plus courte est l’interview de la comédienne canadienne Catherine Mary Stewart (4’30). La ravissante actrice interprète le court rôle de la vendeuse rencontrée par Rutger Hauer dans une boutique londonienne au début du film. Elle évoque son audition en présence de Sylvester Stallone («Il était tout petit ! ») et partage quelques souvenirs liés au tournage avec Rutger Hauer, qui lui faisait peur et qui était à fond dans son personnage.

L’interview suivante démontre quel grand film ambitieux aurait pu être Les Faucons de la nuit. L’auteur Paul Sylbert, enregistré l’année de sa mort en 2016, revient en détails sur son histoire originale rejetée par les studios en raison de son réalisme (10’). Paul Sylbert aborde ses recherches réalisées dans les années 1970 sur le terrorisme, en particulier sur les actions de Carlos aka Le Chacal. Le sujet était alors très sombre et préméditait même huit ans avant, la prise d’otages de l’OPEP par Carlos en décembre 1975 à Vienne. Après avoir finalement repris son histoire (« car les studios chiaient dans leur froc »), qui atterrira ensuite dans d’autres mains, Paul Sylbert, dégoûté, reprendra finalement son activité de chef décorateur.

L’intervention la plus passionnante, la plus complète et la plus franche provient du directeur de la photographie James A. Contner (25’). Aujourd’hui réalisateur, le chef opérateur, ancien assistant et caméraman sur Superman de Richard Donner et Que le spectacle commence de Bob Fosse, aura fait ses débuts fracassants avec CruisingLa Chasse de William Friedkin et signera également les photos des Dents de la mer 3 et Incidents de parcours de George A. Romero. Les Faucons de la nuit était alors son troisième film. James A.Contner parle de son arrivée sur le projet, du tournage à Paris, Londres et New York, des partis pris, du renvoi de Gary Nelson (« Sly et lui n’étaient pas du tout sur la même longueur d’ondes ») et de son remplacement par Bruce Malmuth, la réécriture du scénario par Stallone (« qui a changé le point de vue du personnage de Rutger Hauer »), les conditions houleuses de tournage, etc. Ne manquez pas ce supplément !

L’une des plus grandes injustices des Faucons de la nuit, est de ne pas avoir rendu justice au personnage incarné par la comédienne Lindsay Wagner. Cette dernière, plus connue par le public pour son personnage de Super Jaimie, a enfin l’occasion de s’exprimer sur toutes ses scènes tournées et coupées au montage (10’30). L’actrice déclare qu’avant de s’engager sur ce film, elle désirait réorienter sa carrière pour devenir chanteuse. Jusqu’à ce qu’on lui propose ce rôle dans Les Faucons de la nuit, l’une de ses rares incursions au cinéma. On en apprend donc beaucoup plus sur ses scènes tournées avec Sylvester Stallone (« on a rarement vu Sly jouer de telles scènes d’amour »), finalement laissées sur le banc de montage pour concentrer l’action du film sur l’affrontement entre DaSilva et Wulfgar. La violence au détriment des sentiments des personnages. Lindsay Wagner explique s’être rendu compte de sa quasi-disparition du film en étant venue post-synchroniser sa seule scène conservée.

Le trésor de cette interactivité a été déniché par le spéléologue Jérôme Wybon. Il s’agit d’un reportage réalisé en 1978 par la télévision française, pour lequel Sylvester Stallone a accepté de se livrer et d’être suivi durant sa préparation pour Rocky II, la revanche (16’). Derrière son bureau, à la table de montage où il supervise le montage de son premier film en tant que réalisateur La Taverne de l’enfer, sur le ring en compagnie de Carl Weathers (on reconnaîtra la chorégraphie des combats) ou en pleine séance d’entraînement avec le bodybuilder Franco Colombu, Sylvester Stallone se confie sur la notoriété, sur son enfance, sur ses rôles précédents, sur sa condition physique, sur ses désirs en tant qu’artiste et même sur la mort.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et une large galerie de photos.

L’Image et le son

Nous n’avions jamais vu Les Faucons de la nuit dans de telles conditions ! Le master HD au format 1080p du film de Bruce Malmuth/Sylvester Stallone s’en sort remarquablement bien et fait honneur au support. La propreté de l’image apparaît d’emblée, des petits points blancs et griffures persistent peut-être, mais les quelques poussières subsistantes ne dérangent nullement. Grâce à cette élévation HD, les couleurs retrouvent une nouvelle vivacité, les contrastes sont renforcés et le piqué est vraiment agréable. Le codec AVC consolide l’ensemble, le grain original est respecté, le relief palpable sur les vues new-yorkaises et la profondeur de champ est inédite. La stabilité est de mise, les noirs sont concis, les détails précis. Les Faucons de la nuit affiche déjà près de quarante ans au compteur, la restauration est aussi flatteuse qu’harmonieuse et offre un confort de visionnage très convaincant pour (re)voir ce film devenu culte.

Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio Mono 2.0 distillent parfaitement la composition de Keith Emerson. La piste française manque peut-être un brin de dynamisme mais se révèle nettement suffisante et le doublage (Alain Dorval pour Sylvester Stallone, Claude Giraud pour Rutger Hauer, Jean-Claude Michel pour Nigel Davenport, Maïk Darah pour Persis Khambatta) est excellent. Au jeu des différences, la version anglaise l’emporte haut la main avec un rendu plus ardent des dialogues, même si la musique peut parfois donner l’impression de noyer sensiblement les échanges, et des ambiances naturelles. Les deux versions sont restaurées.

Crédits images : © Universal Studios / L’Atelier d’images / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Ceux qui m’aiment prendront le train, réalisé par Patrice Chéreau

CEUX QUI M’AIMENT PRENDRONT LE TRAIN réalisé par Patrice Chéreau, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 28 août 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Charles Berling, Pascal Greggory, Valeria Bruni Tedeschi, Bruno Todeschini, Sylvain Jacques, Roschdy Zem, Dominique Blanc, Olivier Gourmet, Jean-Louis Trintignant…

Scénario : Danièle Thompson, Patrice Chéreau, Pierre Trividic

Photographie : Eric Gautier

Durée : 2h02

Date de sortie initiale : 1998

LE FILM

Le peintre Jean-Baptiste Emmerich avait déclaré avant de mourir: “Ceux qui m’aiment prendront le train”. Et ils ont pris le train pour Limoges. Les amis, les vrais, les autres : les faux-jetons, les héritiers, la famille naturelle et non naturelle. Il y a des familles qui ne se réunissent qu’aux enterrements.

Quatre ans après La Reine Margot, son plus gros hit au box-office, Patrice Chéreau (1944-2013) s’associe à nouveau avec la scénariste Danièle Thompson pour son nouveau film, Ceux qui m’aiment prendront le train. Le projet est né d’une phrase – qui donne son titre au film de Patrice Chéreau donc – dite par le cinéaste François Reichenbach, qui avant ses obsèques avait déclaré vouloir se faire enterrer à Limoges, lui qui avait alors toute sa famille et ses amis à Paris. Danièle Thompson faisait partie du convoi en 1993. Mètre-étalon du film choral à la française, Ceux qui m’aiment prendront le train est rétrospectivement le troisième plus gros succès du cinéaste sur ses dix longs métrages. Porté par une critique dithyrambique à sa sortie en 1998, ce drame est devenu instantanément culte et reste emblématique de l’univers de Patrice Chéreau.

A 70 ans, Jean-Baptiste Emmerich, né à Limoges, artiste peintre, homosexuel, scandaleux et tyrannique, veut qu’on l’enterre à Limoges au cimetière de Louyat, berceau de sa famille. C’est par cette phrase qu’il règle ses dernières volontés, lui qui voyait arriver la mort et ne voulait pas partir en laissant les autres en paix. Dans un train, ses amis et ses amants se retrouvent pour un dernier hommage à l’artiste. Sous couvert d’enterrement, ce film dissèque une journée d’une quinzaine de personnages en crise, rassemblés autour d’un mort, dont la présence et le regard les faisait exister, qui ont perdu tout repère et se retrouvent obligés de se confronter les uns aux autres. Cet homme, en quittant ces vivants qu’il avait si fort influencés, les laisse face à des questions que sa présence faisait oublier.

