Test Blu-ray / Le Journal intime d’une nymphomane, réalisé par Jesus Franco

LE JOURNAL INTIME D’UNE NYMPHOMANE réalisé par Jesús Franco, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume

Acteurs : Mona Proust, Jacqueline Laurent, Jean-Pierre Bourbon, Gaby Herman, Anne Libert, Howard Vernon, Gene Harris, Yelena Samarina, Doris Thomas, Jesús Franco…

Scénario : Jesús Franco, Élisabeth Ledu de Nesle

Photographie : Gérard Brisseau

Musique : Jean-Bernard Raiteux, Vladimir Cosma

Durée : 1h27

Année de sortie : 1973

LE FILM

Ortiz est soupçonné du meurtre de Linda Vargas, stripteaseuse qu’il a rencontrée lors d’un spectacle. Rendant visite à une amie de la morte, la comtesse Anna de Monterey, Rosa, la femme d’Ortiz, apprend comment Linda est tombée dans une spirale de sexe et de drogue après avoir été agressée sur un manège de foire par Ortiz, alors qu’elle était jeune.

Ancien assistant d’Orson Welles sur Falstaff, Jesús Franco Manera dit Jess Franco (1930-2013) a réalisé près de 200 films, depuis son premier succès L’horrible docteur Orloff (1961). Agrémentant ses films d’horreur d’un érotisme aussi esthétique que sulfureux, il va enchaîner les films à un rythme infernal, adaptant Sade, Masoch, Mirbeau. Sa muse, Soledad Miranda, disparue, il trouve en Lina Romay sa nouvelle et ultime égérie, qu’il magnifiera de films en film. Bien plus qu’un simple artisan boulimique de pellicules, Jess Franco, également connu sous les pseudonymes de Clifford Brown, Adolf M. Frank, J.P. Johnson, David Khune et Jess Frank, restera un véritable auteur, un cinéaste doué et prolifique. Les titres de ses films restent très explicites : Le Sadique Baron Von Klaus (1962), Le Diabolique docteur Z (1966), Sumuru, la cité sans hommes (1969), Les Inassouvies (1970), Les Expériences érotiques de Frankenstein (1973) et bien d’autres.

Le Journal intime d’une nymphomane est l’un des neuf longs métrages réalisés par Jesús Franco en 1972. C’est aussi et surtout l’un des meilleurs films de son auteur. Certes, Le Journal intime d’une nymphomane reste complètement ancré dans son époque, mais le scénario tient la route puisqu’il s’agit d’une chronique centrée sur un trauma, la déchéance, puis la vengeance d’une jeune femme, le tout très efficacement mis en scène et marqué par des séquences érotiques aussi réussies que bandantes.

Mari volage, Ortiz est entraîné par Linda Vargas, une prostituée rencontrée dans un bar où elle officie également comme danseuse et stripteaseuse, qui après une nuit d’ivresse et de plaisirs se suicide pendant le sommeil de son client. Accusé du meurtre, Ortiz est arrêté et emprisonné. L’enquête faite par Rosa Ortiz, son épouse, retrace la vie de Linda Vargas et l’histoire de sa déchéance. Au fil de cette enquête, elle reconstitue son portrait et les raisons de son suicide mises en évidence maintiennent la thèse du désir d’accuser le suspect aux yeux de la justice.

Produit par le légendaire Robert de Nesle via sa société le Comptoir Français du Film Production, prolifique touche-à-tout qui a financé Georges Franju (Judex), José Bénazéraf (Le Cri de la chair), Riccardo Freda (Les Deux orphelines), Yves Boisset (Coplan sauve sa peau), Le Journal intime d’une nymphomane, également connu sous les titres Les Inassouvies 77, Sinner ou Diary of a Nymphomaniac, fait clairement partie du haut du panier. Les deux hommes collaboreront vingt fois (!) entre 1970 et 1977, des Cauchemars naissent la nuit à Blue Rita (Le Cabaret des filles perverses). Le film qui nous intéresse est un savoureux mélange des genres, à la fois exploitation érotique, mais aussi drame psychologique (si si) et thriller. Jesús Franco, sous le nom de Clifford Brown, attaque d’emblée en montrant deux femmes dénudées et noyées dans une lumière rouge, s’adonner à quelques caresses explicites. Puis le contrechamp montre que les deux partenaires sont en fait en pleine représentation sur la scène d’un nightclub où les consommateurs ne ratent rien du spectacle qui leur est offert. Mine de rien, Franco interroge le spectateur sur son propre voyeurisme en lui tendant son propre reflet.

Le premier rebondissement qui conduit le personnage d’Ortiz en prison, entraîne une narration sous forme de flashbacks, puisque la femme de l’accusé décide d’enquêter elle-même sur l’innocence (ou non) de son époux. Pour cela, elle rencontre quelques femmes qui ont de près ou de loin connu la jeune Linda, retrouvée égorgée dans les bras de son mari. La forme du film étonne et surtout se tient. Ce serait mentir de dire que nous ne sommes pas venus voir Le journal intime d’une nymphomane pour ses scènes de sexe, mais Jesús Franco va bien au-delà. Il suit et nous raconte le destin sombre et dramatique de sa jeune héroïne incarnée par la divine Montserrat Prous (aka Mona Proust ici au générique) dont la première expérience sexuelle, un viol quand elle avait 14 ans, va marquer sa jeune existence. Puis, le spectateur la voit se perdre dans les bras d’hommes, mais surtout de femmes, l’occasion d’admirer la beauté et les corps sensuels d’Anne Libert, Kali Hansa et Jacqueline Laurent, tomber dans la drogue et la dépendance sexuelle. Un espoir de rédemption apparaît lors de sa rencontre avec le « Docteur », interprété par Howard Vernon et sa trogne incroyable.

Sur un montage fluide et très efficace de Gérard Kikoïne, le maître ibérique livre un très beau portrait de femme, dont il prend constamment le parti. Il critique également la gent masculine avide de chair fraîche et montre des messieurs infidèles, lâches, incapables de penser autrement qu’avec leur sexe. Le Journal intime d’une nymphomane aurait très bien pu tomber dans le tout-venant, dans les abîmes du cinéma d’exploitation. C’était sans compter sur la rigueur d’un cinéaste, certes inégal, mais habile technicien (le film est d’ailleurs beau à regarder), véritable auteur, passionné par son sujet, qui avait clairement un œil pour mettre en valeur ses ravissantes comédiennes et qui n’oubliait pas de divertir les spectateurs. Le tout prenant souvent la forme d’un bad-trip mis en musique par Jean-Bernars Raiteux et un certain « W »ladimir Cosma, et marqué par des dialogues souvent très crus.

Le Journal intime d’une nymphomane apparaît donc comme un film-somme, une référence, peut-être la plus emblématique du cinéma de Jesús Franco. Et l’on peut sérieusement penser que cette œuvre ait plus tard inspiré le diptyque controversé de Lars von Trier, Nymphomaniac sorti en 2014, tant certaines séquences y font étrangement écho. C’est dire son importance et son immense réussite.

LE BLU-RAY

Le Chat qui fume souhaite la bienvenue à Jesús Franco ! Après Gaumont et Artus Films, l’un de nos éditeurs préférés rend hommage au cinéaste espagnol avec les sorties consécutives du Journal intime d’une nymphomane et Les Possédées du diable, dont le test sera également disponible très bientôt dans nos colonnes. En ce qui concerne ce Journal intime, l’édition prend la forme d’un combo Blu-ray/DVD, deux disques, un Digipack trois volets avec un étui cartonné du plus bel effet et au visuel sensuel. Les menus principaux sont animés sur la musique du film.

Le premier module proposé en guise de bonus est une présentation de l’indéboulonnable Alain Petit (41’). L’historien du cinéma ne manque pas d’infos en ce qui concerne ce film de Jesús Franco qu’il affectionne tout particulièrement. Le producteur Robert de Nesle, sa collaboration avec le réalisateur, les intentions du cinéaste, les thèmes du film et ses partis pris sont abordés. Puis, Alain Petit se penche plus particulièrement sur le casting, en évoquant surtout les actrices du Journal intime d’une nymphomane, en donnant quelques titres alléchants de leurs carrières respectives.

Ensuite, nous avons l’immense plaisir d’écouter les souvenirs du chef monteur Gérard Kikoïne (47’, alors que la jaquette indique 1h). Confortablement installé dans son canapé, l’invité du Chat partage ses souvenirs liés à ses débuts comme monteur-son dans le doublage de films chez son père Léon Kikoïne, puis comme monteur-images et son. Véritable tornade, Gérard Kikoïne passe d’une anecdote à l’autre, en évoquant la rencontre avec le producteur Robert de Nesle, son boulot sur les films de Jesús Franco évidemment, mais également sur ses propres films en tant que réalisateur, notamment sa collaboration avec Oliver Reed. Rétrospectivement, il s’agit probablement d’un des meilleurs suppléments concoctés par Le Chat qui fume. Absolument passionnant, chaleureux, drôle et blindé d’infos.

On termine sur un entretien avec Jacqueline Laurent (25’). Fille de l’acteur Jacques Auger, auquel elle rend hommage au cours de son interview, la comédienne évoque ses débuts à l’Ecole nationale du théâtre de Montréal, puis son arrivée en France où elle suit l’enseignement de Françoise Rosay au milieu des années 1960. Puis, Jacqueline Laurent parle de ses premiers pas à la télévision et au cinéma, puis du tournant de sa carrière avec ses apparitions dans des films érotiques, dont Le Journal intime d’une nymphomane et Les Possédées du diable de Jesús Franco, l’un des meilleurs directeurs d’acteurs qu’elle a pu rencontrer dans sa vie. Devenue professeur d’interprétation puis enseignante de l’art dramatique dans un collège réputé de Montréal pendant quinze ans, l’actrice indique avoir été renvoyée en 2014, après avoir été reconnue par l’un de ses élèves dans Le Journal intime d’une nymphomane.

L’Image et le son

On oublie les raccords de montage peu discrets lors des changements de bobines, d’autant plus que cela rajoute un cachet vintage qui sied bien à l’ensemble. Car la restauration est éloquente, impressionnante et redonne un sacré coup de jeune au Journal intime d’une nymphomane, tout en conservant, heureusement, son grain argentique. Les couleurs à dominante brune retrouvent également une certaine vivacité, même si les visages restent blafards et cireux. Mais les détails sont étonnants, comme des traces de doigts sur les verres des lunettes, ou bien encore la transpiration sur le visage de Jacqueline Laurent. Non, nous ne parlerons pas du rendu des toisons bien fournies des comédiennes bande de coquins ! La propreté est de mise (nous parlons de l’image hein), la copie est stable, et le tout flatte constamment les sens et les mirettes.

La version française est à privilégier, même si la piste reste parfois couverte avec des dialogues chuintants ou grinçants. La musique s’en tire mieux avec une belle délivrance et quelques pics dynamiques sur les scènes chaudes notamment. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et une piste audio dans la même langue. C’est propre, mais un souffle demeure.

Crédits images : © Le Chat qui fume / 2018 Mangue Pistache / Captures Blu-ray et DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Fugitifs, réalisé par Francis Veber

LES FUGITIFS réalisé par Francis Veber, disponible en DVD et Blu-ray le 26 septembre 2018 chez Gaumont

Acteurs : Gérard Depardieu, Pierre Richard, Anaïs Bret, Jean Carmet, Maurice Barrier, Jean Benguigui, Roland Blanche, Philippe Lelièvre, Yveline Ailhaud, Didier Pain…

Scénario : Francis Veber

Photographie : Luciano Tovoli

Musique : Vladimir Cosma

Durée : 1h30

Année de sortie : 1986

LE FILM

Lucas, un dangereux gangster, sort de prison et décide de devenir honnête. Pignon, au chômage depuis trois ans, décide de devenir malhonnête et attaque maladroitement une banque. Cerné par la police, il prend un otage pour se couvrir et choisit justement Lucas, qui était venu ouvrir un compte. La police reconnaît immédiatement l’ancien prisonnier et ne croit pas à son innocence. Lucas, en danger de mort, est obligé de s’enfuir avec son ravisseur.

Je suis pas en cavale, j’ai été pris en otage. Et si mon ravisseur n’est pas là dans 10 secondes, je te tire une balle dans le cul !

Avec Les Fugitifs, Francis Veber, scénariste de renom passé à la mise en scène avec Le Jouet en 1976 sur les conseils de Claude Berri, clôt en beauté sa trilogie reposant sur l’alchimie de l’immense duo Pierre Richard (François Pignon est de retour) – Gérard Depardieu, après La Chèvre (1981) et Les Compères (1983). Moins burlesque que les deux précédents films du réalisateur, Les Fugitifs se révèle beaucoup plus sensible et offre à Pierre Richard, pour sa quatrième et dernière collaboration avec le cinéaste, un de ses plus beaux rôles au cinéma, celui d’un père veuf, prêt à tout pour conserver la garde de sa fille. Le grand blond n’a jamais paru aussi fragile et cassé que dans ce film, un magnifique clown triste qui émeut autant qu’il arrache les larmes de rire. On appelle ça le génie.

Ton pantalon ! Allez vite ton pantalon connard où j’fais un trou d’dans !

Jean Lucas, ancien repris de justice pour de nombreux braquages de banques, est libéré après cinq ans de prison. Lucas est bien décidé à « se ranger » et à mener une vie honnête, ce qui ne manque pas de laisser dubitatif le commissaire Duroc. À sa sortie de prison, il vend les bijoux qui lui ont été restitués lors de sa levée d’écrou, puis se rend dans une banque pour y déposer le chèque qu’il a reçu du bijoutier. Alors qu’il fait la queue pour ouvrir un compte, un individu armé surgit pour effectuer un hold-up. Cet individu, François Pignon, peu expérimenté de l’exercice, mène très maladroitement son forfait et la banque est rapidement cernée par le commissaire Duroc et ses hommes. Contraint de sortir, Pignon prend Lucas comme otage. Le commissaire Duroc est convaincu que Lucas est en fait le braqueur. La situation surréaliste manque de tourner au drame et les deux hommes parviennent in extremis à s’échapper. Le comble est atteint pour Lucas qui reçoit une balle de revolver dans la cuisse, tirée par Pignon ! Acceptant d’être soigné par un vétérinaire ami de Pignon, Lucas découvre la petite fille de François, Jeanne. Cette dernière, très affectée par la mort de sa mère il y a plusieurs années, refuse de parler. Étant au chômage et sans revenus, Pignon était menacé par l’assistance publique de perdre la garde de Jeanne, chose inacceptable et insupportable pour lui. C’est devant cette situation sociale très difficile que Pignon s’est résigné à braquer la banque. Se sentant désormais menacé par la police et la perspective de la prison, Lucas accepte le marché de François qui, en échange de son aide pour quitter le territoire, promet de ne pas compromettre Lucas dans le braquage, son passé et sa réputation auprès du commissaire Duroc jouant en sa défaveur.

Vous me reconnaissez ?
Connard ?
C’est moi, oui ça va mieux ?

Francis Veber continue d’exploiter la relation de deux hommes que tout oppose et qui deviennent pourtant amis. Nous retrouvons les éléments qui font la griffe inimitable du cinéaste : des dialogues finement ciselés, une mécanique d’orfèvre, des seconds rôles soignés en particulier Jean Carmet, nommé pour le César du meilleur second rôle masculin, qui bouffe l’écran en vétérinaire complètement largué, auquel s’ajoutent un caméo non crédité de Michel Blanc et surtout des scènes tendres et sans aucune niaiserie avec l’étonnante petite Anaïs Bret, devant laquelle le monstre Depardieu se fait minuscule. A l’instar d’un remake de La Grande Vadrouille, Les Fugitifs emporte ses personnages et les spectateurs dans une course-poursuite d’1h30 sans aucun temps mort. Plus de trente ans après sa sortie, on est toujours aussi ému de voir ces deux grands comédiens face à cette poupée de 4 ans, surtout quand cette dernière demande au colosse en face d’elle « T’en va pas ! ».

Extraire une balle ? Il a avalé la baballe ? Il a avalé la baballe en jouant !

De son côté, Vladimir Cosma signe une de ses plus belles partitions, surtout durant le final où le trio s’éloigne vers l’Italie, probablement la plus belle séquence de tout le cinéma de Francis Veber. Parallèlement, c’est aussi la fin d’une ère. Après ce film, Pierre Richard ne retrouvera jamais les sommets du box-office, du moins en tant que tête d’affiche et ne tournera plus pour Francis Veber, tandis que ce dernier ne retrouvera Gérard Depardieu que quinze ans plus tard pour Le Placard. Même si le score est inférieur à celui de La Chèvre (7 millions d’entrées) et des Compères (4,8 millions), Les Fugitifs est tout de même un triomphe en 1986. Le film attire près de 4,5 millions de spectateurs en France, plus de 20 millions en Union Soviétique et connaîtra même un remake en 1989 intitulé Les Trois fugitifs, avec Nick Nolte et Martin Schort, réalisé par Francis Veber lui-même, alors parti à Hollywood. Le réalisateur sera également nommé aux César en 1987 pour le meilleur scénario original.

LE BLU-RAY

Un peu plus de quatre ans après sa première édition HD chez EuropaCorp et surtout après le rachat du catalogue des films de Pierre Richard, Les Fugitifs refait son apparition dans les bacs sous la houlette de Gaumont ! Nouvelle édition HD restaurée, visuel différent. Le menu principal est fixe et muet.

L’ancienne édition ne comportait aucun supplément. Faute réparée ici avec un documentaire rétrospectif (28’) donnant en fait la parole à Francis Veber, Pierre Richard et, grand surprise, Anaïs Bret qui interprétait la petite Jeanne dans le film ! Tandis que nous découvrons de superbes images et photos de tournage et des répétitions, le réalisateur explique la difficulté d’écriture du scénario des Fugitifs. De son côté Pierre Richard partage ses souvenirs liés à son complice Gérard Depardieu et à la méthode Veber. Anaïs Bret, très charmante et qui est devenue professeur, se remémore les prises de vues avec ses partenaires, comment toute l’équipe s’occupait d’elle entre les prises.

L’interactivité se clôt sur un comparatif avant/après la restauration, ainsi que la bande-annonce composée de prises alternatives.

L’Image et le son

L’ancien master HD permettait aux couleurs de retrouver un peu de peps, une clarté évidente, une stabilité ainsi qu’un nouveau relief. La propreté de la copie était indéniable, la texture argentique flatteuse et la définition fort appréciable. Quelques fourmillements s’invitaient tout de même à la partie, le piqué était souvent doux et manquait de mordant, surtout sur les séquences sombres et nocturnes, tout comme dans le cabinet du vétérinaire aux lumières vertes et jaunes peu reluisantes. La gestion du grain était également aléatoire et les visages des comédiens tiraient sur le rosé. Nous accueillons donc ce nouveau master HD restauré avec une très grande joie. Les teintes sont nettement plus naturelles que sur le Blu-ray EuropaCorp, la carnation est également plus douce et équilibrée. Ce nouveau Blu-ray permet surtout d’apprécier les éclairages plus stylisés que dans nos souvenirs, du chef opérateur Luciano Tovoli. Même chose concernant les contrastes, plus équilibrés, autant sur les séquences diurnes que nocturne. Le grain est harmonieux, les détails plus éloquents.

La piste française DTS-HD Master Audio Mono 2.0 des Fugitifs est plutôt percutante. Aucun souffle n’est à déplorer, ni aucune saturation dans les aigus. Les dialogues sont vifs, toujours bien détachés, la musique de Vladimir Cosma est délivrée avec une belle ampleur. L’ensemble est aéré, propre, fluide et dynamique. Les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © Gaumont Pathé Archives / Collection Personnelle d’Anaïs Bret / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Bagdad Café, réalisé par Percy Adlon

BAGDAD CAFÉ (Out of Rosenheim) réalisé par Percy Adlon, disponible en Blu-ray – Edition « 30ème anniversaire – Version restaurée » le 17 juillet 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Marianne Sägebrecht, CCH Pounder, Jack Palance, Christine Kaufmann, Monica Calhoun, Darron Flagg…

Scénario : Eleonore Adlon, Percy Adlon, Christopher Doherty

Photographie : Bernd Heinl

Musique : Bob Telson

Durée : 1h49

Année de sortie : 1987

LE FILM

Suite à une dispute avec son mari, Jasmin, une femme d’origine bavaroise, atterri dans un petit hôtel miteux situé entre Las Vegas et DisneyLand : le Bagdad Café. L’endroit, dirigée par Brenda, une jeune femme bruyante et revêche, est un repère de routiers et de personnages fantasques. C’est dans ces conditions que va naître une amitié hors du commun entre Jasmin et Brenda, deux personnalités pourtant diamétralement opposées…

C’est l’histoire d’un petit film débarqué de nulle part, distribué sans trop y croire, rapidement devenu un véritable phénomène mondial. Bagdad Café titre international d’Out of Ronseheim, aura entre autres attiré près de 2,5 millions de spectateurs en France à sa sortie en avril 1988, devenant le huitième plus grand succès de l’année, entre Crocodile Dundee II et Liaison fatale. Comme une réaction chimique, les ingrédients ont formé un précipité d’émotions, d’humour et de tendresse qui a conquis le monde entier. Aujourd’hui encore, Bagdad Café reste un véritable miracle cinématographique, une œuvre unique, intemporelle, universelle, quasiment inclassable, tandis que résonne encore et toujours la sublime chanson Calling You avec la voix aérienne de Jevetta Steele, qui a également largement contribué au triomphe ainsi qu’à la postérité du film de Percy Adlon.

Jasmine Münchgstettner, une touriste allemande de la ville de Munich, quitte son mari et échoue en plein désert avec, pour tout bagage, la valise de son époux contenant la garde-robe très bavaroise de celui-ci et un jeu de magie. Elle atterrit au Bagdad Café, un motel poussiéreux, situé non loin de Las Vegas et longeant la célèbre Route 66. Le Bagdad Café est géré par Brenda, une femme épuisée et excédée, qui élève ses enfants, dont un fan de Bach, une ado fantasque et un petit-fils, sans pouvoir compter sur son fainéant de mari qui l’a quittée. Le café est le refuge de gentils marginaux : un serveur amérindien lymphatique, un ancien peintre décorateur d’Hollywood, une tatoueuse misanthrope ainsi qu’un campeur lanceur de boomerang. Jasmine bouleverse la vie de cette petite communauté et ramène la clientèle de routiers qui désertaient ce trou sinistre, grâce à un grand coup de ménage tout germanique et à ses talents de prestidigitatrice. Chacun, y compris Jasmine, voit sa vie transformée, notamment Brenda, qui trouve une amie et sourit à nouveau.

Bagdad Café est comme qui dirait le chaînon manquant entre le cinéma de Rainer Werner Fassbinder et celui David Lynch. Percy Adlon dresse le portrait des laissés pour comptes et des oubliés du célèbre « Rêve Américain ». En adoptant le point de vue d’une étrangère, magnifiquement campée par la comédienne bavaroise et très fellinienne Marianne Sägebrecht (Zuckerbaby, La Guerre des Rose), le réalisateur signe un film hors du temps, comme suspendu, et nimbe ce repère de paumés d’une couleur dorée hypnotique, comme si le soleil venait constamment caresser les personnages qui squattent le motel pourtant cradingue de Brenda, interprétée par l’incroyable CCH Pounder. Comme une peinture de Salvador Dalí, inspiration du chef opérateur Bernd Heinl pour ce qui est de l’utilisation des filtres jaunes, mais aussi d’Edward Hopper en ce qui concerne les décors, on pense d’ailleurs à son œuvre Gas, Bagdad Café révèle les sentiments enfouis de ses personnages solitaires. Chacun se dévoile progressivement, la confiance s’installe, la peur de l’autre fait place à l’amitié la plus intense et la plus intime.

Jasmine et Brenda, mais aussi Rudy le baba-cool (sublime Jack Palance), Debbie la tatoueuse excentrique et les autres portent leurs « bagages » avec eux, une histoire personnelle qui les a conduit dans cet endroit reculé du monde, au milieu de nulle part. Il ne leur manquait qu’un soupçon de magie pour que l’étincelle de la vie renaisse chez chacun, qu’ils voient la beauté de ceux qui les entourent. Avec sa sensibilité européenne et à l’instar de son compatriote Wim Wenders, Percy Adlon parvient à rendre hommage au visage caché de l’Amérique, l’une de ses richesses, le melting-pot. Au-delà de l’apparente rudesse, se cache en fait une infinie douceur, une plénitude, la joie d’être ensemble, de profiter de l’instant présent, de donner et de partager du plaisir et de l’amour même avec ceux qui ne sont que de passage sur cette Route 66. Ou quand les âmes égarées finissent par se reconnaître entre elles.

Bagdad Café est un film d’illusionniste qui procure un immense bien-être et auquel on revient sans cesse. En un mot, un chef d’oeuvre, justement récompensé par le César du meilleur film étranger en 1989.

LE BLU-RAY

Bagdad Café avait déjà bénéficié d’une sortie en Haute-Définition dite « Version longue – Director’s Cut » en 2009. En 2018, l’édition 30ème anniversaire – Version restaurée arrive dans les bacs ! Le disque repose dans un boîtier slim Digipack, reprenant un visuel colorié de la célèbre affiche du film. Le menu principal est fixe et musical. Il s’agit bien entendu du même montage que celui proposé en 2009 et qui contient donc forcément des passages non doublés en français, qui passent directement en version originale sous-titrée.

Cette édition comprend un commentaire audio de Percy Adlon et Marianne Sägebrecht. Les deux collaborateurs et surtout amis s’expriment en allemand (sous-titré en français) et reviennent sur tous les aspects de Bagdad Café, évidemment le film qui aura marqué le plus leur carrière. Bourré d’anecdotes, ce commentaire audio se suit avec un très grand plaisir, même si les deux intervenants peuvent parfois tomber dans l’autosatisfaction. Mais on ne leur en veut pas.

S’ensuit un reportage fort sympathique (24’) où le réalisateur, accompagné de son épouse (et coscénariste) et de leurs petites-filles, reviennent sur les lieux de tournage, quelques semaines avant la présentation du film au Festival de Cannes en séance Cannes Classics. Quelques vestiges demeurent, tandis que Percy Adlon partage quelques souvenirs liés aux prises de vues.

Plus anecdotique, un montage d’une vingtaine de minutes compile quelques images et photos du film, tandis que la voix de Percy Adlon résume l’intégralité de l’intrigue de Bagdad Café.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Bagdad Café refait surface à travers un tout nouveau master 4K ! Et le moins que l’on puisse dire, c’est que cette nouvelle copie comblera les très nombreux amateurs du film de Percy Adlon. La luminosité est éloquente, ainsi que la nouvelle tenue des contrastes, le grain argentique est sublime, tandis que l’usage des filtres colorés n’a jamais été aussi étincelant. Les gros plans regorgent de détails à l’instar de l’éclat des yeux de Marianne Sägebrecht et l’on parvient même à discerner les quelques trucs des tours de magie à la fin du film. Ce Blu-ray 30ème anniversaire est élégant, sans cesse flatteur pour les mirettes, un travail de haute qualité.

Bagdad Café est disponible en version originale et française DTS-HD Master Audio Stéréo. Même si la première est évidemment à privilégier, les deux pistes instaurent un confort acoustique plaisant avec une délivrance affûtée des dialogues, des effets annexes convaincants et surtout une belle restitution de la musique culte. Les deux options acoustiques sont propres et sans souffle. L’éditeur joint également une piste allemande. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © PELEMELE 1987 / Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Madame Hyde, réalisé par Serge Bozon

MADAME HYDE réalisé par Serge Bozon, disponible en DVD le 31 juillet 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Isabelle Huppert, Romain Duris, José Garcia, Adda Senani, Guillaume Verdier, Patricia Barzyk, Pierre Léon, Roxane Arnal…

Scénario : Serge Bozon, Axelle Ropert d’après le roman de Robert Louis Stevenson « L’Etrange cas du Dr Jekyll et de Mr Hyde » (« The Strange Case of Dr. Jekyll and Mister Hyde« )

Photographie : Céline Bozon

Musique : Benjamin Esdraffo

Durée : 1h31

Année de sortie : 2018

LE FILM

Mme Géquil, timide et maladroite professeure de physique dans un lycée professionnel de banlieue, est méprisée par ses élèves et ses collègues. Un jour, elle est foudroyée et sent en elle une énergie nouvelle, mystérieuse et dangereuse…

Comme dirait le héros du nanar Jaguar Force, « Mais pourquoi ? Pourquoooooooi ??!! ». C’est ce qu’on se dit durant les interminables 90 minutes de Madame Hyde, le nouveau supplice concocté par Serge Bozon (L’Amitié, Mods, La France), de retour derrière la caméra (ah bon?) cinq ans après l’abominable Tip Top. Pour son nouvel opus, il signe à nouveau le scénario avec Axelle Ropert, ce qui d’emblée n’est franchement pas rassurant. Madame Hyde se présente donc comme une libre adaptation contemporaine de l’oeuvre de Robert Louis Stevenson, L’Etrange cas du docteur Jekyll et de M. Hyde (1886). Pure arnaque, ce « film », puisqu’il faut bien le qualifier ainsi s’inscrit directement dans le top des plus mauvais de l’année et l’on se demande encore comment la grande Isabelle Huppert a pu se fourvoyer là-dedans pour la deuxième fois consécutive.

Madame Hyde est représentatif d’un cinéma élitiste, qui pense faire de l’art en se filmant le nombril et en usant de blagues pas drôles qui font se gausser les producteurs en manque de notoriété. Réalisateur, critique de cinéma aux Cahiers et comédien, Serge Bozon pense faire de l’humour, mais ne comprend rien au slapstick, ni même à la mise en scène, encore moins à la direction d’acteurs. Le pauvre José Garcia en fait les frais dans le rôle ingrat de monsieur Géquil, homme au foyer, qui se contente de faire la popote et de prendre soin de sa femme. Rien, absolument rien ne fonctionne dans Madame Hyde. A part peut-être la prestation de Romain Duris, qui a visiblement l’air de se demander ce qu’il fout là-dedans, mais qui du coup s’amuse à composer un personnage infect, un proviseur arrogant tiré à quatre épingles, très précieux avec la mèche Auteuil-Neuilly-Passy. Il est de loin la seule raison valable de se taper le film jusqu’au bout. Sans lui, visionner Madame Hyde serait vraiment une épreuve insoutenable.

La photo est laide, le rythme jamais maîtrisé, les comédiens neurasthéniques, l’ensemble sans intérêt. Le pire, c’est que le film se donne des airs pour finalement ne rien raconter. La mise en scène est impersonnelle, sans âme. On suit donc difficilement (euphémisme) les aventures de cette prof fatiguée, qui ne parvient pas à se faire respecter malgré les années d’enseignement. Suite à une expérience scientifique qui tourne mal, elle se retrouve dotée de pouvoirs et se transforme quand vient la Lune Rousse. Elle devient alors incandescente et s’en va faire respecter la loi dans la cité où s’affrontent quelques jeunes chanteurs de rap. Sinon, Serge Bozon semble se foutre de tout, de son scénario, de ses acteurs. Tout part en sucette dès les premières minutes et finalement Madame Hyde s’apparente à un épisode de l’émission E=M6 qui aurait été déprogrammé car jugé trop ennuyeux pour les spectateurs. Quand le personnage d’Isabelle Huppert entreprend d’expliquer un problème de mathématiques à l’un de ses élèves en difficulté, le réalisateur croit bon de nous faire un cours particulier en plan fixe, qui dure, et qui dure encore, et qui nous renvoie aux cours de madame Baillet au Collège Alfred de Musset de Patay. Franchement, pourquoi ?

Le hic, c’est que des trucs du même genre et aussi bavards fleurissent encore et toujours dans les salles, qu’ils squattent les cinémas et surtout des salles vides puisque même les cinéphiles les plus avertis n’hésitent plus à fuir devant l’ignominie de ce qu’on leur propose. Cinéma d’auteur d’accord, liberté de ton OK, humour loufoque soit, mais il faudrait peut-être arrêter de prendre les spectateurs pour des cons et de penser que l’on peut tenir un discours vieux de plus de vingt ans (ici sur l’éducation, la banlieue, la transmission, le racisme) sous couvert de fausse originalité. Autant revoir Le Plus beau métier du monde de Gérard Lauzier avec un immense Gérard Depardieu ou bien encore De bruit et de fureur de Jean-Claude Brisseau.

LE DVD

Le test du DVD de Madame Hyde, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément sur cette édition.

L’Image et le son

Ce master (1.66) offre des conditions de visionnage banales et sans esbroufe. La colorimétrie est plutôt bien agencée, aux teintes pastel, mais la définition demeure passable, même sur les quelques plans rapprochés avec des visages très blafards. La clarté est de mise, les contrastes corrects, cependant le piqué manque de précision et certaines séquences apparaissent plus ternes que d’autres.

Madame Hyde n’est pas à proprement parler d’un film à effets, mais la piste Dolby Digital 5.1 parvient à distiller ici et là quelques ambiances. La plupart des séquences reposent sur les dialogues et le mixage se concentre souvent sur les enceintes avant. La spatialisation est essentiellement musicale, les effets latéraux sont rares. Même chose pour la piste Stéréo, amplement suffisante pour un film de cet acabit. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également au programme, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Haut et Court / TF1 Studios / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Vendetta, réalisé par Gregory Ratoff

VENDETTA (The Corsican Brothers) réalisé par Gregory Ratoff, disponible en combo Blu-ray+DVD le 21 août 2018 chez Rimini Editions

Acteurs : Douglas Fairbanks Jr., Ruth Warrick, Akim Tamiroff, J. Carrol Naish, H.B. Warner, John Emery…

Scénario : George Bruce, Howard Estabrook d’après le roman Les Frères corses d’Alexandre Dumas

Photographie : Harry Stradling Sr.

Musique : Dimitri Tiomkin

Durée : 1h51

Année de sortie : 1941

LE FILM

Au XIXè siècle, en Corse. Alors que sa femme est sur le point d’accoucher, le comte Franchi est assassiné par le baron Colonna, qui fait exécuter toute sa famille et détruire son château. Seuls survivants : les bébés siamois qui viennent de naître, et qui sont aussitôt séparés par un chirurgien hors pair, ami du comte. L’un d’eux, Mario, est envoyé à Paris pour être élevé par une riche famille. Le second, Lucien, reste en Corse et devient un bandit. Les années passent, les deux frères grandissent en ignorant l’existence l’un de l’autre.

Réalisé en 1941, Vendetta – The Corsican Brothers est l’adaptation du roman Les Frères corses d’Alexandre Dumas publié en 1844. Suite au succès de L’Homme au masque de fer (1939) de James Whale et du Fils de Monte-Cristo (1940) de Rowland V. Lee, le producteur Edward Small a de la suite dans les idées et jette à nouveau son dévolu sur l’un des écrits d’Alexandre Dumas père. Alors qu’il refusait jusqu’alors les films de cape et d’épée afin de ne pas être comparé à son illustre père, Douglas Fairbanks Jr. (1909-2000) accepte le rôle principal de Vendetta, ou plutôt le double-rôle principal puisque le comédien vu dans La Patrouille de l’aube d’Howard Hawks et Le Petit César de Mervyn LeRoy incarne à l’écran deux frères jumeaux. Le film conserve un charme fou, désuet certes, mais où la magie opère grâce à l’interprétation endiablée d’un Douglas Fairbanks Jr. bourré de charisme, bondissant et magnifique dans les scènes de duel. Escrimeur émérite, l’acteur fait autant preuve de dextérité et de talent en maniant le sabre qu’en donnant une personnalité spécifique à chacun de ses personnages.

S’il demeure assez méconnu dans nos contrées, ce court roman d’Alexandre Dumas père est pourtant très prisé dans les pays anglo-saxons. Décliné au théâtre, il reste également le premier livre de l’écrivain transposé au cinéma dès 1898 et compte à ce jour près d’une quinzaine d’adaptations. Tout Dumas y est. Le scénariste George Bruce parvient à restituer les rebondissements, les enjeux et l’atmosphère du roman original, tout en respectant cette ambiance quasi-fantastique et surnaturelle qu’affectionnait particulièrement Dumas. Vendetta est d’ailleurs un film étonnant, puisqu’il demeure l’un des premiers à montrer des frères siamois à l’écran. En effet, à leur naissance les frères Franchi naissent liés par l’abdomen. Leur père décide de tenter une opération destinée à les séparer. C’est un succès. Seulement les frères restent connectés « par l’âme » et quand l’un est blessé ou ressent une vive émotion, l’autre la ressent de son côté. Séparés et élevés en ignorant l’existence de l’autre suite à l’assassinat de leur père, Lucien et Mario grandissent différemment. Le premier en devenant un bandit en Corse, le second en menant une vie de mondain à Paris. Mais ce lien télépathique unique est encore là, chacun ayant des visions de l’autre. Jusqu’au jour où le destin les réunit enfin et où ils décident de venger la mort de leur père.

Douglas Fairbanks Jr. est fabuleux dans ce double-rôle, qui a depuis inspiré moult films du genre, y compris Double Impact (1991) de Sheldon Lettich avec Jean-Claude Van Damme et Double Dragon (1992) de Tsui Hark et Ringo Lam avec Jackie Chan ! Dédoublé grâce aux effets spéciaux – comme Robert Donat en 1935 dans le succulent Fantôme à vendre de René Clair – plutôt dingues pour l’époque et qui sont encore aujourd’hui très réussis, Douglas Fairbanks Jr. crève l’écran en aventurier romantique et sensible, mais aussi fougueux et déterminé. Vendetta sera son baroud d’honneur avant de partir à la guerre. Il ne reviendra au cinéma qu’en 1947 avec Sinbad le marin de Richard Wallace. Les séquences d’affrontements s’enchaînent sur un rythme trépident, la mise en scène de Gregory Ratoff est sans cesse inventive, à l’instar du duel final et de la poursuite à cheval. Le spectacle est encore garanti !

LE BLU-RAY

Un peu plus d’un an après son édition en DVD, Vendetta est de retour chez Rimini Editions en Blu-ray avec des suppléments inédits. Ce combo Blu-ray+DVD est disponible dans un boîtier Amaray classique de couleur noire, glissé dans un surétui cartonné. La jaquette est estampillée Collection Alexandre Dumas. Le menu principal est quant à lui animé et musical.

Le premier bonus de cette édition (17’30) croise les interventions d’Odile Bordaz (docteur en Histoire de l’art), Christophe Champclaux (historien du cinéma) et Michel Olivier (maître d’armes). L’historien du cinéma se taille la part du lion en replaçant Vendetta dans la filmographie de Douglas Fairbanks Jr., tout en revenant longuement sur le roman d’Alexandre Dumas, ses thèmes et ses diverses déclinaisons au théâtre et au cinéma. La participation de Michel Olivier est un peu plus anecdotique. Odile Bordaz aborde de son côté la part fantastique de quelques œuvres de l’écrivain. Si les propos sont souvent pertinents, le montage laisse à désirer.

Le second module (6’) donne à nouveau la parole à Michel Olivier. Dans son costume d’époque, le maître d’armes présente Les Lames sur Seine, association d’Escrime Artistique et de Spectacle de Neuilly-sur-Seine, agréée Jeunesses et Sports, également une école de formation et un Centre de création de spectacles d’Escrime Artistique. L’Escrime Artistique fait revivre la pratique de l’escrime à travers toutes les époques, de l’Antiquité au début du XXème siècle, en passant par le Grand Siècle et le Siècle des Lumières. L’occasion de découvrir quelques extraits de représentations au Château de Breteuil.

L’interactivité se clôt sur une présentation des quatre visuels des éditions de la collection Alexandre Dumas disponible chez Rimini.

L’Image et le son

Il serait difficile de faire mieux. Ce nouveau master Haute-Définition (1.33) permet de découvrir ou de revoir Vendetta dans de formidables conditions techniques. La propreté est éloquente, les contrastes maîtrisés, le N&B élégant et lumineux, le piqué impressionnant et le relief indéniable. Le grain est certes parfois trop lissé, les plans où apparaissent deux Douglas Fairbanks Jr. sont sensiblement plus altérés et les fondus enchaînés entraînent divers décrochages, mais le confort de visionnage est appréciable. Une restauration et un lifting de premier ordre pour le film de Gregory Ratoff.

Privilégiez évidemment la version originale, restaurée, fluide, sans souffle et dynamique. En revanche, la piste française (absente de l’ancienne édition DVD) grésille et les dialogues sont souvent couverts.

Crédits images : © Impex Films / Rimini Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Le Jour de mon retour, réalisé par James Marsh

LE JOUR DE MON RETOUR (The Mercy) réalisé par James Marsh, disponible en DVD le10 juillet 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis, Ken Stott, Jonathan Bailey, Adrian Schiller, Oliver Maltman, Kit Connor…

Scénario : Scott Z. Burns

Photographie : Eric Gautier

Musique : Jóhann Jóhannsson

Durée : 1h38

Année de sortie : 2018

LE FILM

1968. Donald Crowhurst, un homme d’affaires anglais, passionné par la voile, est au bord de la faillite. Pour sauver son entreprise et vivre l’aventure dont il rêve depuis toujours, il décide de participer à la première course à la voile en solitaire pour remporter le grand prix. Soutenu par sa femme et ses enfants, il se lance alors dans cette incroyable odyssée à travers les mers du monde. Mais mal préparé et face à lui-même, Crowhurst rencontre très vite de graves difficultés…

Il y a des films qui tiennent essentiellement sur leurs têtes d’affiche. La plupart peut-être. Le Jour de mon retour – The Mercy fait partie du lot. Bien que cette histoire vraie ne manque pas d’intérêt, le traitement académique finit par lasser et si le spectateur parvient à aller jusqu’au bout, c’est uniquement en raison du talent et du charisme de ses interprètes. Et dans Le Jour de mon retour nous sommes gâtés puisque le film de James Marsh réunit deux des plus grands comédiens britanniques, Colin Firth et Rachel Weisz. Le réalisateur qui compte à son actif de très grandes réussites comme le documentaire Le Funambule (2008) sur le célèbre Philippe Petit et sa traversée sur un fil tendu entre les deux tours du World Trade Center, l’exceptionnel Shadow Dancer (2012) avec Clive Owen, ou bien encore Une merveilleuse histoire du temps avec Eddie Redmayne oscarisé pour son incarnation de Stephen Hawking, peine à capter l’attention et signe une œuvre souvent redondante, même si le récit reste bouleversant.

Le Jour de mon retour se penche sur le destin de Donald Crowhurst, qui a déjà inspiré d’autres films et documentaire (Deep Water, de Louise Osmond et Jerry Rothwell, sorti en 2006) dès 1982 avec Les Quarantièmes rugissants de Christian de Chalonge avec Jacques Perrin dans le rôle principal. Déjà producteur à l’époque et en dépit de l’échec du film, ce dernier est à nouveau producteur sur Le Jour de mon retour. Ecrit par Scott Z. Burns (La Vengeance dans la peau, The Informant !, Effets secondaires), le film de James Marsh propose une réelle transposition au cinéma des derniers jours de Donald Crowhurst (1932-1969), homme d’affaires anglais, inventeur d’un radiocompas, passionné de voile en navigateur amateur, porté disparu durant la course autour du monde Sunday Times Golden Globe Race. En 1968, bien que n’ayant jamais pris la mer, il décide de laisser femme et enfants pour participer à cette épreuve en solitaire et sans escale afin de gagner le prix offert par le journal organisateur, 5000 livres sterling, pour sauver son entreprise en difficulté. Quelques semaines après son départ, Donald Crowhurst, enchaîne les incidents techniques. Il abandonne secrètement la course tout en falsifiant son livre de bord et en transmettant par radio de fausses positions pour faire croire qu’il effectue réellement le tour du monde prévu. Ne pouvant s’imaginer rentrant au pays en ayant perdu son pari, ce qui le conduirait à la ruine, il sombre petit à petit dans la démence.

Le problème du Jour de mon retour est la mise en scène académique de James Marsh, que l’on a connu nettement plus inspiré. Si l’on comprend très vite ce qui a pu l’attirer dans ce projet, à savoir la détermination d’un homme qui entreprend de réaliser le rêve de sa vie envers et contre tous, tout en étant prêt à mettre sa vie en jeu, le récit fait malheureusement du surplace. Le cinéaste se retrouve piégé dès que son personnage principal se retrouve seul en mer à bord de son trimaran en bois de 12m, le Teignmouth Electron. Si l’utilisation des flashbacks tente de faire diversion, l’émotion a du mal à prendre. Colin Firth assure évidemment du début à la fin avec l’élégance qui le caractérise. Rachel Weisz, toujours aussi resplendissante, n’a pas grand-chose à défendre, mais le fait bien et avec une immense sensibilité.

Evidemment, cette histoire vraie, bien documentée et reconstituée ne laisse pas indifférent. C’est seulement que ce drame est bien trop sage et scolaire pour réellement convaincre et emporter pleinement l’adhésion.

LE DVD

Le Jour de mon retour n’est disponible qu’en DVD chez Studiocanal. Le test a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

L’éditeur n’avait visiblement pas beaucoup d’éléments à disposition puisque seul un making of de 4 minutes (en fait divisé en deux featurettes) est proposé comme bonus. L’occasion pour l’équipe de revenir brièvement sur l’histoire et les personnages.

L’Image et le son

Ce master restitue habilement l’omniprésence des gammes bleues avec l’horizon, les costumes, les éléments du décor. Les contrastes sont légers mais très beaux, le cadre large est superbe. Si quelques baisses de la définition demeurent constatables, le piqué reste très appréciable sur les scènes diurnes, les détails sont agréables, la clarté est de mise. Un transfert très élégant.

Deux pistes Dolby Digital 5.1 qui parviennent à embarquer le spectateur à bord du trimaran. Les ambiances naturelles ne manquent pas, surtout lors des tempêtes rencontrées par Donald Crowhurst où le caisson de basses s’anime également. Les voix sont solidement plantées sur la centrale, surtout en version originale, et la spatialisation musicale est systématique. Les sous-titres français sont imposés en anglais. Une piste Audiodescription est également proposée, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Escobar, réalisé par Fernando León de Aranoa

ESCOBAR (Loving Pablo) réalisé par Fernando León de Aranoa, disponible en DVD et Blu-ray le 22 août 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Javier Bardem, Penélope Cruz, Peter Sarsgaard, Julieth Restrepo, Óscar Jaenada, Santiago Soto, Quique Mendosa, Ariel Sierra…

Scénario : Fernando León de Aranoa d’après une histoire originale et le livre de Virginia Vallejo, « Pablo, je t’aime, Escobar, je te hais » (« Amando a Pablo, odiando a Escobar »)

Photographie : Alex Catalán

Musique : Federico Jusid

Durée : 2h03

Année de sortie : 2017

LE FILM

Impitoyable et cruel chef du cartel de Medellin, Pablo Escobar est le criminel le plus riche de l’histoire avec une fortune de plus de 30 milliards de dollars. « L’empereur de la cocaïne » met la Colombie à feu à sang dans les années 80 en introduisant un niveau de violence sans précédent dans le commerce de la drogue. Fascinée par son charisme et son pouvoir, la très célèbre journaliste Virginia Vallejo, va s’apercevoir qu’on ne s’approche pas de l’homme le plus dangereux du monde impunément…

Décidément, le célèbre trafiquant colombien de cocaïne Pablo Escobar (1949-1993) n’a de cesse d’inspirer le cinéma et la télévision. Après Cliff Curtis dans Blow de Ted Demme (2001), Benicio del Toro dans Paradise Lost d’Andrea Di Stefano (2014), sans oublier Wagner Moura dans la série Narcos, c’est au tour de Javier Bardem d’interpréter le baron de la drogue des années 1980 dans Escobar, un rôle qu’il convoitait depuis près de vingt ans et qui pour ainsi dire lui revenait de droit. Rien de bien nouveau dans ce biopic qui se contente d’aligner les poncifs et moments attendus répertoriés sur la fiche Wikipédia du roi de la blanche, qui fait le plus souvent penser à un remake de Mesrine de Jean-François Richet passé à la sauce Tarantinesque, si cela veut dire quelque chose. Certes, Javier Bardem s’en sort très bien dans ce rôle pour lequel il s’investit à fond, avec grosse bedaine et tout, mais le film pâtit de l’interprétation outrancière de Penélope Cruz, que nous n’avions pas vue aussi mauvaise depuis très longtemps. C’est d’ailleurs la sixième fois que le couple Bardem-Cruz se donne la réplique au cinéma.

Pour se démarquer de toutes les productions tournant autour du narcotrafiquant colombien, le scénariste et réalisateur espagnol Fernando León de Aranoa a choisi de centrer son film sur la liaison amoureuse entre Pablo Escobar et la journaliste-présentatrice Virginia Vallejo, dont le livre autobiographique Loving Pablo, Hating Escobar a d’ailleurs servi de base au récit. Il n’y a rien à redire sur la reconstitution, sur les décors, sur la technique assez impressionnante et la mise en scène, comme lors de cette séquence de l’atterrissage d’un avion sur une autoroute. Le gros problème, c’est qu’on a l’impression d’avoir déjà vu ça des centaines de fois au cinéma et que rien ne distingue Escobar d’autres films sur le sujet des cartels, en attendant que Sylvester Stallone vienne faire un peu de ménage là-dedans avec son très attendu Rambo V.

Escobar s’apparente à une succession de vignettes bien chiadées sur la forme, mais qui ennuient et lassent sur le fond. Javier Bardem (également producteur) donne de sa personne avec ses yeux camés, son bide proéminent, sa moustache mal taillée et son accent à couper au couteau. Mais il semble être le seul à croire à l’entreprise. Ses partenaires ont du mal à exister à ses côtés, y compris sa propre épouse Penélope Cruz. La comédienne, coiffée comme Bernadette Chirac et maquillée comme une voiture volée n’apporte aucune crédibilité à son personnage, aussi pénible qu’inintéressant. L’utilisation de l’anglais pose également un gros problème, l’actrice ayant toujours eu du mal dans cette langue. Alors forcément, interpréter une colombienne et jouer dans la langue de Shakespeare (comme le reste du casting, seules les insultes restent en espagnol) avec l’accent du pays, le défi était de taille, surtout que sa voix est aussi omniprésente qu’une piste audiodescription, puisqu’elle assure la narration – on pourrait même dire qu’elle paraphrase l’action – durant plus de deux heures. Finalement, peu importe ce qui peut lui arriver car Javier Bardem, bluffant, s’étale tellement à l’écran, au sens propre comme au figuré, qu’il ne reste que très peu de place pour ceux qui l’entourent. A part peut-être Peter Sarsgaard, dans un rôle pourtant très limité.

De son côté, le réalisateur suit son cahier des charges, à savoir : a) montrer Escobar pénétrer le marché américain de la drogue b) suivre le cartel de Medellín s’étendre aux Etats-Unis où il fournit 80 % de la cocaïne c) ne pas oublier d’évoquer l’élection d’Escobar comme suppléant à la Chambre des représentants de Colombie pour le Parti libéral d) mettre en scène les assassinats des membres des réseaux et cartels concurrents, sans oublier les juges, politiciens et officiers de police qui mettraient le nez (poudré) dans ses affaires. Parallèlement, Escobar ne cesse de s’enrichir, de perdre pied à mesure qu’il s’en envoie dans le pif, se retrouve entre sa femme et mère de ses enfants et sa maîtresse (Virginia Vallejo donc) pour finalement devoir composer avec le monstre qu’il a lui-même créé.

Escobar n’est pas un film déplaisant ni inintéressant, loin de là, c’est juste que rien ne le distingue des autres films de genre, y compris dans les séquences d’exécution pourtant très violentes. Pas étonnant que ce thriller soit passé complètement inaperçu lors de son rapide passage dans les salles.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray d’Escobar, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Trois interviews sont proposées dans la section des suppléments. Penélope Cruz (9’), Javier Bardem (15’) et Peter Sarsgaard (6’) reviennent sur les intentions et la direction d’acteurs de Fernando León de Aranoa, le point de vue adopté pour raconter l’histoire, les personnages, leur préparation, le tournage en Colombie et les partis pris. Javier Bardem se taille la part du lion et aborde point par point la façon dont il s’est approprié la figure d’Escobar. Il est de loin le plus passionnant du trio. De son côté, Penélope Cruz a visiblement du mal à défendre ce film dans un anglais souvent hésitant. Ses mains s’agitent beaucoup trop et ses arguments manquent de consistance. Enfin, Peter Sarsgaard passe beaucoup de temps à dire tout le bien qu’il pense de ses partenaires.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Ce master HD (1080p, AVC) d’Escobar ne déçoit pas et se révèle même superbe. Le piqué et le relief sont acérés tout du long et permet d’apprécier les visages des comédiens (ainsi que leurs prothèses), la clarté est de mise, le cadre large offre un lot confondant de détails y compris sur les scènes sombres et la belle photographie marquée par des teintes alliant le chaud et le froid est habilement restituée. Evidemment, la copie est d’une propreté immaculée, les contrastes sont denses. Les meilleures conditions techniques sont réunies et la définition est exemplaire.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 français et « spanglish », autant dans les scènes d’affrontements secs que dans les séquences plus calmes. Quelques séquences sortent de lot, à l’instar de l’atterrissage de l’avion sur l’autoroute, comme celles des exécutions et de l’assaut dans la jungle. Les mixages imposent une balance impressionnante des frontales comme des latérales, des effets annexes très présents et dynamiques, des voix solidement exsudées par la centrale. La spatialisation est en parfaite adéquation avec le ton du film. L’éditeur joint également deux pistes Stéréo.

Test Blu-ray / Drone, réalisé par Jason Bourque

DRONE réalisé par Jason Bourque, disponible en DVD et Blu-ray le 22 août 2018 chez M6 Vidéo

Acteurs : Sean Bean, Patrick Sabongui, Mary McCormack, Maxwell Haynes, Joel David Moore, Viv Leacock, Sharon Taylor, Bradley Stryker…

Scénario : Paul A. Birkett, Jason Bourque d’après une histoire originale de Ian Birkett, Roger Patterson, Paul A. Birkett

Photographie : Graham Talbot, Nelson Talbot

Musique : Michael Neilson

Durée : 1h27

Année de sortie : 2017

LE FILM

Neil est un pilote de drone chevronné qui réalise des missions secrètes pour la CIA tout en menant une vie de famille discrète dans une banlieue sans histoire. Jusqu’à ce qu’une fuite sur un site web de dénonciation fasse de lui la cible d’un homme d’affaires pakistanais énigmatique convaincu qu’il est responsable de la mort de sa femme et de son enfant. Cette traque de tous les instants va l’exposer à une menace mortelle et mener à une confrontation pleine de suspense.

Au fait, il devient quoi Sean Bean depuis Game of Thrones ? Contrairement à ce que l’on pourrait penser, l’acteur n’a pas chômé dans les années 2010. Celui qui est mort près d’une trentaine de fois à l’écran a récemment incarné Zeus (rien que ça) dans les deux épisodes de la franchise Percy Jackson, le père de Blanche-Neige dans le film de Tarsem Singh, fait un petit tour chez les sœurs Wachowski (Jupiter : Le Destin de l’univers) et Ridley Scott (Seul sur Mars), tourné deux saisons de la série The Frankenstein Chronicles. Etonnamment, on le retrouve à bord d’une minuscule production canadienne, Drone, réalisée et coécrite par un certain Jason Bourque (et non pas Bourne), auteur d’une multitude de téléfilms catastrophes (ou catastrophiques c’est selon), aux titres explicites comme Asteroid impact, Tornades de pierres, Le jugement dernier, Termination Point, La dernière tempête et ainsi de suite. Autant dire que si Sean Bean a accepté d’apparaître dans Drone, c’est uniquement pour payer un arriéré d’impôts.

Si le comédien espérait que le film reste réservé au Canada, c’est raté. Comme Drone lui-même d’ailleurs. L’affiche annonce un film d’action ou de guerre. Il n’en est rien. A part deux explosions qui explique le contexte, Drone est en réalité un drame psychologique sur le deuil et la culpabilité, teinté de home-invasion. Et encore, toutes proportions gardées. Sean Bean interprète un pilote de drone de haut niveau, Neil Wistin, qui partage sa vie entre ses contrats classés secret défense par la CIA et sa vie de famille compliquée en raison de son fils distant Shane. Neil vient de perdre son père et cette perte renferme encore plus Shane, qui était très proche de son grand-père. Ellen, la femme de Neil, lassé de ce mari taciturne, entame une liaison avec un autre homme. Jusqu’au jour où des informations confidentielles sont dévoilées au grand jour sur internet. Certaines d’entre elles sont interceptées par un homme, Imir Shaw, qui prend pour cible Neil, convaincu que celui-ci est l’auteur de l’explosion ayant abattu son épouse et sa fille au Pakistan un an auparavant. Alors que Shaw cherche à se venger, Wistin est confronté aux conséquences fatales de son métier.

Pas grand-chose à défendre de ce thriller canadien qui se contente de faire du surplace après une exposition pourtant intéressante et plutôt impressionnante. Cinq minutes après, le film adopte alors un rythme de croisière très lent, qui sera conservé jusqu’à la fin. Aucun rebondissement à l’horizon, Drone essaye d’instaurer une tension qui va crescendo, mais la technique d’ensemble est tellement pauvre avec sa mise en scène fonctionnelle, ses décors aseptisés et sa médiocre direction d’acteurs que l’on se désintéresse rapidement de ce qui peut bien se dérouler à l’écran. Si Sean Bean assure tant bien que mal, c’est surtout sur sa mauvaise teinture qui attire le regard, et le comédien se fait finalement voler la vedette par Patrick Sabongui. L’acteur québécois vu dans la série Flash et certains blockbusters hollywoodiens comme le Godzilla de Gareth Edwards, Warcraft: Le commencement de Duncan Jones, et prochainement à l’affiche de The Predator de Shane Black, compose un personnage intéressant et finalement plus attachant que les membres de cette famille dysfonctionnelle. Le film vaut essentiellement pour lui. Car le reste du temps, on rit involontairement devant le jeu souvent outrancier du jeune Maxwell Haynes, très peu convaincant et qui en fait des tonnes, tout comme la pauvre Mary McCormack (À la Maison-Blanche, US Marshals : Protection de témoins) qui doit faire avec son rôle réduit à celui de la femme infidèle.

On peut excuser le fait de s’être fait blouser par la jaquette qui vendait un film d’action, mais on peut difficilement être magnanime avec ce mauvais drame standard, très bavard, pauvrement mis en scène et mollement interprété.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Drone, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est sobre, animé et musical. Nous l’avons dit précédemment, mais contrairement à ce que l’on pourrait croire en voyant la jaquette explosive (« La riposte a commencé… »), le film de Jason Bourque n’est en aucun cas un film d’action ou de guerre.

A la bande-annonce en version française, l’éditeur joint deux scènes coupées (3’) non sous-titrées ! Ces deux séquences n’ont absolument aucun intérêt, notamment la seconde qui montre tout simplement Sean bean boire un verre d’eau…

L’Image et le son

Nous ne savons pas s’il s’agit uniquement de notre exemplaire, mais le Blu-ray que nous avons reçu est parasité par quelques pixels gênants, des traits verts verticaux, qui s’incrustent et qui restent très longtemps en bas à droite de l’écran. Si l’on fait abstraction de ce défaut de compression, qui encore une fois est peut-être notable que sur notre disque, alors ce master HD de Drone est on ne peut plus correct. Les séquences au Pakistan sont très colorées avec un ciel bleu orangé que ne renierait pas Michael Bay, sans oublier une impressionnante profondeur de champ. Les scènes américaines sont volontairement froides, voire glaciales comme l’intérieur de la maison des Wistin. Le piqué est bien ciselé, les détails éloquents (voir les cheveux étranges de Sean Bean), les contrastes corrects et la clarté abondante.

Drone n’est pas vraiment le film avec lequel vous pourrez épater la galerie et faire une démonstration de gros son. Les versions française et anglaise sont certes proposées en DTS HD Master Audio 5.1, mais les latérales ne servent réellement qu’à instaurer quelques ambiances naturelles et à spatialiser la musique. Le caisson de basses n’est pas oublié sur les quelques explosions. Notons toutefois que les dialogues manquent cruellement de coffre sur la centrale en français comme en anglais. Deux pistes Dolby Digital 5.1 sont également disponibles.

Test Blu-ray / La Malédiction Winchester, réalisé par Michael Spierig et Peter Spierig

LA MALÉDICTION WINCHESTER (Winchester : The House that Ghosts Built) réalisé par Michael & Peter Spierig, disponible en DVD et Blu-ray le 3 juillet 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Helen Mirren, Jason Clarke, Sarah Snook, Eamon Farren, Angus Sampson, Tyler Coppin, Laura Brent, Finn Scicluna-O’Prey…

Scénario : Tom Vaughan, Michael Spierig, Peter Spierig

Photographie : Ben Nott

Musique : Peter Spierig

Durée : 1h40

Année de sortie : 2018

LE FILM

Proche de San Francisco se situe la maison la plus hantée au monde : construite par Sarah Winchester, riche héritière de l’entreprise d’armes Winchester, elle est en perpétuelle construction et contient des centaines de pièces. Sarah y construit une prison, un asile pour les centaines d’esprits vengeurs tués par ses armes, et le plus terrifiant d’entre eux veut en découdre avec sa famille…

Les frères jumeaux Spierig (nés en 1976), Michael et Peter, n’ont décidément pas de chance. Chef d’oeuvre absolu, leur troisième long métrage Prédestination (2014) n’a connu qu’une exploitation en DVD et Blu-ray en France. Laissons le temps faire son œuvre pour que ce film incroyable trouve enfin son public et soit considéré à sa juste valeur. Après avoir repris en main la franchise Saw avec le dernier opus en date Jigsaw, retour à la case e-cinema et DTV pour leur nouveau bébé, La Malédiction Winchester – Winchester : The House that Ghosts Built. Cette fois encore, dommage de ne découvrir ce film autrement qu’au cinéma où il aurait dû avoir sa place, surtout lorsque l’on regarde la qualité des trois quarts des productions de genre qui squattent continuellement les écrans.

La Malédiction Winchester est un excellent film fantastique inspiré de la vie de Sarah Winchester, épouse et veuve de William Wirt Winchester, fils d’Oliver Fischer Winchester, ingénieur et inventeur des fusils qui portent son nom, devenus le symbole de la Conquête de l’Ouest. A la mort de son époux et de leur fille, Sarah Winchester hérite de ses biens et de 50 % des parts de la Winchester Repeating Arms Company. Tombée dans une profonde dépression, convaincue que des esprits allaient la tuer, Sarah Winchester utilise sa fortune pour poursuivre de manière ininterrompue, 24 heures sur 24, la construction de son immense demeure pendant 38 ans. Depuis sa mort, la très étendue Mystérieuse Maison Winchester est devenue un monument historique national et une attraction touristique, connue pour ses nombreux escaliers et couloirs ne menant nulle part, ainsi que ses 160 pièces, 40 chambres, 17 cheminées, placards sans fond. Les frères Spierig et leur coscénariste Tom Vaughan partent de ce postulat pour imaginer une histoire de maison hantée, en jouant sur l’extraordinaire et hallucinante architecture de la bâtisse située en Californie à San José. Un merveilleux terrain de jeu idéalement exploité par les cinéastes, qui prouvent une fois de plus leur talent pour instaurer un climat angoissant, tout en livrant un objet plastiquement très recherché.

Le film démarre par le sempiternel panneau « Inspiré de faits réels » et repose en effet sur le sort qui semblait s’acharner sur Sarah et sa famille, mais aussi sur cette maison étrange bâtie dans le but d’enfermer tous les esprits des personnes tuées par la carabine qui a fait la fortune des Winchester. Les travaux continueront de jour comme de nuit, selon les plans établis par Sarah, retirée dans son salon privé, comme si certaines apparitions la guidaient pour établir les futures extensions. Ce qui frappe d’emblée dans La Malédiction Winchester, c’est la beauté de la photographie de Ben Nott, chef opérateur et fidèle collaborateur des frères Spierig qui happe les spectateurs. A cela s’ajoutent les incroyables décors et dédales dans lesquels on se perd volontiers et mis en valeur par les réalisateurs australiens qui instaurent une ambiance réaliste à leur récit, sans avoir recours gratuitement aux jump-scares.

La malédiction Winchester n’est pas un film d’horreur, mais un drame et thriller fantastique qui comporte un message intelligent sur l’usage abusif des armes aux Etats-Unis, ainsi que sur leurs répercussions. Ou comment user du folklore pour en tirer une histoire divertissante et excellemment interprétée par Helen Mirren, parfaite Sarah Winchester, Jason Clarke, vecteur du public pour le faire entrer dans ce labyrinthe hanté, sans oublier Sarah Snook, révélation de Prédestination. Tous ces talents sont réunis pour un divertissement de haute qualité, parfaitement mis en scène (malgré un budget très limité de 3,5 millions de dollars), flatteur pour les mirettes et qui réserve son lot d’émotions fortes, tout en interrogeant sur le sang versé par les armes à feu. Une très grande réussite.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de La Malédiction Winchester, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est très légèrement animé et musical.

Cette édition s’accompagne d’un seul supplément, un making of (22’) classique, mais assez complet, revenant sur tous les aspects du tournage. La véritable histoire de Sarah Winchester est évidemment au centre de ce documentaire. Tous les comédiens, les réalisateurs, les producteurs, les responsables des départements costumes, décors (très impressionnants) et maquillages, interviennent à tour de rôle, tandis que des images du plateau viennent illustrer l’ensemble.

L’Image et le son

TF1 Studio soigne son master HD. Les contrastes sont d’une densité rarement démentie, y compris sur les très nombreuses séquences sombres, avec une image sans cesse affûtée. Le piqué est acéré, les gros plans riches, les contrastes denses et la colorimétrie reste chatoyante. Les détails sont légion aux quatre coins du cadre large et la copie restitue les volontés artistiques du chef opérateur Ben Nott. Ce Blu-ray offre d’excellentes conditions pour revoir le film des frères Spierig et profiter de la superbe photographie. L’apport HD sur ce titre est évidemment indispensable.

Les deux versions DTS-HD Master Audio 5.1 font quasiment match nul en ce qui concerne la délivrance des ambiances sur les enceintes latérales, la restitution des dialogues et la balance frontale. Le spectateur est littéralement plongé dans ce quasi- huis clos, la spatialisation reste solide tout du long et le caisson de basses est utilisé à bon escient comme lors du tremblement de terre. Sans surprise, la version originale l’emporte de peu sur l’homogénéité et la fluidité acoustique, tandis que la piste française a tendance à mettre les voix un peu trop en avant. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Test DVD / Le Fidèle, réalisé par Michaël R. Roskam

LE FIDÈLE réalisé par Michaël R. Roskam, disponible en DVD le 2 juillet 2018 chez Pathé

Acteurs : Matthias Schoenaerts, Adèle Exarchopoulos, Jean-Benoît Ugeux, Eric De Staercke, Nabil Missoumi, Thomas Coumans, Nathalie Van Tongelen, Fabien Magry…

Scénario : Thomas Bidegain, Noé Debré, Michaël R. Roskam

Photographie : Nicolas Karakatsanis

Musique : Raf Keunen

Durée : 2h04

Année de sortie : 2018

LE FILM

Lorsque Gino rencontre Bénédicte, c’est la passion. Totale. Incandescente. Mais Gino a un secret. De ceux qui mettent votre vie et votre entourage en danger. Alors Gino et Bénédicte vont devoir se battre envers et contre tous, contre la raison et contre leurs propres failles pour pouvoir rester fidèles à leur amour.

Dès Bullhead, Michael R. Roskam (de son vrai nom Michaël Reynders) a toujours livré des films hybrides, ce qui en fait à la fois leur force, mais aussi et surtout leur faiblesse. Son premier long métrage était à la fois un drame puissant et un thriller ennuyeux. Même chose pour son deuxième film, Quand vient la nuit, drame et polar adapté d’un roman de Dennis Lehane, qui avait souvent le cul entre deux chaises. Aucune surprise donc pour Le Fidèle, mélange de romance passionnelle et de film noir. Le problème, c’est que rien, absolument rien ne fonctionne cette fois. Si Quand vient la nuit – la meilleure œuvre de Michael R. Roskam à ce jour – fonctionnait, c’était grâce à l’environnement typiquement américain, la langue anglaise aussi probablement, avec au final un exercice de style réussi et bien interprété, y compris par Tom Hardy, pour une fois supportable. Dans Le Fidèle, projet mûri depuis l’écriture de Bullhead, le gros problème provient à la fois de ses deux têtes d’affiche, Matthias Schoenaerts et Adèle Exarchopoulos, irritants et qui ne dégagent absolument rien à l’écran, mais aussi de son mix de genres que le réalisateur belge ne maîtrise absolument pas.

Si’ l’on pouvait sauver certaines choses dans Bullhead (nommé à l’Oscar du meilleur film en langue étrangère), notamment l’intense interprétation de Matthias Schoenaerts qui crevait littéralement l’écran, ainsi que dans Quand vient la nuit avec le jeu toujours inspiré de Noomi Rapace et ses fulgurances dans la violence, Le Fidèle ne parvient jamais à retenir l’attention. Tout d’abord, Adèle Exarchopoulos. On pourrait presque s’arrêter là en fait. Incapable de la moindre émotion, sauf quand elle pleure par le nez, la comédienne révélée par Abdellatif Kechiche dans La Vie d’Adèle (Palme d’or 2013), passe le film la bouche ouverte, les yeux à moitié fermés, déclamant ses dialogues d’une voix de bourrin, sans jamais être juste une seule fois. A part peut-être dans les rapides scènes de sexe, probable clause immuable de ses contrats. Elle n’est guère soutenue par son partenaire, Matthias Schoenaerts, décidément « fidèle » au cinéaste, peu en forme et qui passe le film aussi monocorde que monolithique. A croire que Schoenaerts ne serait en fait qu’un canular de ce farceur de François Damiens. Autant dire que la confrontation des deux crée un vrai trou noir dont on se désintéresse rapidement.

De son côté, Michael R. Roskam croit pourtant à fond à son récit romanesque, mais il semble être le seul. S’il soigne sa mise en scène le temps d’un braquage réalisé sur une autoroute en plan séquence et caméra à l’épaule, les partis pris guère reluisants, pour ne pas dire laids il faut bien l’admettre, n’aident en rien pour se laisser porter par l’histoire qu’il désire nous raconter. On ne croit pas une seconde à Adèle Exarchopoulos en pilote de course, la lumière orangée donne aux comédiens un teint que ne renierait pas Donatella Versace, et il y a toujours quelque chose de crade et de repoussant dans le cinéma de Michael R. Roskam qui ne rend jamais ses personnages empathiques (les chiens y sont toujours mieux lotis, comme c’est le cas ici) et auxquels on ne peut adhérer. Finalement, on en vient tellement à rire devant le surjeu (ou le non-jeu c’est selon) des comédiens, que l’on s’ennuie encore plus quand ils ne sont pas à l’écran et que le réalisateur s’égare dans une sempiternelle histoire de rédemption par l’amour, de mafia albanaise, de fausse couche. Ce qui situe Roskam entre Claude Lelouch et Olivier Marchal, deux pointures en mauvais films quoi, avec une touche de Plus belle la vie dans le dernier acte où l’un des personnages principaux tombe gravement malade, avec crane et sourcils rasés, sur fond de musique dégoulinante.

A croire que Bullhead, déjà largement surestimé à sa sortie, n’était qu’un feu de paille, en tout cas Le Fidèle est un film très prétentieux, invraisemblable, boursouflé, bourré de tics, mal joué et photographié au gloubi-boulga. Un ratage sur toute la ligne.

LE DVD

Avec 39.000 entrées au compteur dans les salles françaises, Pathé s’est dit que Le Fidèle ne serait exploité qu’en DVD sur notre territoire. Le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche d’exploitation. Le menu principal est animé et musical.

Comme suppléments, nous bénéficions de trois entretiens réalisés à l’occasion de la sortie du Fidèle. Michael R. Roskam (17’), Adèle Exarchopoulos (5’30) et Matthias Schoenaerts (15’) répondent aux mêmes questions (très peu inspirées) avec conviction, ce qui nous donnerait presque envie de revoir le film. La genèse du film, le titre, les thèmes, les partis pris, le casting, l’évolution des personnages sont abordés ici.

L’Image et le son

On ne change pas une équipe qui gagne (ou pas), puisque Michael R. Roskam a de nouveau fait appel au chef opérateur Nicolas Karakatsanis, qui avait déjà signé les photos de Bullhead et de Quand vient la nuit. Egalement directeur de la photographie de l’excellent Triple 9 de John Hillcat, Nicolas Karakatsanis y va à fond dans les éclairages dorés, ambrés et les couleurs pastel. Tout cela aurait pu trouver un équilibre en Haute-Définition, ce qui n’est absolument pas le cas en DVD. La définition est tantôt passable, tantôt catastrophique, les teintes bavent, certains plans sont flous, des fourmillements s’invitent. Aucun piqué digne de ce nom, les scènes sombres ou nocturnes sont les plus mal loties avec un effondrement des détails. Cela faisait longtemps que nous n’avions pas eu un aussi mauvais master devant les yeux.

Le mixage Dolby Digital 5.1 se révèle riche et dynamique sur les enceintes frontales mais peine à instaurer une spatialisation convaincante, surtout que les dialogues manquent également de clarté. Heureusement, la musique permet aux enceintes arrière de se réveiller, la balance des avant parvient à plonger le spectateur suffisamment dans l’ambiance grâce à une solide délivrance de la musique et du vrombissement des moteurs bien rendus par le caisson de basses. L’éditeur joint également une piste Stéréo, les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé Films / Maarten Vanden Abeele / Pathé Distribution / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr