Test DVD / L’Economie du couple, réalisé par Joachim Lafosse

L’ECONOMIE DU COUPLE réalisé par Joachim Lafosse, disponible en DVD le 14 décembre 2016 chez Le Pacte

Acteurs : Bérénice Bejo, Cédric Kahn, Marthe Keller, Jade Soentjens, Margaux Soentjens, Philippe Jeusette…

Scénario : Joachim Lafosse, Fanny Burdino, Mazarine Pingeot, Thomas Van Zuylen

Photographie : Jean-François Hensgens

Durée : 1h36

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Après 15 ans de vie commune, Marie et Boris se séparent. Or, c’est elle qui a acheté la maison dans laquelle ils vivent avec leurs deux enfants, mais c’est lui qui l’a entièrement rénovée. A présent, ils sont obligés d’y cohabiter, Boris n’ayant pas les moyens de se reloger. A l’heure des comptes, aucun des deux ne veut lâcher sur ce qu’il juge avoir apporté.

Joachim Lafosse (A perdre la raison, Les Chevaliers blancs) est un réalisateur précieux et son dernier film L’Economie du couple est une nouvelle et grande réussite à inscrire à son palmarès. Sur un scénario coécrit avec Fanny Burdino, Mazarine Pingeot et Thomas van Zuylen, Joachim Lafosse explore des thèmes devenus récurrents au fil de sa filmographie, tels que l’amour et ses conséquences, la dette, le lien pervers, les dysfonctionnements familiaux, à travers l’histoire douloureuse d’un couple prêt (ou presque) à se séparer. Cet homme et cette femme sont merveilleusement interprétés par Bérénice Bejo, décidément étonnante depuis Le Passé d’Asghar Farhadi et Cédric Kahn, cinéaste devenu comédien un peu par hasard, qui devient ici un immense acteur à la présence impressionnante.

A l’instar de Mike Nichols pour Qui a peur de Virginia Woolf ?, référence avouée de Lafosse, le cinéaste happe le spectateur de la première à la dernière image au moyen de subtils plans-séquences, le prend à la gorge et resserre son étreinte au fur et à mesure, tout en le poussant à réfléchir et à accepter l’imminente rupture d’un homme et d’une femme, parents de deux petites jumelles. L’Economie du couple cherche à faire partager aux spectateurs la vie de personnage simples dans une situation complexe, ni jugés ni déresponsabilisés, dans un lieu quasi-unique, la maison, « personnage » à part entière, ancienne incarnation du rêve et du bonheur, devenue source et raison d’affrontements. Avec sa mise en scène au cordeau, sobre mais toujours juste et maîtrisée, qui évite le théâtre filmé, ses personnages filmés à hauteur d’homme sans fioritures, Joachim Lafosse suscite l’émotion et la réflexion sur la réalité économique sur laquelle repose un couple.

On en ressort épuisés et bouleversés, y compris quand la famille se trouve réunit quasiment pour la dernière fois autour d’une danse sur la chanson Bella de Maitre Gims. Qui aurait pu penser qu’une scène tournant autour d’un tube aussi gras que celui-là deviendrait une des séquences les plus émouvantes de l’année 2016 ? Entre conflits et accalmies, avec tension et délicatesse, nous observons un couple à vif, Marie et Boris, sur le champ-de-bataille, avec l’argent et les différences sociales en guise de munitions durant cette cohabitation forcée le temps qu’il retrouve un logement – elle est de bonne famille, lui d’un milieu ouvrier et n’a pas les moyens de se reloger – avant la concrétisation de la rupture et de l’éclatement de la cellule familiale.

A fleur de peau, intense, magistral, L’Economie du couple démontre une fois de plus quel grand cinéaste est devenu Joachim Lafosse.

LE DVD

Le DVD de L’Economie du couple, disponible chez Le Pacte, repose dans un boîtier classique, glissé dans un surétui cartonné. Le menu principal est animé et musical.

Seul supplément de cette édition, un entretien avec Joachim Lafosse (17’). A l’origine, le réalisateur souhaitait adapter Bon petit soldat de Mazarine Pingeot, mais les droits avaient déjà été achetés. Après une tentative de transposer Britannicus de Racine, Joachim Lafosse et Mazarine Pingeot se sont finalement lancés dans l’écriture d’un film sur la fin d’un couple. Le metteur en scène évoque ensuite l’évolution du scénario, ses intentions, le casting, la préparation des comédiens. Les propos sont spontanés, toujours enrichissants et passionnants.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Le Pacte prend soin du film de Joachim Lafosse et livre un service après-vente tout ce qu’il y a de plus solide. Les partis-pris esthétiques du chef opérateur Jean-François Hensgens (Tête de turc, Les Chevaliers blancs, A perdre la raison) sont respectés et la colorimétrie claire (avec de nombreuses touches de bleu) habilement restituée. La clarté est de mise, tout comme des contrastes fermes, un joli piqué et des détails appréciables, y compris sur les très présents gros plans des comédiens. Notons de sensibles pertes de la définition et des plans un peu flous, qui n’altèrent cependant en rien le visionnage. Un master SD élégant.

L’éditeur joint une piste Dolby Digital 5.1 qui instaure une spatialisation délicate, mais anecdotique. Les ambiances naturelles et les effets annexes sont plutôt rares et la scène acoustique reste essentiellement frontale, sauf sur la séquence de danse sur la chanson Bella de Maitre Gims. De ce point de vue il n’y a rien à redire, les enceintes avant assurent tout du long, les dialogues étant quant à eux exsudés avec force par la centrale. La Stéréo n’a souvent rien à envier à la DD 5.1. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également de la partie, ainsi qu’une piste en Audiodescription.

Crédits images : © Fabrizio Maltese / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Corridors of Blood, réalisé par Robert Day

Corridors of Blood réalisé par Robert Day, disponible en DVD le 28 février 2017 chez Movinside

Acteurs : Boris Karloff, Christopher Lee, Betta St. John, Finlay Currie, Adrienne Corri, Francis De Wolff…

Scénario : Jean Scott Rogers

Photographie : Geoffrey Faithfull

Musique : Buxton Orr

Durée : 1h27

Date de sortie initiale : 1962

LE FILM

Londres, 1840, avant la découverte de l’anesthésie. Horrifié par les souffrances que ses confrères et lui infligent à leurs patients, le chirurgien Thomas Bolton multiplie les tentatives de mise au point d’un anesthésiant. En dépit des échecs, il s’acharne, s’exposant à la fois aux moqueries et à une dépendance de plus en plus marquée aux drogues qu’il teste. Victime d’un chantage, Bolton signe les certificats de décès que lui présentent Black Ben et Résurrection Joe, des criminels qui fournissent des cadavres frais aux hôpitaux.

Malgré son casting composé des mythiques Boris Karloff et Christopher Lee, Corridors of Blood, réalisé en 1958, n’est pas un film d’horreur ou fantastique, Il s’agit avant tout d’un drame et faux biopic sur l’inventeur de l’anesthésie générale dans le monde médical. Depuis l’amphithéâtre des cours d’anatomie jusqu’au laboratoire du héros en passant par une taverne mal famée, peuplée de mendiants, d’estropiés, de prostituées, le réalisateur Robert Day (Le Pionnier de l’espace), distille une envoûtante atmosphère gothique, à mi-chemin des romans de Charles Dickens et des productions de la Hammer Films. Déjà fort de la présence de Boris Karloff et Christopher Lee, qui ont certes très peu de scène ensemble, il dirige également d’autres acteurs habitués du genre tels qu’Adrienne Corri (Sherlock Holmes contre Jack l’Eventreur), Francis Matthews (La Revanche de Frankenstein) et Nigel Green (Le Masque de la Mort Rouge).