Dès le départ en gare d’Austerlitz, et durant tout le trajet, des relations particulières se dévoilent ou se tissent : tandis que le couple de Claire et Jean-Marie s’effiloche, un coup de foudre réunit Louis et Bruno. Alors que tous se rassemblent autour du cercueil, de vieilles rancoeurs resurgissent. La caméra de Patrice Chéreau est sans cesse en mouvement, sur le quai d’une gare, dans un train bondé en direction de Limoges, dans la demeure du frère du défunt. Les êtres se rentrent dedans, s’observent, s’insultent, se confrontent. Les non-dits dévoilent beaucoup, les injures dissimulent encore plus. Les plus discrets ne sont pas forcément les plus innocents, les plus froids et distants révèlent une immense sensibilité et des blessures insoupçonnées.

Si les dialogues sont souvent abondants, pour ne pas dire trop écrits, Patrice Chéreau dirige ses comédiens (exceptionnels) d’une main de maître, en transformant le train en théâtre de la vie. Jean-Louis Trintignant, Charles Berling, Valeria Bruni Tedeschi, Vincent Pérez, Dominique Blanc, Roschdy Zem, Pascal Greggory, Bruno Todeschini, Olivier Gourmet, Thierry de Peretti, Guillaume Canet et Nicolas Maury et bien d’autres entrent en scène, certains sont plus furtifs que d’autres devant l’oeil du metteur en scène, mais chacun apporte sa note à la partition tenue par le chef d’orchestre. Parmi la troupe, si Jean-Louis Trintignant crève l’écran à chaque apparition, Vincent Perez reste inoubliable dans le rôle de Viviane, transsexuel en cours de traitement hormonal. Tout le reste des comédiens est au diapason, Valeria Bruni Tedeschi est explosive, Pascal Greggory glacial, Bruno Todeschini fragile comme le cristal.

Certains compareront Ceux qui m’aiment prendront le train au cinéma de Claude Lelouch. Il y a un lien effectivement, mais contrairement à l’emphase souvent irritante du premier, Patrice Chéreau imprègne chacune de ses scènes d’une âme, d’une volonté de vivre et de profiter de chaque instant, en mettant en valeur ses acteurs, plutôt que de vouloir se mettre à l’avant-plan constamment. En dépit de la bonne impression générale et de l’expérience à part entière qu’il représente, le film peut sembler inégal, parfois convenu et l’intérêt relatif, avec une B.O. qui confère à l’ensemble un aspect clipesque. Après un résultat mitigé dans les salles avec un peu plus d’un demi-million d’entrées dans les salles, Ceux qui m’aiment prendront le train est sélectionné au 51e Festival de Cannes, obtient onze nominations aux César en 1999 et se voit récompenser par les compressions des meilleurs réalisateur, second rôle féminin (Dominique Blanc) et photo (Eric Gautier).

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Ceux qui m’aiment prendront le train, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le disque est estampillé du H de la collection Héritage. Le menu principal est animé sur une des séquences du film. Le Blu-ray s’accompagne également du DVD du film, glissés dans un boîtier Digibook avec un livret.

Etrange, nous ne trouvons qu’un seul supplément sur cette édition. Il s’agit d’un entretien avec Patrice Chéreau (18’30) réalisé à l’occasion de la sortie de Ceux qui m’aiment prendront le train dans les salles. Installé dans un fauteuil SNCF disposé devant la gare de Limoges, le cinéaste, visiblement épanoui, revient sur la genèse, les conditions de tournage, les personnages et les thèmes de son long métrage qui avait été présenté sur la Croisette quelques jours auparavant. Des images de tournage illustrent également ce bonus, avec une intervention de Jean-Louis Trintignant.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Ceux qui m’aiment prendront le train a été restaurée 4K par les laboratoires L21 à partir du négatif original, tandis que l’étalonnage a été supervisé par le chef opérateur Eric Gautier. Le rendu est pointilleux avec un piqué acéré et des détails éloquents, y compris sur les très nombreuses séquences « heurtées » capturées caméra à l’épaule. Les couleurs retrouvent une clarté évidente, la copie est très propre, la luminosité est constante et le grain original respecté. Les scènes sombres sont peut-être un peu moins définies, mais ce lifting sied bien au classique de Patrice Chéreau.

L’unique piste DTS-HD Master Audio 5.1 parvient à équilibrer les dialogues, les ambiances et la bande-originale du film de façon naturelle, sans en faire trop et en respectant le mixage originale. Les voix des comédiens sont solidement plantées sur la centrale, tandis que la musique environne joliment les spectateurs. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © TF1 Studio / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Gringo, réalisé par Nash Edgerton

GRINGO réalisé par Nash Edgerton, disponible en DVD et Blu-ray le 10 septembre 2018 chez Metropolitan Vidéo

Acteurs :  David Oyelowo, Charlize Theron, Joel Edgerton, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley, Bashir Salahuddin, Glenn Kubota, Melonie Diaz, Harry Treadaway, Theo Taplitz, Paris Jackson…

Scénario : Anthony Tambakis, Matthew Stone

Photographie : Eduard Grau

Musique : Christophe Beck

Durée : 1h51

Année de sortie : 2018

LE FILM

Harold Soyinka travaille pour un groupe pharmaceutique dirigé par Elaine Markinson et Richard Rusk. Lorsque ces derniers décident de se lancer dans le commerce lucratif du cannabis médical, ils envoient Harold au Mexique pour le lancement de leur nouvelle usine de production. Ignorant que la société qu’il représente a trahi un dangereux cartel local, l’employé modèle échappe de justesse à un enlèvement. Perdu au fin fond du Mexique, réalisant que ses patrons ont tout intérêt à le voir disparaître, pourchassé par les tueurs du cartel et un mercenaire implacable, Harold ne peut compter que sur lui-même s’il veut rester en vie.

Belle découverte que ce Gringo, réalisé par Nash Edgerton, dix ans après son premier coup d’essai intitulé The Square, à ne pas confondre avec l’immonde film de Ruben Östlund. A la base, l’australien né en 1973 est un cascadeur réputé, qui a officié sur une quantité phénoménale de films en tout genre comme Street Fighter – L’ultime combat, La Ligne rouge, la trilogie Matrix, Star Wars: Épisode II – L’attaque des clones, Zero Dark Thirty. S’il assure très souvent la doublure d’Ewan McGregor, il exécute surtout les scènes à risques pour le compte de son propre frère, le comédien Joel Edgerton. Depuis 1996, Nash Edgerton n’a eu de cesse de tourner des courts-métrages, souvent primés, qui démontraient son aisance à emballer des scènes d’action et à diriger solidement ses comédiens. Portée par un casting quatre étoiles, la comédie noire Gringo emballe du début à la fin et impose le réalisateur comme un metteur en scène à suivre de près.

David Oyelowo, Charlize Theron, Joel Edgerton, Amanda Seyfried, Thandie Newton, Sharlto Copley réunis dans un même film ! Si le premier est excellent, aussi drôle qu’attachant et émouvant, nous n’avons d’yeux que pour Charlize Theron. La comédienne, également productrice ici, crève l’écran à chaque apparition avec ses tailleurs cintrés et ses cheveux blonds platine, mais aussi et surtout pour son langage fleuri, son regard glacial et son immense sens de l’humour, que peu de réalisateurs ont su jusqu’à présent mettre en valeur. Devant cette femme fatale castratrice, pète-sec, nymphomane, arriviste et manipulatrice, le mâle Joel Edgerton fait profil bas. Mais il n’est pas en reste et incarne un homme d’affaires puant et lâche, qui n’hésite pas à sacrifier l’un de ses meilleurs, ou plutôt l’un de ses plus vieux amis, dans le seul but de s’enrichir et de sauver son entreprise. Plus discrètes, mais néanmoins lumineuses à l’écran, Amanda Seyfried et Thandie Newton composent des personnages satellites qui conduiront Harold à prendre ses responsabilités, d’une part pour survivre en milieu hostile, le Mexique donc, mais aussi pour retrouver sa dignité, lui que l’on a trop souvent considéré comme étant l’employé sans intérêt et à la petite vie trop tranquille.

La bonne surprise vient également de l’acteur Sharlto Copley. Habituellement insupportable – ses prestations dans les navets Elysium, Open Grave, Europa Report et Hardcore Henry étaient on ne peut plus irritantes – la révélation de District 9 de Neill Blomkamp est ici beaucoup plus sobre qu’à son habitude. Son rôle de mercenaire qui tente de se racheter une conscience en participant à des œuvres humanitaires est contre toute attente l’un des plus ambigus du film. Signalons également la première apparition à l’écran de Paris Jackson, la fille du King of Pop.

Au-delà ses comédiens en très grande forme, Nash Edgerton fait preuve d’un réel talent derrière la caméra. La mise en scène est très élégante, tout comme la photographie du talentueux chef opérateur Eduard Grau (Buried, A Single Man), le rythme est peut-être lent, mais toujours maîtrisé. Le cinéaste distille ses séquences d’action avec parcimonie et privilégie la psychologie des personnages, à travers un scénario à tiroirs à l’écriture très maîtrisée, signé Matthew Stone (Intolérable Cruauté). Gringo est une indéniable réussite.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Gringo, disponible chez Metropolitan Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est légèrement animé et musical.

Quatre featurettes (14 minutes au total) présentent rapidement les personnages, les enjeux, les partis pris, les cascades et les intentions de Gringo. Le réalisateur, les comédiens, la chef décoratrice et les producteurs interviennent brièvement en mode promo et quelques images de plateau dévoilent l’envers du décor.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et des liens internet.

L’Image et le son

La photographie léchée du chef opérateur Eduard Grau trouve avec cette édition HD un magnifique écrin qui restitue brillamment ses partis-pris esthétiques d’origine avec des teintes froides pour les scènes tournées à Chicago, et évidemment plus chatoyantes pour la partie mexicaine. La définition est exemplaire comme bien souvent chez Metropolitan. Les noirs sont denses, le piqué affûté comme une lame de rasoir, les contrastes tranchants, les séquences diurnes lumineuses.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 français et anglais, efficaces autant dans les scènes d’affrontements secs que dans les séquences plus calmes. Les quelques scènes plus agitées peuvent compter sur une balance impressionnante des frontales comme des latérales, avec les balles qui environnent le spectateur. Les effets annexes sont dynamiques, les voix solidement exsudées par la centrale, tandis que le caisson de basses souligne efficacement chacune des actions au moment opportun. Metropolitan livre également une piste française Audiodescription, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Metropolitan Vidéo / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / MILF, réalisé par Axelle Laffont

MILF réalisé par Axelle Laffont, disponible en DVD le 4 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  Axelle Laffont, Virginie Ledoyen, Marie-Josée Croze, Waël Sersoub, Matthias Dandois, Victor Meutelet, Rémi Pedevilla, Florence Thomassin…

Scénario : Stéphane Kramer, Jérôme L’hotsky, Jean-François Halin, Axelle Laffont

Photographie : Pierre Aïm

Musique : Benjamin Molinaro

Durée : 1h32

Année de sortie : 2018

LE FILM

Cécile, Sonia et Elise, trois amies d’enfance partent dans le Sud afin de vider la maison de l’une d’entre elles, pour pouvoir la mettre en vente. Pendant ces quelques jours sur la Côte d’Azur, elles vont devenir les cibles privilégiées de trois jeunes garçons, pour qui ces femmes seules, approchant la quarantaine, sont bien plus séduisantes que les filles de leur âge… Se prêtant au jeu, les trois amies vont prendre peu à peu conscience de leur pouvoir de séduction en tant que MILF.

Axelle Laffont passe derrière la caméra ! Vous êtes ravis de l’apprendre hein ? Au fait c’est qui Axelle Laffont ? Fille de l’animateur Patrice Laffont, petite-fille de l’éditeur Robert Laffont, l’actrice et humoriste née 1970 se fait « connaître » en participant à La Grosse Emission au début des années 2000, puis en présentant la météo dans l’émission Nulle part ailleurs sur Canal+. Des moments gênants, jamais drôles. S’ensuivent des apparitions dans Un gars, une fille, H, Caméra Café, avant la création de son one-woman-show coécrit avec Serge Hazavanicius et Maurice Barthélemy de la troupe des Robin des Bois. La suite est faite de petits rôles et de chroniques à la télévision, à la radio, au théâtre, puis elle se lance également dans la BD et même dans la chanson. Tout se solde par des échecs. Alors pourquoi pas le cinéma ? Au point où elle en est, et nous aussi de toute façon…Voici donc MILF, son premier long métrage en tant que réalisatrice et pour lequel elle s’octroie le premier rôle aux côtés de Marie-Josée Croze et Virginie Ledoyen. Cette fois encore, le film est un bide colossal au cinéma. Conspué par la critique, fuit par les spectateurs, MILF est retiré des salles seulement deux semaines après sa sortie. Soyons honnêtes, cet échec n’a rien de surprenant. MILF est un ratage monumental et s’inscrit directement dans le top des pires films de l’année 2018, au même titre que Brillantissime de Michèle Laroque dont nous avons parlé dernièrement.

Rien, absolument rien ne fonctionne dans MILF. Ce qui saute immédiatement aux yeux, c’est cette réalisation fonctionnelle où tout le monde, le chef opérateur, le monteur, le preneur de son, semble se moquer royalement de ce qu’ils sont en train de faire. Alors que la plupart des comédies françaises se contentent du minimum syndical pour faire croire à un semblant de cinéma, MILF ne se donne même pas cette peine. La photo est hideuse, le montage catastrophique, le rythme fait penser à celui d’un épisode de Louis la Brocante, l’émotion est aussi forcée que Cyril Hanouna qui pleure à la mort de Johnny Hallyday. Mais le plus embêtant c’est que la « réalisatrice » a tendance à vouloir se mettre en valeur. MILF prend alors la forme d’un ego-trip, à l’instar de Michèle Laroque avec son premier film. Marie-Josée Croze et Virginie Ledoyen tentent de faire bonne figure en se mettant à oilp, mais Axelle Laffont, la vulgarité incarnée, tire sans cesse la couverture en se filmant le cul et la poitrine dans des poses Snapshat. Curieux de voir comment les plans s’éternisent quand la caméra reste focalisée sur les parties de son anatomie, alors que l’on a à peine le temps d’admirer les jolies courbes de ses partenaires où les plans durent à peine quelques secondes.

Finalement, voir Marie-Josée Croze complètement éteinte fait peine à voir. Si elle n’est que très rarement apparue dans le registre de la comédie, à part dans le formidable Mensonges et trahisons et plus si affinités… de Laurent Tirard en 2004, l’actrice québécoise paraît bien triste et semble trouver le temps aussi long que nous. Quant à Virginie Ledoyen, si elle n’a jamais brillé non plus au cinéma en promenant son regard plissé et sa voix de fumeuse à la sortie d’une boite de nuit, elle est la seule qui parvient à tirer son épingle du jeu et qui apporte le peu d’émotion à cette entreprise. Mais tout de même, proposer un scénario aussi indigent et rempli de clichés sexistes, démontrer l’incapacité à diriger des comédiens, tout comme celle de créer une dynamique comique, cela fait de MILF une nouvelle référence dans ce qui se fait de pire dans notre bon vieux cinéma contemporain. Rendez-nous Max Pécas !

LE DVD

Le DVD de MILF repose dans un boîtier Amaray classique de couleur blanche, glissé dans un surétui cartonné. Le visuel reprend celui de l’affiche du film et le menu principal est fixe et muet. Pas de Blu-ray pour ce titre.

Le pseudo making of (10’) compile des instantanés de tournage. Tout cela pour montrer que tout le monde s’amusait comme des petits fous sur le plateau, en espérant que cela se voit également à l’écran.

Nous trouvons également six minutes de séquences ratées, divisées en 15 sous-parties ! Autant vous dire que certaines scènes ne durent que cinq secondes, après lesquelles on se demande encore ce qu’on a bien voulu nous montrer.

L’interactivité se clôt sur un clip vidéo.

L’Image et le son

Les partis pris esthétiques quelque peu douteux de la photographie passent sans mal le cap du petit écran. La colorimétrie est vive même si elle manque cruellement de naturel, les teintes chatoyantes sont omniprésentes et la lumière jaune-orangée qui éclaire constamment les comédiens fatigue les yeux. Les détails sont plutôt riches, tout comme les contrastes, la luminosité indéniable et le relief est également appréciable.

La spatialisation profite surtout à la bande originale du film. Les voix sont nerveuses sur la centrale, les ambiances naturelles ne manquent pas et l’ensemble est suffisamment dynamique. Le mixage stéréo se révèle également riche même si les effets latéraux manquent évidemment à l’appel. L’éditeur joint une piste Audiodescription ainsi que des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr