Test Blu-ray / Les Amoureux sont seuls au monde, réalisé par Henri Decoin

LES AMOUREUX SONT SEULS AU MONDE réalisé par Henri Decoin, disponible en combo Blu-ray/DVD le 11 avril 2018 chez Pathé

Acteurs :  Louis Jouvet, Renée Devillers, Fernand René, Dany Robin, Philippe Nicaud, Janine Viénot, Brigitte Auber…

ScénarioHenri Jeanson, Henri Decoin

Photographie : Armand Thirard

Musique : Henri Sauguet

Durée : 1h45

Année de sortie : 1948

LE FILM

Gérard Favier est un compositeur célèbre, très amoureux de son épouse Sylvia. Le couple fait la connaissance de Monelle, une jeune pianiste jolie, talentueuse et fervente admiratrice de Gérard Favier. Le musicien prend la jeune fille sous son aile et la propulse vers le succès. Mais un journal à scandale (Entre nous soit dit) annonce les amours du compositeur et de sa protégée. L’information est fausse, mais Monelle se prend à rêver et Sylvia commence à douter.

Une noce qui ne danse pas, rien ne la distingue d’un enterrement.

Grand sportif, il a notamment été champion de France de natation, ancien officier de cavalerie et d’aviation pendant la Première Guerre mondiale, chef d’escadrille, Henri Decoin (1890-1969) se reconvertit ensuite dans l’écriture et devient journaliste. Puis, il se tourne vers le théâtre et tout naturellement vers le cinéma, en devenant assistant-réalisateur à la fin des années 1920. Il passe ensuite derrière la caméra en 1933 pour son premier long métrage, Toboggan. Il rencontre Danielle Darrieux, qu’il épouse et qu’il suit à Hollywood à la fin des années 1930. Cette expérience lui permet d’assimiler les méthodes américaines. A son retour en France, Henri Decoin s’évertuera à appliquer ses acquis dans son propre travail, en variant les genres, passant du polar (Razzia sur la chnouf) au film d’espionnage, en passant par les films historiques et drames psychologiques. S’il n’est pas son opus le plus célèbre, Les Amoureux sont seuls au monde, réalisé en 1947, est considéré par la critique comme étant le meilleur film d’un des réalisateurs les plus prolifiques de sa génération. Et devant la beauté de cette œuvre méconnue, on ne peut qu’acquiescer.

Gérard Favier (Louis Jouvet) est un compositeur dont la renommée n’est plus à faire. Marié depuis dix-huit ans, il aime toujours sa femme Sylvia (Renée Devillers) comme au jour de leurs fiançailles. Un jour, il fait la connaissance de l’une de ses jeunes admiratrices, Monelle (Dany Robin), et l’aide à débuter sa très prometteuse carrière musicale. Interprétant ce rapprochement comme une idylle en train de naître, la presse à scandale, avide d’affaires de coeur croustillantes, se déchaîne sur l’infidélité conjugale présumée de Favier. Monelle comprend alors qu’elle est amoureuse de son maître. Quant à Sylvia, trop éprise de son mari pour songer à le faire souffrir, elle sombre dans le désespoir et préfère céder la place…

Si rétrospectivement Louis Jouvet amorce la dernière partie de sa carrière, l’immense comédien trouve un de ses plus beaux rôles dans Les Amoureux sont seuls au monde. Sur un scénario de Henri Decoin, coécrit avec le grand Henri Jeanson, qui signe également les sublimes dialogues du film, le « patron » comme il aimait être appelé, livre une fois de plus une sublime performance, dont la modernité ne cesse d’épater soixante-dix ans après. Drame intense, intimiste, mélancolique, psychologique et teinté de poésie, porté par des acteurs en état de grâce et photographié par l’immense Armand Thirard (Le Salaire de la peur, Les Diaboliques), Les Amoureux sont seuls au monde parle de la pérennité de l’amour, de la différence d’âge dans un couple, du désir amoureux, à travers une poignée de personnages passionnants.

Alors que les films du cinéaste remportaient souvent un grand succès populaire, Les Amoureux sont seuls au monde est malheureusement sorti dans une indifférence générale. Frileux devant la fin pessimiste, les producteurs demandent à Henri Decoin de tourner une fin « heureuse ». Ce dernier accepte, à condition que la fin originale soit conservée pour l’exploitation française du film. Dans le dos du réalisateur, les distributeurs projettent les deux fins à la suite. Averti de cette manipulation, Henri Decoin attaquera les responsables en justice. Le temps qui passe a heureusement fait son office puisque ce chef d’oeuvre est enfin réhabilité par la critique et a su depuis toucher de très nombreux cinéphiles, qui n’ont de cesse de le conseiller et de le faire découvrir.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Les Amoureux sont seuls au monde, disponible chez Pathé, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition comporte également le DVD du film. Le menu principal est animé et musical.

Pour accompagner le film, Pathé propose un formidable documentaire rétrospectif de 52 minutes, composé d’entretiens avec Didier Decoin, fils d’Henri Decoin et romancier, Clara Laurent, journaliste et enseignante en histoire du cinéma français, Christophe Moussé, spécialiste de Henri Jeanson, Marc Véron, auteur de l’ouvrage « Louis Jouvet ou le grand art de plaire ». Le portrait d’Henri Decoin, l’homme et le réalisateur, se dessine progressivement, à travers des propos qui évitent la redondance et qui se croisent habilement. Les Amoureux sont seuls au monde, est excellemment replacé dans la carrière du cinéaste et surtout bien réhabilité. Les intervenants n’oublient pas d’évoquer le casting, ainsi que les deux fins tournées.

Par ailleurs, les deux fins tournées et proposées en France (sans le consentement d’Henri Decoin), sont proposées dans un second temps (7’). Après la fin souhaitée par le cinéaste, un panneau apparaissait à l’écran « Que personne ne sorte ! Si par ces temps moroses, vous préférez les fins heureuses, voici comment notre histoire pouvait finir… ». A vous de découvrir celle souhaitée par les producteurs, qui n’a évidemment pas le même impact.

L’Image et le son

La numérisation du négatif nitrate original 35mm a été scanné en 2K. La restauration numérique image (300 heures de palette graphique) et son a été confiée au Laboratoire Mikros Image. Et les traces de moisissures, les perforations arrachées et toutes les scories possibles et imaginables ont totalement disparu ! Les Amoureux sont seuls au monde rejoint ainsi le catalogue des films restaurés de Pathé. Comme ses récentes sorties en Haute Définition, ce Blu-ray en met souvent plein les yeux avec une définition haute de gamme. Le nouveau master HD au format 1.37 (1080p/AVC) ne cherche jamais à atténuer les partis pris esthétiques originaux. La copie se révèle souvent étincelante et pointilleuse en matière de piqué (les scènes en extérieur), de gestion de contrastes (noirs denses, blancs lumineux), de détails ciselés et de relief. La propreté de la copie est constante, la stabilité de mise, la photo retrouve une nouvelle jeunesse doublée d’un superbe écrin, et le grain d’origine a heureusement été conservé. Les fondus enchaînés sont vraiment les seuls moments où la définition décroche quelque peu, mais cela ne dure que quelques secondes.

La piste mono bénéficie d’un encodage en DTS HD-Master Audio. Si quelques saturations et chuintements demeurent inévitables, l’écoute se révèle fluide, équilibrée, limpide. Aucun craquement intempestif ne vient perturber l’oreille des spectateurs, les ambiances sont précises. Si certains échanges manquent de punch et se révèlent moins précis, les dialogues sont dans l’ensemble clairs, dynamiques, même sans souffle parasite. Les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Symphonie pour un massacre, réalisé par Jacques Deray

SYMPHONIE POUR UN MASSACRE réalisé par Jacques Deray, disponible en combo Blu-ray/DVD le 11 avril 2018 chez Pathé

Acteurs :  Jean Rochefort, Michèle Mercier, Charles Vanel, Michel Auclair, Claude Dauphin, José Giovanni, Daniela Rocca…

ScénarioJacques Deray, José Giovanni, Claude Sautet d’après le roman « Les Mystifiés » d’Alain Reynaud-Fourton

Photographie : Claude Renoir

Musique : Michel Magne

Durée : 1h50

Date de sortie initiale : 1963

LE FILM

Cinq hommes, Paoli, Clavet, Valoti, Moreau et Jabeke sont associés dans le trafic de la drogue. Un arrivage vient précisément d’avoir lieu à Marseille : il y en a pour 500.000 dollars que doublera la revente en détail. Mais Serutti, le transitaire, exige que chacun des membres du gang verse cash une mise de fond de 100.000 dollars. Jabeke, qui a de grosses difficultés financières, doit réaliser pour pouvoir  » être à la hauteur de la situation « . Mais, dans son esprit, germe un plan qui, s’il réussit, lui permettra de s’approprier pour lui tout seul, non seulement la drogue, mais encore la mise des associés. Moreau a été chargé de convoyer les dollars à l’aller et la drogue au retour.

Quelle claque ! Symphonie pour un massacre est le troisième long métrage du réalisateur Jacques Deray (1929-2003). Après avoir fait ses débuts en tant que comédien, il devient assistant sur les tournages de Gilles Grangier, Luis Buñuel et Jules Dassin. En 1960, il écrit et réalise son premier film, Le Gigolo, drame psychologique interprété par Jean-Claude Brialy et Alida Valli. Ses deux films suivants, Rififi à Tokyo et Symphonie pour un massacre sortent la même année, en 1963, à quelques mois d’intervalle. Si le premier est un film policier intégralement tourné au Japon, le second, celui qui nous intéresse, est un polar dans la tradition du film noir américain, qui se déroule entre la France et la Belgique. Un fabuleux exercice de style, un chef d’oeuvre du genre complètement et malheureusement oublié aujourd’hui, qu’il est désormais temps de réhabiliter, d’autant plus que le cinéaste offre à Jean Rochefort son premier grand rôle dramatique. Il y est magnifique et accompagné d’acteurs tout aussi exceptionnels.

Paoli (Charles Vanel), Valotti (Claude Dauphin), Clavet (Michel Auclair) et Jabeke (Jean Rochefort) sont associés dans l’affaire d’un cercle de jeux, couverture d’activités illicites. Un caïd marseillais leur offre un important stock de drogue contre cinq cent mille dollars qui pourront leur rapporter le double. Une fois réunie, la somme est convoyée de Paris à Marseille par Moreau (José Giovanni), cinquième associé de l’opération, qui au retour devra ramener la drogue. Mais Jabeke a décidé de faire cavalier seul. Censé être à Bruxelles, il s’y installe ostensiblement dans un grand hôtel puis rentre discrètement à Paris et prend le même train de nuit que Moreau. Il surprend celui-ci dans son sommeil, le tue, dérobe la mallette de billets, descend à Lyon où il a préalablement laissé sa voiture et regagne Bruxelles juste à temps pour se faire livrer le petit-déjeuner dans sa chambre. À l’annonce par la presse de la découverte du corps, Paoli le doyen convoque ses troupes.

S’il est à la base inspiré par le roman Les Mystifiés d’Alain Reynaud-Fourton, publié en 1962 dans la collection Série Noire, le scénario écrit par Jacques Deray, José Giovanni et Claude Sautet rend compte du talent des trois compères, de leurs connaissances du « milieu » et de l’authenticité des dialogues. D’ailleurs, comme le récit adopte le point de vue du personnage de Jean Rochefort, qui prépare seul son coup monté, Jacques Deray ne s’encombre pas de voix-off superflue qui pourrait refléter et paraphraser les pensées et les actions du personnage de Jabeke. Une bonne partie du film, en gros la préparation de l’alibi et le vol, repose sur la mise en scène, le montage, la musique entêtante de Michel Magne, l’interprétation et le charisme de Jean Rochefort.

D’une part, cela permet à Jacques Deray de démontrer toute sa virtuosité et ses connaissances de la grammaire cinématographique, liées au genre du polar qu’il affectionne tout particulièrement. Il n’y a pas de « gras » dans Symphonie pour un massacre. Chaque plan est indispensable au déroulement de l’histoire et rien n’est laissé au hasard. D’autre part, Jean Rochefort, qui était jusqu’alors apparu au cinéma dans quelques films de cape et d’épée, Le Capitaine Fracasse de Pierre Gaspard-Huit, Cartouche de Philippe de Broca et Le Masque de fer d’Henri Decoin, accède ici en haut de l’affiche. Visage fermé, regard fuyant sous des paupières basses, bouche pincée, la présence du comédien dans un film noir est non seulement inattendue, mais aussi et surtout un coup de génie. Son éternel flegme britannique donne à son personnage un côté glaçant, impénétrable et imperturbable.

D’une précision d’orfèvre, le scénario enchaîne les rebondissements du début à la fin. Le réalisateur s’amuse à jouer avec les spectateurs en les laissant avoir un coup d’avance sur les personnages. A l’instar de Jean-Pierre Melville, l’audience est prise d’empathie pour des criminels. Du coup, on espère que Jabeke ne fasse pas de mauvais pas et si tel est le cas, qu’il parvienne à s’en sortir, même s’il lui faut se débarrasser de son adversaire pour cela. Loin d’être sacrifiés, les autres personnages campés par d’autres pointures du cinéma français, sont certes montrés comme des criminels, mais qui ont eux aussi du mal à faire tourner leur boutique. Et c’est par les ennuis d’argent d’un des complices de Jabeke qu’un premier rouage se mettra à grincer dans une machine jusque-là trop bien huilée.

Avec une édition restaurée en 2018 qui restitue tous ses contrastes à la photo N&B de l’illustre chef opérateur Claude Renoir, Symphonie pour un massacre est un must pour les amoureux du polar et du cinéma de Jacques Deray, qui allait devenir alors un de nos meilleurs metteurs en scène, mondialement reconnu cinq ans plus tard avec le triomphe international de La Piscine.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Symphonie pour un massacre, disponible chez Pathé, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition comporte également le DVD du film. Le menu principal est animé et musical.

Pas grand-chose à se mettre sous la dent dans les bonus. Un seul module de 27 minutes, qui entrecroise les propos de Jean-Philippe Guérand, journaliste, biographe et auteur de Jean Rochefort, Prince sans rire, et ceux de François Guérif, auteur du Cinéma policier français et Le Film noir américain. Les arguments avancés se complètent sans être redondants. Symphonie pour un massacre est replacé dans la filmographie de Jacques Deray, la mise en scène analysée, tout comme le traitement des personnages. Le casting est également passé au peigne fin. Un documentaire classique, informatif, mais un peu court.

L’Image et le son

Le négatif original n’a pas pu être retrouvé. Un marron, autrement dit un élément de tirage intermédiaire a donc été utilisé, numérisé 4K puis restauré 2K. Il s’agissait alors du meilleur élément à ce jour. Après le travail de titan des Laboratoires Eclair, Symphonie pour un massacre peut enfin être redécouvert dans un nouveau master au format respecté 1.66. Ce Blu-ray au format 1080p (AVC) en met souvent plein les yeux, malgré un générique qui laisse d’abord perplexe avec un N&B léger et divers fourmillements. Heureusement, cela s’arrange immédiatement. La restauration est étincelante, les contrastes denses, la copie est stable, les gris riches, les blancs lumineux, la profondeur de champ évidente et le grain original heureusement préservé. Les séquences sombres sont tout aussi soignées que les scènes diurnes, le piqué est joliment acéré pour un film de 1963 et les détails étonnent parfois par leur précision, surtout sur nombreux les gros plans. Quelques flous et deux ou trois scènes plus douces, mais rien d’important.

La partie sonore a été restaurée numériquement par L.E. Diapason. Résultat : aucun souci acoustique constaté sur ce mixage DTS-HD Master Audio Mono. Le confort phonique de cette piste unique est total, les dialogues sont clairs et nets. La musique de Michel Magne est joliment délivrée. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Les Nouvelles Aventures de Cendrillon, réalisé par Lionel Steketee

LES NOUVELLES AVENTURES DE CENDRILLON réalisé par Lionel Steketee, disponible en DVD et Blu-ray chez Pathé le 21 février 2018

Avec :  Marilou Berry, Arnaud Ducret, Josiane Balasko, Didier Bourdon, Vincent Desagnat, Jérôme Commandeur, Joséphine Draï, Camille Verschuere…

Scénario : Daive Cohen

Photographie : Stéphane Le Parc

Musique : Maxime DesprezMichaël Tordjman

Durée : 1h28

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

C’est l’anniversaire de Julie mais elle semble être la seule à s’en souvenir… Jusqu’à ce que Marco, l’homme qu’elle aime secrètement, l’appelle et lui annonce qu’il va passer chez elle pour lui déposer son fils car la baby-sitter a eu un contretemps. Julie est effondrée, tout le monde la considère comme une boniche. Seule avec ce petit garçon, particulièrement odieux, Julie décide de lui raconter l’histoire de Cendrillon… enfin presque.

Il fallait s’y attendre. Ou pas. Le triomphe des Nouvelles Aventures d’Aladin (4,5 millions d’entrées) a donné quelques idées aux producteurs, dont celle d’étendre cet « univers » à l’instar du Marvel Cinematic Universe aux Etats-Unis ! Ouais, bon, on ne sait pas si le concept ira bien loin, toujours est-il que Les Nouvelles Aventures de Cendrillon ont donc vu le jour immédiatement après. S’il n’a pas connu le même destin dans les salles avec un peu plus de 800.000 entrées, cette nouvelle relecture du conte de Charles Perrault est contre toute attente plus amusant que le truc doré avec Kev Adams.

Tout d’abord, la mise en scène de Lionel Steketee, ancien premier assistant sur de grosses productions comme Le Pacte des loups, Hôtel Rwanda, Perdus dans l’espace, Lucky Luke et Fatal, puis coréalisateur à succès de Case départ et Le Crocodile du Botswanga est bien plus agitée et efficace que celle d’Arthur Benzaquen pour Les Nouvelles Aventures d’Aladin. Le cinéaste fait fi d’un budget somme toute plus modeste, mais parvient à insuffler un rythme à sa comédie du début à la fin. Pas étonnant que la production l’ait rappelé pour cette fois mettre en scène la suite des aventures d’Aladin, intitulée Alad’2.

Autre point positif de cette mouture, les seconds rôles. Si Marilou Berry est la tête d’affiche du film, son jeu hystérique, son non-jeu diront certains avec raison, a de quoi taper sur les nerfs. Non, l’actrice n’a pas plus d’humour aujourd’hui que quand elle était en surpoids. Un régime draconien n’a jamais apporté du talent en retour. Ok pour la partie Cendrillon en souillon mais alors non en Cendrillon princesse. Heureusement, elle est très bien épaulée par sa mère, Josiane Balasko, géniale marâtre qui s’en donne à coeur joie dans la méchanceté et l’hypocrisie (et qui fait un petit clin d’oeil à la troupe du Splendid), Arnaud Ducret joue un prince Marco foncièrement abruti et porté sur les grosses poitrines, Didier Bourdon excelle dans le rôle du roi libidineux, toujours prêt à raconter ses anciennes prouesses sexuelles à son fils. Egalement au générique, Vincent Desagnant est le prince Gilbert, frère aîné du prince Marco, qui rêve de devenir bouffon et de ce fait enchaîne les vannes pourries avec innocence et décontraction. Ajoutez au générique un Jérôme Commandeur qui semble être le seul à avoir la tête sur les épaules et qui en tant que duc, tente de maintenir l’équilibre fragile du royaume. Une comédie chorale qui ne repose pas uniquement sur son personnage principal. C’est déjà ça de pris.

En revanche, gros point négatif pour sa représentation de la bonne fée représentée par un personnage gay (Andy Cocq, toujours dans le même rôle) qui vit dans le Marais, comprenez donc le marais comme Shrek, dont l’humour particulièrement douteux laisse à désirer.

Dire que l’histoire de Cendrillon est dépoussiérée est un euphémisme. Les grandes lignes sont toutefois respectées, les décors (dont le magnifique château de Pierrefonds) et les costumes plutôt soignés et le scénariste Daive Cohen, également l’auteur des Nouvelles Aventures d’Aladin (un clin d’oeil est d’ailleurs fait au film), paraît plus libre de faire des blagues – disons le mot – de cul avec un côté plus décalé qui fait parfois mouche. Certes, Les Nouvelles Aventures de Cendrillon ne renouvelle rien, il n’en a pas la prétention, mais l’humour y est bon enfant, tout comme les anachronismes et les comédiens ont l’air de s’amuser. Si le score du film au box-office n’a pas été si déshonorant, on ne sait pas si cet « univers étendu » passera un nouveau conte à la moulinette. Tout dépendra de l’accueil d’Alad’2.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray des Nouvelles Aventures de Cendrillon, disponible chez Pathé, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le même visuel coloré que l’affiche du film. Le menu principal est dynamique et lumineux, animé et musical.

En ce qui concerne les suppléments, l’éditeur propose tout d’abord un minuscule bêtisier d’une minute. Certaines mauvaises langues diront qu’on y rit plus que sur le film en entier.

Une featurette d’une minute compile les propos du réalisateur Lionel Steketee, des comédiens Marilou Berry, Josiane Balasko et Arnaud Ducret sur les personnages.

Le making of de 19 minutes remplit son contrat, à savoir dévoiler l’envers du décor avec des images de tournage, des répétitions et des interviews de l’équipe.

L’Image et le son

Ce transfert HD (1080p, AVC) est superbe. L’univers coloré est bien retranscrit avec une prédominance de couleurs chaudes, vives et pétillantes, les contrastes sont au beau fixe, la profondeur de champ abyssale et le piqué agréable. Ce master s’avère un bel objet, le relief est omniprésent, les détails foisonnants, les séquences en extérieur sont magnifiques et étincelantes.

La piste DTS-HD Master Audio 5.1 distille les voix des comédiens avec un beau ramdam, tandis que les latérales ont fort à faire avec la bande-originale. Une spatialisation suffisamment immersive avec un caisson de basses qui délivre ses effets avec efficacité et des ambiances solides sur les frontales. La piste Stéréo est tout aussi pointilleuse en ce qui concerne la restitution des dialogues. Une version Audiovision ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © 2017 74 FILMS – PATHE FILMS – TF1 FILMS PRODUCTION / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Capitan, réalisé par André Hunebelle

LE CAPITAN réalisé par André Hunebelle, disponible en combo Blu-ray+DVD le 22 novembre 2017 chez Pathé

Acteurs :  Jean Marais, Bourvil, Elsa Martinelli, Pierrette Bruno, Lise Delamare, Annie Anderson, Chrstian Fourcade, Arnoldo Foà…

ScénarioJean Halain d’après le roman de Michel Zévaco

Photographie : Marcel Grignon

Musique : Jean Marion

Durée : 1h51

Date de sortie initiale : 1960

LE FILM

Francois de Capestan est un noble de province, sauvé lors d’une embuscade par Gisèle d’Angoulême. Aidé de Cogolin, son fidèle serviteur, il tente de sauver la jeune femme, dont il est tombé amoureux, des griffes du régent Concini. Au passage, il déjoue un complot visant son ami le roi Louis XIII.

Après le succès monstre du Bossu en janvier 1960 avec près de 6 millions d’entrées, André Hunebelle a de la suite dans les idées. Enfin, pas vraiment une suite, mais puisque Jean Marais paraît prédisposé à enfiler les collants d’autres héros de romans de cape et d’épée, autant en profiter. Le réalisateur des Trois Mousquetaires (1953) et de Taxi, Roulotte et Corrida (1958) décide de réunir la même équipe devant et derrière la caméra, pour mettre son nouveau film, Le Capitan, le plus rapidement dans la boite. Record battu, puisque non seulement le film sera mis en scène dans la foulée du Bossu, mais sortira également la même année, le 5 octobre 1960, en attirant quasiment autant de spectateurs ! Grand classique du film d’aventures, Le Capitan demeure une petite pépite du genre, bourrée d’humour et d’action, sans oublier une pincée de romance.

En 1616, Louis XIII a 15 ans. Sa mère Marie de Médicis est régente du royaume depuis l’assassinat d’Henri IV. Elle a confié les rênes du pouvoir à son favori Concino Concini, qu’elle a nommé Premier ministre et qui, poussé en cela par son ambitieuse épouse Leonora Galigaï, cherche à s’emparer du pouvoir en ne reculant devant aucun crime ou aucune trahison. Pour y parvenir, Concini favorise l’insécurité générale notamment dans les provinces qui sont l’objet de pillages et d’attaques par des bandes armées à sa solde qui s’en prennent durement à la noblesse provinciale afin de l’affaiblir, celle-ci ignorant totalement que Concini est responsable de cette situation. Le Chevalier François de Crémazingues de Capestang se porte au secours de son ami le Marquis de Teynac qui est attaqué dans son château. Pendant la bataille le Marquis de Teynac est lâchement assassiné d’un coup de dague dans le dos par le chef des bandits, Rinaldo, qui est l’homme de confiance de Concini. François de Capestang jure à cet assassin qu’il vengera son ami mais il est blessé d’un coup de pistolet. Au moment où un brigand s’apprête à l’achever, il est sauvé par une belle jeune femme brune qui abat le bandit. Elle soigne François de Capestang, celui-ci perd connaissance. La jeune femme brune disparaît et quand il se réveille, c’est une jolie blonde qui le soigne, Béatrice de Beaufort, cousine du Marquis de Teynac. Guéri, François se rend au conseil de la province où les nobles se sont rassemblés pour envisager les actions à mener face à l’insécurité grandissante ; François se propose de porter les doléances de la province au Roi. Mais le gouverneur de la province ne peut le recommander qu’auprès de Concini. François part pour Paris, en chemin il fait étape dans une petite ville et assiste au spectacle d’un baladin, Cogolin. Celui-ci est honnête et, s’apercevant qu’un brigand dans l’assistance déleste François de sa bourse, s’arrange pour la lui rendre. Les brigands, furieux que Cogolin ait fait échouer leur coup et attendant qu’il ait quitté la bourgade, l’attaquent dans la campagne et le dépouillent, il est sauvé par François qui poursuivait sa route. Cogolin devient l’ami et le confident de François et les deux hommes continuent ensemble leur route pour Paris.

Le Bossu est le film à partir duquel André Hunebelle et Jean Marais allaient s’associer pour une série de classiques indémodables comme Le Capitan, Le Miracle des loups, Les Mystères de Paris et bien sûr, la trilogie Fantômas. Comédie d’action familiale, Le Capitan demeure l’un des opus les plus emblématiques de la filmographie de Jean Marais, marquant une rupture définitive avec le cinéma de Jean Cocteau qui l’avait fait connaître. Totalement investi dans ses cascades, bondissant, escaladant la façade d’un château à l’aide de simples dagues, souriant l’épée à la main, poursuivant ses ennemis au galop, le comédien se donne à fond dans ce superbe long-métrage dépaysant, plein de couleurs et de joie de vivre. Soutenu par l’humour, la fantaisie et la tendresse de Bourvil (véritable alchimie entre les deux comédiens), qui chante, qui fait de la magie et qui emballe une petite servante italienne, ainsi que par la beauté et le talent de Lisa Martinelli, sans oublier le charisme vénéneux de Guy Delorme (élève du célèbre maître d’armes Claude Carliez), le comédien trouve ici un second souffle. Il peut alors démarrer la seconde partie de sa carrière, marquée par de grands succès populaires.

Adapté du roman de cape et d’épée écrit par Michel Zévaco en 1907, Le Capitan avait certes déjà connu une autre adaptation en 1946 par Robert Vernay avec Jean Pâqui dans le rôle de Francois de Capestan, mais celle d’André Hunebelle reste celle qui nous vient immédiatement à l’esprit. Réalisé avec une fougue et un panache contagieux par un cinéaste alors déjà âgé de 75 ans, magistralement interprété, Le Capitan n’atteint peut-être pas la très grande réussite du Bossu, dont il reprend ouvertement la même recette, des décors flamboyants, en passant par les costumes colorés et les affrontements à l’épée très bien chorégraphiés, à tel point que l’on peut souvent confondre les deux, mais n’en reste pas moins une vraie référence du genre. Le charme agit encore pleinement et Le Capitan reste encore aujourd’hui un remarquable divertissement romanesque.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray du Capitan, disponible chez Pathé, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition se compose de l’édition HD et du DVD. Le menu principal est animé et musical.

Un tout petit bonus est disponible. Foncièrement sympathique, il s’agit d’une interview de Jean Marais réalisée quelques semaines après la sortie triomphale du Capitan, alors qu’il venait de terminer le tournage de La princesse de Clèves de Jean Delannoy (6’). Décontracté, clope au bec et verre à la main, le comédien semble s’amuser des questions qu’on lui pose et y répond avec franchise et simplicité. Jean Marais évoque à la fois ses personnages chez Jean Cocteau et ceux qu’il interprétait depuis peu dans les films de cape et d’épée, en indiquant qu’il allait enchaîner avec Le Miracle des Loups, Le Capitaine Fracasse, ou même un Surcouf et un Mandrin qui n’allaient finalement pas se faire. Le comédien revient également sur la genèse du Bossu, sur le fait de réaliser lui-même les cascades (« parce que cela m’amuse et m’entretient, puisque je ne fais pas de sport dans la vie »), tout en racontant une anecdote de tournage du Capitan.

L’Image et le son

Le Capitan retrouve une nouvelle jeunesse avec cette promotion HD. Le cadre large n’a jamais paru aussi pimpant, la clarté est souvent très plaisante sur les scènes en extérieur, la restauration 4K effectuée par le célèbre laboratoire italien L’immagine ritrovata impressionne dès le générique d’ouverture et le relief est omniprésent. La compression AVC consolide l’ensemble avec brio, le piqué est tranché pour un film de 1960, et la colorimétrie bigarrée à souhait restitue la beauté des décors et des costumes. Si le grain cinéma a heureusement été préservé, certaines séquences apparaissent plus grumeleuses et nous noterons quelques baisses sensibles de la définition sur les fondus enchaînés, qui occasionnent de sensibles décrochages. Il en est de même sur des champs-contrechamps légèrement déséquilibrés. Mais ce serait vraiment chipoter car nous nous trouvons devant la plus belle copie du film disponible à ce jour.

L’éditeur livre comme d’habitude une piste DTS-HD Master Audio Mono qui instaure d’emblée un très bon confort acoustique. L’écoute est aérée avec des dialogues clairs et affirmés, ainsi qu’une belle délivrance des lames qui s’entrecroisent durant les combats. La restauration ne fait aucun doute et surtout, aucun souffle n’est à déplorer. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Boule & Bill 2, réalisé par Pascal Bourdiaux

BOULE & BILL 2 réalisé par Pascal Bourdiaux, disponible en DVD et Blu-ray le 30 août 2017 chez Pathé

Acteurs :  Charlie Langendries, Franck Dubosc, Mathilde Seigner, Jean-François Cayrey, Nora Hamzawi, Isabelle Candelier, Manu Payet…

Scénario :  Benjamin Guedj d’après la bande dessinée de Roba

Photographie : Stéphane Le Parc

Musique : Mathieu Lamboley

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

La famille de Boule mène une existence aussi heureuse que paisible. Bill est parfaitement intégré dans cette petite famille, Boule travaille bien à l’école, sa maman donne des cours de piano à domicile tandis que son père est un dessinateur reconnu.
Tout bascule lorsque l’éditrice de ses bandes dessinées, bourrue et acariâtre, rejette le travail du père de Boule. Elle y voit une grosse panne d’inspiration due au fait que sa famille vit dans un bonheur très négatif sur sa créativité. Le père de Boule revient à la maison avec la ferme intention de réveiller sa famille de ce bonheur en générant un grand nombre de « bêtises ».
Boule et Bill mais aussi la maman vont également se mettre à faire dérailler ce « bonheur » familial jusqu’à l’explosion.

L’année 2017 n’a pas été simple pour le réalisateur Pascal Bourdiaux ! Deux échecs commerciaux et critiques très importants avec Mes trésors en janvier et Boule & Bill 2 en avril ! Avant de mettre en scène son premier long métrage en 2010, Le Mac, 1,5 millions d’entrées, Pascal Bourdiaux a d’abord fait ses classes sur la shortcom Un gars, une fille en réalisant près de 500 épisodes ! Il était aussi l’un des premiers à offrir à Kev Adams la tête d’affiche d’un film avec Fiston, dans lequel le jeune comédien donnait la réplique à Franck Dubosc. Porté par une critique positive et un bon bouche à oreille, près de deux millions de spectateurs avaient accueilli favorablement cette très bonne comédie. Pour Mes trésors et Boule & Bill 2 c’est une autre affaire.

Nous ne reviendrons pas sur Mes trésors, mais Boule & Bill 2 souffre des mêmes maux. Les scènes s’enchaînent à la va-comme-je-te-pousse, en cumulant les gags mous et les dialogues au rabais, sans oublier l’action de pacotille et une mise en scène fonctionnelle. Cette suite du film d’Alexandre Charlot et Franck Magnier (scénaristes d’Astérix aux Jeux Olympiques, Bienvenue chez les Ch’tis, Lucky Luke, R.T.T. et Imogène McCathery), qui ne s’imposait pas, mais alors pas du tout, s’offre le luxe d’être encore pire que le premier opus. En voyant ce nouveau volet, adaptation de la bande dessinée Boule & Bill, on se demande ce qui a pu se passer dans la tête de certains producteurs, sans doute trop confiants de penser que les 2 millions de spectateurs qui s’étaient déplacés dans les salles en 2013 pour la première « transposition » reviendraient. Mais c’était sans compter les mauvaises critiques et les avis négatifs. Une fois de plus, cette seconde adaptation live de l’oeuvre de Jean Roba ne retranscrit en rien la bande dessinée créée en 1959, à part peut-être la célèbre salopette bleue de Boule, et se trouve surtout dépourvue d’humour.

Franck Dubosc qui parvenait à s’en sortir dans le premier fait ici pitié. Ceci est d’autant plus regrettable qu’il peut parfois être très bon (Fiston, Les Seigneurs, Incognito), mais ce n’est pas en enchaînant les bouses-navets-nanars (Pension complète, Les Visiteurs : La Révolution, Camping 3, Les Têtes de l’emploi) qu’il parviendra à le prouver une fois de plus. Marina Foïs a eu du flair, puisqu’elle a gentiment refusé de reprendre son rôle de la maman de Boule. Elle laisse sa place à l’inénarrable Mathilde Seigner. Avec son jeu aussi léger qu’un 38 tonnes, l’actrice agace d’emblée par ses tics et ses répliques qui ne tombent jamais juste. Cela ne dure que 80 minutes montre en main et cela en paraît le double. C’est inter-minable, laid, niais. Du point de vue technique, la photo est orange, les décors aussi, les accessoires également, comme les cheveux de Boule et le teint de Mathilde Seigner.

Pourtant, la première séquence annonce d’emblée ce que sera le film à travers la réplique (sans trucage) « C’est de la merde. C’est à chier. C’est de la crotte, c’est du caca, c’est de la bouse, c’est du fumier, c’est de la pétoule de lapin, c’est de la fiente ». Bravo pour un film qui cible avant tout les très jeunes spectateurs ! Avec à peine 500.000 entrées pour un budget de près de 16 millions d’euros, Boule & Bill 2 rejoint le club des catastrophes industrielles aux côtés de Benoît Brisefer : les Taxis Rouges. La « franchise » est bel et bien enterrée. Tant mieux.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Boule & Bill 2, disponible chez Pathé, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le visuel de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical.

Seul un bêtisier (8’) est proposé comme supplément. Sans doute pour faire ce que le film ne parvient jamais, faire sourire.

L’Image et le son

Ce transfert HD s’avère soigné, l’univers de la BD est bien retranscrit avec une prédominance de couleurs vives et pétillantes (les teintes orangées surtout), les contrastes sont au beau fixe et le piqué agréable. La définition est au top et ce master demeure un bel objet avec un relief omniprésent et des séquences diurnes aussi magnifiques qu’étincelantes.

Boule & Bill 2 n’est pas à proprement parler d’un film à effets et le mixage DTS-HD Master Audio 5.1 ne fait pas d’esbroufe inutile. Seule la musique de Mathieu Lamboley est impeccablement spatialisée. Les effets latéraux et autres ambiances ont bien du mal à percer sur la scène arrière et pour cause puisque le film se déroule étrangement et très souvent dans l’appartement ou dans la maison. Quelques petites basses soulignent bien une ou deux scènes, mais demeurent le plus souvent en mode veille. La voix de Bill – Manu Payet se démarque sur la centrale avec un cran au-dessus de celles des autres comédiens. L’éditeur joint également une piste Stéréo, des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Nicolas Schul / Pathé Distribution / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Django, réalisé par Etienne Comar

DJANGO réalisé par Etienne Comar, disponible en DVD le 30 août 2017 chez Pathé

Acteurs : Reda Kateb, Cécile de France, Beáta Palya, Bimbam Merstein, Gabriel Mireté, Vincent Frade, Johnny Montreuil, Raphaël Dever, Patrick Mille, Xavier Beauvois…

Scénario : Etienne Comar, Alexis Salatko

Photographie : Christophe Beaucarne

Musique : Warren Ellis

Durée : 1h57

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

En 1943 pendant l’occupation allemande, le tsigane Django Reinhardt, véritable “guitare héros”, est au sommet de son art. Chaque soir il fait vibrer le tout Paris aux Folies Bergère avec sa musique swing alors qu’en Europe, ses frères sont pourchassés et massacrés. Lorsque la propagande allemande veut l’envoyer à Berlin pour une série de concerts, il sent le danger et décide de s’évader en Suisse aidé par une de ses admiratrices, Louise de Klerk. Pour passer, il se rend à Thonon-les-Bains, sur les bords du lac Léman, avec sa femme enceinte, Naguine et sa mère Negros. Mais l’évasion est plus compliquée que prévue, Django et ses proches se retrouvent plongés dans la guerre. Pendant cette période dramatique, il n’en demeure pas moins un musicien exceptionnel qui résiste avec sa musique, son humour, et qui cherche à approcher la perfection musicale…

On en entendait parler depuis plusieurs années déjà, mais le biopic sur Jean Reinhardt, plus connu sous le nom de Django Reinhardt (1910-1953), illustre guitariste de jazz, n’avait de cesse d’être repoussé. C’est finalement le producteur Etienne Comar, qui a entre autres produits les films de Laurent Bouhnik (Zonzon, 1999 Madeleine), Xavier Beauvois (Des hommes et des dieux, La Rançon de la gloire), Philippe Le Guay (Du jour au lendemain, Les Femmes du 6e étage) ou bien encore Maïwenn (Mon roi) et le multi-césarisé Timbuktu d’Abderrahmane Sissako, qui coproduit, coécrit et réalise ce Django, dont il s’agit du premier long métrage en tant que metteur en scène. Le film s’inspire du roman Folles de Django d’Alexis Salatko (également coscénariste du film), paru en 2013 pour le soixantième anniversaire de la mort du musicien. S’il n’est pas vraiment un biopic, Django, pour lequel a également collaboré David Reinhardt, le petit-fils de l’artiste, s’avère une illustration d’un des épisodes clés de la vie de l’artiste.

Si le film ne tient malheureusement pas ses promesses, Etienne Comar offre le rôle-titre au génial Reda Kateb, monstre de charisme et récompensé par le Swann d’or du meilleur acteur au Festival du film de Cabourg, qui s’empare véritablement du personnage au point de ne faire qu’un avec lui. Il est aussi élégamment et excellemment épaulé par Cécile de France dans le rôle d’un personnage fictif, mais finalement aussi marquant que celui tenu par son partenaire. Avouons-le, Django ne vaut que pour ses interprètes et rien d’autre.

Pourtant, le film démarre sur les chapeaux de roues avec l’effervescence d’un concert prêt à démarrer. La salle des Folies Bergère est remplie d’officiers allemands et des panneaux indiquent qu’il est formellement interdit de danser. Les musiciens sont prêts, mais Django n’est pas là. Ce dernier est tranquillement en train de pécher au bord de la Seine. On vient alors le chercher. Quelque peu éméché, il enfile son costume, sa vieille mère l’observe et le conseille. Le concert peut commencer, Django, plus grisé par sa musique que par l’alcool est enivré sur scène par les mélodies de son quintette. La salle est en transe, les spectateurs se lèvent et sont emportés par les mélodies, peu importent les interdictions. Une femme blonde, Louise de Klerk, entre dans la salle. On lui propose un siège, elle refuse et préfère rester debout. Elle observe Django puis les réactions dans la salle. Après ce triomphe, elle rejoint Django au moment certains officiers allemands lui annoncent qu’il devra se rendre à Berlin, afin d’y donner quelques concerts « monumentaux » auxquels participera probablement Adolf Hitler. Quelques jours après, Django décide de fuir avec les siens en direction de la Suisse.

En toute honnêteté, Django subjugue durant sa première demi-heure d’une folle élégance et son épilogue bouleversant. La reconstitution est simple, mais ne manque pas de classe, la photo de Christophe Beaucarne (Coco avant Chanel, Gemma Bovery, Irina Palm) est très belle et restitue l’atmosphère des salles enfumées. Ce concert est aussi l’occasion à Reda Kateb de montrer tout le travail de titan que le comédien a dû accomplir en amont pendant un an, afin de coller au plus près au style de jeu unique du guitariste. Cela fonctionne très bien à l’écran, tout part sous les meilleurs auspices, on tape même du pied au son du guitariste virtuose. Dommage que le soufflé retombe dès que le personnage décide finalement de s’enfuir afin de ne pas être envoyé à Berlin. Le film fait ensuite du sur-place pendant plus d’une heure où l’on voit Django attendre à Thonon-les-Bains, qu’un passeur veuille bien l’escorter avec sa mère et sa femme jusqu’en Suisse.

Comme s’il était lui-même stoppé dans son élan par son propre scénario, Etienne Comar semble ne plus savoir quoi faire de son personnage principal, qu’il filme souvent dans la nature, en train d’observer, tandis que les dialogues sonnent faux et semblent trop écrits. Django ne reprend la guitare que de manière sporadique, l’ennui s’installe progressivement, tout semble aller au ralenti. Pour que la mécanique soit relancée, il faut véritablement attendre le dernier acte, le concert donné au milieu des allemands et surtout la dernière séquence, celle où Django dirige le Requiem pour les frères Tsiganes, messe de sa composition jouée à la chapelle de l’Institut des jeunes aveugles de Paris en 1945, un hommage poignant aux victimes du génocide tsigane. Un panneau indique que cette œuvre n’a été jouée qu’une seule fois, la partition ayant été perdue par la suite et dont quelques bribes subsistent seulement. En dépit d’une remarquable exposition et un final déchirant, Django laisse une impression plus que mitigée. Si la qualité de l’interprétation est indéniable et marque les esprits, dommage que le film soit si déséquilibré et demeure d’un intérêt relatif.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Django a été réalisé à partir d’un check-disc. Le visuel de la jaquette reprend le visuel de l’affiche. Le menu est animé et musical.

Pour une production de cet acabit, nous étions en droit d’attendre bien plus qu’une petite poignée de scènes coupées (6’) comme suppléments ! Aucun making of, aucune interview, pas de commentaires audio. Seulement quatre séquences laissées sur le banc de montage. La première montre Louise de Klerk marcher avec Django dans un cimetière parisien, en lui donnant les instructions pour son passage en Suisse. Louise annonce alors à Django qu’elle ne pourra pas le suivre et qu’elle est retenue sur la capitale. La seconde scène se déroule à Thonon-les-Bains. Django joue au billard, quand un lieutenant allemand lui propose une partie à cinquante francs le point. L’officier lui dit que son visage lui semble familier. Les deux séquences suivantes sont plus anecdotiques, avec d’un côté Negros qui fait semblant d’être morte pour s’amuser et flanquer la frousse, et de l’autre un repas entre amis où l’on se lance des assiettes pour rire.

L’Image et le son

Après un succès honorable dans les salles avec près d’un demi-million de spectateurs, Pathé prend soin de Django pour son arrivée dans les salons et en Haute Définition. Un master HD quasi-irréprochable au transfert immaculé. Respectueux des volontés artistiques originales, la copie se révèle un petit bijou technique alliant des teintes chaudes, ambrées et dorées, avec des teintes plus froides dans la partie suisse, le tout soutenu par un encodage AVC de haute volée. Le piqué, tout comme les contrastes, sont riches et tranchants, seuls les arrière-plans auraient pu être un peu plus détaillés. Les gros plans sont ciselés à souhait, la colorimétrie est vive et joliment laquée, le relief très présent. Un service après-vente remarquable et élégant.

Le mixage DTS-HD Master Audio 5.1 convient parfaitement à un film ambitieux comme Django en spatialisant tout d’abord la musique de Warren Ellis (Comancheria, Des hommes sans loi) et en plongeant généreusement les spectateurs dans l’ambiance du concert dans la première partie. Les effets latéraux sont probants, les ambiances naturelles éloquentes sur les séquences en extérieur, les basses sont utilisées à bon escient. Si les dialogues auraient également mérité d’être plus ardents sur la centrale, le confort acoustique est indéniable, la balance frontale saisissante. La piste DTS-HD Master Audio 2.0 se révèle également dynamique, percutante même, créant une véritable homogénéité entre les dialogues, la musique et les effets. Pour finir, nous disposons d’une piste Audiovision ainsi que des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Roger Arpajou / Pathé Distribution / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / L’Embarras du choix, réalisé par Eric Lavaine

L’EMBARRAS DU CHOIX réalisé par Eric Lavaine, disponible en DVD et Blu-ray le 19 juillet 2017 chez Pathé

Acteurs : Alexandra Lamy, Arnaud Ducret, Jamie Bamber, Anne Marivin, Sabrina Ouazani, Jérôme Commandeur, Xavier Dumont…

Scénario : Laurent Turner, Laure Hennequart, Eric Lavaine

Photographie : François Hernandez

Musique : Fabien Cahen

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Frites ou salade ? Amis ou amants ? Gauche ou droite ? La vie est jalonnée de petites et de grandes décisions à prendre. Le problème de Juliette, c’est qu’elle est totalement incapable de se décider sur quoi que ce soit. Alors, même à 40 ans, elle demande encore à son père et à ses deux meilleures amies de tout choisir pour elle. Lorsque sa vie amoureuse croise la route de Paul, puis d’Etienne, aussi charmants et différents l’un que l’autre, forcément, le cœur de Juliette balance. Pour la première fois, personne ne pourra décider à sa place.

Mine de rien, le réalisateur Eric Lavaine a déjà attiré près de 7,5 millions de spectateurs en six longs métrages, dont près de 2,2 millions rien que pour Retour chez ma mère en 2016 ! Le metteur en scène – ou responsable c’est selon – de Poltergay, Incognito (de loin son meilleur film), Protéger et servir (son plus gros flop, malgré un score pas si déshonorant) et Barbecue remet le couvert un an après son plus grand succès avec L’Embarras du choix. Pour cette nouvelle comédie, il embarque à nouveau Alexandra Lamy et Jérôme Commandeur dans l’aventure, tout en leur joignant Arnaud Ducret, Jamie Bamber, Anne Marivin, Sabrina Ouazani et Lionnel Astier comme camarades de jeu. Habitué au succès dans les salles, Eric Lavaine a cependant connu un sacré revers avec seulement 440.000 entrées au compteur. Pourtant, L’Embarras du choix vaut bien mieux que Retour chez ma mère (difficile de faire pire c’est vrai), même si le scénario ne peut s’empêcher de tomber dans le nawak à mi-parcours, après une première partie pourtant encourageante.

Juliette, 40 ans, vient d’être quittée par Cédric, son fiancé, las de son indécision constante. Car faire un choix est au-dessus des forces de Juliette. Ses amies lui conseillent de se remettre en selle très vite. Juliette rencontre alors Etienne, un cuisinier talentueux, célibataire et charmant. Mais entretemps, elle a aussi croisé la route du beau Paul, un Ecossais. Juliette ne parvient pas à se décider entre ces deux hommes avec lesquels elle file le parfait amour. Les choses se compliquent quand chacun la demande en mariage. Juliette, incapable de trancher, s’enferme dans son mensonge. Voilà donc le pitch de L’Embarras du choix, qui part sur un postulat amusant et qui suffit parfois à emballer la majeure partie des productions du même acabit. Alexandra Lamy n’est pas une débutante et son jeu s’est affiné avec les années. Habituée des rom-com à la française (Au suivant !, On va s’aimer, Modern Love, Jamais le premier soir), la comédienne s’avère ici très pétillante et fait preuve d’une sobriété qui fait plaisir, elle qui est habituée à en faire un peu trop dans la comédie et qui a pourtant prouvé qu’elle pouvait être très bien quand elle est dirigée solidement dans le registre dramatique, à l’instar de ses prestations dans Ricky de François Ozon, Possessions d’Éric Guirado et J’enrage de son absence de Sandrine Bonnaire. Elle campe un ici un personnage atta-chiant dont le souci « hénaurme », pour ne pas dire le handicap, est de ne pas pouvoir faire de choix. A tel point que lorsque deux hommes lui déclarent leur amour et souhaite l’épouser, elle ne peut refuser les deux propositions.

Comme d’habitude, L’Embarras du choix se résume à deux ou trois lignes et repose uniquement sur un casting populaire et une écriture classique. Toutefois, même s’il manque sérieusement de rigueur et cumule les blagues faciles, L’Embarras du choix n’est justement pas si embarrassant que Retour chez ma mère dont l’auteur de ces mots ne s’est toujours pas remis de la scène du repas picard. Il n’y a aucune surprise ici, mais les acteurs font le job, en dépit de dialogues très pauvres. Comme souvent, Sabrina Ouazani emporte tous les suffrages dans le rôle de Sonia, dont le mode de vie est « d’essayer » tous les mecs qui se trouvent à sa portée, « un ouvrier », « un mec qui s’appelle Gilles », histoire de toucher à tout. Certes, ce n’est pas fin (euphémisme), mais ça fait sourire. Tout cela part bien et en mode automatique, mais c’était sans compter la mécanique qui commence à grincer sérieusement quand Juliette se retrouve entre ses deux mecs. A ce moment-là, les passages obligés s’accumulent en lorgnant sur Bridget Jones, certains personnages sont sacrifiés (Jérôme Commandeur passe le film à apprendre à son chat à taper dans la main, Arnaud Ducret devient subitement un gros beauf), la bande originale qui compile Keren Ann, REM, Coldplay et The Do s’emballe, l’émotion en préfabriqué reste coincé dans la gorge, tandis que le tournage se délocalise en Ecosse puisque le film précédent a permis de bénéficier d’un budget plus conséquent.

Au final, L’Embarras du choix est ce genre de film qui se laisse suivre sans prise de tête pendant qu’on établit son planning pour les vacances ou qu’on réalise sa liste de courses, puis qui s’oublie immédiatement comme après une rencontre avec les Men in Black.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de L’Embarras du choix, disponible chez Pathé, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le même visuel coloré que l’affiche du film. Le menu principal est dynamique et lumineux, animé et musical.

Contrairement à l’édition HD de Retour chez ma mère qui ne comprenait aucun supplément, Pathé ne vient pas les mains vides ici et fournit quelques bonus promotionnels. C’est le cas des interviews réalisées pour la sortie du film au cinéma : Alexandra Lamy et Eric Lavaine (7’), Sabrina Ouazani et Anne Marivin (6’), Arnaud Ducret (4’) et Jamie Bamber (5’). Les questions apparaissent sous la forme de cartons et s’avèrent les mêmes pour chaque intervenant, à savoir quel est le pitch du film, comment était l’ambiance sur le plateau, quel est votre personnage, etc. C’est basique, c’est efficace, c’est bourratif.

Un petit module de deux minutes compile quelques images glanées ici et là sur le tournage.

L’Image et le son

Si le rendu n’est pas optimal en raison d’une définition moins ciselée sur les scènes en intérieur, le master HD au format 1080p de L’Embarras du choix ne manque pas d’attraits… La clarté est de tous les instants, la colorimétrie chatoyante et estivale, et le piqué affûté sur toutes les séquences en extérieur. Le chef opérateur François Hernandez voit ses partis pris esthétiques savamment respectés via un Blu-ray qui frôle la perfection. Le cadre large fourmille de détails, les contrastes riches et léchés affichent une constante solidité et l’encodage AVC emballe l’ensemble avec brio.

L’Embarras du choix repose essentiellement sur les dialogues. La piste DTS-HD Master Audio 5.1 distille les voix des comédiens avec un beau ramdam, tandis que les latérales ont fort à faire avec la bande-originale juke-box pop. Une spatialisation suffisamment immersive avec un caisson de basses qui délivre ses effets avec efficacité et des ambiances solides sur les frontales. La piste Stéréo est tout aussi pointilleuse en ce qui concerne la restitution des dialogues mais nous y perdons du point de vue spatialisation musicale. Une version Audiovision ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © Jean-Claude Lother Pathé Distribution/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Seul dans Berlin, réalisé par Vincent Pérez

SEUL DANS BERLIN (Alone in Berlin) réalisé par Vincent Pérez, disponible en DVD le 1er juillet 2017 chez Pathé

Acteurs : Emma Thompson, Daniel Brühl, Brendan Gleeson, Mikael Persbrandt, Louis Hofmann, Katharina Schüttler, Godehard Giese, Jacob Matschenz

Scénario : Achim von Borries, Vincent Perez, Bettine von Borries d’après le roman Seul dans Berlin de Hans Fallada

Photographie : Christophe Beaucarne

Musique : Alexandre Desplat

Durée : 1h39

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Berlin, 1940. Otto et Anna Quangel, un couple d’ouvriers, vivent dans un quartier modeste où, comme le reste de la population, ils tentent de faire profil bas face au parti nazi. Mais lorsqu’ils apprennent que leur fils unique est mort au front, les Quangel décident d’entrer en résistance.

Espoir du cinéma français dans les années 1990 après avoir enchaîné Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau, Le Voyage du capitaine Fracasse de Ettore Scola, Indochine de Régis Wargnier, La Reine Margot de Patrice Chéreau, Le Bossu de Philippe de Broca ou bien encore Le Temps retrouvé de Raoul Ruiz et une incursion américaine dans le rôle-titre de The Crow, la cité des anges de Tim Pope, le comédien suisse Vincent Perez a ensuite connu bien des bas. Mis à part Fanfan la Tulipe de Gérard Krawczyk, les années 2000 n’ont guère brillé pour lui. Entre les comédies navrantes (Epouse-moi, Le Libertin, Bienvenue en Suisse) et les films de genre ratés (Les Morsures de l’aube, La Reine des Damnés, Le Pharmacien de garde), Vincent Perez n’aura vraiment participé qu’à un seul bon film, le méconnu Demain dès l’aube… de Denis Dercourt (2009). Bien décidé à rebondir, il s’essaye à la mise en scène avec son premier long métrage, Peau d’ange (2002), avec Guillaume Depardieu. En 2007, il se tourne vers le genre fantastique et les Etats-Unis pour son second film en tant que réalisateur, Si j’étais toi, avec David Duchovny, Lili Taylor et Olivia Thirlby. Dix ans plus tard, il signe son troisième long métrage, Seul dans Berlin, adaptée de l’oeuvre de Hans Fallada publiée en 1947 à Berlin-Est. Ce célèbre roman – Jeder stirbt für sich allein (titre original)évoque la résistance allemande face au régime nazi et les conditions de survie des citoyens allemands pendant la Seconde Guerre mondiale.

Déjà transposé à la télévision en 1962 et 1970, puis au cinéma en 1975, avant de faire l’objet d’un documentaire en 2013 pour France 3 (Seul contre Hitler), ce livre devenu best-seller international est fondé sur la véritable histoire d’Otto Hampel (rebaptisé Quangel dans le film de Vincent Pérez) et de sa femme Elise, exécutés le 8 avril 1943 pour des actes de résistance antinazie. Seul dans Berlin propose une version quelque peu édulcorée du roman et s’avère une adaptation trop propre, même si le film ne laisse évidemment pas indifférent. En 1940, à Berlin, ville paralysée par la peur, Anna et Otto Quangel ne vivent que pour avoir des nouvelles de leur fils, enrôlé dans l’armée allemande. Quand on leur annonce la mort de leur enfant, leur monde s’écroule. Alors que Hitler est au sommet de sa gloire, ils décident, brisés par le désespoir, d’ébranler le régime nazi à leur façon. Ils disséminent dans toute la ville des pamphlets. Les autorités, irritées par cet acte de rébellion, chargent un certain Escherich de découvrir qui se cachent derrière ces cartes postales. L’étau se resserre peu à peu autour du couple Quangel.

Alors que le roman proposait une description de la barbarie et de la cruauté du Troisième Reich et de la vie des habitants de Berlin pendant la Seconde Guerre mondiale, le film de Vincent Pérez repose sur une reconstitution classique et académique avec des rues clinquantes et des costumes flambants neufs. L’ensemble fait toc, mais ce n’est rien à côté de l’utilisation de la langue anglaise qui rend l’ensemble artificiel, même si Vincent Pérez s’est visiblement battu pour tourner son film en allemand, sans succès et à sa grande déception. Si Emma Thompson et Brendan Gleeson sont comme d’habitude excellents, Vincent Pérez aurait vraiment gagné à tourner son film avec un couple de comédiens allemands et surtout dans la langue de Goethe. Seul dans Berlin s’apparente plus à une illustration qu’à une véritable adaptation. Toutefois, après une première partie maladroite et qui peine à trouver son rythme, la seconde se montre plus passionnante puisqu’elle repose à la fois sur les actes de résistances du couple principal et l’enquête d’Escherich (Daniel Brühl dans la peau d’un agent de la Gestapo qui s’exprime en anglais en forçant l’accent teuton) qui tente de mettre la main sur l’individu qui rédige et dépose des cartes aux messages antinazis aux quatre coins de Berlin.

Seul dans Berlin échoue dans son désir d’émouvoir les spectateurs à cause de sa facture télévisuelle et de ses décors tape-à-l’oeil (le film a essentiellement été tourné à Görlitz, à la frontière polonaise), mais parvient finalement à capter l’attention du spectateur en instaurant un suspense dès l’entrée en scène du personnage d’Escherich qui commence sa chasse à l’homme. Certes, Seul dans Berlin permettra à certains de connaître l’histoire du couple Hampel, mais le film laisse toutefois un sentiment d’inachevé puisque les personnages manquent de chair et que l’empathie – l’émotion donc – peine à prendre.

LE DVD

Après un passage éclair dans les salles françaises en novembre 2016, Pathé édite le film de Vincent Pérez uniquement en DVD. Le disque repose dans un boîtier classique transparent et la jaquette reprend le visuel de l’affiche originale. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément au programme.

L’Image et le son

Faites confiance à Pathé pour assurer le service après-vente ! Le film de Vincent Pérez n’a certes connu aucun succès dans les salles mais se trouve choyé par l’éditeur. Le master tient toutes ses promesses, la colorimétrie froide souvent désaturée est superbe, les contrastes denses, les détails ciselés sur le cadre large et le relief étonnant. Si la définition n’est pas optimale – certaines séquences en intérieur sont plus douces – le piqué est fort acceptable, et la photo du chef opérateur Christophe Beaucarne (Mal de pierres, La Chambre bleue) est admirablement restituée.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages anglais et français, Dolby Digital 5.1, aussi probants dans la scène d’ouverture que dans les séquences plus calmes. La première séquence peut compter sur une balance assez percutante des frontales comme des latérales, avec des coups de feu très présents. Les effets annexes sont palpables et souvent dynamiques, les voix solidement exsudées par la centrale, tandis que le caisson de basses souligne efficacement chacune des séquences au moment opportun. La spatialisation musicale – composition d’Alexandre Desplat – est probante. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue impossible à la volée.

Crédits images : © Christine Schroeder / Marcel Hartman / X Verleih / Pathé / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Papa ou maman 2, réalisé par Martin Bourboulon

PAPA OU MAMAN 2 réalisé par Martin Bourboulon, disponible en DVD et Blu-ray le 12 avril 2017 chez Pathé

Acteurs : Laurent Lafitte, Marina Foïs, Alexandre Desrousseaux, Anna Lemarchand, Sara Giraudeau, Michaël Abiteboul, Nicole Garcia

Scénario : Alexandre de La Patellière, Matthieu Delaporte, Marina Foïs, Laurent Lafitte, Martin Bourboulon

Photographie : Laurent Dailland

Musique : Jérôme Rebotier

Durée : 1h26

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Deux ans ont passé. Après avoir raté leur séparation, les Leroy semblent parfaitement réussir leur divorce. Mais l’apparition de deux nouveaux amoureux dans la vie de Vincent et de Florence va mettre le feu aux poudres. Le match entre les ex-époux reprend.

Après plus de 2,8 millions de spectateurs réunis dans les salles en 2015, réaliser une suite à Papa ou maman (Prix du Jury au Festival de l’Alpe d’Huez) était trop tentant. Un an et demi après la sortie du premier film au cinéma, Papa ou maman 2 a donc débarqué dans les salles avec le même casting et le même réalisateur à la barre. Si ce second épisode reprend quasiment les mêmes gags et le même canevas que le film précédent, Papa ou maman 2 n’en demeure pas moins très réussi, en dépit de son manque de surprises.

Redoutable comédie, coécrite par les talentueux Matthieu Delaporte et Alexandre de La Patellière (Le Prénom, Un illustre inconnu), mais aussi par Martin Bourboulon et cette fois-ci par Marina Foïs et Laurent Lafitte qui ont pu mettre la main à la pâte, Papa ou maman 2 essaye d’aller encore plus loin dans les répliques vachardes, dans les règlements de comptes, le sarcasme et le cynisme. L’histoire commence là où elle s’était arrêtée à la fin du premier. Vincent Leroy et Florence, son ex-femme, semblent avoir tourné la page après leur séparation mouvementée. Ils ont refait leur vie chacun de leur côté (comprenez qu’ils habitent l’un en face de chez l’autre) : Vincent avec Bénédicte (délicieuse Sara Giraudeau) et Florence avec Edouard (l’excellent Jonathan Cohen). Cependant, Vincent accepte mal qu’Edouard soit beaucoup plus riche que lui. Florence, de son côté, a du mal à se réjouir à l’annonce de la grossesse de Bénédicte. Leurs enfants, qui détestent cette nouvelle situation, aimeraient que leurs parents reforment à nouveau un couple.

Derrière la caméra, Martin Bourboulon, ancien publicitaire, a fait plus de progrès, à l’instar de la première séquence tournée en plan-séquence, qui fait écho à celle du premier opus, mais en plus virtuose. Il signe un second long métrage on ne peut plus efficace, souvent très drôle, avec ce qu’il faut d’émotion pour rendre ses personnages, encore plus frappadingues que dans le premier, très attachants. Il faut dire que les deux têtes d’affiche, Marina Foïs et Laurent Lafitte ne reculent devant rien pour faire rire les spectateurs, surtout la première, aussi hilarante qu’à la bonne époque des Robin des Bois. Le duo fait toujours des étincelles, au sens propre comme au figuré et se délectent des dialogues cinglants tout comme des situations les plus grinçantes dans lesquelles sont plongés leurs personnages, prêts à tous les coups bas. A leurs côtés, les jeunes comédiens Alexandre Desrousseaux, Anna Lemarchand, Achille Potier s’avèrent encore plus convaincants que dans le premier, même s’ils apparaissent cette fois en retrait.

Alors oui Papa ou maman 2 sent parfois le réchauffé et s’avère une suite opportuniste (avec un tournage qui s’est déplacé à La Réunion), c’est d’ailleurs souvent un pléonasme, mais le spectateur aurait tort de bouder son plaisir car c’est aussi et avant tout une vraie comédie dynamique et brillamment interprétée par deux comédiens épatants et irrésistibles, qui prennent un évident plaisir à se renvoyer la balle, même en pleine figure. Les quiproquos s’enchaînent sur un rythme endiablé, la bande originale est au diapason, on se marre vraiment de bout en bout.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Papa ou maman 2, disponible chez Pathé, repose dans un boitier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le visuel de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical.

Là où nous trouvions un sympathique commentaire audio du réalisateur Martin Bourboulon et des deux scénaristes Matthieu Delaporte et Alexandre de La Patellière, un making of de plus de 20 minutes et deux featurettes sur le Blu-ray de Papa ou maman, l’interactivité pour l’édition HD de ce second opus s’est réduite comme peau de chagrin. Certes le bêtisier (10’) est franchement très drôle et contagieux, mais à côté l’éditeur ne livre qu’un module promo de 2 minutes ! Quelques rapides images de tournage, principalement reprises du bêtisier, divers propos des comédiens (en voix-off) et débrouillez-vous avec ça !

Cette section se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Pathé comble les espérances en livrant un master HD somptueux. Le piqué affiche d’emblée une précision dantesque, les contrastes sont d’une densité éblouissante et la clarté est à l’avenant. La profondeur de champ et le relief sont évidents, la colorimétrie chaude et ambrée au top, les textures sont palpables et le cadre large fourmille de détails. N’oublions pas non plus un léger grain très flatteur pour les mirettes, un codec AVC (contre VC-1 pour l’édition HD du premier volet) au mieux de sa forme et des noirs fermes. Le nec plus ultra de la Haute Définition.

Dès la première séquence de Papa ou maman 2, la piste DTS-HD Master Audio 5.1 sollicite l’ensemble des enceintes et offre une petite spatialisation soignée. Les dialogues se détachent sans mal sur la centrale, le caisson de basses délivre quelques effets sympathiques tandis que les ambiances naturelles des scènes en extérieur demeurent constantes. La DTS-HD Master Audio 2.0 est évidemment plus « plate » mais le spectacle acoustique est tout autant assuré. L’éditeur joint également les sous-titres destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Tibo & Anouchka / 2016 – CHAPTER 2 – PATHÉ PRODUCTION – M6 FILMS – NEXUS FACTORY – UMEDIA – FARGO FILMS  / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Portes de la nuit, réalisé par Marcel Carné

LES PORTES DE LA NUIT réalisé par Marcel Carné, disponible en combo Blu-ray-DVD le 29 mars 2017 chez Pathé

Acteurs : Pierre Brasseur, Serge Reggiani, Yves Montand, Nathalie Nattier, Saturnin Fabre, Raymond Bussières, Jean Vilar, Sylvia Bataille

Scénario : Jacques Prévert

Photographie : Philippe Agostini

Musique : Joseph Kosma

Durée : 1h52

Date de sortie initiale : 1946

LE FILM

A Paris, dans le quartier de Barbès-Rochechouart, au cours de l’hiver 1945, Diego, un ancien résistant, retrouve fortuitement Raymond Lécuyer, un de ses camarades de combat, qu’il croyait mort après une dénonciation. Alors qu’ils fêtent leurs retrouvailles autour d’une table, un clochard, surnommé «le Destin», prédit à Diego qu’il va rencontrer la plus belle femme du monde. La prédiction se réalise lorsque, sur un chantier de démolition qui appartient à son père, la belle Malou, en manteau de fourrure, croise le regard de Diego. Un amour passionné les lie bientôt. Mais Diego reconnaît en Guy, le frère de Malou, l’homme qui a dénoncé Raymond…

« Paris, février 1945, vers la fin d’une journée d’hiver, le dur et triste hiver qui suivit le merveilleux été de la libération de Paris.La guerre n’est pas encore finie, mais au nord de la ville, la vie coutumière reprend son cours avec ses joies simples, ses grosses difficultés, ses grandes misères, et ses terribles secrets… »

Longtemps considéré comme LE film maudit de Marcel Carné, Les Portes de la nuit n’est peut-être pas un chef d’oeuvre, mais n’en demeure pas moins une immense réussite. Cette dernière collaboration Carné – Prévert, d’après l’argument de son ballet Le Rendez-vous, se déroule durant une nuit de février 1945 à Paris, Jean Diego (Yves Montand) se rend chez la femme de son copain, Raymond Lécuyer (Raymond Bussières), pour lui annoncer la mort de son mari devant le peloton d’exécution des occupants nazis. Or, Raymond est bel et bien vivant. Un clochard, qui se présente comme étant le Destin (Jean Vilar), fil rouge de l’histoire, annonce à Jean qu’il va rencontrer, dans les heures à venir, « la plus belle fille au monde ».

« Il n’est pas donné à tout le monde d’avoir une mort heureuse... »

Malgré une ambiance sinistre et froide, qui reflète l’état d’un pays après des années de conflit, Les Portes de la nuit montre des personnages qui ont su rester optimistes, sauvés grâce à l’amour. Ce film choral avant l’heure, se focalise non pas sur un couple en particulier, mais sur un groupe de personnages qui se croisent et s’entrecroisent autour du destin personnifié, qui rôde autour d’eux, qui les met en garde, qui les encourage, qui les observe. Les Portes de la nuit, c’est aussi le portrait d’un quartier de Paris, le XIXe arrondissement. Le film s’ouvre sur un incroyable travelling montrant le métro aérien de la ligne 2 et la Place Stalingrad, la Rotonde et le Bassin de la Villette jusqu’à l’amorce de l’avenue Jean Jaurès. Les décors exceptionnels d’Alexandre Trauner prennent le relais puisque la station Barbès-Rochechouart a été intégralement reconstituée en studio, quasiment à l’échelle.

Alors que le film avait été pensé pour Jean Gabin et sa compagne Marlene Dietrich, Carné a vu ses deux comédiens se désister juste avant les prises de vue. Pris de panique, le cinéaste a jeté son dévolu sur Yves Montand, âgé de 25 ans, dont la carrière de chanteur venait de décoller. Il fait ici ses débuts, peu convaincants certes, au cinéma. Même chose pour sa partenaire Nathalie Nattier, dont la carrière restera cependant confidentielle. Face à ces jeunes premiers, Carné s’entoure de merveilleux acteurs « secondaires », qui font la grande réussite du film, Raymond Bussières et Jean Vilar donc, mais aussi Pierre Brasseur, Serge Reggiani, Saturnin Fabre, l’indispensable Julien Carette. Ces protagonistes reflètent le Paris d’époque, le français victime de l’Occupation, certains ayant trouvé la combine de mieux subsister que d’autres en mettant toute morale de côté. C’est le cas de monsieur Sénéchal, dont les affaires n’ont cessé de fleurir même en temps de guerre. Son fils, petite frappe sans envergure (Reggiani) a su prendre le train en marche pour essayer de s’imposer dans le quartier, jusqu’au jour où sa route croise celle du Destin.

Beau, tragique, forcément poétique, porté par l’envoûtante et mélancolique musique de Joseph Kosma et de la ritournelle des Feuilles mortes composée spécialement pour ce film, ce huitième long métrage de Marcel Carné ne peut laisser indifférent, même si le rythme paraît aujourd’hui poussif. Froidement accueilli par la critique – à tel point que Prévert songe à quitter le monde du cinéma – et malgré un public mitigé, Les Portes de la nuit, qui évoquent également celles de la Libération qui commençaient à s’entrouvrir, n’est pourtant pas un échec commercial, même si considéré comme tel.

Après avoir été démoli une nouvelle fois par Truffaut et sa clique, il faudra attendre les années 1970 pour que ce film maudit et tombé dans un relatif oubli, y compris au cours des rétrospectives consacrées à Marcel Carné, soit enfin reconsidéré.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray des Portes de la nuit a été réalisé à partir d’un check-disc. Le Blu-ray et le DVD reposent dans un Digipack dans la collection Version restaurée par Pathé, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est très élégant, animé et musical.

Comme petit-four, l’éditeur et Jérôme Wybon nous proposent un petit entretien avec le réalisateur Jean-Pierre Jeunet (5’). Grand admirateur de Marcel Carné, il indique que Les Portes de la nuit arrive probablement en troisième position derrière Quai des brumes et Le Jour se lève, dans son top Carné personnel. Entouré d’objets de collection liés au cinéma de Marcel Carné, Jean-Pierre Jeunet indique ensuite comment ces films ont influencé les siens, notamment Delicatessen.

Après cette déclaration d’amour de Jeunet pour Carné, ne manquez pas le documentaire rétrospectif réalisé une fois de plus par Jérôme Wybon, intitulé Le Destin des Portes de la nuit (31’). Ce module croise les propos de Philippe Morisson (créateur du site Marcel Carné) et N.T. Binh (critique et enseignant du cinéma). Tout d’abord, les deux intervenants replacent Les Portes de la nuit dans l’oeuvre de Marcel Carné, la genèse du film, les personnages, mais aussi et surtout sur le casting puisque l’oeuvre devait être portée par Jean Gabin et Marlene Dietrich. Suite au désistement de la comédienne juste avant le tournage, l’acteur français, également compagnon de Dietrich, quitte également le projet. Carné doit alors trouver très rapidement deux remplaçants et jette son dévolu sur Yves Montand et Nathalie Nattier. Deux choix contestés à l’époque, également par les deux intervenants, même s’ils finissent par modérer leurs propos. Jérôme Wybon nous propose également quelques images d’archives rares, montrant les essais de Jean Vilar (pour le rôle finalement tenu par Saturnin Fabre), à qui Jean Gabin (de dos) en personne donne la réplique en tenant le rôle qui sera offert à Serge Reggiani (voir la capture suivante).

Nous voyons également le test passé par Yves Montand, ainsi que la construction de l’incroyable décor d’Alexandre Trauner qui reconstituait alors la station Barbès-Rochechouart en grandeur réelle. De nombreuses anecdotes de tournage sont dévoilées, la sortie du film est abordée (le film est froidement accueilli par la critique et les spectateurs) ainsi que sa reconnaissance tardive dans les années 1970.

L’Image et le son

Dans la continuité du plan de restauration de son catalogue, Pathé propose de (re)découvrir des classiques du cinéma français dans de très belles éditions DVD et Blu-ray restaurées. Les Portes de la nuit est enfin disponible dans les bacs, dans une nouvelle version numérisée et restaurée en 4K à partir du négatif original sous la supervision de Pathé et grâce aux bons soins du laboratoire L’Immagine Ritrovata. Avec son format respecté 1.37 et une compression AVC, ce Blu-ray au format 1080p permet enfin de (re)voir Les Portes de la nuit dans une superbe copie. La restauration est étincelante, les contrastes d’une densité impressionnante, la copie est stable, les gris riches, les blancs lumineux, la profondeur de champ évidente et le grain original heureusement préservé. Les séquences sombres sont tout aussi soignées que les rares scènes diurnes (l’ouverture du film), le piqué est parfois joliment acéré pour un film des années 1940 et les détails étonnent parfois par leur précision, surtout sur les gros plans. Toutefois, quelques légers flous sporadiques font parfois une apparition remarquée et quelques séquences paraissent plus douces.

Comme pour les autres titres prestigieux de son catalogue, Pathé est aux petits soins avec le film de Marcel Carné puisque la piste mono bénéficie d’un encodage en DTS HD-Master Audio. Si quelques saturations demeurent inévitables surtout sur les quelques dialogues aigus et la musique qui se fait plus chuintante, l’écoute se révèle fluide. Aucun craquement ou souffle intempestifs ne viennent perturber l’oreille des spectateurs et les échanges sont clairs à l’exception d’une séquence, celle où monsieur Sénéchal parle avec sa fille Malou. Les sous-titres destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles. Les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures du Blu-ray :  Franck Brissard pour Homepopcorn.fr