Pas de film d’épouvante donc, mais que les cinéphiles soient rassurés puisqu’il s’agit avant tout d’un drame très réussi, qui flirte avec le genre et notamment avec l’ombre du Docteur Jekyll et son antagoniste Mr Hyde, mais qui demeure réaliste, sans effusion de sang. Corridors of Blood se rapproche plutôt de la sublime série de Steven Soderbergh, The Knick, qui narre les débuts de la médecine moderne au début du XXe siècle. Ici, l’action se déroule à Londres. Robert Day (né en 1922) met l’accent sur l’architecture singulière avec des toits penchés, des auberges glauques, qui contrastent avec l’aspect guindé et protocolaire du monde de la médecine. Les étudiants et médecins se regroupent dans une salle d’étude où l’on pratique des opérations, tout en utilisant les patients comme cobayes. Selon les médecins présents, la douleur et le scalpel vont de pair, et la seule façon de moins faire souffrir le patient est d’opérer le plus rapidement possible. Mais les cris des patients poussent Thomas Bolton (Boris Karloff) à entreprendre des recherches. Persuadé qu’un patient endormi ne ressentira pas la douleur, Bolton commence à mettre au point un gaz susceptible d’anesthésier ses patients. Seulement au fil des essais, Bolton devient dépendant des drogues qu’il s’administre et son premier essai devant témoin s’est soldé par un échec cuisant doublé des brimades des jeunes médecins qui l’entouraient. Devenant à moitié fou à mesure qu’il respire ces gaz, Bolton continue néanmoins de croire en son projet, quitte à voir le monde médical se liguer contre lui et l’empêcher de continuer ses expériences.

Corridors of Blood déroule ainsi son récit avec efficacité, une mise en scène vivante composée de nombreux travellings particulièrement soignés et élégants. De plus, Boris Karloff signe une remarquable performance et prouve qu’il n’avait pas besoin d’être grimé pour s’imposer. Christopher Lee fait plutôt une apparition amicale et s’impose sans difficulté, en arborant une cicatrice sur la joue et un haut-de-forme de croquemort qui renforcent son inquiétante présence. Corridors of Blood est un petit film passionnant, qui à l’instar du Pionnier de l’espace du même réalisateur, contient une part « documentaire » dans sa première partie, avant de glisser vers une atmosphère fantastique, en restant donc réaliste comme nous l’avons indiqué. Suite à un changement de direction au sein de la MGM, le film mettra quatre ans pour être enfin exploité au cinéma en 1962, mais en double-programme avec un film d’un tout autre genre Werewolf in a Girls’ Dormitory. Une agréable surprise, qui n’a absolument rien perdu de son charme et reste un formidable divertissement.

LE DVD

Le DVD de Corridors of Blood, disponible chez Movinside, repose dans un boîtier classique de couleur noire, glissé dans un surétui cartonné. La jaquette est très élégante et attractive. Cette collection « Trésors du fantastique », est dirigée par Marc Toullec et Jean-François Davy. Le menu principal est quant à lui animé et musical.

Comme sur les autres titres de la collection déjà chroniqués (Soudain…les monstres !, Nuits de cauchemar), Corridors of Blood, uniquement disponible en DVD, contient un seul supplément, une présentation du film par le journaliste Marc Toullec (12’). L’ancien co-rédacteur en chef de Mad Movies montre le caractère spécial du film, qui n’est pas un film d’horreur, mais un drame hybride qui lorgne sur le cinéma de genre. Le casting est évidemment passé au peigne fin avec de nombreuses informations liées à la production de Corridors of Blood.

L’Image et le son

Aïe…le film est présenté au format 1.33, uniquement 4/3. Demeurent quelques scories, fils en bord de cadre, tâches et points qui émaillent l’écran, surtout dans la première partie. Si la copie s’avère stable, l’image a subi un dégrainage total, donnant au master un aspect artificiel, parasité de flous et de moirages. Ce lissage excessif déçoit et ne va pas plaire aux puristes, même si Corridors of Blood est avant tout une véritable et précieuse curiosité.

Seule la version originale est disponible pour ce film. Les sous-titres français sont visiblement incrustés sur l’image et donc inamovibles. Comme pour l’image, le mixage sonne faux car dénué de bruits, de craquements, de souffle et les effets sonores semblent avoir été réalisés récemment. Les voix paraissent flotter sur les images et manquent cruellement de naturel. Notons également quelques résonances.

Crédits images : © Movinside – MGM / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Elsie, monogame en série, réalisé par Christina Zeidler et John Mitchell

ELSIE, MONOGAME EN SERIE (Portrait of a Serial Monogamist) réalisé par John Mitchell et Christina Zeidler, disponible en DVD le 24 février 2017 chez Outplay

Acteurs : Diane Flacks, Carolyn Taylor, Vanessa Dunn, Robin Duke, Gavin Crawford, Sabrina Jalees…

Scénario : John Mitchell, Christina Zeidler

Photographie : Celiana Cárdenas

Musique : Don Pyle

Durée : 1h24

Date de sortie initiale : 2015

LE FILM

Elsie, la quarantaine, est productrice de télévision dont les relations sont plutôt agitées. Pour elle, les ruptures sont devenues une routine, et trouver une nouvelle petite-amie – et tout de suite ! – est aussi une pratique bien rodée. Elle a enfin une relation sérieuse avec Robyn, jusqu’à ce qu’elle décide encore de rompre. Elle réalise petit à petit qu’elle pourrait avoir quitté le grand amour…

Vous êtes fan de comédies-romantiques, mais vous en avez marre de voir toujours la même histoire ? Ça tombe bien Elsie, monogame en série change de l’ordinaire et pourrait faire votre bonheur. Réalisé par John Mitchell et Christina Zeidler et financé en partie par la communauté lesbienne/queer de Toronto, Portrait of a Serial Monogamist est un premier long métrage qui suit le terrain balisé de la rom-com américaine, sauf que l’on suit le personnage d’Elsie, productrice d’une émission de radio et lesbienne jusqu’alors heureuse en couple avec Robyn. Mais depuis son plus jeune âge, comme nous le montre divers flashbacks désopilants, Elsie n’a qu’une peur, être larguée. Du coup, persuadée que sa compagne souhaite rompre après cinq ans de vie commune, Elsie préfère prendre les devants et rompt de manière maladroite. Elsie, la quarantaine, se retrouve seule, paumée, et va trouver le réconfort auprès de ses copines, tout en se demandant si elle n’a pas agi sur un coup de tête, effrayée à l’idée d’avoir fait déguerpir l’amour de sa vie.

Elsie, monogame en série est tout d’abord l’occasion de découvrir une actrice formidable et pétillante, Diane Flacks, créatrice de la série The Kids in the Hall et comédienne vue dans le superbe Take This Waltz de sa compatriote canadienne Sarah Polley. Elle porte le film sur ses épaules avec un naturel confondant et campe un personnage immédiatement attachant, qui n’est pas sans rappeler celui tenu par Sarah Jessica Parker dans la série Sex and the City, le bling-bling en moins. Drôle, enlevé, le film est également dépaysant puisque l’histoire se situe au sein de la communauté queer de la ville de Toronto. Diane Flacks donne la savoureuse et intelligente réplique à d’autres comédiennes tout aussi excellentes, notamment la divine Vanessa Dunn, Carolyn Taylor et bien d’autres malheureusement inconnues dans nos contrées et que l’on a plaisir à découvrir.

Si le film n’est pas parfait (le personnage qui brise le quatrième mur pour s’adresser directement aux spectateurs est un peu lassant), s’égare parfois et accuse quelques baisses de rythme, notamment quand l’action se focalise sur le travail d’Elsie, la simplicité et la fraîcheur avec lesquelles est jouée cette comédie décalée et dans l’air du temps fait du bien et saura toucher tous les spectateurs qui voudront bien accorder 80 minutes de leur temps à Elsie et ses déboires sentimentaux.

LE DVD

Le DVD d’Elsie, monogame en série, disponible chez Outplay, repose dans un boîtier classique avec une jaquette au visuel attractif. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur n’est pas venu les mains vides et même si la durée de chaque supplément n’excède pas 4 minutes.

Quelques séquences coupées sont proposées, tout comme un petit bêtisier peu drôle, une séquence issue des répétitions entre Diane Flacks et Vanessa Dunn, ainsi qu’une vidéo promotionnelle réalisée par certaines comédiennes pour récolter des fonds pour le film.

L’Image et le son

Elsie, monogame en série débarque en DVD dans un format 1.77 (16/9 compatible 4/3). Le transfert est classique, clair, les contrastes soignés. La définition n’est certes pas optimale avec un piqué sans doute trop lisse à notre goût, mais le confort de visionnage est suffisamment assuré.

Elsie, monogame en série n’est pas un film à effets et le mixage anglais Dolby Digital 5.1 ne fait pas d’esbroufe inutile. L’essentiel de l’action est souvent canalisé sur les enceintes avant, même si chacune des séquences en extérieur s’accompagne systématiquement d’ambiances naturelles sur les latérales. Il en est de même pour la musique du film, systématiquement mise en valeur par l’ensemble des enceintes. Les voix demeurent claires, limpides, solidement délivrées par la centrale, et le caisson de basses libère quelques vibrations bien senties aux moments opportuns. La piste Stéréo est également de fort bon acabit et les sous-titres français non verrouillés. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Outplay / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Les Ecumeurs des Monts Apaches, réalisé par Ralph Murphy

LES ECUMEURS DES MONTS APACHES (Stage to Tucson) réalisé par Ralph Murphy, disponible en DVD le 23 janvier 2017 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Rod Cameron, Wayne Morris, Kay Buckley, Sally Eilers, Carl Benton Reid, Roy Roberts…

Scénario : Robert Creighton Williams, Frank Burt, Robert Libott d’après le roman Lost Stage Valley de Frank Bonham

Photographie : Charles Lawton Jr.

Musique : Paul Sawtell

Durée : 1h18

Date de sortie initiale : 1950

LE FILM

A la veille de la Guerre de Sécession, deux compagnies de diligences s’affrontent dans une petite ville. Grif Holbrook appartient à l’une d’elles, de conviction nordiste, alors que la seconde est aux mains de Sudistes fanatiques. Grif et Barney Broderick aiment la même femme. Grif veut l’épouser mais il comprend que la jeune femme, Kay Buckley, aime en réalité Broderick. Il s’efface alors devant son rival. Mais les partisans sudistes s’emparent des diligences de la ligne nordiste en faisant attaquer les convois par une diligence fantôme, noire et blindée. La guerre est finalement déclarée…

C’est un tout petit western typique de la Columbia, qui enchaînait alors les films d’une durée de 60 à 75 minutes afin de les proposer en double-programme dans les cinémas. Les Ecumeurs des Monts Apaches est réalisé en 1950 par Ralph Murphy (1895-1967), spécialiste des séries B des années 1930 au début des années 1950, avant de consacrer le reste de sa carrière à la télévision. Si le film a été conçu dans le seul but d’attirer le plus de spectateurs possible dans les salles, Les Ecumeurs des Monts Apaches – Stage to Tucson ne manque pas d’attraits et d’idées, sans doute pas exploitées comme elles auraient pu l’être, mais qui valent le déplacement.

C’est le cas notamment de cette étrange diligence noire qui semble tout droit sortie de l’enfer. Blindée, lancée sur les routes poussiéreuses de la Californie, le convoi de huit chevaux semble être dépourvu de cocher et tous les convois de la Butterfield Stagecoach qui croisent sa route entre St. Louis et San Francisco via Tucson se retrouvent dépouillés et finissent même par se volatiliser ! Après vingt ans de bons et loyaux services en tant que convoyeur, Grif Holbrook (Rod Cameron, vu dans Les Tuniques écarlates, Le Justicier de la Sierra, La Taverne du cheval rouge) souhaite raccrocher et s’offrir un ranch en Californie. Mais son patron, qui a vu dix de ses diligences attaquées au cours du dernier mois, souhaite que cela cesse et parvient à engager de nouveau Grif, son homme le plus expérimenté, pour une dernière mission : débusquer les auteurs de ces vols avec l’aide de Barney, un autre agent nordiste. C’est que Butterfield est l’ami de Lincoln, montré de dos, avachi dans un fauteuil avec les pieds sur le bureau, deux mois avant d’entrer dans l’exercice de ses fonctions de président des Etats-Unis. Pendant ce temps, la guerre de Sécession est sur le point d’être déclarée et chacun se demande quel camp soutenir.

Joliment mis en scène, photographié en Technicolor par le maître Charles Lawton Jr (L’Homme de nulle part, 3h10 pour Yuma, Cow-boy) et bien interprété, Les Ecumeurs des Monts Apaches n’a certes pas la prétention de jouer dans la cour des grands, mais demeure un divertissement fort sympathique. Tout ce que le spectateur attend d’un western traditionnel est réuni ici, poursuites dans de très beaux et même singuliers décors (les pistes parsemées de rochers), amourette contrariée, gunfights, quelques pincées d’humour, deux bandes qui s’affrontent. A ce titre, les deux compagnies de diligences rivales reflètent l’opposition entre les Nordistes et les Sudistes. Les tensions s’exacerbent jusqu’à l’éclatement de la guerre civile dans la dernière bobine où nos héros partent sur le terrain, habillés en uniforme. Les Ecumeurs des Monts Apaches n’a donc rien d’exceptionnel, mais s’avère particulièrement attachant, le rythme est soutenu, les poursuites bien menées et les péripéties s’enchaînent du début à la fin.

LE DVD

Le DVD des Ecumeurs des Monts Apaches, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur la musique du film.

Dans cette nouvelle salve de westerns, Patrick Brion est souvent seul en scène pour présenter les films. C’est encore le cas pour Les Ecumeurs des Monts Apaches. Mais honnêtement, ce n’est pas en cinq petites minutes que vous en apprendrez beaucoup sur ce film de la Columbia, d’autant plus que l’historien du cinéma peine à trouver quelques anecdotes et arguments. Il se contente de passer en revue les westerns sortis la même année que le film de Ralph Murphy et d’évoquer l’apparition de Lincoln au début du récit.

L’interactivité se clôt sur une petite galerie d’affiches et de photos d’exploitation.

L’Image et le son

Les Ecumeurs des Monts Apaches a été photographié en Technicolor par le grand chef opérateur Charles Lawton Jr. Les teintes chaudes (plus froides sur les séquences nocturnes) et la luminosité sont très appréciables, tout comme les contrastes qui s’avèrent bien gérés. Pourtant, le début fait peur avec une ligne verticale rouge qui sépare l’écran en deux durant le générique, mais qui disparaît heureusement après. La propreté est de mise, malgré divers raccords de montage et d’autres scories, la copie 1.33 (16/9) est stable, que demander de plus pour (re)découvrir ce petit film ?

L’éditeur nous propose les version anglaise et française. Passons rapidement sur cette dernière, nettoyée, mais parfois étouffée et qui peine à délivrer les ambiances annexes. Evidemment, notre préférence va pour la version originale, plus homogène et naturelle, très propre, sans souffle parasite. Le confort acoustique est largement assuré. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé.

Crédits images : © Sidonis Calysta / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Kids in love, réalisé par Chris Foggin

KIDS IN LOVE réalisé par Chris Foggin, disponible en DVD le 18 janvier 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs : Will Poulter, Alma Jodorowsky, Cara Delevingne, Sebastian De Souza, Preston Thompson, Jamie Blackley, Pip Torrens, Geraldine Somerville…

Scénario : Sebastian De Souza, Preston Thompson

Photographie : Dirk Nel

Musique : Rael Jones

Durée : 1h27

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Refusant de suivre le chemin tout tracé par ses parents, Jack voit ses repères chamboulés lorsqu’il rencontre la belle Evelyn. À ses côtés, il va s’immerger dans l’univers des soirées sélectives de la scène londonienne, suivant ses nouveaux amis, dont la pétillante Viola. Dans ce quotidien tourbillonnant, de fêtes en festivals, à l’aube de l’âge adulte, Jack va devoir déterminer qui il est, et, surtout, qui il veut devenir.

Il y a des petits films, sortis en catimini, dont nous n’attendions rien, qui ne révolutionneront pas le cinéma certes, mais qui méritent d’être vus au moins une fois. Kids in love ne laissera pas un grand souvenir, mais s’avère une très agréable comédie romantique destinée aux jeunes spectateurs. Tourné durant l’été 2013 pendant quatre petites semaines, à Londres, avec notamment le carnaval de Notting Hill en fond et le quartier de Soho, Kids in love ne propose pas une amourette vulgaire ou bas de plafond, mais s’avère mature, mélancolique, avec des personnages très attachants et réalistes.

Chris Foggin, jeune réalisateur né en 1985, signe ici son premier long métrage après avoir fait ses classes en tant que troisième assistant sur des films aussi divers que W.E. de Madonna (2011), le magnifique Deep Blue Sea de Terence Davies (2011), My Week with Marilyn de Simon Curtis (2011) et Le Dernier pub avant la fin du monde d’Edgar Wright (2013). Après quelques courts métrages, il décide d’adapter un scénario écrit par ses amis Sebastian De Souza et Preston Thompson, qui se sont également réservés les rôles respectifs de Milo, le petit ami d’Evelyn, et de Cassius, le pote bon vivant. Au générique, si le nom de Will Poulter ne dira pas forcément grand-chose aux spectateurs, ils reconnaîtront immédiatement sa tête (et ses sourcils) s’ils ont vu Les Miller, une famille en herbe, dans lequel il jouait le simplet Kenny. Vu depuis dans Le Labyrinthe et The Revenant, prochainement chez David Michôd et Kathryn Bigelow (excusez du peu), il porte ici brillamment le film sur ses épaules. Il fait dire qu’il est aussi très bien accompagné, puisque l’objet de son affection n’est autre que la divine Alma Jodorowsky, petite-fille d’Alejandro Jodorowski, aperçue dans La Vie d’Adèle et Juillet août de Diastème. Notons également la participation de Cara Delevingne, dans un rôle très secondaire, mais dont le visage désormais connu (tous comme les sourcils elle aussi) aide aujourd’hui à la distribution de Kids in love.

Ce qui fait la qualité de Kids in love, c’est le portrait juste et mélancolique d’une génération, prise entre le monde adolescent qu’ils viennent de quitter et le monde adulte qu’ils ne savent pas comment aborder. Jack (Will Poulter) est admis à Bristol et pense étudier l’histoire et le droit, pour devenir avocat. Du moins c’est ce que ses parents envisagent pour lui. Mais avant cela il décide de s’offrir une année sabbatique avec un de ses potes d’enfance. C’est alors qu’il rencontre Evelyn, jeune parisienne qui suit ses études à Londres, mais qui préfère faire la fête, profiter de la nuit et de ses amis bohèmes. Troublé, Jack découvre qu’il peut devenir maître de propre vie et ne pas se laisser dicter ses choix, quitte à décevoir ses parents. En d’autres termes, Jack devient un adulte.

Si le film peut parfois être redondant quand Jack et ses nouveaux amis passent de fiesta en fiesta, Kids in love se révèle être un film tendre, bien écrit et interprété, qui révèle la sensibilité d’un nouveau réalisateur et de ses scénaristes. Un bon et sympathique divertissement pour résumer.

LE DVD

Le test du DVD de Kids in love, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Pour la sortie de ce DTV dans les bacs, l’éditeur a honteusement mis Cara Delevingne au centre de la jaquette, où elle prend d’ailleurs tout le verso ! Mention spéciale au verso qui stipule « Après La Face cachée de Margo, l’égérie Chanel et Burberry, Cara Delevingne, se dévoile à nouveau dans un rôel qui lui colle à la peau ». Will Poulter et Alma Jodorowski doivent se contenter d’une toute petite apparition sur les angles supérieurs. L’arnaque de l’année quoi. Le menu principal est animé et musical.

Les suppléments se résument à la bande-annonce du film.

L’Image et le son

Ce master offre des conditions de visionnage banales et sans esbroufe. La colorimétrie est plutôt bien agencée, aux teintes pastel, mais la définition demeure passable, même sur les quelques plans rapprochés. La clarté est de mise, les contrastes corrects, cependant le piqué manque de précision et certaines séquences apparaissent plus ternes que d’autres.

Kids in love n’est pas à proprement parler d’un film à effets, mais les pistes anglaise et française Dolby Digital 5.1 parviennent à distiller ici et là quelques ambiances. La plupart des séquences reposent sur les dialogues et les mixages se concentrent souvent sur les enceintes avant. Il ne faut pas vous attendre à des effets explosifs, la spatialisation est essentiellement musicale, les effets latéraux sont rares et le caisson de basses s’anime lors des scènes de fiesta. Les voix des comédiens sont ardentes en version originale, tout comme en français, même si cette piste les met un peu trop à l’avant. Le confort acoustique est assuré tout du long. Même chose pour les deux pistes Stéréo. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé.

Crédits images : © Capelight pictures / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / L’Origine de la violence, réalisé par Elie Chouraqui

L’ORIGINE DE LA VIOLENCE réalisé par Elie Chouraqui, disponible en DVD le 18 janvier 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs : Richard Berry, Stanley Weber, César Chouraqui, Michel Bouquet, Miriam Stein, Catherine Samie, Romaine Cochet, Christine Citti…

Scénario : Élie Chouraqui, d’après le roman L’Origine de la violence de Fabrice Humbert

Musique : Cyril Étienne des Rosaies, Romain Poncet

Durée : 1h47

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Lors d’un voyage en Allemagne, un jeune professeur, Nathan Fabre, découvre au camp de concentration de Buchenwald la photographie d’un détenu dont la ressemblance avec son propre père, Adrien, le stupéfie.
De retour en France, le souvenir de cette photographie ne cesse de l’obséder. Face au silence de son père, il décide alors de se pencher sur l’histoire de sa propre famille. Les secrets qu’il y découvre bouleversent son existence.

À l’issue de sa quête, Nathan comprendra que le passé, même enfoui au plus profond des mémoires, finit toujours par ressurgir…

L’Origine de la violence est à la base un roman autobiographique de Fabrice Humbert, Prix Renaudot du livre de poche en 2010. Réalisateur éclectique, Elie Chouraqui (Paroles et Musique, Harrison’s Flowers) signe son retour au cinéma, sept ans après son dernier long métrage, Celle que j’aime. A travers cette histoire pleine de lourds secrets liés à la guerre, le réalisateur, qui adapte lui-même le livre original, y trouve une résonance particulière liée à sa propre vie. Ce sujet lui permet surtout de mettre en scène un film pensé comme une œuvre somme, qui résume tous ses précédents longs métrages. Seulement voilà, si le sujet est fort et ne peut évidemment pas laisser indifférent, la réalisation s’avère très mauvaise et l’interprétation laisse franchement à désirer.

Vraisemblablement tourné avec peu de moyens, L’Origine de la violence peine à sortir d’un carcan télévisuel avec des couleurs ternes, des acteurs neurasthéniques, une reconstitution fauchée, surtout en ce qui concerne les séquences dans le camp de concentration de Buchenwald, tournées réellement sur place. Du coup, même si l’histoire demeure intéressante et pleine de rebondissements tout du long, on peine à aller jusqu’au bout. Pourtant, Elie Chouraqui n’est pas un débutant, mais L’Origine de la violence frôle trop souvent l’amateurisme. Si Richard Berry et Michel Bouquet (qui remplaçait alors Michel Galabru) s’en sortent sans mal, Stanley Weber, découvert dans Le Premier Jour du reste de ta vie de Rémi Bezançon, demeure bien fade et campe un personnage peu attachant. César Chouraqui, fils du réalisateur, se voit également confier l’un des rôles principaux, un double-rôle en fait, dont il s’acquitte honorablement. Le poids du secret, la transmission, les amours contrariées et détruites par la guerre, la jalousie, la violence comme héritage génétique, la Shoah, le devoir de mémoire, la quête identitaire, comment profiter du présent si nous ne connaissons pas le passé, tous ces sujets sont abordés avec retenue, sans doute trop, tandis que la pauvreté technique finit par avoir raison de notre patience.

Tout le côté fiction-romanesque ne fonctionne pour ainsi dire jamais et s’avère extrêmement maladroit, embarrassant même, surtout ce qui concerne le passé et le présent qui s’entremêlent de façon artificielle et scolaire. Nous ne remettons pas en doute la sincérité et la sensibilité du cinéaste, c’est juste qu’Elie Chouraqui aurait dû bénéficier de plus de moyens pour aborder ce voyage au pays de la mémoire puisque l’on sent le metteur en scène trop restreint dans ses ambitions, ou tout simplement dépassé par l’envergure de ce projet. L’émotion est palpable, mais l’ensemble demeure trop froid, trop figé, académique, ronflant et laborieux pour réellement convaincre, surtout lorsque la musique fait office de sirop d’érable – même s’il s’agit de la 7ème symphonie de Beethoven – pour appuyer l’émotion.

LE DVD

Le test du DVD de L’Origine de la violence, a été réalisé à partir d’un check-disc. Pour la sortie du film dans les bacs, M6 Vidéo n’a pas repris le beau visuel de l’affiche du film et a préféré miser sur une jaquette plus conventionnelle, mais néanmoins attractive. Le menu principal est animé et musical.

Nous ne trouvons que la bande-annonce en guise d’interactivité.

L’Image et le son

Le transfert est lambda, propre, mais passe-partout. L’image est lisse est sans aspérité, les couleurs ternes tout du long, les contrastes corrects et les noirs denses. La compression tente de limiter les fourmillements, parfois avec du mal, le piqué déçoit, les détails manquent à l’appel. Tout cela est bien triste.

La piste Dolby Digital 5.1 spatialise correctement la musique du film, mais peine à donner un peu de vigueur aux dialogues, bien trop timides sur la centrale. N’hésitez pas à monter le son, ou tout simplement à sélectionner la version Stéréo, bien plus dynamique et percutante. Mauvais point : l’absence de sous-titres français destinés au public sourd et malentendant !

Crédits images : © L’Origine Productions / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Voir du pays, réalisé par Delphine Coulin et Muriel Coulin

VOIR DU PAYS réalisé par Delphine et Muriel Coulin, disponible en DVD le 10 janvier 2017 chez Diaphana

Acteurs : Soko, Ariane Labed, Ginger Romàn, Karim Leklou, Andreas Konstantinou, Makis Papadimitriouw…

Scénario : Delphine Coulin, Muriel Coulin d’après le roman de Delphine Coulin

Photographie : Jean-Louis Vialard

Durée : 1h42

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Deux jeunes militaires, Aurore et Marine, reviennent d’Afghanistan. Avec leur section, elles vont passer trois jours à Chypre, dans un hôtel cinq étoiles, au milieu des touristes en vacances, pour ce que l’armée appelle un sas de décompression, où on va les aider à « oublier la guerre ». Mais on ne se libère pas de la violence si facilement…

Depuis 17 filles, prix Michel-d’Ornano au Festival de Deauville en 2011, on attendait le retour de Delphine et Muriel Coulin derrière la caméra. Leur deuxième long métrage, Voir du pays est adapté du propre roman de Delphine Coulin et narre le retour d’Afghanistan de deux jeunes militaires françaises, interprétées par Soko et Ariane Labed. Mais avant d’être « relâchées », elles doivent comme leurs camarades passer dans un « sas de décompression », autrement dit un programme supposé leur apprendre à se détendre avant de retourner à la vie civile, si toutefois le retour à la vie normal s’avère possible.

Depuis 2008, les soldats français revenant du front sont ainsi accueillis dans un hôtel cinq étoiles à Chypre. Dans un cadre de carte postale, ces soldats sont soumis à des entretiens avec des psychologues, des cours d’aquagym, de relaxation, des sorties en bateau, mais aussi des tests et thérapies de groupes durant lesquels ils arborent des lunettes projetant en trois dimensions une reconstitution d’événements survenus qui ont pu les traumatiser. Pendant leur confession, un scientifique reconstitue en direct certains assauts dont ils ont les témoins, les acteurs et même les victimes au cours de ces six derniers mois. Si le terrain change du tout au tout, les soldats, programmés, demeurent sur le qui-vive et les réflexes conditionnés ne peuvent s’éteindre en un claquement de doigt. Chaque personnage porte en lui un trauma et apprend à vivre avec. Soko (A l’origine, Augustine, La Danseuse) et Ariane Labed (Une place sur la terre, Fidelio, l’odyssée d’Alice, The Lobster) sont remarquables et campent deux jeunes femmes venant de Lorient, deux amies, Marine et Aurore, entre 25 et 30 ans, qui doivent s’imposer face à leurs camarades de sexe masculin, constamment moquées et souvent menacées. En filigrane, le film interroge sur les raisons qui poussent une femme à partir à la guerre, mais aussi pourquoi est-ce toujours étrange et singulier de voir des jeunes femmes s’engager pour affronter un monde violent habituellement « réservé » aux hommes.

Si la dernière partie s’avère plus classique, Voir du pays vaut non seulement pour l’originalité de son sujet, pas ou peu abordé au cinéma, mais aussi et surtout pour la puissance du jeu de ses deux comédiennes principales, vibrantes et magnétiques, très investies (elles ont d’ailleurs suivi un entraînement militaire avec une coach qui a participé aux vrais sas avant de quitter l’armée), définitivement lancées. Voir du pays, titre ironique sur la promesse de dépaysement faite aux soldats qui souhaiteraient s’engager et qui finalement restent la plupart du temps confinés une fois arrivés sur le terrain, est une œuvre difficile, mais frontale, juste, sèche, documentée et surtout passionnante avec ce décor luminescent qui contraste avec la noirceur des témoignages des soldats. Projeté au Festival de Cannes 2016 dans la sélection Un certain regard, Voir du pays obtient le prix du meilleur scénario.

LE DVD

Le test du DVD de Voir du pays, disponible chez Diaphana, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur une des séquences du film.

Les suppléments sont malheureusement un peu limités. Les essais des comédiens (8’), Sylvain Loreau, tout d’abord seul puis rejoint ensuite par Karim Leklou et Alexis Manenti demeurent facultatifs.

En revanche, les séquences laissées sur le banc de montage (8’), au nombre de trois, sont un peu plus intéressantes, d’autant plus qu’elles sont introduites par un carton indiquant la raison de leur éviction. La première prolonge la fin en montrant les soldats accueillis par leur famille à l’aéroport. Les réalisatrices ont finalement préféré rester dans cet objectif du sas, en préservant la vie privée de leurs deux personnages. S’ensuivent quelques images d’un groupe de soldats en plein entrainement, parmi lesquels Soko. La troisième montre une scène de « détente » où toute la section se retrouve à chanter Gaby oh Gaby d’Alain Bashung lors d’un karaoké organisé par l’hôtel.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Comme d’habitude, Diaphana soigne le service après-vente. Si Voir du pays ne bénéficie pas d’une édition Haute-Définition, l’image du DVD est pour ainsi dire quasi-exemplaire. Les contrastes sont d’une densité rarement démentie, à part peut-être durant les séquences sombres où l’image paraît plus douce. Le reste du temps, la clarté demeure frappante, le piqué est affûté, les nombreux gros plans détaillés et la colorimétrie marquée par les décors naturels ocres et le bleu pastel du ciel reste chatoyante. Les détails sont légion aux quatre coins du cadre large et la copie restitue les partis pris esthétiques de la photo signée Jean-Louis Vialard, chef opérateur talentueux ayant officié chez Apichatpong Weerasethakul (Tropical Malady), Christophe Honoré (Dans Paris) et sur le premier film des soeurs Coulin.

Les pistes habituelles stéréo et DD 5.1 offrent un large confort suffisant pour un film de cet acabit. Le deuxième mixage est à privilégier en raison d’une spatialisation très convaincante et une délivrance des dialogues dynamique. Les ambiances naturelles ne sont pas oubliées tout comme le beau soutien des basses qui interviennent aux moments opportuns comme lors de la scène en boîte de nuit. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription pour aveugles et malvoyants.

*Crédits images : ©* Jérôme Prébois – Archipel 35 / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / A Swedish Love Story, réalisé par Roy Andersson

A SWEDISH LOVE STORY (En kärlekshistoria) réalisé par Roy Andersson, disponible en DVD le 2 novembre 2016 chez Potemkine Films

Acteurs : Ann-Sofie Kylin, Rolf Sohlman, Anita Lindblom, Bertil Norström, Lennart Tellfelt, Margreth Weivers…

Scénario : Roy Andersson

Photographie : Jörgen Persson

Musique : Björn Isfält

Durée : 1h53

Date de sortie initiale : 1970

LE FILM

En marge du monde des adultes prisonniers de leurs conventions et de leur mélancolie, Pär et Annica, avec l’ingénuité et la fraîcheur de leurs 15 ans, découvrent simplement l’envie et le bonheur d’aimer. Le temps d’un été à Stockholm…

Film culte et chéri des cinéphiles, A Swedish Love Story – En kärlekshistoria (1970), inédit en France à sa sortie, est le premier long métrage du réalisateur Roy Andersson, alors âgé de 27 ans. Une œuvre tournée avec peu de moyens durant l’été 1969 sous un soleil de plomb, principalement en son direct, en se focalisant sur les regards de ses jeunes comédiens et en ayant peu recours aux dialogues. Si son cinéma évoluera sur la forme, tout le cinéma de Roy Andersson est déjà présent dans A Swedish Love Story et même depuis ses premiers courts et moyens métrages.

Cette histoire d’amour entre deux adolescents foudroie en plein coeur encore près de cinquante ans après sa sortie et ce grâce à l’immense charisme et au naturel confondant du couple de jeunes comédiens, Ann-Sofie Kylin dans le rôle d’Annica et Rolf Sohlman dans celui de Pär. Annica et Pär découvrent l’envie et le bonheur d’aimer en dépit du triste spectacle des adultes qui les entourent. Joli succès à sa sortie, le film est encensé par la critique et le public, y compris par certains monstres du cinéma, dont Ingmar Bergman lui-même, Roy Andersson étant directement considéré comme un nouveau maître du naturalisme. Touché par la grâce, chef d’oeuvre de délicatesse, réaliste, triste et pourtant solaire, A Swedish Love Story subjugue d’entrée de jeu avec son cadre singulier qui se focalise sur deux jeunes adolescents qui vont se rencontrer par hasard au cours d’un même repas.

Chacun semble s’ennuyer au milieu de tous ces adultes plongés dans des discussions sans fin, pour ne pas dire sans aucun sens. Les regards, nimbés de tristesse et de mélancolie, s’attirent et très vite Pär et Annica ne peuvent plus s’empêcher de s’observer, sans rien dire. Mais ce silence en dit long, ils se reconnaissent l’un dans l’autre et souhaitent tous les deux la même chose, trouver un réconfort, des bras dans lesquels se blottir, sans penser à rien d’autre qu’à l’instant présent et loin du monde absurde des adultes dans lequel ils ne vont pas tarder à entrer.

C’est un véritable coup de foudre. Sans caricature, mais avec une immense sensibilité et un sens quasi-organique de la mise en scène, Roy Andersson capture l’indicible, l’instant où les coeurs s’emballent conjointement, celui où un couple sait qu’il ne pourra pas se passer l’un de l’autre, au moment où les sentiments sont les plus purs et pas encore parasités par l’inconsistance du morne et frustrant quotidien des grandes personnes. L’instant se fige et les deux souhaitent qu’il le reste le plus longtemps possible, même s’ils sont conscients tous les deux que la vie les rattrapera forcément. Contrairement aux futurs longs métrages de Roy Andersson, A Swedish Love Story est un film rempli de vie qui fait chaud au coeur, qui donne envie d’aimer et d’être aimé. Un vrai miracle de film, électron libre dans une des filmographies les plus atypiques du cinéma européen, cette chronique douce-amère n’a pas fini de faire de conquérir de nouveaux adeptes.

LE DVD

Le test du DVD de A Swedish Love Story a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Cette édition contient deux courts et un moyen métrage de Roy Anderson, Visite chez le fils – Besöka sin son (1967), Chercher un vélo – Hämta en cykel (1968) et Samedi 5 octobre – Lördagen den 5.10 (1969), qui imposent d’emblée le cadre atypique, les thèmes et le rythme que l’on retrouvera dans A Swedish Love Story en 1970 avec ces célèbres gros plans, l’histoire d’amour entre deux jeunes personnes, une mélancolie qui imprègne l’histoire, le désir de s’affranchir de sa famille et de s’échapper du quotidien, les appartements modestes, les repas, les promenades à la campagne. Si le premier film pose les bases et le second expérimente le cadre, le troisième s’avère un vrai petit chef d’oeuvre, au même titre que A Swedish Love Story.

L’Image et le son

Ce DVD est issu de la copie restaurée sortie au cinéma en 2015. L’image est d’une propreté jamais démentie, stable, et certaines séquences sortent du lot avec une très belle luminosité et un piqué ciselé. Le grain original est respecté et bien géré. N’oublions pas les couleurs estivales qui font honneur au support. Le format original est conservé, la profondeur de champ fort appréciable. Notons tout de même quelques plans flous, divers mouvements de caméra qui entraînent de légères pertes de la définition, des séquences sombres moins précises avec des noirs tirant sur le bleu et des visages légèrement rosés ou cireux. Néanmoins, l’encodage demeure solide.

Seule la version originale aux sous-titres français imposés est disponible. Le confort acoustique est assuré avec un espace phonique probant, des dialogues clairs, nets, tout comme la musique très bien délivrée. Aucun souffle ne vient parasiter les scènes silencieuses et l’ensemble reste propre.

Test DVD / Irréprochable, réalisé par Sébastien Marnier

IRREPROCHABLE réalisé par Sébastien Marnier, disponible en DVD le 6 décembre 2016 chez Orange Studio

Acteurs : Marina Foïs, Jérémie Elkaïm, Joséphine Japy, Benjamin Biolay, Jean-Luc Vincent, Véronique Ruggia…

Scénario : Sébastien Marnier, Samuel Doux

Photographie : Laurent Brunet

Musique : Zombie Zombie

Durée : 1h43

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Sans emploi depuis un an, Constance revient dans sa ville natale quand elle apprend qu’un poste se libère dans l’agence immobilière où elle a démarré sa carrière, mais son ancien patron lui préfère une autre candidate plus jeune. Constance est alors prête à tout pour récupérer la place qu’elle estime être la sienne.

Irréprochable, thriller social et psychologique nappé d’humour noir, a révélé un nouveau réalisateur et auteur en 2016, Sébastien Marnier. Journaliste et écrivain (Mimi, Une vie de petits fours), il a également signé quelques courts métrages, dont Le Grand avoir en 2002 et Le Beau Jacques en 2003 avec Philippe Nahon. Véritable coup de maître sorti au milieu de blockbusters estivaux, porté par une critique quasi-unanime, Irréprochable offre à Marina Foïs son plus grand rôle. Elle est terrifiante dans la peau de Constance, agent immobilière au chômage à Paris. Sans appartement et vivant du RSA, elle décide de retourner dans sa ville natale en Charente-Maritime, où vit également sa mère hospitalisée, pour essayer de pourvoir un emploi dans l’agence où elle a commencé sa carrière. Une jeune concurrente, Audrey, obtient le poste à sa place en acceptant d’être moins payée. Dès lors, Constance, considérant subir une injustice et mériter l’emploi, va tout faire pour le récupérer. Elle se met à suivre la jeune femme et parvient à s’immiscer dans sa vie. Portrait intime, anxiogène et glaçant d’une véritable sociopathe, Irréprochable est un fascinant portrait de femme trouble et désaxée, qui est pourtant persuadée de bien faire les choses, en étant « irréprochable », sans jamais se remettre en question.

Marina Foïs parvient à rendre humain son personnage pourtant monstrueux. Son phrasé unique et particulier, sa voix basse, son regard fuyant, renvoient à l’un de ses personnages des Robin des Bois, Sophie Pétoncule, comme si elle nous en présentait son côté obscur. La comédienne est excellemment épaulée par Jérémie Elkaïm, ancien amant de Constance qu’elle fait tourner en bourrique, Joséphine Japy (Le Moine, Cloclo, Respire) dans le rôle d’Audrey, la jeune femme qui gêne Constance, Benjamin Biolay, rencontre dans le TGV qui devient l’amant de Constance. L’histoire glaçante contraste avec très belle la photo chaude et estivale signée Laurent Brunet (La Petite Jérusalem, Free Zone, Séraphine). La composition du groupe français électro Zombie Zombie distille également un malaise du début à la fin, comme si les mélodies étaient branchées sur la psyché et le rythme cardiaque du personnage principal.

Malgré ses actes odieux et grâce à l’interprétation, y compris physique, de la comédienne, on ressent une certaine affection pour Constance, qui n’est sûrement pas devenue un monstre-humain du jour au lendemain et surtout sans raison. Il y a donc quelque chose de foncièrement touchant chez cette femme déséquilibrée et impulsive, qui se laisse envahir par ses émotions et qui en viendra à commettre l’irréparable pour arriver à ses fins, telle une voiture-bélier que plus rien ne peut arrêter, sans jamais penser aux conséquences de ses actes. Tel un soldat, pour ne pas dire machine de guerre, Constance partage son temps libre entre un entraînement physique et athlétique exténuant et la manipulation de ceux qui l’entourent. Pathétique, drôle, mais foncièrement inquiétante, mythomane, vénéneuse, déterminée et manipulatrice, Constance est un personnage qui va marquer les esprits des cinéphiles.

En toute logique, nous devrions retrouver Irréprochable à la prochaine cérémonie des César où le film pourrait rafler les compressions du Meilleur premier film et pour lequel Marina Foïs peut largement prétendre à celle de la Meilleure actrice. Les paris sont ouverts !

LE DVD

Le visuel de la jaquette d’Irréprochable, disponible chez Orange Studio, reprend celui de l’affiche d’exploitation estampillée des critiques élogieuses. Le menu principal est animé sur la musique de Zombie Zombie.

L’éditeur nous propose 12 minutes de scènes coupées, non étalonnées et non mixées, durant lesquelles Constance fait semblant de s’évanouir au milieu de ses anciennes amies, une autre où Constance allume littéralement Philippe (Jérémie Elkaïm) avant de se rétracter, ce qui rend furieux ce dernier, qui la vire de chez lui. Outre une autre séance de sport, la scène où Gilles (Benjamin Biolay) offre à Constance un sex-toy au cours d’un dîner est proposée en version longue.

Un minuscule making of de 6 minutes, suit le tournage une journée durant l’été 2015. L’occasion de voir l’investissement physique de Marina Foïs et de Joséphine Japy (courir sous un soleil de plomb), mais également le réalisateur Sébastien Marnier à l’oeuvre avec sa comédienne, ainsi que le soutien de l’équipe technique, en particulier le chef opérateur Laurent Brunet. Quelques propos des actrices, du cinéaste et de la productrice Caroline Bonmarchand sont également au programme.

L’Interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Malgré l’engouement critique et public, il semble qu’Orange n’ait pas jugé bon de sortir Irréprochable en Blu-ray. Il faudra donc se contenter de cette édition standard, mais heureusement la qualité est là. Les couleurs sont bien loties, entre chaud et froid, le piqué est suffisamment affûté, la clarté de mise sur toutes les séquences en extérieur et les contrastes élégants. Les détails ne manquent pas sur le cadre large, les noirs sont denses. On aurait vraiment aimé une édition HD !

Le mixage Dolby Digital 5.1 instaure un excellent confort acoustique en mettant l’excellente composition de Zombie Zombie en avant, tout en délivrant les dialogues avec ardeur, sans jamais oublier les effets et ambiances annexes. Quelques basses soulignent également diverses séquences. La piste Stéréo s’en donne également à coeur joie, se révèle dynamique et même percutante dans son genre. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Test DVD / Désir meurtrier, réalisé par Shōhei Imamura

DESIR MEURTRIER (Akai Satsui) réalisé par Shôhei Imamura, disponible en DVD le 15 novembre 2016 chez Elephant Films

Acteurs : Masumi Harukawa, Kô Nishimura, Shigeru Tsuyuguchi, Yûko Kusunoki, Ranko Akagi, Tomio Aoki…

Scénario : Shôhei Imamura, Shinji Fujiwara, Keiji Hasebe

Photographie : Shinsaku Himeda

Musique : Toshirô Mayuzumi

Durée : 2h30

Date de sortie initiale : 1964

LE FILM

Après avoir accompagné son mari à la gare et envoyé son fils chez sa belle-mère, Sadako est suivie jusque chez elle par un jeune homme. Celui-ci force la porte de sa maison et la viole. La jeune femme, humiliée, en garde le secret. Quelques jours plus tard, Hiraoka, revient et lui explique que malade du cœur, il ne lui reste que peu de temps à vivre. Une passion déchainée va lier ces deux amants et Sadako ne voit qu’une seule issue: la mort.

Désir meurtrier (Akai Satsui) est considéré à juste titre comme étant l’un des plus grands films de Shôhei Imamura. Réalisé en 1964, entre La Femme insecte (1963) et Le Pornographe (1966), ce septième long métrage du maître japonais demeure un sommet dans une filmographie pourtant exigeante. Dans une maison en bois, au bord d’une voie ferrée, vit un couple modeste dont la femme, Sadako, une femme un peu naïve et que son compagnon n’a pas reconnu comme épouse légitime, mène une vie résignée, entièrement vouée à son foyer, à son mari, à la mère (cruelle) de celui-ci et à son fils adoptif. Un soir d’hiver, en l’absence de son époux, elle est violée par un cambrioleur qui s’est introduit chez elle. Cet homme, Hiraoka, provoque un déclic dans sa vie monotone, un électrochoc révélateur. Sadako décide de garder le silence et n’en dit rien à son mari, Koichi. Quelques jours plus tard, son agresseur, Hiraoka, revient et lui explique qu’il est atteint d’une maladie du cœur et qu’il ne lui reste plus que quelques jours à vivre. Contre toute attente, ils entament une relation passionnelle, malsaine et morbide, qui n’échappera pas à un funeste dénouement.

Remarquable drame traitant de la condition féminine dans une société où elle n’a quasiment aucun droit ni autorité, Désir meurtrier étend son histoire sur près de 2h30 afin de faire ressentir le chamboulement physique et psychologique de son personnage principal. Complexe et ambigu, ce portrait de femme soumise car comme l’indique un carton en présentation « Il faut obéir aux règles de la famille car sans règles un foyer ne peut pas fonctionner » fustige les rites et coutumes éculés, pour ne pas dire stupides, d’un pays qui souhaite pourtant s’ouvrir au monde moderne et en plein boom économique. Originale, virtuose, passionnée, cette étude sur la psyché féminine subjugue également sur la forme. Soutenu par la merveilleuse photographie de Shinsaku Himeda, Shôhei Imamura joue avec le cadre, qu’il fige pendant quelques secondes, avant de proposer un montage plus découpé, qui reflète le trauma et la révélation de Sadaka, magnifiquement interprétée par Masumi Harukawa, qui se livre corps et âme à la caméra du cinéaste. On s’attache très vite à cette jeune femme bien en chair, enfermée chez elle et qui voit quotidiennement les trains passés devant chez elle, symboles d’un ailleurs qu’elle ne connaîtra probablement jamais.

Comme dans la plupart des films d’Imamura, Désir meurtrier est marqué par une dimension documentaire, à l’instar de la scène d’au revoir au mari de Sadaka au début du film, dans laquelle on retrouve l’oeil aiguisé de l’entomologiste qu’était le réalisateur depuis son premier film et qui aimait étudier ses contemporains. Ce mari entretient une relation essentiellement charnelle avec une collègue de bureau, qu’il connaissait avant de rencontrer Sadako. Apprenant que cette dernière entretiendrait également une liaison, la jalousie le pousse à espionner sa femme par l’intermédiaire de sa propre maîtresse. Les pulsions sexuelles dominent et renvoient les êtres humains à leur animalité, qui se laissent dévorer et conduire par leurs envies soudaines, qu’ils n’expliquent pas. C’est évidemment le cas pour Sadako qui pour la première fois de sa vie ressent le plaisir et l’épanouissement sexuel durant le viol, scène par ailleurs très impressionnante par sa crudité, qui a fait scandale à la sortie du film. On pense évidemment au récent et formidable Elle de Paul Verhoeven, dans lequel Isabelle Huppert incarne une femme qui entretient une relation trouble avec l’homme qui l’a violée.

C’est dire si Shôhei Imamura était en avance sur son temps, ainsi que sur ses confrères de la nouvelle vague japonaise, et que Désir meurtrier demeure toujours aussi provocateur et violent, y compris dans sa forme éclatée et marquée par des flashbacks. Un indispensable et audacieux chef d’oeuvre.

LE DVD

Désir meurtrier est à ce jour le seul film de Shôhei Imamura édité seulement en DVD par Elephant Films dans sa collection Cinéma Master Class – La Collection des Maîtres, avec un joli fourreau cartonné. Le visuel de la jaquette est vraiment très élégant, tout comme le menu principal, animé et musical.

En plus d’un livret de 20 pages intitulé Shōhei Imamura, maître des désirs inassouvis par Bastian Meiresonne, de bandes-annonces (dont celles de la première salve Imamura sortie fin 2015 chez l’éditeur), d’une galerie de photos et des credits du disque, nous trouvons une excellente présentation de Désir meurtrier par Stephen Sarrazin (11’). Notre interlocuteur, spécialiste du cinéma japonais, est ici plus prolixe que sur les autres films de cette salve et commence d’emblée en indiquant que nous sommes ici en présence d’un des très grands films du maître. Les thèmes du film sont analysés, tout comme la dimension sociale et culturelle de ce chef d’oeuvre. L’histoire et les personnages sont également passés au peigne fin par Stephen Sarrazin.

L’Image et le son

Dommage de ne pas bénéficier d’un master HD pour ce titre, car la copie s’en sort très bien. Les partis-pris de la photographie de Shinsaku Himeda sont respectés, la copie est plutôt stable et propre, le cadre large ne manque pas de détails et la définition demeure solide tout du long. Le N&B aurait pu être plus dense et quelques fourmillements restent notables à plusieurs reprises, surtout sur les séquences sombres, mais ce DVD est vraiment très beau.

Point de version française, mais une uniquement la piste originale japonaise Dolby Digital Mono. Cette unique option acoustique s’avère riche, propre et précise. Le report des voix est appréciable, tout comme la musique, malgré quelques échanges sensiblement plus étouffés, mais les saturations sont évitées et l’ensemble est au final suffisamment dynamique et sans souffle parasite.