Test Blu-ray / Rendez-vous, réalisé par André Téchiné

RENDEZ-VOUS réalisé par André Téchiné, disponible en DVD et Blu-ray le 11 mars 2020 chez Carlotta Films.

Acteurs : Lambert Wilson, Juliette Binoche, Wadeck Stanczak, Jean-Louis Trintignant, Dominique Lavanant, Anne Wiazemsky, Jean-Louis Vitrac, Jacques Nolot…

Scénario : André Téchiné, Olivier Assayas

Photographie : Rénato Berta

Musique : Philippe Sarde

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 1985

LE FILM

Paulot et Quentin accueillent dans leur appartement Nina, jeune comédienne. Fascinée par Quentin, être inquiétant et possessif, elle refuse l’amour que lui voue Paulot. Un événement tragique transformera cet attrait déchirant en véritable hantise.

Si Rendez-vous, le sixième long métrage d’André Téchiné, est passé à la postérité, c’est en raison de Juliette Binoche, la grande révélation du film. Agée de 20 ans, la comédienne est alors à l’affiche de Je vous salue, Marie de Jean-Luc Godard, de La Vie de famille de Jacques Doillon, des Nanas d’Annick Lanoë, d’Adieu blaireau de Bob Decout, Le Meilleur de la Vie de Renaud Victor, tous sortis en 1985. Mais c’est avec Rendez-vous que tout arrive et que l’actrice prend son envol avec un rôle qui lui vaudra le Prix Romy-Schneider. Depuis, Juliette Binoche n’a jamais cessé d’enchaîner les tournages à travers le monde. Mais pour l’heure, Rendez-vous d’André Téchiné est une histoire d’amour aux personnages sombres et tourmentés, qui interpellent, mais qui irritent aussi et surtout en raison d’une direction d’acteurs pour le moins étonnante, caractéristique du cinéaste, qui a aujourd’hui considérablement vieilli et qui peine à maintenir l’intérêt 35 ans après sa sortie. Du coup, on ne peut s’empêcher de trouver le film bourré de tics et de clichés, qui finissent par prendre le dessus, malgré toute la bonne volonté du spectateur. Demeurent l’immense sensibilité de la diaphane comédienne, qui se jette à corps perdu (y compris nu) dans cette romance jusqu’au-boutiste dans laquelle émerge également Lambert Wilson. Rendez-vous reste une curiosité bien ancrée dans les années 1980, mais dire que l’oeuvre d’André Téchiné a su résister aux années et même aux décennies, serait mentir.

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Test Blu-ray / Souvenirs d’en France, réalisé par André Téchiné

SOUVENIRS D’EN FRANCE réalisé par André Téchiné, disponible en DVD et Blu-ray le 11 mars 2020 chez Carlotta Films.

Acteurs : Jeanne Moreau, Michel Auclair, Marie-France Pisier, Claude Mann, Orane Demazis, Aram Stephan, Hélène Surgère, Julien Guiomar…

Scénario : André Téchiné, Marilyn Goldin

Photographie : Bruno Nuytten

Musique : Philippe Sarde

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1975

LE FILM

Une petite ville du Sud-Ouest, dans les années 1930. Les Pedret, famille de notables à la tête de l’usine locale, marient leur fils cadet Prosper à Régina, une jeune femme de son rang. Bientôt c’est au tour de son frère Hector d’officialiser sa relation avec Berthe, la blanchisseuse du coin. Mme Pedret est contre ce mariage, mais son mari reconnaît en Berthe la personne qu’il fut autrefois : fils d’immigrés espagnols, il a épousé une Française et a acquis sa fortune par ses propres moyens. La jeune femme entre alors dans la famille et deviendra au fil du temps la véritable chef du clan grâce à son autorité et son charisme…

Touche-à-tout, à la fois auteur de scénarios, enseignant à l’IDHEC, réalisateur de feuilletons télévisés, André Téchiné (né en 1943) passe le cap du grand écran en 1969 avec son premier long métrage, Paulina s’en va, avec Bulle Ogier. Le cinéaste profite de cette expérience pour se faire la main, mais surtout pour tenter des choses formelles, pour s’éloigner des standards français en vogue, à tendance naturaliste. Le film ne sortira que six ans plus tard. Comment trouver sa voie ? En voulant s’affranchir des règles habituelles, l’ancien critique aux Cahiers du cinéma se plonge alors dans une narration complexe. Toutefois, rétrospectivement, c’est avec son second long métrage Souvenirs d’en France qu’il prend réellement son envol. Il lui aura fallu attendre sept années pour trouver cette approche romanesque qu’il cherchait. André Téchiné retrouve Marie-France Pisier et Michèle Moretti, déjà présentes à l’affiche de Paulina s’en va, pour une vivisection de ses propres racines dans le Sud-Ouest de la France et l’univers de la famille, influencée par Bertolt Brecht. Souvenirs d’en France est l’un des films les plus attachants et les plus faciles d’accès du réalisateur. Magistralement mis en scène, porté par des comédiens en état de grâce, il y règne comme une exaltation de la vie et témoigne d’une grande sensibilité. Le film se suit aujourd’hui comme une saga familiale de l’été, mais étendue sur une trentaine d’années, qui vaut également pour la beauté, le charme, le talent et le jeu foncièrement moderne de Marie-France Pisier, qui vole la vedette à Jeanne Moreau, également magnifique.

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Test Blu-ray / Phase IV, réalisé par Saul Bass

PHASE IV réalisé par Saul Bass, disponible en DVD, Blu-ray et Édition Coffret Ultra Collector – Blu-ray + DVD + Livre le 17 juin 2020 chez Carlotta Films.

Acteurs : Nigel Davenport, Michael Murphy, Lynne Frederick, Alan Gifford, Robert Henderson, Helen Horton…

Scénario : Mayo Simon

Photographie : Dick Bush

Musique : Brian Gascoigne

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

Ernest Hubbs, un biologiste anglais, observe un dérèglement du comportement des fourmis dans une vallée de l’Arizona. Des espèces autrefois en conflit se mettent à communiquer entre elles, tandis que leurs prédateurs habituels disparaissent de façon inquiétante. Le professeur recrute le scientifique J.R. Lesko, spécialiste du langage, pour étudier ce curieux phénomène. Ce qu’ils vont bientôt observer sur place dépasse l’entendement…

Phase IV. Film culte. C’est ainsi que l’on pourrait résumer le seul et unique long métrage réalisé par le légendaire Saul Bass (1920-1996). Quand il entreprend Phase IV, le designer et graphiste a déjà vingt ans de carrière dans le domaine cinématographique, dont trois courts-métrages à son actif, The Searching Eye (1964), From here to There (1964) et Why Man Creates ? (1968) qui remporte un Oscar en 1969. Trois films qui posent d’emblée un ton, une ambiance, une atmosphère, un style, une griffe, ainsi que les sujets qui le fascineront toute sa vie, dont un en particulier, la place de l’homme sur Terre, dans l’univers. Extraordinaire long métrage avant-gardiste, ambitieux et expérimental, Phase IV fascine autant qu’il incite à la réflexion, éblouit autant qu’il tente de dialoguer avec le spectateur. Philosophique, métaphysique, hypnotique mais aussi sublime, le film de Saul Bass n’a jamais livré toutes ses clés et s’inscrit de façon indélébile dans la mémoire du cinéphile.

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Test Blu-ray / Le Crocodile de la mort, réalisé par Tobe Hooper

LE CROCODILE DE LA MORT (Eaten Alive) réalisé par Tobe Hooper, disponible en DVD et Blu-ray le 25 mars 2020 chez Carlotta Films.

Acteurs : Neville Brand, Mel Ferrer, Carolyn Jones, Marilyn Burns, William Finley, Stuart Whitman, Robert Englund, Roberta Collinsi…

Scénario : Alvin L. Fast, Mardi Rustam, Kim Henkel

Photographie : Robert Caramico

Musique : Wayne Bell, Tobe Hooper

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1976

LE FILM

Au cœur de la Louisiane, une jeune prostituée qui cherche un endroit pour la nuit, échoue à l’hôtel Starlight. Le gérant du motel est un maniaque qui, dans ses accès de folie, offre ses clients aux redoutables mâchoires de son crocodile.

Le Crocodile de la mortEaten Alive est probablement le long métrage de Tobe Hooper (1943-2017) qui divise le plus ses aficionados. Sorti trois ans après le triomphe international de Massacre à la tronçonneuseThe Texas Chain Saw Massacre, ce film d’épouvante quasi-inclassable a immédiatement eu ses détracteurs et continue d’ailleurs d’être rejeté par une grande majorité des spectateurs et des critiques. Film douloureux pour son auteur, qui a jeté l’éponge en cours de tournage – pour cause de divergences artistiques – pour laisser le producteur Mardi Rustam, qui souhaitait avant tout un film de monstre aquatique à la Jaws, terminer les prises de vue et faire au montage ce qu’il désirait, Le Crocodile de la mort témoigne bel et bien de l’univers de Tobe Hooper avec ses personnages complètement dégénérés, mais souffre de grands problèmes de rythme et surtout d’intérêt. C’est ce qu’on appelle un film malade, qui se place entre le navet et le nanar, parcouru de réelles fulgurances, mais qui demeure néanmoins un film raté.

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Test Blu-ray / Lola Montès, réalisé par Max Ophüls

LOLA MONTÈS réalisé par Max Ophüls, disponible en Blu-ray le 19 février 2020 chez Carlotta Films.

Acteurs : Martine Carol, Peter Ustinov, Anton Walbrook, Henri Guisol, Lise Delamare, Oscar Werner, Paulette Dubost, Ivan Desny…

Scénario : Annette Wademant, Max Ophüls d’après le roman de Cécil Saint-Laurent

Photographie : Christian Matras

Musique : Georges Auric

Durée : 1h55

Année de sortie : 1955

LE FILM

Réduite à la déchéance, la scandaleuse Lola Montès est contrainte de donner en représentation sa fabuleuse destinée sous le chapiteau d’un cirque gigantesque.

Après avoir longuement planché sur une adaptation de l’opérette Mam’zelle Nitouche, puis débarqué du projet à cause de Fernandel qui ne souhaitait pas jouer avec son image comme le désirait Max Ophüls, le réalisateur du Plaisir jette finalement son dévolu sur le roman La Vie extraordinaire de Lola Montes de Cécil Saint Laurent. Ce sera son dernier film. Devant l’ampleur du projet (une véritable superproduction), le producteur Albert Caraco impose à Max Ophüls le cadre large, la couleur via Eastmancolor, le procédé Stéréophonique et la comédienne Martine Carol, consacrée star internationale depuis Caroline chérie déjà adapté du roman de Cécil Saint Laurent.

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Test Blu-ray/ Schlock, réalisé par John Landis

SCHLOCK réalisé par John Landis, disponible en DVD et Blu-ray le 3 juillet 2019 chez Carlotta Films

Acteurs : John Landis, Saul Kahan, Joseph Piantadosi, Richard Gillis, Tom Alvich, Walter Levine, Eric Allison, Ralph Baker…

Scénario : John Landis

Photographie : Robert E. Collins

Musique : David Gibson

Durée : 1h19

Année de sortie : 1973

LE FILM

Depuis trois semaines, la ville de Canyon Valley est le théâtre d’une série de meurtres sanglants. Surnommé le « tueur à la banane », le dangereux criminel est en réalité un gorille âgé de vingt millions d’années, le Schlockthropus. Pourchassé par la police, Schlock va découvrir l’amour en la personne de Mindy, une jeune aveugle qui le prend pour un chien…

En 1971, un jeune comédien et cascadeur du nom de John Landis décide de passer derrière la caméra. Grand cinéphile et cinéphage, il rédige un scénario en un week-end pour rendre hommage à toutes les séries B et Z des années 1950 qu’il affectionne tout particulièrement. Schlock est né. John Landis emprunte ici et là et met toutes ses économies dans ce projet, pour un total de 60.000 dollars, pour finalement emballer le tout en une dizaine de jours. Interprétant lui-même le rôle-titre, bien au chaud dans son costume de singe préhistorique – il faisait alors près de 50 degrés sur le plateau – conçu par un jeune maquilleur du nom de Rick Baker qui fait également ici ses débuts à Hollywood, le cinéaste laisse libre cours à son imagination. En résulte un film OVNI, quasi-inclassable, inégal, avec un rythme en dents de scie, mais le tout animé par une envie de cinoche et de s’éclater particulièrement contagieuse.

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Test Blu-ray / The Intruder, réalisé par Roger Corman

THE INTRUDER réalisé par Roger Corman, disponible le 10 avril 2019 en DVD et Blu-ray chez Carlotta Films

Acteurs : William Shatner, Frank Maxwell, Beverly Lunsford, Robert Emhardt, Leo Gordon, Charles Barnes, Charles Beaumont…

Scénario : Charles Beaumont d’après son roman « Les Intrus » (« The Intruder« )

Photographie : Taylor Byars

Musique : Herman Stein

Durée : 1h23

Année de sortie : 1962

LE FILM

Caxton, petite ville du sud des États-Unis, dans les années 1950. Un homme en complet blanc descend d’un car, valise à la main, et se rend à l’hôtel le plus proche. Il se nomme Adam Cramer et travaille pour une organisation « à vocation sociale ». Ce n’est pas un hasard s’il se trouve à Caxton, la ville ayant récemment voté une loi en faveur de la déségrégation, autorisant un quota d’élèves noirs à intégrer un lycée fréquenté par des Blancs. Adam Cramer souhaite enquêter auprès des habitants pour savoir ce qu’ils pensent de cette réforme. Cet homme charismatique et beau parleur va rapidement semer le trouble dans la ville…

Découvreur de talents (Martin Scorsese, Francis Ford Coppola, Joe Dante, Ron Howard, Jonathan Demme, Jack Nicholson, Monte Hellman, Curtis Hanson), Pape de la série B (et Z bien sûr), le prolifique Roger Corman (né en 1926), aujourd’hui producteur de plus de 400 films, a réalisé près d’une cinquantaine de longs métrages de 1955 à 1990. Après La Chute de la maison Usher, La Petite boutique des horreurs, La Chambre des tortures et la même année que L’Enterré vivant, Roger Corman, alors âgé de 35 ans, entreprend le film le plus personnel de son incroyable carrière. Tourné en 1961, dans le sud des Etats-Unis, sans véritables autorisations, avec très peu de moyens et avec un casting d’acteurs quasi-inconnus mélangés aux gens du cru, The Intruder (également sorti aux Etats-Unis sous les titres I Hate your Guts et Shame) est un choc, une baffe, un uppercut. Avec un réalisme parfois à la limite du documentaire, Roger Corman, très engagé et grand partisan de l’égalité des droits, se focalise sur un « réformateur social » au moment où viennent d’être votées les lois sur l’intégration, permettant à des enfants noirs de fréquenter les mêmes écoles que les enfants blancs. Cet homme ambigu est interprété par William Shatner, dans l’un de ses premiers rôles au cinéma, juste après sa participation au film de Stanley Kramer, Jugement à Nuremberg. Avec son sourire carnassier, suintant, puant et monstrueux, le comédien endosse le costume clair et les idées sombres de son personnage avec un rare culot. Le mythique Capitaine Kirk signe une prestation époustouflante.

Si l’on se demande où ce mystérieux, Adam Cramer, veut en venir en flattant tous ceux qu’il croise sur son chemin, on devine très vite que son but est de semer le trouble. S’il y parvient facilement en brossant les habitants dans le sens du poil et en leur faisant entendre ce qu’ils pensent savoir sur la véritable situation politique (en gros que leur parole de citoyen n’est pas écoutée, puisque leur opinion négative sur les afro-américains n’est pas prise en compte par la nouvelle loi), mais perd rapidement le contrôle de la situation. Dans un N&B aussi charbonneux que lumineux, moite, où les visages se voilent d’un filet de sueur, la tension monte, distillée comme du poison par ce rapace fourbe et manipulateur. Sur un montage percutant, Roger Corman soigne sa mise en scène (le cadre et les travellings sont d’ailleurs assez dingues), enchaîne les affrontements psychologiques avec une redoutable efficacité, sans aucun temps mort, les dialogues faisant office de munitions crachées par des personnages au bord de l’implosion.

Film rare et indispensable, The Intruder, écrit par Charles Beaumont (La Quatrième dimension, Le Masque de la mort rouge) d’après son propre roman L’Intrus paru aux USA en 1959, est à la fois un film noir, un thriller social, un drame historique qui fait froid dans le dos. Il faut voir comment William Shatner est littéralement habité par son personnage. Star de la télévision, on en vient à regretter que le cinéma ne lui ait pas suffisamment offert de rôles de cette envergure. Il est d’ailleurs très bien entouré par de grands comédiens dont on ne connaît pas forcément les noms, mais dont les visages sont largement reconnaissables comme ceux de Frank Maxwell (Monsieur Majestyk), Robert Emhardt (3h10 pour Yuma) et la trogne burinée de Leo Gordon apparue dans une quantité phénoménale de westerns et même chez Claude Sautet dans L’Arme à gauche en 1965.

Complètement méconnu et considéré comme le seul échec commercial de Roger Corman (même si le film est depuis rentré dans ses frais), qui connaît néanmoins une reconnaissance en Europe grâce à son exploitation récente dans les salles, The Intruder est un brûlot politique d’une folle modernité, dont le propos – la haine, la peur de l’autre et l’intolérance dans une Amérique engluée dans ses anciennes mœurs et valeurs – est malheureusement toujours aussi contemporain et qui mérite de ce fait d’être reconnu à sa juste valeur. The Intruder est un précieux chef d’oeuvre.

LE BLU-RAY

The Intruder fait grand retour dans les bacs, près de quinze ans après son édition en DVD chez Bach Films. Désormais sous la bannière de Carlotta Films, le film de Roger Corman est à la fois disponible en DVD et en Haute-Définition. Le Blu-ray repose dans un boîtier classique de couleur noire. La jaquette est très élégante, tout comme le surétui cartonné liseré jaune. Le menu principal est fixe et musical.

Un seul petit supplément au programme. L’éditeur joint un retour sur le film par Roger Corman et William Shatner (10’), enregistré en 2001 à l’occasion de la sortie de The Intruder en DVD aux Etats-Unis. Dans ces entretiens croisés, les deux hommes partagent leurs souvenirs liés au tournage (chaotique) de The Intruder. Les thèmes, les intentions, les conditions de prises de vues (qui ont rejoint la fiction), la psychologie du personnage principal, la séquence d’ouverture, l’accueil du film (échec à sa sortie, redécouvert en Angleterre grâce au BFI) sont abordés au cours de ce segment malheureusement trop court.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce de la ressortie 2018.

L’Image et le son

C’est une résurrection et aussi une exclusivité mondiale en HD. The Intruder renaît littéralement de ses cendres. Nous avons devant les yeux un master entièrement restauré, même si (nous chipotons certes) quelques rayures verticales et diverses poussières ont échappé au lifting numérique. Le Blu-ray est au format 1080p et le film présenté dans son format original 1.85 (compatible 4/3) avec des contrastes plutôt bien équilibrés. La copie N&B restitue les partis pris (dont le « flou artistique ») et le grain original (magnifique patine argentique), parfois plus appuyé sur certaines séquences aux blancs brûlés. Disposant de moyens techniques « rudimentaires » et d’un coût de production peu élevé, The Intruder trouve néanmoins un nouvel et adéquat écrin. D’une propreté jamais démentie, ce master HD est lumineux, stable, impressionnant (comme le piqué d’ailleurs), élégant et participe largement à la redécouverte de ce bijou noir. Quelques couacs, comme au début du discours de Cramer, mais rien de rédhibitoire.

Le film est proposé avec une piste anglaise DTS-HD Master Audio 1.0. Le mixage est bien nettoyé, l’écoute demeure plutôt agréable et fluide, sans souffle parasite et avec des dialogues souvent percutants. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Los Altos Productions / Carlotta Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Comme un chien enragé, réalisé par James Foley

COMME UN CHIEN ENRAGÉ (At Close Range) réalisé par James Foley, disponible en DVD et Édition Prestige limitée – Blu-ray + DVD + goodies le 22 août 2018 chez Carlotta Films

Acteurs : Sean Penn, Christopher Walken, Mary Stuart Masterson, Crispin Glover, Tracey Walter, Chris Penn, Kiefer Sutherland, Millie Perkins, Eileen Ryan, R.D. Call, David Strathairn, J.C. Quinn, Candy Clark, Stephen Geoffreys…

Scénario : Nicholas Kazan

Photographie : Juan Ruiz Anchía

Musique : Patrick Leonard

Durée : 1h56

Année de sortie : 1986

LE FILM

Brad Jr. vient de quitter l’école et s’ennuie dans sa petite ville de Pennsylvanie. Il revoit son père, Brad Sr., qui a depuis longtemps quitté sa famille pour vivre en bande avec ses copains avec lesquels il a monté un gang de vols de véhicules. Brad Jr., de plus en plus admiratif, finit avec un groupe de copains par faire la même chose. Encouragé par les aînés, le jeune gang vole des tracteurs. Le drame éclate lorsque la police s’en mêle. Ce film est tiré d’un fait divers où un gang, en 1978, recruta des adolescents et les assassina froidement comme des témoins dangereux.

Tout juste âgé de 25 ans, Sean Penn est à un tournant de sa carrière. Après avoir débuté dans quelques teenage movies comme Ça chauffe au lycée Ridgemont, le jeune comédien va alors enchaîner trois films qui vont lancer définitivement sa carrière, Crackers de Louis Malle (1984), Le Jeu du faucon de John Schlesinger (1985) et surtout Comme un chien enragéAt Close Range, deuxième long métrage de James Foley. Si ce dernier n’a pas connu de succès à sa sortie dans les salles, surtout aux Etats-Unis, Comme un chien enragé va rapidement devenir un film culte grâce à son exploitation en VHS où il s’arrache des deux côtés de l’Atlantique.

Coécrit par Nicholas Kazan, fils de l’illustre Elia, l’oeuvre de James Foley possède ce parfum propre à Un Tramway nommé désir (1951), A l’est d’Eden (1955) et La Fièvre dans le sang (1961), la prestation et le charisme de Sean Penn n’étant pas sans rappeler ceux de Marlon Brando, James Dean et Warren Beatty. Les thèmes de l’héritage et de la filiation sont donc non seulement évidents à l’écran, mais aussi en dehors. Par ailleurs Comme un chien enragé, même si inspiré par un fait divers survenu en 1978 à Chester County dans la banlieue de Philadelphie, aurait tout aussi bien pu se passer dans les années 50 et être filmé en N&B ou en Technicolor. Brillant formaliste, James Foley convoque donc tout un pan du cinéma classique Hollywoodien et inscrit également son film dans la droite lignée du Nouvel Hollywood né au début des années 1970, doublé d’une esthétique moderne et représentative des années 1980. Oeuvre hybride et malgré certains éléments qui auraient pu sembler hétérogènes, Comme un chien enragé est pourtant une très grande réussite et l’un des plus grands films du cinéaste avec Glengarry (1992).

1978. Brad Whitewood vit dans une petite ville des Etats-Unis avec sa mère, sa grand-mère et son demi-frère Tommy. Au chômage et désœuvré, il passe son temps à regarder la télévision, boire de la bière, fumer des joints et traîner avec ses copains. Mais deux événements vont lui permettre de sortir de sa grisaille quotidienne. Tout d’abord, il tombe amoureux d’une jeune adolescente, Terry, puis il fait la connaissance de son père, Brad Sr., qu’il n’a pas vu depuis sa petite enfance. Ce dernier est un voleur professionnel à la tête d’une équipe expérimentée. Ses activités, qui s’étendent sur plusieurs états, lui permettent de vivre grassement, protégé par ses appuis dans la police. Lorsqu’une violente dispute oppose Brad au nouveau compagnon de sa mère, c’est tout naturellement auprès de ce père qui le fascine que le jeune homme va se réfugier. Il rencontre les autres membres de la bande et la compagne de son père et participe avec eux à des expéditions, initiant son frère à son tour ainsi que ses copains. Mais, après avoir assisté à l’assassinat d’un indicateur de la police par l’un des membres de la bande de son père, Brad se rend compte que ce dernier est un monstre cruel et immoral.

Si Sean Penn crève littéralement l’écran, ses partenaires ne sont pas en reste, en particulier Christopher Walken, dans un rôle envisagé pour Robert De Niro, capable de donner une véritable humanité à son personnage pourtant monstrueux, comme il l’avait déjà fait précédemment pour son rôle de bad guy dans le James Bond Dangereusement vôtre. En un clin d’oeil, on le voit passer d’une indéniable douceur et même d’un amour évident pour son fils, à une colère explosive et une violence impitoyable envers la personne qui se met sur son chemin. Brad Jr., sans repère, va se tourner vers son géniteur qui ne s’était alors jamais occupé de lui. C’est alors qu’il tombe amoureux de Terry, incarnée par la superbe et trop rare Mary Stuart Masterson (Beignets de tomates de vertes), celle par qui la rédemption sera envisageable. Mais malgré les avertissements de son père, Brad Jr. apprendra malheureusement trop tard qu’une fois plongé dans le crime, il est impossible d’en réchapper.

Comme un chien enragé est autant un thriller qu’un drame psychologique et familial, dont le final prend même une dimension quasi-shakespearienne. Merveilleusement interprété, y compris par Chris Penn et Eileen Ryan, le frère de Sean Penn et leur véritable mère, qui joue curieusement ici leur grand-mère, sans oublier les tronches des jeunes Crispin Glover et Kiefer Sutherland, Comme un chien enragé est justement animé par une fureur de vivre irriguée par un infini désir d’aimer et d’être aimé. Seul petit reproche que l’on pourrait faire au film, l’utilisation systématique de la musique qui a tendance à surligner l’émotion et qui sert principalement à annoncer le final chanté par Madonna avec son tube Live to Tell, avec parfois une approche clippesque. Mais ce bémol est finalement anecdotique, puisque le spectateur est sans cesse aspiré dans cette confrontation de sentiments fulgurants, le tout élégamment mis en scène par James Foley et magnifiquement photographié par le chef opérateur espagnol Juan Ruiz Anchía.

Beaucoup de séquences s’impriment définitivement dans les mémoires, force des grands classiques, ce qu’est indubitablement devenu Comme un chien enragé.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Comme un chien enragé a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est sobre, fixe et musical. Le film de James Foley est disponible en DVD, mais aussi et surtout en édition dite Prestige et limitée à 2000 exemplaires, comprenant le Blu-ray, le DVD, ainsi que le fac-similé du dossier de presse d’époque, l’affiche du film et 8 reproductions de photos d’exploitation d’époque.

En plus de la bande-annonce, Carlotta Films propose un formidable entretien avec le réalisateur James Foley (31’). Dans la première partie de son interview, le cinéaste aborde la genèse de Comme un chien enragé, projet amené par Sean Penn, que James Foley rencontre lorsque l’acteur passait des essais pour Reckless (1984), son premier film. Le casting est ensuite passé au peigne fin, tout comme les personnages et leur évolution, la méthode de jeu de Sean Penn et de Christopher Walken, la chanson de Madonna qui a contribué à la seconde vie du film après son échec dans les salles. Dans un deuxième temps, James Foley en vient à parler de sa carrière et de sa place au sein des studios hollywoodiens. Avec franchise (« il m’est arrivé de me disperser car vous devez prouver votre rentabilité »), le réalisateur indique que la série House of Cards lui a ouvert de nouvelles portes au cinéma (« comme si ce que j’avais fait avant n’avait jamais compté »), en se faisant notamment confier l’adaptation du second et du troisième volet de la saga Cinquante nuances. « Pour être attractif, il faut plaire sur le moment » dit-il plus ou moins pince-sans-rire. Deux succès commerciaux sur lesquels il indique « avoir dû se confronter aux faiblesses des romans » dont il avait parfaitement conscience. Deux films sur lesquels il ne pouvait pas s’exprimer personnellement, mais qui l’ont remis finalement en bonne position à Hollywood, où il espère pouvoir un jour mettre en scène son chef d’oeuvre, qu’il n’a pas encore réalisé selon lui.

L’Image et le son

Ce nouveau transfert Haute Définition permet de redécouvrir Comme un chien enragé sous toutes ses coutures, dans un master enfin digne de ce nom. Cette élévation HD offre à la colorimétrie un nouveau lifting et retrouve pour l’occasion une nouvelle vivacité, notamment sur les séquences diurnes. Si la gestion du grain demeure aléatoire et plus altérée sur les séquences sombres, y compris durant la première et la dernière bobine, au moins la patine argentique est respectée sans réduction de bruit, les détails (magnifique cadre large) et le piqué impressionnent avec un joli rendu des visages des comédiens, quelque peu rosés ceci dit, des contrastes solides et une clarté de mise. Notons quelques noirs qui tirent sensiblement sur le bleu, mais rien de rédhibitoire. Avec tout cela, on oublierait presque de mentionner la propreté de la copie. Si certains points et tâches ont échappé à la restauration, les poussières, scories, griffures et tâches en tous genres ont été éradiqués. Enfin une copie qui rend justice au film de James Foley, très prisé par les cinéphiles, dont l’attente est enfin récompensée.

La version originale DTS-HD Master Audio 2.0 donne un nouveau coffre à la partition de Patrick Leonard. Cependant, les voix restent parfois légèrement confinées et peinent à créer une dynamique digne de ce nom. Toutefois, cette version surpasse la piste française, proposée en 1.0, encore plus sourde et étriquée. Dans les deux cas, l’écoute est propre, aucun souffle n’est constaté. Mais au jeu des différences, la version anglaise s’avère plus aérée, naturelle et fluide. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © 1985 METRO-GOLDWYN-MAYER STUDIOS INC. Tous droits réservés. / Carlotta Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / À armes égales, réalisé par John Frankenheimer

À ARMES ÉGALES (The Challenge) réalisé par John Frankenheimer, disponible en DVD et Blu-ray le 25 juillet 2018 chez Carlotta Films

Acteurs :  Scott Glenn, Toshiro Mifune, Donna Kei Benz, Atsuo Nakamura, Calvin Jung, Sab Shimono, Kenta Fukasaku, Yoshio Inaba…

Scénario : Richard Maxwell, John Sayles

Photographie : Kozo Okazaki

Musique : Jerry Goldsmith

Durée : 1h49

Année de sortie : 1982

LE FILM

Kyoto, 1945, une cérémonie de la plus haute importance a lieu : le chef du clan Yoshida se retire et laisse sa place à son fils aîné, Sensei, et lui remet deux épées ancestrales,  symboles du pouvoir. Jaloux, le cadet tue son père avant de s’enfuir avec les précieuses armes. Plusieurs décennies passent, les enfants de Sensei apprennent que l’une des épées a été retrouvée à Los Angeles. Ils proposent alors à un boxeur en fin de carrière de la leur ramener. Un chemin périlleux l’attend.

Alors que les films de ninja commencent à se multiplier à Hollywood, surtout grâce à la Cannon avec L’Implacable NinjaEnter the Ninja réalisé en 1980 par l’illustre Menahem Golan lui-même et sa suite Ultime Violence – Ninja 2 Revenge of the Ninja mis en scène par Sam Firstenberg, certains cinéastes de renom prennent le train en marche pour surfer sur cette nouvelle vague. C’est le cas de John Frankenheimer (1930-2002). Oui, le cinéaste du Prisonnier d’Alcatraz (1962), Un crime dans la tête (1962), Le Train (1964), Grand prix (1966), French Connection 2 (1975) décide de s’y mettre aussi avec À armes égalesThe Challenge. Réalisé en 1982, ce film d’action de seconde zone contient tous les éléments installés dans les nanars qui commençaient alors à fleurir au cinéma, et ce jusqu’à la fin des années 1980. Difficile de trouver la griffe de John Frankenheimer dans À armes égales. Toutefois, cette série B, limite Z, a su devenir culte auprès des spectateurs adeptes du genre et reste un divertissement fort sympathique.

Los Angeles, 1982. Rick, un boxeur en fin de carrière, est recruté par Toshio et Akiko Yoshida pour rapporter clandestinement au Japon un sabre appartenant à leur père, le maître Yoshida. À peine arrivé à l’aéroport d’Osaka, il est kidnappé par les sbires de Hideo, puissant homme d’affaires mais aussi le frère et ennemi juré de maître Yoshida, prêt à tout pour récupérer le sabre…

« Il a été conditionné pour l’ultime défi » scandait l’affiche française du film. Et voilà notre pauvre américain quelque peu déglingué en route vers la rédemption. Ce boxeur miteux est interprété par Scott Glenn. Remarqué dans quelques séries (Les Rues de San Francisco, L’homme de fer, Baretta) puis au cinéma dans Apocalypse Now et Urban Cowboy, le comédien s’avère un étonnant mélange de David Carradine de la série Kung Fu et de Chuck Norris époque La Fureur du Dragon. Le premier pour la ressemblance physique, le second pour la coupe de cheveux du style baldaquin, mais aussi pour son non-jeu. Comme s’il portait tout le poids du monde sur ses épaules, Scott Glenn incarne péniblement Rick, à qui tous les malheurs arrivent. Lui qui désirait seulement se faire un peu de fric pour payer son loyer, se retrouve finalement au Japon au milieu d’une guerre fratricide.

Au programme, vengeance impitoyable, bastons, maniement du sabre, punchlines, fusillades. Sans oublier les rites d’initiation (un repas avec des anguilles vivantes à avaler) et les punitions où le héros se voit enterrer jusqu’au cou pendant cinq jours, obligé de gober les insectes qui s’approchent de lui. Le scénariste John Sayles (Piranhas, Hurlements) s’est fait plaisir.

Rick, tout d’abord vulgaire, égoïste, seulement préoccupé par l’argent qu’on lui doit, apprendra naturellement à faire le point sur sa vie, à écouter la personne en face de lui (surtout s’il s’agit d’une belle nana bad-ass), avant d’accepter son destin. Il est l’Elu, comme Néo dans Matrix, qui a quand même un peu plus de mal à lever la jambe pour affronter son adversaire, mais qui manie aussi bien la pétoire. À armes égales vaut donc pour son indéniable cachet nanar. Le film est correctement emballé, Scott Glenn est amusant (involontairement c’est vrai), Toshiro Mifune (Les Sept Samouraïs) cachetonne, la musique de Jerry Goldsmith est excellente et notre doublage français vaut son pesant avec notamment le gigantesque Richard Darbois qui prend un malin plaisir à doubler le personnage principal.

L’assaut final à la James Bond, on peut alors penser à celui d’On ne vit que deux fois, se tient grâce à l’indiscutable maîtrise technique de John Frankenheimer. Une petite réussite donc, efficace et récréative où les agrafeuses peuvent devenir des armes redoutables et où les têtes sont tranchées comme des pastèques.

LE BLU-RAY

Voilà deux ans que nous attendions impatiemment le retour de la Midnight Collection initiée par Carlotta Films en 2016 ! Pour cette co-édition avec L’Atelier d’images, nous retrouvons «  le meilleur de la VHS en Blu-ray et DVD  ». La jaquette, glissée dans un boîtier élégant de couleur noire et estampillée «  VHS  », est très sympa et reprend le style Vidéoclub des années 1980 avec le visuel original. Le menu principal est sobre, fixe et musical. Vivement les autres titres, en espérant ne pas attendre aussi longtemps !

Seule ombre au tableau de cette édition, le film n’est accompagné que de sa bande-annonce originale (non restaurée) et des credits habituels.

L’Image et le son

Disponible en France pour la première fois en version restaurée Haute Définition, le film de John Frankenheimer bénéficie d’un Blu-ray au format 1080p soigné. Un lifting numérique a visiblement été effectué, avec un résultat probant, même si des points et des tâches restent constatables (bien que rares). L’encodage AVC est de haute tenue et la promotion HD non négligeable. Les détails sont appréciables, le piqué et la clarté sont aléatoires mais plus nets sur les séquences diurnes, la colorimétrie retrouve une nouvelle jeunesse et les contrastes affichent une petite densité inattendue. L’ensemble est propre, stable en dehors de très légers fourmillements, le reste des scories demeure subliminal, et le grain est respecté. La première bobine et le générique de fin restent plus grumeleux avec une définition hasardeuse. Notons que les sous-titres anglais très encombrants sont incrustés sur l’image lors des échanges en japonais.

Sachant que les spectateurs français ont avant tout découvert ce film dans la langue de Molière, Carlotta Films livre un mixage français propre et respectueux de l’écoute originale avec bien sûr le doublage d’époque. Au jeu des comparaisons, la version originale s’en sort mieux avec des effets plus naturels et une dynamique plus marquée que la VF aux dialogues assez sourds. Les deux pistes sont proposées en DTS-HD Master Audio 1.0, qui ne peuvent évidemment pas rivaliser avec les standards actuels, mais l’éditeur permet de revoir ce « classique » dans de bonnes conditions techniques, sans craquement ni souffle. Le changement de langue est verrouillé à la volée, tout comme les sous-titres français.

Crédits images : © Carlotta Films / L’Atelier d’images / CBS Broadcasting INC. / CBS STUDIOS INC. Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Portrait de Jennie, réalisé par William Dieterle

LE PORTRAIT DE JENNIE (Portrait of Jennie) réalisé par William Dieterle, disponible en DVD et Blu-ray chez Carlotta Films le 21 mars 2018

Avec :  Jennifer Jones, Joseph Cotten, Ethel Barrymore, Lillian Gish, Cecil Kellaway, David Wayne…

Scénario : Leonardo Bercovici, Paul Osborn, Peter Berneis d’après le roman « Le Portrait de Jennie » (« Portrait of Jennie ») de Robert Nathan

Photographie : Joseph H. August

Durée : 1h26

Date de sortie initiale : 1948

LE FILM

Eben Adams est un peintre fauché qui rencontre Jennie dans Central Park, une petite fille portant des vêtements d’un autre âge. De mémoire, il fait d’elle un beau croquis qui impressionne ses marchands d’art. Cela lui inspire un portrait – le « Portrait of Jennie ». La revoyant grandie, il s’éprend alors de celle qui semble n’être qu’une apparition appartenant au passé…

« Là d’où je viens, personne ne sait. Et là où je vais, toute chose va ».

Un humaniste à Hollywood. C’est comme cela qu’était perçu le réalisateur allemand Wilhelm Dieterle alias William Dieterle (1893-1972), qui avait tout d’abord commencé en tant qu’acteur de théâtre dans les années 10. Il se lance dans la réalisation en 1919 mais renonce faute de succès. Acteur populaire dans les années 20 où il tient la vedette d’une quarantaine de films, il renoue finalement avec la mise en scène où il dirige Marlène Dietrich. Suite à une invitation de la prestigieuse Warner, William Dieterle se rend aux Etats-Unis où il restera pendant près de trente ans en signant de nombreux succès. Porte-drapeau de l’anti-fascisme, grand humaniste, il reste célèbre pour avoir co-fondé la ligue anti-nazi à Hollywood. Réalisé en 1948, Le Portrait de Jennie est sans nul doute le chef d’oeuvre de William Dieterle.

Comme dans Tous les biens de la TerreThe Devil and Daniel Webster, réalisé au début des années 40, Le Portrait de Jennie s’inscrit dans le genre fantastique ancré dans le réel et demeure un film inclassable, somptueusement mis en scène et photographié comme un rêve éveillé, d’une fantastique poésie, où flamboie le couple Jennifer Jones – Joseph Cotten. Les deux comédiens avaient déjà été réunis trois ans auparavant par William Dieterle dans Love Letters et dans Duel au soleil de King Vidor en 1946, sur lequel le cinéaste avait d’ailleurs remplacé son confrère, même s’il n’est pas mentionné au générique. Le Portrait de Jennie est un film baroque, mystérieux, en un mot immanquable.

New York, hiver 1934. Eben Adams (Joseph Cotten, bouleversant), peintre sans le sou, croise une étrange fillette nommée Jennie Appleton (Jennifer Jones) à Central Park. Lui qui avait pour habitude de peindre des paysages ou des natures mortes va esquisser le croquis de cette enfant, éveillant la curiosité des marchands d’art. À chacune de leurs retrouvailles, Jennie vieillit à vue d’œil, jusqu’à se métamorphoser en une belle et jeune demoiselle. À la fois intrigué et fasciné par cette femme semblant venir d’un autre temps, Eben va tenter de percer le mystère de celle qui est devenue sa muse. Il acquiert ainsi la certitude que Jennie est une revenante, la fille de deux trapézistes morts dans un accident en 1910.

Immense réussite, qui n’avait malheureusement connu aucun succès à sa sortie et qui a ensuite été complètement oublié, Le Portrait de Jennie est un sublime mélodrame, une très grande histoire d’amour au-delà du temps et de la mort, comme pouvait l’être L’Aventure de madame Muir de Joseph L. Mankiewicz sorti l’année précédente. Furieusement romantique, ce film tiré du roman de Robert Nathan (publié en 1940), foudroie d’emblée par son prologue poétique convoquant Euripide et Keats, et qui a fait le bonheur des surréalistes. En ayant parfois recours à des filtres spécifiques qui donnent l’impression que les images sont imprimées sur une vraie toile, William Dieterle convoque et entrecroise les arts et les genres. Romance, drame, fantastique, tous ces éléments s’accordent magistralement au fil d’un récit riche en surprises, jusqu’au dernier quart d’heure insolite où les images N&B deviennent alors vertes, comme si le personnage interprété par Joseph Cotten parvenait à passer à travers les arts et donc de la pellicule, pour sauver celle qu’il aime, qui lui a donné une raison de vivre, qui l’obsède et qui l’inspire.

A sa sortie, cette séquence de violente tempête (récompensée par l’Oscar des meilleurs effets spéciaux en 1949) s’accompagnait également d’effets sonores révolutionnaires voulus par le producteur David O. Selznick. Le Portrait de Jennie est évidemment doublé d’une réflexion sur le rôle de l’art et la place de l’artiste, son inspiration et sa postérité. A l’image du coup de foudre d’Eben et tel Pandora, le visage de Jennie et donc de Jennifer Jones (La Folle ingénue d’Ernst Lubitsch, Plus fort que le diable de John Huston), s’imprime dans les mémoires des cinéphiles de façon indélébile. Plus que le personnage principal, c’est donc la comédienne elle-même, sa beauté, sa sensualité, sa grâce qui défient et passent sans aucun dommage à travers le temps. C’est aussi le cas de cette œuvre onirique et romanesque, qui perd le spectateur dans la Grosse Pomme (d’amour) éthérée et nimbée de brouillard, qui demeure toujours autant si ce n’est plus envoûtante 70 ans après sa sortie sur les écrans.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray du Portrait de Jennie, disponible chez Carlotta Films, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

Seule la bande-annonce d’époque est proposée comme supplément.

L’Image et le son

Si ce master a été restauré, quelques rayures verticales, poussières et griffures subsistent. Quand bien même elles n’altèrent pas le visionnage, elles demeurent récurrentes. Ceci dit les contrastes sont élégants et la luminosité est de mise. Le N&B se compose d’une jolie gamme de gris marbrés même si certains fourmillements ou diverses sautes inhérents à l’âge du film n’ont pu être corrigés. En dehors des rayures mentionnées au préalable, les scories ont été éliminées. Toutefois, certaines séquences sont plus altérées avec un aspect beaucoup plus grumeleux comme sur le plan en ouverture et même toute la scène d’exposition. Les fondus enchaînés décrochent quelque peu, les séquences sombres donnent plus de fil à retordre avec une perte des détails et une baisse de la définition. En revanche, le dernier acte pour lequel le chef opérateur Joseph H. August a utilisé des lentilles spéciales datant du cinéma muet et des filtres verts apparaît plus propre et stable, ainsi que l’épilogue en Technicolor. Le master alterne donc le bon et le médiocre.

Deux mixages au programme. Une version DTS-HD Master Audio 1.0 et…5.0 ! Un carton indique que cette seconde option acoustique reproduit pour le dernier acte, les effets sonores souhaités par le producteur David O. Selznick, exploités dans certaines salles de cinéma. Le mixage 1.0 était alors plus largement diffusé et cette édition replace le son sur le canal central avant. Alors un bon conseil, choisissez la piste mono jusqu’à 1h14 puisque les voix des comédiens y sont plus dynamiques et vous ne vous encombrerez pas d’un souffle sur les enceintes arrière, même si la musique profite quelque peu de cette spatialisation. Dès que la tempête commence par cet éclair vert qui strie le ciel et donc votre écran, passez en 5.0. Ce mixage original vous plongera au beau milieu des vagues et des rafales de vent.

Crédits images : © Carlotta Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr