Catégorie : Drame

Test Blu-ray / Les Diaboliques, réalisé par Henri-Georges Clouzot

LES DIABOLIQUES réalisé par Henri-Georges Clouzot, disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret le 24 octobre 2017 chez TF1 Studio

Acteurs :  Simone Signoret, Véra Clouzot, Noël Roquevert, Paul Meurisse, Charles Vanel, Jean Brochard, Thérèse Dorny, Michel Serrault, Robert Dalban, Jean Lefebvre…

Scénario :  Henri-Georges Clouzot, Jérôme Géronimi, René Masson, Frédéric Grendel, d’après le romans de Pierre Boileau et Thomas Narcejac – Celle qui n’était plus

Photographie : Armand Thirard

Musique : Georges Van Parys

Durée : 1h57

Date de sortie initiale : 1955

LE FILM

Christina mène une existence malheureuse auprès de son mari, le tyrannique Michel Delasalle, directeur du pensionnat pour garçons dont elle est propriétaire. Elle sait qu’une des institutrices, Nicole Horner, est sa maîtresse, mais cela n’a pas empêché les deux femmes de se rapprocher l’une de l’autre. Christina voit en effet en Nicole une compagne d’infortune, partageant avec elle sa haine envers Michel. Lorsque Nicole demande à Christina de l’aider à tuer Michel, celle-ci accepte.

Difficile d’aborder Les Diaboliques, l’un des plus grands films de l’histoire du cinéma. Oeuvre centrale dans le domaine du thriller et de l’épouvante, qui allait inspirer moult cinéastes, à l’instar d’Alfred Hitchcock pour Psychose, le septième long métrage d’Henri-Georges Clouzot demeure une des références du genre plus de soixante ans après.

Nicole, une institutrice, est devenue la maîtresse de Michel Delasalle, le directeur d’un minable pensionnat de jeunes garçons, à Saint-Cloud. Despotique et cruel, tyrannique et méprisant, Delasalle s’amuse à maltraiter et à terroriser Christina, son épouse, cardiaque et fragile, également propriétaire de l’établissement. Il ne ménage pas pour autant la sensibilité de Nicole. Aussi les deux femmes, pourtant rivales, sont-elles devenues amies. A elles deux, poussées à bout, elles décident de se débarrasser de Michel. Drogué puis noyé dans une baignoire, l’odieux personnage finit sa course au fond de la piscine du pensionnat. Quelque temps après, le cadavre disparaît et d’étranges phénomènes se produisent, qui effraient la faible Christina et attirent l’attention du commissaire Fichet. Les évènements inexpliqués ne cessent alors de rappeler aux deux criminelles la présence obsédante de Michel.

Quel film ! Bien que la plupart des cinéphiles connaissent aujourd’hui son extraordinaire dénouement, Les Diaboliques, (vaguement) basé sur le roman Celle qui n’était plus du tandem Boileau-Narcejac, n’a rien perdu de son intensité et de sa force hypnotique, sentiments renforcés par l’absence quasi-totale de musique (2 minutes au total sur les deux heures du long métrage), qui instaure quelques silences particulièrement glaçants. Avec une atmosphère angoissante qui étouffe le spectateur du début à la fin, le cinéaste plonge son audience dans un récit qui triture autant les méninges que l’estomac et parvient à ancrer le fantastique dans une histoire réaliste, qui continue aujourd’hui d’inspirer les réalisateurs du monde entier. Tourné dans le secret le plus absolu, Les Diaboliques repose également sur une interprétation tendue et exceptionnelle, en particulier celle de Simone Signoret, sublime, vénéneuse et démoniaque à souhait, à mille lieues de son rôle dans Casque d’or de Jacques Becker, qui avait fait d’elle une vedette trois ans auparavant. Une beauté froide et d’une cinglante cruauté que n’aurait pas reniée Alfred Hitchcock, qui par ailleurs était intéressé par le livre de Boileau-Narcejac, qui écriront spécialement pour lui leur roman D’entre les morts, qui deviendra au cinéma Sueurs froides – Vertigo. Pour Psychose, Hitchcock reprendra également le même principe des portes fermées aux spectateurs dès le commencement de la séance, voulu par Clouzot pour Les Diaboliques, afin de préserver les effets et intriguer les spectateurs.

Longtemps critiquée pour son talent limité de comédienne, Véra Clouzot, d’origine brésilienne, tourne pour la seconde fois avec son mari et contrairement au Salaire de la peur, sorti deux ans avant, obtient ici le rôle principal aux côtés de sa partenaire. Rétrospectivement, il est troublant de voir à quel point ce personnage était finalement proche de l’actrice, elle-même cardiaque, et décédée en décembre 1960 à l’âge prématuré de 46 ans, suite à un infarctus. Même s’il est indéniable que Véra Clouzot manque cruellement d’expérience (elle ne tournera que trois films, ceux de son époux), sa fragilité, son charisme, son hésitation et sa spontanéité servent à merveille l’histoire. Quant à Paul Meurisse, monstre du cinéma français, capable de passer de la gaudriole au drame en un regard, il est ici tout simplement abject et repoussant, magnifique donc et d’ailleurs excellemment épaulé par d’autres camarades de jeu tout aussi bons, comme Michel Serrault, Noël Roquevert, Charles Vanel, Pierre Larquey.

Lauréat du Prix Louis Delluc en 1954, Les Diaboliques sort sur les écrans le 26 janvier 1955. Les spectateurs hurlent d’angoisse devant la violence sèche, souvent verbale, et les rebondissements alors avant-gardistes, au point d’être vraiment sonnés en sortant de la salle. Le bouche-à-oreille fait rapidement son œuvre. Heureusement, la plupart des spectateurs respectent le carton final qui apparaît en guise d’épilogue « Ne soyez pas DIABOLIQUES ! Ne détruisez pas l’intérêt que pourraient prendre vos amis à ce film. Ne leur racontez pas ce que vous avez vu. Merci pour eux ». En dépit d’une interdiction aux moins de 16 ans, Les Diaboliques réalisera 3,7 millions d’entrées. Et non, nous n’évoquerons pas le piteux remake de Jeremiah S. Chechik avec Sharon Stone, Isabelle Adjani, Chazz Palminteri et Kathy Bates, non.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray des Diaboliques est disponible chez TF1 Studio (collection Héritage), dans une édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livret. Les deux disques disposent des mêmes suppléments et le livret retraçant l’histoire du film et présenté par Pascal Mérigeau (44 pages), ne nous a pas été envoyé.

Les bonus de cette édition française Haute-Définition sont quelque peu décevants.

On commence par le témoignage peu passionnant de Bernard Stora (20’). Le cinéaste et scénariste, qui a fait ses débuts comme stagiaire et assistant-réalisateur d’Henri-Georges Clouzot sur L’Enfer, partage ses souvenirs liés à cette association, tout en revenant sur les conditions de tournage du film qui nous intéresse. Bernard Stora semble avoir du mal à trouver les mots pour évoquer Clouzot et ses oeuvres (« j’aime beaucoup ses films, pas tous… »), et ce qui est finalement le plus intéressant dans cet entretien est le portrait de l’homme et du cinéaste. L’intervenant aborde la forte personnalité du réalisateur, « un homme qui pouvait être attachant et gentil, malgré sa réputation […] qui était très impressionnant », avant de se pencher sur Les Diaboliques. Bernard Stora n’hésite pas à dire que ce film représente bien son « cinéma très carré, écrit et même corseté […] qui contient tous ses motifs, même s’il pâtit peut-être de son côté mécanique, sec et peut-être moins crédible […] qui a peut-être moins de fond, bien qu’admirablement filmé et interprété ». Dans la dernière partie, Stora aborde le cas Véra Clouzot, que « Simone Signoret a porté car sa partenaire n’était pas très bonne actrice ».

S’ensuit une rencontre (23’) entre le journaliste Samuel Blumenfeld (Le Monde) et Jean Ollé-Laprune (historien du cinéma). Leurs propos se complètent et s’avèrent plutôt intéressants, même si nous pouvions espérer plus pour un film de cette envergure. Les Diaboliques est replacé dans la filmographie de Clouzot, la genèse, l’adaptation du roman de Boileau-Narcejac, les houleuses conditions de tournage (avec quelques anecdotes), la faiblesse du jeu de Véra Clouzot (qui n’est vraiment pas épargnée ici), le perfectionnisme de Clouzot, ainsi que le remake américain (« exécrable ») – l’occasion pour Ollé-Laprune de dire que Sorcerer de William Friedkin est « pas mal sans plus », vous avez le droit de vous indigner – sont analysés sans temps mort.

En plus de la bande-annonce originale, l’éditeur joint également un montage de 3 minutes, constitué de propos enregistrés en 1969 et 1985, des écrivains Pierre Louis Boileau et Thomas Narcejac, sur l’adaptation cinématographique de leur roman, sur le travail de Clouzot et ses partis pris.

L’Image et le son

Les Diaboliques a été restauré en 4K à partir du négatif original. Les travaux numériques et photochimiques ont été réalisés et supervisés en 2017 par le laboratoire L21. Force est de constater que nous n’avions jamais vu le film d’Henri-Georges Clouzot dans de telles conditions. Les contrastes sont très appréciables, les noirs sont profonds. Seule la palette de gris n’est pas aussi riche que nous pouvions l’espérer, mais en même temps, la photo a toujours été plutôt blanche. Seul le générique apparaît peut-être moins aiguisé, mais le reste affiche une stabilité exemplaire ! Les arrière-plans sont bien gérés, le grain original est respecté, le piqué est souvent dingue et les détails regorgent sur les visages des comédiens. Avec tout ça, on oublierait presque de parler de la restauration. Celle-ci se révèle extraordinaire, aucune scorie n’a survécu au scalpel numérique, l’encodage AVC consolide l’ensemble du début à la fin. Ce master très élégant permet de redécouvrir ce chef d’oeuvre dans une qualité technique admirable.

La piste mono bénéficie d’un encodage en DTS HD-Master Audio. Si quelques saturations et chuintements demeurent inévitables, l’écoute se révèle fluide, équilibrée, limpide. Aucun craquement intempestif ne vient perturber l’oreille des spectateurs, les ambiances sont précises. Si certains échanges manquent de punch et se révèlent moins précis (la voix de Véra Clouzot a souvent un rendu métallique), les dialogues sont dans l’ensemble clairs, sans souffle parasite. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © TF1 Studio / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Les Roseaux sauvages, réalisé par André Téchiné

LES ROSEAUX SAUVAGES réalisé par André Téchiné, disponible en Blu-ray le 5 septembre 2017 chez Studiocanal

Acteurs :  Élodie Bouchez, Gaël Morel, Stéphane Rideau, Frédéric Gorny, Michèle Moretti, Jacques Nolot…

Scénario :  André Téchiné, Gilles Taurand, Olivier Massart

Photographie : Jeanne Lapoirie

Durée : 1h54

Date de sortie initiale : 1994

LE FILM

En 1962, en pleine guerre d’Algérie, alors que les attentats OAS se multiplient, l’intrusion d’un garçon pied-noir exilé va bouleverser la vie paisible de l’internat du lycée où il est accueilli.

Les Roseaux sauvages est probablement l’oeuvre centrale de toute la filmographie d’André Téchiné. Pourtant, à l’origine, cette chronique douce-amère et mélancolique sur la jeunesse française au début des années 1960 était uniquement destinée à la télévision dans un format d’une heure, dans le cadre d’un projet pour la télévision. Aujourd’hui, Les Roseaux sauvages demeure pour beaucoup de cinéphiles leur film préféré d’André Téchiné, celui qui regroupe tous ses thèmes de prédilection.

La guerre d’Algérie touche à sa fin. Dans le Sud-Ouest de la France, le frère de Serge, soldat, fils de paysans italiens, épouse la première venue pour obtenir une semaine de permission. Le jeune marié songe à déserter et compte sur madame Alvarez, la mère de Maïté, professeur et militante communiste, pour l’aider. Mais il repart en Algérie et se fait tuer dans le djebel. Des lycéens du village sont témoins de ces événements tragiques. Henri, un jeune pied-noir, vient passer son bac en métropole. L’oreille collée à un transistor, il suit minute par minute le dénouement du conflit. Un soir, à l’internat, François, le petit ami de Maïté, découvre son homosexualité dans les bras de Serge. Derrière la valse et les flonflons de cette année 1962, certains jeunes terminent laborieusement leurs études au lycée, dans l’espoir d’obtenir leur baccalauréat, même s’ils ont d’autres idées en tête en étant bouleversés par leurs sentiments et leurs désirs.

André Téchiné demeure l’un des rares cinéastes français à avoir su dépeindre les émois propres à l’adolescence, mais également la révélation du libre-arbitre, de la conscience politique, l’éveil sexuel, la sensualité, en d’autres termes, l’adieu à l’enfance et l’entrée dans le monde responsable des adultes. Plus de vingt ans après sa sortie, François, Maïté, Madame Alvarez et Serge sont des personnages qui restent dans la conscience des cinéphiles. Même si Maïté et François ressentent beaucoup de choses l’un pour l’autre, le jeune homme ressent encore plus d’attirances pour Serge, ce qui le déconcerte beaucoup dans un premier temps, tandis que Maïté doit accepter cette situation. Il y a aussi le pied-noir Henri, compagnon de chambre de Serge, qui a quitté l’Algérie où son père est décédé. Le jour où Serge apprend que son frère est mort en Algérie, le lycéen est alors animé par une rage ardente envers Henri, tandis que la mère de Maïté, professeur de français et communiste, rongée de culpabilité pour ne pas avoir pu le frère de Serge, part en cure de sommeil. Son remplaçant, Monsieur Morelli, cherche à aider Henri à avoir le bac. Mais ce dernier, révolté par les décisions de de Gaulle et le retrait de la France en Algérie, décide de quitter la ville.

Les Roseaux sauvages dresse le portrait d’une jeunesse qui se voulait insouciante, mais qui se trouve très vite rattrapée par l’Histoire. André Téchiné confie les rôles principaux à une poignée de jeunes comédiens inexpérimentés, mais néanmoins charismatiques et très attachants. C’est le cas d’Elodie Bouchez, qui avait fait ses débuts au cinéma dans Stan the Flasher de Serge Gainsbourg (1989), qui après une apparition dans Tango de Patrice Levonte (1993) et Le Péril jeune de Cédric Klapisch (1994), explose à l’écran dans Les Roseaux sauvages, pour lequel elle obtient le César dans la catégorie meilleur espoir féminin. Au générique, se démarque également Gaël Morel, dans le rôle de François, adolescent introverti et tourmenté, sans doute le personnage le plus proche d’André Téchiné. Apparu ensuite dans Le Plus bel âge et Zonzon, Gaël Morel deviendra ensuite un précieux réalisateur, à qui l’on doit entre autres Le Clan (2004) et Après lui (2007).

A l’origine des Roseaux sauvages, il y a la collection commandée par Arte intitulée Tous les garçons et les filles de leur âge. Après Ma saison préférée en 1993, André Téchiné accepte de rejoindre ce projet collectif avec un téléfilm intitulé Le Chêne et le roseau, d’après la fable éponyme de Jean de La Fontaine, dont Les Roseaux sauvages deviendra finalement la version longue. Cette collection regroupe neuf téléfilms français, totalement indépendants entre eux, seulement reliés par le thème de l’adolescence et diffusés sur Arte au dernier trimestre 1994. André Téchiné, mais aussi Chantal Akerman, Claire Denis, Olivier Assayas, Laurence Ferreira Barbosa, Patricia Mazuy, Emilie Deleuze, Cédrick Kahn et Olivier Dahan relèvent le défi. Comme ses confrères, André Téchiné dispose alors d’un budget modeste et doit répondre à une liste de contraintes (la durée d’une heure, le thème principal, intégrer une scène de fête, une durée de tournage de 20 jours en moyenne, des prises de vue en Super 16), malgré une grande liberté créatrice laissée aux cinéastes, comme le choix de situer le récit entre les années 1960 et 1990. Chaque réalisateur doit utiliser la musique rock, filmer de jeunes comédiens peu ou alors pas connus. André Téchiné reconnaîtra lui-même la grande liberté qui leur avait été accordée, sans contrainte ni l’obstacle lié au box-office.

Trois de ces téléfilms connaîtront les honneurs d’une version allongée, qui sera exploitée dans les salles. Les Roseaux sauvages donc, mais aussi Trop de bonheur de Cédric Kahn et L’Eau froide d’Olivier Assayas, présentés par ailleurs au Festival de Cannes. Le Chêne et le roseau, qui durait à l’origine 56 minutes, devient alors Les Roseaux sauvages, vrai film de cinéma d’1h55, placé sous le sceau de l’authenticité, qui n’épargne pas ses jeunes protagonistes, rattrapés par la dure réalité de la vie qui s’ouvre devant eux. André Téchiné réalise ici l’un de ses chefs d’oeuvre, en état d’apesanteur, trouvant l’équilibre délicat et parfait entre récits initiatiques – pour la première fois, il y parle ouvertement de l’homosexualité – et rendez-vous avec la grande Histoire, avec pudeur, une immense sensibilité et une justesse confondante, sous un soleil ardent et des couleurs estivales.

Largement inspirée par les propres souvenirs liés à l’adolescence du cinéaste, Les Roseaux sauvages est une œuvre qui marque définitivement la mémoire des cinéphiles. Le film a été récompensé par le prix Louis-Delluc en 1994 et par quatre César en 1995, Meilleurs film, réalisateur, scénario original et espoir féminin.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray des Roseaux sauvages, disponible chez Studiocanal, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal, fixe et muet, reprend une partie du visuel de l’affiche originale.

A l’instar de l’édition HD de J’embrasse pas, l’éditeur reprend l’interview d’André Téchiné (20’), réalisée à l’occasion de la sortie des Roseaux sauvages en DVD en 2004. Cependant, contrairement à l’autre entretien mentionné, le réalisateur semble presque gêné de parler du film qui nous intéresse. De manière succincte, le cinéaste revient sur la genèse du projet alors qu’il s’agissait encore d’un téléfilm intitulé Le Chêne et le roseau. André Téchiné indique que c’est surtout l’envie d’évoquer la guerre d’Algérie, plus que de réaliser un film sur les adolescents, qui l’a surtout convaincu de mettre en scène ce qui allait devenir Les Roseaux sauvages. Brièvement et de manière saccadée, le module est par ailleurs trop souvent entrecoupé par des extraits du film, le cinéaste aborde les thèmes, les personnages, le casting, les conditions de tournage, ainsi que les éléments autobiographiques qui ont inspiré le scénario.

L’Image et le son

Tourné en 16 mm, Les Roseaux sauvages a ensuite été gonflé pour une exploitation dans les salles. Evidemment, nous sommes loin du clinquant CinemaScope, format habituellement utilisé par André Téchiné, mais cette édition Haute-Définition s’en sort avec les honneurs. Certes, les couleurs restent sensiblement délavées, notamment les teintes vertes très présentes, mais la clarté est de mise, le piqué agréable, la copie très propre, en dehors d’un fil en bord de cadre lors de la scène de l’enterrement. Les séquences sombres s’avèrent moins définies, avec un grain plus hasardeux et une perte des détails. Toutefois, ce Blu-ray des Roseaux sauvages, permet au film d’André Téchiné de bénéficier d’une petite cure de jouvence bienvenue.

Le mixage DTS-HD Master Audio Stéréo instaure un très bon confort acoustique. Les dialogues sont ici délivrés avec ardeur et clarté, la propreté est de mise, les effets riches et les silences denses, sans aucun souffle. Dommage que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant soient indisponibles.

Crédits images : © Studiocanal /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Le Fantôme de l’Opéra, réalisé par Terence Fisher

LE FANTÔME DE L’OPÉRA (The Phantom of the Opera) réalisé par Terence Fisher, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 7 novembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs :  Herbert Lom, Heather Sears, Edward de Souza, Thorley Walters, Michael Gough, Harold Goodwin, Michael Ripper…

Scénario :  Anthony Hinds

Photographie : Arthur Grant

Musique : Edwin Astley

Durée : 1h24

Date de sortie initiale : 1962

LE FILM

1900. Une malédiction semble frapper l’Opéra de Londres. Alors que les tragédies se succèdent, la rumeur de la présence d’un mystérieux fantôme orchestrant en coulisse les accidents enfle de plus en plus. Lors d’une première prestigieuse, son existence ne fait plus de doute quand Christine Charles, l’étoile montante de l’Opéra, est enlevée par le fantôme. Elle va découvrir les terribles secrets cachés sous le masque couvrant son terrifiant visage.

Le roman fantastique de Gaston Leroux (1868-1927), Le Fantôme de l’Opéra, publié en feuilleton dans Le Gaulois en 1910, a connu moult adaptations au cinéma, de 1925 par Rupert Julian à celle de Joel Schumacher en 2004, la dernière à ce jour. Une dizaine de transpositions parmi lesquelles se distinguent la toute première, interprétée par l’illustre Lon Chaney, mais aussi et surtout celle de maître Terence Fisher, l’homme qui avait déjà revisité Dracula, le monstre de Frankenstein, la Momie et le Loup-Garou pour le compte de la Hammer Films. Rétrospectivement, Le Fantôme de l’Opéra – The Phantom of the Opera version Fisher, est l’un des opus les plus ambitieux du mythique studio, qui désirait livrer sa version du mythe depuis 1958, mais qui n’avait de cesse de le reporter, faute de moyens suffisants. Quand Cary Grant indique un jour qu’il voudrait s’associer avec la Hammer pour un film, il n’en fallait pas plus pour que le studio mette en route ce long métrage tant désiré. Si cette rencontre Grant-Hammer n’aura finalement jamais lieu, au moins ce fantasme aura-t-il permis la réalisation d’un des plus grands films du studio.

L’histoire se déroule en 1900 à Londres. Le London Opera House est, dit-on, hanté par un fantôme depuis que Lord Ambrose D’Arcy tente d’y présenter un nouvel opéra. Lors de la première, le spectacle est gâché par le corps d’un pendu qui apparaît en se balançant au bout d’une corde au-dessus de la scène. La chanteuse engagée refuse d’y jouer de nouveau. Le directeur artistique, Harry Cobtree auditionne de nouvelles chanteuses et tombe sur Christina Charles, qui semble beaucoup promettre. Elle est engagée et présentée à D’Arcy. Celui-ci tente de la séduire mais elle se refuse à lui. Elle est sauvée par Harry. En colère, D’Arcy les met tous les deux à la porte. Lorsque Harry visite Christina à sa pension de famille, il trouve des manuscrits sur lesquels est écrite une ébauche de l’opéra supposément composé par D’Arcy. La patronne, Mme Tucker, lui avoue que ces papiers ont appartenu à un ancien pensionnaire, le professeur Petrie, qui a été tué lors de l’incendie d’une maison d’imprimerie. Son corps n’a jamais été retrouvé. Il procède à une rapide enquête qui lui apprend que Petrie n’est pas mort dans l’incendie mais que son visage a en réalité été éclaboussé par de l’acide nitrique au moment où il tentait d’éteindre l’incendie. Christina est alors enlevée et emmenée dans les bas-fonds de l’Opéra où un homme hideux portant un masque et jouant de l’orgue lui déclare qu’il lui apprendra à chanter.

La Hammer dispose d’un budget beaucoup plus conséquent que pour ses films d’épouvante, grâce à un partenariat avec Universal, qui en contrepartie demande au studio d’y aller mollo sur les effets sanguinolents, sur la violence et l’érotisme, ceci afin d’attirer un public plus familial, en espérant ainsi rembourser la mise investie. Si effectivement Le Fantôme de l’Opéra demeure un opus plus « traditionnel », cela n’empêche pas le film d’être une nouvelle merveille concoctée par Terence Fisher. Bridé par les producteurs, le cinéaste s’approprie néanmoins le roman de Gaston Leroux. Sa mise en scène lyrique, sa solide direction d’acteurs (très bons Edward de Souza et Heather Sears), la beauté des décors – dont le Royal Opera House de Covent Garden – par ailleurs sublimés par la photo du chef opérateur Arthur Grant, son rythme enlevé et l’émotion qui émane de sa nouvelle « créature », qui n’a jamais été autant humaine et donc empathique, ne cessent d’émerveiller les spectateurs.

L’art et la virtuosité de Terence Fisher imprègnent chaque plan et chaque séquence, la dualité chère au cinéaste est ici explicite avec le Fantôme – magnifique Herbert Lom – tiraillé entre le bien et le mal, tout comme son visage dissimulé par un masque, où seul un œil demeure visible. Le véritable monstre du film n’est évidemment pas celui que l’on croit puisque celui-ci agit à visage découvert, et quel visage puisqu’il s’agit du célèbre Michael Gough, prolifique comédien britannique, qui interprétait entre autres Alfred Pennyworth du Batman de Tim Burton au Batman & Robin de Joel Schumacher. Particulièrement abject, sadique et repoussant, il est bel et bien l’être inhumain du Fantôme de l’Opéra.

A sa sortie, Le Fantôme de l’Opera n’a pas rencontré le succès espéré. Heureusement, le temps a fait son office et les cinéphiles en ont fait un film aujourd’hui très prisé.

LE BLU-RAY

Le Fantôme de l’Opéra est disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films. Cette édition contient également un livret collector de 20 pages, ainsi qu’une jaquette réversible avec choix entre facings « moderne » ou « vintage ». Le boîtier Blu-ray est glissé dans un fourreau. Le menu principal est animé et musical.

Bravo à Elephant Films qui nous livre ici l’une de ses meilleures présentations. On doit cette grande réussite à Nicolas Stanzick, auteur du livre Dans les griffes de la Hammer: la France livrée au cinéma d’épouvante. Dans un premier module de 10 minutes, ce dernier nous raconte l’histoire du mythique studio Hammer Film Productions. Comment le studio a-t-il fait sa place dans l’Histoire du cinéma, comment le studio a-t-il réussi l’exploit de susciter un véritable culte sur son seul nom et surtout en produisant de véritables auteurs ? Comment les créateurs du studio ont-ils pu ranimer l’intérêt des spectateurs pour des mythes alors tombés en désuétude ou parfois même devenus objets de comédies ? Nicolas Stanzick, véritable érudit, passionnant, passe en revue les grands noms (Terence Fisher bien évidemment, Christopher Lee, Peter Cushing) qui ont fait le triomphe de la Hammer dans le monde entier, mais aussi les grandes étapes qui ont conduit le studio vers les films d’épouvante qui ont fait sa renommée. Voilà une formidable introduction !

Retrouvons ensuite Nicolas Stanzick pour la présentation du Fantôme de l’Opéra (23’). Evidemment, ce module est à visionner après avoir vu ou revu le film puisque les scènes clés sont abordées. Comme lors de sa présentation de la Hammer, Nicolas Stanzick, toujours débordant d’énergie et à la passion contagieuse, indique tout ce que le cinéphile souhaiterait savoir sur la production du Fantôme de l’Opéra. Le journaliste considère ce film comme l’un des plus personnels de Terence Fisher, le chaînon manquant entre la version avec Lon Chaney et Phantom of the Paradise de Brian De Palma, comme la clé de voûte méconnue de toute la filmographie du réalisateur. Il replace ensuite Le Fantôme de l’Opéra dans l’histoire de la Hammer Films, qui souhaitait reprendre le mythe adapté de Gaston Leroux depuis 1958, mais dont le projet n’avait de cesse d’être repoussé en raison du manque de moyens. La genèse du film, la transposition et les différences avec le roman original, le casting, mais aussi et surtout le fond comme la forme sont abordés avec intelligence et spontanéité.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Oubliez le DVD sorti chez Bach Films il y a dix ans et précipitez-vous sur ce master Haute-Définition royalement offert par Elephant Films ! Car en dehors de quelques points blancs et de décrochages chromatiques sur les fondus enchaînés, la copie présentée tient toutes ses promesses. Les teintes rouges, jaunes et bleues sont éclatantes, les contrastes sont à l’avenant, les détails élégants sur le cadre large et le piqué pointu. Quel plaisir de (re)découvrir les films de la Hammer dans ces conditions !

Le film est disponible en version originale ainsi qu’en version française DTS HD Master Audio mono d’origine. Sans surprise, la piste anglaise l’emporte haut la main sur son homologue, surtout du point de vue homogénéité entre les voix des comédiens, la musique et les effets sonores. Le doublage de la piste française est soigné, avec notamment la présence au générique des immenses Claude Bertrand et Jean-Claude Michel. Dans les deux cas, point de souffle à déplorer, ni aucun craquement. Le changement de langue est possible à la volée et les sous-titres français non imposés.

Crédits images : © Elephant Films / Unversal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / J’embrasse pas, réalisé par André Téchiné

J’EMBRASSE PAS réalisé par André Téchiné, disponible en Blu-ray le 5 septembre 2017 chez Studiocanal

Acteurs :  Manuel Blanc, Philippe Noiret, Emmanuelle Béart, Hélène Vincent, Ivan Desny, Michèle Moretti…

Scénario :  Jacques Nolot, André Téchiné, Michel Grisolia

Photographie : Thierry Arbogast

Musique : Philippe Sarde

Durée : 1h56

Date de sortie initiale : 1991

LE FILM

L’histoire de Pierre qui vient de quitter son Sud-Ouest natal pour tenter fortune à Paris avec pour tout bagage un diplôme de brancardier, et un vague désir de devenir acteur. Il va sombrer dans la prostitution.

Même s’il n’a pas forcément brillé au box-office à sa sortie en novembre 1991 avec 472.000 entrées, ce qui le classe à la neuvième place dans le top 10 du réalisateur, J’embrasse pas d’André Téchiné est considéré à juste titre comme l’un de ses meilleurs et plus grands films. Inspiré de la vie du comédien et cinéaste Jacques Nolot, par ailleurs coscénariste, qui durant son adolescence avait rencontré et fréquenté Roland Barthes, dont est inspiré le personnage de Romain, magnifiquement incarné par Philippe Noiret, J’embrasse pas est empreint de lyrisme propre à la littérature française du XIXè siècle et foudroie le spectateur du début à la fin.

A peine majeur, Pierre Lacaze quitte ses Pyrénées natales pour monter à Paris avec l’idée de devenir comédien. Son seul contact est Evelyne, infirmière d’âge mûr et vieille fille, qu’il a connue alors qu’il était brancardier à Lourdes, et qui ne peut lui trouver d’autre emploi que plongeur à l’hôpital. C’est là qu’il rencontre Saïd, qui l’emmène dîner un soir chez son oncle Dimitri, vieil homosexuel lié à Romain Dumas, producteur d’émissions culturelles à la télévision fréquentant assidûment le monde des jeunes prostitués. Pierre se défie de cet homme et devient l’amant d’Evelyne, qui le cache de sa vieille mère infirme en le logeant dans une chambre sous les toits. Le soir, après le travail, il suit des cours d’art dramatique et s’y révèle peu talentueux, ne comprenant rien au monologue d’Hamlet. Evelyne, fort perturbée et ne se sentant pas aimée comme elle l’attendait, met un terme à sa relation avec le jeune homme, qui se retrouve à la rue. Dormant dans une gare, il s’y fait voler son sac. Démuni de tout, il cherche à se prostituer, mais ne peut finalement s’y résigner. C’est là, au Bois de Boulogne, que Romain l’aperçoit et lui propose de le suivre à Séville le temps d’un reportage. Mais, à peine arrivé, Pierre s’éclipse et rentre à Paris, où il reçoit la visite de son frère Serge, militaire en permission, et où cette fois il se prostitue réellement, sous le nom de… Romain. Un soir de rafle policière, il se laisse volontairement arrêter, car dans le fourgon cellulaire se trouve Ingrid, jeune prostituée précédemment aperçue, qui l’attire au plus haut point. Relâchés au matin, ils ébauchent une idylle que la jeune femme écourte sous la menace de son souteneur.

Avec sa mise en scène frontale, pourtant douce et caressante, André Téchiné dresse le portrait de son jeune personnage, sans porter de jugement, sans désir de réaliser un documentaire sur la prostitution, mais en se focalisant plutôt sur les étapes et rencontres – superbes Hélène Vincent et Roschy Zem – successives qui mènent Pierre vers cette alternative pour pouvoir survivre. Non seulement Pierre fait de son corps un instrument de survie, mais également de plaisir et de jouissance. André Téchiné accompagne Pierre dans sa découverte du vaste monde, un explorateur qui s’engage alors sur un territoire qu’il ne connaît pas et qui se trompe sur ses premiers désirs. Les désillusions font rapidement place au besoin primaire de manger, de dormir et de s’en sortir.

Le choix de confier le premier rôle à Manuel Blanc, qui n’avait alors aucune expérience est donc aussi intelligent qu’ambitieux, puisque le jeune comédien de 23 ans représente l’espoir et la virginité, dont les rêves et les fantasmes vont vite être ruinés. J’embrasse pas est un film certes sombre, mais néanmoins ponctué par des moments d’éclaircies, comme cette confrontation de Pierre avec Ingrid, interprétée par Emmanuelle Béart, au sommet de son art, de son aura érotique et de sa beauté avec son regard azur et sa perruque Louise Brooks. Mais même ce regard lumineux est au bord des larmes et témoigne des coups reçus.

Le récit initiatique de Pierre est difficile, à la fois pour le personnage, mais aussi pour le spectateur, notamment durant l’acte final où le destin se cristallise dans une séquence aussi inéluctable qu’insoutenable, qui tord alors l’estomac et marque encore profondément les esprits longtemps après, tout comme la composition du prolifique Philippe Sarde. Et malgré l’enfer vécu par Pierre, l’espoir demeure malgré tout puisque le film se clôt dans un baptême innocent et vertueux, où tous les horizons semblent possibles. Manuel Blanc a très justement été récompensé par le César du meilleur espoir masculin en 1992.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de J’embrasse pas, disponible chez Studiocanal, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal, fixe et muet, reprend une partie du visuel de l’affiche originale.

Cette édition ne contient qu’un seul supplément, mais à ne pas manquer. Il s’agit de l’interview d’André Téchiné (28’), réalisée en 2004, pour la sortie en DVD de J’embrasse pas. Le cinéaste revient sur la genèse du film, né du projet avorté de réaliser un film français au Brésil, qui est finalement devenu un film aux thèmes « brésiliens » transposés en France. André Téchiné aborde ensuite ses intentions, l’écriture du scénario avec Jacques Nolot (basé sur son histoire personnelle, mais aussi sur certains témoignages), les conditions de tournage (l’histoire a été tournée dans sa continuité), le casting, l’évolution du personnage de Pierre et les partis pris.

L’Image et le son

J’embrasse pas nous parvient en Haute-Définition. La copie est propre, immaculée même, les contrastes très élégants font honneur à la très belle photo du chef opérateur Thierry Arbogast, marquée par des couleurs hivernales. Le grain original est heureusement respecté, le cadre large offre son lot conséquent de détails ciselés, la stabilité est de mise. En dehors de quelques sensibles pertes de la définition, ce Blu-ray s’avère solide et permet de redécouvrir J’embrasse pas dans des conditions très satisfaisantes.

Le mixage DTS-HD Master Audio Stéréo instaure un confort acoustique total. Les dialogues sont ici délivrés avec ardeur et clarté, la propreté est de mise, les effets riches et les silences denses, sans aucun souffle. La composition de Philippe Sarde jouit également d’un écrin phonique soigné. Dommage que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant soient indisponibles.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Grand froid, réalisé par Gérard Pautonnier

GRAND FROID réalisé par Gérard Pautonnier, disponible en DVD le 7 novembre 2017 chez Diaphana

Acteurs :  Jean-Pierre Bacri, Arthur Dupont, Olivier Gourmet, Féodor Atkine, Sam Karmann, Philippe Duquesne…

Scénario :  Gérard Pautonnier, Joël Egloff d’après son roman « Edmond Ganglion & Fils » (Gallimard)

Photographie : Philippe Guilbert

Musique : Christophe Julien

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Dans une petite ville perdue au milieu de nulle part, le commerce de pompes funèbres d’Edmond Zweck bat de l’aile. L’entreprise ne compte plus que deux employés : Georges, le bras droit de Zweck, et Eddy, un jeune homme encore novice dans le métier. Un beau matin, pourtant, un mort pointe son nez. L’espoir renaît. Georges et Eddy sont chargés de mener le défunt jusqu’à sa dernière demeure. Mais, à la recherche du cimetière qui s’avère introuvable, le convoi funéraire s’égare et le voyage tourne au fiasco.

Vous savez chez nous c’est très simple ou ça bat, ou ça bat plus et là en l’occurrence, ça bat !

Sans faire de mauvais jeux de mots, Grand froid agit comme un vent de fraîcheur sur le cinéma français ! Venu de la publicité et de la télévision (la série Samantha, oups!) et remarqué en 2015 avec son court-métrage L’Etourdissement, adapté du roman de Joël Egloff et primé dans de nombreux festivals en France et à l’étranger, Gérard Pautonnier signe son premier long métrage Grand froid, également inspiré d’un livre du même auteur. Pour ce film, le réalisateur retrouve les comédiens Arthur Dupont et Philippe Duquesne, mais offre surtout à l’immense Jean-Pierre Bacri l’un de ses meilleurs personnages depuis près de quinze ans. Cocktail insolite entre le Fargo des frères Coen, les films d’Aki Kaurismäki, le western italien à la Sergio Leone et le cinéma inclassable de Bouli Lanners, Grand froid est une comédie-dramatique qui détonne dans le panorama cinématographique hexagonal.

Les affaires ne sont pas bonnes pour Edmond zweck, patron d’une entreprise de pompes funèbres qui périclite dans une petite ville. Il a dû se séparer d’une partie de son personnel. Il est secondé par Georges et Eddy, un jeune homme plein de bonne volonté mais sans expérience. L’embellie survient quand on demande à l’équipe de s’occuper d’un mort. Alors qu’il transporte le corps, direction le cimetière, elle se perd et surtout perd de vue la famille qui suivait le convoi. Edmond, Georges et Eddy vont tout tenter pour retrouver leur chemin et mener à bien leur mission.

La mort, ce n’est pas contagieux, c’est héréditaire.

Cette transposition du premier roman de Joël Egloff, Edmond Ganglion & fils, publié en 1999 chez Gallimard, qui contrairement au film se déroule durant un été caniculaire, est empreint d’un humour noir cynique, typique du cinéma anglo-saxon. Avec ses personnages de croque-morts fatigués, Olivier Gourmet dépassé par les événements et en attente d’un coup de fil de sa fille, Jean-Pierre Bacri moumouté qui passe ses journées à chercher son épitaphe à inscrire sur son caveau, et Arthur Dupont, jeune trentenaire déjà voûté par sa condition, Gérard Pautonnier met en scène un road-movie inattendu en corbillard, joliment absurde et très attachant. En se mettant à la recherche d’un cimetière introuvable, Georges (Bacri), 40 ans de métiers, amer et proche de la retraite et Eddy (Dupont), novice quelque peu paumé, vont faire le point sur leurs situations respectives et surtout apprendre à se connaître, en parlant de la mort, comme d’habitude, mais aussi de la vie, ce qu’ils sont moins habitués à faire.

Il y a deux métiers incontournables : la sage-femme et le fossoyeur. La première accueille, le second raccompagne. Entre les deux, les gens se débrouillent.

Ces récits initiatiques se déroulent lentement – ce qui vaut quelques soucis de rythme – sur l’asphalte glacé qui traverse de vastes paysages enneigés, désolés et boisés (le film a été tourné en Pologne), comme si la route qu’ils suivaient ne menait nulle part, sauf au carrefour de leur propre existence. Mais c’était sans compter la présence du cadavre d’un homme pas vraiment mort. Sur la forme, la photo de Philippe Guilbert (Les Convoyeurs attendent), subjugue avec ses couleurs évidemment froides et grisâtres, tandis que les décors naturels de la Pologne et de la Belgique donnent au film un cachet post-apocalyptique, notamment avec cette petite bourgade non-identifiée composée principalement d’une seule rue, du magasin de pompes funèbres et d’un restaurant chinois, où les habitants s’observent, se scrutent dans l’attente d’un événement qui pourrait relancer les affaires. N’oublions pas la composition tout aussi décalée de Christophe Julien (Au revoir là-haut, 9 mois ferme), composée de blues et de chants amérindiens, qui appuie le caractère bizarre, pour ne pas dire excentrique et intemporel de cette comédie-dramatique, mélancolique et existentielle, aux dialogues très soignés, à voir absolument.

LE DVD

Le test du DVD de Grand froid, disponible chez Diaphana, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur offre une heure de suppléments. On commence par la douzaine de scènes coupées (13’ au total), non mixées et non étalonnées, qui dévoilent les petits bouts de séquences laissés sur le banc de montage, probablement pour des raisons de rythme. Rares sont les scènes qui durent plus de 50 secondes. Nous retiendrons surtout deux génériques de début alternatifs. A noter que ces séquences sont souvent muettes et focalisées sur les réactions des personnages.

Un petit montage de trois minutes montre le travail invisible à l’écran des magiciens des effets spéciaux, notamment pour créer un environnement enneigé alors que la végétation était verte au moment des prises de vue.

Merci à Diaphana de nous permettre de (re)découvrir le court-métrage de Gérard Pautonnier, L’Etourdissement (2015-22’), adapté du roman éponyme de Joël Egloff. Suite au décès accidentel d’un collègue de travail (Nicolas Vaude), Eddy (Arthur Dupont) est chargé, malgré lui, d’aller annoncer la terrible nouvelle à l’épouse (Pascale Arbillot) du défunt. Georges (Philippe Duquesne), un autre collègue, lui propose de l’accompagner pour le soutenir dans cette délicate mission et dans l’idée de rentrer chez lui plus tôt par la même occasion. Arrivés chez la veuve, les deux hommes vont cependant avoir bien du mal à être à la hauteur de la situation. On retrouve déjà dans ce court-métrage, le rapport de la vie avec la mort, ainsi que celui entre deux générations qui s’affrontent et se questionnent sur l’existence. L’humour absurde contraste avec la situation pourtant dramatique et se clôt sur un retournement bouleversant.

Ensuite, nous ne trouvons pas le making of de Grand froid, mais étrangement celui de L’Etourdissement (17’). Dommage que ce documentaire soit si mal réalisé et surtout entièrement musical !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

En raison de son échec dans les salles (120.000 entrées), Grand froid est privé d’une sortie en Haute-Définition et c’est bien dommage. Malgré cette déconvenue, cette édition DVD s’avère plutôt soignée et claire. La propreté de la copie est assurée, les couleurs désaturées et glaciales sont superbes et bien restituées. Le piqué est aléatoire, mais s’en tire honorablement, surtout que les partis pris esthétiques auraient pu avoir du mal à passer le cap du petit écran. La gestion des contrastes est solide, même si nous pouvions attendre plus de détails. Heureusement, l’encodage consolide l’ensemble avec brio et les nombreuses séquences tournées en extérieur sont très belles.

D’emblée, le mixage Dolby Digital 5.1 impose une spatialisation qui happe le spectateur dans un flot d’ambiances naturelles qui ne se calment que durant les scènes en intérieur, axées sur les dialogues. Le cinéaste fait la part belle aux éléments environnants et la scène arrière ne manque pas l’occasion de briller avec notamment la restitution de la Toccata et Fugue en Ré mineur de Jean-Sébastien Bach. Le souffle du vent détonne sur l’ensemble des baffles. L’éditeur joint également une piste Stéréo de fort bon acabit, sans oublier les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © ELZEVIR FILMS / LAURENT THURIN-NAL / Diaphana / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Nuit du Loup-Garou, réalisé par Terence Fisher

LA NUIT DU LOUP-GAROU (The Curse of the Werewolf) réalisé par Terence Fisher, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 7 novembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs :  Oliver Reed, Clifford Evans, Yvonne Romain, Catherine Feller, Anthony Dawson, Josephine Llewellyn, Richard Wordsworth…

Scénario :  Anthony Hinds, d’après le roman Le Loup-garou de Paris (The Werewolf of Paris) de Guy Endore

Photographie : Arthur Grant

Musique : Benjamin Frankel

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Espagne. XVIIIème siècle. Fils d’un mendiant emprisonné qui avait perdu son humanité et de la servante sourde et muette dont il a abusé, Leon est adopté par un vieux professeur, Alfredo Carido. Mais en grandissant, le jeune homme a de plus en plus de mal à refréner ses pulsions meurtrières, qui le poussent à commettre des atrocités, au point de se transformer les nuits de pleine lune…

Quand la bête pleure…

Suite aux succès « monstres » de leurs réadaptations de la créature de Frankenstein avec Frankenstein s’est échappé (1957) et La Revanche de Frankenstein (1958) réalisés par Terence Fisher, puis Dracula avec Le Cauchemar de Dracula (1958) et Les Maîtresses de Dracula (1960) également mis en scène par Terence Fisher, et enfin la Momie avec La Malédiction des pharaons (1959) mis en scène par, ah bah tiens Terence Fisher encore, la Hammer Films Production se réapproprie l’autre grand mythe des Studios Universal, à savoir le Loup-Garou. Et qui de mieux qu’un certain, comment s’appelle-t-il déjà, Terence Fisher pour ressusciter le lycanthrope ? Une fois de plus, cette résurrection est un miracle cinématographique et La Nuit du Loup-Garou – The Curse of the Werewolf est un autre chef d’oeuvre du réalisateur britannique.

En Espagne, au XVIIIe siècle, le cruel marquis Siniestro humilie un mendiant pendant son repas de noces et le fait jeter au cachot. Il y est rejoint des années plus tard par une servante sourde-muette, qui a eu le tort de repousser les avances du marquis. Rendu fou par la captivité, l’homme se jette sur la malheureuse et la viole. La jeune infirme parvient un jour à s’enfuir et meurt en donnant le jour à un fils, Leon, qui est adopté par un vieux professeur, don Alfredo Carido. De sa conception bestiale, Leon garde en lui une malédiction. L’enfant se transforme en loup-garou quand vient la pleine lune et égorge des chèvres. L’amour de ses beaux-parents parvient à retenir ses envies de sang. Des années après, Leon quitte le domicile familial pour gagner sa vie.

La Nuit du Loup-Garou est divisé en trois actes bien distincts. Les origines de Leon / L’émancipation de Leon / La damnation de Leon. Terence Fisher prend le temps d’installer les conditions sociales de l’Espagne du XVIIIe siècle. A l’origine, le scénario devait suivre le roman Le Loup-Garou de Paris de Guy Endore, mais suite à l’arrêt brutal de la production d’un film que devait mettre en scène James Carreras et qui devait se dérouler en Espagne sous l’Inquisition, le scénariste Anthony Hinds, fils de William Hinds, le fondateur de la Hammer films, est obligé de revoir entièrement sa copie afin d’ancrer le comeback du Loup-Garou au pays des pesetas. Ceci afin d’utiliser les décors déjà construits pour le film avorté de James Carreras, lui-même le fils d’Enrique Carreras, l’autre fondateur du studio. Si l’intrigue est déplacée, le propos reste le même et c’est encore une fois la preuve de tout le génie de la Hammer et de Terence Fisher puisque La Nuit du Loup-Garou est une fable sociale déguisée en film d’épouvante et fantastique, qui aurait pu tout aussi bien se dérouler dans l’Angleterre victorienne.

Leon est interprété par l’illustre Oliver Reed, que Terence Fisher venait de diriger dans Les Deux Visages du Docteur Jekyll. Le comédien porte magnifiquement la tragédie de son personnage, dont le destin était d’ores et déjà scellé par les conditions de sa venue au monde. Fruit d’un viol d’une servante sourde-muette, sa mère, interprétée par la pulpeuse Yvonne Romain, par un mendiant retombé à l’état sauvage à cause du sadisme d’un marquis (le vrai monstre du film), qui a lui-même voulu profiter des charmes de la domestique, Leon est à jamais marqué du sceau de la marginalité, image même de l’être différent et écarté de la société. Seul l’amour, le fait d’aimer et d’être aimé, semble repousser l’envie irrépressible de se repaître de chair et de sang. Jusqu’à ce que les conventions sociales s’en mêlent et annihilent tout espoir de rédemption pour Leon, qui doit alors lutter contre ses envies bestiales. Jusqu’au point de non-retour.

Jack Asher n’étant pas disponible, ou tout simplement trop cher pour les studios, le chef opérateur Arthur Grant signe la photo de The Curse of the Werewolf. Attaché à la Hammer (Le Spectre du chat, et plus tard Le Fascinant capitaine Clegg ou bien encore Le Fantôme de l’opéra), le directeur de la photographie apporte au film une esthétique plus réaliste et moins baroque que son célèbre confrère, notamment dans le dernier acte entre ombre et lumière.

Référence du film de genre, sur le fond comme sur la forme (extraordinaire maquillage de Roy Ashton, inspiré par celui de la Bête du film de Jean Cocteau), La Nuit du Loup-Garou est un film unique au sein des nombreux longs métrages centrés sur un lycanthrope, beau, passionnant, drame violent (le viol hors-champ est vraiment troublant), intelligent, d’autant plus rare qu’il s’agit du seul film de loup-garou produit par la Hammer Films Productions.

LE BLU-RAY

La Nuit du Loup-Garou est disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films. Cette édition contient également un livret collector de 20 pages, ainsi qu’une jaquette réversible avec choix entre facings « moderne » ou « vintage ». Le boîtier Blu-ray est glissé dans un fourreau. Le menu principal est animé et musical.

Bravo à Elephant Films qui nous livre ici l’une de ses meilleures présentations. On doit cette grande réussite à Nicolas Stanzick, auteur du livre Dans les griffes de la Hammer: la France livrée au cinéma d’épouvante. Dans un premier module de 10 minutes, ce dernier nous raconte l’histoire du mythique studio Hammer Film Productions. Comment le studio a-t-il fait sa place dans l’Histoire du cinéma, comment le studio a-t-il réussi l’exploit de susciter un véritable culte sur son seul nom et surtout en produisant de véritables auteurs ? Comment les créateurs du studio ont-ils pu ranimer l’intérêt des spectateurs pour des mythes alors tombés en désuétude ou parfois même devenus objets de comédies ? Nicolas Stanzick, véritable érudit, passionnant, passe en revue les grands noms (Terence Fisher bien évidemment, Christopher Lee, Peter Cushing) qui ont fait le triomphe de la Hammer dans le monde entier, mais aussi les grandes étapes qui ont conduit le studio vers les films d’épouvante qui ont fait sa renommée. Voilà une formidable introduction !

Retrouvons ensuite Nicolas Stanzick pour la présentation de La Nuit du Loup-Garou (24’30). Evidemment, ce module est à visionner après avoir vu ou revu le film puisque les scènes clés sont abordées. Comme lors de sa présentation de la Hammer, Nicolas Stanzick, toujours débordant d’énergie et à la passion contagieuse, indique tout ce que le cinéphile souhaiterait savoir sur la production de La Nuit du Loup-Garou. Le journaliste replace donc le film de Terence Fisher dans l’histoire de la Hammer Films, qui souhaitait aborder le célèbre lycanthrope après avoir ressuscité les autres monstres autrefois rendus célèbres par les studios Universal. Le casting, mais aussi et surtout le fond (la dimension sociale du film) comme la forme (le maquillage de Roy Ashton, la photographie d’Arthur Grant, la mise en scène de Terence Fisher) sont abordés avec intelligence et spontanéité.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Le film est présenté dans son format respecté et en 16/9. En dépit d’un grain parfois trop prononcé sur chaque plan montrant le ciel, qui entraînent inévitablement de sensibles fourmillements, ainsi que des noirs qui tirent sur le bleu et des décrochages sur les fondus enchaînés, l’image de La Nuit du Loup-Garou a été excellemment restaurée. La définition est souvent exemplaire, la propreté indéniable (à part de petits points noirs), la superbe photo d’Arthur Grant flatte constamment les rétines, la stabilité est de mise et même le piqué est à l’avenant sur certaines séquences, y compris sur les scènes en intérieur où l’on peut apprécier chaque détail des décors. Les couleurs sont claires et vraiment très belles, les contrastes très appréciables. L’apport HD pour ce titre est vraiment indispensable. Un très beau lifting.

Le film est disponible en version originale ainsi qu’en version française DTS HD Master Audio mono d’origine. Sans surprise, la piste anglaise l’emporte haut la main sur son homologue, surtout du point de vue homogénéité entre les voix des comédiens, la musique et les effets sonores. La piste française est tantôt sourde, tantôt criarde, au détriment des ambiances annexes et de la partition de Benjamin Frankel. Dans les deux cas, point de souffle à déplorer, ni aucun craquement. Le changement de langue est possible à la volée et les sous-titres français non imposés.

Crédits images : © Elephant Films / Unversal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / The Leftovers – Saison 3

THE LEFTOVERS – SAISON 3, disponible en Blu-ray et DVD le 11 octobre 2017 chez HBO

Acteurs :  Justin Theroux, Amy Brenneman, Christopher Eccleston, Chris Zylka, Margaret Qualley, Carrie Coon, Liv Tyler, Ann Dowd, Janel Moloney, Kevin Carroll, Regina King, Jasmin Savoy Brown, Jordan Adepo…

Histoire originale  : Damon Lindelof, Tom Perrotta d’après le livre de Tom Perrotta Les Disparus de Mapleton

Scénario :  Damon Lindelof, Patrick Somerville, Tom Perrotta, Tom Spezialy, Tamara Carter, Lila Byock, Carly Wray, Nick Cuse

Photographie : Michael Grady, John Grillo, Robert Humphreys

Musique : Max Richter

Durée : 8h (8 épisodes)

Date de sortie initiale : 2017

LA SAISON 3

En l’espace d’un instant, 140 millions de terriens se sont évaporés. La cause de ce tragique événement reste inconnue et rien n’indique que les disparus referont surface. La série The Leftovers s’articule autour des vies transformées à jamais par la catastrophe qui a ébranlé la planète un 14 octobre. Dans la saison 3, les familles Garvey et Murphy s’unissent dans la quête désespérée d’une foi capable d’expliquer ce qui dépasse l’entendement. Le monde est à l’aube d’un bouleversement majeur, comparable au « Grand Départ » qui l’a frappé des années auparavant.

Nous y sommes. C’est la dernière saison. Trois ans se sont écoulés depuis l’invasion de Miracle par le groupe de « Guilty Remnants », qui s’est soldée tragiquement. Alors que le septième anniversaire du Ravissement a lieu dans deux semaines, de plus en plus de monde se rassemble dans la petite bourgade texane. En effet, de nombreux prêches annoncent un nouvel événement ce jour-là. Désormais à la tête de la police locale, Kevin Garvey surveille non sans inquiétude l’effervescence qui anime la ville. Dans le cadre de son travail sur les fraudes liées au Ravissement, Nora se rend dans la ville de Saint-Louis, ou on soupçonne une nouvelle escroquerie visant à laisser croire aux familles de Disparus qu’il serait possible de les retrouver. Par ailleurs, la jeune femme souffre toujours aussi cruellement de l’absence de ses enfants et peine à se remettre du départ de la petite fille confiée à Kévin sur laquelle elle veillait. Tout en écoutant un vieil enregistrement de son fils alors qu’il était enfant, Kevin Garvey Senior sillonne l’outback australien. Pour prévenir un déluge, qu’il croit imminent, le vieil homme suit une ancienne route sacrée pour le peuple aborigène et répète à différents endroits les coutumes après les avoir observées et mémorisées. Ses activités lui valent des ennuis avec les autorités, mais il persiste tout de même, d’autant plus qu’il ne lui reste qu’un seul rituel à accomplir. Kevin et Nora se rendent alors en Australie, quand le policier aperçoit un visage inattendu du passé, ce qui l’oblige à affronter les événements traumatiques de trois ans plus tôt. Convaincu que c’est le destin de Kevin d’être à Miracle pour le prochain septième anniversaire du départ, Matt Jamison se dirige impulsivement vers l’Australie dans le but de le ramener au bercail. Malheureusement, Dieu s’oppose. Laurie Garvey, se dirige également vers l’Australie pour aider Nora et Kevin sur leurs chemins.

The End is near…

Diffusée sur HBO dès juin 2014, la première saison de The Leftovers, série télévisée américaine créée par Damon Lindelof (un des créateurs de la série Lost) et l’écrivain Tom Perrotta, adaptée du roman éponyme de ce dernier édité en France sous le titre Les Disparus de Mapleton, est rapidement devenue un des événements de l’année. La première saison en dix épisodes transposait le roman dans son intégralité et la seconde, également en dix épisodes, était donc réalisée à partir d’un scénario original. Toujours aussi complexe, extrêmement riche, hypnotique, la troisième et dernière saison de The Leftovers est une des plus belles vues depuis dix ans. N’ayons pas peur des mots, cette oeuvre est extraordinaire. Si le générique de la précédente saison est conservé sur la forme, l’accompagnement musical n’a de cesse d’évoluer et donne quelques indications sur le récit et les évènements à venir.

Nous retrouvons les personnages principaux, mais l’action se déroule essentiellement en Australie, trois ans après l’arrivée de Kevin et Nora à Jarden, rebaptisée alors Miracle, puisqu’il s’agit du seul endroit sur Terre où pas un seul habitant sur 9261 personnes n’avait été porté disparu. C’est dans cette petite contrée, devenue centre de pèlerinage et dans laquelle on ne peut circuler librement et seulement sur autorisation en étant muni d’un bracelet spécifique, que Kevin et Nora débarquaient en espérant repartir de zéro. Mais le destin en avait décidé autrement. A l’aube d’une Apocalypse programmée pour le septième anniversaire du Grand Départ, Kevin (merveilleux Justin Theroux) est regardé comme un nouveau Messie et semble pour ses proches détenir le pouvoir d’empêcher l’extinction de la race humaine. Quant à Nora (sublime Carrie Coon), elle semble rattraper par la tristesse, le désespoir et ne parvient pas à faire le deuil de ses enfants en se demandant toujours s’ils sont toujours en vie, quelque part. Jusqu’au jour où une société la contacte et lui propose de participer à une expérience, comme plusieurs autres cobayes avant elle. Les conditions de la disparition soudaine de la population ont pu être reproduits en laboratoire. Une machine peut donc envoyer des volontaires là où leurs proches ont sans doute disparu. Mais le processus est irréversible.

Pray for us

Résumer tous les enjeux et les intentions d’une série comme The Leftovers est difficile, puisque la série, en particulier cette troisième saison, est si dense, mystérieuse, ambiguë, torturée, dramatique, mélancolique, et en même temps totalement différente d’une saison à l’autre, que l’on pourrait y passer des heures, et ne faire qu’effleurer ses thèmes. Le pari de proposer une suite radicalement différente est donc magistralement relevé. La mise en scène est virtuose, tout comme l’interprétation, la musique, la photographie. Les acteurs ont chacun leur partition à jouer dans cette étrange et saisissante symphonie qui ne cesse de déstabiliser pendant ces huit derniers épisodes. L’intrigue est étrange, quasi-fantastique, chaotique, anxiogène, troublante et haletante, dès la première séquence du premier épisode qui nous emmène loin dans l’histoire. L’épisode 7, à l’instar du huitième de la saison 2, dans lequel Kevin est à nouveau « emmené » dans une étrange dimension, marquera longtemps les esprits. Quant au final d’1h12, sobre, fabuleux et fascinant sur la foi, la croyance, la recherche de la paix intérieure, l’acceptation, l’amour, il arrache toutes les larmes du corps du spectateur et peu importe si finalement certaines questions demeurent sans réponse comme l’indique la chanson Let the Mystery Be d’Iris DeMent. The Leftovers est et restera une mini-série époustouflante et miraculeuse. Un chef d’oeuvre dont on ne ressort pas indemne.

LE BLU-RAY

Le visuel de la jaquette, glissée dans un boîtier classique de couleur bleue, est très beau et parfaitement dans le ton de cette troisième saison de The Leftovers. La minisérie est divisée en deux disques à la sérigraphie sobre. Le premier disque comprend les quatre premiers épisodes, la deuxième galette les quatre suivants. Les menus principaux sont fixes et musicaux, identiques sur les deux disques. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné.

A l’instar de l’édition Blu-ray de la seconde saison, nous ne trouvons ici aucun supplément. Nada !

L’Image et le son

L’éditeur prend soin de cette troisième saison avec un master haut de gamme et un transfert solide. Sans surprise, la copie se révèle propre et tire agréablement partie de la HD avec des teintes plus chaudes que sur les deux saisons précédentes avec notamment une omniprésence de couleurs saturées en Australie, une palette chromatique spécifique, le tout soutenu par un solide encodage. Le piqué, tout comme les contrastes, sont souvent tranchants, les arrière-plans sont détaillés, le relief plaisant, les noirs denses et les détails foisonnants. Hormis quelques légers fléchissements de la définition sur les scènes sombres, cette édition Blu-ray offre les plus belles conditions pour voir et revoir The Leftovers.

Seule la version originale bénéficie d’une piste DTS-HD Master Audio 5.1, la piste française devant se contenter d’une simple et anecdotique Dolby Digital 2.0, qui n’arrive pas à la cheville de son homologue. Pour la première, le confort acoustique est évidemment largement assuré. La spatialisation est enivrante et participe à l’immersion totale dans cet étrange univers, tout en mettant en avant l’extraordinaire composition de Max Richter. Les dialogues sont exsudés avec force, les effets et ambiances annexes sont riches (dans la rue notamment), amples et variés. Nul besoin de monter le volume pour profiter pleinement de la bande-son. Le caisson de basses intervient aux moments opportuns et les sous-titres sont amovibles.

Crédits images : © HBO / Warner Bros. Entertainment / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Bleeder, réalisé par Nicolas Winding Refn

BLEEDER réalisé par Nicolas Winding Refn, disponible en combo Blu-ray+DVD le 8 novembre 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs :  Kim Bodnia, Mads Mikkelsen, Rikke Louise Andersson, Liv Corfixen, Levino Jensen, Zlatko Buric…

Scénario :  Nicolas Winding Refn

Photographie : Morten Søborg

Musique : Peter Peter

Durée : 1h388

Date de sortie initiale : 1999

LE FILM

Amour et violence à Copenhague. Leo et Louise vivent en couple dans un appartement insalubre. Découvrant que Louise est enceinte, Leo perd peu à peu le sens de la réalité et, effrayé par la responsabilité de sa nouvelle vie, sombre dans une spirale de violence. Au même moment, son ami Lenny, cinéphile introverti travaillant dans un vidéo-club, tombe fou amoureux d’une jeune vendeuse et ne sait comment le lui dire…

Il aura fallu attendre plus de quinze ans – le film n’avait pu être exploité en dehors du Danemark, en raison de la faillite de la société de distribution – et l’engouement de la critique pour ses derniers films, pour que le second long métrage de Nicolas Winding Refn (né en 1970) parvienne dans les salles françaises. Ecrit, produit et mis en scène par le réalisateur danois trois ans après le succès inattendu de Pusher (qui deviendra une trilogie), Bleeder, qui reprend une grande partie du précédent casting ainsi que la même équipe technique, est aujourd’hui considéré à juste titre comme l’une de ses œuvres centrales, puisqu’elle installe les thématiques et recherches formelles que NWR (comme il aime se faire appeler) n’aura de cesse de développer. Parallèlement, il offre au comédien Mads Mikkelsen, qui faisait ses débuts au cinéma à l’âge de trente ans passés, l’un de ses premiers rôles importants.

Leo (Kim Bodnia) et Louise (Rikke Louise Andersson), un jeune couple, vivent dans un appartement miteux de Copenhague. Leo est souvent dehors avec ses amis pendant que Louise préfère rester à la maison. Lorsque la jeune femme apprend à son compagnon qu’elle est enceinte, il devient de plus en plus agressif et brutal. Il se lie avec Louis (Levino Jensen), un videur raciste. Après avoir assisté à un passage à tabac qui le choque profondément, Leo finit par se laisser happer par un engrenage de violence. Pendant ce temps, Lenny (Mads Mikkelsen), ami de Leo, employé dans un video-store, grand cinéphile devant l’éternel, s’éprend de Lea (Liv Corfixen), vendeuse dans un petit snack du quartier, qui regarde lentement les journées défiler. Timide et renfermé, Lenny décide tout de même de l’inviter au cinéma.

Comme dans tous les films de Nicolas Winding Refn, il y a à boire et à manger dans Bleeder, fourre-tout animé par l’envie irrésistible de faire du bon cinéma, mais rattrapé par la propre mégalomanie exacerbée de son metteur en scène. NWR livre une fois de plus un film bancal et le cul entre deux chaises avec un récit scindé en deux parties qui s’entrecroisent. La première, la plus attachante, celle avec le déjà magnétique Mads Mikkelsen, qui crève l’écran et foudroie le spectateur dans le rôle de Lenny, petit vendeur de vidéo-club. Immense cinéphile qui visionne une douzaine de films par semaine (son préféré étant Massacre à la tronçonneuse), il tombe amoureux d’une jeune femme au regard triste et qui paraît tout aussi renfermée que lui, interprétée par la belle Liv Corfixen, aujourd’hui l’épouse de NWR. Plus à l’aise quand il parle des grands maîtres du cinéma, que lorsqu’il souhaite faire comprendre à une nana qu’il voudrait l’inviter à se faire une toile, Lenny est le personnage auquel on se raccroche durant 1h30. Mais à côté de ça, le cinéaste se prend pour un Tarantino nordique – un autre metteur en scène qui a appris son boulot en visionnant des films – en se focalisant sur une poignée de personnages qui attendent le moindre petit dérèglement de leur triste vie, pour expulser tout leur mal-être et leur violence jusqu’ici contenue.

Manque de bol, cette étincelle va venir de Louise, qui annonce à son compagnon Leo qu’elle est enceinte et qu’elle souhaite garder l’enfant. Visiblement déjà au bord de la crise de nerfs, Leo devient de plus en plus agressif, jusqu’à atteindre le point de non-retour. Il s’en prend physiquement à sa compagne. Alors certes, NWR montre des personnages vieillis déjà avant trente ans et englués dans un quotidien morne, mais comme dans la plupart de ses films, la violence frontale demeure gratuite. Il est tellement facile de choquer les spectateurs en montrant un homme frapper à coups de pied le ventre d’une femme enceinte, scène particulièrement insoutenable. Manquant particulièrement de « finesse », le réalisateur en fait toujours trop, en privilégiant la forme (caméra à l’épaule très immersive) au fond, toujours limité avec « jamais d’amour sans violence », en se servant du cinéma comme d’un punching-ball, afin de purger ses propres désirs frustrés et refoulés, d’autant plus que Bleeder apparaît comme étant son film le plus autobiographique.

Fondamentalement, Nicolas Winding Refn est un habile « maker » ou faiseur, largement influencé par ses cinéastes de prédilection (Wong Kar-wai, Mario Bava, Martin Scorsese et Dario Argento par exemple), mais il lui manque un univers qui lui est propre et qui aujourd’hui demeure encore bien trop calqué ses modèles. Bleeder pose les bases des films du réalisateur qui suivront. C’est une oeuvre puzzle, patchwork à la Trainspotting, auquel on pense beaucoup avec ses personnages adulescents qui déambulent dans des rues tristes aux murs tagués, à laquelle on accroche bien plus que ses œuvres contemporaines gloubi-boulga à l’esthétique Fashion TV.

NWR gagnerait à revenir à ce genre de film sobre et simple, nettement plus empathique et accessible, plutôt que de vouloir flatter ses pairs, la critique élitiste et une niche de cinéphiles, dans le seul but unique et par ailleurs avoué de se faire mousser. Aujourd’hui Nicolas Winding Refn est devenu NWR, une marque de fabrique, un groupe industriel spécialisé dans les néons auquel on préférait largement l’époque où il ne s’agissait encore que d’une petite usine, où l’ombre ou le reflet d’une caméra (c’est le cas dans Bleeder) touchait bien plus qu’une exposition de tableaux chromatiques parfaitement symétriques.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Bleeder, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition Digibook se compose de l’édition HD, du DVD ainsi que d’un livret de 32 pages. Le menu principal est sobre, animé et musical.

Avis aux amateurs de Nicolas Winding Refn, l’éditeur propose une très longue (euphémisme) interview-fleuve en anglais du réalisateur, en compagnie de Mads Mikkelsen (48’). Réalisé en mars 2017 à Copenhague, cet entretien durant lequel les questions (basiques) apparaissent sous la forme de carton écrit sur fond rouge, revient sur les conditions de tournage, les intentions et les partis pris de Bleeder, mais aussi sur la rencontre artistique des deux hommes sur Pusher, ainsi que sur leurs autres associations. Nous le savions déjà, mais NWR aime parler de lui – « Absolument, je suis totalement narcissique […] Je voulais le top du top, je voulais devenir une légende […] je voulais devenir un mythe, encore maintenant » – devant un Mads Mikkelsen simple, visiblement amusé devant les propos démesurément égocentriques du cinéaste.

Particulièrement lent, ce supplément filmé sur un fond gris et triste, se suit avec difficulté et même avec pas mal d’ennui, mais on peut s’amuser du côté gamin pourri-gâté capricieux du réalisateur de 47 ans. Nous retiendrons essentiellement toutes les interventions de Mads Mikkelsen, qui évoque ses débuts devant la caméra et dont la modestie n’a d’égale que son immense talent.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Bleeder connaît non pas une cure de jouvence, mais une véritable résurrection. Le master HD présenté ici est issu du négatif original restauré 4K, qui avait bénéficié d’une exploitation dans les salles françaises en octobre 2016, transféré en 2K pour sa sortie dans les bacs. Le cadre large est évidemment respecté, tout comme le grain original, magnifiquement géré et restitué. La propreté remarquable de la copie participe à la (re)découverte du second long métrage de Nicolas Winding Refn, dont la mise en scène parfois heurtée pourrait donner du fil à retordre à l’encodage, ce qui n’est absolument pas le cas. L’image est superbe, les couleurs disparates et éclatantes (beaucoup de rouge, teinte de prédilection du réalisateur), le piqué est ciselé, les contrastes denses et les détails abondants. Un titre qui intègre facilement le Top Démo du mois de novembre 2017.

Point de version française à l’horizon, mais qui s’en plaindra franchement ? En revanche, l’éditeur propose un inattendu mixage danois DTS-HD Master Audio 5.1. Si l’on pouvait craindre un rendu artificiel, il n’en est rien et la spatialisation demeure puissante et très efficace. Cela tient en partie grâce à la B.O énergique du film, qui profite de l’ouverture des frontales et des latérales, mais aussi du caisson de basses. Les dialogues sont solidement plantés sur la centrale, les effets concrets et quelques séquences, notamment celles de règlements de comptes avec l’usage d’armes à feu, sont particulièrement frappantes. La piste DTS-HD Master Audio 2.0 s’en sort également très bien et contentera ceux qui ne seraient pas équipés sur la scène arrière. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © La Rabbia / M6 vidéo / Bac Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

 

Test Blu-ray / Miracle Mile, réalisé par Steve De Jarnatt

MIRACLE MILE réalisé par Steve De Jarnatt, disponible en DVD et Blu-ray le 13 novembre 2017 chez Blaq Out

Acteurs :  Anthony Edwards, Mare Winningham, Mykelti Williamson, Denise Crosby, O-Lan Jones, John Agar, Lou Hancock, Kelly Jo Minter, Kurt Fuller…

Scénario :  Steve De Jarnatt

Photographie : Theo van de Sande

Musique : Tangerine Dream

Durée : 1h28

Date de sortie initiale : 1988

LE FILM

Los Angeles, 4h05 du matin. Après un rendez-vous raté avec la femme de sa vie, Harry décroche le téléphone d’une cabine qui ne cesse de sonner. Une voix lui apprend que des missiles nucléaires vont s’abattre sur Los Angeles dans 1 heure et 10 minutes. Une folle course contre la montre va s’enclencher…

C’est l’histoire d’un petit film sorti dans un quasi-anonymat en 1988, qui a depuis conquis de très nombreux cinéphiles dans le monde entier, au point de devenir culte. Appel d’urgence, Miracle Mile en version originale, est le second et dernier long métrage à ce jour réalisé par Steve De Jarnatt. Si son premier film Cherry 2000 (1987), comédie de science-fiction, reste très prisé des amateurs de Cinéma Bis, Appel d’urgence s’est bâti une solide réputation, au point d’être redécouvert avec tout autant de sérieux que de plaisir par la critique et les spectateurs.

Harry Washello rencontre Julie dans un musée d’Histoire naturelle. Ils passent l’après-midi ensemble et, le soir venu, se donnent rendez-vous à une heure du matin à la sortie du diner où Julie travaille. Mais l’hôtel dans lequel Henry est parti se reposer subit une panne de courant et il ne se réveille qu’à trois heures. Pour Harry, Julie est la femme de sa vie. Il se précipite à Miracle Mile où se trouve le diner mais Julie n’est plus là. Il lui laisse un message depuis la cabine téléphonique qui fait le coin de la rue et attend, désespéré, qu’elle le rappelle. Lorsque le téléphone sonne, il se précipite mais c’est à un étrange interlocuteur auquel il a affaire : un homme effrayé, en pleurs qui, pensant s’adresser à son père, lui confie que dans une heure dix des missiles nucléaires vont s’abattre sur les Etats-Unis. Henry pense à un canular mais la conviction de son correspondant le fait douter. Il s’en émeut auprès des rares clients du diner qui font peu de cas de son inquiétude. Mais parmi eux se trouve une femme d’affaires qui appelle quelques contacts au Sénat. Lorsqu’elle s’aperçoit que tous ses correspondants ont pris la tangente, l’assemblée commence à prendre au sérieux la terrible annonce. Pour Harry, il est impensable de s’enfuir de Los Angeles sans Julie.

Sur ce postulat de départ aussi inattendu que prometteur, Steve De Jarnatt va embarquer son audience dans un récit quasi-inclassable, une comédie-romantique sur fond d’apocalypse. Alors que son scénario écrit à l’origine pour la Warner Bros traînait depuis presque dix ans dans les tiroirs, Steve De Jarnatt, à qui le studio ne souhaitai pas confier la mise en scène, parvient à racheter son propre script pour la somme de 25.000 dollars. S’ensuit une phase de réécriture complète, jusqu’à ce que la Warner revienne à la charge en lui proposant cette fois de lui racheter son scénario pour 400.000 dollars ! Steve De Jarnatt refuse, sans doute par peur que son travail ne soit à nouveau mis aux oubliettes. Il prend alors son courage à deux mains et propose son scénario à plusieurs studios concurrents, mais ceux-ci demeurent frileux et dubitatifs devant ce mélange des genres peu conventionnel qu’ils imaginent déjà difficile à vendre, d’autant plus que Steve De Jarnatt tient à conserver son dénouement pessimiste. Jusqu’à l’entrée en scène de la Hemdale Film Corporation, compagnie de production et de distribution, qui avaient enchaîné les succès avec Les Guerriers du Bronx d’Enzo G. Castellari, mais aussi et surtout Terminator de James Cameron, ainsi que Salvador et Platoon d’Oliver Stone !

Steve De Jarnatt obtient alors 3,7 millions de dollars et les dates du tournage sont fixées du 13 avril au 4 juin 1987, entièrement en décors naturels à Los Angeles, dans le quartier de Miracle Mile qui donne son titre au film. Le casting est composé de comédiens pas ou alors peu connus du grand public. Avant de devenir une star du petit écran grâce à la série Urgences, dans lequel il interprète le Dr Mark Greene, Anthony Edwards promenait sa longue silhouette dégingandée au cinéma (Ça chauffe au lycée Ridgemont, Garçon choc pour nana chic) et à la télévision (It Takes Two), avant de connaître une première consécration avec Top Gun, dans lequel il incarne Goose, le pote à moustache de Tom Cruise. Même chose pour sa partenaire à l’écran Mare Winningham, qu’il connaissait depuis les cours de théâtre au lycée. Bien qu’aucune star ne soit à l’affiche, les spectateurs s’amuseront à reconnaître toute une ribambelle de formidables comédiens (à tronches) habituellement cantonnés aux seconds rôles. Mykelti Williamson (Bubba de Forrest Gump, Les Ailes de l’enfer, Heat), Denise Crosby (Simetierre, Deep Impact, 48 heures), Robert DoQui (RoboCop), John Agar (vu chez John Ford), Earl Boen (le docteur Silberman des trois premiers Terminator), Brian Thompson (un des punks de Terminator) et Jenette Goldstein (la mythique Vasquez d’Aliens – le retour et la mère adoptive de John Connor dans Terminator 2 – Le jugement dernier).

Redécouvrir Appel d’urgence aujourd’hui est comme tomber sur une pépite oubliée. Ou comment assister à une histoire d’amour dingue et romantique, une rencontre entre deux âmes sœurs le jour où une pluie de missiles nucléaires va s’abattre sur les Etats-Unis. Thriller paranoïaque, cauchemar éveillé, film catastrophe, comédie dans la veine d’After Hours, récit de science-fiction, drame mélancolique et existentiel, Miracle Mile a beau avoir l’air de partir dans toutes les directions, il n’en demeure pas moins que Steve De Jarnatt maintient le cap de son histoire du début à la fin, en instaurant progressivement un chaos très étonnant, déroutant et particulièrement prenant. On suit ainsi Harry, prêt à tout pour retrouver Julie et la sauver de la menace nucléaire – la guerre froide connaissait ses dernières heures – mise à exécution.

Le réalisateur parvient à retrouver l’essence des séries B de science-fiction des années 50, en y incorporant les couleurs fluorescentes des années 80, des néons bariolés du Johnie’s Coffee Shop Restaurant, en passant par les costumes des personnages. Ou comment la menace de mort qui pèse sur les protagonistes contraste avec les décors et textures luminescentes. Steve De Jarnatt soigne sa mise en scène avec de formidables travellings et plans-séquences, en déjouant les attentes des spectateurs avec quelques scènes impressionnantes et oppressantes à l’instar de celle dite de la station-service, ou bien encore les émeutes dans les rues à quelques minutes de l’explosion finale. La sublime composition de Tangerine Dream ne cesse d’envoûter, jusqu’au dénouement aussi inéluctable que déchirant, poétique et magnifique, qui montre que Steve De Jarnatt n’a pas peur du romanesque, ni des ruptures de tons.

Animé par une foi dans le cinéma, une énergie contagieuse et un désir d’offrir aux spectateurs un rollercoaster d’émotions, Appel d’urgence – Miracle Mile, intègre la liste des « grands petits films » qui font le bonheur des cinéphiles, que l’on se refile, que l’on conseille, qui se placent dans le top des films « injustement méconnus ». Le bouche-à-oreille fait foi et même si Appel d’urgence est sorti il y a maintenant trente ans, il n’est sûrement pas trop tard pour le considérer à sa juste valeur, surtout à l’heure où Donald Trump et Kim Jong-un caressent le bouton rouge chacun de leur côté.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Miracle Mile, disponible chez Blaq Out, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe sur la composition de Tangerine Dream.

On commence les suppléments par le court-métrage Tarzana (33’), réalisé par Steve De Jarnatt en 1972. Ce formidable film d’étudiant est une véritable lettre d’amour du metteur en scène au film noir des années 1940. Tourné dans un magnifique N&B, en reprenant les partis pris, les costumes et les décors du genre, Tarzana suit l’enquête d’un détective privé, Eye Milt Lassitor, interprété par Michael C. Gwynne. Durant son investigation, ce dernier croise le comédien Eddie Constantine dans l’imperméable de Lemmy Caution ! Un sublime exercice de style. En introduction, l’éditeur indique que Tarzana est un film rarissime, qui était bloqué pour des raisons de droits musicaux. La situation s’étant légèrement décoincée à la dernière minute, Blaq Out n’a pas pu faire sous-titrer ce court-métrage, mais a tout de même décidé de l’inclure à cette édition. Très remarqué, ce film a permis à Steve De Jarnatt de se faire immédiatement un nom à Hollywood.

Trois ans plus tard, Steve De Jarnatt coréalise Eat the Sun avec Jim Cox (24’). Un faux documentaire expérimental, qui montre comment les membres d’une secte parviennent à réaliser leur publicité et à attirer de nouveaux adeptes. Plutôt difficile d’accès, ce film avec quelques faux sosies de Donald Pleasence et Régis Laspalès habillés avec du papier d’aluminium, se regarde surtout comme une curiosité. Même chose que pour Tarzana, Blaq Out indique que Steve De Jarnatt ne souhaitait présenter ce film que si l’autre court-métrage était disponible. De ce fait, Eat the Sun n’est pas sous-titré non plus.

Nous passons maintenant à l’entretien de Steve De Jarnatt (11’). Enregistré en juin 2017, le réalisateur revient sur la longue gestation de Miracle Mile, ainsi que les problèmes liés à la mise en route de son second long métrage. Sans langue de bois, Steve De Jarnatt explique en détail comment la Warner Bros. avait voulu faire beaucoup de changements dans son scénario, notamment en ce qui concerne le dénouement. La Warner souhaitait entre autres intégrer cette histoire à La Quatrième dimension, avant que Steven Spielberg ne rejoigne le projet. Mais le cinéaste n’a pas plié et après avoir racheté son propre scénario au studio, Steve De Jarnatt est allé voir ailleurs, pour trouver preneur auprès des producteurs de la Hemdale huit ans après ! Durant cette interview, le cinéaste enchaîne les anecdotes de tournage (tout était storyboardé), revient sur les thèmes du film (inspirés de son enfance passée dans la peur d’une Troisième Guerre mondiale), les partis pris (une image claire et cristalline, le choix de Tangerine Dream pour la B.O.) et ses intentions, tout en se rappelant la sortie de Miracle Mile au cinéma et au passage donner son avis sur la prolifération des films de super-héros à Hollywood.

Place aux deux comédiens principaux de Miracle Mile, Anthony Edwards et Mare Winningham, de partager leurs souvenirs liés au tournage du film de Steve De Jarnatt (12’). Visiblement complices, ils se connaissent d’ailleurs depuis le lycée, les deux acteurs se penchent sur les personnages, sur l’histoire, le travail avec Steve De Jarnatt, le contexte politique dans lequel le film a été réalisé, la sortie au cinéma et surtout la résurrection de Miracle Mile trente ans après. Anthony Edwards admet que le film a mal vieilli, mais qu’il possède un côté désuet magnifique et représente admirablement ce que pouvait être un film américain d’art et d’essai dans les années 1980.

Dommage qu’Anthony Edwards et Mare Winningham ne soient pas présents dans le module suivant qui propose les retrouvailles du casting dans le célèbre Johnie’s Coffee Shop Restaurant, l’un des décors importants de Miracle Mile, fermé depuis 2000, mais conservé en état et vu dans d’autres films (Volcano, The Big Lebowski, 60 secondes chrono). Filmé par le chef opérateur Theo van de Sande, ce segment de 25 minutes offre de savoureux et émouvants moments avec les acteurs et Steve De Jarnatt, qui évoquent leurs souvenirs avec autant de nostalgie que de bonheur puisqu’ils sont fiers que Miracle Mile soit redécouvert près de trente ans après la sortie du film au cinéma, où il avait dû affronter Road House avec Patrick Swayze pendant quinze jours, avant de déclarer forfait devant le mastodonte de Steven Spielberg, Indiana Jones et la dernière Croisade.

Place au compositeur autrichien Paul Haslinger, de se pencher sur sa contribution à la grande réussite de Miracle Mile (17’). Alors qu’il venait de rejoindre le groupe Tangerine Dream en 1986 suite au départ de Johannes Schmoelling, Paul Haslinger et les autres membres du groupe acceptent de composer la B.O. du film de Steve De Jarnatt, qui écoutait en boucle la musique de Sorcerer de William Friedkin pendant qu’il écrivait son scénario. Le musicien se souvient des conditions d’enregistrement de la musique du film, tout en se penchant sur quelques-uns des thèmes principaux de Miracle Mile.

Derrière les « Scènes coupées et alternatives » (11’) se présente un montage constitué de morceaux de séquences abandonnées, ratées, ou filmées sous un angle différent par rapport à celles finalement gardées.

L’interactivité se clôt sur une présentation du storyboard de la séquence au diner (2’), de la bande-annonce originale, d’une fin alternative (1’) où Harry et Julie « devenaient » deux diamants qui s’animaient et tourbillonnaient à l’écran. Ceux qui ont vu le film comprendront. N’oublions pas la sublime piste musicale isolée !

Dommage que Blaq Out n’ait pas pu reprendre le commentaire audio de Steve De Jarnatt et du directeur de la photographie Theo Van de Sande, disponible sur l’édition Kino.

L’Image et le son

Effectivement, c’est un miracle que Miracle Mile apparaisse en France, surtout en Haute-Définition ! C’est donc à Blaq out que nous devons cette sortie aussi ambitieuse que très attendue par beaucoup de cinéphiles. Seulement le résultat en Haute-Définition est très relatif. Le point fort de cette édition demeure les couleurs typiques des années 1980, autrement dit bariolées, renforcées ici par l’omniprésence des néons qui éclairent les rues désertes de Los Angeles à 4h du matin, avec une très belle lumière diffuse. Ajoutez à cela une stabilité rarement prise en défaut, un piqué agréable et des contrastes plutôt concis. En revanche, l’apport de la HD appuie le côté « petit budget » de Miracle Mile. La gestion du grain est aléatoire, les poussières et points blancs apparaissent sporadiquement (la restauration est correcte, pas non plus incroyable), mais se multiplient dans l’acte final, sur les plans à effets spéciaux et les partis pris rouge-orangé, avec également l’apparition de fourmillements. La belle photographie du chef opérateur néerlandais Theo Van de Sande (Blade) s’en tire avec les honneurs et profite de cette promotion. C’est déjà ça de pris.

Le mixage anglais Stéréo est propre et distille parfaitement la bande originale. La piste anglaise est la plus équilibrée du lot avec une homogénéité entre les dialogues et les bruitages souvent impressionnants. Au jeu des différences, la version française s’avère plus couverte, avec certaines ambiances et d’autres effets annexes qui peinent à se faire entendre quand on compare avec la piste anglaise. L’éditeur prévient d’ailleurs de l’état de la version française, par un carton en avant-programme. La piste originale est dynamique et le niveau des dialogues plus plaisant. Les sous-titres français sont imposés en anglais.

Crédits images : © MGM / Blaq Out / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Wakefield, réalisé par Robin Swicord

WAKEFIELD réalisé par Robin Swicord, disponible en DVD le 6 septembre 2017 chez AB Vidéo

Acteurs :  Bryan Cranston, Jennifer Garner, Beverly D’Angelo, Jason O’Mara, Ian Anthony Dale, Pippa Bennett-Warner…

Scénario :  Robin Swicord

Photographie : Andrei Bowden Schwartz

Musique : Aaron Zigman

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Howard Wakefield est un avocat qui a tout pour lui. Une belle situation, une femme dont il est follement amoureux et de beaux enfants. Jusqu’au jour où, dépressif, il décide de tout plaquer pour s’installer secrètement en face de chez lui pour espionner ses proches.

Dans la carrière de Bryan Cranston, il y a évidemment un avant et un après Breaking Bad. Depuis le triomphe de la série, le comédien, qui oeuvrait principalement à la télévision dans tous les shows possibles et imaginables, s’est vu offrir de multiples propositions au cinéma. Comme s’il désirait se rattraper, bien qu’il n’ait jamais arrêté de tourner, Bryan Cranston passe donc d’un univers à l’autre avec le même talent, de La Défense Lincoln de Brad Furman à Drive de Nicolas Winding Refn, en passant par Contagion de Steven Soderbergh, John Carter d’Andrew Stanton, Argo de Ben Affleck, Godzilla de Gareth Edwards, Dalton Trumbo de Jay Roach (nommé pour l’Oscar du meilleur acteur) et même Power Rangers de Dean Israelite ! Wakefield, écrit et réalisé par Robin Swicord, scénariste de Matilda, Les Ensorceleuses, Mémoires d’une geisha et L’Etrange histoire de Benjamin Button, est basé sur une nouvelle de l’écrivain E.L. Doctorow. Film mis en œuvre pour flatter l’académie, Wakefield est typique du cinéma indépendant américain, bien interprété, mais qui croule sous une musique aussi omniprésente que plombante, ainsi que des effets de style académiques.

Bryan Cranston est Howard Wakefield, avocat d’un grand cabinet new-yorkais. Après une journée de travail, sur le chemin du retour, son train tombe subitement en panne. Il est alors contraint de faire le reste du chemin à pied vers sa banlieue résidentielle. Le téléphone sonne. Visiblement, sa femme s’inquiète, mais il ne répond pas cet appel. Arrivé devant chez lui à la nuit tombée, Wakefied aperçoit un raton laveur se faufiler dans la remise au-dessus du garage. Il le suit pour l’obliger à déguerpir et de la fenêtre de ce petit grenier, il aperçoit ses filles qui discutent, sa femme qui s’acharne sur son portable avant de s’en aller, de rage, balancer une assiette, celle qui l’attendait, à la poubelle. Un vieux fauteuil lui tend les bras et Wakefield s’installe pour regarder encore un peu ce fascinant spectacle : observer la vie dans sa propre maison. Et de se réveiller le lendemain au même endroit avec le spectacle qui continue. Les jours passent, Wakefield décide de rester encore et toujours dans ce grenier. C’est avec un malin et malsain plaisir qu’il observe sa femme, aux prises avec les événements.

Sur un postulat très intéressant, la réalisatrice Robin Swicord tourne rapidement en rond et peine à maintenir l’intérêt, au point que le film semble s’arrêter au bout d’une demi-heure. Seul dans son observatoire, Wakefield s’amuse à imaginer les échanges de ses proches suite à sa disparition, mais très vite la voix-off et le monologue prennent le relais, quasiment jusqu’à la fin du film. Le procédé est usant et ce malgré l’investissement évident du comédien principal. Très vite prisonnière de son dispositif, la cinéaste ne parvient jamais à renouveler sa mise en scène et se contente la plupart du temps de positionner sa caméra sur son acteur, qui assure le show en grimaçant, en riant, en pleurant. Après plusieurs ellipses, Bryan Cranston, Wakefield plutôt, se métamorphose en clochard, barbe hirsute ridicule, ongles longs et noirs, cheveux craspecs, chemise cradingue et chaussures trouées. Le récit s’enlise en raison de la pauvreté technique d’ensemble, ainsi que par ses dialogues, une logorrhée sur le mal-être existentiel, jamais crédibles, qui n’instaure jamais de trouble ou d’ambiguïtés sur le personnage, un mec antipathique qui pique sa crise.

De ce fait, Wakefield n’est jamais attachant, surtout que des flashbacks le montrent amer et jaloux avec sa femme, incarnée par la douce Jennifer Garner, et toute cette expérience vécue par le personnage semble finalement n’avoir aucun impact sur lui, si ce n’est lui faire admettre qu’il est en dépression. S’il se rend compte qu’il a été bouffé par le quotidien de sa petite vie pépère, Wakefield voit sa femme et ses deux filles jumelles continuer à vivre après sa disparition, des mois (des années ?) après. Il est alors pris entre l’envie de regagner ses pénates, il imagine d’ailleurs les différentes réactions possibles lors de son retour et le désir de se laisser aller dans son grenier afin de profiter au maximum du pouvoir omniscient que lui procure la vue de son mirador. Tout ça pour ça ? C’est ce qu’on appelle de la philosophie de comptoir, même si au final le film n’est pas si déplaisant, mais juste anecdotique.

LE DVD

Le DVD de Wakefield, disponible chez AB Vidéo, repose dans un boîtier classique de couleur noire. Le menu principal est animé et musical.

Point d’interview ni de making of, juste une bande-annonce en guise de supplément !

L’Image et le son

AB Vidéo nous propose un très beau master (français, comme le montrent les credits) de Wakefield. Respectant les volontés artistiques de la réalisatrice et du directeur de la photographie Andrei Bowden Schwartz, la copie affiche une colorimétrie froide et soignée, des contrastes de belle tenue, un léger grain cinéma palpable et un piqué ferme. L’image est propre, sans fioritures, les gros plans impressionnent par leur précision (voir le visage creusé de Bryan Cranston), le cadre large fourmille de détails et la clarté est de mise. La qualité technique du DVD de ce quasi-huis clos impressionne. Pas d’édition Haute-Définition pour ce titre.

Deux pistes Dolby Digital 5.1 et deux pistes Stéréo, en anglais et en français. Les pistes 5.1 imposent une petite spatialisation discrète mais bel et bien palpable avec diverses ambiances qui percent les enceintes latérales. Certes, le film repose en grande partie sur les dialogues et la voix-off de Bryan Cranston, solidement plantée sur le canal central, mais il serait dommage de se priver de ce petit plus, d’autant plus que les basses accompagnent quelques séquences. Saluons également la tonicité des mixages 2.0 qui contenteront aisément ceux qui ne seraient pas équipés à l’arrière. Les sous-titres sont imposés sur la version originale et le changement de langue est verrouillé à la volée.

Crédits images : © 2016 Wakefield Productions LLC / AB Vidéo / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr