Test DVD / Dans la forêt, réalisé par Gilles Marchand

DANS LA FORÊT réalisé par Gilles Marchand, disponible en DVD le 20 juin 2017 chez Pyramide Vidéo

Acteurs : Jérémie Elkaïm, Timothé Vom Dorp, Théo Van de Voorde, Mika Zimmerman, Sophie Quinton, Mireille Perrier…

Scénario : Gilles Marchand, Dominik Moll

Photographie : Jeanne Lapoirie

Musique : Philippe Schoeller

Durée : 1h39

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Tom et son grand frère Benjamin partent en Suède retrouver leur père pour les vacances d’été. Tom appréhende les retrouvailles avec cet homme étrange et solitaire. Le père, lui, semble convaincu que Tom a le don de voir des choses que les autres ne voient pas. Quand il leur propose d’aller vers le Nord pour passer quelques jours dans une cabane au bord d’un lac, les enfants sont ravis. Mais l’endroit est très isolé, au milieu d’une immense forêt qui exacerbe les peurs de Tom. Et plus les jours passent, moins le père semble envisager leur retour…

Gilles Marchand est avant tout scénariste. Il y a vingt ans, il signe Les Sanguinaires et Ressources humaines (1999) de Laurent Cantet. En 2000, il fait aussi une rencontre déterminante avec le réalisateur Dominik Moll pour lequel il écrit le scénario de Harry, un ami qui vous veut du bien, grand succès public et critique dans le monde entier. Tout en continuant sa collaboration avec divers metteurs en scène, tels que Jean-Paul Rappeneau pour Bon voyage et Cédric Kahn pour Feux rouges, Gilles Marchand passe lui-même derrière la caméra pour son premier long métrage, Qui a tué Bambi ? (2003), avec Laurent Lucas et Sophie Quinton. Il faudra attendre 2010 pour découvrir son deuxième film, L’Autre monde, très bon thriller à la frontière du fantastique, coécrit avec Dominik Moll, avec au casting Louise Bourgoin, Melvil Poupaud, Grégoire Leprince-Ringuet et Pauline Etienne. Malheureusement, même si très réussi, L’Autre monde ne remporte aucun succès dans les salles. Coauteur de Main dans la main et de Marguerite et Julien de Valérie Donzelli, Gilles Marchand revient avec son troisième long métrage, Dans la forêt, coproduit par la réalisatrice de La Guerre est déclarée et par Jérémie Elkaïm, tandis que Dominik Moll coécrit le scénario une fois de plus.

Tom, 8 ans, sent une présence maléfique. Son frère Benjamin, 11 ans, ne le croit pas. Ensemble, ils doivent rejoindre en Suède leur père qu’ils n’ont pas beaucoup vu depuis qu’il a divorcé de leur mère. Insomniaque, celui-ci leur propose de partir en excursion en forêt. Il veut se rendre dans une maison perdue dans les bois. D’emblée, les enfants ne se sentent pas bien et sont de plus en plus effrayés par le comportement étrange de leur père. Quand ils lui demandent de s’en aller, celui-ci voit rouge et jette au feu le téléphone de Benjamin. Il sait que Tom a un don et qu’il perçoit des choses invisibles pour le commun des mortels.

C’est une claque comme il en arrive rarement dans le film de genre français. Dans la forêt joue avec les peurs liées à l’enfance, celles du croquemitaine, comme une version moderne du Petit Poucet, mais pas seulement. Film à la croisée de genres, drame psychologique imprégné d’une aura fantastique, Dans la forêt ne cesse de faire perdre ses repères aux spectateurs, comme à ses jeunes personnages, afin de mieux les plonger dans un univers étouffant et angoissant, à l’instar de cette forêt pourtant sublime qui se referme progressivement sur ses protagonistes de façon angoissante. Inspiré des propres souvenirs d’enfance du cinéaste, liés à de nombreux voyages faits avec son frère pour rejoindre leur père dans un pays étranger, Dans la forêt peut également se lire comme une relecture de La Nuit du chasseur et surtout de Shining avec ce petit garçon – Timothé Vom Dorp vu dans Le Fils de Jean de Philippe Lioret et Ce sentiment de l’été de Mikhaël Hers, incroyable de justesse – qui aurait un don de médium. Comme il l’indique à un psy pour enfants, Tom a « peur de comment ça va se passer » chez son père en Suède. Et il s’agit plus d’un pressentiment que d’une appréhension. Le récit se déroule ensuite lentement, à hauteur d’enfant, où chaque plan, chaque cadre ne cesse d’engloutir le spectateur, sans oublier la beauté de la photographie de Jeanne Lapoirie (8 femmes, Michael Kohlhaas) et la composition de Philippe Schoeller. De plus, Gilles Marchand offre son meilleur rôle à Jérémie Elkaïm. Habituellement monocorde et peu expressif, le comédien est ici incroyablement inquiétant, impressionnant et ambigu. Chaque regard noir ou chaque réplique glaciale font ici l’effet d’une guillotine, tandis qu’une menace semble se rapprocher des enfants et de Tom en particulier. Mais d’ailleurs d’où vient-elle ? Et quel est ce monstre étrange que seul Tom semble apercevoir ? Est-ce juste le fruit de son imagination ? Que veut réellement le père ?

Des questions, on s’en pose beaucoup tout au long du film. Félicitons Gilles Marchand, metteur en scène décidément trop rare, de ne pas y répondre et surtout de laisser son audience se faire sa propre interprétation. Dans la forêt est une œuvre à connaître absolument et gageons qu’un excellent bouche-à-oreille entre cinéphiles lui offrira une seconde vie. Ce qu’il mérite amplement.

LE DVD

Le test du DVD de Dans la forêt, disponible chez Pyramide Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical et le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film.

Dommage de ne pas trouver de making of dans la section des suppléments, tout comme de commentaire audio. Car l’interview scindée en quatre chapitres (42’ au total) de Jérémie Elkaïm et de Gilles Marchand s’avère absolument riche et passionnante. L’acteur et producteur d’un côté (du canapé), le scénariste et metteur en scène de l’autre, reviennent sur la genèse de Dans la forêt, l’écriture du scénario avec Dominik Moll, les thèmes, la part de mystère dans le film, le point de vue des enfants, le casting, les repérages et les lieux de tournage, le travail avec la directrice de la photo Jeanne Lapoirie, la création du monstre et enfin le rapport avec le spectateur. Si comme nous, vous avez adoré Dans la forêt, ne manquez pas cet entretien, également illustré par des photos de tournage et des images provenant des essais en vidéo des deux jeunes comédiens.

La bande-annonce du film est également au programme.

L’Image et le son

Compte tenu de son inadmissible échec dans les salles, Dans la forêt ne dispose pas d’une édition HD. Heureusement le DVD est de fort bonne qualité et permet d’admirer le travail de la directrice de la photographie, Jeanne Lapoirie, avec sa belle luminosité, des couleurs superbes et ses contrastes duveteux toujours plaisants sur toutes les scènes en forêt. Si les séquences sombres dénotent par rapport au reste avec un léger fléchissement de la définition, des noirs tirant sur le bleu et un piqué plus émoussé, les scènes diurnes sont agréables avec des détails plus ciselés sur le cadre large, une profondeur de champ appréciable, un léger grain et des visages plus précis.

Le mixage Dolby Digital 5.1 est très souvent bluffant. Le spectateur est happé dans cette étrange forêt aux côtés des personnages, grâce au soutien constant des enceintes latérales qui environnent l’audience avec de multiples ambiances naturelles. Les voix sont solidement ancrées sur la centrale, la balance frontale est dynamique. D’une précision sans faille, dense, dynamique, le confort acoustique est largement assuré. La Stéréo est par définition frontale, mais de fort bon acabit. Les sous-titres français pour les spectateurs sourds et malentendants sont également disponibles.

Crédits images : © Pyramide Distribution / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Le Canard à l’orange, réalisé par Luciano Salce

LE CANARD À L’ORANGE (L’anatra all’arancia) réalisé par Luciano Salce, disponible en Blu-ray et DVD le 27 juin 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Ugo Tognazzi, Monica Vitti, Barbara Bouchet, John Richardson, Sabina De Guida, Antonio Allocca…

Scénario : Marc-Gilbert Sauvajon, Bernardino Zapponi d’après la pièce de William-Douglas Home

Photographie : Franco Di Giacomo

Musique : Armando Trovajoli

Durée : 1h45

Date de sortie initiale : 1975

LE FILM

Mariés depuis 10 ans, Lisa et Livio, riches et célèbres, s’aiment et habitent une belle villa au bord de la mer. Au cours d’une conversation, Livio apprend par hasard que Lisa l’aurait trompé avec un playboy milliardaire et cette nouvelle le frappe de plein fouet. Livio désire cependant passer pour un mari moderne et libéré et invite son rival à passer un week-end chez eux. Pour susciter la jalousie de Lisa, il propose à sa jolie secrétaire de se joindre à eux…

L’immense Monica Vitti a eu une autre carrière à côté des films, pour ne pas dire chefs d’oeuvres de Michelangelo Antonioni, L’Avventura (1960), La Nuit (1961), L’Eclipse (1962) et Le Désert rouge (1964). Si elle demeure très célèbre auprès des cinéphiles pour cette association, la comédienne a également fait les beaux jours de la comédie en Italie dès la fin des années 1960. Citons pêle-mêle La Femme écarlate de Jean Valère, Drame de la jalousie d’Ettore Scola, Super témoin de Franco Giraldi, ou bien encore Moi, la femme de Dino Risi dans lequel elle interprète une douzaine de personnages différents dans autant de sketches. Le Canard à l’orange – L’Anatra all’arancia, pour lequel l’actrice a reçu le David di Donatello de la meilleure actrice ainsi que le Ruban d’argent, est réalisé en 1975 par Luciano Salce (1922-1989). Cinéaste aujourd’hui oublié par la critique et les spectateurs, ses comédies ont pourtant attiré un large public pendant près de 35 ans. Luciano Salce a surtout oeuvré avec son grand ami Ugo Tognazzi pour Mission ultra-secrète, Elle est terrible et Les Heures de l’amour, pour ne citer que trois de leurs collaborations, bien que ces films n’aient guère laissé de souvenirs. En revanche, Le Canard à l’orange reste un film culte.

Le long métrage de Luciano Salce est l’adaptation de la pièce de théâtre originale de William Douglas Home, The Secretary Bird, créée en 1967 et très vite transposée dans le monde entier, y compris en France où elle fut jouée par Jean Poiret à la fin des années 1970, sous la direction de Pierre Mondy. Véritable vaudeville, Le Canard à l’orange est du pain béni pour les deux monstres du cinéma transalpin, Monica Vitti et Ugo Tognazzi. Vraisemblablement en parfaite osmose, le couple se renvoie la balle avec virtuosité pendant 1h45, ne laissant pas un moment au spectateur pour souffler. Par ailleurs, s’il n’a jamais brillé pour son sens de la mise en scène, Luciano Salce est bien obligé de suivre le rythme infernal des réparties lancées par son duo vedette, véritables typhons humains, qui non seulement amusent les spectateurs du début à la fin, mais prennent également un évident et contagieux plaisir à jouer cette partition.

Livio Stefani, riche publiciste d’une quarantaine d’années, vit depuis dix ans un bonheur parfait avec sa femme Lisa, même si cela ne l’empêche pas d’avoir quelques aventures à droite à gauche. Cependant, quand il apprend que Lisa en fait de même de son côté et se serait même entiché d’un français plein aux as, Livio voit rouge, mais tente de se contenir. Alors que Lisa annonce partir en weekend avec « Jean-Claude », Livio réplique en disant qu’il vit la même chose avec sa secrétaire Lisa, qui ne brille guère par son intelligence, mais qui a « les plus belles fesses qu’il a pu voir dans sa vie ». C’est alors que Livio propose à Lisa d’inviter leurs amants respectifs afin de passer un bon week-end. Ceux-ci ne tardent pas à arriver.

Evidemment, Le Canard à l’orange est un vrai marivaudage, fait de portes qu’on ouvre et que l’on ferme, de répliques vachardes aux sous-entendus grivois. Le film montre un couple qui s’aime et qui continue de s’aimer, mais qui a peut-être oublié la façon de se le dire ou de le faire comprendre. Ils se prêtent alors à un jeu qui peut paraître dangereux, mais on comprend très vite que la flamme est bel et bien encore présente et que tout est fait pour rendre l’autre jaloux. La maîtresse, Patty, est interprétée par la sculpturale Barbara Bouchet, une fois de plus peu avare de ses charmes qu’elle expose à de nombreuses reprises. La séquence de la piqûre d’abeille est l’une des plus drôles du film et on ne se lasse pas de regarder Monica Vitti passer de la crème hydratante sur les fesses de l’actrice, après que cette dernière se soit fait martyriser avec une pince à épiler. Le playboy français est quant à lui incarné par John Richardson, vu dans Le masque du démon de Mario Bava et Torso de Sergio Martino.

Ce quatuor s’en donne à coeur joie. Le Canard à l’orange est une grande comédie, simple, mais redoutablement efficace, que l’on regarde autant pour passer un très bon moment et que pour admirer le talent de ses comédiens.

LE DVD

Le DVD du Canard à l’orange est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette centrée sur la divine Monica Vitti est très attractive et le verso montre tous les titres déjà ou bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet.

Pour information, cette collection sortira dans les bacs en trois vagues. La première, celle déjà chroniquée dans nos colonnes, est sortie le 28 mars 2017 : Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). La seconde vague, celle que nous explorons ici, est sortie au mois de juin et nous trouvons les titres suivants : Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Le Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). Il faudra attendre le mois de septembre pour compléter sa collection avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

A l’instar des autres titres de la collection, ESC Editions propose une présentation du Canard à l’orange par Stéphane Roux, historien du cinéma (10’). Notre interlocuteur s’intéresse surtout à la pièce de théâtre à l’origine du film, mais aussi et surtout au réalisateur et à ses comédiens. On y apprend entre autres que Dino Risi a longtemps été attaché au projet avec les comédiens George Segal et Monica Vitti dans les rôles principaux, avant que le cinéaste abandonne finalement le projet. Seule la comédienne est restée à bord. Stéphane Roux défend également Luciano Salce, metteur en scène méconnu, touche à tout, qui a rencontré de grands succès dans le registre de la comédie populaire. Plus amusant, l’historien du cinéma ne peut cacher son admiration pour la sublime Barbara Bouchet et prend son temps d’évoquer sa carrière.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Jusqu’alors inédit en DVD, Le Canard à l’orange bénéficie d’une image médiocre, comme si le master avait été sauvé à temps. Ce sont surtout les premières séquences qui font peur avec un générique marqué par des griffures, des couleurs ternes, des tâches et points. Heureusement, la plupart de ces défauts tendent à se faire plus discrets, à moins que nos yeux s’y habituent, mais l’image demeure tout de même aléatoire. La clarté est évidente, mais les visages tirent parfois sur le rose-orangé. Quelques moirages s’invitent à la partie, un bruit vidéo reste présent et la définition peine à trouver un équilibre. Le grain original est présent, mais les contrastes manquent de densité. Il faut donc faire preuve de beaucoup d’indulgence, car ESC Editions a sûrement fait son possible pour nous proposer cette comédie aussi rare que très réussie, afin de satisfaire au mieux les cinéphiles.

La bande-son et les dialogues du Canard à l’orange, proposés en Dolby Digital 2.0, manquent parfois de naturel. Les effets sonores sont discrets et l’ensemble de ce mixage repose avant toute chose sur les très nombreux dialogues du film. Une petite résonance se fait entendre tout comme de légères saturations. En revanche, ce mixage ne manque pas d’ardeur et les quelques accrocs constatés ont tendance à s’amenuiser au fil du film. Les voix y sont beaucoup plus posées et claires, tandis que la musique (qui connaît quelques fluctuations) est bien mise en valeur par de belles envolées. Notons que les sous-titres s’avèrent verrouillés sur un lecteur de salon, mais pas sur un PC. Signalons également que ces sous-titres sont placés trop hauts et que la police épaisse gâche souvent le visionnage.

Crédits images : © R.T.I. S.P.A. / ESC Editions / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Zeder, les voix de l’au-delà, réalisé par Pupi Avati

ZEDER, LES VOIX DE L’AU-DELÀ (Zeder) réalisé par Pupi Avati, disponible en combo Blu-ray-DVD le 18 mars 2017 chez The Ecstasy of Films

Acteurs : Gabriele Lavia, Anne Canovas, Paola Tanziani, Cesare Barbetti, Bob Tonelli, Ferdinando Orlandi, Enea Ferrario, John Stacy…

Scénario : Pupi Avati, Maurizio Costanzo, Antonio Avati

Photographie : Franco Delli Colli

Musique : Riz Ortolani

Durée : 1h40

Date de sortie initiale : 1983

LE FILM

Stefano, un jeune journaliste, achète une vieille machine à écrire. Il découvre du texte encore imprimé sur le ruban. Il apprend ainsi l’existence d’un certain Paolo Zeder, un scientifique qui aurait découvert dans les années 50 un moyen de faire revivre les morts suivant le lieu de leur enterrement. Stefano entre bientôt en contact avec un obscur groupe de savants qui tentent de prouver la véracité des thèses exposées par Zeder…

Réalisateur, scénariste et producteur, Giuseppe Avati, plus connu sous le nom de Pupi Avati (né en 1938) signe avec Zeder, les voix de l’au-delà – connu aux Etats-Unis sous le titre Revenge of the Dead – un de ses films les plus célèbres, du moins pour les amateurs de cinéma fantastique. Eclectique et plutôt prolifique, le cinéaste de La Mazurka del barone, della santa e del fico fiorone (1975) et de La Cage aux minets – Bordella (1976), comédies qui ont fait sa renommée, s’est aussi illustré dans l’épouvante dès son premier long métrage avec le gothique Balsamus, l’homme de Satan (1970). Suivront Thomas e gli indemoniati (1970) et surtout La Maison aux fenêtres qui rient (1976). Passionné par les phénomènes paranormaux, l’ésotérisme et l’occultisme, mais aussi par le macabre, Pupi Avati revient à son genre de prédilection sept ans après ce succès international, avec Zeder, les voix de l’au-delà.

Stefano (le monolithique Gabriele Lavia), un romancier, reçoit une vieille machine à écrire de la part de sa femme Alessandra (la délicieuse Anne Canovas, vue récemment dans la série Plus belle la vie), en guise de présent pour leur anniversaire de mariage. Alors qu’il s’apprête à changer le ruban encreur de la machine, il découvre que les empreintes dactylographiques laissées sur celui-ci par le précédent propriétaire sont encore lisibles. Fasciné par la perspective de cette découverte, Stefano extirpe du ruban la narration d’expériences réalisées par un scientifique du nom de Paolo Zeder qui semblait avoir découvert un moyen de vaincre la mort. Hanté par cette découverte prometteuse sur les théories de Zeder, Stefano va se lancer dans un terrifiant voyage et sera confronté à une conspiration de réanimation des morts !

Zeder, les voix de l’au-delà n’a rien perdu de son pouvoir hypnotique et repose entièrement sur la mise en scène très inspirée de Pupi Avati. Zeder, les voix de l’au-delà est un film très étrange, quasi-inclassable, jouant avec les codes du giallo sans en être un malgré un meurtre réalisé dans le noir avec un objet contondant. A l’instar du personnage principal, le spectateur se retrouve souvent incrédule, mais ne peut s’empêcher de continuer à visionner cette œuvre insolite, poussé par la curiosité, d’autant plus que les événements n’ont de cesse de surprendre et de devenir de plus en plus inquiétants voire franchement dérangeants. Mais cette attraction de l’horreur se manifeste surtout par les partis pris, notamment la photo sombre, poisseuse, étouffante et froide du chef opérateur Franco Delli Colli (Je suis une légende avec Vincent Price), ainsi que par la composition inspirée de Riz Ortolani, les décors fantomatiques, comme cet énorme bâtiment laissé à l’abandon, dans lequel se perd le personnage principal en quête de vérité.

Zeder, les voix de l’au-delà ne manque pas de rebondissements et promène l’audience de Chartres dans les années 1950 à Bologne et plus largement dans la région d’Emilie-Romagne pour ce qui concerne la partie contemporaine. Sans effets gratuits ni ostentatoires, le récit, qui rappelle Simetierre de Stephen King alors publié la même année, se déroule posément, tandis qu’un étau semble se refermer aussi bien sur la gorge du personnage que sur celle du spectateur. Pupi Avati convoque le dernier cri du matériel audiovisuel et les images vidéo renvoyées dans la tombe du terrain K, où les morts peuvent revenir à la vie, sont à la fois drôles et effrayantes. Zeder, les voix de l’au-delà ne verse jamais dans l’excès, bien au contraire, ne joue pas la carte du gore ou des zombies en décomposition, et pourtant se révèle être une œuvre, maîtrisée de A(vati) à Z(eder), pesante et anxiogène, tout en gardant un pied dans un réalisme troublant.

S’il n’est pas sorti dans les salles françaises, le drame de Pupi Avati, car il s’agit bien plus d’un drame que d’un film fantastique, a connu une carrière en VHS et son groupe d’aficionados n’a jamais cessé de croitre. A connaître absolument.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray et le DVD de Zeder, les voix de l’au-delà, disponible chez The Ecstasy of Films, repose dans un élégant boîtier classique de couleur noire. L’élégante jaquette (réversible) saura immédiatement taper dans l’oeil des cinéphiles passionnés de cinéma Bis, et des autres, avec son visuel mystérieux. Le menu principal est animé et musical. Ce titre intègre la collection Cauchemars italiens.

The Ecstasy of Films ne vient pas les mains vides, mais avec près d’une heure de suppléments.

On commence par l’interview de Pupi et Antonio Avati (31’). Enregistrés séparément, les deux frères, le premier réalisateur et le second producteur, reviennent sur la genèse de Zeder, les voix de l’au-delà (à partir du ruban d’une machine à écrire), l’écriture du scénario, le choix des décors, les partis pris, les intentions, le casting et les lieux de tournage. Pupi Avati indique entre autres que Zeder, les voix de l’au-delà correspond à une période de sa vie où il était fasciné par le sujet de la vie après la mort et constituait beaucoup de recherches sur ce thème.

Dans la seconde interview, nous retrouvons l’illustre compositeur Riz Ortolani (1926-2014). Visiblement enregistré peu de temps avant son décès, cet entretien avec le maestro qui aurait signé près de 230 musiques pour le cinéma et la télévision, permet d’en savoir un peu plus sur le travail de ce passionné qui a oeuvré avec les plus grands. Riz Ortolani passe en revue son enfance placée sous le signe de la musique, ses débuts dans le cinéma, ses rencontres déterminantes et bien évidemment sa longue collaboration avec Pupi Avati. Le tout accompagné d’anecdotes diverses et variées, aussi intéressantes que truculentes à écouter.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce, une galerie de photos (y compris de tournage), ainsi qu’un comparatif avant/après la restauration, sans oublier la bande-annonce de Re-Animator 2 – Bride of Re-Animator, bientôt disponible chez The Ecstasy of Films!

N’oublions de mentionner la présence d’un formidable et exclusif petit livret de 20 pages, intitulé De A(vati) à Z(eder), conçu par Frank Lafond, essayiste et directeur de collection, auteur de Jacques Tourneur, les figures de la peur (2007), Joe Dante, l’art du je(u) (2011) et du Dictionnaire du cinéma fantastique et de science-fiction (2014).

L’Image et le son

Zeder, les voix de l’au-delà est présenté pour la première fois en France en DVD et Blu-ray, dans une version intégrale restaurée en Haute-Définition et dans son format original respecté 1.85. L’éditeur indique s’être occupé de l’étalonnage de restauration à Paris, tandis qu’un laboratoire italien s’est chargé du transfert numérique du négatif original du film. Le film est désormais disponible en Blu-ray, au format 1080p (AVC). Difficile de juger une image comme celle de Zeder, les voix de l’au-delà ! Quelques scories et dépôts résiduels demeurent, surtout durant la première partie française, mais dans l’ensemble la copie s’avère propre et bien nettoyée. Les couleurs ternes de la première partie sont bien restituées, de même pour les teintes plus chaudes du reste du film. Dommage cependant que le teint des comédiens passe souvent du rose au plus saumoné. Le master affiche une belle stabilité, certains effets de pompage peuvent se faire ressentir au cours d’une même séquence, sans que cela perturbe le visionnage. Les contrastes sont fermes et le piqué souvent étonnant. La promotion HD est donc validée pour ce titre et l’éditeur s’en sort très bien, malgré l’évidente complexité à respecter les volontés artistiques originales.

Les versions italienne et française sont proposées en DTS-HD Master Audio Mono. Sans surprise, la piste originale s’avère la plus propre et dynamique du lot. Evitez le doublage français, qui privilégient le report des voix – pincées et parfois chuintantes – au détriment des effets et ambiances annexes. Zeder, les voix de l’au-delà est un film qui se déguste avec la musicalité de la langue transalpine. Un panneau indique également que certains éléments audio d’origine ont été perdus.

Crédits images : © OB Films / The Ecstasy of Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Indignation, réalisé par James Schamus

INDIGNATION réalisé par James Schamus, disponible en DVD le 15 juin 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs : Logan Lerman, Sarah Gadon, Tracy Letts, Ben Rosenfield, Melanie Blake Roth, Tijuana Ricks, Pico Alexander, Noah Robbins…

Scénario : James Schamus d’après le roman Indignation de Philip Roth

Photographie : Christopher Blauvelt

Musique : Jay Wadley

Durée : 1h46

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Alors que la guerre de Corée fait rage à l’autre bout du monde, le jeune Marcus Messner compte parmi les heureux élus qui ne doivent pas accomplir leur service militaire. Avec la bénédiction de son père, boucher, et une bourse de sa synagogue en poche, il quitte son New Jersey natal pour une université conservatrice de l’Ohio. De nature timide et marginale, l’intégration à la faculté du jeune homme se passe moyennement. En cause : le refus de Marcus de rejoindre la seule association d’étudiants juifs du campus et d’y rechercher activement de nouveaux amis. Il préfère se consacrer corps et âme à ses cours, jusqu’au jour où il tombe sous le charme de l’énigmatique Olivia Hutton. Celle-ci, dès leur premier rendez-vous, s’adonne à un acte sexuel qui n’en finit pas de troubler Marcus.

Indignation est le premier long métrage de James Schamus, célèbre producteur et scénariste, qui a notamment collaboré avec Ang Lee sur tous ses films depuis 1992, entre autres Tigre et Dragon, Raison et sentiments, The Ice Storm, Le Secret de Brokeback Mountain et même le mal-aimé Hulk. Présenté en section parallèle à la Berlinale en 2016, Indignation est l’adaptation du roman éponyme de Philip Roth, paru en 2008. 28e livre de l’écrivain, Indignation est le second volume du cycle romanesque intitulé Nemesis, comprenant également Un homme (2007), Le Rabaissement (2011) et Némésis (2012). L’action se déroule en 1951. Un jeune américain d’origine juive, Marcus Messner, quitte son environnement familial à Newark, dans la banlieue de New York, pour aller étudier dans l’Ohio au Winesburg College. Enfant sage et étudiant modèle, Marcus Messner voit sa vie basculer lorsqu’il se retrouve confronté aux angoisses irrationnelles de son père, au conservatisme moral et religieux en vigueur à l’université et à sa propre passion amoureuse pour une jeune fille charmante et intelligente mais au comportement sexuel instable. Et si instable voulait tout simplement dire éveillé ?

Récit initiatique et d’émancipation, histoire d’amour troublée et troublante, éveil sexuel, défense du libre-arbitre, critique d’une société antisémite, Indignation brasse de nombreux thèmes. Il y a de très belles choses dans ce film. Tout d’abord les comédiens. Bien qu’âgé de 25 ans, Logan Lerman a déjà plus de quinze ans de carrière. Vu dans Ce que veulent les femmes de Nancy Meyers et The Patriot de Roland Emmerich en 2000, le jeune acteur s’est ensuite illustré dans Le Nombre 23 de Joel Schumacher et 3 h 10 pour Yuma de James Mangold en 2007, avant de se voir confier le rôle-titre des deux opus de la franchise Percy Jackson. Devenu très demandé par les cinéastes, dernièrement chez Darren Aronofsky dans Noé et David Ayer dans Fury, Logan Lerman est non seulement la vedette d’Indignation, mais également le producteur. A ses côtés, la délicieuse Sarah Gadon, révélée au cinéma par David Cronenberg dans A Dangerous Method (2011) et revue chez le même cinéaste dans Cosmopolis (2012) et Maps to the Stars (2014). Dernièrement à l’affiche de La 9ème vie de Louis Drax d’Alexandre Aja et aux côtés de James Franco dans 22.11.63, la minisérie adaptée du chef d’oeuvre de Stephen King, Sarah Gadon illumine Indignation de sa beauté diaphane. L’alchimie entre les deux comédiens et leur immense sensibilité ne peuvent laisser le spectateur indifférent.

Cependant, Indignation demeure un film très bavard, pour ne pas dire trop écrit. Si la séquence de la confrontation entre Marcus et le doyen de l’Université s’avère percutante, certains échanges sonnent faux et manquent de spontanéité. Les personnages sont attachants, mais la mise en scène peine à donner du rythme. Qu’importent si certaines questions restent en suspens, comme ce qui arrive réellement à Olivia, cela ne fait que renforcer l’émotion de ces amours contrariées et complexes, mais James Schamus se contente trop souvent de poser sa caméra et d’observer ses protagonistes. Ainsi, la séquence dont nous parlions entre Marcus et le proviseur n’est filmée qu’en champs-contrechamps, le montage adoptant le rythme des répliques envoyées de part et d’autre.

Rien à redire sur la direction d’acteurs et la reconstitution des années 1950 est aussi discrète que réussie. On est souvent ému par cette histoire grâce au talent des comédiens, mais le spectateur peut décrocher quand le film s’éloigne du couple principal pour évoquer les relents d’antisémitisme et la question de la religion au sein du campus. Certes, Indignation n’évite pas le côté mélodramatique, linéaire et académique du « film indé américain », malgré tout l’histoire ne tombe jamais dans le pathos. En dépit de quelques points faibles, Indignation ne manque pas d’élégance et laisse un beau souvenir.

LE DVD

Disponible chez M6 Vidéo et arrivant directement dans les bacs sans passer par la case cinéma, Indignation n’est guère mis en valeur par l’éditeur avec une jaquette trop sobre et peu attractive. L’éditeur aurait peut-être gagné à mettre en avant Logan Lerman, connu des jeunes spectateurs, alors que les deux comédiens apparaissent dissimulés derrière une vitre embuée. Le menu principal est dans le même ton, animé, musical, un peu triste.

Pour cette sortie technique, l’éditeur joint deux petites featurettes de 6 minutes chacune, composée des propos de Logan Lerman, Sarah Gadon, Tracy Letts, du réalisateur James Schamus et de la chef costumière Amy Roth. Aucune image de tournage à se mettre sous la dent ici, les propos des intervenants se contentent de présenter les personnages, les thèmes du film, l’adaptation du roman de Philip Roth et la reconstitution des années 1950.

L’Image et le son

Pas d’édition Blu-ray pour Indignation, qui doit se contenter d’une sortie basique en DVD, heureusement de bon acabit. Mais il est dommage de ne pas profiter de la très belle photographie du chef opérateur Christopher Blauvelt (The Bling Ring, Night Moves) en Haute-Définition. Le piqué n’est jamais pris en défaut, les contrastes sont très beaux (beaucoup de couleurs sombres et boisées), la profondeur de champ appréciable et la colorimétrie très classe. Le seul bémol provient de certaines séquences sombres et tamisées. La définition flanche quelque peu, les détails sont moins conséquents et la gestion des noirs est un poil plus déséquilibrée.

Indignation n’est pas vraiment le film avec lequel vous pourrez épater la galerie et faire une démonstration de gros son. Les versions française et anglaise sont certes proposées en Dolby Digital 5.1, mais les latérales ne servent réellement qu’à instaurer quelques ambiances naturelles et à spatialiser la musique du compositeur Jay Wadley. Deux pistes Stéréo, très dynamiques, sont également disponibles.

Crédits images : © M6 Vidéo / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Phantasm 2, réalisé par Don Coscarelli

PHANTASM 2 réalisé par Don Coscarelli, disponible en DVD et combo DVD/Blu-ray le 27 juin 2017 chez Sidonis Calysta et ESC Editions

Acteurs : James Le Gros, Reggie Bannister, Angus Scrimm, Paula Irvine, Samantha Phillips, Kenneth Tigar, Ruth C. Engel…

Scénario : Don Coscarelli

Photographie : Daryn Okada

Musique : Fred Myrow, Christopher L. Stone

Durée : 1h37

Date de sortie initiale : 1988

LE FILM

Six ans après les événements qui ont transformé son adolescence en cauchemar, Mike Pearson sort de l’hôpital psychiatrique où il a été soigné pendant tout ce temps. Du passé, il en est toujours imprégné, prêt à reprendre le combat contre le sinistre croque-mort à l’origine du trafic des cadavres du cimetière de Morningside vers une autre dimension. Bientôt rejoint par son ami Reggie, Mike s’engage sur les routes de l’Oregon. D’une ville fantôme à l’autre, les deux hommes découvrent que leur vieil ennemi a considérablement étendu son terrain de chasse…

Puisque Phantasm 2 reprend là où le premier s’arrêtait, nous ferons de même avec cette critique en reprenant le dernier paragraphe de notre chronique du premier opus. Alors si vous voulez en savoir plus sur Phantasm, vous savez ce qui vous reste à faire. A sa sortie, Phantasm est un succès critique et commercial. Le film rapporte près de 12 millions de dollars au box-office nord-américain et attire plus de 500.000 spectateurs en France où il obtient également le prix spécial du jury au Festival international du film fantastique d’Avoriaz. Le budget de 300.000 dollars est donc largement rentabilisé. Toutefois, Don Coscarelli ne reviendra à Phantasm qu’en 1988, réalisant entre-temps un film d’heroic fantasy, Dar l’invincible – The Beastmaster. Ce dernier porté par Marc Singer dans le rôle-titre et l’inénarrable et bustée Tanya Roberts (Dangereusement vôtre, Sheena, reine de la jungle) ne rencontre pas le succès escompté. Don Coscarelli planche alors sur la suite de Phantasm, à partir des éléments mis en place dans le premier volet.

Phantasm 2 sort presque dix ans après le premier volet et cela se ressent, car le cinéma américain a changé entre les deux opus. De nouveaux boogeymen ont fait leur apparition dans le genre épouvante, notamment un certain Freddy Kruger, tandis que la mode est au buddy-movie et aux films d’action stéroïdés du style Commando ou Rambo 2 : la mission. Si Don Coscarelli souhaite prolonger la légende du Tall Man, toujours incarné par l’incroyable Angus Scrimm, Phantasm 2 s’inscrit à la frontière des genres et s’avère un étonnant mélange de western, de film d’horreur bien sûr, de road-movie, saupoudré d’ingrédients de ce qui a fait la recette de L’Arme fatale ou de 48 heures. Evidemment, l’ambiance n’est pas à la rigolade, mais Phantasm 2 ne manque pas d’humour car plus ancré dans son époque. Ce qui pèche en revanche dans ce deuxième chapitre, c’est son manque d’originalité.

Phantasm 2 apparaît presque comme un spectre du premier. L’impression de déjà-vu se fait du début à la fin, toutes les séquences faisant quasiment écho à celles du premier film. Sauf qu’ici le réalisateur bénéficie d’un budget largement supérieur, 3 millions de dollars, soit dix fois plus que pour Phantasm. Du coup, Don Coscarelli se fait plaisir en faisant péter pas mal de choses, notamment deux maisons qui explosent dans les dix premières minutes du film. Dans Phantasm 2, Mike interné depuis les événements, quitte enfin l’hôpital psychiatrique. Quelques années auparavant, son ami et désormais tuteur Reggie le marchand de glaces (Reggie Bannister, présent dans toute la saga), l’avait tiré des mains d’un étrange personnage, le Tall Man, une espèce d’homme-cadavre accompagné de nains monstrueux qui s’emparait des humains pour les transformer et les envoyer, semble-t-il, dans un univers parallèle. Personne n’avait accordé de crédit à son récit et Mike avait été enfermé dans un asile d’aliénés. Dès sa sortie, le maléfique personnage se manifeste à nouveau en tuant toute la famille de Reggie. Cette fois, Mike et Reggie décident de prendre les armes et taillent la route, à la recherche du Tall Man.

Le plus gros problème de Phantasm 2 et ce qui a été reproché à Don Coscarelli (même s’il s’agissait d’une décision des producteurs), est de ne pas avoir repris le jeune A. Michael Baldwin pour le rôle de Mike, lui préférant le jeune et peu charismatique James Le Gros. Souvent irritant, jamais attachant ni convaincant, l’empathie pour le personnage en prend un coup. Outre deux personnages féminins complètement sacrifiés, l’autre point faible de Phantasm 2 est également d’avoir privilégié le côté guérilla – avec la séquence où les héros se fabriquent eux-mêmes leurs armes comme dans un épisode de L’Agence tous risques – au détriment de l’émotion et de la noirceur du premier épisode. Du coup, la première heure, malgré quelques fulgurances, ennuie et manque singulièrement de rythme. La déconvenue est de taille, surtout après l’immense réussite de Phantasm. Don Coscarelli s’amuse avec les millions de dollars mis à sa disposition, comme s’il pouvait enfin réaliser le film dont il rêvait vraiment en 1979. Alors certes le Tall Man évolue, on en apprend un peu plus sur sa nature, même si cela est suggéré, le cadre est inspiré, les sphères volantes et foreuses de crânes, ainsi que les nains cruels sont également multipliés, mais pourtant Phantasm 2 ne possède ni l’aura, ni la virtuosité, ni le fond, ni la force, ni le mystère de son modèle.

Aujourd’hui, cette séquelle demeure un bon divertissement, mais vaut essentiellement pour son dernier acte, où Don Coscarelli compile les morceaux de bravoure (un combat entre deux tronçonneuses, un lance-flammes à la Exterminator, un fusil à quadruple canons sciés), les moments gore et de vraie comédie à la Evil Dead 2 – d’ailleurs le nom de Sam Raimi apparaît à l’écran sur un sachet comprenant des cendres funéraires – avec un montage plus syncopé et des personnages agonisants dans d’impressionnantes convulsions. Mais les aficionados, même si indulgents, ne manqueront pas de pointer les points faibles de cette suite tardive nettement plus commerciale et conventionnelle que le film original.

LE BLU-RAY

A l’instar du Blu-ray du premier film, ESC Editions et Sidonis Calysta s’associent pour nous offrir Phantasm 2 en Haute-Définition. Le film est disponible en DVD, mais aussi en combo Blu-ray/DVD (édition limitée), disposés dans un boîtier métal. Le menu principal est élégant, animé sur des images du film et son célèbre thème principal.

Si le produit possède les mêmes caractéristiques que pour le premier volet, c’est également le cas pour son interactivité. Le premier supplément disponible sur cette édition est une interview croisée (27’) de Guy Astic (Directeur des éditions Rouge Profond, corédacteur en chef de la revue de cinéma Simulacres, parue de novembre 1999 à mai 2003) et de Julien Maury (scénariste et réalisateur, A l’intérieur). Forcément moins passionnante que la présentation de Phantasm, celle de cette séquelle vaut encore une fois essentiellement pour l’intervention de Guy Astic, qui convoque à la fois le fond et la forme du film de Don Coscarelli, tandis que Julien Maury, qui introduit et clôt ce module, partage surtout ses (bons) souvenirs liés à la découverte de Phantasm 2. Guy Astic revient sur l’imagination de Don Coscarelli et l’univers du réalisateur qui le fascinent véritablement. Les partis pris, les intentions du metteur en scène, les différences entre les deux films (moins sombre, plus drôle et débridé), les thèmes, l’évolution du Tall Man sont abordés. Si les propos de Julien Maury s’avèrent donc plutôt anecdotiques et même redondants, ceux de Guy Astic méritent quand même l’attention des cinéphiles et des passionnés du genre.

Le bonus suivant est un entretien de Gregory Nicotero, maquilleur et responsable des effets spéciaux ayant oeuvré sur Phantasm 2. Réalisé en 1995, ce bonus donne la parole à cet expert, devenu une référence à Hollywood (L’Antre de la folie, Une nuit en enfer, Scream, The Mist) qui a fait ses classes sur Le Jour des morts-vivants de George A. Romero (1985) et Evil Dead 2 de Sam Raimi (1987). Composée de nombreuses et précieuses images filmées dans les ateliers des effets visuels et sur le plateau de Phantasm 2, cette interview revient sur la création des scènes d’horreur du film de Don Coscarelli. L’occasion de voir Angus Scrimm se prêter au jeu lors du tournage de la séquence où le Tall Man fond sous l’effet de l’acide.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce originale et une galerie de photos.

Egalement au programme mais non reçu pour ce test, vous trouverez un livret de Marc Toullec intitulé « Au coeur du Phantasm », réalisé à l’occasion de cette édition.

L’Image et le son

Le travail est impressionnant et l’image de ce Blu-ray au format 1080p est très propre, débarrassée de la majeure partie des poussières, griffures et autres résidus qui ont dû être minutieusement enlevés image par image. Les images endommagées ont été réparées et les problèmes de densité et de stabilité ont été considérablement améliorés. Tout au long du processus de restauration, un soin particulier a été apporté afin que la texture originale du film, les détails, la structure du grain ne soient pas affectés par le traitement numérique. Ce nouveau transfert Haute Définition permet de redécouvrir Phantasm 2 sous toutes ses coutures avec une très belle patine argentique. Cette élévation HD offre à la colorimétrie un nouveau lifting et retrouve pour l’occasion une nouvelle vivacité. Si la gestion du grain et des contrastes demeure aléatoire et plus altérée sur les séquences sombres, et si la copie demeure moins impressionnante que celle du Blu-ray de Phantasm, au moins pas de réduction de bruit à l’horizon, les détails et le piqué sont plus qu’honorables. N’oublions pas la stabilité de la copie soutenue par un codec AVC exigeant.

En anglais comme en français, les deux mixages DTS-HD Master Audio 2.0 contenteront les puristes. Au jeu des comparaisons, la piste anglaise – pas de remixage 5.1 ici – s’avère nettement plus dynamique et limpide, bref largement supérieure à son homologue, avec une belle restitution des dialogues et de la musique. Les effets sont solides bien que certains paraissent plus étouffés, mais le confort est assuré. Pas de souffle constaté. Le doublage français réalisé entre autres par les illustres Patrick Préjean, Céline Monsarrat et Thierry Bourdon est très réussi et titille la fibre nostalgique. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la version originale.

Crédits images : © ESC Editions / Sidonis Calysta / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Gang Anderson, réalisé par Sidney Lumet

LE GANG ANDERSON (The Anderson Tapes) réalisé par Sidney Lumet, disponible en DVD et Blu-ray 13 juin 2017 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Sean Connery, Dyan Cannon, Martin Balsam, Ralph Meeker, Alan King, Christopher Walken…

Scénario : Frank R. Pierson d’après le roman de Lawrence Sanders

Photographie : Arthur J. Ornitz

Musique : Quincy Jones

Durée : 1h39

Date de sortie initiale : 1971

LE FILM

A sa sortie d’une peine de dix ans de prison, le cambrioleur Duke Anderson retrouve sa maîtresse dans un hôtel de luxe. Reformant un gang avec l’aide d’un homme d’affaires baignant dans la mafia, il organise la mise à sac de l’immeuble et de ses richissimes occupants. Malheureusement, Duke est suivi par plusieurs équipes de surveillance qui en veulent aux personnages qu’il engage pour ce braquage de grande envergure…

Même les plus grands ont besoin d’une récréation ! C’est le cas du Dossier Anderson (titre français) aka Le Gang Anderson (titre belge) aka The Anderson Tapes (titre original), réalisé en 1971 par le grand, par le maître Sidney Lumet (1924-2011), sur un scénario de Frank Pierson (Luke la main froide, Un après-midi de chien) d’après le roman de Lawrence Sanders publié en 1969. Depuis 12 hommes en colère, son premier long métrage et coup d’essai-coup de maître en 1957, le cinéaste a quasiment signé un film par an, ce qu’il fera d’ailleurs durant toute sa carrière. Il rencontre Sean Connery en 1965 pour La Colline des hommes perdus et c’est un coup de foudre artistique réciproque entre les deux hommes. Sidney Lumet est le premier à vouloir emmener le comédien loin du personnage de James Bond, ce que désire Sean Connery qui commence à se demander si sa carrière pourra survivre après avoir rendu le Walther PPK.

Sous contrat avec la United Artists depuis James Bond contre Dr No, Sean Connery se tourne vers sa société de distribution qui lui propose alors un marché. Suite aux chiffres décevants du dernier opus Au service secret de sa Majesté (avec son remplaçant George Lazenby), la United Artists demande à Sean Connery de reprendre sa panoplie de super agent pour Les Diamants sont éternels, en échange de quoi elle s’engage à lui laisser carte-blanche pour deux films indépendants de son choix. Un salaire d’1,250,000 $ est alors posé sur la table plus un pourcentage sur les recettes de cet « ultime » épisode pour le comédien rentrant par ailleurs dans le Livre des records. Sean Connery accepte bon gré mal gré et emmène son smoking au pressing. Parallèlement, Sidney Lumet souhaite retrouver l’acteur écossais pour son nouveau film, Le Gang Anderson (nous utiliserons ce titre pour coller avec l’actualité DVD-Blu-ray) dans lequel il interprète un homme, Duke Anderson donc, libéré de prison après avoir purgé une peine de dix ans. Il retrouve sa maîtresse, Ingrid (Dyan Cannon, vraiment canon d’ailleurs), qui habite un luxueux appartement new-yorkais, dans un immeuble de grand standing. L’idée germe, dans l’esprit de Duke, voleur professionnel, d’un coup fabuleux qui devrait lui rapporter dix millions de dollars : piller la totalité de l’immeuble, trois étages, six appartements. Il commence à recruter ses hommes, pour la plupart ses anciens camarades de cellule : Tommy (Martin Balsam, formidable), un antiquaire homosexuel, chargé de se rendre sur place pour évaluer le mobilier de chacun des locataires, le Kid (Christopher Walken dans son premier vrai rôle au cinéma), expert en électricité, et Spencer (Dick Anthony Williams, la classe décontractée), conducteur chevronné et activiste des Black Panthers. Mais pendant la captivité de Duke, les technologies ont évolué. Le gangster commence les préparatifs sans se douter qu’il est épié – malgré lui – par un système de vidéo-surveillance omniprésent. Les caméras et les systèmes d’écoute enregistrent tous ses déplacements et ses conversations. Le plus ironique, c’est que cet espionnage est illégal et que les institutions (les stupéfiants, la brigade des fraudes fiscales…) qui en sont à l’origine se demandent même pourquoi elles enregistrent cela.

Comme nous le disions en début de critique, Le Gang Anderson est un film qui peut paraître plus léger dans l’immense, prolifique et éclectique filmographie de Sidney Lumet, surtout quand on le compare à d’autres opus comme Serpico ou bien encore le méconnu Equus. Toutefois, il serait faux de penser que Le Gang Anderson est un film où Sidney Lumet se laisse aller, car même si les personnages sont effectivement moins esquissés que d’habitude, le montage (virtuose, qui joue sur la temporalité des événements), la photographie, le cadre (les rues de New York vues par Lumet !), la direction d’acteurs, la mise en scène, tout y est exemplaire. D’un côté Sidney Lumet livre un film très distrayant. Il rend immédiatement attachant cette bande qui sort de prison et qui décide de « remettre ça » en peaufinant un coup financé par la mafia locale. Mais le réalisateur en profite pour dénoncer l’omniprésence des moyens de surveillance et l’espionnage au quotidien.

Oeuvre hybride, film de casse et à la fois film expérimental, Le Gang Anderson montre un réalisateur soucieux de distraire ses spectateurs, tout en l’informant et en le questionnant sur un fléau qui n’en était pourtant qu’à ses balbutiements. Au cadre parfois étrange, pour ne pas dire déroutant, se lie la musique funky-électro signée Quincy Jones, qui renforce le côté technologique de l’entreprise. Bien qu’il ne bénéficie pas du prestige d’autres films de son auteur, Le Gang Anderson n’a jamais été autant d’actualité qu’au XXIe siècle avec les révélations d’Edward Snowden et s’avérait même prophétique, puisque le scandale du Watergate éclatait quelques mois après la sortie du film. Sidney Lumet et Sean Connery se retrouveront l’année suivante pour leur chef d’oeuvre en commun, l’ambitieux et radical The Offfence, que la France ne découvrira que 35 ans après…

LE BLU-RAY

Le Blu-ray du Gang Anderson, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur la musique du film.

Trois présentations du film de Sidney Lumet pour le prix d’une ! Si elles se recroisent forcément à travers certains arguments identiques, ces trois interviews parviennent heureusement à se compléter suffisamment. Notre préférence se tourne vers celle de Bertrand Tavernier (20’), qui loue la brillante réussite du Gang Anderson, même si le film n’a pas la même profondeur psychologique que les autres opus de Sidney Lumet et que l’action prime sur le développement des personnages. Bertrand Tavernier indique que le film est sans doute encore meilleur aujourd’hui qu’à sa sortie, critique par erreur le choix de faire incarner un américain à Sean Connery (alors qu’une réplique montre bien que le personnage est britannique), tout en analysant la façon dont le cinéaste traite du thème de la surveillance et son caractère prophétique, un an avant le Watergate. Bertrand Tavernier se penche sur le casting et les personnages, et clôt cet entretien en disant avec le sourire que « c’est un film que devrait voir Christian Estrosi et dont la ressortie en DVD était nécessaire ».

L’historien du cinéma Patrick Brion prend ensuite le relais (7’). Plus concis, ce dernier aborde tout d’abord les thèmes du Gang des Anderson. Puis Patrick Brion se rappelle avoir été bluffé par le sujet et le montage à la sortie du film, avant d’avouer avoir été un peu déçu en le revoyant à l’occasion de cette sortie en DVD-Blu-ray. Notre interlocuteur pointe notamment des effets qui ont selon lui vieilli. Soucieux de l’effet que pourrait causer son avis auprès des spectateurs, Patrick Brion évoque ensuite quelques sommets de la carrière de Sidney Lumet, dont Point limite – Fail Safe (1964) qu’il souhaite réhabiliter et qui n’avait pas fait grand bruit à sa sortie.

Dans le dernier entretien de cette édition, François Guérif (6’) parle tout d’abord du roman de Lawrence Sanders, publié en 1969, avant d’analyser lui aussi les thèmes du Gang des Anderson. Il s’agit probablement du module le plus facultatif en raison de ses arguments quelque peu redondants.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et une galerie d’affiches.

L’Image et le son

Le Gang Anderson était jusqu’alors disponible dans une édition DVD sortie en 2002 chez Sony Pictures, aujourd’hui épuisée. Les nombreux aficionados du film de Sidney Lumet vont être ravis d’apprendre que Le Gang Anderson fait désormais peau neuve en Haute-Définition (Blu-ray au format 1080p) chez Sidonis Calysta ! Avouons le d’emblée, le transfert n’est pas irréprochable, même si le master paraît très propre et même dépourvu de déchets résiduels. En revanche, le grain original a parfois été trop lissé à notre goût et les visages s’avèrent étrangement rosés, pour ne pas dire franchement saumonés à plusieurs reprises, surtout sur les séquences en intérieur. Heureusement, les détails ne manquent pas, le piqué est ciselé et la clarté est plaisante. Alors même si la restauration ne semble pas récente, la promotion HD sied à merveille à toutes les scènes en extérieur, plus équilibrées et mieux contrastées, à l’instar de l’assaut final.

Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio Mono 2.0 distillent parfaitement la musique de Quincy Jones et les étranges effets sonores. Néanmoins, la piste française se focalise sans doute trop sur le report des voix, au détriment des ambiances annexes. La piste originale est très propre, sans souffle, dynamique et suffisamment riche pour instaurer un très bon confort acoustique. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue impossible à la volée.

Crédits images : © Columbia Pictures / Sidonis Calysta / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Les Bourreaux meurent aussi, réalisé par Fritz Lang

LES BOURREAUX MEURENT AUSSI (Hangmen Also Die!) réalisé par Fritz Lang, disponible en DVD et Blu-ray 13 juin 2017 chez Movinside

Acteurs : Brian Donlevy, Anna Lee, Walter Brennan, Hans Heinrich von Twardowski, Nana Bryant, Margaret Wycherly…

Scénario : John Wexley, Bertolt Brecht, Fritz Lang

Photographie : James Wong Howe

Musique : Hanns Eisler

Durée : Version intégrale (2h15), Version française (2h)

Date de sortie initiale : 1943

LE FILM

Dans Prague occupée par les Nazis. Le 27 mai 1942, le Reich Protektor Heydrich est grièvement blessé par une bombe (il meurt une semaine plus tard). L’auteur de l’attentat, le professeur Svoboda, se réfugie par hasard chez le professeur Novotny. Celui-ci est arrêté comme otage par la Gestapo. Marcia, la fille du professeur se rend à la Gestapo. Elle a l’intention de dénoncer Svoboda pour faire libérer son père. Mais Svoboda, devenu héros national, est aidé par les résistants tchèques. Elle se tait mais attire l’attention des S.S. qui la font suivre par l’Inspecteur Grüber. Svoboda feint d’être l’amant de Marcia, pour détourner les soupçons de Grüber qui les suit dans la chambre où se cache le chef de la résistance, blessé. Jan Horek, le fiancé de Marcia, se rend compte du subterfuge et joue également la comédie à Grüber. Par la suite, il rejoint Svoboda à temps et ils tuent Grüber…

Grand amateur du travail de Sigmund Freud, Fritz Lang n’aura de cesse au cours de sa longue et prolifique carrière, de se pencher sur la question du meurtre, des assassins, de la culpabilité. En 1933, Joseph Goebbels propose au cinéaste le poste de directeur du département cinématographique de son ministère, celui de la propagande. Fritz Lang refuse. La légende dit que le réalisateur aurait déclaré à Goebbels que sa mère était juive. Il s’enfuit en France avant de s’installer aux Etats-Unis. Furie, son premier film américain et réquisitoire contre le lynchage, montre l’engagement du réalisateur. Suivront J’ai le droit de vivre (1937), Casier judiciaire (1938), Le Retour de Frank James (1940), Les Pionniers de la Western Union (1941) puis Chasse à l’homme la même année. Avec ce film, Fritz Lang entame une tétralogie antinazie avec Les Bourreaux meurent aussi, Espion sur la Tamise (1944) et Cape et Poignard (1946).

Après Chasse à l’homme, la carrière américaine de Fritz Lang patine et ses projets n’aboutissent pas. Le cinéaste milite pour aider ses compatriotes intellectuels à venir se réfugier aux Etats-Unis. Au même moment, Reinherd Heydrich, protecteur adjoint du Reich en Bohême-Moravie, adjoint d’Himmler, surnommé « le Bourreau », meurt dans un attentat organisé par la résistance tchèque le 4 juin 1942. Fritz Lang décide d’en faire le sujet de son prochain film et de rendre ainsi un vibrant hommage à la résistance. Les Bourreaux meurent aussi – Hangmen Also Die!, longtemps envisagé sous le titre Never Surrender ou tout simplement No Surrender (repris dans la dernière séquence du film avec le célèbre « NOT THE END » dans le montage intégral) est réalisé en 1943 sur un scénario écrit par John Wexley et surtout l’immense dramaturge Bertolt Brecht, également allemand exilé aux Etats-Unis, dont il s’agit de l’unique collaboration avec Hollywood. Toutefois, il n’est pas mentionné en tant que scénariste au générique suite à une décision du syndicat des scénaristes américains.

L’action se déroule en mai 1942. Dans Prague occupé par la Wehrmacht, le docteur Franticek Svoboda (Brian Donlevy) tue Reinhard Heydrich, alias le Bourreau, un nazi fanatique. Traqué par la Gestapo, il bénéficie aussitôt de l’aide de Mascha Novotny (Anne Lee) qui, orientant ses poursuivants dans une mauvaise direction, l’accueille dans sa famille. Un geste lourd de conséquences car, peu après, la police du Reich arrête son père (Walter Brennan) et plusieurs de ses étudiants. Un communiqué est diffusé dans la ville selon lequel des otages seront fusillés tous les jours tant que le meurtrier de Heydrich ne sera pas retrouvé. Parallèlement, le réseau de Résistance auquel appartient Svoboda (qui signifie « liberté » en tchèque) est noyauté par un riche brasseur, Emil Czaka (Gene Lockhart). Grâce à une série complexe d’événements et la complicité active de nombreux pragois, la Résistance parvient à faire croire que c’est Czaka qui a assassiné Heydrich, mais pas avant que les nazis n’aient exécuté un grand nombre des otages.

Si les faits réels ont été adaptés pour la fiction, Reinhard Heydrich a en fait été tué par trois parachutistes tchécoslovaques, les nazis ayant ensuite massacré toute la population du village de Lidice en guise de représailles avant de le rayer de la carte (sujet du film Hitler’s Madman de Douglas Sirk, sorti également en 1943), Fritz Lang signe un film percutant et une référence du cinéma de propagande. En France, les spectateurs ne bénéficieront que d’une version tronquée de vingt minutes en août 1947. Le film de Fritz Lang est alors perdu au milieu de tout un tas de films américains suspendus durant la guerre. Ce montage circulera en France durant de nombreuses années, jusqu’à ce que le cut original soit présenté pour la première fois en 1963 avec l’aval de Fritz Lang. Pourtant, même si le septième film américain de Fritz Lang n’est pas non plus son plus réussi, la version intégrale US des Bourreaux meurent aussi est un trésor incontestable et s’avère tout aussi indispensable que le reste de la filmographie du cinéaste allemand. Plus ample et fluide, rarissime, le film est encore plus passionnant que ce montage français malmené.

Les coupes interviennent notamment sur les quatre intrigues entrelacées et certaines scènes suggérées dans la version française prennent tout leur sens dans le montage intégral. Les scènes supplémentaires mettent notamment en valeur la résistance des femmes (dont une qui crache au visage du personnage de Czaka interprété par Gene Lockhart), pour ainsi dire inexistantes dans la version française. Le récit s’attarde également sur le quotidien et l’organisation de la Résistance, les exécutions et les passages à tabac. Les dialogues y sont également plus crus et la violence explicite, à l’instar du suicide du chauffeur de Svoboda, arrêté par la Gestapo, qui se défenestre dans la version intégrale et dont le geste fatal est juste évoqué en version française. Autre exemple de scène coupée. Après l’annonce de la mort d’Heydrich dans une salle de cinéma, le corps de l’allemand est montré sur un lit d’hôpital. Dans la version longue, l’assistance applaudie dans la salle de cinéma à l’annonce de l’attentat, un agent de la Gestapo placé au fond de la salle demande qu’on rallume la lumière et à chacun de lui présenter ses papiers. Personne ne l’écoute et l’agent reçoit même un poing dans la figure. Les spectateurs sortent tranquillement de la salle puis un fondu enchaîne avec le corps d’Heydrich à l’hôpital.

Compromis entre réalité historique et divertissement hollywoodien, le film de Fritz Lang traite de la traque de l’assassin de Reinhard Heydrich sous forme d’une fiction prétexte à mettre en valeur le courage de chaque homme, femme et enfant, tous unis contre le Troisième Reich. Fritz Lang instaure une atmosphère oppressante, où la résistance s’organise à chaque coin de rue. Reposant sur un casting exceptionnel où trône le génial et caméléonesque Walter Brennan (le Stumpy de Rio Bravo), Les Bourreaux meurent aussi est une œuvre captivante et formidable, noire et âpre, au suspense haletant, à la frontière de l’expressionnisme et du cinéma hollywoodien classique, mais profondément européenne dans l’âme.

LE BLU-RAY

Le superbe digibook des Bourreaux meurent aussi édité par Movinside dans la collection Les Films de ma vie, renferme le Blu-ray du film. Le petit livret de 32 pages richement illustré délivre quelques notes de production signées Marc Toullec. Le menu principal de cette édition est animé et musical.

Aucun supplément vidéo.

L’Image et le son

En 2008, Carlotta Films éditait en DVD les deux versions des Bourreaux meurent aussi. Mais contrairement à l’édition Movinside proposée ici, il s’agissait bien de la version vue dans les salles françaises, avec le générique dans la langue de Molière, tout comme les inserts (les télégrammes entre autres) réalisés exprès pour cette version, ainsi que le dernier plan qui indiquait un banal « Fin » alors que la version intégrale se terminait sur « NOT » qui emplissait l’écran, suivi de « THE END ». Pour cette sortie en Haute-Définition, Movinside propose certes les deux montages du film, mais il s’agit du même master qui a été tout simplement calé sur le mixage français existant. Exit donc les génériques en français, les inserts et tout simplement la copie qui circulait en 1943. Non seulement ce montage tronqué déséquilibrait le film, mais la copie était également fortement abîmée, tout comme l’était d’ailleurs celle de la version intégrale qui contenait encore de très nombreuses poussières, griffures rayures et autres scories. Le master proposé ici a été restauré en 2012 par la Restoration Department des Studios Pinewood à partir des meilleurs éléments existants dont quelques éléments originaux nitrate. Ce Blu-ray au format 1080p (AVC) propose Les Bourreaux meurent aussi dans son format respecté 1.33 et rend caduque celui édité par Carlotta Films il y a presque dix ans. Le master se révèle souvent pointilleux en matière de piqué, de gestion de contrastes (noirs denses, blancs lumineux), de détails ciselés, de clarté (l’éclat des yeux des comédiens) et de relief. La propreté de la copie est évidente, la nouvelle profondeur de champ permet d’apprécier la composition des plans de Fritz Lang, la photo entre ombre et lumière signée James Wong Howe (Le Grand chantage, L’Adorable voisine) retrouve une nouvelle jeunesse doublée d’un superbe écrin, et le grain d’origine a heureusement été conservé. Seuls petits accrocs constatés : des petits points noirs et blancs, des contrastes peut-être un peu trop poussés sur certaines séquences, de légers tremblements, des effets de pompage. Mais les fondus enchaînés sont plus ou moins stables et toutes les séquences en extérieur profitent de cette nouvelle promotion en Haute-Définition. Il s’agit sans nul doute de la plus belle copie des Bourreaux meurent aussi disponible à ce jour, même si la véritable version française demeure celle disponible en DVD chez Carlotta Films.

Il ne faut pas trop en demander concernant les mixages…La version d’origine est disponible en français et en anglais, tandis que le montage américain intégral est uniquement présenté dans la langue de Shakespeare. Dans les deux cas, l’écoute demeure souvent confinée, sourde, couverte, même si le mixage de la version intégrale s’en sort globalement mieux en dépit d’un souffle chronique. Mais pour les deux versions, les dialogues demeurent souvent étouffés, la bande-son craque, les voix des comédiens saturent quelque peu. Néanmoins, la restauration de la langue anglaise (et allemande dans ce cas précis) est plus évidente. Les crépitations ne sont pas rares pour la langue de Molière, y compris une présence musicale aléatoire, généralement médiocre.

Crédits images : © Arnold Productions / Movinside / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Alibi.com, réalisé par Philippe Lacheau

ALIBI.COM réalisé par Philippe Lacheau, disponible en DVD, Blu-ray et 4K Ultra HD le 20 juin 2017 chez TF1 Vidéo

Acteurs : Philippe Lacheau, Élodie Fontan, Julien Arruti, Tarek Boudali, Nathalie Baye, Didier Bourdon, Nawell Madani, Medi Sadoun, Vincent Desagnat, JoeyStarr…

Scénario : Julien Arruti, Pierre Dudan, Philippe Lacheau

Photographie : Dominique Colin

Musique : Maxime Desprez, Michaël Tordjman

Durée : 1h29

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Greg a fondé une entreprise nommée Alibi.com qui crée tout type d’alibi. Avec Augustin son associé, et Medhi son nouvel employé, il élabore des stratagèmes et mises en scène imparables pour couvrir leurs clients. Mais la rencontre de Flo, une jolie blonde qui déteste les hommes qui mentent, va compliquer la vie de Greg, qui commence par lui cacher la vraie nature de son activité. Lors de la présentation aux parents, Greg comprend que Gérard, le père de Flo, est aussi un de leurs clients…

Mine de rien, l’ancienne Bande à Fifi du Grand Journal sur Canal+ a su s’imposer au cinéma en une poignée de films. Succès surprise de 2014, Babysitting avait attiré 2,4 millions de spectateurs et 3,2 millions pour sa suite sortie en décembre 2015 ! Alors qu’il avait partagé la casquette de réalisateur avec Nicolas Benamou, Philippe Lacheau, également vedette de ses films, signe seul Alibi.com, son comparse étant parti mettre en scène A fond avec José Garcia et André Dussollier. Pour sa troisième comédie, Philippe Lacheau s’octroie une fois de plus le premier rôle et s’entoure de ses potes, Tarek Boudali et Julien Arruti (également coscénariste), de la belle Elodie Fontan (Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ?, Babysitting 2), mais aussi de vieux briscards comme Nathalie Baye et Didier Bourdon. Philippe Lacheau a également réservé quelques caméos pour Vincent Desagnat, Kad Merad, Michèle Laroque, JoeyStarr, La Fouine, Chantal Ladesou, le YouTubeur Norman. Bref, le comédien qui s’est improvisé metteur en scène a le vent en poupe.

Dans Alibi.com, il interprète Greg, la trentaine, qui s’est associé avec son ami Augustin afin de créer une entreprise un peu particulière. Envie de cacher la vérité à son ou sa conjoint(e) pour avoir du temps libre ou couvrir une infidélité ? C’est possible grâce à leur société Alibi.com qui propose les meilleures excuses et stratagèmes possibles. Les affaires marchent très bien. Un client demande aux deux hommes et à leur employé Medhi de trouver une parade alors qu’il doit passer le week-end avec sa nouvelle conquête. Or, Greg découvre qu’il s’agit de Gérard, le père de sa fiancée Flo à qui il n’a rien dit sur son activité et qui ne supporte pas le mensonge. Alibi.com a été un immense succès au cinéma avec 3,6 millions d’entrées. Il n’y a aucune explication pour ce phénomène, d’autant plus que Philippe Lacheau n’est jamais crédible, que son jeu d’acteur laisse franchement à désirer, tout autant que son charisme lisse. Pas une seule de ses répliques ne tombe juste. C’est aussi le cas pour ses deux complices, Tarek Boudali et Julien Arruti, qui ont toujours l’air de se demander ce qu’ils font là, ou plutôt comment ils ont pu être catapultés en haut du box-office. Heureusement que Nathalie Baye et Didier Bourdon sont présents. Non seulement les deux vétérans ont l’air de s’amuser comme des gamins, mais en plus leur jeu et leur talent renvoient leurs jeunes partenaires dans les cordes. Seul le naturel de la pétillante Elodie Fontan parvient réellement à surnager parmi la troupe, tout comme les participations des excellents Medi Sadoun et Philippe Duquesne, sans oublier Nawell Madani en cagole. A côté de ça, Alibi.com n’est ni plus ni moins qu’un mauvais vaudeville aux gags éculés avec portes qui claquent, adultères, mensonges, quiproquos pouët-pouët, vannes rouillées et blagues molles qui se terminent presque par un ouin-ouin-ouin ouin ouin… Une succession de sketchs improbables, jamais inspirés, usés jusqu’à la moelle, saupoudré de références geeks (Retour vers le futur, Fast & Furious, Assassin’s Creed, Star Wars, Marvel, JCVD) tout juste sympathiques.

Tout ça pour finir sur une morale à deux balles et bien-pensante, politiquement correcte, contrairement aux deux comédies, très réussies, de Franck Gastambide, Les Kaïra et Pattaya. Les comédies de Philippe Lacheau sont du même acabit que celles d’un Fabien Onteniente ou de Philippe de Chauveron. Poussif, fatiguant, sans rythme, sans aucun effort de mise en scène (mais sans le found-footage hideux des deux Babysitting) et au montage bâclé (plus de trente minutes ont été coupées et ça se ressent), Alibi.com ne peut compter que sur ses seconds rôles pour faire sourire. Il serait temps que Philippe Lacheau pense à laisser le premier rôle à un comédien plus chevronné et surtout plus compétent, ce qui pourrait peut-être lui assurer un succès encore plus grand. Et qu’il engage un vrai scénariste aussi par la même occasion, car à force de proposer tout et n’importe quoi dans le même film, on ne retient finalement que ce qui est indigeste.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray d’Alibi.com, disponible chez TF1 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Suite au grand succès du film dans les salles, on pouvait s’attendre à beaucoup plus de suppléments. En effet, l’éditeur ne fournit qu’un making of de 23 minutes divisé en plusieurs chapitres. Foncièrement sympathique, composé de nombreuses images de tournage et du plateau, ce documentaire montre une équipe très complice et toujours en train de se marrer. Quelques propos des comédiens, des scénaristes et du réalisateur sont également disponibles, tout comme des scènes ratées en raison de fous-rires. On y apprend également que Philippe Lacheau était accompagné à la mise en scène par David Diane, qui supervisait l’ensemble. Les cascades automobiles étaient réglées quant à elles par David Julienne, petit-fils de Rémy Julienne.

L’Image et le son

Les contrastes sont riches, la luminosité est omniprésente, les scènes sombres sont logées à la même enseigne et le relief est probant. Les visages sont détaillés à souhait, tout comme les décors, la colorimétrie est vive et chatoyante, ambrée, le piqué joliment aiguisé (surtout sur les scènes en extérieur), ça foisonne aux quatre coins du cadre, le relief est indéniable et la photo estivale du chef opérateur Dominique Colin (Gardiens de l’ordre, Les Poupées russes, Le Convoyeur) trouve en Blu-ray (au format 1080p) un bel écrin. Signalons qu’Alibi.com est également le premier film français à bénéficier d’une édition en 4K Ultra HD.

Alibi.com repose essentiellement sur les dialogues. La piste DTS-HD Master Audio 5.1 distille les voix des comédiens avec un beau ramdam, tandis que les latérales s’occupent de la musique du film. Une spatialisation concrète, dynamique, immersive et efficace, surtout lors des séquences agitées à l’instar de la poursuite finale à la Fast & Furious. Une version Audiodescription ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également au programme.

Crédits images : © Studiocanal / Paul Tomazini – Fechner Films / TF1 Vidéo / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / A la recherche du plaisir, réalisé par Silvio Amadio

A LA RECHERCHE DU PLAISIR (Alla ricerca del piacere) réalisé par Silvio Amadio, disponible en Édition Collector limité (1000ex) Blu-ray + DVD + CD le 15 juin 2017 chez Le Chat qui fume

Acteurs : Barbara Bouchet, Farley Granger, Rosalba Neri, Nino Segurini, Dino Mele, Umberto Raho, Patrizia Viotti…

Scénario : Silvio Amadio

Photographie : Aldo Giordani

Musique : Teo Usuelli

Durée : 1h40

Date de sortie initiale : 1972

LE FILM

Greta Franklin s’établit sur une île près de Venise et entre en contact avec Richard Stuart, qui vit dans une magnifique maison en compagnie de son épouse Elonora. Elle est engagée comme nouvelle secrétaire par Richard, la précédente ayant disparu dans d’étranges circonstances. Richard et Eleonora ignorent que Greta a une bonne raison d’accepter ce job : elle connaissait personnellement Sally…

L’oeuvre éclectique du réalisateur italien Silvio Amadio (1926-1995) n’est pas restée dans la mémoire des cinéphiles. Il faut dire que ses derniers films aux titres fleuris et explicites comme Comment faire cocu les maris jaloux, Les Polissonnes excitées, Si douce, si perverse ou bien encore La Lycéenne a grandi ont souvent éclipsé d’autres opus nettement plus intéressants. C’est le cas d’A la recherche du plaisir – Alla ricerca del piacere (1972), également connu sous le titre américain Amuck ! ou bien encore Maniac Mansion, superbe variation du giallo, qui s’avère avant tout un drame-thriller psychologique et érotique brillant et passionnant. La sublime Barbara Bouchet, au sommet de sa carrière (la même année que La Longue nuit de l’exorcisme de Lucio Fulci) et de sa beauté, qui enchaînait alors les tournages en Italie depuis la fin des années 1960, porte le film sur ses belles épaules – et quelle chute de reins mamma mia ! – et inspire Silvio Amadio.

Greta Franklin (Barbara Bouchet) part en Italie suite à son embauche comme secrétaire auprès de l’écrivain notoire Richard Stuart (Farley Granger), qui possède un vaste domaine isolé sur une île aux alentours de Venise. Mais son but premier est de retrouver Sally, son amie, son amante, disparue alors qu’elle occupait le même poste. Eleonora (Rosalba Neri), la femme de Stuart, bisexuelle, lui fait bientôt des avances, puis la drogue pour assouvir ses désirs. Lors d’une soirée décadente, Stuart diffuse un petit film amateur dans lequel Greta reconnaît Sally. Décidée à enquêter sur ce couple sulfureux, elle ne s’aperçoit pas qu’elle tombe dans le piège qu’il lui tend. Un piège dangereux, peut-être même mortel.

A la recherche du plaisir n’est pas un énième film de genre, bâclé et réalisé à la va-vite. Certes, nous sommes en plein cinéma d’exploitation, mais Silvio Amadio soigne chaque plan, instaure une atmosphère trouble et troublante du début à la fin, pour ne pas dire jusqu’à la toute dernière seconde. Dès le générique, le cinéaste transporte le spectateur à Venise, avec Barbara Bouchet qui découvre la ville. Puis, le personnage s’en éloigne pour finalement débarquer sur une petite île près de la Sérénissime, dans une grande demeure. En quelques minutes, le réalisateur a donc dressé le tableau et isole cette jeune secrétaire. A la recherche du plaisir s’avère un véritable jeu de pistes, reposant sur la mise en scène (toute l’investigation de Greta est vraiment une référence), l’étrangeté et la beauté des décors, sans oublier la peur distillée par celles et ceux qui gravitent autour de Greta.

Découvert chez Alfred Hitchcock dans La Corde (1948) et L’Inconnu du Nord-Express (1951), premier rôle chez Luchino Visconti dans Senso en 1954, Farley Granger sort de quinze ans d’apparitions à la télévision, avant d’être à nouveau appelé par le cinéma italien au début des années 1970. Il apporte à Amuck ! son charme venimeux, suintant et semble se délecter de ce personnage ambigu et machiavélique. N’oublions pas la sensuelle Rosalba Neri (La Polak dans la saga Angélique, Lady Frankenstein, cette obsédée sexuelle, Les Vierges de la pleine Lune) et son regard troublant, peu avare de ses charmes, dont la scène saphique avec Barbara Bouchet, tournée au ralenti sur une musique envoûtante de Teo Usuelli (Le Lit conjugal, Dilinger est mort) reste probablement la plus célèbre du film.

A la recherche du plaisir combine de façon assez virtuose le film d’enquête et l’histoire d’amour, en jouant avec les codes du giallo sans pour autant entrer dans cette catégorie puisqu’il n’y a ici aucun tueur ganté, ni crime à l’arme blanche réalisé en caméra subjective, juste une brute épaisse au cerveau en compote qui utilise ses mains pendant une partie de jambes en l’air qui tourne mal. Ce qui n’empêche pas A la recherche du plaisir d’être une immense réussite, anxiogène, culte auprès des amateurs, aussi rare que précieux, d’autant plus que le film n’est jamais sorti en France.

LE BLU-RAY

Que dire si ce n’est que Le Chat qui fume nous offre une nouvelle fois un magnifique objet qui devrait intégrer la DVD-Bluraythèque de tout cinéphile qui se respecte ! Le combo Digipack à trois volets de ce nouveau titre « Exploitation italienne », renferme à la fois le DVD du film, le Blu-ray et également le CD de la bande originale de Teo Usuelli, que l’auteur de ces mots écoute d’ailleurs en fond pendant qu’il écrit cette chronique. Sur le verso des volets, nous trouvons l’affiche américaine du film (Amuck !), ainsi que deux visuels provenant de l’exploitation italienne. L’ensemble se glisse dans un fourreau cartonné du plus bel effet, au visuel superbe, jaune « giallo » et attractif. Cette édition collector est limitée à 1000 exemplaires. Le menu principal est élégant, animé et musical.

Après avoir écouté ces 52 minutes de musique enivrante, regardons ce que le Chat nous propose en guise de suppléments.

On commence par l’excellente interview de la comédienne Rosalba Neri (16’). Visiblement heureuse et émue de partager ses souvenirs liés à A la recherche du plaisir, l’actrice évoque le tournage à Venise et dans ses environs, y compris dans la villa de la styliste Roberta di Camerino. Rosalba Neri en vient ensuite à sa collaboration avec le réalisateur Silvio Amadio, « un homme et cinéaste très dur, qui inspirait la crainte », parle de son personnage et de ses partenaires, sans oublier les conditions des prises de vues de la célèbre séquence saphique avec Barbara Bouchet.

Cette dernière prend ensuite la parole dans un entretien (19′) plus détaché que celui de Rosalba Neri, comme si la comédienne gardait un souvenir amer de « jouer à peu près toujours le même personnage » et qu’elle voulait être mieux considérée que pour sa participation aux films d’exploitation. En italien, la comédienne indique que l’année 1972 fut pourtant la plus intense de sa carrière – « Souvent, je ne savais même pas dans quel film j’étais en train de jouer ! » – avec plus de 8 films tournés quasi-simultanément. Barbara Bouchet ne parvient pas à réaliser que « ce genre de film » ait pu traverser les décennies et déclare que c’est à Quentin Tarantino – qui avait voulu la rencontrer lors de sa venue au Festival de Venise – que l’on doit entre autres ce regain de popularité. Contrairement à sa partenaire, l’actrice décrit Silvio Amadio comme un homme assez calme et doux, qui ne s’agitait jamais, toujours très gentil et aimable, dont elle garde un très bon souvenir. Barbara Bouchet parle ensuite du travail du réalisateur, du tournage à Venise et des scènes érotiques, de ses partenaires.

Nous passons à l’entretien avec Stefano Amadio (22’), fils du réalisateur Silvio Amadio, qui propose un portrait de son père et un panorama de sa carrière. Son enfance, ses débuts dans le cinéma grâce à son beau-frère Massimo Girotti et à Luchino Visconti, ses premières mises en scène, ses succès et les genres abordés (péplum, western, policier, comédie) sont évoqués. Puis Stefano Amadio aborde A la recherche du plaisir à travers des anecdotes amusantes (celle sur Barbara Bouchet nue sur le plateau, devant le regard médusé des techniciens) et souvenirs divers. Quand on lui demande quelle empreinte  a laissé son père dans le cinéma italien, Stefano Amadio répond « une petite empreinte, mais son sérieux et son professionnalisme demeurent auprès de ceux qui ont travaillé avec lui ».

Le supplément qui suit donne la parole à l’excellent Philippe Chouvel, journaliste chez Psychovision, qui propose une présentation d’A la recherche du plaisir (« pas un des meilleurs gialli, mais un thriller de bonne facture qui possède de nombreuses qualités »), tout en revenant sur l’ensemble de la carrière de Silvio Amadio (24’). Ce bonus complète parfaitement ce qui a déjà été entendu précédemment et propose de nombreux éléments pertinents, d’autant plus que l’énumération des films du cinéaste (dont les quatre comédies grivoises avec Gloria Guida) donne sérieusement envie de redécouvrir cette oeuvre. Philippe Chouvel s’extasie – on le comprend – sur la scène saphique entre Barbara Bouchet et Rosalba Neri et se dit ravi que le film soit enfin disponible dans les meilleures conditions possibles.

Le dernier bonus de cette section est désormais le rendez-vous incontournable où l’éditeur demande à un invité de donner ses trois gialli préférés. C’est au tour du directeur de la Cinémathèque Jean-François Rauger de s’y coller (12’), d’expliquer sa vision du giallo et de parler de l’évolution du genre. L’intéressé donne plus que trois titres, à savoir Les Frissons de l’angoisse – Profondo Rosso de Dario Argento (dont il défend la version courte), Six femmes pour l’assassin – Sei donne per l’assassino, Cinq filles dans une nuit chaude d’été – 5 bambole per la luna d’agosto et La Baie sanglante – Reazione a catena de Mario Bava, L’Emmurée vivante – Sette note in nero de Lucio Fulci, Les Rendez-vous de Satan – Perché quelle strane gocce di sangue sul corpo di Jennifer ? de Giuliano Carnimeo.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces de films disponibles ou prochainement prévus chez Le Chat qui fume. Par ailleurs, le trailer d’A la recherche du plaisir vaut le coup d’oeil pour son (faux ?) micro-trottoir de spectateurs (« Ceux qui ont fait ce film devraient être arrêtés ! », « Je n’ai jamais vu autant de sexe et de nudité dans un film ! ») réalisé après une projection du film de Silvio Amadio. Certains jubilent, d’autres sont choqués. La bande-annonce insiste bien sur le caractère sexuel du film pour appâter, tandis qu’une voix annonce que des coupes ont dû être faites (malgré un aperçu de la scène saphique), mais que le film sera bien présenté dans sa version intégrale dans les salles. « Un film si réaliste et troublant, que vous aurez envie de quitter la salle, mais vous n’en serez pas capable ! ».

L’Image et le son

L’élévation HD (1080p) magnifie les partis pris esthétiques de la photographie signée Aldo Giordani, chef opérateur culte à qui l’on doit les images de On l’appelle Trinita et de sa suite, ou bien encore Dommage que tu sois une canaille et Moi, moi, moi et les autres d’Alessandro Blasetti. La photo éthérée d’A la recherche du plaisir baigne dans des teintes brunes du plus bel effet. Le piqué dépend des volontés artistiques originales et s’avère plus incisif sur toutes les lumineuses séquences tournées en extérieur. La copie est très propre, la restauration est superbe, aucune poussière n’est à signaler, les contrastes sont concis, les noirs souvent denses, les couleurs éclatantes. La gestion du grain original est équilibrée mais tend à être plus appuyé sur les scènes sombres et nocturnes. Mais le codec AVC consolide l’ensemble avec brio, les arrière-plans sont stables, la profondeur de champ est indéniable et les détails d’une richesse incontestée sur le magnifique cadre large. Un très beau Blu-ray qui permet de (re)découvrir totalement le film, présenté en version intégrale, de Silvio Amadio !

Comme pour l’image, le son a également été restauré. Résultat : aucun souci acoustique constaté sur ce mixage italien DTS-HD Master Audio Mono, pas même un souffle parasite. Le confort phonique de cette piste unique est total, les dialogues sont clairs et nets, même si les voix des comédiens, enregistrées en postsynchronisation, peuvent parfois saturer ou apparaître en très léger décalage avec le mouvement des lèvres. La composition de Teo Usuelli est excellemment délivrée. Notons que les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Le Chat qui fume / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Tuez Charley Varrick !, réalisé par Don Siegel

TUEZ CHARLEY VARRICK ! (Charley Varrick) réalisé par Don Siegel, disponible en Édition Collector Blu-ray + DVD + Livre le 28 juin 2017 chez Wild Sild Vidéo.

Acteurs : Walter Matthau, Joe Don Baker, Felicia Farr, Andrew Robinson, Sheree North, Norman Fell, Jacqueline Scott…

Scénario : Howard Rodman, Dean Riesner d’après le roman de John Reese, Les Pillards (The Looters)

Photographie : Michael C. Butler

Musique : Lalo Schifrin

Durée : 1h50

Date de sortie initiale : 1973

LE FILM

Au Nouveau Mexique. Charley Varrick, sa femme et deux complices braquent une petite banque locale. Le hold-up tourne mal et des coups de feu sont échangés entre les bandits et la police. Réalisant qu’ils ont dérobé une somme colossale, disproportionnée par rapport à la modestie de l’établissement, Charley Varrick soupçonne aussitôt l’argent d’appartenir à la mafia…

C’est un film qui n’avait pas fait grand bruit à sa sortie en 1973 et qui est aujourd’hui devenu très prisé par les cinéphiles. Tuez Charley Varrick ! – Charley Varrick en version originale et un temps envisagé sous le titre The Last of the Independents, renvoyant au slogan de l’entreprise du personnage principal (et finalement utilisé comme tagline de l’affiche principale), est réalisé par Don Siegel (1912-1991) après le triomphe international de L’Inspecteur Harry. Polar violent, drôle et émouvant, Tuez Charley Varrick ! offre à Walter Matthau un de ses rôles emblématiques, même si très éloigné des comédies qui ont fait sa renommée aux côtés de son comparse Jack Lemmon. Loin d’être un contre-emploi puisque l’acteur avait déjà participé à quelques drames et films sombres, le personnage de Charley Varrick n’est pas immédiatement attachant, mais la bonhommie naturelle et le visage buriné de Walter Matthau emportent l’adhésion par petites touches.

Antihéros comme les affectionnait Don Siegel, Charley Varrick n’est qu’un bonhomme dans la foule qui a décidé d’en venir au braquage pour s’en sortir. Ancien cascadeur de métier avec sa femme Nadine, devenu un modeste chef d’entreprise d’épandage d’insecticides, il décide d’attaquer une petite banque au Nouveau-Mexique avec l’aide de plusieurs complices, dont Harman, un jeune homme nerveux et porté sur la bouteille. Mais l’opération tourne au désastre : Nadine est tuée, ainsi qu’un autre de la bande. Les rescapés prennent la fuite. A leur grande surprise, Charley et Harman découvrent que le magot empoché va bien au-delà des quelques milliers de dollars envisagés. Le total se porte à 750.000 dollars, en réalité dérobés à la pègre qui utilisait la banque comme tirelire. L’organisation criminelle lance à leurs trousses une impitoyable brute, Molly. Pour sauver sa peau, Varrick se met en tête de restituer l’argent, ce qui ne plaît évidemment pas à Harman.

Tuez Charley Varrick ! est une course contre la montre menée à cent à l’heure, du moins dans sa première partie, véritable leçon de mise en scène, de montage, de cadrage et de rythme. Du générique, superbe, estampillé « A Siegel Film », montrant la petite vie qui s’anime à l’aube, dans une petite bourgade, en passant à l’introduction des personnages, la tension qui monte, le braquage, la poursuite, l’adieu à Nadine, les spectateurs en prennent plein les yeux. Après, Tuez Charley Varrick ! adopte un rythme plus apaisé, malgré une tension maintenue. Sous ses airs patauds, taiseux et détachés, la bouche ruminant sans cesse un chewing-gum, Varrick renferme une volonté de s’en sortir et s’avère même un froid calculateur, n’hésitant pas à se servir de son dernier acolyte comme appât (excellent Andrew Robinson, le mythique Scorpio de L’Inspecteur Harry), afin d’attirer le mercenaire Molly, campé par un Joe Don Baker (Luke la main froide, Demain ne meurt jamais) complètement allumé, vicieux et glaçant, avec sa pipe vissée à la bouche et le stetson sur la tête. Tuez Charley Varrick ! prend ensuite la forme d’une succession de rencontres, donnant au film un aspect documentaire de la vie rurale. Chaque personne vers qui se tourne Charley Varrick, s’avère ambitieuse, attirée par le fric, prête à dénoncer s’il y a quelques dollars à se faire. C’est le cas du vieil armurier handicapé ou encore de la photographe sexy qui fabrique à l’occasion des faux papiers. Pris au dépourvu par le magot emporté, Charley Varrick va être obligé d’improviser. C’est là le génie de Don Siegel d’avoir confié le rôle à Walter Matthau, dont la trogne ne laisse rien passer en apparence, mais dont on ne doute jamais du bouillonnement intérieur.

En fait, Don Siegel parvient à faire perdre ses repères aux spectateurs en adoptant un rythme plus posé, tout en renforçant la menace qui pèse sur Varrick et son complice avec le personnage de Molly qui se rapproche petit à petit de leur caravane, grâce aux appels passés à la mafia par ceux qui ont croisés la route du braqueur. On ne comprend pas ce que Varrick prépare ou même s’il possède une porte de sortie. Il faut pour cela attendre le dernier acte hallucinant de la poursuite entre une voiture et un biplan pulvérisateur dans le décor d’une casse de bagnoles. Don Siegel agrippe alors le spectateur et parvient à renverser la vapeur en découpant son film de façon plus brutale, tandis que la partition de l’immense Lalo Schifrin s’emballe et se décompose même en deux temps. Jusqu’au dénouement complètement inattendu et qui boucle la boucle en se terminant sur la même image qui ouvrait alors le film, tandis que le dernier des indépendants perd définitivement son identité pour pouvoir survivre. Chaque élément du scénario, du plan de Varrick donc, était à sa place.

Rollercoaster cinématographique et Rolls-Royce de la série B, souvent cachée dans l’ombre de L’Inspecteur Harry, Tuez Charley Varrick ! est une œuvre riche, captivante et intelligente, qu’on a beau connaître par coeur, mais qu’on a de cesse de redécouvrir avec toujours autant de plaisir.

LE BLU-RAY

Le test a été réalisé sur un check-disc. Cette édition de Tuez Charley Varrick ! se compose du Blu-ray et du DVD du film, ainsi que d’un livre exclusif de 180 pages, spécialement écrit par Doug Headline (co-fondateur de la revue Starfix), illustré de photos d’archives rares. Le menu principal est animé et musical.

Pour accompagner le film, l’éditeur propose un formidable documentaire rétrospectif intitulé Le Dernier des indépendants (2014, 72’), qui croise les interventions du compositeur Lalo Schifrin, Kristoffer Tabori (fils de Don Siegel), Howard A. Rodman (fils du coscénariste Howard Rodman), des comédiens Andrew Robinson (Harman) et Jacqueline Scott (Nadine), ainsi que du cascadeur Craig R. Baxley. Ces témoignages passionnants permettent d’en savoir évidemment plus sur les conditions de tournage et de production de Tuez Charley Varrick !, mais aussi sur la méthode de Don Siegel. Un portrait franc et nuancé du cinéaste se dessine tout au long de ces 72 minutes, bien illustré par quelques photos de plateau et portraits. Chaque intervenant s’exprime sur leur collaboration avec Don Siegel et Walter Matthau, la mise en scène, les thèmes du film, et bien d’autres éléments qui devraient ravir les cinéphiles.

Que ceux qui possèdent l’ancienne (et très bonne) édition DVD sortie chez Bac Films la conservent, puisque nous ne retrouvons pas l’excellente analyse du film par le regretté Alain Corneau sur ce Blu-ray.

L’Image et le son

Ce nouveau master restauré HD de Tuez Charley Varrick ! brille souvent de mille feux et s’impose comme une grande réussite technique à ajouter au palmarès de l’éditeur. Le cadre offre une profondeur de champ très plaisante, le piqué est acéré, la stabilité jamais démentie, les contrastes soignés. Si les noirs manquent parfois de stabilité et la définition vacille quelque peu sur les séquences sombres, la colorimétrie retrouve un éclat et une chaleur bienvenus sur les scènes diurnes. Les gros plans sont souvent épatants (les traits creusés de Walter Matthau entre autres), les détails abondent et la gestion du grain est épatante. C’est beau, c’est carré, c’est élégant.

Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio 2.0 Surround sont propres et distillent parfaitement la musique de Lalo Schifrin. La piste anglaise (avec les sous-titres français imposés) est la plus équilibrée du lot avec une homogénéité entre les dialogues et les bruitages. Au jeu des différences, la version française s’avère plus chuintante et couverte, avec certaines ambiances et d’autres effets annexes qui peinent à se faire entendre quand on compare avec la piste anglaise. Le changement de langue est impossible à la volée et nécessite le retour au menu contextuel.

Crédits images : © Wild Side / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr