Test Blu-ray / Divorce à l’italienne, réalisé par Pietro Germi

DIVORCE À L’ITALIENNE (Divorzio all’italiana) réalisé par Pietro Germi, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 7 novembre 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Marcello Mastroianni, Daniela Rocca, Stefania Sandrelli, Leopoldo Trieste, Odoardo Spadaro, Margherita Girelli, Angela Cardile, Lando Buzzanca…

Scénario : Ennio De Concini, Pietro Germi, Alfredo Giannetti

Photographie : Leonida Barboni, Carlo Di Palma

Musique : Carlo Rustichelli

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Un noble sicilien est amoureux d’une magnifique jeune femme. Mais le divorce est illégal en Italie. Il concocte donc un « divorce à l’italienne » : surprendre sa femme dans les bras d’un amant, l’assassiner et, de bon droit, n’écoper que d’un minimum de prison…

Pietro Germi (1914-1974), comédien, réalisateur, producteur et scénariste plusieurs fois récompensé pour ses oeuvres dans les festivals du monde entier est aujourd’hui bien trop souvent oublié quand on évoque l’âge d’or du cinéma italien. Malgré une timidité maladive, Pietro Germi a toujours défendu un cinéma engagé et usait de son art comme d’un vecteur pour contester certaines moeurs de la société, tout en désirant avant toute chose divertir les spectateurs dans le drame ou dans la comédie. C’est le cas de Divorce à l’italienne, probablement le film le plus connu de son auteur.

Comme il le fera dans Séduite et abandonnée en 1966, Pietro Germi décrit les us et coutumes archaïques, ainsi que les comportements hypocrites qui reflètent une société ancrée, pour ne pas dire engluée, dans une tradition obsolète. Sommet de la comédie de mœurs, chef d’oeuvre absolu, Divorce à l’italienne est l’un des plus grands films italiens de tous les temps et permet à Marcello Mastroianni d’être enfin considéré comme un immense acteur d’un genre dans lequel le public avait encore du mal à l’identifier et même à l’accepter. Chose amusante et troublante, dans ce film son personnage se retrouve au cinéma pour aller voir La Dolce Vita de Federico Fellini, comme si les célèbres masques représentatifs du théâtre, l’un triste, l’autre riant, se faisaient face.

Comment détourner la loi qui interdit le divorce quand on est amoureux d’une attrayante personne ? Le baron Ferdinando Cefalù, noble sicilien, veut se remarier avec la jeune Angela. Mais comme le divorce est illégal en Italie, il fait tout pour que son épouse ait une aventure avec un autre homme, pour pouvoir les surprendre ensemble, la tuer et n’avoir qu’une peine légère pour crime d’honneur. La recherche de l’amant potentiel est une tâche ardue au regard de la laideur de la baronne.

Après Meurtre à l’italienne, titre français de Un maledetto imbroglio (1959), voici donc Divorce à l’italienne réalisé cette fois encore par de Pietro Germi et qui a permis à Marcello Mastroianni de recevoir le Golden Globe et le BAFTA du meilleur acteur la même année pour sa magnifique interprétation. A l’origine, le cinéaste ne pensait pas réaliser une comédie, registre qu’il n’avait jamais abordé frontalement. Pietro Germi voulait se pencher sur la question du « crime d’honneur ». En Italie, le divorce n’existait pas encore – il ne sera finalement voté au Parlement italien qu’en 1969 – et restait interdit. La vie d’un couple marié ne prenait fin qu’à la mort de l’un des deux conjoints. Sur ce postulat de départ, Pietro Germi et ses collaborateurs s’appuient sur l’article 587 du code pénal, qui prévoit pour un mari ou une femme trompé(e) une peine de trois à sept ans de prison s’il ou elle a tué pour venger son honneur. Selon Pietro Germi « Si son affaire est bien préparée, sa cause bien défendue, s’il se conduit bien en prison et bénéficie automatiquement d’une remise de peine, il se retrouve libre au bout de deux ans ».

Le jeu en vaut la chandelle alors pour ce noble, qui chamboulé par la juvénile Angela, sa cousine de 16 ans (!) décide de se débarrasser de sa femme à moustache (y compris frontale) en la poussant dans les bras d’un autre, après avoir lui-même rêvé de la trucider. Divorce à l’italienne bascule dans l’ironie et la satire sociale, sans jamais rendre le personnage de Marcello Mastroianni repoussant ou antipathique. Malgré tout ce qu’il entreprend, on l’aime ce pauvre baron qui commence à péter les plombs face à cette femme envahissante (géniale Daniela Rocca, enlaidie pour l’occasion), la sienne donc, qui se permet même de couper la parole à la voix-off !

C’est souvent le cas dans le cinéma de Pietro Germi, la foule, les habitants du quartier réunis autour d’un verre, s’amassent sur les trottoirs, en regardant une scène de ménage ici, en attendant là que quelqu’un passe à l’acte et ose enfin faire le premier pas. Car personne n’est dupe, tout le monde est au courant de la situation du baron Fernandino qui est un cas parmi tant d’autres, loin d’être le modèle de vertu que son statut social semble afficher.

Habitué au drame néoréaliste (le sublime Il Ferroviere – Le Disque rouge, le film préféré et le plus personnel du cinéaste) et aux intrigues policières (Au nom de la loi), Pietro Germi utilise les codes et la forme des genres qu’il a abordés dans le passé, pour les mettre au service d’une comédie, sur les conseils de son ami, le grand Mario Monicelli. Le regard sur son pays et ses concitoyens est le même, acéré. L’Italie archaïque mène à l’hystérie collective. Sur un montage percutant, le réalisateur enchaîne une série de quiproquos corrosifs, de répliques cinglantes, de rebondissements, de gags visuels déchaînés qui demeurent aussi frais qu’au premier jour, le tout joyeusement mis en musique par l’incontournable Carlo Rustichelli.

Avec son sens de l’observation aussi aiguisé que chaleureux et surtout en évitant de tomber dans la morale toute faite, Pietro Germi signe un véritable bijou du cinéma transalpin, élevant la comédie à l’italienne sur un indéboulonnable piédestal, illuminé par la beauté de Stefania Sandrelli et l’immense talent de Marcello Mastroianni. Divorce à l’italienne est récompensé par l’Oscar du meilleur scénario original, le Prix de la meilleure et devient le premier film estampillé « comédie à l’italienne ».

LE BLU-RAY

Plus de huit ans après une très belle édition DVD, Divorce à l’italienne débarque en Blu-ray, toujours chez M6 Vidéo qui a concocté à cette occasion un Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret de 24 pages. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur reprend l’exceptionnel documentaire intitulé Marcello Mastroianni, l’attrait d’un homme ordinaire (1h) qui rend hommage à cet immense artiste et homme exceptionnel. Ce module indispensable revient longuement sur la prolifique carrière du comédien à travers des extraits d’entretiens réalisés tout au long de sa vie. Intitulé en version originale « Le charme discret d’un homme comme les autres », ce reportage produit et diffusé sur la RAI dresse le portrait d’un acteur simple, humble et modeste, refusant d’être catalogué latin lover en remettant constamment son image en jeu. De nombreux cinéastes et comédiens de renom font leur apparition, en particulier Federico Fellini, Vittorio Gassman, Vittorio De Sica, Luchino Visconti et Marco Ferreri, lui rendant un hommage aussi sincère qu’émouvant, notamment lors des Prix d’interprétation ou pour l’ensemble de sa carrière que Marcello Mastroianni reçoit dans les dernières années de sa vie. Ce documentaire permet d’avoir un large panel des transformations physiques du comédien qui a marqué à jamais le cinéma. Ce segment se clôt sur les rares images de Marcello Mastroianni accompagné de sa fille Chiara lors de leur passage au Festival de Cannes.

Le nouveau supplément proposé par M6 Vidéo est un entretien avec Philippe Rouyer (25’). Le critique et historien du cinéma, membre du comité de rédaction de la revue Positif et en charge des pages cinéma du magazine Psychologies propose de réhabiliter le cinéaste Pietro Germi. Selon lui, « le réalisateur n’a pas la place qu’il mérite » et devrait apparaître auprès des noms plus prestigieux et souvent cités. Philippe Rouyer revient sur la carrière de Pietro Germi, croise le fond et la forme de Divorce à l’italienne, « un film d’une incroyable modernité […] avec un metteur en scène qui se fait plaisir ».

L’interactivité se clôt sur les bandes-annonces de Dommage que tu sois une canaille et de Nos héros réussiront-ils à retrouver leur ami mystérieusement disparu en Afrique ?.

L’Image et le son

Le chef d’oeuvre de Pietro Germi est présenté en édition restaurée 2K. Un master HD très impressionnant. Contrairement à ce que la jaquette indique (et c’était déjà le cas sur le DVD), Divorce à l’italienne n’est pas proposé dans un format plein cadre 1.33 mais 1.85. Le transfert est irréprochable avec des contrastes fabuleux une stabilité irréprochable (le DVD s’accompagnait de légers défauts de compression et un tremblement d’image), une propreté sidérante, des noirs denses, des blancs lumineux, des détails à foison et un grain cinéma respecté. Les quelques micro-poussières et les décrochages sur les fondus enchaînés sont purement anecdotiques. Il s’agit probablement d’un des plus beaux Blu-ray sortis chez M6 Vidéo. Un véritable plaisir pour les yeux.

Divorce à l’italienne contient son lot de cris en tous genres. De ce fait, quelques saturations sont inévitables mais le mixage demeure d’excellente qualité avec de solides effets et un souffle qui ne se fait entendre qu’à deux reprises. Les voix des comédiens sont dynamiques, la musique bien mise en valeur et ce mixage italien en DTS-HD 2.0 restauré fait de véritables prouesses acoustiques. Pas de version française, mais les sous-titres pour les spectateurs sourds et malentendants.

Crédits images : © Les Films du Camélia / SND / M6 Vidéo / Rai Trade/Rai Teche /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Commando pour un homme seul, réalisé par Etienne Périer

COMMANDO POUR UN HOMME SEUL (When Eight Bells Toll) réalisé par Etienne Périer, disponible en DVD et Blu-ray le 9 octobre 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Anthony Hopkins, Nathalie Delon, Robert Morley, Jack Hawkins, Corin Redgrave, Derek Bond, Ferdy Mayne, Maurice Roëves…

Scénario : Alistair MacLean d’après son roman « 48 heures de grâce »

Photographie : Arthur Ibbetson

Musique : Angela Morley

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 1971

LE FILM

Un agent des services secrets anglais, enquête sur des pirates ayant attaqué des bateaux transportant de l’or aux larges des côtes écossaises.

Voilà près de dix ans que le phénomène James Bond prolifère dans les salles du monde entier. Devant ce triomphe international moult ersatz ont vu le jour, y compris en France avec par exemple les OSS 117 d’André Hunebelle. En Angleterre, certains producteurs commencent à vouloir surfer sur la vague espionnage en tentant de mettre un nouvel espion sur le circuit afin de concurrencer l’agent 007 sur ses plates-bandes. Elliott Kastner et Jerry Gershwin viennent de produire Quand les aigles attaquent de Brian G. Hutton, adapté de l’oeuvre d’Alistair MacLean, avec Richard Burton et Clint Eastwood en haut de l’affiche. L’écrivain et auteur à succès de thrillers et d’histoires d’aventures avait d’ailleurs adapté lui-même son propre roman. Ayant de la suite dans les idées, Kastner et Gershwin demandent à MacLean de transposer son roman d’espionnage When Eight Bells Toll, publié en 1966 sous le titre 48 heures de grâce dans nos contrées. Le titre original sera conservé pour le film réalisé par un certain Etienne Périer, qui sort sur les écrans en mars 1971, alors que Sean Connery est sur le point de raccrocher (presque) définitivement son Walther PPK. Aujourd’hui, s’il n’atteint évidemment pas la dimension d’un épisode de James Bond, Commando pour un homme seul reste une délicieuse curiosité, réalisée pour de profiter de l’engouement des spectateurs pour les missions exotiques des agents secrets sur grand écran.

Depuis quelque temps, des navires britanniques chargés de lingots d’or disparaissent le long des côtes écossaises. Pour percer ce mystère, les services secrets font appel à un agent de l’Amirauté, Philip Calvert. Celui-ci, aidé de son ami Hunslett, s’installe sur un bateau et commença son enquête en inspectant la région. Ses recherches, contrariées par le mutisme des habitants des villages avoisinants ainsi que par l’agressivité de Lord Kirkside, le châtelain du lieu, le conduisent jusqu’au yacht de Sir Anthony Skouras. Celui-ci fait apparemment un séjour de plaisance en compagnie de sa seconde épouse, Charlotte, et de ses deux conseillers, Lavorski et McCallum… Les ennuis commencent pour Calvert, à plusieurs reprises, l’adversaire tente de l’éliminer. Flairant la bonne piste, Calvert a cependant du mal à convaincre son chef hiérarchique, Sir Arthur Arnold-Jones, de la véracité de ce qu’il avance. Une bande fort bien organisée détourne les bateaux, les immerge, puis transporte l’or, sous l’eau.

Commando pour un homme seul contient tous les ingrédients des livres d’Alistair MacLean, déjà présents dans les adaptations des Canons de Navarone, de Destination Zebra, station polaire et de Quand les aigles attaquent. Même schéma, même développement des rapports hiérarchiques (MacLean était un ancien de la Royal Navy et avait participé à la Seconde Guerre mondiale), même construction avec crescendo des révélations jusqu’à l’assaut final. Commando pour un homme seul réserve donc son lot de rebondissements, d’action, d’aventures avec une belle dose d’humour so british et une touche de charme avec la présence au générique de la frenchie Nathalie Delon. Mais le film vaut aussi pour le rôle principal tenu par Anthony Hopkins dans l’un de ses premiers vrais rôles au cinéma.

Acteur de théâtre et ayant principalement travaillé pour la télévision, Anthony Hopkins alors âgé de 32 ans (le même âge que Sean Connery dans son premier 007), se délecte dans la peau de ce personnage, sorte de cousin éloigné de James Bond dont la spécialité est d’enquêter sur les affaires nautiques. Déjà charismatique et surtout talentueux, le comédien traverse le film avec une sorte de zen attitude attachante et un flegme naturel qui lui sied à ravir. Toutefois, comme le sera Roger Moore dans la peau de l’agent créé par Ian Fleming, Anthony Hopkins est remplacé par une doublure cascade (visible) dès qu’il faut lever le petit doigt. Les paysages écossais (patrie d’Alistair Maclean) sont superbes et donnent au film une personnalité propre, loin des James Bond plus chatoyants et carte-postale.

Commando pour un seul homme se suit avec plaisir, certaines séquences comme l’attaque puis le naufrage de l’hélicoptère, ou bien encore l’affrontement sous-marin et le final dans le repaire des bandits sont très bien menées par le belge Etienne Périer derrière la caméra. Ajoutez à cela un rythme bien géré, une belle photo, la présence tordante de Robert Morley (L’Odyssée de l’African Queen, Plus fort que le diable) et sa trogne impayable, tout comme celle reconnaissable du cultissime Ferdy Mayne (le comte Von Krolock du Bal des vampires) et vous obtenez un petit thriller d’espionnage aux accents bondiens , jusque dans la musique de Walter Scott (aka Angela Morley), néanmoins plus proche du thème d’Austin Powers que de Goldfinger, plaisant et divertissant. En Angleterre, Commando pour un homme seul est un triomphe, mais le succès reste timide dans le reste du monde, ce qui empêche les producteurs de lancer un autre épisode des aventures de Philip Calvert, comme cela avait été pensé pendant un temps.

LE BLU-RAY

L’un des éditeurs français à nous avoir le plus gâté cette année est incontestablement Rimini Editions. Commando pour un homme seul apparaît dans les bacs en DVD et Blu-ray. La galette bleue est disposée dans un boîtier classique de couleur noire et la jaquette saura attirer les amateurs de thrillers vintage. Le menu principal est animé sur la musique de Walter Scott.

Nous ne trouvons que la bande-annonce comme supplément.

L’Image et le son

Film culte en Angleterre, When Eight Bells Toll a été restauré par les mythiques studios Pinewood. C’est ce master 2K qui est présenté ici par Rimini Editions. Le générique est chancelant avec une fluctuation de la définition sur les credits. Cela s’arrange après. La palette chromatique est élégante et lumineuse sur les scènes diurnes, le piqué est agréable, les contrastes soignés et la propreté de la copie indéniable. Les séquences sombres sont plus altérées avec un grain moins bien géré, quelques effets de pompage sur les noirs et divers fourmillements. Le point fort de ce Blu-ray provient des séquences sous-marines, superbes et qui profitent de cette élévation HD.

Pas de version française pour le film d’Etienne Périer alors que nous notons tout de même une sortie hexagonale de Commando pour un homme seul en mars 1972. Mais peu importe, car il est indispensable de (re)découvrir les aventures de Philip Calvert en version originale, afin de profiter de l’accent des comédiens. Rien à redire sur cette piste mono aux dialogues clairs et distincts. Les ambiances sont aussi présentes que précises, tandis que le thème principal (assez récurrent) est bien délivré.

Crédits images : © Gershwin-Kastner Productions – Winkast Film Productions / Rimini Editions /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / La Vengeance de la femme au serpent, réalisé par Beverly & Ferd Sebastian

LA VENGEANCE DE LA FEMME AU SERPENT (‘Gator Bait II : Cajun Justice) réalisé par Ferd & Beverly Sebastian, disponible en DVD le 2 octobre 2018 chez Artus Films

Acteurs : Jan Sebastian, Tray Loren, Paul Muzzcat, Brad Koepenick, Jerry Armstrong, Ben Sebastian, Reyn Hubbard, Levita Gros…

Scénario : Beverly Sebastian, Ferd Sebastian

Photographie : Ferd Sebastian

Musique : George H. Hamilton

Durée : 1h38

Date de sortie initiale : 1988

LE FILM

Venant d’épouser Big T., un cajun, Angélique part vivre en Louisiane, au beau milieu des marais et des crocodiles. Elle y apprend la vie rude des autochtones, quand une bande de rednecks, dont le chef, Leroy, est le rival de Big T., tue ce dernier et enlève la jeune femme. La belle se fait violer par la bande. Pour se venger, elle va devoir user de courage et de cruauté à la hauteur des sévices subis.

Suite tardive au sympathique Les Marais de la haine – ‘Gator Bait, qui valait surtout pour la beauté flamboyante de la magnifique Claudia Jennings, La Vengeance de la femme au serpent, sobrement intitulé ‘Gator Bait II : Cajun Justice en version originale, est un film conçu uniquement pour son exploitation en VHS. Suite à une commande de la prestigieuse Paramount, 14 ans après Les Marais de la haine, Beverly et Ferd Sebastian reprennent leur caméra Arriflex et retournent dans le bayou. Comme Claudia Jennings est décédée tragiquement en 1979, l’un des seuls liens entre les deux films se fait avec le personnage de Big T.,  le petit frère muet du premier volet. S’il était interprété par Tracy Sebastian, le fils des metteurs en scène, le rôle – ici adulte – est repris dans le second par un certain Tray Loren. C’est du moins ce qu’indique le générique, car il s’agit en fait de la même personne. Sans aucune explication rationnelle, Big T. retrouve l’usage de la parole ici. Beverly et Ferd Sebastian ont ensuite révélé qu’ils avaient été obligés de supprimer tous les dialogues de leur fils, ce dernier étant peu sûr de lui devant la caméra. De toute façon, il faut bien dire que l’intérêt de ce second ‘Gator Bait, comme pour le premier, est ailleurs.

La femme du titre français est ici incarnée par l’inconnue Jan Sebastian, belle-fille des réalisateurs puisque mariée à l’époque à…ah bah tiens au frère de Tracy Sebastian. Une histoire de famille quoi. Peu avare de ses charmes, pulpeuse, crinière au vent, la comédienne n’a certes pas le charisme, la beauté, le talent et le magnétisme de Claudia Jennings, mais s’en sort honorablement dans le rôle principal. Les auteurs repoussent cette fois les limites en inscrivant La Vengeance de la femme au serpent dans le genre du rape & revenge, avec des séquences parfois difficiles, en jouant à la fois sur le voyeurisme et la patience du spectateur.

Jeune citadine, Angélique quitte la ville pour épouser un Cadien, surnommé « Big T. », et s’installer avec lui dans une maison en plein milieu des marécages de la Louisiane. Leur fête de mariage est perturbée par une bande de rednecks, menée par un certain Leroy. Son mari éduque Angélique en lui enseignant l’art de vivre dans le bayou. Il lui apprend à chasser et manier le hors-bord, à pêcher ou encore à manier des armes. Pourtant, leur idylle amoureuse est rompue lorsque Leroy et ses amis pénètrent chez eux pour tuer Big T. et kidnapper Angélique. Violée et laissée pour morte, elle est déterminée à se venger. Elle va devoir user de courage et de cruauté à la hauteur des sévices subis pour torturer et abattre ses ravisseurs un par un…

‘Gator Bait II : Cajun Justice parvient à contenter ceux qui avaient aimé le premier volet et l’audience plus contemporaine qui demandait alors une violence plus frontale. Cette séquelle propose son lot de scènes un peu cucul la praline avec ce couple d’amoureux qui batifolent dans les marais, qui baisent, qui pêchent, qui rebaisent, qui tirent à la carabine, qui baisent encore, qui font du bateau et qui ont bien mérité de baiser après une dure journée. Comme pour le premier opus, le problème de ‘Gator Bait 2 est son absence de rythme et sa succession de vignettes alignées les unes derrière les autres pour en faire un long métrage. Malgré tout, on ne s’ennuie pas. La Vengeance de la femme au serpent se permet même d’être un film Bis plus dégénéré et déviant, plus axé sur les us et coutumes du coin, à l’instar de la séquence du mariage en début du film, variation démunie de celle du premier Parrain.

Ferd et Beverly Sebastian profitent des courbes généreuses de leur comédienne principale en la filmant sous tous les angles, en prenant le temps de la montrer (longtemps) dans son bain, dehors, sur le ponton, devant les yeux affamés de quelques rednecks qui se lèchent les babines. Puis vient la scène où Angélique se voit humiliée par cette bande de cinglés, qui profitent de l’absence de son mari pour abuser d’elle. Puis, ils l’enlèvent, l’attachent comme une bête à un piqué et finissent par la violer au cours d’une longue séquence que certains trouveront interminable. Angélique parvient ensuite à s’échapper, ce qui nous vaut encore quelques séquences en bateau à moteur comme dans le premier épisode, puis prépare sa vengeance après avoir enfilé un short en jean déchiré et trop petit pour ses hanches pleines, tout en ayant pris soin de ne pas boutonner son bustier.

Sans se cacher, ‘Gator Bait 2 : Cajun Justice s’inspire d’une des séquences phares de Délivrance. Si le genre est largement dépassé, Ferd et Beverly Sebastian tirent encore sur la corde de la Hicksploitation, rappelons que Hick signifie péquenaud. Aujourd’hui, nous revoyons La Vengeance de la femme au serpent avec curiosité, tout en se rinçant l’oeil c’est vrai devant Jan Sebastian (qui a d’ailleurs voulu réaliser elle-même ses petites cascades et scènes agitées), avec ce même désir pervers et malgré tout divertissant typique du cinéma d’exploitation, de voir des individus malmenés par des bouseux à la gueule de porte-bonheur, pour ensuite apprécier de voir ces derniers se faire dézinguer à coup de calibre 12.

LE DVD

Artus Films ne manque pas d’idée et encore moins d’audace. L’éditeur lance la collection Rednecks ! Et pour ouvrir le bal, rien de mieux que La Vengeance de la femme au serpent (sorti le même jour que Les Marais de la haine), disponible en DVD dans un superbe slim Digipack au visuel affriolant avec Jan Sebastian. Le menu principal est fixe et musical.

Dans un premier temps, nous retrouvons le même module déjà présent sur l’édition DVD des Marais de la haine. Un bonus qui nous avait quelque peu laissé sceptiques concernant le « témoignage » de Beverly et Ferd Sebastian (12’), qui font ici la promo pour leur association destinée à sauver les chiens lévriers (qui aident également à la réhabilitation des prisonniers), tout en voulant apprendre à créer un « partenariat » avec Jésus, qui selon Ferd a entendu ses prières et l’a sauvé d’une mort imminente alors qu’il était tombé très gravement malade du coeur. Ferd avoue qu’il avait refusé que ses films, « violents et sexuels », ressortent au cinéma ou soient exploités en VHS et DVD, suite à cette expérience miraculeuse. Jusqu’à ce qu’il ait enfin trouvé la « paix intérieure », ou que l’argent venait à manquer, mais ça Ferd ne le dit pas.

Ensuite, l’éditeur a évidemment demandé à Maxime Lachaud de présenter à nouveau le titre « redneck » qui nous intéresse (27’). Comme pour l’exposé consacré aux Marais de la haine, l’auteur du livre Redneck movies : Ruralité et dégénérescence dans le cinéma américain (Rouge Profond, 2014), essayiste et journaliste français semble toujours aussi peu à l’aise devant la caméra, même s’il s’en sort mieux ici. Peut-être le sujet principal abordé, le viol dans le cinéma de la Hicksploitation, l’inspire plus. Maxime Lachaud donne également quelques informations sur le tournage de La Vengeance de la femme au serpent, les réalisateurs et le casting. Si l’ensemble manque de rythme, on y trouve les informations qu’on espérait y glaner, donc le bilan est positif.

Suite et fin du « making of », qui n’en est pas un, dont la première partie est disponible sur le DVD des Marais de la haine, autrement dit l’entretien avec les deux réalisateurs, réalisé en 2012 (14’). Confortablement assis, le couple Sebastian, Beverly et Ferd, répondent aux questions envoyées par leurs fans. Les conditions de tournage sont abordées, les souvenirs s’enchaînent. Beverly explique que leur fils Tracy a repris son rôle des Marais de la haine, même s’il était difficile d’expliquer pourquoi le personnage, muet dans le premier film, parle désormais dans le second. Ferd explique comment certaines séquences ont été tournées, comme celle du mariage, reconstitué pour les besoins du film avec des habitants du cru, dans l’optique d’être le plus authentique possible.

L’interactivité se clôt sur un spot vidéo de trente secondes et le film-annonce qui raconte tout le film !

L’Image et le son

Réalisé près de quinze ans après Les Marais de la haine, La Vengeance de la femme au serpent nous parvient dans un master plus propre, même si le piqué est ici complètement émoussé. L’image est stable, le grain conservé, tout comme les partis pris qui reflètent les pauvres conditions de tournage. Il n’est pas rare d’avoir quelques plans flous ou que la colorimétrie varie au cours d’une même séquence. Le format 1.37 est respecté.

N’hésitez pas à sélectionner la version française, au doublage particulièrement gratiné. Par contre, ce que vous gagnerez en « cachet Bis », vous y perdrez en ambiances annexes. Nettement moins dynamique que la piste anglaise, la VF est quand même très amusante, surtout quand les doubleurs s’en donnent à coeur joie dans les insanités. La version originale semble plus homogène, en dépit de dialogues parfois sourds.

Crédits images : © Artus Films /  Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Religieuse, réalisé par Jacques Rivette

LA RELIGIEUSE réalisé par Jacques Rivette, disponible en combo Blu-ray/DVD le 18 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Anna Karina, Liselotte Pulver, Micheline Presle, Francine Bergé, Francisco Rabal, Yori Bertin, Catherine Diamant…

Scénario : Jean Gruault, Jacques Rivette d’après le roman « La Religieuse » de Denis Diderot

Photographie : Alain Levent

Musique : Jean-Claude Eloy

Durée : 2h20

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

Au XVIIIe siècle, Suzanne Simonin est cloîtrée contre son gré dans un couvent. Elle trouve un peu de réconfort auprès de la Mère supérieure, mais celle-ci meurt peu après, et est remplacée par une femme sadique qui ne cesse de brimer Suzanne. La jeune femme obtient l’autorisation de changer de couvent, mais reste toujours aussi déterminée à sortir.

Librement adapté d’une œuvre polémique de Diderot…

C’est le film français à avoir provoqué le plus grand scandale dans les années 1960. C’est aussi le second long métrage du réalisateur Jacques Rivette (1928-2016), critique – comme Eric Rohmer et Jean-Luc Godard – aux Cahiers du cinéma depuis 1953 où il devient directeur en chef de la revue dix ans après. Après quelques courts-métrages (Le Quadrille, Le Coup du berger), il signe son premier long en 1960 avec Paris nous appartient. La Religieuse, également connu sous son titre original Suzanne Simonin, la Religieuse de Denis Diderot est rétrospectivement l’oeuvre la plus célèbre de son auteur avec La Belle Noiseuse (1991) et son plus grand succès. Nul autre film dans sa carrière n’aura un tel retentissement et un tel impact. Chef d’oeuvre absolu et d’une folle modernité, La Religieuse offre également à la splendide Anna Karina son plus beau rôle au cinéma.

Les deux sœurs de Suzanne Simonin ont été richement dotées. Leur père n’a plus les moyens d’en faire autant pour Suzanne qui, de plus, n’est pas sa fille. La solution, au XVIIIe siècle, est simple, expéditive : mettre l’enfant mal-aimée au couvent. Suzanne refuse de prononcer ses vœux de chasteté, de pauvreté et d’obéissance, mais nul ne l’entend et elle se retrouve cloîtrée contre son gré au couvent de Longchamp que dirige Mme de Moni. Cette dernière convainc la jeune fille d’accepter son destin et de prononcer ses vœux. Mais, après la mort de la Supérieure, Mère Sainte Christine impose une discipline de fer. Elle enferme Suzanne dans sa cellule et pour faire échec à sa tentative de résiliation de ses vœux, affirme qu’elle est possédée du démon. Innocentée, Suzanne est transférée au couvent d’Arpajon où règne une totale liberté instaurée par la supérieure, Mme de Chelles. Celle-ci s’intéresse beaucoup à Suzanne et commence par lui faire quelques avances amoureuses puis sexuelles.

Les spectateurs ne manqueront pas de s’interdire toute généralisation hâtive, injuste et évidemment indéfendable…

Qui d’autre qu’Anna Karina aurait pu incarner cette jeune femme rebelle à toute autorité, et désirant retourner à la vie civile, malgré la cruauté d’une abbesse sadique qui lui inflige humiliations et tortures, la croyant possédée par le diable ? Quasiment de tous les plans, la comédienne alors âgée de 25 ans est devenue le visage de la Nouvelle Vague avec déjà à son palmarès Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part et Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution, tous réalisés par son compagnon Jean-Luc Godard. Le projet remonte à la fin des années 1950. Le célèbre et grand producteur Georges de Beauregard propose à Jacques Rivette de réaliser l’adaptation du livre de Diderot. En 1962, un avis de précensure défavorable de la commission de contrôle conduit les scénaristes Jacques Rivette et Jean Gruault à le transposer tout d’abord au théâtre (les trois coups retentiront d’ailleurs au début du film) au Studio des Champs-Elysées en 1963. Anna Karina interprète le rôle principal de la pièce mise en scène par Jean-Luc Godard, qui n’entraîne d’ailleurs aucun scandale et n’obtient pas de succès. Puis les deux scénaristes revoient leur copie afin que le film puisse obtenir une autorisation pour les spectateurs âgés de plus de 18 ans. La Religieuse n’est même pas encore tourné, qu’il se voit en fait déjà interdire.

Des religieuses et des associations de parents d’élèves de l’enseignement privé appellent au boycott. En 1965, la présidente de l’Union des supérieures majeures de France s’adresse directement à Alain Peyrefitte, ministre de l’information. Ce dernier « entend » son inquiétude quant au « caractère blasphématoire de ce film qui déshonore les religieuses ». Jacques Rivette entreprend néanmoins le tournage de La Religieuse, même s’il essuie le refus des monuments historiques pour effectuer ses prises de vue à l’abbaye de Fontevraud. La commission de contrôle autorise enfin la distribution de La Religieuse avec une interdiction aux moins de 18 ans. C’est alors qu’Yvon Bourges, secrétaire d’État à l’information, ainsi que Maurice Grimaud, directeur de la sécurité nationale, interdisent totalement la distribution et l’exportation du film, en prétextant que La Religieuse risque de troubler l’ordre public.

Là-dessus Jean-Luc Godard intervient et interpelle André Malraux, ministre de la culture. Le scandale est national et passe même les frontières françaises. Le film de Jacques Rivette parvient à être sélectionné au Festival de Cannes en 1966. Le producteur Georges de Beauregard se lance dans une bataille juridique et la remporte en 1967 auprès du tribunal administratif. L’interdiction d’exploitation est levée, à l’exception de celle aux moins de 18 ans. La Religieuse sort bel et bien le 26 juillet 1967 dans cinq salles parisiennes, plus d’un an après sa première projection sur la Croisette. C’est un triomphe avec près de trois millions d’entrées. Il faudra tout de même attendre 1975 pour que l’interdiction complète soit levée de façon définitive.

Mais La Religieuse ou Suzanne Simonin, la Religieuse de Denis Diderot va bien au-delà du scandale provoqué à sa sortie. Plus de cinquante ans après, sa modernité étonne encore et le film est loin d’être académique ou « poussiéreux ». Avec sa grâce, son regard bleu perçant, son visage ovale emprisonné dans un voile et son corps sans cesse en mouvement qui reflète sa rébellion contre l’institution, Anna Karina enflamme la pellicule. Jacques Rivette suit son personnage après avoir prévenu dans un sublime prologue que Suzanne ne s’en sortira pas. Chronique d’une mort ou d’une résignation annoncée ? Le spectateur suit le quotidien de Suzanne et devient le témoin de sa lutte acharnée pour sortir de cette prison où on l’a placée de force. Ses rencontres, déterminantes ou pas, s’enchaînent, l’espoir parvient à renaître parfois, mais les désillusions reviennent très vite. Il n’y a rien d’austère dans La Religieuse, film de chair et de sang qui palpite. Derrière la photo et les partis pris froids du chef opérateur Alain Levent, c’est un récit sur la volonté de vivre librement sa vie que nous raconte Jacques Rivette.

Le montage capte l’attention du spectateur sur 2h20, sans un moment de répit. Si Anna Karina reste le diamant du film, ses partenaires, Liselotte Pulver, Micheline Presle, Kean Martin et bien d’autres, témoignent de la solide direction d’acteurs du cinéaste qui rappelons-le n’en était qu’à son second long métrage. La Religieuse demeure l’une des plus grandes expériences du cinéma français des années 1960, un chef d’oeuvre à l’apparence épurée et pourtant d’une richesse thématique et formelle (un certain Claude Zidi à la caméra), parfois quasi-fantastique, insondable qui traverse le temps sans une égratignure. En 2013, une nouvelle et excellente transposition du roman de Denis Diderot réalisée par Guillaume Nicloux sort sur les écrans, avec Pauline Etienne dans le rôle principal.

LE BLU-RAY

Le chef d’oeuvre de Jacques Rivette fait son retour chez Studiocanal, dans un combo Blu-ray/DVD. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

En plus de la bande-annonce de la version restaurée, l’éditeur joint un documentaire intitulé Suzanne Simonin …la scandaleuse !, réalisé par Dominique Mallet (28’). Ce module se compose des interventions de Georges Kiejman, avocat et homme politique (ancien ministre sous Mitterrand), et de la grande Anna Karina. Les deux invités reviennent sur toutes les étapes de la sortie houleuse de La Religieuse au cinéma. La comédienne évoque la pièce de théâtre originale puis les menaces de mort qui l’ont conduit à déménager, tandis que l’homme de loi et ancien avocat du producteur Georges de Beauregard replace surtout l’affaire dans son contexte, deux ans avant les événements de mai 68. La mise en scène, les intentions et les partis pris de Jacques Rivette sont abordés dans un second temps, ainsi que le triomphe du film.

L’Image et le son

Entièrement restauré par L’Immagine Ritrovata, La Religieuse profite de cette élévation en Haute-Définition. Les couleurs froides voire glaciales sont nettes et tranchées, les noirs denses, les contrastes sont parfois trop appuyés dans la première partie, mais trouvent ensuite un bon équilibre. Le grain original est heureusement respecté et bien géré, tandis que les nombreux gros plans ne manquent pas de détails. La sublime photographie d’Alain Levent aux ambiances bleutées est admirablement restituée, tout comme les séquences partagées entre ombre et lumière, qui reflètent les tourments et l’espoir de Suzanne. Hormis quelques baisses de la définition et de légers flous, ce Blu-ray de La Religieuse est superbe.

La piste DTS-HD Master Audio mono 2.0 n’est certes pas exempt de sensibles saturations, résonances et de quelques répliques qui paraissent étouffées, mais le confort acoustique est suffisamment assuré. Aucun souffle n’est à déplorer et les sensibles ambiances environnantes sont bien délivrées, même à volume peu élevé. L’ensemble est clair et distinct, la propreté est de mise. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Prédateur, réalisé par Dick Maas

PRÉDATEUR (Prooi) réalisé par Dick Maas, disponible en DVD et Blu-ray le 27 octobre 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Sophie van Winden, Mark Frost, Britte Lagcher, Abbey Hoes, Victor Löw, Mike Libanon, Kees Boot, Julian Looman…

Scénario : Dick Maas

Photographie : Lennert Hillege

Musique : Dick Maas

Durée : 1h47

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Vétérinaire au zoo d’Amsterdam, Lizzy est appelée par la police : on vient de découvrir les cadavres atrocement mutilés d’une famille. La jeune femme comprend rapidement que ces morts ont été causées par un fauve d’une taille et d’une férocité exceptionnelles. Alors que d’autres victimes sont découvertes, Lizzie fait appel à l’un de ses vieux amis, un ancien chasseur de lions. Mais le prédateur reste insaisissable et continue de semer la terreur…

Nous sommes en pleine série B. Seulement voilà, ce n’est pas n’importe quel réalisateur aux commandes. Prédateur – Prooi en version originale, est mis en scène par le célèbre Dick Maas, cinéaste culte pour beaucoup et précurseur du film d’épouvante aux Pays-Bas, l’auteur de L’Ascenseur (1983), Grand Prix au Festival d’Avoriaz en 1984, de sa suite réalisée en 2001 et surtout d’Amsterdamned (1988). Né en 1951, Dick Maas fait son retour derrière la caméra quatre ans après Quiz avec un petit film de genre bourré d’humour. Si l’on accepte le fait qu’un lion de 300 kilos et mesurant plus de deux mètres puisse se cacher dans les fourrés et échapper au système de surveillance le plus perfectionné, alors Prédateur est un vrai et génial divertissement. Le film a vraiment de la gueule et crée une vraie complicité avec son public.

La trentaine, Lizzy est vétérinaire au zoo d’Amsterdam. Un matin, la jeune femme est contactée par un policier, Olaf, qui sollicite son aide pour enquêter sur le massacre d’une famille d’agriculteurs. Selon elle, les victimes ont été attaquées par un lion mangeur d’hommes. Plus tard, un golfeur est retrouvé mutilé à son tour, également tué par l’animal sauvage. Alors que les morts s’accumulent et que la rumeur circule dans la ville, le chef de la police refuse de croire qu’un gigantesque lion est responsable de cette hécatombe et choisit de ne pas communiquer sur l’affaire. Malgré elle, Lizzy se retrouve à la tête d’une gigantesque battue organisée à travers la capitale néerlandaise afin de capturer ou anéantir à tout prix la bête surdimensionnée et sanguinaire. La vétérinaire contacte son ancien compagnon, un Britannique chasseur de fauves, pour mettre fin à ses agissements.

Prédateur est le film d’un vieux briscard qui connaît par coeur les rouages pour faire peur et surtout pour faire plaisir aux spectateurs avides de sensations fortes. Certes, ce qui faisait peur jadis prête souvent à rire aujourd’hui, c’est pour cela que Prooi mélange habilement et judicieusement effets gore et humour noir souvent jubilatoire. Rien de tout ceci n’est sérieux, Dick Maas le prévient d’emblée à l’instar de cette séquence en ouverture où un père de famille, se lève après avoir entendu un bruit étrange et aperçoit sa fille aînée dans la pénombre. Si le spectateur comprend qu’elle est en train de se faire dévorer, le père pense qu’elle est en train de faire une fellation à son petit-ami. Il n’est donc pas interdit de rire, surtout pas, c’est fait exprès et Dick Maas – également compositeur ici – a réalisé son film dans ce sens.

Amsterdam devient un plateau de jeu idéal pour y déplacer ses personnages et surtout son lion entièrement conçu – ou presque – en images de synthèse. Les effets spéciaux sont d’ailleurs fort limités, pour ne pas dire mauvais, mais peu importe puisque les apparitions du fauve se déroulent principalement de nuit avec juste les lampadaires pour l’éclairer fugitivement. Au passage, nul n’est épargné, y compris les enfants. Du point de vue des comédiens, nous retiendrons surtout la belle Sophie van Winden, qui rappelle à la fois Rachel McAdams et Kristin Scott Thomas, sur laquelle repose une très grande partie du film. Une actrice à connaître. Ses partenaires, l’anglais Mark Frost (impeccable en Indiana Jones improbable et pourtant spécialiste des félins) et le néerlandais Julian Looman, très amusant en caméraman chaud comme la braise, assurent également le spectacle.

Dick Maas est un malin. Pour son scénario, il s’inspire en grande partie du premier Jurassic Park et adapte littéralement les plus grands moments de ce film avec le lion qui remplace les dinosaures comme la poursuite de la jeep par le T-Rex, avec ici le félin qui court après un scooter (avec le reflet dans le rétro qui crée l’angoisse), la partie de cache-cache avec les raptors dans la cuisine et même l’appeau des brachiosaures qui fait écho ici dans la scène où le braconnier tente d’appâter le lion dans le parc. Cette relecture à la sauce hollandaise du chef d’oeuvre de Steven Spielberg ne révolutionne rien, mais démontre toute l’étendue du talent du réalisateur du début à la fin et l’ambiance est particulièrement prenante. Une réussite donc et un film fort sympathique.

LE BLU-RAY

Rimini Editions a eu la très bonne idée de sortir Prédateur dans les bacs, en DVD et Blu-ray. L’édition HD est disponible dans un boîtier classique de couleur noire et au visuel très attractif avec un lion qui « n’a pas une gueule de porte-bonheur ». Le menu principal est kitsch, animé et musical.

Seule la bande-annonce est disponible comme supplément, dommage.

L’Image et le son

Le Blu-ray est au format 1080i. Le film de Dick Maas est joliment photographié par Lennert Hillege et cette édition HD délivre son lot de couleurs vives et chatoyantes sur les séquences diurnes. Les détails sont convaincants aux quatre coins du cadre large et le piqué évident (surtout sur les teintes froides), même si les contrastes pèchent parfois par un manque de concision sur les scènes sombres. Certains flous sporadiques tout comme de sensibles fourmillements sont constatables (surtout sur les scènes avec le lion en CGI), notamment au niveau des visages des comédiens, mais demeurent subliminaux et n’entravent en rien le visionnage. La clarté est de mise, le relief notable, la propreté incontestable et la définition élégante. Que demander de plus ?

Pas de pistes 5.1 pour les langues néerlandaise et française. Juste de la Stéréo, mais heureusement, le confort acoustique est assuré avec une belle délivrance de la musique de Dick Maas, des grognements du félin, des dialogues et des effets particulièrement dynamiques. La version originale est évidemment à privilégier. 

Crédits images : © Shooting Star Filmcompany & Parachute Pictures 2016 / Rimini Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Code 211, réalisé par York Alec Shackleton

CODE 211 (211) réalisé par York Alec Shackleton, disponible en DVD et Blu-ray le 7 novembre 2018 chez AB Vidéo

Acteurs : Nicolas Cage, Sophie Skelton, Michael Rainey Jr., Dwayne Cameron, Weston Cage, Cory Hardrict, Ori Pfeffer, Mark Basnight…

Scénario : John Rebus

Photographie : Alexander Krumov

Musique : Frederik Wiedmann

Durée : 1h27

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Un simple flic essaie d’interrompre un braquage en cours dans une banque.

Code 211 ou 211 pourrait bien représenter le 211e DTV de Nicolas Cage depuis 2013. A l’exception de Snowden d’Oliver Stone dans lequel il faisait une apparition en 2016, Joe de David Gordon Green est le dernier long métrage avec le comédien à avoir connu une sortie dans les salles françaises. Depuis, Nicolas Cage aura tourné près de 25 films avec une moyenne d’un bon film sur deux avec même d’excellents crus comme Suspect de Scott Walker, The Runner d’Austin Stark, Le Casse des frères Brewer, USS Indianapolis de Mario Van Peebles et Dog Eat Dog de Paul Shrader. Quant au reste…En dehors de Croisades dans lequel il maniait le sabre en nous faisant rire, Pay the Ghost où il affrontait des forces surnaturelles à la Nouvelle-Orléans, La Sentinelle où il arborait une moumoute grisonnante du plus bel effet, Arsenal où il trucidait son véritable frère, Usurpation où il résistait aux courbes de Nicky Whelan, le reste, notamment Tokarev et Le Chaos sont à oublier illico. Je ne suis pas encore « à jour » dans sa filmographie, bien que j’essaye de l’être chaque année, et je dois encore découvrir The Humanity Bureau, Mom and Dad, Army of One, The Watcher et surtout Mandy. Toujours est-il que Code 211 appartient à la catégorie des navets de Nicolas Cage. Malheureusement. On aurait bien voulu l’aimer ce film, mais force est de constater que l’acteur assure ici le minimum syndical et lui-même a l’air de trouver le temps long. Un DTV sans aucune imagination, éculé, lent, long. Et pourtant, le charisme de Nicolas Cage agit toujours autant, c’est dire si on l’aime. 

Le quotidien banal d’un policier veuf, Mike Chandler, est chamboulé par un braquage sanglant et violent. Secondé par son collègue et beau-fils, Steve, et un jeune civil, Kenny, Chandler n’a pas d’autre choix que de lutter contre les bandits. L’affrontement entre la police et les voleurs est sans pitié. Mais leur fusillade vire au carnage…

Pour la sixième fois, Nicolas Cage tourne pour le compte de la célèbre Millenium Films. Code 211 est un thriller réalisé en Bulgarie par un ancien snowboarder professionnel. Ça vous suffit ? Le truc, c’est que le metteur en scène, un certain York Alec Shackleton, est incapable d’insuffler le moindre rythme à son récit auquel on ne croît d’ailleurs jamais. L’installation des personnages est poussive, à l’instar de cette séquence d’ouverture en Afghanistan qui semble avoir été filmée dans la carrière de calcaire du coin, avec des comédiens qui gesticulent comme des marionnettes de Team America, police du monde de Trey Parker et Matt Stone. Là-dessus arrive une improbable agent d’Interpol interprétée par la divine comédienne roumaine Alexandra Dinu, très agréable à regarder, mais qui fait rire dès qu’elle montre son badge pour intimider quelques sbires.

Et Nicky là-dedans ? Bah on le voit cinq secondes durant les vingt premières minutes. En train de conduire, en train de boire son café, en train de froncer les sourcils puisque son personnage est triste en raison de la mort de son épouse. Son deuil impossible l’a éloigné de sa fille. Cette dernière (Sophie Skelton de la série Outlander) apprend qu’elle est enceinte de son compagnon (Dwayne Cameron, celui dont on aime bien se moquer durant le film), flic également, qui bosse avec mister Cage. Ajoutez à cela un adolescent afro-américain qui subit des brimades dans son lycée, mais qui suite à un imbroglio se retrouve à devoir suivre les deux policiers pour se remettre sur « le droit chemin », un employé de banque qui dit au revoir à sa femme avant d’aller bosser (on se doute alors qu’il y passera à un moment), une serveuse au décolleté vertigineux et surtout des braqueurs à la mine patibulaire dont l’un est « incarné » par le propre fils de Nicolas Cage, Weston. Au cours d’une scène, ce dernier n’hésitera pas à vouloir canarder son paternel.

Weston Cage, visant son père

En fait, Code 211 ne propose rien, si ce n’est un affrontement à coup de gros calibres, durant une plombe. Ça se tire dessus, ça atteint rarement sa cible, même à quelques mètres de distance, malgré le fait que les mecs soient des tireurs d’élite et qu’ils utilisent des lunettes perfectionnées. En gros, le point rouge apparaît clairement sur la tête de Nicky, mais la balle s’encastre à un mètre au-dessus de sa perruque. Ce n’est pas qu’on s’ennuie devant Code 211, c’est qu’une fois de plus Nicolas Cage se vautre dans une production indigne de son immense talent. Le plus dingue, c’est qu’il parvient toujours à briller à un moment comme lorsqu’il s’insurge devant sa hiérarchie quant au temps mis par les renforts pour intervenir. D’autres scènes mettent mal à l’aise et font sourire involontairement, comme celle où le gendre de Nicolas Cage, pensant bientôt rendre son dernier souffle, s’adresse en vidéo à son enfant (il venait d’apprendre qu’il allait être père juste avant de partir au boulot le matin) en lui disant tout ce qu’ils ne pourront pas faire tous les deux. Gloups.

Je flingue ma carrière encore une fois

Encore quelques minutes où les protagonistes semblent tirer dans le vide, puis hop, Cage fait son footing, rentre chez lui et générique de fin. Nicolas, l’homme qui tourne plus vite que son ombre, étant déjà parti sur un autre plateau. Next ! Tiens d’ailleurs c’était un autre film amusant de Nicky ça…

La séquence gênante du film

LE BLU-RAY

AB Vidéo avait déjà édité The Runner et Pay the Ghost en DVD et Blu-ray. Cette édition HD de Code 211 se présente sous la forme classique d’un boîtier de couleur bleue, avec un visuel attractif. Le menu principal est animé et musical.

La bande-annonce est disponible.

L’Image et le son

Peu de choses à dire sur ce master français Haute-Définition de Code 211 qui peine parfois à convaincre. Le relief est certes appréciable, mais le piqué est aléatoire et pâtit de la mise en scène heurtée. Les détails ne manquent pas (voir les raccords capillaires de Nicolas Cage), les couleurs sont vives et la clarté des séquences diurnes tire profit de cet upgrade. Le reste est plus anecdotique.

Du côté acoustique, les mixages français et anglais DTS-HD Master Audio 5.1 créent un espace d’écoute suffisamment plaisant en faisant la part belle à la musique et à quelques effets latéraux comme les très nombreux affrontements au tir. Des ambiances naturelles percent les enceintes arrière sans se forcer mais avec une efficacité chronique. Le doublage français est convaincant et que les fans soient rassurés, Dominique Collignon-Maurin prête sa voix cette fois encore à Nicolas Cage. L’éditeur joint également deux pistes DTS HD Master Audio 2.0.

Crédits images : © AB Vidéo / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Mort a pondu un oeuf, réalisé par Giulio Questi

LA MORT A PONDU UN OEUF (La Morte ha fatto l’uovo) réalisé par Giulio Questi, disponible en combo Blu-ray/DVD le 30 octobre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Gina Lollobrigida, Jean-Louis Trintignant, Ewa Aulin, Jean Sobieski, Renato Romano, Vittorio André…

Scénario : Franco Arcalli, Giulio Questi

Photographie : Dario Di Palma

Musique : Bruno Maderna

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1968

LE FILM

Marco est un éleveur de poules. Sa femme, Anna, est la patronne de l’entreprise et pense être l’épouse idéale pour son mari. Mais Marco, qui s’est rendu compte qu’il s’était trompé en l’épousant, recherche des émotions inhabituelles auprès des prostituées d’un motel.

Venu du documentaire, Giulio Questi (1924-2014) n’aura réalisé que trois longs métrages pour le cinéma. Pourtant, ses trois films, Tire encore si tu peux (1967), La Mort a pondu un œuf (1968) et Arcana (1972) ont su marquer les cinéphiles et leur réputation n’est pas usurpée. Le premier est tout simplement l’un des plus grands westerns italiens, un chef d’oeuvre qui joue avec les genres et même parfois avec les codes du giallo, ce qui lui a valu de nombreux déboires avec la censure à sa sortie, au point d’être interdit trois jours seulement après son arrivée sur les écrans. Avec ses séquences très gore comme celle où des individus mal intentionnés s’acharnent sur le corps criblé de balles en or d’un mourant, désireux de s’emparer de ce butin inattendu, Tire encore si tu peux est un western teinté de film d’horreur surréaliste et de fantastique. Giulio Questi souhaite s’affranchir des conventions. Pour son second long métrage, il surfe sur la vague du giallo. Mais comme pour son premier film, le cinéaste décide d’aller bien au-delà. Les éléments-clé sont présents, un tueur ganté, une arme blanche (poignard et rasoir), une pointe d’érotisme, mais La Mort a pondu un œuf – La Morte ha fatto l’uovo repousse encore une fois les limites. Le réalisateur livre un véritable OFNI redoutablement pessimiste sur la nature humaine, dans lequel brille une fois de plus l’immense talent de Jean-Louis Trintignant.

Marco occupe le poste de cadre supérieur au sein d’une entreprise que possède son épouse Anna. Il s’agit d’une ferme industrielle expérimentale, dotée d’un laboratoire, spécialisé dans l’élevage de poulets en batterie. Mais le couple bat de l’aile, ils ne se supportent plus. D’autant plus que Marco, castré et complexé par sa femme, lui cache ses pulsions meurtrières. Il entraîne des prostituées dans une chambre d’hôtel pour les tuer. Quant à Anna, elle tient les rênes de la société et gère la bourse de leur business. Marié mais sans enfants, le couple vit avec Gabrielle, la jeune cousine, orpheline et leur héritière directe. Un jour, alors qu’il assassine une femme de petite vertu, Marco est surpris par un témoin qui n’intervient pas et n’appelle pas la police.  Le lendemain, Marco est convoqué pour rencontrer Mondaini, un directeur de marketing. Il s’agit du témoin du meurtre de la prostituée.

La Mort a pondu un œuf est un film expérimental, inclassable, unique, qui agit comme une séance d’hypnose angoissante et glaçante. Virtuose, maîtrisé du début à la fin, audacieux, sans cesse inventif, La Morte ha fatto l’uovo reste et restera une véritable et fascinante curiosité. Dans cette optique, Giulio Questi « détourne » Jean-Louis Trintignant en lui faisant endosser le rôle principal, celui d’un homme frustré, à l’esprit déviant. Son visage impassible exprime la folie intérieure qui anime son personnage, qui s’ennuie à la fois dans son travail et dans son couple. Sa moitié n’est autre que la « Lollo », Gina Lollobrigida, dans l’une de ses dernières véritables apparitions au cinéma. Sculpturale, magnétique, sensuelle, l’éternelle Bersagliera de Pain, Amour et Fantaisie de Luigi Comencini incarne également une femme à la sexualité refoulée, attirée par les femmes et même par l’inceste.

Si l’intention de départ était de réaliser un giallo, Giulio Questi dresse en réalité le portrait d’un couple qui n’est pas sans rappeler La Nuit – La Notte de Michelangelo Antonioni, avec cette célèbre « absence de dialogue » vulgairement appelée « incommunicabilité ». Derrière ce vernis glacé, une mélancolie naît et se fait palpable. La Mort a pondu un œuf c’est le récit d’un homme malheureux, paumé dans une élite bourgeoise dans laquelle il ne se reconnaît pas et qui cherche à se sentir vivant en donnant la mort. Sans en révéler plus, disons que cette jouissance provoquée par l’assassinat n’est qu’éphémère. Marco sera toujours un être seul, perdu dans ses tourments, son mal-être, ses complexes. Le montage frénétique, particulier et déstructuré renvoie au cerveau perturbé du personnage principal, tout comme cette musique dissonante marquée constamment par des ruptures.

Autour de lui, le monde change. L’industrialisation implique le renvoi des employés (qui protestent derrière un grillage comme des poules dans leur enclos), la manipulation génétique – des volatiles naissent sans tête et sans ailes – remplace l’élevage traditionnel. Marco perd ses repères et n’est pas prêt à affronter ces mutations. Il n’a donc qu’un seul remède pour se sentir encore vivant et repousser le plus longtemps cette société déshumanisée qui souhaite l’absorber. On pourrait continuer encore longtemps ainsi tant La Mort a pondu un œuf regorge de pistes possibles, certaines inexplorées, toujours labyrinthiques. C’est là toute la puissance de cet étonnant et très étrange faux giallo, mais avant tout drame social et psychologique, mystérieux objet de culte chéri par les cinéphiles du monde entier et les réalisateurs (David Lynch pour Eraserhead, David Cronenberg pour Frissons et Rage), qui est loin d’avoir dévoilé et révélé toutes ses facettes.

LE BLU-RAY

La Mort a pondu un oeuf est le numéro 5 de la collection Make my Day supervisée par Jean-Baptiste Thoret. Comme pour les autres titres de la collection, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir La Mort a pondu un oeuf dans une édition digne de ce nom. Le film de Giulio Questi est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

En tant que créateur de cette collection, Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (6’). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante La Mort a pondu un oeuf dans son contexte, dans la filmographie et le parcours de Giulio Questi. « Un film extraordinaire et extrêmement rare » déclare Thoret, qui indique également que ce film était perdu dans le catalogue de Studiocanal sous le titre « Le Sadique de la chambre 24 ». Il évoque également la sortie de La Mort a pondu un oeuf dans une version amputée, ainsi que la genèse et les thèmes du film, mais également le casting « intelligent et judicieux ». Tout cela est abordé sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

L’éditeur propose ensuite un entretien de Giulio Questi, réalisé à Florence en novembre 2009 (12’30). Durant cette interview, le réalisateur parle de ses films « qui ont toujours eu du mal à faire recette » en raison du traitement original et personnel avec lequel il abordait ses sujets. Le cinéaste était toujours animé par cette passion pour « l’art pop » comme il désignait le septième art et se penche plus longuement sur sa liberté créatrice, ou comment reprendre les schémas éprouvés du cinéma de genre, pour mieux se les approprier.

Nous trouvons un entretien passionnant avec James Blackford, producteur de DVD et de Blu-ray au British Film Institute, qui propose un formidable tour d’horizon des films de Giulio Questi, dont il admire l’oeuvre (19’). Cet exposé contient des spoilers sur les œuvres abordées. James Blackford ne manque pas d’arguments pour analyser les longs métrages « singuliers, fascinants, étranges, surréels, extravagants et magnifiques » de ce cinéaste qui le fascine tant. L’atmosphère, le style et le regard sur le monde de Giulio Questi sont finement abordés, ainsi que son sens de l’humour macabre, la complexité de son montage et de son désir de « renverser les modèles préétablis ». Les thèmes de La Mort a pondu un œuf sont également explorés, ainsi que les trente minutes coupées au montage, réintégrées ici dans cette édition.

Nous terminons pas un véritable cadeau, un entretien avec l’immense Jean-Louis Trintignant, réalisé en 2004 par Sandrine Dumarais, intitulé Jean-Louis Trintignant – J’ai rendez-vous avec vous (51’). Ce film diffusé sur France Télévisions est un voyage poétique dans l’univers du comédien. Suivant le rythme tranquille des représentations bi-hebdomadaires des Poèmes à Lou de Guillaume Apollinaire, en immersion dans la quiétude  du Théâtre de La Madeleine, entre deux répétitions, nous le retrouvons dans la chaleur feutrée de sa loge :  alors Trintignant nous entraîne  sur les chemins du cinéma, propos souvent amusés, inédits. Avec un réel plaisir, il parle des comédiens (les « Colonels » comme Mastroianni), des réalisateurs qu’il a aimé rencontrer (Jacques Audiard, François Truffaut, Patrice Chéreau), il parle aussi des films qu’il a faits (en tant qu’acteur mais aussi comme réalisateur), il parle surtout de ce drôle de métier qu’il exerce depuis plus de cinquante ans. Revenant sur la création théâtrale, il parle de sa fascination pour les poèmes d’Apollinaire, de la relation passionnée qui le liait à Lou, de la genèse de ce spectacle qui est née de sa fille Marie qui était à ses côtés sur scène lors de la première création. Les images de la représentation, des répétitions, se mêlent à la musique aérienne du spectacle, à la voix de Trintignant qui raconte, qui se raconte…  Des images super 8, comme de petites bulles naîtront de la musique et s’évanouiront entre les lignes des poèmes interprétés par Trintignant sur scène.

L’Image et le son

Rien ne l’indique, sauf dans les suppléments, mais le montage présenté ici de La Mort qui a tué un œuf est la version intégrale du film. Censuré à sa sortie avec près d’une demi-heure de séquences coupées, La Morte ha fatto l’uovo a depuis été reconstitué. Hors la qualité des images des scènes longtemps invisibles se voient comme le nez au milieu de la figure. En dépit d’une forte restauration, certains défauts n’ont pu être corrigés sur les séquences coupées, comme tout ce qui concerne l’ami de Marco, qui était passé à la trappe. Il n’est d’ailleurs pas rare que la définition flanche brutalement au cours d’une même séquence avec un grain nettement plus imposant (les scènes de Marco au travail) et des visages très rosés. En dehors de ça, malgré quelques fourmillements, cette présentation HD se tient avec une belle luminosité, des couleurs ragaillardies, un piqué parfois même acéré et une propreté indéniable du master.

Seule la version originale aux sous-titres français est disponible. Ce mixage est dynamique et le souffle aux abonnés absents. Comme de coutume, les dialogues ont été entièrement retravaillés en post-production, d’autant plus que Jean-Louis Trintignant ne parlait pas italien.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Porte des Lilas, réalisé par René Clair

PORTE DES LILAS réalisé par René Clair, disponible en Édition Digibook Blu-ray + DVD + Livret le 22 octobre 2018 chez Coin de mire Cinéma

Acteurs : Pierre Brasseur, Georges Brassens, Henri Vidal, Dany Carrel, Raymond Bussières, Gabrielle Fontan, Amédée, Annette Poivre, Alain Bouvette, Alice Tissot…

Scénario : René Clair, Jean Aurel d’après le roman « La Grande ceinture » de René Fallet

Photographie : Robert Le Febvre

Musique : Georges Brassens

Durée : 1h39

Date de sortie initiale : 1957

LE FILM

Juju « propre à rien, ivrogne et paresseux », mais aimé par les habitants de son quartier parisien de le Porte des Lilas, admire son ami « l’Artiste », un guitariste qui habite dans le petit pavillon voisin. C’est là qu’un matin, un inconnu qui fuit la police, vient se réfugier…

Porte des Lilas est l’un des derniers longs métrages du grand cinéaste René Clair (1898-1981). L’auteur de Sous les toits de Paris (1930), La Belle Ensorceleuse (1941), La Beauté du diable (1950), Les Belles de nuit (1952) sort du triomphe des Grandes manœuvres (5,3 millions d’entrées) avec Gérard Philipe et Michelle Morgan, son premier film en couleur et récompensé par le Prix Louis-Delluc. Il jette son dévolu sur un roman de René Fallet (La Soupe aux choux, Le Triporteur, Les Vieux de la vieille), intitulé La Grande ceinture, qui vient d’être publié. René Clair adapte librement le livre original, désireux de revenir à une production plus « modeste » que son film précédent. Porte des Lilas a longtemps été sous-estimé. Certes, cette comédie-dramatique n’égale pas ses plus grandes réussites et souffre d’un manque de rythme, mais Porte des Lilas vaut bien plus que sa réputation de « petit film » et reste curieux à plus d’un titre puisqu’il s’agit de l’unique apparition au cinéma du chanteur et compositeur Georges Brassens.

Juju, un brave homme nonchalant, passe le plus clair de son temps à boire. Il vit non loin de chez son meilleur ami, surnommé l’Artiste, un chanteur-guitariste. Un jour, leur quartier est investi par la police, qui recherche Barbier, un dangereux criminel. Les agents repartent bredouilles. Juju et l’Artiste acceptent d’héberger le malfaiteur, dont l’élégance et l’assurance ne manquent pas de les impressionner. Juju, en particulier, admire beaucoup leur hôte, dont il accepte même les tentatives de séduction à l’endroit de la jeune Maria qui, pourtant, est la dame de ses propres pensées. Quand Barbier s’apprête à disparaître, seul, après avoir dépouillé Maria et son père, Juju décide enfin de réagir…

Georges Brassens incarne un chanteur anarchiste, misanthrope, aimant les chats et gratter sa guitare toute la journée. Autrement dit lui-même. Véritable attraction de Porte des Lilas, « l’autre moustache » comme l’appelle avec « affection » Bernard Frédéric dans Podium, ne fait pas grand-chose face à la caméra, à part chanter dans un bistrot parisien reconstitué en studio. Passée la surprise, c’est finalement l’immense talent de Pierre Brasseur, magnifique, qui crève l’écran une fois de plus et que l’on retient longtemps après. Son personnage très attachant et bouleversant, parfois proche de celui tenu par Jean Lefebvre dans Un idiot à Paris (également adapté de René Fallet) fait le grand intérêt de Porte des Lilas. Il y a aussi la virtuosité discrète, mais indéniable de René Clair qui parvient à reconstituer une vraie vie de quartier en studio, avec sa petite rue aux pavés mouillés, ses terrains vagues, ses commerçants, ses gamins en culotte courte qui se courent après et surtout, ses habitants. René Clair filme les habitués d’un bistrot, écoutant les chansons de l’Artiste, en regardant le fond de leur verre, en philosophant sur l’existence. Au milieu de ces piliers de bar déambule la fille du patron Alphonse (Raymond Bussières), Maria, interprétée par la délicieuse Dany Carrel, déjà présente dans Les Grandes manœuvres.

Le quotidien de ces petites gens va être bouleversé par l’arrivée d’un « ennemi public ». Si l’Artiste rechigne à le cacher dans sa cave, Juju va vouloir à tout prix devenir le protecteur de Barbier (Henri Vidal qui en fait des caisses, point faible du film), dont il admire l’audace et le succès auprès des femmes. Barbier va alors profiter de la naïveté de ses hôtes. Porte des Lilas conserve une spontanéité et une fraîcheur très agréables. René Clair trouve le parfait équilibre entre la comédie et l’émotion, notamment grâce à la gouaille de Pierre Brasseur et la déconvenue finale de son personnage. Sa mise en scène, tout comme la photographie de Robert Le Febvre (Casque d’or, Le Blé en herbe) inspirée de certaines œuvres de Robert Doisneau élèvent Porte des Lilas bien au-dessus du lot, en se rapprochant parfois du réalisme poétique de Marcel Carné. Et rien que pour cela, ce film souvent oublié est à réévaluer tant son charme rétro agit encore.

LE DIGIBOOK

Porte des Lilas est le sixième et dernier Digibook disponible dans la première vague éditée par Coin de Mire Cinéma que nous passons en revue. Si vous désirez en savoir plus sur la présentation de l’objet concocté par Coin de Mire Cinéma, reportez-vous aux chroniques d’Archimède le clochard, Les Grandes familles et Des gens sans importance, sans oublier celles des Amants du Tage et de Si tous les gars du monde… Comme sur les autres titres de la collection, le menu principal est fixe et musical.

 

Si vous décidez d’enclencher le film directement. L’éditeur propose de reconstituer une séance d’époque. Une fois cette option sélectionnée, les actualités Pathé du moment démarrent alors, suivies de la bande-annonce d’un film, puis des publicités d’avant-programme, réunies grâce au travail de titan d’un autre grand collectionneur et organisateur de l’événement La Nuit des Publivores. Le film démarre une fois que le salut du petit Jean Mineur (Balzac 00.01).

L’édition de Porte des Lilas contient les actualités de la 39e semaine de l’année 1957, consacrées notamment aux malheurs et désespoirs de l’agriculture française, la désertion des campagnes, la crise agricole. Nous voyons également la Tour Eiffel grandir de huit mètres, ainsi qu’un récapitulatif du sixième Tour de France Automobile. Ce journal évoque également « l’Algérie Française »…(15’).

Ne manquez pas les réclames de l’année 1957 avec une publicité pour les bonbons Kréma, les caramels Valentin, Formica, les petits pois Libby’s et surtout un spot pour Martini avec Louis de Funès. (8′)

La bande-annonce de Porte des Lilas et celles des cinq autres titres de la collection édités le 22 octobre sont également disponibles.

L’Image et le son

Quel plaisir de redécouvrir Porte des Lilas dans de telles conditions ! L’apport HD demeure omniprésent, fabuleux, offrant aux spectateurs un relief inédit (les flocons de neige !), des contrastes denses et chatoyants, ainsi qu’un rendu ahurissant des gros plans. La propreté du master est ébouriffante (restauration 4K HD à partir du négatif original), la stabilité et la clarté sont de mise, le grain cinéma respecté et la compression AVC de haute volée. A l’exception d’une rayure verticale sur le générique en ouverture, de décrochages sur les fondus enchaînés et quelques plans peut-être plus vaporeux ou moins pointus, nous nous trouvons devant la plus belle copie à ce jour du film de René Clair. Vous pouvez dire au revoir à l’édition DVD René Chateau sortie en 2005.

Aucun souci acoustique constaté sur ce mixage DTS-HD Master Audio Mono 2.0. Le confort phonique de cette piste unique est indéniable, les dialogues sont clairs et nets. Si quelques saturations demeurent inévitables, ainsi qu’un léger souffle, la musique est joliment délivrée et aucun craquement intempestif ne vient perturber l’oreille des spectateurs. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Coin de mire Cinéma / TF1 Droits Audiovisuels /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Au poste !, réalisé par Quentin Dupieux

AU POSTE ! réalisé par Quentin Dupieux, disponible en DVD et Blu-ray le 14 novembre 2018 chez Diaphana

Acteurs : Benoît Poelvoorde, Grégoire Ludig, Marc Fraize, Anaïs Demoustier, Orelsan, Philippe Duquesne, Jacky Lambert, Jeanne Rosa…

Scénario : Quentin Dupieux

Photographie : Quentin Dupieux

Musique : David Sztanke

Durée : 1h10

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Un poste de police. Un tête-à-tête, en garde à vue, entre un commissaire et son suspect.

Le postulat de départ est simple. Le traitement également. Pourtant, Au poste ! de Quentin Dupieux est tout aussi inclassable et décalé que ses films précédents. L’exxxxcellent réalisateur de Wrong Cops, Steak, Rubber et Réalité livre sa nouvelle pépite nonsensique et frappadingue. Scénariste, chef opérateur, monteur, metteur en scène, Quentin Dupieux laisse pour une fois la musique, présente uniquement à la fin, à David Sztanke. L’homme-orchestre également connu sous le nom de Mr. Oizo ne déçoit pas pour son retour en France et Au poste ! est absolument jouissif de bout en bout et enchaîne les numéros d’acteurs de Benoît Poelvoorde, Grégoire Ludig et Marc Fraize (révélation du déjà culte Problemos d’Eric Judor) comme des perles sur un collier durant 70 minutes.

Le commissaire Buron est chargé d’enquêter sur le meurtre d’un homme retrouvé gisant dans son sang par Fugain. Celui-ci est logiquement considéré comme le principal suspect, il s’ensuit alors un interrogatoire qui va durer toute la nuit.

S’il n’atteint pas les grandes réussites de Wrong Cops et de Rubber, Quentin Dupieux reste fidèle à son univers. Si la présence du duo Poelvoorde/Ludig en tête d’affiche témoigne peut-être d’une volonté de toucher un plus large public, le réalisateur ne se laisse pas aller à la facilité. Au poste ! lui permet de rendre hommage aux comédies françaises des années 1980, mais aussi et surtout aux films policiers de la même période. Une volonté annoncée dès l’affiche qui détourne celle très célèbre de Peur sur la ville, chef d’oeuvre d’Henri Verneuil sorti en 1975. Quasi huis clos, Au poste ! a été tourné dans les locaux de l’Espace Niemeyer, le siège du Parti communiste français. Les plafonds bas reconnaissables, les couleurs du même acabit, donnent au film un cachet vintage, tout comme les costumes, les partis pris esthétiques et les accessoires. Un film hors du temps, on pourrait même dire hors de l’espace avec Quentin Dupieux aux commandes. Les quelques séquences tournées en extérieur appuient également ces volontés artistiques, puisque le cinéaste privilégie une architecture seventies.

Raconter un film de Quentin Dupieux c’est se plier à un exercice difficile, voire impossible. Au Poste ! fourmille de mots d’auteurs, de situations invraisemblables, quasi-fantastiques. Le quotidien n’est pas banal chez Dupieux. Même les personnages semblent se rendre compte eux-mêmes que quelque chose cloche dans ce qu’ils disent ou dans ce qui se passe autour d’eux, sans pour autant remettre en question les évènements. Si l’on pense évidemment au formidable Garde à vue de Claude Miller lors de cette confrontation entre un flic retors (Benoît Poelvoorde, toujours sublime) et un homme suspecté dans une affaire de meurtre (Grégoire Ludig, très attachant en mode Droopy à moustache), Quentin Dupieux mêle surtout l’humour anglo-saxon des Monty Python à celui dit « franchouillard » de la troupe du Splendid. Le personnage incarné par Anaïs Demoustier a d’ailleurs été pensé dans ce sens puisque le cinéaste avoue s’être inspiré de Zézette dans Le Père Noël est une ordure.

Ce qui pourrait alors donner un gloubi-boulga indigeste dans certaines mains, prend ici la saveur d’un minestrone soigné et concocté par un véritable chef. A l’instar de cet énigmatique chef d’orchestre en slip qui dirige ses musiciens lors de l’introduction du film, Quentin Dupieux reste le maestro de son film et ses comédiens, tous formidables vraiment, font leur numéro « habituel » (rien de péjoratif à dire cela), tout en conservant une spontanéité avec l’air de se demander eux-mêmes ou tout cela va les mener ou si ce qu’ils viennent de dire a du sens. Au poste ! combine à la fois le populaire et l’expérimental, et n’a pas peur de laisser certains spectateurs sur le bas-côté puisque de toute façon la destination (ça passe ou ça casse) ne plaira pas à tout le monde de toute façon. Mais c’est un OFNI c’est pour ça.

LE DVD

Le test du DVD d’Au poste !, disponible chez Diaphana, été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

Cette édition se compose tout d’abord d’un commentaire audio du réalisateur. « Bonjour, c’est Quentin ! » dit Dupieux, visiblement surpris qu’on lui ait demandé de se plier à cet exercice. « Voici tout d’abord les mentions ennuyeuses, mais ce sont des gens qu’on respecte tout de même » introduit ce commentaire sympathique, à défaut d’être passionnant. Revoir le film en compagnie de son auteur est assez marrant, surtout que Dupieux est visiblement son premier spectateur et ne cesse de dire tout le bien qu’il pense de ses formidables comédiens. Les répétitions, les conditions de tournage, l’écriture du scénario, ses références, les partis pris, tous ces éléments sont distillés sur 1h10, sans véritable temps mort.

En plus de la bande-annonce, nous trouvons également un module de 11 minutes consacré aux essais et répétitions des comédiens Benoît Poelvoorde, Grégoire Ludig et Marc Fraize.

Bonus caché : Dans le menu des suppléments, positionnez-vous sur « Le film commenté par Quentin Dupieux » puis appuyez sur la flèche du haut. Un point d’interrogation apparaît. Validez. Si l’on se demande tout d’abord où tout cela va nous mener, le personnage de Marc Fraize apparaît sans prévenir (1′).

L’Image et le son

Pour la photo, Quentin Dupieux s’inspire du look vintage des bureaux des années 1970. Les couleurs sont chaudes, dorées, ambrées. Le piqué n’est pas le point fort de cette édition et la définition laisse parfois à désirer. Finalement, ce sont les rares séquences tournées en extérieur qui s’en sortent le mieux, même si cela reste très médiocre dans l’ensemble.

La piste 2.0 instaure un confort acoustique agréable. Les dialogues sont parfaitement clairs et distincts. Si vous avez sélectionné la version Dolby Digital 5.1, les ambiances restent très limitées puisque l’essentiel du film se déroule dans le bureau du commissaire. A part pour l’ouverture avec l’orchestre et le générique de fin, cette option acoustique reste très facultative. Les sous-titres destinés aux spectateurs sourds et malentendants sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Diaphana Distribution / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Aux frontières de l’aube, réalisé par Kathryn Bigelow

AUX FRONTIÈRES DE L’AUBE (Near Dark) réalisé par Kathryn Bigelow, disponible en combo Blu-ray/DVD le 25 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Adrian Pasdar, Jenny Wright, Lance Henriksen, Bill Paxton, Jenette Goldstein, Tim Thomerson…

Scénario : Kathryn Bigelow, Eric Red

Photographie : Adam Greenberg

Musique : Tangerine Dream

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 1987

LE FILM

Dans une petite bourgade de l’Oklahoma, un soir, Caleb fait la rencontre d’une étrange fille, Mae, qui va bouleverser son existence. En effet, Mae est vampire. Caleb se retrouve alors parmi une redoutable « meute » de tueurs-vampires qui ne sévissent que la nuit car ils craignent les mortels rayons du soleil.

S’il n’a eu aucun succès dans les salles américaines à sa sortie en 1987 malgré son petit budget de 5 millions de dollars, Aux frontières de l’aube – Near Dark est pourtant devenu une œuvre culte, reconnue, une référence du genre fantastique, une étape fondamentale du film de vampires. Il s’agit également du premier long métrage mis en scène en solo par l’immense Kathryn Bigelow, six ans après The Loveless, qu’elle avait coréalisé avec Monty Montgomery. Si Aux frontières de l’aube est un chef d’oeuvre aujourd’hui cité et plagié, le film possède également la particularité de reprendre trois comédiens d’Aliens, le retour de James Cameron, Lance Henriksen, Bill Paxton et Jenette Goldstein, réalisé l’année précédente et dont le titre apparaît d’ailleurs sur la devanture d’un cinéma dans Near Dark. Quatre ans avant le succès mondial de Point Break, Kathryn Bigelow installe déjà les composantes de son cinéma, précipité de violence, d’adrénaline (la véritable drogue de tous les personnages chez la cinéaste), de testostérone et de fureur.

Une nuit, Caleb, un jeune fermier candide de l’Oklahoma, rencontre la belle Mae. Fasciné, il tente de la séduire et obtient d’elle un baiser qui devient une morsure. Ce contact va entraîner Caleb dans le monde des compagnons de Mae, des vampires. Il devra apprendre à tuer pour s’abreuver du sang de ses victimes.

Priez pour que l’aube arrive…

Il y a eu définitivement un an avant et un après Les Frontières de l’aube. Si le mot vampire n’est jamais utilisé durant le film, la troupe, on peut même parler de famille reconstituée, de Near Dark appartient bel et bien à ces créatures. S’ils se trouvent dépourvus de canines affûtées, ils se nourrissent quand même du sang de leurs victimes croisées sur les routes désertiques, dans quelques motels glauques qui jonchent les chemins poussiéreux de l’Amérique profonde ou dans quelques bars crasseux où leur dégaine ne passe pas inaperçue dans ces contrées reculées.

Le souhait original de Kathryn Bigelow et de son coscénariste Eric Red (l’auteur du mythique Hitcher de Robert Harmon) était de faire un véritable western, la réalisatrice étant une grande admiratrice du cinéma de Sam Peckinpah, en particulier de La Horde sauvage. Essuyant le refus des producteurs qui prétextaient alors que le genre était démodé et peu amène d’attirer les spectateurs dans les salles, les deux associés changent leur fusil d’épaule en combinant le western et le fantastique.

Western horrifique, Aux frontières de l’aube ne s’embarrasse pas de la mythologie originale. Pas de gousses d’ail ici, ni de crucifix, encore moins d’eau bénite et de cercueils. Demeure l’intolérance au soleil, qui reste fatal pour ces créatures pourtant immortelles. Si la figure du vampire a toujours été accompagnée d’un érotisme latent, Kathryn Bigelow et Eric Red narrent une véritable histoire d’amour, celle entre Caleb (Adrian Pasdar, vu dans Top Gun et dans L’Impasse) et Mae (Jenny Wright), à la dimension Shakespearienne, puisque les deux familles des intéressés vont s’interposer comme dans Roméo & Juliette.

La nuit a son prix…

Après leur mutation, ils représentent ce qu’il y a encore d’humain avec l’amour qu’ils ressentent l’un pour l’autre, alors que ceux qui les entourent ne cessent de s’acharner sur leurs proies, dans le sang et la peur. A ce titre, celui qui tire indéniablement son épingle du jeu est le grand et regretté Bill Paxton. Complètement azimuté, explosif, déchaîné, bestial, son personnage Severen, sourire vicieux et sadique collé au visage, adore provoquer ses futures victimes, les pousser à bout, pour ensuite mieux se jeter sur elles et se repaître de leur hémoglobine. Plus « sage » en apparence, mais tout aussi monstrueux, impitoyable et machiavélique, Lance Henriksen campe une variation ténébreuse et sanguinaire de son Bishop d’Aliens, le retour. Son look de gourou des temps modernes, ancien soldat sudiste qui ne cesse d’évoquer sa « mort », est aussi inoubliable.

Réalisé à la fin des années 1980, Aux frontières de l’aube peut se voir comme une parabole sur l’épidémie mondiale du SIDA, avec la peur que la maladie entraîne chez ceux qui en ont « entendu parler » et qui repoussent ceux qui en seraient atteints. Au-delà de cette réinterprétation personnelle du film de vampires, Aux frontières de l’aube est un objet plastique crépusculaire fascinant. Dès sa sublime introduction, avec son montage percutant, la beauté de la photographie d’Adam Greenberg (Terminator, ouvertement cité lors de la scène du poids lourd dans le dernier acte) et la musique toujours enivrante de Tangerine Dream, Near Dark attrape le spectateur pour ne plus le lâcher. Tel un opéra-rock, le film enchaîne les morceaux de bravoure, sanglants ou furieusement romantiques avec une touche de mélancolie, doux et ultra-violents, jusqu’à l’époustouflant final.

Near Dark s’inspire lui-même du roman original d’Anne Rice, Entretien avec un vampire, publié à la fin des années 1970, pour ce qui touche au personnage d’Homer, adulte coincé dans un corps d’enfant. Mais, Aux frontières de l’aube donnera également naissance à d’autres films de genre réalisés dans les années 1990 avec bien évidemment Une nuit en enfer de Robert Rodriguez (1996) et surtout Vampires de John Carpenter (1998) dont certaines scènes renvoient directement au film de Kathryn Bigelow. Lauréat du Corbeau d’argent au Festival international du film fantastique de Bruxelles en 1988, Grand Prix et Licorne d’or pour Jenny Wright au Festival international de Paris du film fantastique et de science-fiction la même année, Aux frontières de l’aube est aujourd’hui unanimement reconnu comme un jalon important du genre. Du sang neuf dont se sont abreuvés les vampires à l’approche du XXIe siècle.

LE BLU-RAY

Aux frontières de l’aube est le numéro 2 de la collection Make my Day supervisée par l’un de nos meilleurs critiques cinéma, Jean-Baptiste Thoret. Comme pour Sans mobile apparent, Six femmes pour l’assassin, Max mon amour et La Mort a pondu un œuf, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir Aux frontières de l’aube dans une édition digne de ce nom. Le film de Kathryn Bigelow est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (7’30). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante Aux frontières de l’aube dans son contexte, dans la filmographie et le parcours de Kathryn Bigelow. Il évoque également les conditions de tournage, la genèse et les thèmes du film, la musique de Tangerine Dream, mais également le casting. Tout cela est abordé sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

Cette édition comprend une interview de Kathryn Bigelow, réalisée pour l’émission française Rapido, diffusée sur Canal+ à l’occasion de la sortie française du film en 1988 (25’). Présenté sans coupes, l’entretien est parfois interrompu en raison d’un bruit parasite ou pour demander à la réalisatrice de se replacer face à la caméra. La cinéaste revient sur ses études, son expérience dans la peinture, les partis pris d’Aux frontières de l’aube (« rendre la nuit séduisante »), le travail avec le chef opérateur Adam Greenberg et son coscénariste Eric Red, les conditions de tournage (essentiellement de nuit pendant un mois et demi), les personnages et le casting. Kathryn Bigelow évoque également James Cameron (« Je suis une très grande fan de son cinéma »), ainsi que ses intentions, l’attrait de la violence au cinéma et ses aspirations pour les années à venir. Un document précieux à découvrir.

L’éditeur propose également un documentaire rétrospectif sur Aux frontières de l’aube, Living in Darkness, réalisé en 2002 et invitant une partie du casting, la réalisatrice, les producteurs et le chef opérateur Adam Greenberg (47’). Les anecdotes passionnantes s’enchaînent sur un rythme soutenu, ainsi que les souvenirs de tournage et les conditions des prises de vue. Chacun aborde également la psychologie des personnages et la relecture du mythe du vampire proposée par Near Dark. Des storyboards, ainsi que des photos de plateau illustrent ces propos.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Cette édition Haute-Définition d’Aux frontières de l’aube confortera à la fois les puristes, soucieux de retrouver la patine clairement indépendante de cette œuvre devenue culte, et les adeptes du support Blu-ray. Sans jamais dénaturer le grain original, parfois plus appuyé sur certaines séquences sombres, Studiocanal a trouvé le compromis entre le respect des volontés artistiques originales et l’upgrade numérique. Les contrastes sont au beau fixe (certains trouveront peut-être l’image trop sombre), les noirs denses, la copie stable et d’une propreté immaculée et les couleurs ravivées. Les scènes diurnes sont lumineuses et le piqué est inédit. Tourné avec un budget minuscule de 5 millions de dollars, Aux frontières de l’aube est un tout petit film et ses partis pris occasionnent quelques plans flous, qui apparaissent encore ainsi en HD. La restauration est donc éloquente, très plaisante et surtout très réussie, faisant oublier illico le DVD édité en 2010, au master aujourd’hui complètement obsolète.

La version originale aux sous-titres français imposés est proposée en DTS-HD Master Audio 5.1 et 2.0. La première option se contente de spatialiser le score hypnotique de Tangerine Dream, ainsi que des ambiances dynamiques sur les scènes agitées du dernier acte notamment. Les voix auraient toutefois mérité d’être un peu plus relevées sur la centrale. La piste 2.0 est de fort bon acabit, sans doute plus homogène dans son rendu et souvent percutante. Plus anecdotique, la version française est parfois plus sourde, feutrée et couverte, notamment dans son rendu des dialogues (très mauvais doublage) et des bruitages.

Crédits images : © Near Dark Joint Venture / Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr