Test DVD / Du plomb pour l’inspecteur, réalisé par Richard Quine

DU PLOMB POUR L’INSPECTEUR (Pushover) réalisé par Richard Quine, disponible en DVD le 19 octobre 2016 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Fred MacMurray, Kim Novak, Philip Carey, Dorothy Malone, E.G. Marshall, Allen Nourse…

Scénario : Roy Huggins d’après le roman The Night Watch de Thomas Walsh et Rafferty de Bill S. Ballinger

Photographie : Lester White

Musique : Arthur Morton

Durée : 1h24

Date de sortie initiale : 1954

LE FILM

Des braqueurs tuent un vigile avant de prendre la fuite avec leur butin. Un inspecteur infiltré surveille la maîtresse de l’un d’eux. Mais l’amour entre en jeu. Coincé entre gangsters et policiers, sa vie est en jeu.

Dix ans après Assurance sur la mort de Billy Wilder, le comédien Fred MacMurray se retrouve à nouveau entre les griffes d’une femme fatale dans Du plomb pour l’inspecteur – Pushover, réalisé en 1954 par Richard Quine (1920-1989). Blonde incendiaire, sexy, pour ne pas dire sexuelle et animale, Kim Novak, 21 ans, incendie l’écran dans son premier rôle au cinéma. Le film s’ouvre sur une incroyable séquence de hold-up. Muette en dehors de la belle composition d’Arthur Morton, cette scène virtuose montre des gangsters calmes et appliqués, alors que les credits apparaissent, notamment « Introducing Kim Novak ». S’ensuit la rencontre entre les personnages principaux. Après la représentation d’une pièce de théâtre, une jeune femme se rend à sa voiture et tente de la démarrer, sans succès. Un homme apparaît à sa vitre et lui propose de l’aider. C’est un coup de foudre. Autant pour le couple que pour le spectateur pour Kim Novak, véritable bombe sexuelle, envoûtante dès son apparition. On s’amuse des dialogues aux sous-entendus coquins du genre « je peux regarder sous votre capot » « oui j’attendais que vous me le proposiez ». Le moteur est noyé (sans métaphore) et le couple passe la soirée à discuter et à boire. Ils finissent la soirée chez elle. Le lendemain, on apprend que l’homme, Paul Sheridan (Fred MacMurray) est en réalité un flic qui surveillait Lona McLane (Kim Novak), compagne attitrée d’Harry Wheeler, chef des criminels soupçonnés du hold-up qui a coûté la vie à un membre des forces de l’ordre.

La surveillance s’organise autour du logement de la jeune femme. Paul et ses collègues investissent l’appartement situé en face de celui de Lona et se relaient jour et nuit aux jumelles, ce qui leur permet d’observer en même temps la voisine dans l’appartement d’à côté, qui fait sa gym en toute innocence devant sa fenêtre. Pendant ce temps, Paul, alors épris de Lona, lui avoue la vérité. Tout d’abord désarçonnée, Lona lui avoue également ses sentiments. Ils décident tous les deux de s’emparer du butin du hold-up. Mais Paul va se rendre compte que jouer sur les deux tableaux n’est pas chose aisée. Ann, la voisine de Lona, interprétée par la non moins mythique Dorothy Malone, devient témoin malgré elle en les apercevant tous les deux. Et le réalisateur Richard Quine, ancien danseur et chorégraphe, d’organiser toute cette valse de sentiments, de meurtres, de planques, de surveillances, de faux-semblants, d’allées et venues !

Remarquablement mis en scène et reposant sur un solide scénario de Roy Huggins d’après les romans The Night Watch de Thomas Walsh et Rafferty de Bill S. Ballinger, Du plomb pour l’inspecteur subjugue du début à la fin. Si l’on pense évidemment au chef d’oeuvre absolu de Billy Wilder, Assurance sur la mort, Pushover s’en éloigne et se démarque par le traitement réservé au couple principal. Paul et Lona s’aiment sans ambiguïté et sans aucune manipulation de la part de la femme. Le premier est un homme fatigué, solitaire, qui visiblement n’a jamais eu de chance et qui voit arriver d’un coup une jeune femme désirable et l’opportunité de mettre la main sur un magot inattendu. Lona, malgré son jeune âge, semble déjà avoir tout connu et être tombée sur des hommes mal intentionnés. Elle voit en Paul une maturité et une douceur qu’elle n’espérait plus. Tout pourrait aller pour le mieux si Paul n’était pas autant poursuivi par la poisse. C’est d’ailleurs la force du film et de l’interprétation de Fred MacMurray, rendre ce personnage très attachant dans sa maladresse, lui qui espère alors faire au mieux, mais qui ne cesse de s’enfoncer au fur et à mesure que l’étau se resserre sur lui.

Du plomb pour l’inspecteur est un vrai et grand film noir à réhabiliter, entre suspense et tragédie, humour à froid et séduction, passionnant et immersif, avec une unité de temps et de lieu puisque l’action se déroule quasiment au cours d’une nuit pluvieuse – très belle photo de Lester White – dans un quartier en particulier. Après ce film, Richard Quine, cinéaste qui vaut bien plus que pour ses comédies populaires, épousera Kim Novak, qui collaboreront ensuite sur L’Adorable voisine, Liaisons secrètes et L’Inquiétante Dame en noir.

LE DVD

Disponible chez Sidonis Calysta, Du plomb pour l’inspecteur intègre la collection Film Noir. Le visuel de la jaquette est très attractif et soigné, tout comme la sérigraphie du DVD. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné. Le menu principal est quant à lui animé et musical.

On ne change pas une équipe qui gagne ! Bertrand Tavernier est le premier à présenter Du plomb pour l’inspecteur (24’). Remarquable exposé, passionnant, érudit, drôle et communicatif, le réalisateur et historien du cinéma souhaite tout d’abord réhabiliter Richard Quine, dont il dresse le portrait et présente la carrière. Bertrand Tavernier enchaîne les anecdotes. Nous apprenons entre autres que ce film était le modèle utilisé par Jean-Luc Godard pour A bout de souffle. Mais ce qui intéresse Tavernier ce sont surtout les points communs, mais également les grandes différences avec Assurance sur la mort de Billy Wilder. Il met les deux œuvres en parallèle pour indiquer que Du plomb pour l’inspecteur est bien plus original que son histoire laisse supposer. L’historien du cinéma s’attarde ensuite minutieusement sur les personnages, celui de la femme fatale incarnée par Kim Novak (qui allait épouser Richard Quine après ce film), et bien sûr celui de l’inspecteur interprété par Fred MacMurray, qui renvoie évidemment à Assurance sur la mort.

Cette présentation est suivie de celle de François Guérif, critique de cinéma, éditeur et directeur de la collection Rivages/Noir (14’). Si quelques propos reprennent quelques arguments entendus durant la présentation de Bertrand Tavernier, François Guérif rappelle que Du plomb pour l’inspecteur est en réalité l’adaptation de deux romans, The Night Watch de Thomas Walsh et Rafferty de Bill S. Ballinger. A l’instar de Bertrand Tavernier, François Guérif évoque les similitudes et les divergences avec Assurance sur la mort, tout en indiquant que le film de Richard Quine a lui-même été copié dans Etroite surveillance de John Badham (1987) ou même Ridley Scott avec Traquée (1987). Guérif loue les grandes qualités du film, l’efficacité du scénario, la beauté et le talent de Kim Novak (qu’il avait interviewé au festival de Deauville). Dans cette présentation, comme dans la première, les éléments de l’intrigue, y compris le dénouement sont révélés. Visionnez donc ces modules uniquement si vous avez déjà vu Du plomb pour l’inspecteur.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce (très abimée) et une galerie de photos.

L’Image et le son

Difficile de faire mieux ! Fort d’un master au format 1.85 respecté (16/9 compatible 4/3) et d’une compression solide comme un roc, ce DVD en met souvent plein les yeux dès l’introduction avec une définition étincelante du N&B qui laisse souvent pantois. Les contrastes sont d’une densité impressionnante, les noirs profonds, les blancs lumineux et le grain original préservé. En dehors d’une ou deux séquences peut-être moins définies, cela demeure franchement anecdotique car les très nombreuses séquences sombres sont tout aussi soignées que les scènes plus claires, le piqué est tranchant, la stabilité de mise, les détails étonnent par leur précision et la profondeur de champ permet d’apprécier la composition des plans de Richard Quine et la photo du chef opérateur Lester White. On ne peut qu’applaudir devant la beauté de la copie !

L’éditeur nous propose les version anglaise et française de Du plomb pour l’inspecteur. Passons rapidement sur cette dernière, étouffée et sourde, qui peine à délivrer les ambiances annexes. Evidemment, notre préférence va pour la version originale, plus homogène et naturelle, très propre, sans souffle parasite. Le confort acoustique est largement assuré. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé.
Crédits images : © Sidonis Calysta / Captures DVD : Franck Brissard

Test Blu-ray / Green Room – Édition Director’s Cut non censurée, réalisé par Jeremy Saulnier

GREEN ROOM réalisé par Jeremy Saulnier, disponible en Blu-ray Édition Director’s Cut non censurée et DVD le 7 septembre 2016 chez M6 Vidéo

Acteurs : Anton Yelchin, Imogen Poots, Patrick Stewart, Alia Shawkat, Joe Cole, Callum Turner, Mark Webber…

Scénario : Jeremy Saulnier

Photographie : Sean Porter

Musique : Brooke Blair, Will Blair

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Au terme d’une tournée désastreuse, le groupe de punk rock The Ain’t Rights accepte au pied levé de donner un dernier concert au fin fond de l’Oregon… pour finalement se retrouver à la merci d’un gang de skinheads particulièrement violents. Alors qu’ils retournent en backstage après leur set, les membres du groupe tombent sur un cadavre encore chaud et deviennent alors la cible du patron du club et de ses sbires, plus que jamais déterminés à éliminer tout témoin gênant…

Réalisateur, scénariste et directeur de la photographie américain, Jeremy Saulnier est révélé en 2013 avec le thriller Blue Ruin, Prix FIPRESCI à la Quinzaine des réalisateurs au 66^e Festival de Cannes. Changement de genre, on pourrait également dire changement de couleur pour son nouveau long métrage, Green Room. Projet mûrit depuis de longues années, ce thriller prend la forme d’un survival renvoyant à son amour pour la musique punk rock, puisque Saulnier chantait, ou plutôt hurlait dans un micro durant son adolescence, faute de savoir jouer d’un instrument. Dans Green Room, il réunit sa passion pour les films de genre et celle pour la musique punk. Il engage deux jeunes comédiens qui ont alors le vent en poupe, la délicieuse Imogen Poots, vue dans Knight of Cups de Terrence Malick et le formidable Broadway Therapy de Peter Bogdanovich, ainsi que le regretté Anton Yelchin, décédé en juin 2016 à l’âge de 27 ans, découvert en 2002 dans Cœurs perdus en Atlantide de Scott Hicks puis dans les derniers films de la franchise Star Trek dans lesquels il interprète Chekov. Mais s’il y a bien un acteur pour lequel Green Room mérite d’être vu c’est Patrick Stewart, qui du haut de ses 75 ans (incroyable mais vrai) parvient à sortir du fauteuil roulant du Professeur Xavier dans lequel il est scotché depuis plus de quinze ans, pour se défouler dans la peau d’un chef d’un groupuscule néo-nazi ! Egalement au générique, Macon Blair, la révélation de Blue Ruin, leur donne également la réplique.

Si Jeremy Saulnier évoque quelques références comme Délivrance de John Boorman, La Nuit des morts vivants de George A. Romero et Assaut de John Carpenter, on est loin, très loin de ces immenses réussites et Green Room peine à éveiller l’intérêt des spectateurs du début à la fin. Les personnages manquent de chair et donc l’empathie ne se fait jamais. Du coup, on se désintéresse totalement de ce qui peut leur arriver une fois que ce petit groupe de musique se retrouve piégé par des skinheads dans une loge sans issue. Film de « siège », Green Room joue sur plusieurs tableaux, mais se retrouve le cul entre deux chaises, sans parvenir à trouver un ton qui lui est propre. Pire que tout, la mise en scène frôle souvent l’amateurisme, aucune tension ne s’instaure, la photographie – forcément verte comme le titre – est laide à regarder et les comédiens jouent à celui qui sera le plus apathique.

Nous sommes en pleine série B qui lorgne sur Une nuit en enfer de Robert Rodriguez, mais Green Room n’a rien qui le distingue du tout venant. Survendu à sa sortie, ce film n’a en rien l’audace qu’il tente de faire croire et s’avère même paresseux dans ses scènes supposées foutre le trouillomètre à zéro. Même Anton Yelchin et Imogen Poots ne sont jamais crédibles, la première dans la peau d’une jeune punk visiblement sous l’emprise de quelques substances illicites, le second dans celle d’un bassiste punk rock. Et leur affrontement face à des skinheads fait malheureusement plutôt sourire que frémir. Seul le shakespearien Patrick Stewart surnage donc dans ce film vert (tout juste teinté de rouge au final) à peine divertissant, qui épouse la douceur d’un écolo qui tente de faire passer ses idées, mais on en ressort vert de rage de s’être fait rouler de la sorte par ce supposé « déjà classique » qui n’arrive pas à la cheville d’un chef d’oeuvre instantané et déjà référence du genre comme l’était récemment It Follows.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Green Room a été réalisé à partir d’un check-disc. Le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical. La version Director’s Cut non censurée est seulement disponible sur l’édition HD.

Très mauvais point pour l’interactivité, puisque nous ne trouvons que la bande-annonce du film !

La promotion HD (1080p, AVC) de Green Room apporte guère aux partis pris esthétiques singuliers (pour ne pas dire laids), avec une photo évidemment très verte. Des couleurs volontairement ternes, sombres, supposées appuyer le malaise distillé par le film. Green Room est un film se déroulant principalement en intérieur, dans une pièce calfeutrée et éclairée par des néons verts. Ne vous attendez donc pas à des scènes éclatantes. Par ailleurs, même les séquences finales demeurent aussi peu reluisantes que le reste. L’encodage est solide, la copie propre et la définition dépend des volontés artistiques originales. Peu de détails sautent aux yeux, le piqué et la gestion des contrastes sont aléatoires. L’image parvient tout de même à rester homogène du début à la fin avec des noirs plutôt solides.

Là encore on reste perplexe. Bien qu’encodés en DTS-HD Master Audio 5.1 et même en 2.0, les mixages anglais et français se révèlent bien paresseux et donc forcément décevants. Il ne faut pas hésiter à monter le volume pour créer un confort acoustique suffisant puisque les latérales distillent leurs effets avec parcimonie, tandis que la balance frontale peine à créer un espace sonore convaincant, sauf sur les quelques chansons au début du film. Même chose concernant les dialogues qui manquent de peps sur la centrale, autant en français qu’en anglais. Heureusement, les scènes plus agitées sont un peu mieux loties, mais encore une fois, on s’attendait à une exploitation beaucoup plus mordante.

Crédits images : © M6 Vidéo

Test Blu-ray / Café Society, réalisé par Woody Allen

CAFE SOCIETY réalisé par Woody Allen, disponible en Blu-ray et DVD le 13 septembre 2016 chez Studiocanal

Acteurs : Jesse Eisenberg, Kristen Stewart,Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll, Ken Stott, Anna Camp…

Scénario : Woody Allen

Photographie : Vittorio Storaro

Durée : 1h36

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

New York, dans les années 30. Coincé entre des parents conflictuels, un frère gangster et la bijouterie familiale, Bobby Dorfman a le sentiment d’étouffer ! Il décide donc de tenter sa chance à Hollywood où son oncle Phil, puissant agent de stars, accepte de l’engager comme coursier. À Hollywood, Bobby ne tarde pas à tomber amoureux. Malheureusement, la belle n’est pas libre et il doit se contenter de son amitié.
Jusqu’au jour où elle débarque chez lui pour lui annoncer que son petit ami vient de rompre. Soudain, l’horizon s’éclaire pour Bobby et l’amour semble à portée de main…

La vie est une comédie écrite par un auteur sadique

Oublions l’escapade italienne de To Rome With Love, car Woody Allen a prouvé qu’il en avait encore sérieusement sous le capot avec Blue Jasmine, tourné durant l’été 2012, qui s’est avéré être un nouveau chef d’oeuvre à accrocher à son palmarès, en plus de valoir à Cate Blanchett l’Oscar de la meilleure actrice. Les deux comédies suivantes avec la lumineuse Emma Stone, la première légère Magic in the Moonlight et la seconde plutôt noire et grinçante L’Homme irrationnel, ont également été d’excellents crus, confirmant la bonne santé et l’inspiration toujours galopante de Woody Allen. A l’instar de Blue Jasmine, son dernier-né Café Society, expression qui renvoie au milieu des mondains, artistes et personnalités qui fréquentaient les cafés et les restaurants à la mode à New York, Paris et Londres, entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle, fait la navette entre la Californie et New York, mais en emmenant les spectateurs dans les années 1930, plus précisément dans le monde du cinéma.

Après L’Homme irrationnel, Parker Posey est de retour devant la caméra du cinéaste mais dans un rôle secondaire, au contraire de Jesse Eisenberg qui apparaissait dans un segment de To Rome With Love et qui devient ici la tête d’affiche. Blake Lively et Kristen Stewart font leur première apparition devant la caméra de Woody Allen. De son côté, l’excellent Steve Carell remplace finalement Bruce Willis qui a « officiellement » lâché l’équipe quatre jours après le début du tournage pour aller créer à Boradway la pièce Misery adaptée du roman de Stephen King. En réalité, le comédien a purement et simplement été viré par Woody Allen en raison d’un comportement inapproprié et de son incapacité à se souvenir de ses répliques. Présenté au Festival de Cannes 2016 hors-compétition, Café Society n’est pas un mauvais film du plus célèbre réalisateur new-yorkais, mais le casting féminin est un des plus faibles de toute sa filmographie. Gros mauvais point pour Kristen Stewart, qui n’a pas l’aura d’une jeune femme des années 1930, qui semble constamment embarrassée de ses bras et dont le jeu bourré de tics agace profondément. Si leurs collaborations fonctionnaient dans Adventureland : Un job d’été à éviter (2012) et American Ultra (2015), les retrouvailles Stewart/Eisenberg ne fonctionnent pas ici. Là où la première est constamment empruntée et pour ainsi dire anachronique, Jesse Eisenberg lui se fond parfaitement dans son rôle avec un jeu très inspiré du cinéaste lui-même. Par conséquent, les scènes où Stewart/Eisenberg se donnent la réplique paraissent déséquilibrées et sonnent faux tout du long.

Histoire divisée en deux parties, entre Hollywood et New York, Café Society marque la première association entre Woody Allen et le chef opérateur Vittorio Storaro, oscarisé pour Apocalypse Now, Reds et Le Dernier Empereur, mais c’est aussi le premier film du cinéaste tourné au format 2.00:1 et surtout le premier réalisé en numérique ! A 80 ans, Woody Allen parvient encore à se renouveler. Heureusement, Café Society ne se résume pas à cette dimension technique et à sa beauté plastique, puisque même si Kristen Stewart s’avère un choix hasardeux et que Blake Lively manque également de crédibilité, beaucoup d’éléments sont très réussis comme les dialogues irrésistibles et le portrait de Bobby. Jeune homme timide de confession juive, il quitte le Bronx pour la Californie, plein de bonnes volontés afin de trouver un job auprès de Phil (Steve Carell), son oncle, puissant imprésario. Bobby tombe rapidement amoureux de Vonnie, la secrétaire de Phil. Mais il ne sait pas que Vonnie est en réalité la maîtresse de son oncle. Bobby ira d’espoirs en désillusions, sur le monde du spectacle mais également sur les relations amoureuses et décide de rentrer sur la côte Est pour ouvrir un club à la mode avec son frère en plein centre de Manhattan. Jesse Eisenberg porte le film d’un bout à l’autre grâce à son immense talent, son charisme, son énergie, sa sensibilité qui emportent tout. Retenons également la formidable séquence, sans doute la meilleure du film, où Bobby se retrouve face à Candy, interprétée par l’excellente Anna Camp, une des révélations des deux Pitch Perfect. Candy est une jeune prostituée, en réalité une aspirante actrice obligée de se lancer dans cette activité pour payer son loyer, étant également mise face aux réalités quant au mythe Hollywoodien. Désarçonné, Bobby décide de l’aider, puis les deux entament une conversation désopilante, véritable court-métrage à part entière au milieu de l’intrigue.

Le dernier tiers new-yorkais est également le plus marquant avec un final bouleversant, mélancolique, inattendu, qui rattrape les quelques points faibles mentionnés précédemment. Café Society est une œuvre élégante mais cynique sur le monde du cinéma – d’ailleurs Woody Allen en assure lui-même la narration en voix-off – et sur ses mirages qui entament les sentiments les plus purs.

LE DISQUE

Le test de l’édition HD de Café Society a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Pas même une bande-annonce n’est disponible en guise de supplément.

L’Image et le Son

Studiocanal se devait d’offrir un service après-vente remarquable pour la sortie dans les bacs du premier film de Woody Allen réalisé en numérique avec la caméra Sony CineAlta. L’éditeur prend soin de Café Society et livre un master HD (1080p) quasi-irréprochable au transfert immaculé. Respectueuse des volontés artistiques originales concoctées par l’immense directeur de la photographie Vittorio Storaro (L’oiseau au plumage de cristal, 1900, Ladyhawke, la femme de la nuit), la copie de Café Society se révèle un petit bijou technique avec des teintes chaudes, ambrées et dorées, une palette chromatique spécifique, le tout soutenu par un encodage de haute volée. Le piqué, tout comme les contrastes, sont riches et tranchants, les arrière-plans sont détaillés, le relief omniprésent et les détails foisonnants. Hormis quelques légers fléchissements sur les scènes sombres, cette édition Blu-ray en met souvent plein la vue.

Deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 français et anglais. L’apport des latérales demeure complètement anecdotique. Si les dialogues de la version française sont dynamiques, ils tendent à prendre le pas sur les ambiances annexes et l’ensemble manque de naturel. La piste anglaise est évidemment celle à privilégier, d’autant plus que la musique, les voix, les ambiances et effets s’accordent avec une réelle homogénéité, mais essentiellement sur la scène frontale. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale.

L’éditeur joint également une piste Audiodescription ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

wasp2015_day_38-0044.CR2 — *Crédits images : ©* Studiocanal

Test DVD / Le Trésor des Collines rouges, réalisé par Frank McDonald

LE TRESOR DES COLLINES ROUGES (Treasure of Ruby Hills) réalisé par Frank McDonald, disponible en DVD le 4 octobre 2016 chez Artus Films

Acteurs : Lee Van Cleef, Zachary Scott, Carole Mathews, Barton MacLane, Dick Foran, Lola Albright…

Scénario : Tom Hubbard, Fred Eggers d’après la nouvelle de Louis L’Amour

Photographie : John J. Martin

Musique : Edward J. Kay

Durée : 1h10

Date de sortie initiale : 1955

LE FILM

Deux propriétaires terriens concurrents veulent posséder la mainmise totale sur la région de Ruby Hills. Se faisant la guerre par tous les moyens, l’un et l’autre devront également affronter le propriétaire de la source alimentant toute la vallée.

Le prolifique cinéaste Frank McDonald (1899-1980) se distingue par la longévité et l’éclectisme de sa carrière avec près de 145 films et séries télévisées réalisés sur une trentaine d’années. Dès le cinéma muet, il se spécialise dans les westerns et films d’aventures, avec parfois huit longs métrages mis en scène la même année ! Les producteurs lui confient des budgets modestes et Frank McDonald s’en acquitte grâce à beaucoup d’ingéniosité. C’est le cas du Trésor des collines rouges, réalisé en 1955, adapté d’une nouvelle de Louis L’Amour (1908-1988), écrivain et auteur principalement de westerns. Tourné dans les studios KTTV dans des décors honnêtes mais limités, Treasure of Ruby Hills est un petit western bien sympathique et délicieusement vintage. Certes, il ne faut pas s’attendre à des affrontements violents et une histoire alambiquée, mais Le Trésor des collines rouges est typique du western tourné à la chaîne, qui sait contenter le spectateur lambda désireux de passer un petit peu de temps dans le grand Ouest. Les cowboys s’apparentent à des playmobiles munis d’une pétoire à pétards, qui déambulent dans une ville faite de trompe-l’oeil ou de façades factices. Mais l’histoire tient la route et va à l’essentiel, surtout que le film ne dure que 70 minutes montre en main.

Zachary Scott (Le Roman de Mildred Pierce, L’Homme du Sud) porte le film sur ses épaules (et sa moustache à la Clark Gable), le sourcil relevé, le rictus ironique qui semble indiquer « il faut pas me la faire », tout en emballant Carole Mathews et en flinguant ceux qui voudraient bien s’emparer de la source d’eau (le trésor du titre) dont il est propriétaire. Les dialogues sont secs et la mise en scène renvoit souvent à l’époque du cinéma muet, durant laquelle le cinéaste a fait ses classes, à l’instar des plans de « réaction » des personnages avant que ceux-ci n’en viennent aux mains ou aux colts. C’est le cas de Lee Van Cleef, âgé de trente ans, qui promène son visage émacié depuis quelques films seulement. Frank McDonald semble conscient du charisme atypique du jeune comédien et prend son temps pour filmer son visage aux traits ambigus, malgré ses deux petites scènes.

Le Trésor des collines rouges est un western distrayant de série B, qui ne cherche pas à en mettre plein la vue, certes prévisible, mais généreux envers ses spectateurs puisque le réalisateur leur apporte tout ce qu’ils sont venus chercher en matière de règlements de comptes, amourette, pression psychologique, cavalcades, gunfights et punchlines.

LE DVD

Le DVD du Trésor des Collines rouges, édité chez Artus Films, repose dans un boîtier Amaray classique. La jaquette, estampillée Les Grands classiques du western, est très attractive avec un visuel élégant du plus bel effet. Le menu principal est fixe et musical.

Dessinateur et scénariste français de bandes dessinées, Georges Ramaïoli présente Le Trésor des Collines rouges de Frank McDonald (15’) en abordant tout d’abord la très longue carrière du réalisateur (près de 150 films et séries répertoriés sur IMDB), puis celle des comédiens principaux. Cela manque un peu d’entrain et notre interlocuteur s’égare parfois en entrant dans la vie privée des acteurs, mais cet exposé n’est pas inintéressant.

Cette section se clôt sur un diaporama de photos et d’affiches d’époque et de plusieurs bandes-annonces.

L’Image et le son

Le master (1.37, 16/9 compatible 4/3) présente encore un lot de défauts, rayures verticales, raccords de montage, tâches, poussières, mais l’image trouve très vite un équilibre convenable, d’autant plus que l’ensemble est plutôt stable. Le Trésor des Collines rouges est proposé dans un style Cinéma de minuit avec quelques fourmillements et plans flous. Si l’image n’est évidemment pas extraordinaire avec un N&B aux contrastes légers et des séquences plus altérées que d’autres avec un grain plus hasardeux, voir le film de Frank McDonald dans ces conditions rajoute au style rétro.

Seule la version originale est disponible et se révèle heureusement riche et plutôt propre. La musique est joliment restituée bien qu’un peu chuintante, certains légers craquements persistent, le report des voix est appréciable, évite toutes saturations exagérées et l’ensemble est au final suffisamment dynamique. Seule une séquence à la 12^e minute a visiblement plus subi les affres du temps avec un souffle plus marqué et des échanges sourds.

Crédits images : © Artus Films / Captures : Franck Brissard

Test Blu-ray / Under Pressure, réalisé par Anna Boden et Ryan Fleck

UNDER PRESSURE (Mississippi Grind) réalisé par Anna Boden et Ryan Fleck, disponible en Blu-ray et DVD le 12 octobre 2016 chez Condor Entertainment

Acteurs : Ryan Reynolds, Ben Mendelsohn, Sienna Miller, Analeigh Tipton, Yvonne Landry, James Toback…

Scénario : Anna Boden, Ryan Fleck

Photographie : Andrij Parekh

Musique : Scott Bomar

Durée : 1h45

Date de sortie initiale : 2015

LE FILM

Malchanceux et fauché, Gerry s’associe avec un joueur charismatique de poker plus jeune, Curtis, afin de retrouver enfin la chance. Les deux hommes se lancent alors dans un voyage vers les routes du Sud des États-Unis avec des visions de lointaines victoires passées.

Anna Boden et Ryan Fleck sont respectivement la scénariste et le réalisateur de l’acclamé Half Nelson, qui a connu un grand succès en 2006. Couvert de récompenses dont le Prix spécial du jury à Deauville et à Locarno, le film a également été nommé dans les festivals du monde entier, en offrant même à Ryan Gosling sa première nomination aux Oscars du meilleur acteur. Désormais associés à la mise en scène, Anna Boden et Ryan Fleck réalisent Sugar en 2008, inédit en France et Une drôle d’histoire en 2010 avec Zach Galifianakis, sorti directement en DVD dans nos contrées. Même chose pour leur dernier film, Mississippi Grind, qui arrive dans les bacs sans passer par la case cinéma. Rebaptisé Under Pressure, ce très beau drame mélancolique (jusque dans sa bande-son blues et folk) est étrangement vendu comme un film d’action avec Ryan Reynolds, dont le visage tuméfié qui semble prêt à en découdre, remplit tout le visuel de la jaquette. De même, le résumé du film mentionne à peine le personnage incarné par Ben Mendelsohn alors que ce dernier a bel et bien le premier rôle. Mais il faut bien vendre un film…Toujours est-il qu’Under pressure raconte l’histoire de Gerry (Ben Mendelsohn), quadra au bout du rouleau, accro aux jeux d’argent, endetté, divorcé et père d’une fille qu’il ne voit jamais. Un soir, autour d’une table de poker, il rencontre Curtis (Ryan Reynolds donc), séduisant trentenaire, également expert aux cartes. Roublard, charismatique, enfiévré, il s’attache rapidement à Gerry et souhaite lui venir en aide. Visiblement solitaire et ayant pas mal bourlingué, Curtis propose à Gerry de prendre la route et de tenter ailleurs de remporter le gros lot.

Né en Australie en 1969, Ben Mendelsohn a su s’imposer au fil des années comme un des comédiens les plus fascinants en activité. S’il demeure essentiellement connu dans son pays natal, le grand public a pu l’apercevoir dans Vertical Limit de Martin Campbell, Le Nouveau monde de Terrence Malick, Australia de Baz Luhrmann, mais c’est son rôle d’oncle psychopathe dans Animal Kingdom de David Michôd qui lui ouvre encore plus grand les portes du cinéma hollywoodien. Depuis Ben Mendelsohn a collaboré avec Joel Schumacher, Andrew Dominik, Christopher Nolan, Derek Cianfrance, Anne Fontaine et Ridley Scott et Danny Rayburn dans la série Bloodline. Avant de décrocher un des rôles principaux dans le très attendu Rogue One: A Star Wars Story de Gareth Edwards, Ben Mendelsohn tourne ce petit Mississippi Grind. Magnétique, bouleversant, dingue de charisme, l’acteur a peu à faire pour créer l’empathie avec les spectateurs.

A ses côtés, Ryan Reynolds trouve un de ses plus beaux rôles à ce jour. Il est d’ailleurs étonnant de voir comment le jeu du comédien canadien a su s’affirmer depuis quelques années. Il est ici d’une étonnante et belle sobriété, très élégant. L’excellente Sienna Miller apparaît également au casting, encore une fois métamorphosée et qui a toujours le don de rendre ses personnages marquants même avec peu de temps à l’écran. Dans un tout petit rôle, Analeigh Tipton, révélation de Crazy, Stupid, Love. de John Requa et Glenn Ficarra en 2011, change ici de registre et s’avère remarquable dans le genre dramatique.

Under Pressure est un film lent, plein de spleen, mais dans lequel on se sent bien et qui donne envie de se battre contre tout ce qui peut nous tomber sur la tête. L’histoire est simple, tout comme la manière dont sont abordés les sentiments, mais Under Pressure nous transporte avec les personnages (qui se dévoilent petit à petit), lancés sur les routes de la Nouvelle Orleans, en Alabama, en Iowa et dans le Massachusetts, comme si le temps était suspendu voire s’était arrêté il y a plusieurs décennies. C’est là toute la grande réussite de ce petit film qui avec sa sincérité, sa douceur et sa sensibilité, sans oublier l’alchimie entre les deux comédiens, mérite la plus large audience possible.

LE BLU-RAY

Bien que Ben Mendelsohn soit l’acteur principal du film, il n’apparaît pas sur le visuel principal de la jaquette et son nom n’est même pas mentionné ! La part belle est faite à Ryan Reynolds, plus vendeur, surtout depuis le carton de Deadpool. De plus, avec son titre « français » Under Pressure et la trogne cassée de Ryan Reynolds qui occupe les 2/3 du visuel, cette jaquette induit en erreur puisque le film est bel et bien un drame et surtout pas un film d’action ou un thriller. Le menu principal est animé et musical.

Seul supplément de cette édition, un excellent making of (17′). Composé de nombreuses images de tournage et de propos de l’équipe (les réalisateurs, les acteurs, les producteurs), ce documentaire s’avère dans le ton du film et expose posément les thèmes, les enjeux, les personnages, ainsi que les conditions de tournage.

L’Image et le son

Le Blu-ray d’Under Pressure est proposé au format 1080i. Tourné en 35mm avec un petit budget, ce Blu-ray rend compte des conditions modestes d’un film indépendant, qui peine à trouver un équilibre en Haute-Définition. Si l’on est d’abord séduit par le rendu de la colorimétrie, force est de constater que la définition chancelle à plusieurs reprises. Le piqué manque singulièrement de mordant, tout comme les détails, notamment au niveau des visages des comédiens. Le codec tente de consolider certains plans avec difficulté, surtout sur les quelques séquences sombres. De plus, la profondeur de champ est décevante, quelques fourmillements sensibles s’invitent à la partie, la gestion des contrastes étant au final aléatoire. Toutefois, certains plans sortent aisément du lot avec un relief indéniable et une clarté plaisante sur les séquences diurnes.

Ne vous attendez pas à des explosions ou des effets surround fulminants, mais les mixages DTS-HD Master Audio 5.1 permettent de spatialiser la musique du film. Cependant, les dialogues auraient peut-être gagné à être un poil plus alerte sur la centrale et l’ensemble demeure essentiellement frontal en dehors des quelques plages musicales. Les ambiances naturelles se font parfois ressentir et la balance des enceintes avant et arrière est plutôt bien équilibrée, surtout sur les scènes de casino et de courses. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé à la volée.

Crédits images : © Condor Entertainment / Captures Blu-ray : Franck Brissard

Test Blu-ray / Geronimo, réalisé par Walter Hill

GERONIMO (Geronimo: An American Legend) réalisé par Walter Hill, disponible en Blu-ray et DVD le 21 septembre 2016 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Jason Patric, Robert Duvall, Gene Hackman, Wes Studi, Matt Damon, Rodney A. Grant, Kevin Tighe…

Scénario : John Milius, Larry Gross

Photographie : Lloyd Ahern II

Musique : Ry Cooder

Durée : 1h55

Date de sortie initiale : 1993

LE FILM

1885. Une seule tribu tient encore tête à l’armée et aux colons, celle des Apaches Chiricahuas. Le lieutenant Gatewood est chargé de prendre contact avec leur chef, Geronimo. Ce dernier se rend au général Crook mais Geronimo et son peuple sont parqués dans une réserve trop petite pour eux, Turkey Creek. Geronimo repart alors en guerre et refuse de croire le général Crook…

En 1968, Walter Hill (né en 1942) commence sa carrière en tant que réalisateur de seconde équipe sur L’Affaire Thomas Crown de Norman Jewison puis sur le non moins mythique Bullitt de Peter Yates. Quatre ans plus tard, il signe le scénario de Guet-Apens de Sam Peckinpah, d’après le roman de Jim Thompson, qui témoigne de son attrait pour la représentation de la violence sans fioritures. Il passe enfin derrière la caméra en 1975 avec Le Bagarreur, dans lequel il dirige Charles Bronson et James Coburn. Suivront les formidables Driver et Les Guerriers de la nuit. Son quatrième long métrage, Le Gang des frères James, lui permet d’aborder un nouveau genre, celui du western, à travers l’histoire du gang James-Younger et leurs célèbres attaques de trains et de banques. Les années 1980 sont marquées par d’importants succès au box-office, notamment 48 heures (1982) avec Nick Nolte et Eddie Murphy, qui reste le plus grand triomphe commercial de Walter Hill. En 1985, il revient à la comédie avec Comment claquer un million de dollars par jour, film culte avec Richard Pryor et John Candy. Trois plus tard, il forme le duo Arnold Schwarzenegger / James Belushi dans Double Détente, buddy movie par excellence. Les années 1990 arrivent, ainsi que la suite de 48 heures, sobrement intitulées 48 heures de plus. Si la critique est cette fois très mauvaise, cela n’empêche pas le film de cartonner. Nous arrivons donc en 1993 et Walter Hill décide de revenir au western, genre alors quasi-abandonné, avec Geronimo.

Deux ans après le triomphe de Danse avec les loups de Kevin Costner et celui d’Impitoyable de Clint Eastwood en 1992, le réalisateur confie le scénario de Geronimo à John Milius, réalisateur de Conan le Barbare et de L’Aube rouge, mais également scénariste de Jeremiah Johnson de Sydney Pollack et Apocalypse Now de Francis Ford Coppola. Les deux hommes avaient déjà collaboré en 1987 sur Extrême préjudice. Geronimo est également coécrit par Larry Gross, fidèle à Walter Hill depuis 48 heures. Remarquable nouvelle lecture du mythe Geronimo (1829-1909), un des protagonistes principaux des guerres apaches ayant combattu le Mexique et les États-Unis pour les droits des amérindiens, Geronimo : An American Legend est un sommet de la carrière de Walter Hill. Malgré les stars et têtes d’affiches telles que Gene Hackman dans le rôle du Général George Crook et Robert Duvall dans celui du chasseur d’indiens Al Sieber, sans compter les jeunes acteurs prometteurs, Jason Patric et Matt Damon, Geronimo est le vrai et principal protagoniste de cette histoire. Découvert dans Danse avec les loups et Le Dernier des Mohicans de Michael Mann, le comédien Wes Studi incarne brillamment le chaman guerrier reconnu et respecté. Le film évoque le meurtre de sa mère, de sa femme et de ses trois enfants par l’armée mexicaine près d’un village. Son désir de vengeance, les guerres qu’il a menées en représailles, ses visions prémonitoires, mais aussi l’accord de paix négocié en 1871 après plusieurs années de guerre contre les États-Unis, avec les Apaches Chiricahuas (dirigés par Cochise) sur les conseils de Tom Jeffords sont aussi narrées. Les Apaches obtiennent la création d’une réserve sur leurs terres. Peu de temps après, la réserve Chiricahua est fermée par les autorités américaines. C’est ce point en particulier que Walter Hill et ses scénaristes ont voulu mettre en avant dans Geronimo, le non-respect du Gouvernement américain et les promesses non tenues.

Contre toute attente, même si le film demeure marqué par quelques séquences particulièrement brutales et des affrontements percutants, Geronimo est un film triste, lent, mélancolique, qui montre l’anéantissement d’un peuple et de ses derniers représentants par la suprématie politique et militaire. Un monde disparaît pour laisser la place nette à un autre. L’Amérique doit aborder le XXe siècle en se débarrassant de ce qui « gêne ». Epaulé par la magnifique photographie de Lloyd Ahern II, qui retravaillera ensuite avec Walter Hill jusqu’à dernièrement dans Du plomb dans la tête avec Sylvester Stallone, mais aussi par la musique du fidèle Ry Cooder, le réalisateur est en pleine possession de son art pour faire passer son message, les Etats-Unis sont les seuls responsables de ce véritable génocide. Tourné dans les magnifiques décors naturels de l’Utah et de l’Arizona, Geronimo est un western très violent, autant dans les séquences de guerre que dans les mots prononcés, bourrés de non-dits et de sous-entendus. A ce titre, Jason Patric, découvert dans Génération perdue de Joel Schumacher en 1987, trouve ici son plus grand rôle. Le comédien incarne le Premier lieutenant Charles B. Gatewood, tout d’abord rempli d’espoir quant au sort réservé à Geronimo et à son peuple. Mais il devra se rendre à l’évidence, les Etats-Unis ne comptent pas tenir leurs promesses. Ces désillusions apparaissent également à travers le personnage de Matt Damon, qui tient compte de ses débuts dans l’armée américaine. Tout d’abord impressionné et fier de la mission qui lui est confiée, celle d’escorter Geronimo lors de sa reddition au Général George Crook en 1883, il sera également écoeuré par les principes bafoués d’une nation pour laquelle il était alors prêt à donner sa vie. Il plane donc un vrai spleen sur le film de Walter Hill. La fin est proche en dépit des négociations. Il n’y a plus qu’à l’attendre. L’Enfer, caractérisé par une photo orangée et parfois rouge-sang qui imprègne les décors à mesure que l’issue approche, s’installe sur Terre et le XXe siècle se bâtit sur des faux-semblants et des paysages vidés de leur véritable mémoire.

S’il n’atteint pas le lyrisme de Danse avec les loups et le nihilisme d’Impitoyable, Geronimo est sans doute le troisième western le plus important des années 1990 et mérite d’être sérieusement reconsidéré.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Geronimo, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Au menu des bonus, l’incontournable Bertrand Tavernier est le premier à présenter Geronimo de Walter Hill (35′). Le réalisateur et historien du cinéma indique qu’il s’agit pour lui d’un des grands films du cinéaste. Tavernier retrace son parcours en tant que scénariste et metteur en scène et en vient à la collaboration Walter Hill / John Milius sur Geronimo, également écrit par Larry Gross. L’évolution du scénario, les partis pris et les intentions du cinéaste, l’originalité du traitement, les figures historiques, la mise en scène, les scènes d’action, la musique, la photo, les dialogues, le rythme, le casting, les personnages, les lieux de tournage, tout cela est abordé avec une passion vraiment contagieuse, qui montre que Bertrand Tavernier est toujours aussi épris par son art même après avoir visionné des milliers de films.

Patrick Brion a finalement peu de choses à dire après son confrère. En à peine un quart d’heure, le critique et historien du cinéma dévoile l’origine du nom de Geronimo, avant de faire un rapide tour d’horizon du western au début des années 1990. Brion expose brièvement les carrières respectives de John Milius et de Walter Hill, en indiquant qu’il serait très heureux de présenter un jour Les Guerriers de la nuit qu’il adore tout particulièrement. Il se contente après de citer les propos de Walter Hill recueillis dans un entretien, où le réalisateur s’exprime sur Geronimo.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos/affiches et la bande-annonce.

L’Image et le son

Geronimo est le film le plus récent édité par Sidonis puisqu’il date de 1993. Il n’est donc pas étonnant de se retrouver face à un master HD (1080p, AVC) restauré de fort bonne qualité, propre, stable et qui restitue merveilleusement les partis-pris esthétiques du chef opérateur Lloyd Ahern II. Le piqué n’est sans doute pas aussi ciselé qu’on pouvait l’espérer, mais la colorimétrie est riche, les contrastes élégants, la compression solide comme un roc et la définition subjugue à de nombreuses reprises, à l’exception des scènes sombres où le master montre quelques limites. Ajoutez à cela un grain sensible qui flatte constamment la rétine, un relief impressionnant sur les plans larges. De quoi contenter les amateurs à la fois du genre mais aussi de belles images.

Montez le volume, car le spectacle est garanti sur les scènes de batailles ! Le (re)mixage anglais DTS-HD Master Audio 5.1 se révèle particulièrement ardent. Les frontales et les latérales sont dynamiques, la musique de Ry Cooder exsudée avec force, la spatialisation est fort appréciable et le caisson de basses participe parfois à ce spectacle. Pas de souffle constaté. La version originale est également disponible en Stéréo, de fort bon acabit. La piste française disponible en DTS Master Audio Stéréo 2.0 est évidemment plus « plate », mais s’en sort avec les honneurs avec notamment un excellent doublage. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale, et le changement de langue impossible à la volée.

Crédits images : © Sidonis Calysta / Captures DVD : Franck Brissard

Test Blu-ray / Julieta, réalisé par Pedro Almodóvar

JULIETA réalisé par Pedro Almodóvar, disponible en Blu-ray et DVD le 23 septembre 2016 chez Pathé

Acteurs : Emma Suárez, Adriana Ugarte, Daniel Grao, Inma Cuesta, Rossy de Palma, Darío Grandinetti, Michelle Jenner…

Scénario : Pedro Almodóvar d’après trois nouvelles du recueil Fugitives d’Alice Munro

Photographie : Jean-Claude Larrieu

Musique : Alberto Iglesias, Chavela Vargas

Durée : 1h37

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Julieta s’apprête à quitter Madrid définitivement lorsqu’une rencontre fortuite avec Bea, l’amie d’enfance de sa fille Antía la pousse à changer ses projets. Bea lui apprend qu’elle a croisé Antía une semaine plus tôt. Julieta se met alors à nourrir l’espoir de retrouvailles avec sa fille qu’elle n’a pas vue depuis des années. Elle décide de lui écrire tout ce qu’elle a gardé secret depuis toujours.
Julieta parle du destin, de la culpabilité, de la lutte d’une mère pour survivre à l’incertitude, et de ce mystère insondable qui nous pousse à abandonner les êtres que nous aimons en les effaçant de notre vie comme s’ils n’avaient jamais existé.

En 2011, Pedro Almodóvar signait un de ses chefs d’oeuvre, La Piel que habito, plus complexe, minimaliste, épuré et austère que ses précédents longs métrages, une véritable rupture avec ses superbes mélodrames qui ont fait son immense succès à travers le monde. Thriller organique traumatisant, croisement entre Franju et Hitchcock, porté par un Antonio Banderas glacial et glaçant et l’interprétation hallucinante d’Elena Anaya, La Piel que habito était un sommet dans la carrière du réalisateur espagnol. Ayant néanmoins déçu une partie de son public de base, Pedro Almodóvar revenait deux ans plus tard avec Les Amants passagers, pour lequel il renouait avec son genre de prédilection, la comédie chorale loufoque et bordélique période Movida. Ce 19e long métrage se révélait être le pire de sa filmographie. Rien ou presque ne fonctionnait dans ce retour à la fantaisie, véritable naufrage artistique. Heureusement, Les Amants passagers s’apparentait à une récréation. C’est peu dire qu’on attendait des nouvelles du vingtième film de Pedro Almodóvar après son indigeste cocktail rose-bonbon de sexe, de drogue, d’anxiolytiques, de champagne-vodka-mescaline-jus d’orange et de musique pop des années 1980 ! Et disons-le immédiatement, Julieta est un nouveau chef d’oeuvre à inscrire à son palmarès !

Le cinéaste adapte trois nouvelles du recueil Fugitives (2004) d’Alice Munro, Hasard, Bientôt et Silence, toutes ayant comme point commun le personnage de Juliette. Pedro Almodóvar a donc imaginé comment rattacher ces trois histoires distinctes, pour qu’elles puissent en former une seule, afin que naisse le destin de Juliette, rebaptisée ici Julieta. L’histoire originale se situait à Vancouver. Ayant envisagé un temps de tourner son film en anglais et à New York, le metteur en scène a finalement préféré revenir à sa langue et à sa culture natales avec des prises de vues réalisées en Espagne. Pedro Almodóvar s’approprie l’histoire originale pour livrer un des plus beaux portraits de femmes de sa filmographie, et pourtant Dieu sait que de merveilleux personnages féminins ont déjà jalonné sa carrière. Julieta est un drame sensible, fragile comme du cristal, sur lequel plane un parfum de mystère. Pourquoi une jeune fille, Antía, a-t-elle disparu du jour au lendemain et n’a plus donné signes de vie à sa mère Julieta, ni même expliqué les raisons de son départ ? La belle cinquantaine, Julieta (Emma Suárez) ne s’est jamais remise de cette disparition et a dû apprendre à continuer à vivre avec l’incompréhensible, la douleur et l’inacceptable. Jusqu’au jour où la rencontre avec une amie d’enfance de sa fille, qui affirme l’avoir vue en Italie, remet en question son départ pour le Portugal avec son compagnon. Julieta entreprend alors d’écrire à sa fille et de se livrer comme elle ne l’a jamais fait, sur sa jeunesse jusqu’à sa rencontre avec l’homme de sa vie, le père d’Antía. Par flashbacks, nous découvrons alors la jeune Julieta, incarnée cette fois par Adrianna Ugarte. Deux actrices pour le même personnage à un âge différent, le cinéaste ayant peu confiance dans les maquillages supposés vieillir.

Et Pedro Almodóvar de nous hypnotiser avec ses couleurs, les visages de ses sublimes comédiennes, son récit à tiroirs dans lequel s’enchevêtrent les époques – magnifique passage de relais – et les destins, la délicatesse de chaque geste esquissé ou avorté, ses scènes d’amour passionnées pour faire face à la mort et la fatalité, la beauté insondable des dialogues, tandis que le cinéaste instaure un suspense palpable et une réflexion universelle et bouleversante sur le deuil impossible. Forcément tragique, mais également constamment chaleureux et ensoleillé puisque les astres demeurent mais ne meurent jamais, Julieta est un des récits les plus poignants, gracieux et courageux du réalisateur ibérique qui ne cède jamais au pathos et nous donne furieusement envie de prendre dans nos bras son héroïne intensément romanesque.

LE BLU-RAY

La jaquette, glissée dans un boîtier classique de couleur bleue, reprend le visuel de l’affiche française d’exploitation. Le menu principal est animé et musical.

Pathé va droit à l’essentiel, mais les fans du cinéaste risquent de déchanter. En premier lieu nous trouvons deux entretiens croisés de Pedro Almodóvar et de la comédienne, l’autre avec Adrianna Ugarte. Cinq petites minutes durant lesquelles les intervenants s’expriment sur les intentions et les partis pris, les personnages, les thèmes et l’esthétique du film.

En guise de making of vous trouverez un clip de 11 minutes compilant de nombreuses images du tournage montrant les coulisses, les répétitions, Pedro Almodóvar avec ses comédiens. Surtout, ne visionnez pas ces images avant d’avoir vu le film puisque de nombreuses scènes clés y sont dévoilées !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Pathé nous livre un remarquable master HD de Julieta. Pour la seconde fois de sa carrière, Pedro Almodóvar réalise un film avec des caméras numériques et cela se ressent à l’image. Les contrastes sont tranchants, le piqué saisissant, les détails abondent sur tous les plans, le relief est palpable, la colorimétrie est étincelante et chatoyante. A part quelques petites saccades sur les mouvements rapides et divers plans trop surexposés, la compression AVC n’est jamais prise en défaut, la définition demeure spectaculaire aussi bien dans les scènes en intérieur que dans les séquences en extérieur, bref nous nous trouvons devant un très beau Blu-ray.

En espagnol comme en français, les pistes DTS-HD Master Audio 5.1 sont en parfaite adéquation avec le sujet, à la fois intimiste dans les dialogues, mais également saisissantes et immersives. Les enceintes sont intelligemment mises à contribution même si le cadre confiné restreint les effets latéraux, les voix sont saisissantes sur la centrale et le caisson de basses se mêle efficacement à la partie. Evidemment, la version originale se révèle plus fluide et limpide que son homologue française et demeure la piste à privilégier, mais était-ce bien nécessaire de le préciser ? Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue est verrouillé à la volée.

L’éditeur joint également une piste Audiovision ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Test Blu-ray / Criminal – Un espion dans la tête, réalisé par Ariel Vromen

CRIMINAL – UN ESPION DANS LA TETE (Criminal) réalisé par Ariel Vromen, disponible en Blu-ray et DVD le 5 septembre 2016 chez Metropolitan Vidéo

Acteurs : Kevin Costner, Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Gal Gadot, Jordi Mollà, Michael Pitt, Ryan Reynolds, Alice Eve et Scott Adkins…

Scénario : Douglas Cook, David Weisberg

Photographie : Dana Gonzales

Musique : Keith Power, Brian Tyler

Durée : 1h53

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Dans une ultime tentative pour contrecarrer un complot et une terrifiante catastrophe, les autorités décident d’implanter la mémoire et le savoir-faire d’un agent de la CIA décédé dans le corps d’un condamné à mort aussi imprévisible que dangereux. Il est l’unique chance – à haut risque – d’achever la mission… D’autant qu’en récupérant l’esprit de l’ancien agent, le condamné a aussi hérité de ses secrets…

Même s’il n’a jamais retrouvé le succès qu’il a connu dans les années 1990, Kevin Costner n’a jamais arrêté de tourner. Les années ont fait de lui un fringuant sexagénaire, un monstre de charisme, un des rares comédiens à insuffler l’élégance propre aux stars du cinéma classique dans l’industrie contemporaine. Ces dernières années, le comédien se sera facilement démarqué dans l’excellent The Company Men de John Wells et Le Pari (Draft Day) d’Ivan Reitman, inédit dans les salles françaises et pourtant très bon. On ne l’attendait pas dans le rôle d’un sociopathe dans Criminal – Un espion dans la tête, réalisé par Ariel Vromen, auteur d’un navet avec Marisa Tomei, Danika, et du très bon The Iceman avec Michael Shannon, Winona Ryder et James Franco. A l’instar de son précédent long métrage, Ariel Vromen offre à Kevin Costner l’opportunité d’incarner un homme dépourvu d’émotions et de remords, très violent et glacial. Criminal – Un espion dans la tête repose sur une réalisation soignée, un cadre léché, une photographie inspirée et un casting haut de gamme excellemment dirigé auquel s’ajoutent Gary Oldman, Tommy Lee Jones, Ryan Reynolds, Jordi Mollà, Gal Gadot, Michael Pitt, Alice Eve et Scott Adkins.

Croisement entre La Machine de François Dupeyron (à réhabiliter et d’ailleurs à quand en DVD ?), Volte/Face de John Woo et Renaissances de Tarsem Singh pour lequel Ryan Reynolds fait d’ailleurs étrangement le lien, le quatrième long métrage trouve sa propre identité après un prologue très « Jason Bourne ». Un petit élément de science-fiction vient ensuite se greffer à l’histoire d’espionnage, en gros un anarchiste espagnol est sur le point de s’emparer d’un virus informatique grâce auquel il pourrait contrôler l’armement de toutes les nations. Jerico Stewart (Kevin Costner) est un prisonnier placé sous haute-surveillance qui a passé plus de la moitié de sa vie derrière les barreaux. Il est utilisé comme cobaye dans une expérience scientifique, dernière chance pour mettre la main sur celui qui menace la planète. Décédé lors d’une mission où il devait faire passer aux Etats-Unis un hacker repenti détenant le secret du piratage informatique, la partie encore active du cerveau de l’agent de la CIA Bill Pope (Ryan Reynolds) est transplantée dans celui de Jerico Stewart, qui possède une particularité rare puisqu’une partie de son cerveau demeure en jachère. Cette expérience menée par le Dr. Franks (Tommy Lee Jones) sous la supervision de Quaker Wells (Gary Oldman) l’agent chargé de l’affaire, va donner quelques résultats troublants. Mais Jerico parvient (évidemment) à se faire la malle. Toutefois, il est rattrapé par les souvenirs, les réflexes, la déontologie et les talents de Bill Pope. Jerico Stewart doit se rendre à l’évidence, il ressent pour la première fois. Assailli par des sentiments, il découvre que Bill Pope était marié et père d’une petite fille. Il décide de leur rendre une petite visite…

Voilà en gros le résumé de la première partie de cet excellent thriller, qui n’a malheureusement connu aucun succès dans les salles. Le scénario possède un côté old-school proche du divertissement des années 1990. Cela n’a rien d’étonnant quand on constate que Criminal – Un espion dans la tête a été écrit par Douglas Cook et David Weisberg, scénaristes du cultissime Rock de Michael Bay. Le récit est solidement tenu, le rythme lent mais maîtrisé et la ville de Londres offre un décor atypique à l’ensemble, qui ne manque pas de classe. Kevin Costner avait d’abord refusé le rôle principal deux fois de suite en raison d’un scénario trop paresseux. Oui bon d’accord, il avait récemment accepté celui de Luc Besson pour 3 Days to Kill le navet de McG, mais cela lui a peut-être servi de leçon ! Toujours est-il que les réécritures ont visiblement porté leurs fruits, d’autant plus que Kevin Costner s’est ensuite non seulement impliqué à fond dans l’incarnation de Jerico, mais également dans la salle de montage où il a donné un coup de main au réalisateur.

Le film ne repose pas sur ses scènes d’action, finalement peu présentes, mais sur l’évolution de son personnage et l’émotion affleure là où on l’attendait le moins. Si Criminal – Un espion dans la tête contentera les adeptes du cinéma d’action, ce thriller vaut surtout pour l’exceptionnelle performance de Kevin Costner, bad-ass dans ce rôle musclé, sombre, complexe et violent. En un mot impérial.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Criminal – Un espion dans la tête, disponible chez Metropolitan Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Pour sa sortie dans les bacs, le film d’Ariel Vromen arbore le même visuel que l’affiche d’exploitation française. Le menu principal est sobre, animé et musical.

La section des suppléments comprend tout d’abord quatre petites scènes coupées (4’). Nous retiendrons notamment la première qui montre Bill Pope (Ryan Reynolds) tuer un des hommes de Xavier Heimdahl (Jordi Mollà) qui le traquaient. La troisième confronte le Dr. Franks à Xavier Heimdahl, qui s’en prend à sa mère dans une maison de repos.

A l’occasion de la sortie de Criminal – Un espion dans la tête dans les salles françaises, Kevin Costner et Ariel Vromen se plient au jeu de la promotion. Le comédien parle de son personnage, de la façon dont il l’a abordé et considère qu’il s’agit d’un de ses rôles les plus intéressants. De son côté, le réalisateur parle de ses références (Sidney Lumet, William Friedkin, Alan J. Pakula, Tony Scott et Michael Mann) et des partis pris. Quelques images dévoilent l’envers du décor avec le cinéaste à l’oeuvre sur le plateau avec ses acteurs.

Mais le plus gros de cette interactivité s’avère le making of (40’), composé cette fois encore d’images issues des prises de vues, mais également de formidables interviews de l’équipe du film (producteurs, scénariste, réalisateur, comédiens, compositeur), notamment Kevin Costner qui parle de sa carrière sans langue de bois, posément, en avouant également avoir refusé le rôle deux fois de suite car il ne trouvait pas le scénario à la hauteur. Les acteurs parlent essentiellement du personnage atypique de Kevin Costner et de leur collaboration avec lui. Ariel Vromen a ensuite proposé au comédien de participer au montage pendant une quinzaine de jours. Ses précieux conseils l’ont notamment aidé à revoir l’intégralité des scènes déjà montées, mais également celles qu’il avait mises de côté.

L’Image et le son

Ce master HD (1080p, AVC) de Criminal – Un espion dans la tête ne déçoit pas et se révèle même superbe. Le piqué et le relief sont acérés tout du long et permet d’apprécier les visages des comédiens, la clarté est de mise, le léger grain respecté, le cadre large offre un lot confondant de détails y compris sur les très nombreuses scènes sombres et la belle photographie marquée par des teintes chaudes est habilement restituée. Evidemment, la copie est d’une propreté immaculée, les contrastes sont denses. Les meilleures conditions techniques sont réunies et la définition est exemplaire.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 français et anglais, autant dans les scènes d’affrontements secs que dans les séquences plus calmes. Les quelques pics de violence peuvent compter sur une balance impressionnante des frontales comme des latérales, avec les balles qui environnent le spectateur. Les effets annexes sont très présents et dynamiques, les voix solidement exsudées par la centrale, tandis que le caisson de basses souligne efficacement chacune des actions au moment opportun. La spatialisation est en parfaite adéquation avec le ton du film.

L’éditeur joint également les sous-titres français, destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Test DVD / La Ronde du crime (The Lineup), réalisé par Don Siegel

LA RONDE DU CRIME (The Lineup) réalisé par Don Siegel, disponible en DVD le 19 octobre 2016 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Eli Wallach, Robert Keith, Richard Jaeckel, Mary LaRoche, William Leslie, Emile Meyer, Marshall Reed…

Scénario : Stirling Silliphant

Photographie : Hal Mohr

Musique : Mischa Bakaleinikoff

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 1958

LE FILM

Une bande de trafiquants d’héroïne a trouvé un moyen astucieux de faire passer de la drogue. Ils la cachent dans des objets achetés par des touristes. Lorsque ces derniers reviennent à San Francisco, ils sont pris en filature par plusieurs complices pour récupérer le précieux chargement. Deux de ces hommes, Dancer, un psychopathe extraverti, et Julian, un homme froid et calculateur, doivent reprendre la poudre à trois personnes qui viennent de débarquer, mais la police a découvert la manoeuvre…

Don Siegel (1912-1991) commence sa carrière cinématographique en 1934 en tant que monteur pour la Warner. Il participe notamment au tournage de Griffes jaunes de John Huston (1943) et Casablanca (1943) de Michael Curtiz. En 1945, il passe derrière la caméra avec deux courts-métrages, Star in the Night et Hitler Lives, tous les deux primés par un Oscar. En 1946, Don Siegel signe son premier long métrage, The Verdict, son premier Film noir. Suivront Ça commence à Vera Cruz (1949), Duel sans merci (1952), Ici brigade criminelle (1954), L’Invasion des profanateurs de sépultures (1956). En 1958, on lui propose l’adaptation au cinéma de la série télévisée policière The Lineup, qui fait les beaux jours de la chaîne CBS depuis 1954. La série s’arrêtera en 1960 au bout de 200 épisodes. Mais pour l’heure, Don Siegel souhaite s’éloigner quelque peu de la série originale en se focalisant sur deux tueurs à gages. Même chose, il voudrait intituler son film The Chase, en référence à la poursuite finale prévue dans les rues de San Francisco, qui doit être le point d’orgue de l’intrigue. Le producteur Jaime Del Valle est aussi celui de la série originale et refuse puisque cette transposition doit surfer sur le succès déjà bien installé de ce rendez-vous télévisuel. Qu’à cela ne tienne, le scénario est confié à Stirling Silliphant, auteur du formidable Nightfall de Jacques Tourneur en 1956, qui signera ensuite quelques classiques comme Le Village des damnés (1960), Dans la chaleur de la nuit (1967), L’Aventure du Poséidon (1972) et La Tour infernale (1974).

La Ronde du crime – The Lineup démarre sur les chapeaux de roues. Sur un montage sec et nerveux, la première minute du film, foudroyante, plonge immédiatement les spectateurs dans l’action. Un taxi démarre en trombe, manque de percuter un camion, renverse un officier de la circulation et termine sa course accidentellement. Le titre apparaît. Nous ne sommes pas là pour rigoler. Les flics arrivent sur les lieux de l’accident. Warner Anderson reprend son rôle du Lieutenant Ben Guthrie pour cette adaptation sur le grand écran, tandis que le personnage de l’Inspecteur Al Quine (Emile Meyer) remplace celui de l’Inspecteur Matt Grebb, créé par Tom Tully dans la série. Les vieux de la vieille, semblant dépasser par les événements, tentent d’en savoir un peu plus. Durant les vingt premières minutes, l’intrigue est solidement posée, avec quelques éléments proches du documentaire, impression renforcée par les prises de vues réalisées dans les rues de San Francisco. C’est alors que les deux tueurs à gages débarquent. Julian (Robert Keith), le plus âgé, ne porte pas d’arme, ne tue pas, et forme son comparse Dancer (Eli Wallach), qui doit visiblement prendre sa relève. Mais Dancer est imprévisible, nerveux, et semble constamment sur le point d’exploser de violence alors difficilement contenue. Ils ont pour mission de récupérer trois chargements de drogue arrivés à San Francisco par l’intermédiaire de mules qui s’ignorent, en l’occurrence des passagers qui ont transporté sans le savoir quelques grammes d’héroïne. Un travail d’enfant selon Julian, même si Dancer, stressé, semble perdre patience, d’autant plus que la mission doit être remplie avant 16h05 le même après-midi.

Le scénario de Stirling Silliphant ne s’encombre pas du superflu et va droit à l’essentiel. Les personnages sont bien installés et le réalisateur ne s’en cache pas, ce sont bien les deux tueurs à gages qui lui importent. Pour sa deuxième apparition au cinéma après La Poupée de chair d’Elia Kazan (1956), Eli Wallach, exceptionnel, crève littéralement l’écran dans le rôle du gangster psychopathe. Souvent filmé en gros plan, ses tics nerveux, ses rictus, ses regards noirs deviennent la principale attraction de The Lineup. Sur un rythme effréné et un montage remarquable signé Al Clark (Mr. Smith au Sénat, 3h10 pour Yuma), le réalisateur suit le parcours de ces deux tueurs jusqu’à ce que leur mission capote à cause d’une petite fille qui a trouvé le sachet de drogue dans sa poupée et l’a utilisé pour…lui repoudrer le visage. Dancer arrive à bout et Julian ne peut alors plus le contenir. Plus dure sera la chute, au sens propre comme au figuré.

Méconnu en France, La Ronde du crime est un des meilleurs films de Don Siegel, qui compte pourtant déjà plusieurs classiques et chefs-d’oeuvre à son actif. Un diamant noir à découvrir absolument.

Et pour le plaisir…

LE DVD

Disponible chez Sidonis Calysta, La Ronde du crime intègre la collection Film Noir. Le visuel de la jaquette est très attractif et soigné, tout comme la sérigraphie du DVD. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné. Le menu principal est quant à lui animé et musical.

Bertrand Tavernier présente La Ronde du crime (25’) avec une passion contagieuse et un humour communicatif. Il évoque tout d’abord un entretien donné par James Ellroy à Eddie Muller, grand spécialiste du Film Noir, pour le DVD américain du film de Don Siegel. Un supplément interdit aux moins de 17 ans explique Tavernier, dans lequel Ellroy se lâche sur les « Chinetoques », les « Bonnes femmes » et quelques mots fleuris désignant les communautés. Après cette introduction, Bertrand Tavernier en vient directement au film en expliquant tout d’abord que la grande réussite de The Lineup ne lui avait pas sauté aux yeux la première fois. Il le considère aujourd’hui comme un des plus grands films de Don Siegel. La genèse du film, le scénario de Stirling Silliphant, le casting, les partis pris, les lieux de tournage (qui seront repris par le même Don Siegel pour L’Inspecteur Harry), tout est ici abordé avec une érudition exceptionnelle.

C’est ensuite au tour de François Guérif, critique de cinéma, éditeur et directeur de la collection Rivages/Noir, de revenir sur La Ronde du crime (13’). Si quelques propos reprennent quelques arguments entendus durant la présentation de Bertrand Tavernier, François Guérif s’attarde surtout sur l’aspect documentaire du film, renforcé par le tournage en décors naturels, faisant de la ville de San Francisco un personnage à part entière.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et une galerie de photos.

L’Image et le son

Ce master restauré au format respecté 1.85 de La Ronde du crime, jusqu’alors inédit en France, est on ne peut plus flatteur pour les mirettes. Tout d’abord, le splendide N&B de Hal Mohr (Capitaine Blood, L’Equipée sauvage) retrouve une densité inespérée dès l’ouverture. La restauration est indéniable, aucune poussière ou scorie n’a survécu au scalpel numérique, l’image est d’une stabilité à toutes épreuves. Les contrastes sont fabuleux et le piqué n’a jamais été aussi tranchant. Le grain original est présent, sans lissage excessif, ce qui devrait rassurer les puristes. Le cadre fourmille de détails, les fondus enchaînés n’entraînent pas de décrochages et cette très belle copie participe à la redécouverte de ce chef d’oeuvre oublié de Don Siegel.

L’éditeur nous propose les versions anglaise et française de La Ronde du crime. Passons rapidement sur cette dernière, moins dynamique, qui a toutefois bénéficié d’un nettoyage aussi complet que son homologue. Evidemment, notre préférence va pour la version originale, plus homogène et naturelle, tout aussi propre, sans souffle parasite. Le confort acoustique est largement assuré. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé.

Test Blu-ray / Little Big Man, réalisé par Arthur Penn

LITTLE BIG MAN réalisé par Arthur Penn, disponible en Blu-ray et Édition Coffret Ultra Collector – Blu-ray + DVD + Livre le 19 octobre 2016 chez Carlotta Films

Acteurs : Dustin Hoffman, Faye Dunaway, Chief Dan George, Martin Balsam, Richard Mulligan, Jeff Corey…

Scénario : Calder Willingham

Photographie : Harry Stradling Jr.

Musique : John Paul Hammond

Durée : 2h20

Date de sortie initiale : 1970

LE FILM

Âgé de 121 ans, Jack Crabb, seul survivant du massacre de Little Big Horn, raconte son histoire à un journaliste. Adopté par une famille de Cheyennes, ce visage pâle est surnommé Little Big Man à cause de son immense courage. Un jour, toute sa tribu est massacrée par les Blancs et Jack est alors recueilli par un pasteur et sa femme. Mais le jeune homme est partagé entre ses origines indiennes et son nouveau peuple..

Le cinéaste Arthur Penn (1922-2010) commence sa carrière en 1958 avec Le Gaucher, d’après un scénario de Gore Vidal, un petit western tourné en N&B, avec le jeune Paul Newman dans le rôle de Billy the Kid. Refusant de se fondre dans le moule hollywoodien, le perfectionnisme et les méthodes peu orthodoxes d’Arthur Penn irritent les studios et même certains comédiens et producteurs avec qui il travaille. Burt Lancaster obtient même son renvoi du tournage du Train, repris en main par John Frankenheimer en 1964. Si la critique américaine ne cesse de le bouder, les cinéphiles français et européens accueillent chaleureusement ses films, La Poursuite impitoyable (1966), Alice’s Restaurant (1969) et surtout Bonnie and Clyde (1967) qui lui offre le succès des deux côtés de l’Atlantique. 1970 est une année pivot aux Etats-Unis. Dans le monde politique, mais également cinématographique. Arthur Penn entreprend alors son film le plus ambitieux, Little Big Man.

Grosse production entièrement tournée en décors naturels, entre le Canada et les réserves indiennes du Montana, Little Big Man est une fresque grandiose et magnifique. Arthur Penn souhaitait déjà réaliser ce projet depuis quelques années, mais ne parvenait pas à réunir le budget nécessaire en essuyant quelques refus polis des producteurs en raison de la part belle faite aux Indiens dans le scénario. Le triomphe de Bonnie and Clyde lui sera bénéfique. Révélé en 1967 dans Le Lauréat de Mike Nichols, Dustin Hoffman enchaîne avec Macadam Cowboy de John Schlesinger, nouveau triomphe qui place alors le comédien parmi les plus convoités. Après John et Mary de Peter Yates, Dustin Hoffman est choisi par Arthur Penn pour tenir le rôle principal dans Little Big Man. Un pari risqué pour l’acteur puisqu’il doit incarner un personnage de l’âge de 17 à…121 ans, Dustin Hoffman étant alors dissimulé sous d’incroyables prothèses très réalistes.

Plus de dix ans après Le Gaucher, Arthur Penn revient au western. Toutefois, le scénario écrit par Calder Willingham (Les Sentiers de la gloire, La Vengeance aux deux visages) d’après le roman de Thomas Berger publié en 1964 et sorti en France l’année suivante sous le titre Mémoires d’un Visage pâle, entreprend de revisiter l’Ouest américain, en se focalisant notamment sur le point de vue des Indiens. Pour Arthur Penn il s’agit plutôt d’un film de guerre. Little Big Man est le récit d’un homme dont le destin s’est retrouvé mêlé à celui d’une figure historique, en l’occurrence celle du major-général Custer lors de la célèbre bataille de Little Bighorn aka Custer’s Last Stand, qui opposa les hommes du 7e régiment de cavalerie de l’armée américaine à une coalition de Sioux et de Cheyennes rassemblés par Sitting Bull puis menés par Crazy Horse les 25 et 26 juin 1876. Recueilli avec sa sœur (qui préférera s’enfuir le soir même) par les Cheyennes à l’âge de dix ans, alors que leur village venait d’être massacré par les Pawnee, Jack est ensuite élevé comme un des leurs. Il apprend leur langue, leurs méthodes de combat et leurs coutumes. Malgré sa petite taille, il fait preuve de courage et de bonté auprès des « siens », ce qui lui vaut d’être appelé Little Big Man. Lors d’une attaque des Tuniques Bleues, qui s’en prennent également aux femmes et aux enfants, Jack parvient à se faire voir comme un « Blanc » et se trouve à nouveau recueilli par une nouvelle famille.

Little Big Man est aussi le destin d’un petit homme lié à la Grande Histoire. Tour à tour guerrier indien, pupille d’un révérend, complice d’un charlatan, roi du pistolet, commerçant, ivrogne, muletier, ermite, Jack Crabb est placé plusieurs fois sur le chemin de Custer, responsable de l’extermination de ses frères Indiens. S’il tente d’assassiner le militaire américain, sans succès, l’Histoire placera une dernière fois Jack devant Custer avant que ce dernier ne lance son assaut sur Little Big Horn. Jack, entre deux cultures diamétralement opposées, passera sa vie à chercher sa place dans un monde complètement fou, où la guerre et la violence refont surface chaque fois qu’il semblait enfin apaisé.

Fantastique épopée photographiée par le chef opérateur Harry Stradling Jr. (Le Fantôme de Cat Dancing, Le Merdier), Little Big Man convoque la Grande Histoire, évoque le massacre des Indiens à travers de stupéfiantes séquences d’exterminations tournées de manière frontale. Nous sommes à la fin des années 1960 et cette évocation rappelle évidemment la guerre du Vietnam alors au centre des actualités. Outre l’immense interprétation de Dustin Hoffman, n’oublions pas celle du Chef Dan George, né Te-Wah-No, authentique chef Indien issu de la Colombie-Britannique à Vancouver. Devenu comédien, il est le seul à avoir été nommé aux Oscars pour Little Big Man. L’une de ses plus célèbres apparitions demeure également celle aux côtés de Clint Eastwood dans le formidable Josey Wales hors-la-loi (1976). La participation de Faye Dunaway, trois ans après Bonnie and Clyde, est également truculente et marquante, tout comme celle de Martin Balsam dans la peau du charlatan Merriweather et Richard Mulligan qui campe un Général Custer frappadingue, reflet d’une Amérique qui a trouvé le parfait pantin pour laisser libre cours à ses instincts les plus bas. Malgré ses scènes violentes, Little Big Man est un film qui regorge d’humour et même de séquences burlesques, à l’instar de la partie « Pistolero » où Jack affublé d’un costume ridicule essaye de prendre la posture d’une terreur de l’Ouest alors qu’il ne sait tirer que sur des bouteilles.

Enfin, Little Big Man est un récit initiatique durant lequel le personnage, alors innocent, sera témoin d’un des plus grands génocides de l’Histoire. A travers ce portrait, Arthur Penn livre une œuvre allégorique et résolument contestataire doublée d’un profond message humaniste. Un chef d’oeuvre.

LE BLU-RAY

L’édition chroniquée est celle du Blu-ray Single. Little Big Man est également disponible en édition limitée et numérotée à 3000 exemplaires. Ce quatrième coffret Ultra-Collector comprend le Blu-ray, l’édition Double DVD ainsi qu’un livre de 160 pages. Ce titre rejoint ainsi Body Double, L’Année du Dragon et Panique à Needle Park, sortis également en coffret Ultra-Collector depuis décembre 2015. Le Blu-ray de Little Big Man, édité chez Carlotta Films, repose dans un boîtier classique de couleur noire, glissé dans un surétui cartonné du plus bel effet. Le visuel de la jaquette – celui de l’affiche de la ressortie 2016 – est on ne peut plus élégant et attractif. Le menu principal est fixe et musical.

En plus de la bande-annonce originale et celle de la ressortie 2016, nous ne trouvons sur cette édition qu’une préface de l’historien du cinéma et critique à Positif, Philippe Rouyer (7′). Cette présentation est intéressante, bien que courte, et permet de situer Little Big Man dans la carrière d’Arthur Penn. Le parcours du cinéaste est brièvement évoqué, tout comme la genèse et les thèmes du film, ainsi que la place du réalisateur à Hollywood.

L’édition Ultra-Collector comprend également un deuxième disque intégralement consacré aux autres suppléments :

Une épopée picaresque (25′) : Philippe Rouyer revient sur les aventures de Jack Crabb, héros tragi-comique témoin du génocide indien.

Arthur Penn sur le tournage de Little Big Man (26′) : Dans ce documentaire du photographe américain Elliott Erwitt réalisé au coeur du tournage de Little Big Man, le cinéaste Arthur Penn se confie sur sa méthode de travail et celle de son acteur Dustin Hoffman, et revient sur les choix artistiques opérés pour ce film.

Les Multiples facettes de Dustin Hoffman (14′) : Dans Little Big Man, Dustin Hoffman réalise l’exploit de jouer un personnage âgé de 17 à 121 ans. Dans ce documentaire signé Elliott Erwitt, le comédien américain évoque son travail sur le tournage du film d’Arthur Penn et livre quelques-uns de ses secrets d’acteur.

Le livre de 160 pages, intitulé Penser la spontanéité, contient 60 photos inédites provenant du tournage, explore la réalisation de Little Big Man et surtout le travail d’Arthur Penn au sein de l’industrie hollywoodienne. Au fil d’un entretien fleuve avec Robin Wood et d’analyses cinématographique et historique, se dessinent une méthode de travail et une pensée uniques qui font de Little Big Man un des films les plus contestataires et démythificateurs produits par Hollywood.

L’Image et le son

Quelle restauration ! Ce master HD (1080p, AVC) permet aux spectateurs de redécouvrir Little Big Man dans de superbes et inédites conditions techniques, avec un grain original heureusement conservé et bien géré. Les volontés artistiques du mythique chef opérateur Harry Stradling Jr. Sont respectées et nous avons l’impression de redécouvrir complètement le chef d’oeuvre d’Arthur Penn. Après un prologue et un générique au grain plus appuyé et aux légers fourmillements, tout s’arrange. La copie est souvent sidérante de beauté et de stabilité, le nouvel éclat des couleurs est saisissant – à l’instar du ciel bleu – la luminescence du ciel est aveuglante. Les noirs sont concis, le piqué vif et acéré, la propreté impressionnante même si quelques poussières et points blancs subsistent, les détails sur le cadre large sont légion et les contrastes pointus, y compris sur les séquences en intérieur. Les gammes chatoyantes sont harmonieuses, la profondeur de champ est abyssale sur les plaines ou paysages enneigés, et le relief omniprésent.

La version originale a bénéficié d’un lifting de premier ordre avec une promotion en DTS-HD Master Audio 5.1. Les latérales restent pratiquement au point mort tout du long et se contentent principalement de spatialiser la musique du film et les ambiances lors des fusillades. Ce mixage est donc essentiellement frontal et se révèle d’une propreté hallucinante. Chaque trot de cheval, le vent qui souffle dans la plaine, les coups de feu sont distincts. Pour un meilleur confort acoustique, n’hésitez pas à sélectionner directement le mixage anglais 1.0 qui s’avère plus harmonieux et tout aussi riche en terme d’effets. La piste française est uniquement disponible en 1.0., propre, sans aucun souffle ni grincements ou saturations, cette option est aussi de haut niveau. Les sous-titres sont imposés sur la version originale et le changement de langue est verrouillé.