Test Blu-ray / L’Extraordinaire voyage du Fakir, réalisé par Ken Scott

L’EXTRAORDINAIRE VOYAGE DU FAKIR réalisé par Ken Scott, disponible en DVD et Blu-ray le 2 octobre 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Dhanush, Bérénice Bejo, Erin Moriarty, Barkhad Abdi, Gérard Jugnot, Ben Miller, Abel Jafri, Sarah-Jeanne Labrosse…

Scénario : Luc Bossi, Romain Puértolas, Ken Scott, Jon Goldman d’après le roman « L’extraordinaire voyage du fakir qui était resté coincé dans une armoire Ikéa » de Romain Puértolas

Photographie : Vincent Mathias

Musique : Nicolas Errera

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Aja, un jeune arnaqueur de Mumbai entame, à la mort de sa mère, un extraordinaire voyage sur les traces du père qu’il n’a jamais connu. Il rencontre l’amour à Paris dans un magasin de meubles suédois, le danger en compagnie de migrants somaliens en Angleterre, la célébrité sur une piste de danse à Rome, l’aventure dans une montgolfière au-dessus de la Méditerranée, et comprend finalement ce qu’est la vraie richesse et qui il souhaite devenir.

En 2012, Starbuck de Ken Scott est comme qui dirait le sleeper de l’été 2012 en France. Cette géniale comédie québécoise emporte tout sur son passage et attire près d’un demi-million de spectateurs dans son sillage. Suivront un remake aux Etats-Unis, Delivery Man, mis en scène par Ken Scott lui-même avec Vince Vaughn, Chris Pratt et Cobie Smulders, un autre en France sous le titre Fonzy avec José Garcia, et un dernier en Inde, Vicky Donor. Le réalisateur s’associe à nouveau avec Vince Vaughn pour un film beaucoup moins convaincant, Jet Lag. Le cinéaste essaye de revenir par la grande porte avec une production destinée au marché international, L’Extraordinaire Voyage du fakir, adapté du roman de Romain Puértolas, L’Extraordinaire Voyage du fakir qui était resté coincé dans une armoire Ikea, best-seller de l’année 2013, traduit dans une trentaine de pays. Pour sa transposition au cinéma, le titre du livre perd la marque de la célèbre entreprise suédoise, bien qu’elle apparaisse évidemment dans une scène centrale du film. Malgré son envie de toucher un large public, le soin apporté aux couleurs et aux décors, L’Extraordinaire Voyage du fakir manque sérieusement d’âme et d’intérêt. Cela n’empêche pas de constater que Ken Scott est un cinéaste solide, capable de porter un film au budget conséquent puisque malgré ses très nombreux points faibles, l’argent se voit à l’écran du début à la fin.

Ajatashatru est fakir. Un jour, il quitte New Delhi pour la France. Il y rencontre rapidement une américaine, dont il tombe amoureux. Mais Ajatashatru est accidentellement expulsé avec des clandestins africains. Envoyé aux quatre coins de l’Europe, il va tenter de retrouver celle qu’il aime.

Le premier acte est gênant puisque L’Extraordinaire Voyage du fakir rappelle furieusement Slumdog Millionnaire de Danny Boyle dans son traitement des couleurs, ses partis pris, sa mise en scène, le jeu des comédiens, cette succession de vignettes à la Marjane Satrapi, par ailleurs envisagée un temps à la réalisation. Le film pâtira de cette comparaison jusqu’au dénouement. Véritable star du cinéma tamoul et parfait inconnu du public français, le comédien – mais aussi chanteur, réalisateur et producteur – Dhanush est très attachant, drôle et émouvant. C’est grâce à lui que l’on tient jusqu’au bout du récit. L’ensemble prend la forme d’une fable qui rappelle parfois le cinéma de Costa-Gavras, notamment Eden à l’ouest avec Riccardo Scamarcio. L’histoire joue avec les clichés, parfois trop, puisque l’arrivée en France d’Ajatashatru s’accompagne d’un air d’accordéon. Débarque alors un Gérard Jugnot en anglais dans le texte, dans le rôle d’un chauffeur de taxi qui arnaque bien évidemment les passagers étrangers. Comme il y a plus quarante ans dans La Coccinelle à Monte-Carlo dans lequel il faisait une apparition en serveur parigo, Gérard Jugnot représente ici le franchouillard gouailleur et colérique, qui n’apparaît que quelques minutes à l’écran. Bérénice Bejo, dans un rôle envisagé pour Uma Thurman, est mieux servie et se débrouille mieux en anglais. Sa scène de danse à la Bollywood arrive certes comme un cheveu sur la soupe, mais reste probablement la meilleure du film et ses trois heures d’entraînement par jour pendant un mois sont gratifiantes.

L’Extraordinaire Voyage du fakir est constamment ponctué de petits moments sympathiques et fantaisistes de ce genre, à l’instar de l’instant comédie-musicale où des officiers de police, dont le génial Ben Miller, se mettent à chanter et à danser en parlant de l’émigration, des réfugiés et des sans-papiers. En fait, le film parle de problèmes de société, mais le fond n’est jamais convaincant, tout comme cette pseudo-romance bourrée de clichés. Finalement, ce qui importe le plus est le voyage d’Aja, qui se révélera initiatique malgré-lui. C’est ce côté Jules Verne, à mi-chemin entre Les Tribulations d’un Chinois en Chine et Le Tour du monde en 80 jours qui retient l’attention. Mais c’est malheureusement trop peu et ce feel good movie déçoit sévèrement, même si l’on garde confiance en Ken Scott.

LE BLU-RAY

Malgré son échec cinglant, L’Extraordinaire Voyage du fakir dispose d’une édition HD. Le test du Blu-ray disponible chez TF1 Studio a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé, lumineux et musical.

Un seul supplément au programme avec un making of (22’) très plaisant, animé et blindé d’images de tournage. Le réalisateur, les acteurs, le directeur de la photographie, la costumière, le compositeur et bien d’autres interviennent afin de parler des personnages, des conditions de prises de vues, des lieux de tournage et du roman original.

L’Image et le son

Le master HD restitue solidement les volontés artistiques du chef opérateur Vincent Mathias, césarisé pour Au revoir là-haut. Ken Scott a filmé son film entièrement en numérique via la caméra RED Weapon DRAGON 6K. La patine est donc bien laquée, les couleurs vives, chaudes et clinquantes, les contrastes léchés et le relief constamment palpable. Ces partis pris esthétiques bigarrés sont savamment pris en charge par une compression sans failles, la définition demeure exemplaire sur tous les plans et tout du long, sur les scènes sombres comme sur les lumineuses séquences diurnes. Les détails sont légion sur le cadre, le piqué aiguisé et la copie éclatante. C’est superbe.

L’Extraordinaire Voyage du fakir n’est pas un film à effets et les mixages français et multilingue DTS-HD Master Audio 5.1 ne font pas d’esbroufe inutile. L’essentiel de l’action est canalisé sur les enceintes avant, même si chacune des séquences en extérieur entraînent inévitablement des ambiances naturelles sur les latérales. Il en est de même pour la bande-son souvent explosive, systématiquement mise en valeur par l’ensemble des enceintes comme lors de la séquence « Bollywood ». Les voix demeurent claires, limpides, solidement délivrées par la centrale, tandis que le caisson de basses accompagne joyeusement les scènes appropriées. L’éditeur joint également une piste Audiodescription, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © BrioFilms@Sébastien Bossi / TF1 Studio / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Neuilly sa mère, sa mère !, réalisé par Gabriel Julien-Laferrière

NEUILLY SA MÈRE, SA MÈRE ! réalisé par Gabriel Julien-Laferrière, disponible en DVD et Blu-ray le 12 décembre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Denis Podalydès, Samy Seghir, Jérémy Denisty, Sophia Aram, Joséphine Japy, Valérie Lemercier, François-Xavier Demaison, Josiane Balasko, Fatsah Bouyahmed, Élie Semoun, Jackie Berroyer, Julien Courbey, Booder, Steve Tran, Bayou Sarr, Chloé Coulloud…

Scénario : Marc de Chauveron, Djamel Bensalah, Isaac Sharry

Photographie : Baptiste Nicolaï

Musique : Charlie Nguyen Kim

Durée : 1h42

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

En 2008, Sami Benboudaoud découvrait l’enfer de Neuilly-sur-seine ! Dix ans plus tard, alors que tout va pour le mieux pour Sami qui termine brillamment ses études de sciences politiques, plus rien ne va pour son cousin Charles de Chazelle. Depuis la défaite de son idole Sarkozy aux présidentielles, il a sombré dans une profonde dépression quand sa famille perd toute sa fortune et doit quitter Neuilly. Rejetés de tous, les Chazelle trouvent refuge chez Sami, cité Picasso, à Nanterre ! Dès lors, pour Sami et les habitants de sa cité, la vie ne sera plus jamais un long fleuve tranquille.

Il y a près de dix ans, une petite comédie dans l’air du temps débarquait sur les écrans et emportait avec elle plus de 2,5 millions de spectateurs. Neuilly sa mère ! réalisé par Gabriel Julien-Laferrière, d’après une idée de Djamel Bensalah (Le Ciel, les Oiseaux et… ta mère !, Le Raid, Il était une fois dans l’Oued) et un scénario de Marc et Philippe de Chauveron (L’Élève Ducobu, Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ?), ce film avait su profiter des vacances d’été et se faire une place au box-office annuel entre OSS 117 : Rio ne répond plus et Transformers: La Revanche. On ne s’y attendait pas, mais voici donc Neuilly sa mère, sa mère !, un deuxième opus dans lequel on retrouve la quasi-intégralité du casting original neuf ans après, à l’exception de Rachida Brakni, remplacée ici par Sophia Aram dans le rôle de Djamila de Chazelle. Alors que le premier était sorti sous l’ère bling-bling de Sarkozy, cette suite se situe après le mandat de François Hollande et les premiers mois de celui d’Emmanuel Macron. Autant dire que pour certains personnages, le choc a été rude. Pour tout le monde en fait. Si Neuilly sa mère, sa mère ! n’a pas la même fraîcheur que le film précédent, il n’en demeure pas moins que cette suite contient de très bons moments, pas fins certes, mais qui arrachent facilement quelques sourires et même quelques rires.

On retrouve donc Sami Benboudaoud, qui en 2008 avait quitté la cité Maurice-Ravel à Chalon-sur-Saône pour habiter chez sa tante à Neuilly-sur-Seine. Dix ans plus tard, il achève sans problème ses études à Sciences-Po, mais son cousin Charles de Chazelle est dans une impasse : son camp politique est en échec et son père, à la suite d’un scandale financier, est ruiné, et doit quitter Neuilly. Une seule solution pour les Chazelle, aller squatter chez leur cousin Sami, installé dans une cité à Nanterre, mais l’adaptation au franchissement de La Défense est pleine de rebondissements.

Soyons honnêtes, tout est ici encore plus caricatural que dans Neuilly sa mère !. Malgré tout, on se laisse emporter par la bonne humeur contagieuse de toute la troupe, visiblement heureuse de se retrouver. Samy Seghir peut parfois énerver à sourire autant que Khaled quand il entonne une chanson triste et celui qui se taille la part du lion dans Neuilly sa mère, sa mère ! est son partenaire Jérémy Denisty, ici clairement au centre du film, au point d’en devenir le narrateur. Le revirement politique de son personnage, devenant Socialiste après avoir reniflé les autres partis permet au jeune comédien de laisser libre cours à sa fantaisie et de démontrer une belle énergie comique. Si les autres sont quelque peu (Valérie Lemercier) voire complètement sacrifiés (la superbe Chloé Coulloud), Denis Podalydès est également en très grande forme et les protagonistes satellites, notamment l’excellent Julien Courbey, Laurent Gamelon et Booder, paraissent plus gâtés que le personnage de Samy Seghir, qui n’a pas grand-chose à défendre alors qu’il était le personnage principal dans le premier volet.

Du point de vue mise en scène c’est un peu le calme plat, la première partie est poussive, mais Gabriel Julien-Laferrière parvient à insuffler un rythme et le film devient de plus en plus drôle à mesure que le récit avance. Les scénaristes Djamel Bensalah et Marc de Chauveron parsèment leur histoire de petites répliques vachardes et de séquences cocasses qui nous font aller jusqu’au bout sans difficulté. Puis un film qui réunit d’immenses acteurs comiques comme Gérard Miller, Eric Dupont-Moretti, Arnaud Montebourg et Julien Dray ça ne se voit pas tous les jours non plus.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Neuilly sa mère, sa mère ! a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur livre le minimum syndical. Chose étonnante d’ailleurs puisque l’édition du premier opus disponible chez TF1 Vidéo débordait de suppléments ! Il faudra juste se contenter de la bande-annonce ici.

L’Image et le son

C’est pas mal, mais cette édition HD n’est pas optimale. Le cadre large est plaisant, les couleurs acidulées, mais le piqué est aléatoire, les scènes en basse lumière manquent de détails et même certains flous parasitent l’image à plusieurs reprises. Mais dans l’ensemble, ce Blu-ray est solide, les contrastes sont costauds et la luminosité est flatteuse.

La piste DTS-HD Master Audio 5.1 offre une belle spatialisation ponctuelle de la bande-son, caisson de basses compris. Outre la spatialisation musicale (le mythique Baby Love de The Supremes), certaines ambiances naturelles parviennent à percer sur les quelques séquences en extérieur (la pluie, l’orage, la circulation sur le périphérique) mais finalement, l’ensemble demeure axé sur les frontales, dynamiques et fluides, tandis que la centrale exsude les dialogues avec efficacité. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © SND / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Roulez jeunesse, réalisé par Julien Guetta

ROULEZ JEUNESSE réalisé par Julien Guetta, disponible en DVD et Blu-ray le 28 novembre 2018 chez Le Pacte

Acteurs : Eric Judor, Laure Calamy, Brigitte Roüan, Ilan Debrabant, Louise Labeque, Déborah Lukumuena, Marie Kremer, Satya Dusaugey…

Scénario : Dominique Baumard, Julien Guetta

Photographie : Benjamin Roux

Musique : Thomas Krameyer

Durée : 1h20

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Alex, 43 ans, est dépanneur automobile dans le garage que dirige sa mère d’une main de fer. Un jour, il dépanne une jeune femme et passe la nuit chez elle ; mais au petit matin, elle a disparu, lui laissant trois jeunes enfants sur les bras…

Mouais…la critique a été plutôt élogieuse et positive pour le premier long métrage de Julien Guetta, diplômé de la Fémis, département « scénario », promotion 2009. Après moult courts métrages et le scénario de Joueurs de Marie Monge, le jeune cinéaste passe au format long avec Roulez jeunesse. Très inspiré par les liens familiaux et l’héritage familial, Julien Guetta développe ces thèmes dans son premier film. Très mal vendu, comme une simple « comédie de l’été », Roulez jeunesse est pourtant une œuvre mi-figue mi-raisin, qui hésite constamment entre un humour léger et des éléments dramatiques sérieux. Le résultat est trop hésitant pour convaincre. Le choix d’Eric Judor dans le rôle principal était on ne peut pus judicieux et si le comédien est aussi excellent qu’attachant, rien ou pas grand-chose ne fonctionne dans Roulez jeunesse.

Pour une fois, l’affiche est raccord avec le film qu’elle vend. C’est bleu, c’est jaune. Roulez jeunesse n’est qu’une comédie française comme les autres qui tente de donner le change en prenant un virage aussi inattendu que maladroit. Julien Guetta enchaîne alors les gags et quiproquos jamais crédibles et s’emmêle les pinceaux en voulant bien faire et montrer ce dont il est capable. Il y a de bonnes choses dans Roulez jeunesse, les comédiens surtout avec donc un Eric Judor au top de sa forme et dont le talent dramatique semble avoir étonné une partie de la presse qui le considérait sûrement comme un simple trublion sans autres cordes à son arc. Il est parfait dans le rôle de ce (faux) Tanguy malgré-lui dont la mère, incarnée par la géniale Brigitte Rouän, est propriétaire d’un garage dans lequel il bosse, ou du moins il voit passer les jours au volant de sa dépanneuse. La quarantaine entamée, Alex n’a sûrement pas vu passer les années. Pour la première fois de sa vie, il va devoir prendre quelques décisions importantes qui pourraient bien déterminer le futur de trois gamins (dont un bébé) dont la mère camée a disparu. Ça fait beaucoup d’éléments pour ce petit film, qui n’a clairement pas les moyens de ses ambitions et surtout la maturité qui lui faudrait.

C’est gentillet, mais disons le mot c’est aussi nul. Les gamins sont amusants deux minutes, mais tout est tellement rabattu, cliché, prévisible. Si le film est court (1h20 montre en main), le rythme est très mal géré, c’est long, redondant. Dommage, car Julien Guetta, grand cinéphile, a de grandes références et évoque même Cinq pièces faciles – Five Easy Pieces de Bob Rafelson avec Jack Nicholson pour Roulez jeunesse, ainsi que les films de Ken Loach, Martin Scorsese et Steven Spielberg. On se demande juste quel est vraiment le rapport avec son premier long métrage.

Récit initiatique certes, mais tout va trop vite en besogne et le personnage principal évolue bien trop rapidement en prenant une décision importante, sans que rien ne le laisse présager. Finalement, le plus beau personnage du film est l’assistante sociale interprété par la géniale et sensuelle – même coiffée comme un dessous-de-bras – Laure Calamy, dont la douceur et la force de caractère apportent l’âme dont Roulez jeunesse a sacrément besoin. C’est donc un téléfilm Modem, il en a d’ailleurs la couleur orangée, en roue libre, sans force de caractère, qui se laisse regarder, mais qui ne fait ni chaud ni froid.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Roulez jeunesse, disponible chez Le Pacte, repose dans un boîtier économique de couleur bleue, glissé dans un surétui cartonné qui reprend le visuel de l’affiche. Le menu principal est animé et musical.

L’entretien avec Julien Guetta est très sympathique (20’). On serait même tenté de redonner une chance à son premier long métrage tant le réalisateur s’avère attachant et visiblement amoureux du cinéma. L’interviewé revient sur son parcours, ses thèmes de prédilection (la famille, la filiation), les partis pris et ses intentions pour Roulez jeunesse, le casting, le travail avec le chef opérateur Benjamin Roux et cite ouvertement Maurice Pialat, Claude Sautet, Steven Spielberg, Martin Scorsese et bien d’autres comme cinéastes de prédilection.

On enchaîne avec trois scènes coupées plus ou moins amusantes, surtout celle en version intégrale où Alex se retrouve flanqué d’un automobiliste complètement camé (7’).

L’éditeur joint également un court-métrage de Julien Guetta, intitulé Lana Del Roy (26’). Jean-Philippe se reconstruit enfin depuis qu’il sort avec Lana, une fleuriste qui bouscule son quotidien morose. Mais au moment des présentations avec son fils Morgan, ce dernier découvre que Lana est une ancienne star du porno. Réalisé en 2016, ce petit film émeut, mais les comédiens peinent à convaincre réellement.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos et la bande-annonce.

L’Image et le son

Ce transfert HD est soigné, avec une prédominance de couleurs vives et pétillantes (explosion de teintes jaunes et bleues), des contrastes au beau fixe et un piqué agréable. La définition est au top, les détails foisonnants sur le cadre large et ce master demeure un bel objet avec un relief omniprésent, des séquences diurnes aussi magnifiques qu’étincelantes et un grain léger.

Dès le générique, la piste DTS-HD Master Audio 5.1 sollicite l’ensemble des enceintes et offre une solide spatialisation. Ce mixage fait la part belle à la musique, présente pendant tout le film. Les dialogues se détachent sans mal sur la centrale, tandis que les ambiances naturelles en extérieur demeurent constantes comme le bruit assourdissant de la circulation sur l’autoroute. Le spectacle acoustique est assuré. L’éditeur joint également une piste DTS-HD Master Audio 2.0 de fort bon acabit, des sous-titres destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Céline Nieszawer / Ivan Mathie / Le Pacte / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ?, réalisé par Ettore Scola

NOS HÉROS RÉUSSIRONT-ILS À RETROUVER LEUR AMI MYSTÉRIEUSEMENT DISPARU EN AFRIQUE ? (Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l’amico misteriosamente scomparso in Africa ?) réalisé par Ettore Scola, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 7 novembre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Alberto Sordi, Bernard Blier, Manuel Zarzo, José María Mendoza, Erika Blanc, Franca Bettoia, Alfredo Marchetti…

Scénario : Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Ettore Scola

Photographie : Claudio Cirillo

Musique : Armando Trovajoli

Durée : 2h02

Date de sortie initiale : 1968

LE FILM

Un homme d’affaires fatigué de son travail, de sa famille et de sa vie part à la recherche de son beau-frère disparu en Afrique quelques années plus tôt, entraînant dans cette quête son comptable qui n’en demandait pas tant. Et quand après de très nombreuses aventures, ils retrouveront, finalement, leur ami devenu chef de tribu, se posera la question de le ramener dans ce qu’on appelle la civilisation…

Quel film se cache derrière ce titre à rallonge typique des romans-feuilletons, Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ? ou bien encore en version originale Riusciranno i nostri eroi a ritrovare l’amico misteriosamente scomparso in Africa ? Un des bijoux méconnus du grand Ettore Scola. Réalisée en 1968, cette comédie grinçante s’inspire en réalité de l’histoire de Walt Disney intitulée Topolino e il Pippotarzan, dessinée par l’artiste italien, vénitien plus précisément, Romano Scarpa, dans laquelle Dingo (Pippo en Italie) part en Afrique avec Mickey (Topolino) afin de retrouver son frère Pappo, disparu sans laisser de trace. Si Ettore Scola et ses co-scénaristes, les maîtres Age & Scarpelli, prennent évidemment quelques libertés avec le récit original, ils n’en conservent pas moins les grands traits, y compris son dénouement. Dans le film Alberto Sordi (toujours aussi génial et hilarant) incarne Fausto Di Salvio, un bourgeois fier de ce qu’il est devenu, inculte et arrogant, un éditeur de renom qui profite allègrement du miracle économique de son pays. En apparence seulement, car Fausto s’ennuie dans son travail et surtout dans sa vie privée, notamment avec sa femme, avec qui il n’a plus aucune intimité.

« Nous recherchons mon beau-frère…mais nous nous recherchons aussi nous-mêmes ! »

Contraint de partir en Afrique, continent qui l’a toujours fasciné, Fausto emmène avec lui Umbaldo Palmarini, son comptable et homme à tout faire – Bernard Blier, qui retrouve Sordi pour la troisième fois à l’écran – pour chercher et ramener en Italie son beau-frère Oreste Sabatini (Nino Manfredi) qui du jour au lendemain est parti s’installer en Angola, parmi une communauté africaine, en quittant sa femme et sa vie de bourgeois romain. Là-bas, à la fois perdu géographiquement et culturellement, Fausto, homme moderne déboussolé se heurte à un nouveau monde qui lui permettra de repartir sur de nouvelles bases, de faire le point sur sa propre vie, monotone malgré ses succès. Quelle aurait été la vie de Fausto si cette possibilité d’évasion ne s’était pas offerte à lui ?

Le personnage, très attiré par le continent africain, évolue à l’écran en deux heures. Il passera du personnage détestable (il filme tout ce qui se présente à lui, comme s’il tournait un documentaire animalier), raciste et colonialiste (on pense alors fortement à Tintin au Congo), mais malgré tout comique puisqu’il ne comprend rien et ignore tout de ce pays, à l’homme mature qui tentera de dénoncer notamment la traite des noirs. Pour son périple, un parcours initiatique même, Ettore Scola opte pour la comédie d’aventure pour dénoncer le thème du colonialisme à travers une mise en scène inventive et astucieuse, profitant également de la beauté majestueuse de ses décors naturels avec des prises de vue effectuées à Luanda, capitale de l’Angola, par ailleurs toujours sous domination portugaise à l’époque.

Le scénario est un vrai bijou, très intelligent, caustique et engagé, tous comme les savoureux dialogues signés Furio Scarpelli. Pour la petite histoire, alors qu’il entreprend de se doubler lui-même en français, Bernard Blier se rend compte que les dialogues ont changé et le propos adoucis, à tel point que les responsables de cette adaptation avaient purement et simplement gommé toute la dimension anticolonialiste du film. Le comédien prévient alors Ettore Scola qui fait stopper immédiatement la post-synchronisation, puis la sortie hexagonale en raison de cette censure réalisée dans son dos. Sensationnelle comédie ironique, Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ? mettra dix ans pour être enfin exploité dans les salles françaises.

LE BLU-RAY

Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ? avait connu une première édition DVD en novembre 2007 chez M6 Vidéo, dans sa collection Les Maîtres italiens SNC. Le film d’Ettore Scola débarque en Blu-ray, toujours chez le même éditeur, qui a concocté à cette occasion un Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret de 24 pages écrit par Laurent Bourdon. Le menu principal est animé et musical.

Une interview particulière, une rencontre avec Ettore Scola (53’) : Ce documentaire réalisé pour la chaîne publique italienne Rai, déjà disponible sur l’édition DVD, mélange extraits de films d’Ettore Scola, images du réalisateur et de ses acteurs (Sergio Castellito, Diego Abatantuono…) en plein travail sur le tournage de Concorrenza sleale (réalisé en 2001), et une interview accordée par le réalisateur italien qui revient notamment sur ses débuts en tant que scénariste. Il explique ce qu’il a appris avec chacun de ses confrères, du cinéaste Dino Risi aux scénaristes Age et Scarpelli en passant par l’acteur Massimo Troisi. Un entretien profond qui aborde plusieurs thèmes avec intérêt et qui dresse le portrait d’un cinéaste surdoué.

De la BD au grand écran par l’auteur de BD Charles Berbérian (20’) : Réalisé à l’occasion de cette nouvelle édition, cet entretien permet d’en savoir plus sur la genèse de Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ?, en particulier sur la bande-dessinée Topolino e il Pippotarzan de Romano Scarpa dont le film de Scola est en réalité un détournement. Si Charles Berbérian se penche sur les thèmes, sur la sortie reculée du film pendant dix ans, l’auteur s’égare quelque peu du sujet qui nous intéresse en parlant des adaptations de bandes-dessinées dans les années 60. Finalement, ce module bifurque maladroitement sur la promotion de son livre Cinerama, les meilleurs plus mauvais films.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et le teaser.

L’Image et le son

Voici donc le master restauré 2K de Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ?. L’image est plus qu’impeccable et le superbe générique l’atteste d’emblée. C’est net, les couleurs sont vives, étincelantes, les contrastes solides et les détails sont très appréciables. La propreté est également impressionnante, le grain original respecté, le piqué acéré et l’apport HD non négligeable sur les splendides paysages africains.

La piste mono italienne a été restaurée avec précision. Toutefois, les dialogues y sont moins dynamiques que sur la piste française, même si la merveilleuse partition musicale d’Armando Trovajoli, très représentative du film, est très bien lotie. Certains bruitages (comme les envolées de baffes) sont poussés à l’extrême et rappellent les films du duo Hill & Spencer. Le mixage français, également restauré (Bernard Blier se double lui-même), est plus criard avec des échanges trop mis à l’avant, au détriment des ambiances naturelles. L’éditeur joint également les sous-titres destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © SNC (Groupe M6) / SND / M6 Vidéo / Fondazione Scuola Nazionale Di Cinema / Rai Trade / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Divorce à l’italienne, réalisé par Pietro Germi

DIVORCE À L’ITALIENNE (Divorzio all’italiana) réalisé par Pietro Germi, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 7 novembre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Marcello Mastroianni, Daniela Rocca, Stefania Sandrelli, Leopoldo Trieste, Odoardo Spadaro, Margherita Girelli, Angela Cardile, Lando Buzzanca…

Scénario : Ennio De Concini, Pietro Germi, Alfredo Giannetti

Photographie : Leonida Barboni, Carlo Di Palma

Musique : Carlo Rustichelli

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Un noble sicilien est amoureux d’une magnifique jeune femme. Mais le divorce est illégal en Italie. Il concocte donc un « divorce à l’italienne » : surprendre sa femme dans les bras d’un amant, l’assassiner et, de bon droit, n’écoper que d’un minimum de prison…

Pietro Germi (1914-1974), comédien, réalisateur, producteur et scénariste plusieurs fois récompensé pour ses oeuvres dans les festivals du monde entier est aujourd’hui bien trop souvent oublié quand on évoque l’âge d’or du cinéma italien. Malgré une timidité maladive, Pietro Germi a toujours défendu un cinéma engagé et usait de son art comme d’un vecteur pour contester certaines moeurs de la société, tout en désirant avant toute chose divertir les spectateurs dans le drame ou dans la comédie. C’est le cas de Divorce à l’italienne, probablement le film le plus connu de son auteur.

Comme il le fera dans Séduite et abandonnée en 1966, Pietro Germi décrit les us et coutumes archaïques, ainsi que les comportements hypocrites qui reflètent une société ancrée, pour ne pas dire engluée, dans une tradition obsolète. Sommet de la comédie de mœurs, chef d’oeuvre absolu, Divorce à l’italienne est l’un des plus grands films italiens de tous les temps et permet à Marcello Mastroianni d’être enfin considéré comme un immense acteur d’un genre dans lequel le public avait encore du mal à l’identifier et même à l’accepter. Chose amusante et troublante, dans ce film son personnage se retrouve au cinéma pour aller voir La Dolce Vita de Federico Fellini, comme si les célèbres masques représentatifs du théâtre, l’un triste, l’autre riant, se faisaient face.

Comment détourner la loi qui interdit le divorce quand on est amoureux d’une attrayante personne ? Le baron Ferdinando Cefalù, noble sicilien, veut se remarier avec la jeune Angela. Mais comme le divorce est illégal en Italie, il fait tout pour que son épouse ait une aventure avec un autre homme, pour pouvoir les surprendre ensemble, la tuer et n’avoir qu’une peine légère pour crime d’honneur. La recherche de l’amant potentiel est une tâche ardue au regard de la laideur de la baronne.

Après Meurtre à l’italienne, titre français de Un maledetto imbroglio (1959), voici donc Divorce à l’italienne réalisé cette fois encore par de Pietro Germi et qui a permis à Marcello Mastroianni de recevoir le Golden Globe et le BAFTA du meilleur acteur la même année pour sa magnifique interprétation. A l’origine, le cinéaste ne pensait pas réaliser une comédie, registre qu’il n’avait jamais abordé frontalement. Pietro Germi voulait se pencher sur la question du « crime d’honneur ». En Italie, le divorce n’existait pas encore – il ne sera finalement voté au Parlement italien qu’en 1969 – et restait interdit. La vie d’un couple marié ne prenait fin qu’à la mort de l’un des deux conjoints. Sur ce postulat de départ, Pietro Germi et ses collaborateurs s’appuient sur l’article 587 du code pénal, qui prévoit pour un mari ou une femme trompé(e) une peine de trois à sept ans de prison s’il ou elle a tué pour venger son honneur. Selon Pietro Germi « Si son affaire est bien préparée, sa cause bien défendue, s’il se conduit bien en prison et bénéficie automatiquement d’une remise de peine, il se retrouve libre au bout de deux ans ».

Le jeu en vaut la chandelle alors pour ce noble, qui chamboulé par la juvénile Angela, sa cousine de 16 ans (!) décide de se débarrasser de sa femme à moustache (y compris frontale) en la poussant dans les bras d’un autre, après avoir lui-même rêvé de la trucider. Divorce à l’italienne bascule dans l’ironie et la satire sociale, sans jamais rendre le personnage de Marcello Mastroianni repoussant ou antipathique. Malgré tout ce qu’il entreprend, on l’aime ce pauvre baron qui commence à péter les plombs face à cette femme envahissante (géniale Daniela Rocca, enlaidie pour l’occasion), la sienne donc, qui se permet même de couper la parole à la voix-off !

C’est souvent le cas dans le cinéma de Pietro Germi, la foule, les habitants du quartier réunis autour d’un verre, s’amassent sur les trottoirs, en regardant une scène de ménage ici, en attendant là que quelqu’un passe à l’acte et ose enfin faire le premier pas. Car personne n’est dupe, tout le monde est au courant de la situation du baron Fernandino qui est un cas parmi tant d’autres, loin d’être le modèle de vertu que son statut social semble afficher.

Habitué au drame néoréaliste (le sublime Il Ferroviere – Le Disque rouge, le film préféré et le plus personnel du cinéaste) et aux intrigues policières (Au nom de la loi), Pietro Germi utilise les codes et la forme des genres qu’il a abordés dans le passé, pour les mettre au service d’une comédie, sur les conseils de son ami, le grand Mario Monicelli. Le regard sur son pays et ses concitoyens est le même, acéré. L’Italie archaïque mène à l’hystérie collective. Sur un montage percutant, le réalisateur enchaîne une série de quiproquos corrosifs, de répliques cinglantes, de rebondissements, de gags visuels déchaînés qui demeurent aussi frais qu’au premier jour, le tout joyeusement mis en musique par l’incontournable Carlo Rustichelli.

Avec son sens de l’observation aussi aiguisé que chaleureux et surtout en évitant de tomber dans la morale toute faite, Pietro Germi signe un véritable bijou du cinéma transalpin, élevant la comédie à l’italienne sur un indéboulonnable piédestal, illuminé par la beauté de Stefania Sandrelli et l’immense talent de Marcello Mastroianni. Divorce à l’italienne est récompensé par l’Oscar du meilleur scénario original, le Prix de la meilleure et devient le premier film estampillé « comédie à l’italienne ».

LE BLU-RAY

Plus de huit ans après une très belle édition DVD, Divorce à l’italienne débarque en Blu-ray, toujours chez M6 Vidéo qui a concocté à cette occasion un Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret de 24 pages. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur reprend l’exceptionnel documentaire intitulé Marcello Mastroianni, l’attrait d’un homme ordinaire (1h) qui rend hommage à cet immense artiste et homme exceptionnel. Ce module indispensable revient longuement sur la prolifique carrière du comédien à travers des extraits d’entretiens réalisés tout au long de sa vie. Intitulé en version originale « Le charme discret d’un homme comme les autres », ce reportage produit et diffusé sur la RAI dresse le portrait d’un acteur simple, humble et modeste, refusant d’être catalogué latin lover en remettant constamment son image en jeu. De nombreux cinéastes et comédiens de renom font leur apparition, en particulier Federico Fellini, Vittorio Gassman, Vittorio De Sica, Luchino Visconti et Marco Ferreri, lui rendant un hommage aussi sincère qu’émouvant, notamment lors des Prix d’interprétation ou pour l’ensemble de sa carrière que Marcello Mastroianni reçoit dans les dernières années de sa vie. Ce documentaire permet d’avoir un large panel des transformations physiques du comédien qui a marqué à jamais le cinéma. Ce segment se clôt sur les rares images de Marcello Mastroianni accompagné de sa fille Chiara lors de leur passage au Festival de Cannes.

Le nouveau supplément proposé par M6 Vidéo est un entretien avec Philippe Rouyer (25’). Le critique et historien du cinéma, membre du comité de rédaction de la revue Positif et en charge des pages cinéma du magazine Psychologies propose de réhabiliter le cinéaste Pietro Germi. Selon lui, « le réalisateur n’a pas la place qu’il mérite » et devrait apparaître auprès des noms plus prestigieux et souvent cités. Philippe Rouyer revient sur la carrière de Pietro Germi, croise le fond et la forme de Divorce à l’italienne, « un film d’une incroyable modernité […] avec un metteur en scène qui se fait plaisir ».

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces de Dommage que tu sois une canaille et de Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ?.

L’Image et le son

Le chef d’oeuvre de Pietro Germi est présenté en édition restaurée 2K. Un master HD très impressionnant. Contrairement à ce que la jaquette indique (et c’était déjà le cas sur le DVD), Divorce à l’italienne n’est pas proposé dans un format plein cadre 1.33 mais 1.85. Le transfert est irréprochable avec des contrastes fabuleux une stabilité irréprochable (le DVD s’accompagnait de légers défauts de compression et un tremblement d’image), une propreté sidérante, des noirs denses, des blancs lumineux, des détails à foison et un grain cinéma respecté. Les quelques micro-poussières et les décrochages sur les fondus enchaînés sont purement anecdotiques. Il s’agit probablement d’un des plus beaux Blu-ray sortis chez M6 Vidéo. Un véritable plaisir pour les yeux.

Divorce à l’italienne contient son lot de cris en tous genres. De ce fait, quelques saturations sont inévitables mais le mixage demeure d’excellente qualité avec de solides effets et un souffle qui ne se fait entendre qu’à deux reprises. Les voix des comédiens sont dynamiques, la musique bien mise en valeur et ce mixage italien en DTS-HD 2.0 restauré fait de véritables prouesses acoustiques. Pas de version française, mais les sous-titres pour les spectateurs sourds et malentendants.

Crédits images : © Les Films du Camélia / SND / M6 Vidéo / Rai Trade/Rai Teche / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Prédateur, réalisé par Dick Maas

PRÉDATEUR (Prooi) réalisé par Dick Maas, disponible en DVD et Blu-ray le 27 octobre 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Sophie van Winden, Mark Frost, Britte Lagcher, Abbey Hoes, Victor Löw, Mike Libanon, Kees Boot, Julian Looman…

Scénario : Dick Maas

Photographie : Lennert Hillege

Musique : Dick Maas

Durée : 1h47

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Vétérinaire au zoo d’Amsterdam, Lizzy est appelée par la police : on vient de découvrir les cadavres atrocement mutilés d’une famille. La jeune femme comprend rapidement que ces morts ont été causées par un fauve d’une taille et d’une férocité exceptionnelles. Alors que d’autres victimes sont découvertes, Lizzie fait appel à l’un de ses vieux amis, un ancien chasseur de lions. Mais le prédateur reste insaisissable et continue de semer la terreur…

Nous sommes en pleine série B. Seulement voilà, ce n’est pas n’importe quel réalisateur aux commandes. Prédateur – Prooi en version originale, est mis en scène par le célèbre Dick Maas, cinéaste culte pour beaucoup et précurseur du film d’épouvante aux Pays-Bas, l’auteur de L’Ascenseur (1983), Grand Prix au Festival d’Avoriaz en 1984, de sa suite réalisée en 2001 et surtout d’Amsterdamned (1988). Né en 1951, Dick Maas fait son retour derrière la caméra quatre ans après Quiz avec un petit film de genre bourré d’humour. Si l’on accepte le fait qu’un lion de 300 kilos et mesurant plus de deux mètres puisse se cacher dans les fourrés et échapper au système de surveillance le plus perfectionné, alors Prédateur est un vrai et génial divertissement. Le film a vraiment de la gueule et crée une vraie complicité avec son public.

La trentaine, Lizzy est vétérinaire au zoo d’Amsterdam. Un matin, la jeune femme est contactée par un policier, Olaf, qui sollicite son aide pour enquêter sur le massacre d’une famille d’agriculteurs. Selon elle, les victimes ont été attaquées par un lion mangeur d’hommes. Plus tard, un golfeur est retrouvé mutilé à son tour, également tué par l’animal sauvage. Alors que les morts s’accumulent et que la rumeur circule dans la ville, le chef de la police refuse de croire qu’un gigantesque lion est responsable de cette hécatombe et choisit de ne pas communiquer sur l’affaire. Malgré elle, Lizzy se retrouve à la tête d’une gigantesque battue organisée à travers la capitale néerlandaise afin de capturer ou anéantir à tout prix la bête surdimensionnée et sanguinaire. La vétérinaire contacte son ancien compagnon, un Britannique chasseur de fauves, pour mettre fin à ses agissements.

Prédateur est le film d’un vieux briscard qui connaît par coeur les rouages pour faire peur et surtout pour faire plaisir aux spectateurs avides de sensations fortes. Certes, ce qui faisait peur jadis prête souvent à rire aujourd’hui, c’est pour cela que Prooi mélange habilement et judicieusement effets gore et humour noir souvent jubilatoire. Rien de tout ceci n’est sérieux, Dick Maas le prévient d’emblée à l’instar de cette séquence en ouverture où un père de famille, se lève après avoir entendu un bruit étrange et aperçoit sa fille aînée dans la pénombre. Si le spectateur comprend qu’elle est en train de se faire dévorer, le père pense qu’elle est en train de faire une fellation à son petit-ami. Il n’est donc pas interdit de rire, surtout pas, c’est fait exprès et Dick Maas – également compositeur ici – a réalisé son film dans ce sens.

Amsterdam devient un plateau de jeu idéal pour y déplacer ses personnages et surtout son lion entièrement conçu – ou presque – en images de synthèse. Les effets spéciaux sont d’ailleurs fort limités, pour ne pas dire mauvais, mais peu importe puisque les apparitions du fauve se déroulent principalement de nuit avec juste les lampadaires pour l’éclairer fugitivement. Au passage, nul n’est épargné, y compris les enfants. Du point de vue des comédiens, nous retiendrons surtout la belle Sophie van Winden, qui rappelle à la fois Rachel McAdams et Kristin Scott Thomas, sur laquelle repose une très grande partie du film. Une actrice à connaître. Ses partenaires, l’anglais Mark Frost (impeccable en Indiana Jones improbable et pourtant spécialiste des félins) et le néerlandais Julian Looman, très amusant en caméraman chaud comme la braise, assurent également le spectacle.

Dick Maas est un malin. Pour son scénario, il s’inspire en grande partie du premier Jurassic Park et adapte littéralement les plus grands moments de ce film avec le lion qui remplace les dinosaures comme la poursuite de la jeep par le T-Rex, avec ici le félin qui court après un scooter (avec le reflet dans le rétro qui crée l’angoisse), la partie de cache-cache avec les raptors dans la cuisine et même l’appeau des brachiosaures qui fait écho ici dans la scène où le braconnier tente d’appâter le lion dans le parc. Cette relecture à la sauce hollandaise du chef d’oeuvre de Steven Spielberg ne révolutionne rien, mais démontre toute l’étendue du talent du réalisateur du début à la fin et l’ambiance est particulièrement prenante. Une réussite donc et un film fort sympathique.

LE BLU-RAY

Rimini Editions a eu la très bonne idée de sortir Prédateur dans les bacs, en DVD et Blu-ray. L’édition HD est disponible dans un boîtier classique de couleur noire et au visuel très attractif avec un lion qui « n’a pas une gueule de porte-bonheur ». Le menu principal est kitsch, animé et musical.

Seule la bande-annonce est disponible comme supplément, dommage.

L’Image et le son

Le Blu-ray est au format 1080i. Le film de Dick Maas est joliment photographié par Lennert Hillege et cette édition HD délivre son lot de couleurs vives et chatoyantes sur les séquences diurnes. Les détails sont convaincants aux quatre coins du cadre large et le piqué évident (surtout sur les teintes froides), même si les contrastes pèchent parfois par un manque de concision sur les scènes sombres. Certains flous sporadiques tout comme de sensibles fourmillements sont constatables (surtout sur les scènes avec le lion en CGI), notamment au niveau des visages des comédiens, mais demeurent subliminaux et n’entravent en rien le visionnage. La clarté est de mise, le relief notable, la propreté incontestable et la définition élégante. Que demander de plus ?

Pas de pistes 5.1 pour les langues néerlandaise et française. Juste de la Stéréo, mais heureusement, le confort acoustique est assuré avec une belle délivrance de la musique de Dick Maas, des grognements du félin, des dialogues et des effets particulièrement dynamiques. La version originale est évidemment à privilégier.

Crédits images : © Shooting Star Filmcompany & Parachute Pictures 2016 / Rimini Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Au poste !, réalisé par Quentin Dupieux

AU POSTE ! réalisé par Quentin Dupieux, disponible en DVD et Blu-ray le 14 novembre 2018 chez Diaphana

Acteurs : Benoît Poelvoorde, Grégoire Ludig, Marc Fraize, Anaïs Demoustier, Orelsan, Philippe Duquesne, Jacky Lambert, Jeanne Rosa…

Scénario : Quentin Dupieux

Photographie : Quentin Dupieux

Musique : David Sztanke

Durée : 1h10

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Un poste de police. Un tête-à-tête, en garde à vue, entre un commissaire et son suspect.

Le postulat de départ est simple. Le traitement également. Pourtant, Au poste ! de Quentin Dupieux est tout aussi inclassable et décalé que ses films précédents. L’exxxxcellent réalisateur de Wrong Cops, Steak, Rubber et Réalité livre sa nouvelle pépite nonsensique et frappadingue. Scénariste, chef opérateur, monteur, metteur en scène, Quentin Dupieux laisse pour une fois la musique, présente uniquement à la fin, à David Sztanke. L’homme-orchestre également connu sous le nom de Mr. Oizo ne déçoit pas pour son retour en France et Au poste ! est absolument jouissif de bout en bout et enchaîne les numéros d’acteurs de Benoît Poelvoorde, Grégoire Ludig et Marc Fraize (révélation du déjà culte Problemos d’Eric Judor) comme des perles sur un collier durant 70 minutes.

Le commissaire Buron est chargé d’enquêter sur le meurtre d’un homme retrouvé gisant dans son sang par Fugain. Celui-ci est logiquement considéré comme le principal suspect, il s’ensuit alors un interrogatoire qui va durer toute la nuit.

S’il n’atteint pas les grandes réussites de Wrong Cops et de Rubber, Quentin Dupieux reste fidèle à son univers. Si la présence du duo Poelvoorde/Ludig en tête d’affiche témoigne peut-être d’une volonté de toucher un plus large public, le réalisateur ne se laisse pas aller à la facilité. Au poste ! lui permet de rendre hommage aux comédies françaises des années 1980, mais aussi et surtout aux films policiers de la même période. Une volonté annoncée dès l’affiche qui détourne celle très célèbre de Peur sur la ville, chef d’oeuvre d’Henri Verneuil sorti en 1975. Quasi huis clos, Au poste ! a été tourné dans les locaux de l’Espace Niemeyer, le siège du Parti communiste français. Les plafonds bas reconnaissables, les couleurs du même acabit, donnent au film un cachet vintage, tout comme les costumes, les partis pris esthétiques et les accessoires. Un film hors du temps, on pourrait même dire hors de l’espace avec Quentin Dupieux aux commandes. Les quelques séquences tournées en extérieur appuient également ces volontés artistiques, puisque le cinéaste privilégie une architecture seventies.

Raconter un film de Quentin Dupieux c’est se plier à un exercice difficile, voire impossible. Au Poste ! fourmille de mots d’auteurs, de situations invraisemblables, quasi-fantastiques. Le quotidien n’est pas banal chez Dupieux. Même les personnages semblent se rendre compte eux-mêmes que quelque chose cloche dans ce qu’ils disent ou dans ce qui se passe autour d’eux, sans pour autant remettre en question les évènements. Si l’on pense évidemment au formidable Garde à vue de Claude Miller lors de cette confrontation entre un flic retors (Benoît Poelvoorde, toujours sublime) et un homme suspecté dans une affaire de meurtre (Grégoire Ludig, très attachant en mode Droopy à moustache), Quentin Dupieux mêle surtout l’humour anglo-saxon des Monty Python à celui dit « franchouillard » de la troupe du Splendid. Le personnage incarné par Anaïs Demoustier a d’ailleurs été pensé dans ce sens puisque le cinéaste avoue s’être inspiré de Zézette dans Le Père Noël est une ordure.

Ce qui pourrait alors donner un gloubi-boulga indigeste dans certaines mains, prend ici la saveur d’un minestrone soigné et concocté par un véritable chef. A l’instar de cet énigmatique chef d’orchestre en slip qui dirige ses musiciens lors de l’introduction du film, Quentin Dupieux reste le maestro de son film et ses comédiens, tous formidables vraiment, font leur numéro « habituel » (rien de péjoratif à dire cela), tout en conservant une spontanéité avec l’air de se demander eux-mêmes ou tout cela va les mener ou si ce qu’ils viennent de dire a du sens. Au poste ! combine à la fois le populaire et l’expérimental, et n’a pas peur de laisser certains spectateurs sur le bas-côté puisque de toute façon la destination (ça passe ou ça casse) ne plaira pas à tout le monde de toute façon. Mais c’est un OFNI c’est pour ça.

LE DVD

Le test du DVD d’Au poste !, disponible chez Diaphana, été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

Cette édition se compose tout d’abord d’un commentaire audio du réalisateur. « Bonjour, c’est Quentin ! » dit Dupieux, visiblement surpris qu’on lui ait demandé de se plier à cet exercice. « Voici tout d’abord les mentions ennuyeuses, mais ce sont des gens qu’on respecte tout de même » introduit ce commentaire sympathique, à défaut d’être passionnant. Revoir le film en compagnie de son auteur est assez marrant, surtout que Dupieux est visiblement son premier spectateur et ne cesse de dire tout le bien qu’il pense de ses formidables comédiens. Les répétitions, les conditions de tournage, l’écriture du scénario, ses références, les partis pris, tous ces éléments sont distillés sur 1h10, sans véritable temps mort.

En plus de la bande-annonce, nous trouvons également un module de 11 minutes consacré aux essais et répétitions des comédiens Benoît Poelvoorde, Grégoire Ludig et Marc Fraize.

Bonus caché : Dans le menu des suppléments, positionnez-vous sur « Le film commenté par Quentin Dupieux » puis appuyez sur la flèche du haut. Un point d’interrogation apparaît. Validez. Si l’on se demande tout d’abord où tout cela va nous mener, le personnage de Marc Fraize apparaît sans prévenir (1′).

L’Image et le son

Pour la photo, Quentin Dupieux s’inspire du look vintage des bureaux des années 1970. Les couleurs sont chaudes, dorées, ambrées. Le piqué n’est pas le point fort de cette édition et la définition laisse parfois à désirer. Finalement, ce sont les rares séquences tournées en extérieur qui s’en sortent le mieux, même si cela reste très médiocre dans l’ensemble.

La piste 2.0 instaure un confort acoustique agréable. Les dialogues sont parfaitement clairs et distincts. Si vous avez sélectionné la version Dolby Digital 5.1, les ambiances restent très limitées puisque l’essentiel du film se déroule dans le bureau du commissaire. A part pour l’ouverture avec l’orchestre et le générique de fin, cette option acoustique reste très facultative. Les sous-titres destinés aux spectateurs sourds et malentendants sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Diaphana Distribution / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Max mon amour, réalisé par Nagisa Ôshima

MAX MON AMOUR réalisé par Nagisa Ôshima, disponible en combo Blu-ray/DVD le 25 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Charlotte Rampling, Anthony Higgins, Victoria Abril, Anne-Marie Besse, Nicole Calfan, Pierre Étaix, Bernard Haller, Sabine Haudepin, Fabrice Luchini, Bernard-Pierre Donnadieu…

Scénario : Jean-Claude Carrière, Nagisa Ôshima

Photographie : Raoul Coutard

Musique : Michel Portal

Durée : 1h38

Date de sortie initiale : 1986

LE FILM

Peter, diplomate anglais en poste à Paris, s’aperçoit que sa femme a des rendez-vous secrets. Il la fait suivre. Le détective engagé par ses soins lui apprend qu’elle a loué un appartement, mais qu’il n’a jamais vu l’amant supposé qui s’y cache. Peter obtient un double de la clé…

Nagisa Oshima (1932-2013) est mondialement célèbre pour Nuit et brouillard du Japon (1960), Furyo (1983) et bien évidemment L’Empire des sens (1976). Les films du réalisateur japonais, diplômé en droit, politiques et transgressifs, auront toujours été accompagnés d’un parfum de scandale. Pour son unique incursion dans le cinéma français, le cinéaste s’associe à l’immense Jean-Claude Carrière. Dix ans après L’Empire des sens et sa suite L’Empire de la passion réalisée deux ans plus tard, Nagisa Oshima se penche sur le désir féminin avec Max mon amour, qui n’est pas sans rappeler l’univers de Luis Buñuel, Carrière faisant évidemment le lien, ainsi que le producteur Serge Silberman (Le Charme discret de la bourgeoisie, Cet obscur objet du désir).

Peter Jones est un brillant diplomate britannique posté à Paris, marié à une très belle femme, Margaret, et, théoriquement, heureux. Cependant, Peter découvre, avec l’aide d’un détective, que, les après-midi où elle prétend voir son amie Hélène, Margaret se rend en réalité à un appartement qu’elle a loué. Un jour, Peter va donc la surprendre sur place, croyant qu’il va la trouver avec son amant. Quelle n’est pas sa surprise de trouver Margaret au lit avec un… chimpanzé! Margaret affirme avoir des rapports sexuels et romantiques avec l’animal et ne pas vouloir s’en séparer, quitte à mettre en danger sa vie de famille. Voyant que Margaret est profondément attachée à cet être, Peter propose à sa femme de faire emménager Max, c’est le nom qu’elle a donné au singe, chez eux. Mais peu à peu, Peter s’aperçoit que cette solution n’était pas la bonne: il n’a pas du tout reconquis son épouse et voit bien qu’elle aime Max encore plus que lui.

Qui connaît la vérité à part toi ?

Quel film étrange ! Comment aborder Max mon amour ? Et pourquoi en divulguer plus que son postulat de départ ? En à peine dix minutes, Nagisa Oshima dresse le décor, un grand appartement bourgeois parisien, ses personnages, le grain de sable qui va faire gripper la machine trop bien installée de cette vie déconnectée des réalités. Connaissant la réputation qui le précède suite au triomphe international de L’Empire des sens, le cinéaste va jouer avec l’attente des spectateurs, qui comme le personnage de Peter, ne demande qu’à voir et à découvrir ce qui se cache réellement derrière la porte. Nagisa Oshima se penche sur la question du modèle sexuel, les conventions, les fantasmes impénétrables chez l’être humain, sur la sexualité féminine, sur l’incapacité des hommes à comprendre le sexe opposé. Max mon amour est une œuvre expérimentale, quasi-unique en son genre, pour ainsi dire inclassable.

Il n’est pas interdit de rire devant cette histoire invraisemblable et absurde, d’autant plus que Nagisa Oshima et Jean-Claude Carrière reprennent les codes du vaudeville, le tout violemment éclairé par le grand directeur de la photographie Raoul Coutard, qui accentue le côté surréaliste et frontal des évènements. L’appartement devient une scène d’opéra bouffe avec les portes qui claquent, les protagonistes qui déambulent d’un côté à l’autre du décor principal ou qui essayent de regarder par le trou de la serrure pour tenter d’y apercevoir ce qu’on évertue à leur dissimuler, comme le symbolise le générique de l’immense Maurice Binder avec les comédiens présentés à travers cet alvéole en question. Nagisa Oshima interroge le spectateur sur son propre voyeurisme, sur ce qu’il est prêt à faire pour connaître le fin mot de l’histoire, sur l’animal qui sommeille en chacun de nous.

Tu ne m’as jamais aimé ainsi…

La musique jazzy discrète de Michel Portal, souligne délicatement ce malaise ressenti par le mari. A ce titre, l’audience se met alors dans la peau de Peter, excellemment interprété par le méconnu Anthony Higgins (Une messe pour Dracula, Meurtre dans un jardin anglais), qui entre colère, espoir et résignation, va progressivement accepter la présence de cet être atypique, pour éviter que son couple se déchire et que son foyer vole en éclats. Si Max mon amour reste et demeure un film troublant et énigmatique, c’est aussi et surtout grâce à la composition magnétique de Charlotte Rampling, à la fois désirable, choquante, empathique et repoussante. Le reste du casting est au diapason, notamment Victoria Abril, juste avant sa collaboration avec Pedro Almodóvar, mais aussi Fabrice Luchini, Nicole Calfan, Pierre Étaix, Bernard-Pierre Donnadieu et l’inoubliable apparition de Sabine Haudepin, sommet d’érotisme quand elle se retrouve nue devant le chimpanzé. Pour l’anecdote, Max est une combinaison parfaite entre un véritable singe, une marionnette et surtout la participation de la chorégraphe Ailsa Berk glissée dans un costume très réaliste, qui avait déjà travaillé sur Le Retour du Jedi et surtout Greystoke, la légende de Tarzan, dans lequel elle jouait Kala.

Dans Max mon amour, le spectateur ne cesse d’être ballotté d’un sentiment à l’autre. On ne criera pas au chef d’oeuvre, la mise en scène est d’ailleurs très discrète, mais force est d’admettre que plus de trente ans après sa sortie, la fable burlesque et douce-amère d’Oshima n’a rien perdu de son mystère et c’est ce qui en fait la marque des grands films.

LE BLU-RAY

Max mon amour est le numéro 1 de la collection Make my Day supervisée par l’un de nos meilleurs critiques cinéma, Jean-Baptiste Thoret. Comme pour Sans mobile apparent, Six femmes pour l’assassin et Aux frontières de l’aube et La Mort a pondu un œuf, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir Max mon amour, film rare, dans d’excellentes conditions. Le film de Nagisa Oshima est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (7’). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante Max mon amour dans son contexte, dans la filmographie de Nagisa Oshima et évoque les conditions de tournage. La genèse et les thèmes du film, mais également ce qui en fait son « étrangeté et son pouvoir de fascination », le casting, le rapport au spectateur, sont abordés sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

Le même Thoret revient, sa voix du moins, à travers un essai vidéo sur le générique de Maurice Binder et les dix premières minutes de Max mon amour (10’30). L’historien du cinéma et critique se livre à une très brillante et passionnante analyse de l’exposition du film de Nagisa Oshima, judicieusement intitulée Par le petit trou de la serrure.

Jean-Baptiste Thoret est ensuite allé à la rencontre de Jean-Claude Carrière, Charles Tesson et Michel Portal (52’). Le premier, éminent scénariste, partage ses souvenirs sur l’écriture de Max mon amour, mais aussi sur sa rencontre et le travail avec Nagisa Oshima. Le second, critique et historien du cinéma, dresse un parallèle entre Max mon amour et l’oeuvre de Luis Buñuel et propose une analyse du fond et de la forme du film de Nagisa Oshima. Le troisième, compositeur et musicien, saxophoniste et clarinettiste de jazz, intervient cinq minutes avant la fin du module. Il explique comment le thème principal a été trouvé, avant de nous le rejouer en live. Au cours de ces entretiens croisés, sont abordés le mauvais accueil du film au Festival de Cannes, les partis pris du réalisateur, la théâtralité des décors, les thèmes, la psychologie des personnages, etc.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

On craint tout d’abord durant le générique que les couleurs soient trop sombres ou fanées. Puis, tout s’améliore immédiatement après. L’appartement bourgeois regorge de détails, c’est clinquant, lumineux. La propreté de la copie n’est jamais prise en défaut, le master est stable, les noirs denses, le piqué impressionnant. Même chose en ce qui concerne les nombreux gros plans des comédiens, dont on peut distinguer toutes les (im)perfections. Cette édition Haute-Définition rend obsolète le DVD édité par Studiocanal en 2009. Superbe restauration.

Max mon amour combine à la fois les langues anglaise et française. L’écoute Stéréo est très agréable, riche, y compris dans ses silences. Les dialogues ne manquent pas de clarté. L’éditeur joint également les sous-titres français, destinés au public sourd et malentendant.

Test DVD / Comment tuer sa mère, réalisé par David Diane et Morgan Spillemaecker

COMMENT TUER SA MÈRE réalisé par David Diane et Morgan Spillemaecker, disponible en DVD le 17 octobre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Vincent Desagnat, Chantal Ladesou, Julien Arruti, Joséphine Drai…

Scénario : Morgan Spillemaecker d’après sa pièce coécrite avec Amanda Sthers

Photographie : Antoine Marteau

Durée : 1h16

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Dans la famille Mauret, les trois enfants n’avaient certainement pas demandé une mère aussi odieuse, déjantée… et dépensière ! Pour Nico, l’ainé, qui les entretient tous, c’en est trop ! Il propose à Ben, son jeune frère fainéant, et à Fanny, sa sœur complètement dépassée, une solution radicale : assassiner leur mère pendant le traditionnel déjeuner du samedi…

Comment tuer sa mère aurait pu s’intituler « Réalise ton film mon pote ». En effet derrière la caméra, on retrouve un dénommé David Diane, assistant réalisateur d’un certain Philippe Lacheau sur les deux Babysitting, Alibi.com et en ce moment sur Nicky Larson, mais également sur l’infect Épouse-moi mon pote de Tarek Boudali. Comment tuer sa mère est donc le film de l’ami de machin qui s’est dit « moi aussi je peux le faire ». Si les comédies de Philippe Lacheau représentent ce qui peut se faire de pire dans le cinéma français des années 2010, attendez de voir Comment tuer sa mère qui se permet de repousser les limites. Autant le dire d’emblée, il s’agit d’un des pires films de ces dernières années.

Même s’il n’est pas signé de La Bande à Fifi, cette dernière continue de déverser ses trucs sans forme dans les salles. Mais cette fois, le film a connu un sacré bide commercial et a été retiré des cinémas avant même que la colle des affiches soit sèche. En parlant de La Bande à Fifi, promis nous n’en parlerons plus après, nous retrouvons également trois comédiens complices de Philippe Lacheau. Vincent Desagnat, Julien Arruti et Joséphine Draï s’étaient déjà donné la réplique dans les « films » de leur complice. Nous sommes donc bel et bien dans le Lacheau Cinematic Universe.

Comment tuer sa mère est l’adaptation de la pièce de théâtre à succès Conseil de famille d’Amanda Sthers et Morgan Spillemaecker. Ce dernier co-réalise cette transposition, tandis qu’Eva Darlan, qui interprétait le rôle de la mère sur scène, se voit remplacer par Chantal Ladesou. Cette dernière s’en donne à coeur joie dans la vulgarité et l’outrance, à tel point qu’elle parvient à surpasser le jeu déjà éhonté de ses jeunes camarades avec leurs yeux qui roulent et leurs (mauvaises) répliques qui tombent toutes à plat. Qui plus est, on se demande où ont bien pu passer les trois millions de budget puisque le film semble avoir été tourné au Franprix de proximité et dans la maison de ta grand-mère à Saint-Maur.

Absolument repoussants, les partis pris sont finalement dans le ton du jeu des comédiens et dans l’écriture exécrable des dialogues et des situations. Les scènes ont été raccordées par un monteur qui possède sûrement des moignons à la place des mains, un gamin de cinq ans a vraisemblablement joué avec les manettes de l’étalonnage, la musique pouêt-pouêt surligne chaque gag gras comme le chien de la famille qui se lèche constamment les parties génitales. Certaines séquences sont particulièrement gênantes, à l’instar de la mère qui, afin d’aider son fils Ben à faire son coming-out, ne trouve rien de mieux que de mimer une sodomie en le poussant contre le canapé.

76 minutes infernales, interminables, durant lesquelles on se demande constamment comment une telle entreprise, un aussi mauvais théâtre de boulevard filmé avec les pieds a pu voir le jour et surtout comment les « scénaristes » ont pu faire valider pareilles ignominies et un humour aussi rance. Finalement, Comment tuer sa mère est une expérience de cinéma à part entière, qui compile tout ce qui se fait de pire en matière de comédie « à la française ».

LE DVD

Comment tuer sa mère est disponible chez M6 Vidéo, uniquement en DVD. Le test a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur quelques scènes du film.

La galette contient la bande-annonce du film, qui résume toute l’histoire, ainsi qu’un entretien avec les quatre acteurs principaux d’un côté et le coréalisateur Morgan Spillemaecker de l’autre (9’). Chacun essaye de parler des personnages et de leurs motivations, mais ce qu’il en ressort c’est que toute l’équipe s’entend bien et qu’ils buvaient pas mal de champagne sur le plateau. Autant dire que ce module n’a strictement aucun intérêt, surtout que les propos se trouvent constamment entrecoupés par de longs extraits du film.

L’Image et le son

L’éditeur ne s’est pas foulé, mais en même temps comment arranger des partis pris esthétiques déjà très moches à la base ? L’image manque singulièrement de piqué, les couleurs sont chaudes mais dénaturent tous les détails, la définition est très moyenne. Rien de plus à ajouter.

La piste Dolby Digital 5.1 est essentiellement frontale, d’autant plus que l’action (ou l’absence d’action plutôt) se déroule exclusivement dans la maison familiale. Les latérales se réveillent pour spatialiser la musique qui appuie les « gags ». L’éditeur joint également une piste Audiodescription et les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Test Blu-ray / Archimède le clochard, réalisé par Gilles Grangier

ARCHIMÈDE LE CLOCHARD réalisé par Gilles Grangier, disponible en Édition Digibook Blu-ray + DVD + Livret le 22 octobre 2018 chez Coin de mire Cinéma

Acteurs : Jean Gabin, Darry Cowl, Bernard Blier, Noël Roquevert, Julien Carette, Dora Doll, Jacqueline Maillant, Paul Frankeur, Jacques Marin…

Scénario : Albert Valentin, Gilles Grangier, Michel Audiard d’après une idée originale de Jean Gabin

Photographie : Louis Page

Musique : Jean Prodromidès

Durée : 1h24

Date de sortie initiale : 1959

LE FILM

Archimède, un clochard atypique se refusant à dormir sous les ponts, décide pour passer l’hiver de se faire enfermer en prison. À cette fin et après plusieurs essais infructueux, il décide de mettre à sac son bistrot favori. Mais malgré tous ses efforts, son temps de prison est bien trop court à son goût. Relâché, il va bien falloir trouver une solution pour passer l’hiver au chaud. Entretemps, son bistrot a changé de propriétaire et le nouveau patron n’est pas aussi docile que l’ancien mais Archimède, bien né et très cultivé, a plus d’un tour dans son sac.

Cette seconde bouteille, tu la sors de la glace ? C’est pas le Nautilus !

Archimède le clochard est un film qui me tient particulièrement à coeur puisqu’il s’agit du préféré de mon père. Le dialogue n’était pas le fort de la famille. Mon père né en Eure-et-Loir, fils de métayer, taiseux, était passionné par le cinéma français des années 1950-60. A la maison, nous ne parlions pas vraiment et à table durant le repas, la télé diffusait toujours un film sélectionné par mon père. Archimède le clochard de Gilles Grangier (1911-1996) revenait très souvent. J’ai appris à communiquer avec mon père à travers les films qu’il aimait, apprenait ce qui le faisait rire ainsi, ce qui l’interpellait, lui qui n’exprimait jamais ou très peu ses sentiments. Quelque part, Archimède le clochard a donc forgé ma cinéphilie, ainsi que tous les films avec Jean Gabin ou de Gilles Grangier, tout le cinéma français de 1950 à 1980. Rétrospectivement, cette sixième collaboration (sur douze au total) entre le comédien et le réalisateur est leur plus grand succès en commun avec plus de quatre millions d’entrées en France et le septième de toute la carrière de Jean Gabin.

De la posologie au veuvage, ce n’est qu’une question de gouttes !

Depuis La Vierge du Rhin en 1953, Jean Gabin et Gilles Grangier ont enchaîné les films et les succès avec Gas-oil (1955), Le Sang à la tête (1956), Le rouge est mis (1957), Le Désordre et la nuit (1958). Ce dernier, méconnu, est pourtant un des meilleurs films du binôme. Cette adaptation du roman de Jacques Robert coécrite entre autres par Michel Audiard, qui signe également les excellents dialogues du film, est à redécouvrir et à réhabiliter absolument. Désireux de s’amuser un peu et de se débarrasser d’un de ses rôles les plus singuliers et sombres, celui d’un flic porté sur la boisson, qui s’éprend d’une très jeune toxicomane, Jean Gabin a lui-même l’idée d’Archimède le clochard. Le générique indique d’ailleurs « d’après une idée originale de Jean Moncorgé », le vrai nom du comédien.

Il y interprète un clochard bien élevé et très cultivé, contraint de quitter l’immeuble en construction où il avait élu domicile, en raison du grondement des machines. L’hiver s’annonce particulièrement rude. Ennemi farouche du travail et du bruit, il imagine un plan pour se faire emprisonner et passer ainsi la mauvaise saison au chaud. Il s’emploie tout d’abord à saccager un café, mais la maréchaussée ne juge pas utile de l’incarcérer. Il s’attaque alors à un défilé militaire, avant de provoquer un scandale dans le métro. Rien à faire, les autorités refusent de réagir. Le monde douillet de la prison se refuse à Archimède, qui n’a plus que ses citations d’auteurs et son gros rouge pour se protéger des premiers frimas de l’hiver.

Archimède : Il est tiède !
Pichon : Vous voulez de la glace ?
Archimède : Tout corps plongé dans un liquide subit une poussée de bas en haut égale au poids du volume de liquide déplacé. Pas de glace !

Archimède le clochard est un sommet dans l’association Gabin/Grangier. Sur de magnifiques dialogues signés Michel Audiard, le comédien livre une de ses plus grandes prestations et enchaîne les punchlines, chante pour le plaisir sans faire l’aumône, enchaîne les danses endiablées, parvient à dérider les bourgeois coincés au cours d’une surprise-partie. S’il se fait un petit pécule, il n’hésite pas à payer une bouteille (ou deux) de Bollinger à ses amis ouvriers des Halles. Avec son répondant, son éducation qu’on imagine noble (son véritable nom Joseph Hugues Guillaume Boutier de Blainville est d’ailleurs évoqué), capable de moucher un petit mec hautain avec quelques vers d’Apollinaire (« Mon beau navire ô ma mémoire, Avons-nous assez navigué, Dans une onde mauvaise à boire, Avons-nous assez divagué, De la belle aube au triste soir »), Archimède a décidé de se mettre volontairement en retrait de la société, en rejetant les institutions, luttant quotidiennement contre l’asservissement, tout en profitant de ce que la vie a de mieux à offrir.

Gabin se métamorphose, tout en restant lui-même et la fraîcheur de son jeu reste encore hallucinante soixante ans après la sortie du film. Il est également savamment épaulé par les trognes et le talent de Darry Cowl, Julien Carette, Bernard Blier et Paul Frankeur, sans oublier la débutante Jacqueline Maillan et le charme de Dora Doll. Assisté à la mise en scène par un jeune Jacques Deray, Gilles Grangier se met certes au service de son acteur, mais livre en même temps le témoignage du Paris d’époque avec ses rues de plus en plus agitées, ses habitants qui commençaient à courir dans tous les sens, ses métros bondés. A sa sortie, Archimède le clochard est un triomphe et Jean Gabin remporte l’Ours d’argent du meilleur acteur au Festival international du film de Berlin de 1959.

(A mon père)

LE DIGIBOOK

C’est la révélation de l’année. Fondateur de la structure indépendante Coin de mire Cinéma, Thierry Blondeau est un autodidacte, un cinéphile passionné et grand collectionneur (plus de 10.000 titres dans sa DVDthèque) qui a décidé de se lancer dans le marché de la vidéo dans le but d’éditer des films qu’il désirait voir débarquer dans les bacs depuis longtemps. Prenant son courage à deux mains, essuyant le refus de la plupart des éditeurs qui riaient devant son projet, Thierry Blondeau ne s’est jamais découragé. Son envie et son amour infini pour le cinéma et le support DVD/Blu-ray ont porté leurs fruits. Voilà donc la collection « La Séance » qui s’ouvre le 22 octobre 2018 avec six titres : Les Amants du Tage et Des gens sans importance d’Henri Verneuil, Si tous les gars du monde… de Christian-Jaque, Porte des Lilas de René Clair, Les Grandes familles de Denys De La Patellière et Archimède le clochard de Gilles Grangier. Inédits en Blu-ray, ces titres seront édités à 3000 exemplaires.

Coin de mire Cinéma a d’ores et déjà annoncé les sorties de Paris est toujours Paris de Luciano Emmer, Le Cas du Docteur Laurent de Jean-Paul le Chanois, Des Pissenlits par la racine de Georges Lautner, Le Train de John Frankenheimer (en co-édition avec L’Atelier d’images), La Grosse caisse d’Alex Joffé et L’Affaire Dominici de Claude Bernard Aubert. Chaque restauration sera assurée par TF1 en collaboration avec le CNC. Ont également participé à la réalisation de ce projet L’Atelier d’images (entre autres Hugues Peysson et Jérôme Wybon), Celluloïd Angels, Intemporel et Slumberland. Signalons que chaque titre est annoncé au tarif de 32€, disponible à la vente sur internet et dans certains magasins spécialisés à l’instar de Metaluna Store tenu par l’ami Bruno Terrier, rue Dante à Paris.

L’édition prend la forme d’un Digibook (14,5cm x 19,5cm) suprêmement élégant. Le visuel est très recherché et indique à la fois le nom de l’éditeur, le titre du film en lettres d’or, le nom des acteurs principaux, celui du réalisateur, la restauration (HD ou 4K selon les titres), ainsi que l’intitulé de la collection. L’intérieur du Digibook est constitué de deux disques, le DVD et Blu-ray, glissés dans un emplacement inrayable. Une marque est indiquée afin que l’acheteur puisse y coller son numéro d’exemplaire disposé sur le flyer volant du combo, par ailleurs reproduit dans le livret. Deux pochettes solides contiennent des reproductions de dix photos d’exploitation d’époque (sur papier glacé) et de l’affiche du film au format A4. Le livret de 24 pages de cette édition contient également la filmographie de Gilles Grangier avec le film qui nous intéresse mis en surbrillance afin de le distinguer des autres titres, de la reproduction du dossier de presse original et d’articles divers. Le menu principal est fixe et musical.

Si vous décidez d’enclencher le film directement. L’éditeur propose de reconstituer une séance d’époque. Une fois cette option sélectionnée, les actualités Pathé du moment démarrent alors, suivies de la bande-annonce d’un film, puis des publicités d’avant-programme, réunies grâce au travail de titan d’un autre grand collectionneur et organisateur de l’événement La Nuit des Publivores. Le film démarre une fois que le salut du petit Jean Mineur (Balzac 00.01).

L’édition d’Archimède le clochard contient donc les actualités de la 15^e semaine 1959 comme l’inauguration d’une nouvelle ligne de métro à Tokyo, une inondation à Madagascar, une italienne qui a ouvert une pension de famille pour chats perdus (500 pensionnaires) ou un cygne moscovite qui voue un amour fou à l’homme qui l’a recueilli (9’).

Ne manquez pas les formidables réclames de l’année 1959 avec une publicité inventive pour les bonbons de La Pie qui chante, une autre pour un bâtonnet glacé au Grand Marnier (« en vente dans cette salle »), une pub pour le café avec Henri Salvador ou une autre pour une cuisinière Arthur Martin dernier cri (8’).

La bande-annonce d’Archimède le clochard et celles des cinq autres titres de la collection édités le 22 octobre sont également disponibles.

L’Image et le son

Archimède le clochard était jusqu’alors disponible en DVD chez René Chateau, dans une édition sortie en septembre 2000 quasiment épuisée. Pour son arrivée dans l’escarcelle de Coin de mire Cinéma, le film de Gilles Grangier a été restauré en Haute-Définition. Si la stabilité de l’image ne fait aucun doute, la restauration n’a pas été poussée comme nous pouvions l’espérer puisqu’il reste pas mal de dépôts résiduels, de scories, de griffures, de points et des rayures verticales. Les contrastes retrouvent de leur superbe, ainsi que la luminosité de la copie qui fait franchement plaisir. Notons tout de même quelques champs-contrechamps à la définition aléatoire, qui s’accompagnent parfois de flous sporadiques. Le grain argentique est heureusement conservé et bien géré.Le Blu-ray est au format 1080p.

Aucun souci acoustique constaté sur ce mixage DTS-HD Master Audio Mono 2.0. Le confort phonique de cette piste unique est indéniable, les dialogues sont clairs et nets. Si quelques saturations demeurent inévitables, la musique est joliment délivrée et aucun craquement intempestif ne vient perturber l’oreille des spectateurs. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.