Catégorie : Comédie

Test Blu-ray / Baywatch : Alerte à Malibu, réalisé par Seth Gordon

BAYWATCH : ALERTE À MALIBU (Baywatch) réalisé par Seth Gordon, disponible en DVD, Blu-ray et 4K Ultra HD chez Paramount Pictures le 24 octobre 2017

Acteurs :  Dwayne Johnson, Zac Efron, Priyanka Chopra, Alexandra Daddario, Kelly Rohrbach, Ilfenesh Hadera…

Scénario : Damian Shannon, Mark Swift d’après une histoire originale de Jay Scherick, David Ronn, Thomas Lennon, Robert Ben Garant et la série créée par Michael Berk, Douglas Schwartz et Gregory J. Bonann

Photographie : Eric Steelberg

Musique : Christopher Lennertz

Durée : version cinéma (1h56) / version longue (2h01)

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Le légendaire sauveteur Mitch Buchannon est contraint de s’associer à une nouvelle recrue, Matt Brody, aussi ambitieux que tête brûlée ! Ensemble, ils vont tenter de déjouer un complot criminel qui menace l’avenir de la Baie…

Bon…pourquoi et comment réaliser une critique pour Baywatch : Alerte à Malibu, adaptation cinématographique de la série du même nom ? Bah parce que le film est là, que c’est une comédie qui n’a aucune autre prétention que de faire rire et que le contrat est rempli. En plus de ça, le film est produit et interprété par Dwayne – The Rock – Johnson, probablement l’acteur le plus cool aujourd’hui, qui est ici accompagné de merveilleuses naïades super-sexy, mais aussi et surtout pleines d’autodérision.

Lorsqu’une dangereuse vague de crimes frappe Malibu, le légendaire Lieutenant Mitch Buchannon, entouré de son équipe de sauveteurs d’élite, prend les choses en main pour protéger la baie et démasquer les coupables. Mitch est rejoint par trois nouvelles recrues triées sur le volet, dont l’ancien athlète, champion olympique mais très controversé, Matt Brody. Ensemble, ils enquêteront et risqueront l’impossible pour dénoncer l’impitoyable femme d’affaires, dont les plans diaboliques menacent l’avenir de la baie.

A la fin des années 1980, la série Alerte à Malibu aka Baywatch en version originale, est lancée sur le réseau NBC. Le principe est simple : filmer au ralenti des jeunes femmes et des jeunes hommes en maillot de bain rouge sur la plage – normal puisqu’ils sont sauveteurs – menés par un David Hasselhoff torse-poils, quand ils doivent venir au secours de nageurs qui se sont baignés trop tôt après avoir mangé, ou parce qu’ils se sont fait piquer par une méduse. Le prétexte est bon, tant que les acteurs et actrices, les actrices surtout, sont filmées comme dans une pub pour un shampoing ou le dentifrice Ultra-Brite. Les spectateurs s’emballent très vite. Résultat, la série vivra onze saisons jusqu’en 2001, se composera de 243 épisodes de 45 minutes, et deviendra surtout la série télévisée la plus regardée au monde avec plus d’un milliard de téléspectateurs par semaine. Après plusieurs téléfilms et une série dérivée (Un privé à Malibu), le film était donc inévitable.

Plus de quinze ans après l’arrêt de la série et plus de 25 ans après son lancement, ce qui était premier degré et ce qui faisait son triomphe, est ici à peine détourné et pourtant provoque un rire teinté de nostalgie. Seth Gordon, réalisateur des cartons US Tout…sauf en famille (2008), Comment tuer son boss ? (2011) et Arnaque à la carte (2013), prend ici les commandes d’une belle superproduction au budget de 70 millions de dollars. Au programme de Baywatch : Alerte à Malibu le film ? Des boobs, des blagues de cul, des blagues avec des pénis en érection coincés dans un transat, des boobs, des scènes d’action invraisemblables, des blagues avec du formol et des morts dans une morgue, des boobs et…ah oui encore des blagues de cul. Et croyez-le ou non, ça fonctionne. Ça marche bien car le casting est au top. Si Dwayne Johnson mène son équipe sans se forcer, avec un charisme de dingue, une spontanéité, une bonne humeur naturelle et un sourire immédiatement empathique, il est très bien épaulé. Le casting féminin se compose des divines, des sublimes, des über-sexy, des sculpturales (oui bon j’arrête) Alexandra Daddario (tu te souviens de la première saison de True Detective ?) et des méconnues, mais qu’on ne demande qu’à connaître personnellement, Kelly Rohrbach (mannequin aperçue dans Café Society de Woody Allen et prochainement dans A Rainy Day in New York du même cinéaste) qui reprend le rôle autrefois tenu par Pamela Anderson, ainsi qu’Ilfenesh Hadera, amazone d’1m80 qui reprend le personnage de Stephanie Holden aka Alexandra Paul. Bon, puisqu’ils sont là autant en parler, ces demoiselles sont accompagnées de Zac Efron (dans le rôle de Matt Brody, anciennement David Charvet), dont les abdos et biceps paraissent réalisés en images de synthèse (non, je ne suis pas jaloux de « ça »), sans oublier le jeune Jon Bass, l’élément nouveau de la troupe, le mec de tous les jours, bedonnant, souriant, timide, mais volontaire et fou amoureux de C.J.

Toutes ces belles personnes bronzées vont unir leurs forces pour démanteler un réseau de trafic de drogue, organisé par la perfide (et aussi canon que le reste de la bande) Victoria Leeds, interprétée par Priyanka Chopra, actrice indienne, chanteuse, mannequin et même ancienne Miss Monde 2000. Autant dire que cette dernière, peu habituée à tourner dans un film de cet acabit(e) dans son pays, s’en donne ici à coeur joie. L’intrigue est donc évidemment complètement anecdotique, mais du moment que les scènes se tiennent et que la bonne humeur soit contagieuse, nous n’en demandons pas plus.

Il n’y a pas tromperie sur la marchandise, on ne va pas voir Baywatch – Alerte à Malibu pour espérer se perdre dans les méandres d’un esprit malade ou dans une histoire tortueuse et kafkaïenne. On se marre pendant deux heures. Pur produit formaté pour l’été, on déguste ce buddy-movie comme un bon Magnum. C’est bourré d’huile de palme, ce n’est pas bon pour la santé, mais ça fait un bien fou. Les nanas sont belles et à se damner, tous les acteurs sont bons et attachants, les répliques graveleuses et trash fusent à cent à l’heure et voilà le film est terminé. Ah oui pour ceux qui se le demandaient, David Hasselhoff et Pamela Anderson sont bien de la partie. Si Baywatch : Alterte à Malibu n’a pas eu le succès escompté avec son budget à peine rentabilisé aux Etats-Unis, l’Europe a accueilli le film les bras ouverts avec plus d’1,5 million d’entrées en France et près de 2 millions en Allemagne. Et pourquoi pas une suite ?

LE BLU-RAY

Le test de l’édition HD de Baywatch : Alerte à Malibu, disponible chez Paramount Pictures, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et muet. A noter que le film est disponible dans son montage cinéma (1h56) et en version longue (2h01) qui n’apporte absolument rien de plus.

Comme c’est souvent le cas chez l’éditeur, les bonus sont inutilement divisés. Les modules intitulés A la rencontre des sauveteurs (21’30), Poursuivre l’héritage (9’30) et Cascades et entraînement (9’) sont constitués des mêmes intervenants (acteurs, producteurs et réalisateur essentiellement), tous en monde promo à fond, qui affichent un sourire à s’en décrocher la mâchoire, un teint bronzé limite vermillon et une pèche d’enfer. Le truc, c’est qu’ils le font bien. Ces suppléments ne vont certes pas loin dans l’info (The Rock sent bon, Alexandra Daddario est bonne, Ilfenesh Hadera n’aime pas la salade de thon), mais la bonne humeur est franchement contagieuse, à l’image du film. Les personnages sont présentés, ainsi que « l’histoire », tout le monde fait référence à la série originale (d’ailleurs Pamela Anderson vient dire quelques mots, profitez-en pour régler le contraste de votre télé), les images de tournage et des coulisses abondent. On passe un bon moment.

Cette section se compose également de 10 minutes de scènes coupées ou proposées en version longue. Des séquences qui prolongent les moqueries de Mitch envers Matt, la maniaquerie de Stephanie ou bien encore l’infiltration de l’équipe à l’hôpital.

L’Image et le son

Fidèle à sa réputation, Paramount livre un master HD irréprochable et rutilant de Baywatch : Alerte à Malibu, tourné au moyen de la caméra Arri Alexa XT Plus. Les contrastes affichent une densité exceptionnelle, le piqué est tranchant comme une lame de rasoir, les scènes diurnes sont éclatantes, la colorimétrie est étincelante (plus pastel sur les séquences à effets spéciaux), la profondeur de champ irréprochable. Le léger grain de la photo est respecté, les détails abondent sur le cadre large, sur le crâne de The Rock, les visages et les décolletés (m’enfin), bref, le transfert est resplendissant. Apport HD validé pour ce titre.

Paramount sort l’artillerie lourde avec une version originale Dolby Atmos , compatible Dolby TrueHD 7.1 ! Dès l’apparition du titre « hénaurme » après le premier sauvetage, les latérales distillent des effets latéraux qui appuient chaque séquence agitée (l’incendie, le feu d’artifice, la poursuite) et tant pis si parfois ça n’est pas très naturel. Le caisson de basses soutien allègrement toutes les scènes d’action, la musique de Christopher Lennertz explose, c’est un très bon spectacle acoustique. A côté, la piste française fait pâle figure avec son petit encodage Dolby Digital 5.1, même si elle conviendra aux allergiques à la version originale, avec son ouverture sympatoche des enceintes frontales, des arrière qui assurent et son doublage honteux mais rigolo.

Crédits images : © Paramount Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Comment j’ai rencontré mon père, réalisé par Maxime Motte

COMMENT J’AI RENCONTRÉ MON PÈRE réalisé par Maxime Motte, disponible en DVD chez M6  Vidéo le 11 octobre 2017

Acteurs :  François-Xavier Demaison, Isabelle Carré, Albert Delpy, Diouc Koma, Owen Kanga, Robert Lemaire…

Scénario : Maxime Motte, David Charhon

Photographie : David Chambille

Musique : Mateï Bratescot

Durée : 1h22

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Un couple, parents adoptifs d’Enguerrand, un petit enfant africain, habite en Normandie près de la mer, non loin du lieu stratégique permettant aux clandestins de se rendre en Angleterre. Une nuit, Enguerrand croise le chemin d’un migrant, Kwabéna, à la peau noire comme la sienne. Pour lui, c’est sûr, il s’agit de son père biologique ! Il décide donc de l’héberger dans sa chambre, à la grande surprise de ses parents… De péripéties en rebondissements, l’aventure pourrait bien souder la famille comme jamais…

Mignonnet. Voilà notre ressenti à la fin de Comment j’ai rencontré mon père, premier long métrage de Maxime Motte, provenant directement de son court-métrage homonyme réalisé en 2009. Difficile de parler de la situation des migrants, réfugiés et sans papiers à travers le registre de la comédie. On ne sait pas trop quelles étaient les intentions originales du réalisateur-scénariste, mais rien n’est réaliste ici. Mieux vaut espérer que le film ait été pensé comme une fable et même un conte afin d’apprécier Comment j’ai rencontré mon père, qui s’avère un divertissement honnête.

Enguerrand, un petit garçon d’origine africaine, a été adopté par Eliott et Ava. Avec maladresse mais amour, ces derniers assument tant bien que mal leur statut de parents. De son côté, Enguerrand ne cesse de demander à voir son père biologique. Il ignore qu’il est décédé. Quand Enguerrand croise le chemin de Kwabena, un migrant, il pense avoir retrouvé son papa. Il décide donc de l’héberger dans sa chambre. Kwabena se rend rapidement compte que le petit garçon a été accueilli dans une bonne famille. La présence de l’invité-surprise va permettre à Eliott et Ava de se remettre en question.

On avait déjà pu apercevoir Maxime Motte en tant que comédien chez David Charhon dans Cyprien (du moins pour ceux qui ont eu le courage de visionner cette chose) et le grand succès De l’autre côté du périph, ainsi que dans le superbe Exercice de l’État de Pierre Schoeller. Egalement scénariste, notamment des Naufragés avec Daniel Auteuil (qu’il a coécrit avec David Charhon), Maxime Motte a donc naturellement demandé à son complice de cosigné avec lui le scénario de Comment j’ai rencontré mon père. Comme c’est souvent le cas, ce premier long métrage ne se démarque pas du tout-venant, mais repose en grande partie sur son casting et de ce point de vue-là l’excellente Isabelle Carré et François-Xavier Demaison, qui s’étaient déjà donné la réplique dans Tellement proches du duo Nakache-Toledano, accompagnés du truculent Albert Delpy assurent et se démènent pour qu’on ne s’ennuie pas. Du moins pas autant qu’on pouvait le craindre.

Le problème de Comment j’ai rencontré mon père, c’est que Maxime Motte se trouve pris au dépourvu et ne sait plus trop quoi broder autour de son court-métrage qui durait à peine dix minutes. Heureusement, l’intérêt va quand même en grandissant, jusqu’à un dernier acte qui détonne certes par rapport au reste, mais qui s’avère drôle, sans pathos, burlesque, jusqu’à une scène finale qui emporte l’adhésion et laisse une bonne impression quand le générique apparaît au bout de 80 minutes. On pense alors à Little Miss Sunshine, qui a inspiré moult « feel good movies » depuis sa sortie en 2006, même si le film de Maxime Motte reste bien trop modeste et enfermé dans un carcan typique du cinéma français. Un cinéma qui souhaite parler de choses graves ou importantes à travers l’humour, mais qui tombe finalement dans le piège, celui d’avoir peur de ne pas parvenir à divertir l’audience et qui préfère donc miser sur quelques gags même éculés.

La mise en scène fonctionnelle, aidée par une jolie photo qui met en valeur la beauté de la Côte d’Opale – d’où est originaire le metteur en scène – parvient à maintenir suffisamment l’intérêt du spectateur, ce qui est en soi un challenge que de nombreux jeunes réalisateurs français ne parviennent pas à relever et qui disparaissent quasiment du jour au lendemain. Ce qu’on ne souhaite pas à Maxime Motte, même si l’échec dans les salles de Comment j’ai rencontré mon père a été plutôt important avec à peine 50.000 entrées à sa sortie.

LE DVD

Pas de sortie HD pour Comment j’ai rencontré mon père, disponible chez M6 Vidéo, en raison du peu d’entrées réalisées dans les salles. En revanche, le visuel de l’affiche du film n’a pas été repris pour cette sortie dans les bacs. La jaquette affiche donc le couple vedette en compagnie du petit acteur, de façon beaucoup plus rapprochée que l’affiche originale, qu’on préférait largement. Le menu principal est peu recherché, standard, animé sur une séquence du film.

M6 Vidéo ne s’embête pas trop pour cette édition, qui semble avoir été réalisée à la va-vite. Deux scènes coupées (1’30 au total) montrent une sortie d’école assez amusante et la création en cachette d’un profil sur un site de rencontre entre les pensionnaires de la maison de retraite.

Le court-métrage Comment j’ai rencontré mon père (7’-2009) est également disponible. Dans un petit village de bord de mer, un petit garçon de six ans rêve de rencontrer son père biologique. David Charhon, complice de Maxime Motte, interprète le père adoptif du petit garçon.

L’interactivité se clôt sur une petite vidéo montrant le réalisateur Maxime Motte en pleine séance de coaching avec le jeune Owen Kanga (2’).

L’Image et le son

Point d’édition Blu-ray, mais un beau DVD pour Comment j’ai rencontré mon père. M6 Vidéo soigne le master avec des contrastes élégants, à part peut-être durant les séquences sombres où l’image paraît plus douce et moins affûtée, mais cela demeure franchement anecdotique. La clarté demeure frappante, le piqué est vif, les gros plans détaillés et la colorimétrie reste chatoyante, riche et bigarrée.

Le Mixage Dolby Digital 5.1 délivre de rares ambiances naturelles, à part sur les séquences de plage et l’action demeure essentiellement frontale. Les dialogues sont saisissants sur l’enceinte centrale et la balance gauche-droite dynamique, mais les latérales exsudent avec trop de parcimonie les quelques effets attendus. Seule la musique (très présente) offre un semblant de spatialisation. La piste Stéréo est de fort bon acabit et s’avère bien suffisante. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © SND/  Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Le Retour des morts-vivants, réalisé par Dan O’Bannon

LE RETOUR DES MORTS-VIVANTS (The Return of the Living Dead ) réalisé par Dan O’Bannon, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume le 20 novembre 2017

Acteurs :  Clu Gulager, James Karen, Don Calfa, Thom Mathews, Beverly Randolph, John Philbin, Jewel Shepard, Miguel A. Núñez Jr., Brian Peck, Linnea Quigley, Mark Venturini, Jonathan Terry…

Scénario : Dan O’Bannon, d’après une histoire de Rudy Ricci, John A. Russo et Russell Streiner

Photographie : Jules Brenner

Musique : Matt Clifford

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1985

LE FILM

Le jour de son embauche dans un entrepôt médical, le jeune Freddy et son oncle, découvrent de vieux containers abandonnés par l’armée. En s’en approchant d’un peu trop près, les deux compères libèrent par erreur un gaz toxique ayant la particularité de ramener les morts à la vie. Rapidement le gaz se propage vers un cimetière voisin…

Les évènements décrits dans ce film ont eu lieu. Les noms sont ceux de personnes et d’entreprises réelles.

En 1985, Le Retour des morts-vivants – The Return of the Living Dead sort quelques semaines avant Le Jour des morts-vivants – Day of the Dead de George A. Romero. Réalisé par Dan O’Bannon, scénariste de Dark Star de John Carpenter (1974), d’Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979), de Tonnerre de feu de John Badham (1983) et plus tard de Lifeforce (1985) et de L’Invasion vient de Mars (1986) de Tobe Hooper, sans oublier Total Recall de Paul Verhoeven (1990) et Planète hurlante de Christian Duguay (1995), ce « Retour » mise avant tout sur l’humour, mais n’oublie pas d’effrayer (gentiment) les spectateurs qui sont venus avant tout pour se distraire, avoir peur et s’amuser. Mission accomplie puisque non seulement Le Retour des morts-vivants sera un bien plus grand succès que Le Jour des morts-vivants en rapportant le double de dollars au box-office, mais il est aussi devenu instantanément culte.

Un vendredi soir, Frank et son neveu Freddy qui démarre dans l’entreprise UNEEDA, société de fournitures médicales, font l’inventaire de l’entrepôt. Accidentellement, ils libèrent un gaz toxique d’un conteneur militaire stocké dans la cave de l’entreprise depuis la fin des années soixante. Ce baril provient d’une livraison mal expédiée de l’armée et contient un zombie endormi, à l’origine du film La Nuit des morts-vivants. Pendant ce temps, Tina, la petite amie de Freddy, décide de l’attendre dans un cimetière voisin avec ses amis punks. Malheureusement pour eux, la maladresse de Frank et Freddy va déclencher une invasion de morts-vivants et transformer cette nuit en cauchemar.

En 1968, La Nuit des morts-vivants, coécrit par George A. Romero et John A. Russo, sort sur les écrans. Tourné avec un petit budget, c’est un immense succès, au point que le film demeure aujourd’hui l’une des productions indépendantes les plus rentables de l’histoire du cinéma. Les deux scénaristes se brouillent. En 1978, George A. Romero écrit seul et met en scène Zombie, également un très grand succès. De son côté, John A. Russo compte également revenir aux morts-vivants et écrit The Return of the Living dead. Revendu à un producteur indépendant, le scénario envisagé comme une suite logique à La Nuit des morts-vivants est proposé à Tobe Hooper et même John A. Russo pense le mettre en scène. C’est finalement le scénariste Dan O’Bannon, qui remanie le script et qui éloigne l’histoire originale jugée trop proche de l’univers de George A. Romero dont Le Jour des morts-vivants est annoncé en concurrence directe avec le leur. Dan O’Bannon est finalement choisi pour réaliser Le Retour des morts-vivants.

Si l’histoire contient quelques références à La Nuit des morts-vivants de Romero, le film de Dan O’Bannon privilégie l’humour, à la limite de la parodie, bien que le matériel de base soit respecté, tout en apportant quelques éléments inédits à l’instar des zombies qui parlent, courent et dont le cerveau détruit ne parvient pas à les exterminer. C’est ce qui fait la grande réussite du Retour des morts-vivants puisqu’il s’agit d’un véritable film de genre et de zombies, même si bourré de second degré. Dan O’Bannon n’a pas la prétention de dissimuler le côté série B d’épouvante et fantastique de son film. Sa mise en scène n’en est pas moins soignée, élégante, soutenue par un montage alerte, des effets spéciaux et maquillages réussis (mention spéciale à l’homme-goudron et à la femme-tronc), une bande originale explosive (The Cramps, 45 Grave, T.S.O.L., The Flesh Eaters, Roky Erickson, The Damned, SSQ…) et surtout un casting au diapason où tous les comédiens (Clu Gulager, Don Calfa, James Karen, Thom Matthews, Beverly Randolph, Jewel Shepard, Brian Peck…) prennent visiblement beaucoup de plaisir à se donner la tordante réplique.

Résultat, toute cette énergie est furieusement contagieuse, on rit énormément, les scènes d’action sont rudement menées, les scènes anthologiques s’enchaînent comme des perles sur un collier. N’oublions pas la touche sexy apportée par la participation de la scream queen Linnea Quigley (Trash), dont le striptease sur la pierre tombale a marqué les spectateurs, au point de devenir l’élément central de l’affiche du film dans certains pays, y compris dans nos contrées.

Référence du film de genre mêlant humour et gore, qui n’aura de cesse d’inspirer moult cinéastes (Edgar Wright pour Shaun of the Dead, Bienvenue à Zombieland de Ruben Fleischer), graphique, cartoonesque et au final aussi expédié que pessimiste, Le Retour des morts-vivants a donc tout à fait sa place aux côtés des opus mythiques du genre.

LE BLU-RAY

Le nouveau bébé du Chat qui fume est arrivé dans les bacs ! Et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’éditeur continue sur sa lancée. Le Retour des morts-vivants débarque chez nous grâce au Chat noir de Stéphane Bouyer, dans une superbe édition combo Blu-ray/Double DVD, qui prend la forme d’un sublime Digipack à trois volets. La sérigraphie des disques est attrayante (surtout celle du DVD Bonus avec Linnea Quigley topless), tandis que le verso reprend les visuels américain, français (censuré) et italien. Le Digipack est glissé dans un surétui cartonné au visuel français cette fois non censuré. ÉDITION LIMITÉE A 2000 EXEMPLAIRES NUMÉROTÉS. Les menus principaux sont animés sur la formidable partition de Matt Clifford.

Et c’est parti pour 3h30 de suppléments !

Le premier module est un documentaire rétrospectif réalisé en 2011 par Bill Philputt, d’une durée de 2 heures et intitulé More brains ! A return to the living dead ! Essentiellement constitué d’interventions souvent drôles et enjouées du scénariste John A. Russo, du décorateur William Stout, du maquilleur Tony Gardner, du chef opérateur Jules Brenner, des comédiens Brian Peck, Linnea Quigley, Jewel Shepard, Allan Trautman, Don Calfa, Clu Gulager, Miguel A. Núñez Jr. et bien d’autres invités, ce module revient sur tous les aspects de la production du Retour des morts-vivants.

Sans langue de bois, les protagonistes abordent les conditions d’un tournage difficile (« une zone de combat » disent certains) avec un réalisateur parfois autoritaire qui pouvait malmener ses comédiens. Les soucis juridiques avec le projet concurrent de George A. Romero, le casting, les effets visuels, les maquillages, la bande originale, les scènes anthologiques, sans oublier la sortie, le très grand succès et le culte du film sont longuement évoqués à travers ce documentaire qui ravira les fans de base et les plus curieux des cinéphiles. Tout ce lot d’anecdotes se clôt sur l’apparition du cinéaste Dan O’Bannon (1946-2009), dans une interview visiblement réalisée peu de temps avant sa mort.

On passe ensuite à un entretien (2016-15’) avec le scénariste John A. Russo, qui avait coécrit La Nuit des morts-vivants avec George A. Romero en 1968, et qui est ici à l’origine du Retour des morts-vivants de Dan O’Bannon. Certes, la plupart des arguments avancés ont déjà entendu lors du documentaire rétrospectif, mais les propos de John A. Russo sont ici plus étayés, notamment en ce qui concerne son travail et sa relation avec Romero. S’il déclare ne s’être jamais disputé avec son ancien associé, le scénariste n’est pas peu fier d’avoir pris l’ascendant lors de la sortie quasi-simultanée de leurs films en 1985.

Après le scénariste, place aux responsables des effets spéciaux (2016-33’). William Stout (décorateur), le superviseur des effets visuels Gene Warren Jr., le comédien Brian Peck et les maquilleurs, avec d’un côté Bill Munns, de l’autre Kenny Myers et Craig Caton, abordent leur collaboration avec le réalisateur Dan O’Bannon, qui désirait s’éloigner du style de George A. Romero, avec des zombies rapides. Des photos de production, des storyboards et des dessins préparatoires illustrent des propos toujours francs, notamment lorsque Bill Munns explique que le metteur en scène l’a renvoyé à la moitié du tournage pour son travail jugé insuffisant et médiocre. Bill Munns s’explique en disant que le manque de temps et surtout d’argent ne lui permettait pas de réaliser son travail comme il le souhaitait, à l’instar du zombie jaune à la tête coupée. La production l’a ensuite remplacé par ses deux collègues également présents dans ce segment. Vous saurez tout sur la création de l’homme-goudron, le squelette qui sort de terre, la prothèse sexuelle de Linnea Quigley, la femme-tronc et les autres zombies.

Le Retour des morts-vivants fait la part belle à une bande-son punk-rock, alors peu en vogue dans le cinéma de genre à l’époque et qui aujourd’hui participe également à la réussite du film. Le bonus Party Times (2016-30’) convoque certains chanteurs et musiciens (Dinah Cancer, Greg Hetson…) dont les morceaux sont utilisés dans le film de Dan O’Bannon. The Cramps, 45 Grave, T.S.O.L., The Flesh Eaters, Roky Erickson, The Damned, SSQ, tous ces noms vont raviver beaucoup de souvenirs à certains fans, tandis que les consultants en musique Budd Carr et Steve Pross racontent comment tous ces groupes ont été rassemblés pour composer la B.O.

Les scènes inédites (12’) sont plus anecdotiques, puisque comme l’indique un carton en introduction, les séquences proviennet d’une version workprint, un premier montage qui servait de référence. Lors du montage final, Dan O’Bannon a préféré couper des débuts et des fins de scènes, afin de rendre son film plus dynamique. Certains dialogues ont également été coupés. A travers un montage réalisé à cette occasion, ces « morceaux » ont été replacés là où ils apparaissaient à l’origine.

On termine sur un document rare de cinq minutes, compilant des images de tournage (mises en musique) tournées en 8mm !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce, le teaser (« Ils reviennent…et ils ne sont pas végétariens ! »), le film (VF, 1h27) en mode open matte (1.33 plein cadre, format dans lequel Dan O’Bannon a tourné Le Retour des morts-vivants), les bandes-annonces d’Opera, Sanctuaire et Lord of Illusions.

L’Image et le son

Le Retour des morts-vivants arrive dans les bacs français dans une superbe édition HD (1080p) entièrement restaurée. Le travail est impressionnant et l’image est très propre, débarrassée de toutes scories, poussières, griffures et autres résidus imaginables. Un soin particulier a été apporté afin que la texture originale du film, les détails, la structure du grain ne soient pas affectés par le traitement numérique. Ce nouveau transfert Haute Définition permet de redécouvrir le film de Dan O’Bannon sous toutes ses coutures avec une magnifique patine argentique. Cette élévation HD offre à la colorimétrie un nouveau lifting, qui retrouve un nouvel éclat. La gestion des contrastes demeure solide, y compris sur les très nombreuses scènes sombres. Pas de réduction de bruit à l’horizon et le piqué est très élégant. N’oublions pas la stabilité de la copie soutenue par un codec AVC exigeant.

En anglais comme en français, les deux mixages DTS-HD Master Audio 2.0 contenteront les puristes. Ces deux options acoustiques s’avèrent dynamiques et limpides, avec une belle restitution des dialogues et de la tonitruante musique du film. Les effets sont solides et le confort assuré. Pas de souffle constaté. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé à la volée.

Crédits images : © Elephant Films / Metro-Goldwyn-Meyer Studios Inc/ All Rights Reserved / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / La Femme du boulanger, réalisé par Marcel Pagnol

LA FEMME DU BOULANGER réalisé par Marcel Pagnol, disponible en Blu-ray chez Compagnie Méditérranéenne de Films – Marcel Pagnol

Acteurs :  Raimu, Ginette Leclerc, Charles Moulin, Fernand Charpin, Robert Vattier, Alida Rouffe, Maximilienne, Robert Bassac, Édouard Delmont, Charles Blavette, Odette Roger, Paul Dullac, Julien Maffre, Marcel Maupi, Jean Castan…

Scénario : Marcel Pagnol, d’après un épisode de Jean le Bleu de Jean Giono

Photographie : Georges Benoît

Musique : Vincent Scotto

Durée : 2h14

Date de sortie initiale : 1938

LE FILM

Dans un village de Haute Provence, un boulanger récemment installé découvre un matin que sa jeune femme est partie avec un berger. Il décide de faire la grève du pain tant que sa femme n’est pas revenue. Le village se mobilise afin de retrouver sa boulangère.

« Ah ! Te voilà, toi ? Regarde, la voilà la pomponnette… Garce, salope, ordure, c’est maintenant, que tu reviens ? Et le pauvre pompon, dis, qui s’est fait un mauvais sang d’encre ! Il tournait, il virait, il cherchait dans tous les coins… Plus malheureux qu’une pierre, il était… Et elle, pendant ce temps-là avec ses chats de gouttières… Des inconnus, des bons à rien… Des passants du clair de lune. Qu’est-ce qu’ils avaient, dis, de plus que lui ? »

Réalisé en 1938 et se plaçant pour ainsi dire au beau milieu de sa filmographie, La Femme du boulanger est sans doute le plus grand et le plus émouvant film de Marcel Pagnol (1895-1974). Ce dixième long métrage, situé entre Le Schpountz (1938) et La Fille du puisatier (1940), condense toute la verve de son auteur et offre à l’immense Raimu le plus grand rôle de sa carrière.

Aimable Castanier, le nouveau boulanger du village de Sainte-Cécile, en Provence, n’a pas son pareil pour faire du bon pain. Sa jeune épouse Aurélie tient la caisse. Belle et toujours silencieuse, elle s’ennuie manifestement entre un trop vieux mari et de trop rares clients. Un jour, elle se laisse séduire par un avenant jeune homme, prénommé Dominique, le berger du marquis Castan de Venelles. N’y tenant plus, elle s’enfuit une nuit avec celui-ci. L’infortune du boulanger amuse tout d’abord le village, qui en fait des gorges chaudes. Mais Aimable, désespéré, s’enivre et veut se pendre. Du coup, les habitants s’inquiètent. Vont-ils être définitivement privés de bon pain ?

Si le scénario et les dialogues sont bel et bien signés Marcel Pagnol, l’histoire s’inspire librement d’un épisode de Jean le Bleu de Jean Giono. Le cinéaste adaptera quatre œuvres de l’écrivain, Jofroi de la Maussan pour Jofroi, Un de Baumugnes pour Angèle, Regain pour le film du même nom et donc cette Femme du boulanger. Certes, la mise en scène n’a rien d’exceptionnel et ne l’a jamais été chez Marcel Pagnol, mais c’est ici la quintessence de sa direction d’acteurs et de sa virtuosité des dialogues.

« Mais elle, si elle savait parler, ou si elle n’avait pas honte – ou pas pitié du vieux Pompon – elle me dirait : « ils étaient plus beaux. » Et qu’est-ce que ça veut dire, beau ? Et la tendresse alors, qu’est-ce que tu en fais ? Dis, tes ministres de gouttières, est-ce qu’ils se réveillaient, la nuit, pour te regarder dormir ? (La chatte, tout à coup, s’en va tout droit vers une assiette de lait qui était sur le rebord du four, et lape tranquillement.) Voilà. Elle a vu l’assiette de lait, l’assiette du pauvre Pompon. Dis, c’est pour ça que tu reviens ? Tu as eu faim et tu as eu froid ?… Va, bois-lui son lait, ça lui fait plaisir… Dis, est-ce que tu repartiras encore ? » 

A travers l’histoire de ce pauvre Aimable, quitté par sa femme beaucoup plus jeune que lui pour un bel étalon, c’est le portrait de toute une communauté que dresse le réalisateur. Le scénario est constitué de scènes qui s’apparentent à ses sketches entrelacés, avec une multitude de personnages qui gravitent autour d’Aimable, dont les conversations n’apportent pas grand-chose à l’intrigue centrale, mais qui lui donnent pourtant toute son âme. Si l’excuse des gens du village pour se mettre à la recherche d’Aurélie – Ginette Leclerc, toujours aussi provocante dans un rôle proposé à Joan Crawford ! – est de ne pas être privés de pain, la pudeur ne leur fera pas admettre qu’il s’agit aussi et surtout de sauver la bonne âme d’Aimable, qui arrive au bout du rouleau, au point de vouloir se suicider.

Avec une immense délicatesse, Raimu passe du rire aux larmes. Louis de Funès louait la capacité du comédien à jouer sur le fil tendu entre la comédie et la tragédie, tandis qu’Orson Welles le considérait comme le plus grand acteur du cinéma. Il est fantastique, capable de briller face caméra, mais aussi de mettre en valeur ses partenaires tels que Fernand Charpin, succulent dans le rôle du marquis Castan de Venelles, Robert Vattier, génial curé du village, Robert Bassac (l’instituteur), Alida Rouffe (Céleste, la bonne du curé), et tout un tas d’acteurs fidèles à Marcel Pagnol que l’on retrouve de film en film avec toujours le même plaisir. La Femme du boulanger est un film aussi simple qu’admirable, réalisé et joué avec un coeur immense.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de La Femme du boulanger, disponible chez Compagnie Méditérranéenne de Films – Marcel Pagnol, repose dans un slim-digipack élégant avec le profil de Raimu en guise de visuel. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

Comme suppléments, l’éditeur joint uniquement une galerie de photographies, ainsi qu’un comparatif avant/après la restauration.

L’Image et le son

La Femme du boulanger a été restauré en 4K, image par image, à partir des bobines nitrate, par la compagnie Hiventy en 2016. Que les cinéphiles soient rassurés, la très longue attente de voir débarquer le chef d’oeuvre de Marcel Pagnol en DVD et même en Blu-ray est largement récompensée ! Le master au format d’origine 1.33 est superbe. La propreté est remarquable, le cadre stable, la clarté éloquente, le piqué aiguisé et surtout le grain préservé et excellement géré. Les quelques plans flous semblent d’origine et la restauration a voulu conserver les partis pris originaux. C’est superbe et le titre tire constamment profit de son upgrade en Haute-Définition.

Egalement restaurée, la piste DTS-HD Master Audio Mono 2.0 instaure un haut confort acoustique avec des dialogues percutants (peu de répliques chuintantes ou sourdes à déplorer) et une très belle restitution des ambiances annexes. Aucun souffle sporadique ni aucune saturation à l’horizon. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © CMF-MPC / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Lucky Luke – Daisy Town, réalisé par Morris et René Goscinny

LUCKY LUKE – DAISY TOWN réalisé par Morris et René Goscinny, disponible en Blu-ray le 21 novembre 2017 chez Citel Vidéo

Acteurs :  Marcel Bozzuffi, Pierre Trabaud, Jacques Balutin, Jacques Jouanneau, Pierre Tornade, Jean Berger, Roger Carel, Jacques Fabbri, Jacques Legras, Claude Dasset, Jacques Bodoin, Georges Atlas, André Legal, Jacques Hilling, Rosy Varte, Denise Bosc…

Scénario :  René Goscinny, Morris, Pierre Tchernia

Photographie : François Léonard

Musique : Claude Bolling

Durée : 1h16

Date de sortie initiale : 1971

LE FILM

Barman, un whisky bien frappé ! il faut fêter la naissance de Daisy Town ! Hélas, une jolie nouvelle ville attire toujours bandits et desperados, ces chevaliers de la violence et du vice. Seul Lucky Luke peut y ramener la paix et empêcher les braquages et vols de vaches… Les citoyens le choisissent donc comme shérif. Mais au moment où tout semble rentré dans l’ordre, les Dalton s’installent en ville et sèment la terreur chez les habitants. L’éternel combat qui les oppose au célèbre cow-boy reprend alors…

« Nous pensions vous présenter ce spectacle sur écran large. Mais exceptionnellement aujourd’hui, nous vous l’offrons sur super grand écran géant de luxe ! »

C’est une madeleine. Un grand classique de l’animation franco-belge, doublé d’un formidable hommage au western, genre chéri par Morris et René Goscinny, le dessinateur et scénariste de Lucky Luke, l’Homme qui tire plus vite que son ombre. Réalisé par les deux complices et épaulé par Pierre Tchernia au scénario, Lucky Luke (titre original), rebaptisé Daisy Town à la suite de sa transposition en bande dessinée en 1983 et titre utilisé lors de ses diffusions télévisuelles (vous vous rappelez quand vous l’avez découvert sur LaCinq comme l’auteur de ces mots ?) n’a rien perdu de son charme et les gags qui conservent toujours leur efficacité témoignent encore du génie immense de leurs auteurs.

Une caravane de pionniers s’arrête. Ils arrivent au bout de leur traversée et décident à la vue d’une pâquerette, qu’ils y poseront la première planche pour y construire leur ville. Daisy Town verra donc le jour. Mais une ville, surtout s’il s’agit d’une simple et charmante petite bourgade, attire les bandits et ces derniers rendent la vie impossible dans ce coin de paradis autrefois si calme. Arrive alors le seul homme de la situation pour remettre de l’ordre à Daisy Town, Lucky Luke, cow-boy courageux et honnête. Nommé Sherif par les notables de la cité, notre héros va débarrasser la ville de toute sa racaille, y chasser les Dalton et la défendre contre les indiens.

Quel plaisir que ce Lucky Luke – Daisy Town, réalisé en 1971 aux Studios Belvision ! Bourré de charme, d’inventivité, mené à un train d’enfer et multipliant les gags visuels, sonores, ainsi que les références au western (américain et italien), Daisy Town demeure une vraie référence. La fantastique musique de Claude Bolling (Borsalino) et la superbe photographie de François Léonard (Astérix le Gaulois, Astérix et Cléopâtre) d’après les dessins de Morris montrent l’ambition du studio, qui voulait évidemment divertir les spectateurs, tout en traitant son sujet avec sérieux, comme un véritable film. Au casting, les réalisateurs convient leurs amis. C’est Marcel Bozzuffi, inoubliable et indispensable second rôle du cinéma français (Le Deuxième souffle, Z, La Cage aux folles II) qui prête son timbre grave au cowboy solitaire, qui avait encore la clope au bec. A ses côtés, Rosy Varte (Lulu Carabine au dialogue), Nicolas Croisille (Lulu Carabine au chant), Pierre Trabaud, Jacques Balutin, Jacques Jouanneau et Pierre Tornade (Jo, William, Jack et Averell Dalton), ainsi que Jacques Legras (le guichetier de la banque), Roger Carel (le croque-mort, le vautour, le lieutenant de cavalerie), Jacques Fabbri (le maire), Jean Berger (Jolly Jumper), sans oublier Gérard Rinaldi, qui sous le pseudonyme de Gérard Dinal, entonne le très célèbre Quadrille lors des divers square dance organisés dans le saloon de Daisy Town. Ou comment transposer les fêtes bien françaises et leurs chansons à boire dans le Far West Américain.

En 1991, Terence Hill n’aura pas grand-chose à faire pour son Lucky Luke puisque le comédien-réalisateur reprendra non seulement le synopsis du film d’animation, mais également quelques gags et séquences cultes qu’il reproduira à l’identique. Nous ne parlerons pas de la qualité relative de cet essai (un Lucky Luke tout vêtu de blanc, sérieusement), mais ce Luke Luke reste bien plus fidèle à l’univers de Morris/Goscinny que l’horrible opus signé James Huth avec Jean Dujardin dans le rôle principal. Si Daisy Town est un énorme succès à sa sortie avec 2,7 millions d’entrées en France et 2 millions en Allemagne, il faudra attendre 1978 pour que le Poor Lonesome Cowboy reviennent au cinéma dans le chef d’oeuvre La Ballade des Dalton.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Lucky Luke – Daisy Town, disponible chez Citel Vidéo, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette indique cette fois « Nouveau Master Haute Définition », même si le visuel aurait pu être plus attractif. Le menu principal est animé et musical.

Le must sur cette édition HD est bien entendu son image restaurée, mais pas ses suppléments qui se résument uniquement à la bande-annonce originale, ainsi qu’un comparatif avant/après la restauration.

L’Image et le son

Bienvenue à Lucky Luke – Daisy Town en Blu-ray (1080p) ! A cette occasion, l’image, présentée enfin dans son format original 1.37, a été entièrement restaurée à partir du négatif original 35mm, par Mediatoon Distribution aux laboratoires Eclair. Tout cela a été scanné en 4K avant de connaître une restauration très poussée en 2K. Pour sa sortie en Haute Définition, le film de Morris et Goscinny a subi un dépoussiérage de premier ordre, comme l’indique le comparatif dans les suppléments. Les couleurs bleues, jaunes et rouges retrouvent un éclat inespéré, le grain original est heureusement respecté, la clarté est évidente et les contrastes revus à la hausse. L’image est stable, propre comme elle n’a jamais été, sans griffures. Si l’on déplore encore quelques effets de pompages sur certains aplats, qui auraient été difficiles à équilibrer sans dénaturer les volontés artistiques, revoir Lucky Luke – Daisy Town dans une belle copie continue de nous émouvoir.

Il n’y a pas que l’image qui a bénéficié d’un lifting, par le désormais incontournable Studio L.E. Diapason, qui s’occupe entre autres de la restauration sonore sur les titres du patrimoine chez Pathé. L’unique piste DTS-HD Master Audio Mono 2.0 qui découle du mixage original disponible sur bandes magnétiques, demeure étriqué avec des échanges souvent aigus, une voix-off grinçante et une B.O. qui frôle la saturation (voir les séquences « Quadrille »). L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © DARGAUD Productions, René Goscinny Productions / Idéfix Studio /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Un nuage entre les dents, réalisé par Marco Pico

UN NUAGE ENTRE LES DENTS réalisé par Marco Pico, disponible en DVD et Blu-ray le 29 novembre 2017 chez Gaumont

Acteurs :  Philippe Noiret, Pierre Richard, Claude Piéplu, Jacques Denis, Michel Peyrelon, Jean Obé, Paul Crauchet, Hélène Vincent…

Scénario :  Marco Pico, Edgar de Bresson

Photographie : Jean-Paul Schwartz

Musique : Olivier Lartigue

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

Deux reporters en mission, Malisard et Prévot dit les « cowboys », sillonnent Paris à la recherche d’un scoop. Un jour les deux enfants de Prévot qu’ils avaient emmenés dans leur tournée de routine disparaissent. C’est le scoop recherché !

C’est l’histoire d’une résurrection, celle du premier long métrage réalisé par Marco Pico (né en 1949), Un nuage entre les dents. Complètement méconnu du grand public, ce film tourné durant l’hiver 1973 n’a connu aucun succès public (226.000 entrées) à sa sortie en avril 1974, malgré ses deux grandes vedettes en haut de l’affiche, Pierre Richard, qui sortait des succès du Distrait (1970) et des Malheurs d’Alfred (1972), qui venait d’exploser avec le triomphe du Grand Blond avec une chaussure noire (1972) d’Yves Robert, qui donne ici la réplique à Philippe Noiret, déjà bien installé, qui revenait du tournage de La Grande Bouffe de Marco Ferreri. Certes Un nuage entre les dents est une comédie, mais sombre et féroce, probablement en avance sur son temps, d’autant plus que les deux comédiens interprètent des personnages antipathiques, négligés, avec une sale barbe pour Pierre Richard, le cheveu gras et le cigare immonde toujours à la bouche pour Philippe Noiret. Deux journalistes, deux rapaces prêts à tout pour obtenir le scoop du jour avec les photos les plus immondes pour l’illustrer.

Malisard (Philippe Noiret) et Prévot (Pierre Richard), reporters d’un journal à fort tirage, sont spécialisés dans la rubrique chiens écrasés. Explosions, accidents, vols, sont leur lot habituel. Au cours d’une enquête, Prévost est obligé de prendre à l’école ses deux petits garçons. Comme leur père, photographe, est débordé de travail, les enfants en profitent pour s’esquiver. Peu après, Prévot et Malisard constatent leur disparition et croient à un enlèvement. Alors que les petits sont raccompagnés chez eux par un conducteur serviable, les deux « cow-boys » se rendent chez un vieux satyre, récemment libéré de prison, qu’ils soupçonnent. Ils vont également interroger à l’hôpital un autre « suspect » alors que celui-ci, accidenté gravement, n’a vraisemblablement pas eu le loisir de s’intéresser aux enfants… Ils font une déclaration au journal, affirmant que l’enlèvement est certain. On recherche officiellement les ravisseurs. Des femmes qui ont aperçu les deux hommes à la sortie de l’école les dénoncent comme des satyres possibles, et font d’eux un portrait-robot que seul Jolivet, stagiaire au journal, trouve ressemblant avec les « cow-boys ».

Un nuage entre les dents est une œuvre étonnante, d’autant plus quand on le découvre aujourd’hui puisque le film a longtemps disparu, quasiment depuis sa courte exploitation dans les salles. Ce qui frappe immédiatement, c’est la façon quasi-documentaire avec laquelle Marco Pico exploite son plateau de jeu, la ville de Paris étant alors creusée de tous les côtés avec des chantiers qui se multiplient aux quatre coins de la capitale. Film hivernal avec ses couleurs froides, Un nuage entre les dents n’a pas peur de montrer la saleté, qui se reflète également sur les personnages. Un élément que les spectateurs n’étaient sans doute pas prêts à accepter.

Mais au-delà de la fable sur la presse à sensation, prête à tout pour faire monter le tirage de son torchon, Marco Pico réalise un film complètement fou et quasi-inclassable, où le sordide et la poésie s’entrecroisent, à l’instar de ce moment suspendu où les cowboys regardent avec des yeux de gamin un véritable éléphant planté au milieu d’un carrefour, la nuit, dans un silence olympien. La caméra virevolte d’un accident à l’autre, les protagonistes passent de bar en bar en éclusant pastis sur pastis dans des bistrots enfumés, cela crie, cela gesticule. S’ils s’étaient déjà donné rapidement la réplique dans Alexandre le bienheureux d’Yves Robert, Pierre Richard, jeune chien fou, agressif, et Philippe Noiret, stoïque et sublime, tout aussi monstrueux, sont ici merveilleux de complicité, y compris dans leurs prises de bec. Si le récit se focalise sur leur improbable aventure, l’intrigue secondaire qui se déroule dans la salle de rédaction du canard pour lequel travaillent les « cowboys » vaut également son pesant.

C’est ici un festival de tronches et de talents, des comédiens qui ont fait le bonheur des spectateurs et qui ont toujours participé à la réussite des films dans lesquels ils apparaissaient : Claude Piéplu, Jacques Denis, Michel Peyrelon, Marc Dudicourt, Gabriel Jabbour, Pierre Olaf, Michel Fortin, Francis Lemaire, Roger Riffard, Paul Crauchet, Francis Lax, Jacques Rispal, Jean Obé et bien d’autres « gueules » et « voix » parfaitement reconnaissables. Certes, le rythme est parfois en dents de scie ou pèche par trop d’hystérie. Ce qui n’empêche pas Un nuage entre les dents d’être une incroyable découverte, comme un petit trésor inattendu et secret qui permet enfin d’être réévalué. 

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray d’Un nuage entre les dents, disponible chez Gaumont, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et muet, typique de la collection.

En guise de bonus rétrospectif, Jérémie Imbert, coréalisateur avec Yann Marchet du formidable documentaire Pierre Richard, l’art du déséquilibre, co-auteur avec Pierre Richard du livre Je sais rien, mais je dirai tout, mais aussi créateur du site référence CineComedies.com, est allé à la rencontre de Marco Pico (réalisateur), de Pierre Richard himself – qui loue la virtuosité avant-gardiste de la mise en scène du cinéaste – et de l’assistant-réalisateur François Lartigue. Ce module intitulé Les Cowboys sont de retour (28’), en référence à l’une des répliques du film, revient sur la genèse, les thèmes, les conditions de tournage, le casting, les partis pris esthétiques, les intentions et la sortie du Nuage entre les dents. Les propos s’enchaînent sur un rythme soutenu, tandis que quelques images dévoilent le scénario annoté et illustré de Marco Pico. Ce dernier, qui revient également sur ses débuts dans le cinéma, est visiblement aussi ému que fier de voir son film ainsi restauré pour être enfin (re)découvert par le plus grand nombre.

L’interactivité se clôt sur un comparatif avant/après la restauration (4’) et la bande-annonce originale.

L’Image et le son

Gaumont ne se fiche pas des spectateurs et des cinéphiles puisque le film de Marco Pico a connu un véritable lifting de fond en comble. L’élévation HD est frappante du début à la fin, la restauration est étincelante, les contrastes denses, la copie propre et lumineuse. Les détails étonnent souvent par leur précision, les gros plans sont détaillés à souhait, les couleurs très froides retrouvent un éclat inespéré et le piqué demeure acéré. La définition flanche légèrement durant le générique, ainsi que sur les ambiances enfumées, mais cela reste anecdotique.

La piste française DTS-HD Master Audio Mono est plutôt percutante. Aucun souffle n’est à déplorer, ni aucune saturation dans les aigus. Les dialogues sont vifs, toujours bien détachés. L’ensemble est aéré, fluide et dynamique. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Gaumont /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Grand froid, réalisé par Gérard Pautonnier

GRAND FROID réalisé par Gérard Pautonnier, disponible en DVD le 7 novembre 2017 chez Diaphana

Acteurs :  Jean-Pierre Bacri, Arthur Dupont, Olivier Gourmet, Féodor Atkine, Sam Karmann, Philippe Duquesne…

Scénario :  Gérard Pautonnier, Joël Egloff d’après son roman « Edmond Ganglion & Fils » (Gallimard)

Photographie : Philippe Guilbert

Musique : Christophe Julien

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Dans une petite ville perdue au milieu de nulle part, le commerce de pompes funèbres d’Edmond Zweck bat de l’aile. L’entreprise ne compte plus que deux employés : Georges, le bras droit de Zweck, et Eddy, un jeune homme encore novice dans le métier. Un beau matin, pourtant, un mort pointe son nez. L’espoir renaît. Georges et Eddy sont chargés de mener le défunt jusqu’à sa dernière demeure. Mais, à la recherche du cimetière qui s’avère introuvable, le convoi funéraire s’égare et le voyage tourne au fiasco.

Vous savez chez nous c’est très simple ou ça bat, ou ça bat plus et là en l’occurrence, ça bat !

Sans faire de mauvais jeux de mots, Grand froid agit comme un vent de fraîcheur sur le cinéma français ! Venu de la publicité et de la télévision (la série Samantha, oups!) et remarqué en 2015 avec son court-métrage L’Etourdissement, adapté du roman de Joël Egloff et primé dans de nombreux festivals en France et à l’étranger, Gérard Pautonnier signe son premier long métrage Grand froid, également inspiré d’un livre du même auteur. Pour ce film, le réalisateur retrouve les comédiens Arthur Dupont et Philippe Duquesne, mais offre surtout à l’immense Jean-Pierre Bacri l’un de ses meilleurs personnages depuis près de quinze ans. Cocktail insolite entre le Fargo des frères Coen, les films d’Aki Kaurismäki, le western italien à la Sergio Leone et le cinéma inclassable de Bouli Lanners, Grand froid est une comédie-dramatique qui détonne dans le panorama cinématographique hexagonal.

Les affaires ne sont pas bonnes pour Edmond zweck, patron d’une entreprise de pompes funèbres qui périclite dans une petite ville. Il a dû se séparer d’une partie de son personnel. Il est secondé par Georges et Eddy, un jeune homme plein de bonne volonté mais sans expérience. L’embellie survient quand on demande à l’équipe de s’occuper d’un mort. Alors qu’il transporte le corps, direction le cimetière, elle se perd et surtout perd de vue la famille qui suivait le convoi. Edmond, Georges et Eddy vont tout tenter pour retrouver leur chemin et mener à bien leur mission.

La mort, ce n’est pas contagieux, c’est héréditaire.

Cette transposition du premier roman de Joël Egloff, Edmond Ganglion & fils, publié en 1999 chez Gallimard, qui contrairement au film se déroule durant un été caniculaire, est empreint d’un humour noir cynique, typique du cinéma anglo-saxon. Avec ses personnages de croque-morts fatigués, Olivier Gourmet dépassé par les événements et en attente d’un coup de fil de sa fille, Jean-Pierre Bacri moumouté qui passe ses journées à chercher son épitaphe à inscrire sur son caveau, et Arthur Dupont, jeune trentenaire déjà voûté par sa condition, Gérard Pautonnier met en scène un road-movie inattendu en corbillard, joliment absurde et très attachant. En se mettant à la recherche d’un cimetière introuvable, Georges (Bacri), 40 ans de métiers, amer et proche de la retraite et Eddy (Dupont), novice quelque peu paumé, vont faire le point sur leurs situations respectives et surtout apprendre à se connaître, en parlant de la mort, comme d’habitude, mais aussi de la vie, ce qu’ils sont moins habitués à faire.

Il y a deux métiers incontournables : la sage-femme et le fossoyeur. La première accueille, le second raccompagne. Entre les deux, les gens se débrouillent.

Ces récits initiatiques se déroulent lentement – ce qui vaut quelques soucis de rythme – sur l’asphalte glacé qui traverse de vastes paysages enneigés, désolés et boisés (le film a été tourné en Pologne), comme si la route qu’ils suivaient ne menait nulle part, sauf au carrefour de leur propre existence. Mais c’était sans compter la présence du cadavre d’un homme pas vraiment mort. Sur la forme, la photo de Philippe Guilbert (Les Convoyeurs attendent), subjugue avec ses couleurs évidemment froides et grisâtres, tandis que les décors naturels de la Pologne et de la Belgique donnent au film un cachet post-apocalyptique, notamment avec cette petite bourgade non-identifiée composée principalement d’une seule rue, du magasin de pompes funèbres et d’un restaurant chinois, où les habitants s’observent, se scrutent dans l’attente d’un événement qui pourrait relancer les affaires. N’oublions pas la composition tout aussi décalée de Christophe Julien (Au revoir là-haut, 9 mois ferme), composée de blues et de chants amérindiens, qui appuie le caractère bizarre, pour ne pas dire excentrique et intemporel de cette comédie-dramatique, mélancolique et existentielle, aux dialogues très soignés, à voir absolument.

LE DVD

Le test du DVD de Grand froid, disponible chez Diaphana, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur offre une heure de suppléments. On commence par la douzaine de scènes coupées (13’ au total), non mixées et non étalonnées, qui dévoilent les petits bouts de séquences laissés sur le banc de montage, probablement pour des raisons de rythme. Rares sont les scènes qui durent plus de 50 secondes. Nous retiendrons surtout deux génériques de début alternatifs. A noter que ces séquences sont souvent muettes et focalisées sur les réactions des personnages.

Un petit montage de trois minutes montre le travail invisible à l’écran des magiciens des effets spéciaux, notamment pour créer un environnement enneigé alors que la végétation était verte au moment des prises de vue.

Merci à Diaphana de nous permettre de (re)découvrir le court-métrage de Gérard Pautonnier, L’Etourdissement (2015-22’), adapté du roman éponyme de Joël Egloff. Suite au décès accidentel d’un collègue de travail (Nicolas Vaude), Eddy (Arthur Dupont) est chargé, malgré lui, d’aller annoncer la terrible nouvelle à l’épouse (Pascale Arbillot) du défunt. Georges (Philippe Duquesne), un autre collègue, lui propose de l’accompagner pour le soutenir dans cette délicate mission et dans l’idée de rentrer chez lui plus tôt par la même occasion. Arrivés chez la veuve, les deux hommes vont cependant avoir bien du mal à être à la hauteur de la situation. On retrouve déjà dans ce court-métrage, le rapport de la vie avec la mort, ainsi que celui entre deux générations qui s’affrontent et se questionnent sur l’existence. L’humour absurde contraste avec la situation pourtant dramatique et se clôt sur un retournement bouleversant.

Ensuite, nous ne trouvons pas le making of de Grand froid, mais étrangement celui de L’Etourdissement (17’). Dommage que ce documentaire soit si mal réalisé et surtout entièrement musical !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

En raison de son échec dans les salles (120.000 entrées), Grand froid est privé d’une sortie en Haute-Définition et c’est bien dommage. Malgré cette déconvenue, cette édition DVD s’avère plutôt soignée et claire. La propreté de la copie est assurée, les couleurs désaturées et glaciales sont superbes et bien restituées. Le piqué est aléatoire, mais s’en tire honorablement, surtout que les partis pris esthétiques auraient pu avoir du mal à passer le cap du petit écran. La gestion des contrastes est solide, même si nous pouvions attendre plus de détails. Heureusement, l’encodage consolide l’ensemble avec brio et les nombreuses séquences tournées en extérieur sont très belles.

D’emblée, le mixage Dolby Digital 5.1 impose une spatialisation qui happe le spectateur dans un flot d’ambiances naturelles qui ne se calment que durant les scènes en intérieur, axées sur les dialogues. Le cinéaste fait la part belle aux éléments environnants et la scène arrière ne manque pas l’occasion de briller avec notamment la restitution de la Toccata et Fugue en Ré mineur de Jean-Sébastien Bach. Le souffle du vent détonne sur l’ensemble des baffles. L’éditeur joint également une piste Stéréo de fort bon acabit, sans oublier les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © ELZEVIR FILMS / LAURENT THURIN-NAL / Diaphana / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Mission Pays Basque, réalisé par Ludovic Bernard

MISSION PAYS BASQUE réalisé par Ludovic Bernard, disponible en DVD le 14 novembre 2017 chez Orange Studio

Acteurs :  Élodie Fontan, Florent Peyre, Daniel Prévost, Nicolas Bridet, Barbara Cabrita, Ludovic Berthillot, Ilona Bachelier, Damien Ferdel, Arielle Sémenoff, Eric Bougnon, Yann Papin…

Scénario :  Michel Delgado, Eric Heumann

Photographie : Yannick Ressigeac

Musique : Lucien Papalu, Laurent Sauvagnac

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Sibylle, jeune Parisienne aux dents longues, entend briller dans ses nouvelles fonctions professionnelles en rachetant une quincaillerie au Pays Basque afin d’y implanter un supermarché. Elle s’imagine avoir « roulé » le vieux propriétaire mais ce dernier est sous curatelle. Sibylle doit donc faire affaire avec Ramon, le neveu, pour récupérer son argent et signer au plus vite. Sinon, c’est le siège éjectable assuré. Elle va rapidement s’apercevoir que les basques n’ont pas l’intention de se laisser faire par une parisienne, si jolie soit-elle.

Bienvenue chez les basques !

A quelques mois d’intervalle, le réalisateur Ludovic Bernard a connu les deux extrêmes. Son premier long métrage, L’Ascension, a été porté par une critique positive, en plus du Grand Prix et du Prix du Jury au Festival de l’Alpe D’Huez, ainsi qu’un bouche-à-oreille très bon, au point de dépasser la barre convoitée du million d’entrées, et ce sans nom véritablement connu au générique à part celui d’Alice Belaïdi. Au début de l’été, son second film sort déjà sur les écrans, Mission Pays Basque. Critique globalement négative de la part de la presse, à peine 150.000 spectateurs au final et film par ailleurs rapidement retiré des salles début juillet. Il faut dire que la bande-annonce n’était guère attractive (euphémisme) et que cela sentait bougrement le nanar made in France. Pourtant, Mission Pays Basque s’avère un divertissement honnête, ni bon ni mauvais, qui repose sur une multitude de clichés, mais qui s’en amuse avec une bonne humeur plutôt contagieuse.

Sybille, jeune cadre parisienne ambitieuse, croit avoir fait l’affaire du siècle en rachetant pour une bouchée de pain la quincaillerie de Ferran Beitialarrangoïta située au Pays basque, pour le compte de son groupe de grande distribution. Or, elle apprend que ce dernier est sous curatelle. Elle doit donc négocier avec Ramuntxo, son neveu, pour obtenir la boutique, censée devenir un supermarché. Mais, Ramuntxo, chanteur à ses heures et Basque jusqu’au bout des ongles, va lui mener la vie dure. Sybille, accompagné de son stagiaire, s’accroche face aux Basques prêts à tout pour garder leur magasin. Il faut qu’elle réussisse sinon elle perdra son travail. Commence alors un jeu du chat et de la souris entre la citadine et l’amoureux de sa terre.

Ecrit par Michel Delgado, réalisateur de Bouquet final en 2008, scénariste de comédies gentiment voire violemment has-been comme La Vengeance d’une blonde et Les Soeurs Soleil de Jeannot Szwarc, Recto/Verso de Jean-Marc Longval, L’Auberge rouge de Gérard Krawczyk, On ne choisit pas sa famille de Christian Clavier, Mission Pays Basque n’a donc pas la prétention de révolutionner le cinéma, mais de jouer sur les décalages culturels chéris par la comédie française. Autant vous dire qu’il n’y a absolument rien de nouveau ici, mais la petite réussite (toutes proportions gardées) de Mission Pays Basque vient essentiellement des comédiens amusants, charismatiques et complices. En premier lieu la ravissante Elodie Fontan, que l’on avait aperçue la première fois toute gamine en 1996, dans l’excellente comédie de Gérard Lauzier, Le Plus Beau métier du monde, aux côtés de Gérard Depardieu. Ayant (bien) grandie, elle est apparue récemment dans le triomphe de Philippe de Chaveron, Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ?, avant de rejoindre la troupe (et les grands succès au box-office) de Philippe Lacheau, Babysitting 2 et Alibi.com. Pétillante et naturelle, elle porte agréablement le film sur ses belles épaules et fait preuve d’une énergie communicative, qui sied évidemment bien à la comédie. Dommage que le film ait été un échec important, car la comédienne prouve qu’elle peut largement prétendre aux premiers rôles.

Elle donne ici la réplique à l’humoriste Florent Peyre, popularisé grâce à l’émission On n’demande qu’à en rire sur France 2 entre 2010 et 2014, qui fait preuve d’une belle présence devant la caméra. Après avoir longtemps fait ses classes en tant qu’assistant-réalisateur auprès de Jean-François Richet sur les deux opus de Mesrine, mais aussi à trois reprises avec Luc Besson (The Lady, Malavita et Lucy), ainsi que sur d’autres productions EuropaCorp (L’Immortel, Les petits mouchoirs, Taken 2 et Taken 3), Ludovic Bernard signe ici son deuxième long métrage avec suffisamment d’efficacité, en insufflant un rythme soutenu, évidemment capital quand on met en scène une comédie et en dirigeant solidement ses acteurs.

Ce serait mentir de dire que Mission Pays Basque n’arrache aucun sourire. Certes, rien n’est crédible ici, mais peu importe puisque le contrat est rempli. On rit en suivant les aventures estivales de cette jeune major de promo d’HEC et Bac+7 plongée dans un environnement totalement étranger, on oublie les soucis du quotidien pendant 1h30, le récit est blindé de bons sentiments et peu importe les digressions inutiles (tout ce qui concerne l’ETA) et si « on connaît déjà la fin » puisque le ton reste léger, sympathique et bon enfant.

LE DVD

Le test du DVD de Mission Pays Basque, disponible chez Orange Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément sur cette édition, et pas de sortie en Haute-Définition.

L’Image et le son

Avec ses 150.000 entrées, il semble qu’Orange n’ait pas jugé bon de sortir Mission Pays Basque en Blu-ray. Il faudra donc se contenter de cette édition standard, mais heureusement la qualité est là. Les couleurs sont bien loties, lumineuses et chaudes pour la partie basque, grisâtres pour les scènes parisiennes, le piqué est suffisamment affûté, la clarté de mise et les contrastes élégants. Les détails ne manquent pas, les noirs sont denses. Que demander de plus ?

Le mixage Dolby Digital 5.1 instaure un excellent confort acoustique en mettant la musique en avant, tout en délivrant les dialogues avec ardeur, sans jamais oublier les effets et ambiances annexes. Quelques basses soulignent également quelques séquences comme la fête au village et l’explosion. La piste Stéréo s’en donne également à coeur joie, se révèle dynamique et même percutante dans son genre. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © Claude MEDALE / PARADIS FILMS / Orange Studio / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Capitan, réalisé par André Hunebelle

LE CAPITAN réalisé par André Hunebelle, disponible en combo Blu-ray+DVD le 22 novembre 2017 chez Pathé

Acteurs :  Jean Marais, Bourvil, Elsa Martinelli, Pierrette Bruno, Lise Delamare, Annie Anderson, Chrstian Fourcade, Arnoldo Foà…

Scénario :  Jean Halain d’après le roman de Michel Zévaco

Photographie : Marcel Grignon

Musique : Jean Marion

Durée : 1h51

Date de sortie initiale : 1960

LE FILM

Francois de Capestan est un noble de province, sauvé lors d’une embuscade par Gisèle d’Angoulême. Aidé de Cogolin, son fidèle serviteur, il tente de sauver la jeune femme, dont il est tombé amoureux, des griffes du régent Concini. Au passage, il déjoue un complot visant son ami le roi Louis XIII.

Après le succès monstre du Bossu en janvier 1960 avec près de 6 millions d’entrées, André Hunebelle a de la suite dans les idées. Enfin, pas vraiment une suite, mais puisque Jean Marais paraît prédisposé à enfiler les collants d’autres héros de romans de cape et d’épée, autant en profiter. Le réalisateur des Trois Mousquetaires (1953) et de Taxi, Roulotte et Corrida (1958) décide de réunir la même équipe devant et derrière la caméra, pour mettre son nouveau film, Le Capitan, le plus rapidement dans la boite. Record battu, puisque non seulement le film sera mis en scène dans la foulée du Bossu, mais sortira également la même année, le 5 octobre 1960, en attirant quasiment autant de spectateurs ! Grand classique du film d’aventures, Le Capitan demeure une petite pépite du genre, bourrée d’humour et d’action, sans oublier une pincée de romance.

En 1616, Louis XIII a 15 ans. Sa mère Marie de Médicis est régente du royaume depuis l’assassinat d’Henri IV. Elle a confié les rênes du pouvoir à son favori Concino Concini, qu’elle a nommé Premier ministre et qui, poussé en cela par son ambitieuse épouse Leonora Galigaï, cherche à s’emparer du pouvoir en ne reculant devant aucun crime ou aucune trahison. Pour y parvenir, Concini favorise l’insécurité générale notamment dans les provinces qui sont l’objet de pillages et d’attaques par des bandes armées à sa solde qui s’en prennent durement à la noblesse provinciale afin de l’affaiblir, celle-ci ignorant totalement que Concini est responsable de cette situation. Le Chevalier François de Crémazingues de Capestang se porte au secours de son ami le Marquis de Teynac qui est attaqué dans son château. Pendant la bataille le Marquis de Teynac est lâchement assassiné d’un coup de dague dans le dos par le chef des bandits, Rinaldo, qui est l’homme de confiance de Concini. François de Capestang jure à cet assassin qu’il vengera son ami mais il est blessé d’un coup de pistolet. Au moment où un brigand s’apprête à l’achever, il est sauvé par une belle jeune femme brune qui abat le bandit. Elle soigne François de Capestang, celui-ci perd connaissance. La jeune femme brune disparaît et quand il se réveille, c’est une jolie blonde qui le soigne, Béatrice de Beaufort, cousine du Marquis de Teynac. Guéri, François se rend au conseil de la province où les nobles se sont rassemblés pour envisager les actions à mener face à l’insécurité grandissante ; François se propose de porter les doléances de la province au Roi. Mais le gouverneur de la province ne peut le recommander qu’auprès de Concini. François part pour Paris, en chemin il fait étape dans une petite ville et assiste au spectacle d’un baladin, Cogolin. Celui-ci est honnête et, s’apercevant qu’un brigand dans l’assistance déleste François de sa bourse, s’arrange pour la lui rendre. Les brigands, furieux que Cogolin ait fait échouer leur coup et attendant qu’il ait quitté la bourgade, l’attaquent dans la campagne et le dépouillent, il est sauvé par François qui poursuivait sa route. Cogolin devient l’ami et le confident de François et les deux hommes continuent ensemble leur route pour Paris.

Le Bossu est le film à partir duquel André Hunebelle et Jean Marais allaient s’associer pour une série de classiques indémodables comme Le Capitan, Le Miracle des loups, Les Mystères de Paris et bien sûr, la trilogie Fantômas. Comédie d’action familiale, Le Capitan demeure l’un des opus les plus emblématiques de la filmographie de Jean Marais, marquant une rupture définitive avec le cinéma de Jean Cocteau qui l’avait fait connaître. Totalement investi dans ses cascades, bondissant, escaladant la façade d’un château à l’aide de simples dagues, souriant l’épée à la main, poursuivant ses ennemis au galop, le comédien se donne à fond dans ce superbe long-métrage dépaysant, plein de couleurs et de joie de vivre. Soutenu par l’humour, la fantaisie et la tendresse de Bourvil (véritable alchimie entre les deux comédiens), qui chante, qui fait de la magie et qui emballe une petite servante italienne, ainsi que par la beauté et le talent de Lisa Martinelli, sans oublier le charisme vénéneux de Guy Delorme (élève du célèbre maître d’armes Claude Carliez), le comédien trouve ici un second souffle. Il peut alors démarrer la seconde partie de sa carrière, marquée par de grands succès populaires.

Adapté du roman de cape et d’épée écrit par Michel Zévaco en 1907, Le Capitan avait certes déjà connu une autre adaptation en 1946 par Robert Vernay avec Jean Pâqui dans le rôle de Francois de Capestan, mais celle d’André Hunebelle reste celle qui nous vient immédiatement à l’esprit. Réalisé avec une fougue et un panache contagieux par un cinéaste alors déjà âgé de 75 ans, magistralement interprété, Le Capitan n’atteint peut-être pas la très grande réussite du Bossu, dont il reprend ouvertement la même recette, des décors flamboyants, en passant par les costumes colorés et les affrontements à l’épée très bien chorégraphiés, à tel point que l’on peut souvent confondre les deux, mais n’en reste pas moins une vraie référence du genre. Le charme agit encore pleinement et Le Capitan reste encore aujourd’hui un remarquable divertissement romanesque.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray du Capitan, disponible chez Pathé, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition se compose de l’édition HD et du DVD. Le menu principal est animé et musical.

Un tout petit bonus est disponible. Foncièrement sympathique, il s’agit d’une interview de Jean Marais réalisée quelques semaines après la sortie triomphale du Capitan, alors qu’il venait de terminer le tournage de La princesse de Clèves de Jean Delannoy (6’). Décontracté, clope au bec et verre à la main, le comédien semble s’amuser des questions qu’on lui pose et y répond avec franchise et simplicité. Jean Marais évoque à la fois ses personnages chez Jean Cocteau et ceux qu’il interprétait depuis peu dans les films de cape et d’épée, en indiquant qu’il allait enchaîner avec Le Miracle des Loups, Le Capitaine Fracasse, ou même un Surcouf et un Mandrin qui n’allaient finalement pas se faire. Le comédien revient également sur la genèse du Bossu, sur le fait de réaliser lui-même les cascades (« parce que cela m’amuse et m’entretient, puisque je ne fais pas de sport dans la vie »), tout en racontant une anecdote de tournage du Capitan.

L’Image et le son

Le Capitan retrouve une nouvelle jeunesse avec cette promotion HD. Le cadre large n’a jamais paru aussi pimpant, la clarté est souvent très plaisante sur les scènes en extérieur, la restauration 4K effectuée par le célèbre laboratoire italien L’immagine ritrovata impressionne dès le générique d’ouverture et le relief est omniprésent. La compression AVC consolide l’ensemble avec brio, le piqué est tranché pour un film de 1960, et la colorimétrie bigarrée à souhait restitue la beauté des décors et des costumes. Si le grain cinéma a heureusement été préservé, certaines séquences apparaissent plus grumeleuses et nous noterons quelques baisses sensibles de la définition sur les fondus enchaînés, qui occasionnent de sensibles décrochages. Il en est de même sur des champs-contrechamps légèrement déséquilibrés. Mais ce serait vraiment chipoter car nous nous trouvons devant la plus belle copie du film disponible à ce jour.

L’éditeur livre comme d’habitude une piste DTS-HD Master Audio Mono qui instaure d’emblée un très bon confort acoustique. L’écoute est aérée avec des dialogues clairs et affirmés, ainsi qu’une belle délivrance des lames qui s’entrecroisent durant les combats. La restauration ne fait aucun doute et surtout, aucun souffle n’est à déplorer. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Phantasm III : Le Seigneur de la Mort, réalisé par Don Coscarelli

PHANTASM III : LE SEIGNEUR DE LA MORT (Phantasm III: Lord of the Dead) réalisé par Don Coscarelli, disponible en DVD et Blu-ray en coffret Intégrale Collector le 31 octobre 2017 chez ESC Editions et Sidonis Calysta

Acteurs :  Reggie Bannister, A. Michael Baldwin, Angus Scrimm, Bill Thornbury, Gloria Lynne Henry, Kevin Connors, Cindy Ambuehl…

Scénario :  Don Coscarelli

Photographie : Chris Chomyn

Musique : Fred Myrow, Christopher L. Stone

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1994

LE FILM

Après quatorze ans de lutte sans merci, Mike est de nouveau confronté au terrible croque-mort de Morningside, qui dirige une troupe de zombies, des nains composés de cadavres ressuscités, et à une armée de sphères meurtrières.

Six ans séparent Phantasm III : Le Seigneur de la Mort de Phantasm II. Réalisée en 1994 et directement sortie en VHS (énorme succès dans les bacs), cette deuxième séquelle au premier Phantasm (1979) fait oublier la déception du précédent volet. Don Coscarelli est de retour au scénario et à la mise en scène, mais ce troisième opus marque également celui d’A. Michael Baldwin dans le rôle de Mike, qui avait été provisoirement tenu par James LeGros dans Phantasm II. Quinze ans plus tard, le comédien retrouve donc son personnage créé dans le film original, ce qui apporte déjà une plus-value non négligeable. Phantasm III : Le Seigneur de la Mort s’apparente souvent à un remake des deux premiers, mais en constitue également (et heureusement) un prolongement fort sympathique, d’autant plus, et ce sera le cas pour chaque film de la saga, que l’histoire reprend là où celle du précédent s’était arrêtée.

Revenu de l’au-delà, le Tall Man kidnappe Mike dont il voudrait faire son successeur au terme d’une opération particulièrement douloureuse. C’est sans compter sur la détermination de Reggie d’arracher son ami à son emprise. Il est donc de retour (encore une fois) le célèbre Tall Man et il n’a jamais été aussi déterminé. Pour preuve, l’acteur Angus Scrimm, 68 ans au compteur, n’a jamais eu autant de dialogues que dans Phantasm III : Le Seigneur de la Mort et son célèbre « Booooooooy ! » fonctionne encore parfaitement. Durant le prologue, Don Coscarelli résume intelligemment les deux premiers volets, à travers la voix de Mike. Bien que son corps ait fondu à la fin deuxième film, le Tall Man traverse les dimensions pour se débarrasser de son propre cadavre et reprendre ainsi les affaires en cours. Le point central de ce troisième film est la mutation de Mike, désirée par le Tall Man, qui voit en lui celui qui le remplacera. Alors qu’il prend la fuite, son pote Reggie (Reggie Bannister), armé de son fusil de chasse à quatre canons, tente de le retrouver et traverse des villes désolées sur son chemin, laissées à l’abandon pour le plus grand plaisir des pilleurs.

Fans de westerns, Don Coscarelli pose les bases qui feront la belle réussite du quatrième Phantasm en 1998. Reggie rencontre un petit garçon, fils d’un shérif assassiné, qui a repris la pétoire de son paternel et qui s’en sert avec efficacité contre les zombies qui rôdent dans les parages. Plus tard, leur association sera renforcée par l’arrivée de Rocky, une militaire black spécialisée dans le maniement du nunchaku, très efficace contre les vigiles argentées du boogeyman. C’est alors que ressurgit Jody, le frère de Mick. Phantasm III : Le Seigneur de la Mort reprend donc ce qui a fait le succès des précédents volets, les nains monstrueux au service du Tall Man, le sang jaune et bien entendu les mythiques sphères métalliques perceuses de crânes (d’ailleurs le film s’ouvre sur le reflet du Tall Man dans une de ses créations), ici multipliées par cent. Les effets visuels sont plus modernes et donc plus réussis, le rythme plus maîtrisé, les scènes d’action bien emballées avec toujours ce côté foutraque et système D qui fait le charme de la franchise. L’humour noir crée un décalage bienvenu (l’oeil qui sort de la sphère, un frisbee muni de lames de rasoir, une sphère attrapée au vol avec un débouche chiotte), montrant que tout ceci n’est pas sérieux, tandis que le réalisateur s’amuse (et nous aussi) avec les effets gore (une gorge tranchée, un crâne traversé par une sphère) et l’obsession pour le sexe du personnage de Reggie.

Si le cinéaste répond à quelques questions posées par Phantasm et Phantasm II, cela ne fait qu’en engendrer de nouvelles qui relancent alors la saga. Ce que confirmera Phantasm IV : Aux sources de la Terreur, véritable western métaphysique.

LE BLU-RAY

Phantasm III : Le Seigneur de la Mort est donc disponible en Blu-ray, mais pour l’instant uniquement en coffret intégrale (5 films) édité par ESC Editions. Aujourd’hui, nous ne sommes pas en mesure de dire si ce titre sera édité à l’unité, mais puisque les deux premiers le sont déjà, il n’y a pas de raison d’en douter. Le menu principal est animé sur le célèbre thème du film.

En plus de réunir les cinq films de la saga, ce coffret collector intégrale propose également un DVD Bonus, contenant un documentaire rétrospectif de la franchise « Phantasmagoria » (97’), Phantasmagorical Mystery Tour (14′), des scènes coupées de Phantasm (3′), sans oublier un livre inédit de 152 pages par Marc Toullec sur la genèse et la réalisation de la saga. Ces suppléments seront chroniqués ultérieurement.

Le Blu-ray de Phantasm III : Le Seigneur de la Mort contient également quelques bonus.

On passera sur l’unique scène coupée (12 secondes !) sans intérêt (les personnages principaux sont poursuivis – au ralenti – par le Tall Man), pour se consacrer au petit module de 18 minutes consacré au tournage du film…ainsi que celui de Phantasm IV : Aux sources de la terreur ! Evitez donc de visionner ce documentaire si vous ne connaissez pas encore le quatrième épisode puisque certaines séquences sont révélées ! Quelques propos de Don Coscarelli, Reggie Bannister et A. Michael Baldwin ponctuent les images de tournage, surtout celles nécessitant des effets spéciaux ou bien encore les cascades.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos.

L’Image et le son

Voilà une très belle édition HD au format 1080p (AVC) ! Phantasm III : Le Seigneur de la Mort profite de cette élévation et offre aux fans de la franchise un superbe master qui participe à la redécouverte de cet opus souvent considéré comme étant le plus faible de la saga. Le grain original est respecté et excellemment géré, le piqué est pointu, la propreté indéniable, la stabilité de mise et les couleurs fraîches et saturées. L’image est tellement belle qu’on peut même apercevoir l’équipe de tournage dans le reflet des sphères ! Les contrastes sont à l’avenant, les séquences diurnes sont lumineuses, les détails riches, bref, en dehors d’un sensible fléchissement de la définition sur les scènes en intérieur, c’est vraiment très beau ! Aux oubliettes le DVD TF1 Vidéo sorti en 2000 !

La version originale bénéficie d’un remixage DTS-HD Master Audio 5.1. Au premier abord on pouvait craindre le pire. Il n’en est rien, bien au contraire. Cette option acoustique séduisante permet à la composition enivrante de Fred Myrow d’environner le spectateur pour mieux le plonger dans l’atmosphère du film. Les effets latéraux ajoutés ne tombent jamais dans la gratuité ni dans l’artificialité. De plus, les dialogues ne sont jamais noyés et demeurent solides, la balance frontale assurant de son côté le spectacle acoustique, riche et dynamique, surtout lors du passage des sphères. Les fans de la version française devront se contenter d’une piste mono DTS-HD Master Audio 2.0. Cette version se révèle assez percutante et propre, mais certains dialogues s’avèrent sensiblement grinçants. Les sous-titres ne sont pas imposés sur la version originale. Aucun souffle constaté.

Crédits images : © ESC Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr