Test DVD / On s’est fait doubler !, réalisé par Nicolas Ramade

ON S’EST FAIT DOUBLER ! réalisé par Nicolas Ramade

Acteurs : Sylvain Urban, Laure Maloisel, Aude Lanciaux, Jean-David Stepler, Xavier Ameller, Frédéric Zolfanelli, Marcus, Jean-Michel Fouque, Aurore Sellier, Jules Dousset, Otis Ngoi, Emmanuel Bonami, Jean-Gilles Barbier et les voix de Maik Darah, Patrick Poivey, Richard Darbois, Jean-Pierre Moulin, Brigitte Lecordier, Pierre Hatet, Virginie Ledieu, Thieryr Desroses, Odile Schmitt, Bernard Tiphaine, Daniel Beretta, Céline Montsarrat, Patrick Béthune, Christophe Lemoine, Benoît Allemane, Georges Caudron

Scénario : Nicolas Ramade

Photographie : Sophie Ardisson

Musique : Julien Pichard

Durée : 0h24

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Un jour, Marc et Léa, deux amis, se mettent à parler avec des voix très différentes. Marc se retrouve avec la voix de Bruce Willis, Léa avec celle de Whoopi Goldberg. Convaincus de ne pas être les seules personnes touchées par ce phénomène, ils décident de partir à la recherche de leurs semblables. Cette enquête les amènera à rencontrer les gens les plus étranges qu’ils aient jamais vus !

« Tiens, mais je la connais cette voix-là ! », « Ah t’as reconnu c’est la voix de… », « J’adore cette voix ! », « Bah zut alors, c’est pas sa voix habituelle ! », « J’ai été bercé avec cette voix toute mon enfance ! », « Je ne pourrais jamais regarder ce film autrement qu’en version française ». Qui n’a jamais prononcé ces mots ? On a tous en chacun de nous un programme télévisé, un film, une série qui nous accompagne depuis toujours et plus particulièrement une voix française, à moins d’être bilingue ou d’avoir été forcé de visionner un film en version originale ! On s’est fait doubler !, écrit et réalisé par Nicolas Ramade est un essai doublé d’un hommage à celles et ceux qui ont contribué à nous forger notre imaginaire, les comédiens spécialisés dans le doublage.

En 24 minutes et en partant d’un postulat simple, mais malin, Nicolas Ramade convoque seize de nos plus grands comédiens dont les voix font partie de notre culture cinématographique. Des timbres reconnaissables entre mille qui nous ont fait rire, peur, pleurer, qui ont contribué à nous faire aimer le cinéma. Avec le concours d’acteurs présents à l’image, Sylvain Urban, Laure Maloisel, Aude Lanciaux, Jean-David Stepler, Xavier Ameller, Frédéric Zolfanelli, Marcus, Jean-Michel Fouque, Aurore Sellier, Jules Dousset, Otis Ngoi, Emmanuel Bonami et Jean-Gilles Barbier, les voix mythiques s’invitent et s’incrustent, s’échappent et s’affolent dans une fantaisie où les références TV et ciné s’enchaînent. Parallèlement, un jeu s’instaure avec les spectateurs qui s’amusent à celui qui reconnaîtra la voix en premier. C’est une citation, une reconstitution ou tout simplement une intonation qui renvoie systématiquement et presque inconsciemment à la culture populaire et qui fait battre le coeur en même temps qu’elle renvoie à un souvenir personnel.

Nicolas Ramade a pu bénéficier du soutien et de la participation des grands noms qui ont fait l’âge d’or du doublage dans les années 1980-1990 :

Patrick Poivey : voix de Bruce Willis, Tom Cruise, Don Johnson, Mickey Rourke, Jeff Daniels…

Maik Darah : voix de Whoopi Goldberg Courteney Cox (dans Friends), Queen Latifah, Angela Bassett, Madonna, Pam Grier…

Richard Darbois : voix d’Harrison Ford, du génie dans Aladdin et de Buzz l’Eclair dans Toy Story, Danny Glover, Richard Gere, Dan Aykroyd, Jeff Goldblum, William Hurt, Patrick Swayze, Sylvester Stallone, Liam Neeson, Arnold Schwarzenegger, Bill Murray…

Bernard Tiphaine : voix de Christopher Walken, Chuck Norris, Donald Sutherland, James Caan, Jeremy Irons, Warren Beatty, Harvey Keitel…

Brigitte Lecordier : voix de San Goku enfant dans Dragon Ball…

Patrick Bethune : voix de Russell Crowe, Brendan Gleeson, Kiefer Sutherland…

Virginie Ledieu : voix de Meg Ryan et la princesse Saori dans Les Chevaliers du Zodiaque…

Daniel Beretta : voix d’Arnold Schwarzenegger

Christophe Lemoine : voix de Jack Black, Cartman dans South Park et de Sean Astin dans la trilogie Le Seigneur des Anneaux…

Céline Monsarrat : voix de Julia Roberts, Courteney Cox (tétralogie Scream) et de Bulma dans Dragon Ball

Jean-Pierre Moulin : Voix de Jack Nicholson et d’Anthony Hopkins…

Thierry Desroses : voix de Samuel L. Jackson, Wesley Snipes, Cuba Gooding Jr…

Benoît Allemane : voix de Morgan Freeman…

Pierre Hatet : voix de Christopher Lloyd…

George Caudron : voix de David Duchovny, John Hannah…

Odile Schmitt : voix d’Eva Longoria et de Tao dans Les Mystérieuses Cités d’Or…

Tous ces immenses comédiens ont donc répondu présents et de façon bénévole pour le film de Nicolas Ramade, qui a également profité du soutien d’une campagne de crowdfunding. On s’est fait doubler ! certes, mais aucunement blouser par ce court-métrage qui propose une formidable récréation en compagnie de comédiens déjantés et déchaînés à l’écran, ainsi que des voix légendaires qui font partie de notre quotidien.

LE DVD

Le DVD d’On s’est fait doubler ! repose dans un boîtier Slim au visuel soigné et attractif, qui met en avant à la fois le casting vocal et les noms des deux interprètes principaux. Le menu principal est fixe et muet.

Le film s’accompagne de quelques suppléments à ne pas manquer.

On commence par l’interview du casting vocal (24’). A tour de rôle, les comédiens reviennent sur leurs débuts dans le doublage, comme Richard Darbois à 11 ans pour La Mélodie du bonheur, Virginie Ledieu pour le personnage de Falbala sur Astérix et la Surprise de César, Jean-Pierre Moulin pour Jack Nicholson sur Vol au-dessus d’un nid de coucou. Certains indiquent quel film ou quel acteur ils ont préféré doubler (ou qu’ils auraient aimé doubler) et se souviennent avec émotion de leur rencontre avec celle ou celui qu’ils « accompagnent » de film en film.

Le making of du doublage (9’) permet de plus apprécier le travail de ces monstres à la barre, durant leur représentation.

Un petit module de 5’30 présente également l’envers du décor avec quelques répétitions des acteurs avec le réalisateur Nicolas Ramade. Nous trouvons également quelques images de tournage et des scènes ratées comme un petit bêtisier.

L’Image et le son

Voilà un beau petit master aux couleurs lumineuses, au piqué incisif et aux contrastes soignés. La copie est évidemment très propre, le cadre soigné et cette copie nous permet même d’apprécier la photo riche et élégante de Sophie Ardisson.

Même chose avec le mixage Dolby Digital 5.1 qui installe une vraie petite spatialisation avec des effets naturels sur les latérales (dans le café, dans les bureaux), des voix solidement plantées sur la centrale (ou sur les arrières avec les voix de Benoît Allemane et Pierre Hatet) et des ambiances annexes sur les frontales. Même le caisson de basses fait parler de lui à quelques reprises, tandis que la musique originale de Julien Pichard est systématiquement délivrée par l’ensemble des enceintes.

Et pour celles et ceux qui souhaiteraient découvrir On s’est fait doubler !, le court-métrage de Nicolas Ramade est disponible sur Youtube https://www.youtube.com/watch?v=cYeVRbX2hhM&feature=youtu.be

Crédits images : © TRANSKOM 2017/ Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / L’Arme fatale – Saison 1

L’ARME FATALE (Lethal Weapon) – Saison 1, disponible en DVD et Blu-ray le 27 septembre 2017 chez Warner Bros.

Acteurs : Damon Wayans, Clayne Crawford, Keesha Sharp, Kevin Rahm, Michelle Mitchenor, Johnathan Fernandez, Jordana Brewster…

Histoire originale : Matthew Miller, créateur de la série d’après le scénario de Shane Black pour le film L’Arme fatale (1987)

Durée : 18 épisodes de 42 minutes

Date de sortie initiale : 2016

LA SÉRIE

Veuf depuis la mort tragique de son épouse enceinte, Martin Riggs, flic texan et ancien de la Marine, prend un nouveau départ à Los Angeles. Il devient le co-équipier du détective Roger Murtaugh, lequel a récemment subi une crise cardiaque « bénigne » et doit à tout prix éviter les situations de stress. Un duo de choc qui risque de faire des étincelles. Entre l’un prudent et l’autre trop imprévisible, l’association provoque quelques étincelles…

Franchement, on ne misait pas un kopeck sur cette série qui se permettait de se servir allègrement dans le patrimoine cinématographique, autrement dit de reprendre le titre, le postulat de départ et bien sûr les personnages cultes – créés par Shane Black – de la tétralogie L’Arme fatale de Richard Donner. Quatre buddy-movies sortis en 1987, 1989, 1992 et 1998, qui ont rapporté au total près d’un milliard de dollars dans le monde et attiré 11,5 millions de spectateurs dans les salles françaises. Pari risqué pour le producteur et créateur Matt Miller, showrunner de la série Chuck, mais pari finalement remporté haut la main puisque cette première saison de L’Arme fatale s’avère un divertissement très enthousiasmant, un cocktail explosif d’action dramatique pimenté d’humour et mené à cent à l’heure, qui revisite la mythique saga cinématographique, tout en la respectant et en lui rendant hommage.

Affecté par une perte tragique, l’ex-Navy Seal Martin Riggs déménage en Californie pour tout recommencer à zéro. Il est associé à Roger Murtaugh, agent du LAPD de retour à son poste après une crise cardiaque qui a failli lui coûter la vie. L’addiction à l’adrénaline de Riggs clashe immédiatement avec l’approche pondérée de Murtaugh, mais dès les premières courses-poursuites, déflagrations, explosions et fusillades invraisemblables mais jubilatoires qui s’enchaînent sans temps mort, chacun des coéquipiers apprend à considérer l’autre à sa juste mesure et surtout, à identifier les valeurs qu’ils partagent. Si seulement Riggs n’était pas aussi tête brûlée ! Le pilote (ainsi que le second épisode) réalisé par le très efficace McG (également producteur exécutif) donne le ton. Les personnages que l’on connaît sont là, certes interprétés par de nouvelles têtes, mais le plaisir d’entendre les noms de Roger Murtaugh et Martin Riggs est indéniable. Riggs et Murtaugh se rencontrent, s’apprivoisent, se cherchent, puis se découvrent enfin. Leur amitié naîtra au fil des épisodes. Tandis que Murtaugh retrouve son boulot après un triple pontage réalisé après un infarctus survenu à l’âge de 50 ans (alors que sa femme venait de mettre au monde leur troisième enfant), Riggs, texan devenu dépressif, alcoolique et suicidaire après la mort de sa femme qui allait accoucher, débarque à Los Angeles suite à une mutation. Il vit dans une caravane installée au bord du Pacifique, mais passe son temps à fixer son flingue. Sa rencontre avec Murtaugh et la famille de ce dernier, l’aidera progressivement à se sortir la tête de l’eau, même si les conditions de la disparition de son épouse demeurent étranges. Il se pourrait bien qu’elle ait été en fait assassiné.

La série L’Arme fatale repose non seulement sur de très bons scénarios qui montrent Los Angeles sous certains angles originaux, mais aussi et surtout sur un excellent casting. C’est surtout le comédien Clayne Crawford, vu dans les séries Jericho, 24 heures chrono et Rectify qui se taille la part du lion en reprenant le rôle de Mel Gibson. Si cela n’était pas une mince affaire et qu’il s’exposait à d’inévitables comparaisons, Clayne Crawford crève littéralement l’écran dans la peau de Martin Riggs. Véritable révélation, capable de faire passer le spectateur du rire aux larmes en un instant, il est assurément LA raison d’être de la série L’Arme fatale et créé son propre personnage, sans jamais chercher à singer son prédécesseur. A ses côtés, Damon Wayans (Ma famille d’abord) s’acquitte également très bien de son rôle, même s’il s’éloigne plus du personnage créé par Danny Glover que son partenaire. L’alchimie est évidente dès le départ, la complicité est de mise comme pour leurs illustres aînés.

Ils sont également bien entourés par Kevin Rahm (Desperate Housewives, Mad Men), Jordana Brewster (la franchise Fast & Furious) dans le rôle de la psy chargée d’évaluer Riggs au fil des épisodes, Keesha Sharp (Girlfriends), Hilarie Burton (Les Frères Scott) et bien d’autres acteurs tout aussi bons qui gravitent autour du noyau central formé par Wayans/Crawford. Au milieu de ces arrestations musclées, de ces trafics de drogue, de prostitution, d’argent, l’émotion n’est pas oubliée et le fil conducteur de ces épisodes bien filmés et à la photo séduisante, le deuil impossible de Riggs pour celle qu’il aimait, ne laisse pas indifférent.

C’est là toute la réussite de cette première saison attachante de L’Arme fatale, qui parvient non seulement à se démarquer du modèle original, mais aussi à proposer une continuité qui s’impose dès l’épisode pilote, adoubé par Shane Black qui a également participé au scénario. Après de très hautes audiences aux Etats-Unis avec entre 6 et 7 millions de téléspectateurs par épisode, la série a été reconduite pour une seconde saison qui a débuté fin septembre 2017.

L’EDITION DVD

La première saison de L’Arme fatale en DVD, disponible chez Warner Bros., se compose de 18 épisodes répartis sur quatre disques placés dans un boîtier classique, glissé dans un surétui cartonné. La liste des épisodes apparaît au verso, tout comme celle des suppléments. Le menu principal est identique sur les quatre DVD, fixe et musical, qui reprend le visuel de la jaquette.

L’épisode pilote est présenté en version longue non censurée. Accrochez-vous bien, ce montage dure exactement 55 secondes de plus par rapport à la version diffusée à la télévision (également disponible sur ce DVD). Les coupes interviennent uniquement au niveau du langage « fleuri » des personnages.

Même chose en ce qui concerne les scènes coupées (26’) dispersées sur les quatre disques, pour les épisodes 1,3,5,8,10,11,15,16,17,18. Hormis une séquence où Riggs regarde son révolver avec envie dans l’épisode pilote et quelques intrigues très secondaires (le capitaine qui souhaite adopter un enfant avec son compagnon) ou quelques flashbacks (Riggs qui demande la main de sa fille à son capitaine), l’ensemble s’avère bien trop anecdotique et reflète simplement les coupes effectuées au montage pour accélérer le rythme.

Le dernier DVD propose un petit module sympathique de 15 minutes, durant lequel le comédien Jonathan Fernandez, qui interprète Scorsese, le médecin légiste dans la série, s’entretient avec les deux producteurs exécutifs Jennifer Gwartz et Matt Miller. Après le succès de la première saison à travers le monde, les deux showrunners visiblement satisfaits du résultat, reviennent sur la genèse du projet et le challenge de s’approprier le mythe de ces quatre films adorés par tous les spectateurs. Comment respecter l’esprit des films originaux ? Comment s’est déroulé le casting ? Comment trouver le binôme et parier sur l’alchimie des deux comédiens principaux ? Les deux producteurs répondent à ces questions, parfois illustrées par des images de tournage, tout en dévoilant quelques références à la saga de Richard Donner, qui auraient pu échapper aux téléspectateurs, comme l’apparition de la maison originale des Murtaugh.

L’interactivité se clôt sur un bêtisier.

L’Image et le son

Voilà un bon service après-vente proposé par Warner. L’éditeur prend soin de la première saison de L’Arme fatale en livrant des épisodes au transfert solide. Les volontés artistiques originales sont respectées, les teintes sont chaudes, ambrées et parfois dorées, le tout soutenu par un encodage de haute volée. Le piqué, tout comme les contrastes, sont tranchants, les arrière-plans sont bien détaillés (et le sont sûrement encore plus en Haute-Définition), le relief est souvent présent et les détails foisonnent. Hormis quelques légers fléchissements sur les scènes sombres, cette édition DVD en met souvent plein la vue.

Bon…les réfractaires à la version originale devront se contenter d’une simple piste française Dolby Digital 2.0 Stéréo. Dynamique et claire, au doublage soigné, il ne faut pas en demander plus. Privilégiez évidemment la version anglaise Dolby Digital 5.1 à la spatialisation confortable et vive, avec des dialogues saisissants sur la centrale, des effets percutants sur les latérales et des frontales en pleine forme. Le caisson de basses se fait plaisir lors des scènes d’action, de poursuites et de gunfights. Ce n’est certes pas de la HD, mais c’est déjà ça de pris.

Crédits images : © Warner Bros. Entertainment Inc. / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ?, réalisé par Maurizio Liverani

SAIS-TU CE QUE STALINE FAISAIT AUX FEMMES ? (Sai cosa faceva Stalin alle donne ?) réalisé par Maurizio Liverani, disponible en DVD le 12 septembre 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Helmut Berger, Margaret Lee, Silvia Monti, Benedetto Benedetti, Solveyg D’Assunta, Piero Vida…

Scénario : Maurizio Liverani, Benedetto Benedetti

Photographie : Marcello Gatti

Musique : Roberto Perpignani

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 1969

LE FILM

A la fin de la dernière guerre, deux jeunes intellectuels communistes partisans, Aldo et Benedetto, arrivent à Rome où ils vont vivre sous la protection d’un important homme politique de gauche. Benedetto, contrairement à Aldo qui s’est engagé politiquement avec sagacité, a choisi le communisme uniquement pour des raisons externes et par snobisme. Persuadé de ressembler à Staline et fasciné par la personnalité du dictateur, Benedetto pousse son admiration jusqu’à en imiter le comportement, les gestes et l’habillement. Lorsque le mythe de Staline s’effondre, Benedetto se trouvera dans une situation de conflit intérieur.

Etrange film que ce Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? – Sai cosa faceva Stalin alle donne ? (1969), premier des deux seuls longs-métrages réalisés par Maurizio Liverani. Totalement inclassable, nawak, fourre-tout, prétentieux et attachant, inracontable, long, bavard, épuisant, une chose est certaine, c’est que cette comédie qui n’en est pas une, mais qui est considérée ainsi, ne laisse pas indifférent. Né en 1928, Maurizio Liverani est journaliste, réalisateur et écrivain, neveu d’Augusto Liverani, ministre des communications de la République de Salò, autrement dit la République sociale italienne dirigée par Benito Mussolini. A l’âge de 16 ans, Maurizio Liverani adhère au Parti Communiste Italien et s’engage dans la Résistance aux côtés du Corpo volontari della libertà durant la Seconde Guerre mondiale. En 1952, il devient journaliste au Paese Sera et se voit confier la page des spectacles, puis des événements culturels. Cela le mène à la critique de cinéma, puis Maurizio Liverani décide d’écrire et de réaliser son premier film, Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ?, inspiré de ses propres souvenirs.

Comme des réminiscences, le récit semble fractionné et les séquences montées sans souci dramaturgique, tandis que certaines images d’archives s’incrustent pour situer le récit dans le temps. Satire sur le conformisme des intellectuels communistes romains, le film vaut essentiellement aujourd’hui pour son aspect expérimental (La Chinoise de Jean-Luc Godard a visiblement inspiré le réalisateur), son portrait de jeunes idéalistes fous ou hédonistes, ainsi que son casting hétéroclite. Ce quasi-opéra comique contre le communisme, animé par une indiscutable mais aussi harassante énergie, qui veut surtout ridiculiser le dogmatisme des militants, est « interprété » par Helmut Berger, au tout début de sa carrière et juste avant d’être dirigé par Luchino Visconti dans Les Damnés, ainsi que par les bombes Margaret Lee (Casanova ’70, Le Tigre se parfume à la dynamite, Les Insatisfaites poupées érotiques du docteur Hitchcock) et Silvia Monti (la Sofia qui prenait une douche sensuelle dans Le Cerveau de Gérard Oury).

Etrange également de retrouver le maestro Ennio Morricone dans ce joyeux bordel sans queue ni tête. Son excellente partition dirigée par Bruno Nicolai apporte un plus non négligeable à cette mixture confuse. Le film n’est pas le succès espéré à sa sortie, le public étant quelque peu décontenancé par l’aspect puzzle-foutraque qu’on lui propose. Maurizio Liverani ne reviendra derrière la caméra qu’en 1975 pour Il Solco di pesca, comédie coquine sans prétention. Depuis, sa carrière se résume à ses activités de journaliste et de réalisateur de documentaires. Pas certain que Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? attirera les cinéphiles contemporains, en dehors des plus déviants et des plus curieux qui tomberaient dessus par hasard, même si ces derniers risquent de perdre patience rapidement devant cet objet filmique incompréhensible.

LE DVD

Le DVD de Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! Le visuel de la jaquette fait penser à un film de la Nazisploitation, ce qui n’est évidemment pas le cas. Le verso montre tous les titres déjà disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet. Aucun chapitrage. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné.

Cette collection, désormais entièrement chroniquée dans nos colonnes, a été éditée dans les bacs en trois vagues. La première en mars 2017 avec Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). La seconde vague au mois de juin avec Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Le Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). La dernière en septembre avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

Pour ce dernier tour de piste, du moins en ce qui concerne cette collection, Stéphane Roux rame quelque peu pour présenter Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? (9’). L’historien indique rapidement qui est le réalisateur Maurizio Liverani en mentionnant son parcours, et se focalise après sur le casting, en particulier Helmut Berger, ainsi que sur la musique d’Ennio Morricone. Cette introduction est souvent entrecoupée d’extraits du film et nous n’en tirons finalement pas grand-chose.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Nous ne dirons pas que l’éditeur clôt cette collection en beauté, puisque le master proposé de Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? est probablement le pire de tous. Usée jusqu’à la moelle, sale, constellée de points et de tâches, de rayures verticales, de griffures, de plans flous, de scories diverses et variées, cette copie fait mal aux yeux du début à la fin avec également un gros grain grumeleux et des couleurs fanées. Néanmoins, l’ensemble du film n’est pas pire que le générique en ouverture, presque illisible.

Même chose en ce qui concerne l’acoustique. La piste unique italienne demeure parasitée par un bruit de fond constant et des voix pincées, avec des dialogues tantôt sourds tantôt aigus, ainsi que de nombreuses saturations. N’ayez pas peur des craquements et des grésillements, car ils ne sont pas rares. Les sous-titres français sont imposés sur un lecteur de salon.

Crédits images : © R.T.I. S.P.A. / ESC Conseils/ Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Boule & Bill 2, réalisé par Pascal Bourdiaux

BOULE & BILL 2 réalisé par Pascal Bourdiaux, disponible en DVD et Blu-ray le 30 août 2017 chez Pathé

Acteurs : Charlie Langendries, Franck Dubosc, Mathilde Seigner, Jean-François Cayrey, Nora Hamzawi, Isabelle Candelier, Manu Payet…

Scénario : Benjamin Guedj d’après la bande dessinée de Roba

Photographie : Stéphane Le Parc

Musique : Mathieu Lamboley

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

La famille de Boule mène une existence aussi heureuse que paisible. Bill est parfaitement intégré dans cette petite famille, Boule travaille bien à l’école, sa maman donne des cours de piano à domicile tandis que son père est un dessinateur reconnu.
Tout bascule lorsque l’éditrice de ses bandes dessinées, bourrue et acariâtre, rejette le travail du père de Boule. Elle y voit une grosse panne d’inspiration due au fait que sa famille vit dans un bonheur très négatif sur sa créativité. Le père de Boule revient à la maison avec la ferme intention de réveiller sa famille de ce bonheur en générant un grand nombre de « bêtises ».
Boule et Bill mais aussi la maman vont également se mettre à faire dérailler ce « bonheur » familial jusqu’à l’explosion.

L’année 2017 n’a pas été simple pour le réalisateur Pascal Bourdiaux ! Deux échecs commerciaux et critiques très importants avec Mes trésors en janvier et Boule & Bill 2 en avril ! Avant de mettre en scène son premier long métrage en 2010, Le Mac, 1,5 millions d’entrées, Pascal Bourdiaux a d’abord fait ses classes sur la shortcom Un gars, une fille en réalisant près de 500 épisodes ! Il était aussi l’un des premiers à offrir à Kev Adams la tête d’affiche d’un film avec Fiston, dans lequel le jeune comédien donnait la réplique à Franck Dubosc. Porté par une critique positive et un bon bouche à oreille, près de deux millions de spectateurs avaient accueilli favorablement cette très bonne comédie. Pour Mes trésors et Boule & Bill 2 c’est une autre affaire.

Nous ne reviendrons pas sur Mes trésors, mais Boule & Bill 2 souffre des mêmes maux. Les scènes s’enchaînent à la va-comme-je-te-pousse, en cumulant les gags mous et les dialogues au rabais, sans oublier l’action de pacotille et une mise en scène fonctionnelle. Cette suite du film d’Alexandre Charlot et Franck Magnier (scénaristes d’Astérix aux Jeux Olympiques, Bienvenue chez les Ch’tis, Lucky Luke, R.T.T. et Imogène McCathery), qui ne s’imposait pas, mais alors pas du tout, s’offre le luxe d’être encore pire que le premier opus. En voyant ce nouveau volet, adaptation de la bande dessinée Boule & Bill, on se demande ce qui a pu se passer dans la tête de certains producteurs, sans doute trop confiants de penser que les 2 millions de spectateurs qui s’étaient déplacés dans les salles en 2013 pour la première « transposition » reviendraient. Mais c’était sans compter les mauvaises critiques et les avis négatifs. Une fois de plus, cette seconde adaptation live de l’oeuvre de Jean Roba ne retranscrit en rien la bande dessinée créée en 1959, à part peut-être la célèbre salopette bleue de Boule, et se trouve surtout dépourvue d’humour.

Franck Dubosc qui parvenait à s’en sortir dans le premier fait ici pitié. Ceci est d’autant plus regrettable qu’il peut parfois être très bon (Fiston, Les Seigneurs, Incognito), mais ce n’est pas en enchaînant les bouses-navets-nanars (Pension complète, Les Visiteurs : La Révolution, Camping 3, Les Têtes de l’emploi) qu’il parviendra à le prouver une fois de plus. Marina Foïs a eu du flair, puisqu’elle a gentiment refusé de reprendre son rôle de la maman de Boule. Elle laisse sa place à l’inénarrable Mathilde Seigner. Avec son jeu aussi léger qu’un 38 tonnes, l’actrice agace d’emblée par ses tics et ses répliques qui ne tombent jamais juste. Cela ne dure que 80 minutes montre en main et cela en paraît le double. C’est inter-minable, laid, niais. Du point de vue technique, la photo est orange, les décors aussi, les accessoires également, comme les cheveux de Boule et le teint de Mathilde Seigner.

Pourtant, la première séquence annonce d’emblée ce que sera le film à travers la réplique (sans trucage) « C’est de la merde. C’est à chier. C’est de la crotte, c’est du caca, c’est de la bouse, c’est du fumier, c’est de la pétoule de lapin, c’est de la fiente ». Bravo pour un film qui cible avant tout les très jeunes spectateurs ! Avec à peine 500.000 entrées pour un budget de près de 16 millions d’euros, Boule & Bill 2 rejoint le club des catastrophes industrielles aux côtés de Benoît Brisefer : les Taxis Rouges. La « franchise » est bel et bien enterrée. Tant mieux.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Boule & Bill 2, disponible chez Pathé, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le visuel de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical.

Seul un bêtisier (8’) est proposé comme supplément. Sans doute pour faire ce que le film ne parvient jamais, faire sourire.

L’Image et le son

Ce transfert HD s’avère soigné, l’univers de la BD est bien retranscrit avec une prédominance de couleurs vives et pétillantes (les teintes orangées surtout), les contrastes sont au beau fixe et le piqué agréable. La définition est au top et ce master demeure un bel objet avec un relief omniprésent et des séquences diurnes aussi magnifiques qu’étincelantes.

Boule & Bill 2 n’est pas à proprement parler d’un film à effets et le mixage DTS-HD Master Audio 5.1 ne fait pas d’esbroufe inutile. Seule la musique de Mathieu Lamboley est impeccablement spatialisée. Les effets latéraux et autres ambiances ont bien du mal à percer sur la scène arrière et pour cause puisque le film se déroule étrangement et très souvent dans l’appartement ou dans la maison. Quelques petites basses soulignent bien une ou deux scènes, mais demeurent le plus souvent en mode veille. La voix de Bill – Manu Payet se démarque sur la centrale avec un cran au-dessus de celles des autres comédiens. L’éditeur joint également une piste Stéréo, des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Nicolas Schul / Pathé Distribution / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir, réalisé par Alberto Sordi

TANT QU’IL Y A DE LA GUERRE, IL Y A DE L’ESPOIR (Finché c’è guerra c’è speranza) réalisé par Alberto Sordi, disponible en DVD le 12 septembre 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Alberto Sordi, Silvia Monti, Alessandro Cutolo, Matilde Costa Giuffrida, Marcello Di Falco, Mauro Firmani, Eliana De Santis, Fernando Daviddi, Edoardo Faieta…

Scénario : Alberto Sordi, Leonardo Benvenuti, Piero De Bernardi d’après une histoire originale d’Alberto Sordi

Photographie : Sergio D’Offizi

Musique : Piero Piccioni

Durée : 1h58

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

Un homme d’affaires essuie le mépris de sa femme et de ses enfants lorsque ceux-ci découvrent qu’il est marchand d’armes.

Immense star en Italie, peut-être la plus grande de toute l’histoire du cinéma transalpin, adulé par les spectateurs, encore plus que les autres piliers Marcello Mastroianni, Vittorio Gassman, Nino Manfredi, Ugo Tognazzi et autres monstres, Alberto Sordi (1920-2003) a non seulement fait les grandes heures de la comédie italienne, mais il a également été metteur en scène d’une quinzaine de longs métrages et deux segments de films à sketches. De Fumo di Londra (1966) à Incontri Proibiti (1998), Alberto Sordi est passé durant plus de trente ans derrière la caméra pour s’investir plus personnellement dans certaines œuvres qui lui tenaient plus à coeur. C’est le cas du méconnu et pourtant irrésistible Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir – Finché c’è guerra c’è speranza.

Dans cette sixième réalisation, Alberto Sordi interprète Pietro Chiocca, ancien commerçant milanais de pompes hydrauliques, reconverti dans un commerce plus lucratif, celui des armes à feu. Il parcourt les pays du Tiers Monde, déchirés par les guerres civiles. Grâce à ses affaires, sa famille, déjà aisée et habitant en centre-ville, peut enfin s’installer dans une luxueuse villa avec jardin, comblant ainsi sa femme à laquelle il ne refuse rien. Tout semble aller pour le mieux jusqu’à ce qu’un journaliste qui lui avait procuré le contact pour la vente d’armes à un mouvement de libération national dans l’état africain de la Guinée-Bissau, ne dénonce les agissements de Chiocca. Loin de se reposer sur ses lauriers, Alberto Sordi n’aura de cesse de se renouveler de film en film, à l’instar du sensationnel Détenu en attente de jugement de Nanni Loy (1971). Quarante ans avant Lord of War d’Andrew Niccol, même si dans un autre registre, Alberto Sordi s’attaquait donc aux profiteurs de guerre.

Essentiellement tourné au Sénégal avec quelques séquences en français dans le texte, Finché c’è guerra c’è speranza est un vrai bijou de la comédie italienne, centrée sur un individu sans aucune morale ni aucun scrupule, qui exploite les tensions et les conflits en Afrique afin d’y vendre toutes les armes possibles et imaginables. Alberto Sordi apporte son empathie habituelle à ce personnage ignoble, espérant qu’une guerre soit votée au détriment du financement de l’agriculture, pour ensuite proposer quelques échantillons (grenades, balles explosives) bien rangés dans sa valise. Et quand un concurrent marche sur ses plates-bandes, Chiocca ne recule devant rien pour épater les leaders prêts à lui acheter tout son arsenal, surtout qu’il a une famille à nourrir et que sa femme et ses enfants sont les premiers à dépenser l’argent dont ils ne se préoccupent pas de la provenance.

Charge féroce et impitoyable où tout le monde en prend pour son grade, où les institutions et les gouvernements de chaque pays s’avèrent autant corrompues qu’hypocrites, Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir démontre comme son titre l’indique qu’il y aura toujours des individus qui s’en mettront plein les poches, tant qu’il y aura des états à renverser et des guerres de religion.

LE DVD

Le DVD de Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette se focalise uniquement sur Alberto Sordi. Le verso montre tous les titres déjà disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet. Aucun chapitrage. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné.

Cette collection, bientôt entièrement chroniquée dans nos colonnes, a été éditée dans les bacs en trois vagues. La première en mars 2017 avec Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). La seconde vague au mois de juin avec Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Le Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). La dernière en septembre avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

Nous retrouvons un Stéphane Roux très inspiré pour la présentation de Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir (14’). Après une belle introduction d’Alberto Sordi comédien (peut-être le plus populaire de tous les temps en Italie), l’historien du cinéma se penche sur la carrière méconnue d’Alberto Sordi réalisateur, en indiquant quelques-unes de ses mises en scène et pourquoi l’acteur avait décidé de passer également derrière la caméra. Stéphane Roux en vient au film qui nous intéresse en mentionnant les difficultés du tournage au Sénégal, le travail des scénaristes et le très grand succès dans les salles italiennes.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

C’est là que le bât blesse comme pour Belfagor le magnifique et Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ?. On ne peut pas vraiment parler de définition ici puisque le master est constellé de scories, de points, de tâches et semble parasité par un voile grumeleux du début à la fin. La gestion des contrastes est totalement absente, les couleurs sont délavées, l’image tremble. Cette copie semble provenir d’un autre temps et aucun effort de restauration n’a semble-t-il été réalisé. C’est ici un dilemme pour les cinéphiles puisqu’il s’agit de la seule opportunité de découvrir Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir.

Point de restauration pour les deux pistes proposées. La version française est étonnamment la plus dynamique ne serait-ce qu’au niveau de la délivrance des dialogues, plus clairs et moins étouffés qu’en français, malgré un bruit de fond chronique. Les ambiances sont soigneusement restituées sur les deux pistes. L’incontournable musique de Piero Piccioni est quant à elle parfaitement restituée. Dans les deux cas, n’hésitez pas à monter le volume, même si un souffle persiste, afin de bénéficier au mieux des échanges entre les personnages. Les sous-titres français – qui se contentent de retranscrire les dialogues français et non de traduire les véritables dialogues – sont imposés sur la version originale. Notons également que l’éditeur n’a toujours pas réglé les problèmes au niveau des retranscriptions des « oe » (« cur » à la place de « coeur », « ufs » à la place de « oeufs ») !

Crédits images : © R.T.I. S.P.A. / ESC Conseils / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Il Gaucho, réalisé par Dino Risi

IL GAUCHO réalisé par Dino Risi, disponible en DVD et Blu-ray le 12 septembre 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Vittorio Gassman, Amedeo Nazzari, Silvana Pampanini, Nino Manfredi, Maria Grazia Buccella, Annie Gorassini, Nando Angelini…

Scénario : Dino Risi, Ruggero Maccari, Tullio Pinelli, Ettore Scola

Photographie : Alfio Contini

Musique : Armando Trovajoli

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1964

LE FILM

Marco Ravicchio, un attaché de presse financier « légèrement » à court d’argent, accompagne une compagnie de production italienne pour un voyage d’affaires en Argentine, afin de présenter un film lors d’un festival. Quand ce n’est pas avec les femmes, il passe le plus clair de son temps, à essayer de gagner un maximum d’argent, soit aux paris, soit en soutirant de l’argent auprès d’un italien expatrié, devenu un riche et prospère industriel…

La carrière du maître Dino Risi a été tellement grandiose, que l’on a de cesse de découvrir des pépites oubliées. C’est le cas avec Il Gaucho, réalisé en 1964, sixième collaboration entre le cinéaste et le comédien Vittorio Gassman, sur les 16 films qu’ils tourneront ensemble, de L’homme aux cent visages (Il mattatore) en 1959 à Valse d’amour en 1990. A peine sortis du chef d’oeuvre Le Fanfaron (1962) et des mythiques Monstres (1963), grisés par le succès et animés par la même énergie, les deux hommes remettent immédiatement le couvert avec Il Gaucho et partent tourner en Argentine. Méconnu, dissimulé derrière des œuvres devenues très populaires, Il Gaucho est pourtant l’une des plus grandes réussites de Dino Risi.

Vittorio Gassman est Marco Ravicchio. Marié et père de famille, il conduit une misérable délégation de cinéastes italiens à un festival à Buenos Aires, ainsi que quelques starlettes. Un italien expatrié, qui a fait sa fortune en Argentine, organise une réception somptueuse pour impressionner cette troupe. Entre mesquinerie et provincialisme, les Italiens découvrent en Argentine un monde qu’ils ne connaissent pas. Comme il se trouve à des milliers de kilomètres de chez lui, Marco décide de prendre du bon temps et espère retrouver un de ses anciens amis, parti faire fortune à Buenos Aires. Sous ses airs clinquants et déambulant dans au milieu des vedettes de cinéma, Marco s’est en réalité endetté et se voit vite rattrapé par sa situation.

On l’a souvent répété, mais Vittorio Gassman est une fois de plus immense dans Il Gaucho où il campe un personnage lâche, prétentieux, cupide, cruel, en un mot humain. Véritable typhon, le comédien virevolte constamment, nous gratifie de son immense sourire et emporte les spectateurs dans ses délires. De là à penser que son jeu inspirera le Belmondo des années 1970 il n’y a qu’un pas. Cependant, et c’est là tout le génie de Dino Risi et de ses coscénaristes, dont l’imminent Ettore Scola, l’énergie et la bonne humeur quotidienne du personnage, dissimulent en réalité la peur de se retrouver démuni ou tout du moins d’avoir des difficultés à joindre les deux bouts. Alors que le film est mené à cent à l’heure, Dino Risi effectue un virage inattendu en plein milieu de son récit, pour se concentrer sur les retrouvailles de Marco avec un ami d’enfance, Stefano, interprété par un autre monstre de la comédie italienne, Nino Manfredi, sublime et poignant, récompensé par le Grolla d’Oro du meilleur acteur en 1965.

Pensant que Stefano a réussi dans les affaires en Argentine, conformément à ses rêves, Marco tombe des nues quand il découvre son ami marié à une femme ingrate et vivant dans un appartement fort modeste, rongé par l’humidité. Stefano, vêtu d’un costume, probablement le seul qu’il possède, froissé et trop grand pour lui, a du mal à jouer bonne figure devant son ami, tandis que Marco, le visage affaissé et le regard triste, ne peut jouer son numéro habituel devant Stefano avec qui il a toujours été honnête. Dino Risi s’interroge alors sur le temps qui passe, sur les désillusions, sur les occasions manquées, sur le sort réservé à ceux qui n’ont pas eu la chance de réussir dans la vie. Une grande mélancolie s’installe durant cette incroyable séquence, la plus belle du film, tandis que Marco montre enfin son véritable visage, loin des paillettes et des mirages du monde du cinéma.

Le film reprend alors sur un ton doux-amer et même si l’humour est toujours aussi présent (un homme qui pourrait bien être Hitler est devenu jardinier, les bimbos qui ne comprennent rien à ce qui se dit ou qui croient voir la ligne de l’Equateur par le hublot), la vraie vie s’est immiscée un temps et tout ce qui est désormais montré dans le monde professionnel de Marco, fait de strass, de champagne, d’hôtels de luxe et de paillettes, est encore plus superficiel qu’au début. Il Gaucho est un film à redécouvrir et à réhabiliter d’urgence.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray d’Il Gaucho est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette, glissée dans un boîtier classique de couleur noire (contrairement au visuel), lui-même glissé dans un surétui cartonné, se focalise uniquement sur Vittorio Gassman. Le verso montre tous les titres déjà disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est animé et musical. Aucun chapitrage.

Une fois de plus, nous retrouvons l’historien du cinéma Stéphane Roux pour une présentation d’Il Gaucho (13’). Visiblement très inspiré par ce chef d’oeuvre, notre interlocuteur s’attarde avec une passion contagieuse sur la collaboration du tandem Vittorio Gassman/Dino Risi, sur les personnages du film et explique en le citant qu’Il Gaucho était l’un des meilleurs souvenirs de cinéma du comédien. Stéphane Roux évoque également le succès critique et public du film, les thèmes, la méthode de travail de Dino Risi et d’Ettore Scola, le tout avec quelques anecdotes de tournage intéressantes.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Mauvais point, le Blu-ray proposé est au format 1080i et ne respecte pas la vitesse de défilement originale de la pellicule, ici plus rapide. Malgré tout, le master HD d’Il Gaucho proposé ici est de fort bonne facture avec notamment une superbe restauration, des contrastes denses, une luminosité plaisante et un grain respecté. Hormis divers décrochages sur les fondus enchaînés, des fourmillements à la 72^e minute (la séquence dans l’appartement de Stefano) et des petites déchirures ici et là, le Blu-ray d’Il Gaucho installe un confort de visionnage évident et cette copie qui ne manque pas d’éclat participe à la (re)découverte de ce bijou oublié de Dino Risi.

Comme pour l’image, le son a également un dépoussiérage de premier ordre. Résultat : aucun souci acoustique constaté sur ce mixage italien Stéréo 2.0 aux sous-titres français imposés, pas même un souffle parasite. Le confort phonique de cette piste unique est total, les dialogues sont clairs et nets, même si les voix des comédiens, enregistrées en postsynchronisation, peuvent parfois saturer ou apparaître en léger décalage avec le mouvement des lèvres.

Crédits images : © R.T.I. S.P.A. / ESC Conseils/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Belfagor le magnifique, réalisé par Ettore Scola

BELFAGOR LE MAGNIFIQUE (L’Arcidiavolo) réalisé par Ettore Scola, disponible en DVD le 12 septembre 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Vittorio Gassman, Claudine Auger, Mickey Rooney, Gabriele Ferzetti, Hélène Chanel, Milena Vukotic, Giorgia Moll, Ettore Manni, Liana Orfei, Luigi Vannucchi…

Scénario : Ettore Scola, Ruggero Maccari

Photographie : Aldo Tonti

Musique : Armando Trovajoli

Durée : 1h43

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

1486. Le Pape Innocent VIII et Laurent de Médicis décident de signer un traité de paix après huit ans d’hostilité. Cette paix qui règne à Rome et à Florence a trop duré de l’avis du diable. Afin de relancer la guerre, Belzebuth envoie Belfagor. Il se matérialise alors sur terre et accompagné d’un mauvais esprit. Il a dix jours pour faire revenir la guerre. Il va gagner au jeu la vie d’un prince et se substituant à lui, il refuse publiquement le mariage prévu avec la fille d’un Médicis…

Belfagor le magnifique est un petit film d’Ettore Scola (1931-2016), ou plutôt non, c’est une comédie mineure car il n’y a pas vraiment de « petit » film du maître italien. Mais il a bien fallu que le cinéaste se fasse la main derrière la caméra après avoir oeuvré pendant dix ans en tant que scénariste et script doctor auprès de ses maîtres et modèles comme Mauro Bolognini et Dino Risi. Ettore Scola passe à la mise en scène en 1964 avec Parlons femmes, interprété par un Vittorio Gassman qui se multiplie dans près d’une dizaine de personnages. Belfagor le magnifique – L’Arcidiavolo est son troisième long métrage et déjà sa troisième collaboration avec Vittorio Gassman. A l’instar de L’Armée Brancaleone, par ailleurs sorti la même année en 1966, le mythique acteur qui encore six ans auparavant étant cantonné aux rôles de jeune premier et enfermé dans le registre dramatique, porte littéralement Belfagor le magnifique sur ses épaules. Popularisé grâce au Pigeon de Mario Monicelli en 1959, dans lequel Mario Monicelli avait dû le grimer pour le transformer et le rendre ainsi « plus drôle » aux yeux du public, Vittorio Gassman, véritable typhon humain, est sans nul doute la raison d’être de Belfagor le magnifique et la seule véritable attraction de ce film en costumes aujourd’hui.

La conjuration des Pazzi avait exacerbé la rivalité entre les Médicis et l’Église en 1478. Ce n’est qu’après huit ans de guerre, en 1486, que Laurent le Magnifique, « L’Aiguille de la balance italienne », parvint à signer la paix avec Rome. Comme une paix fatale réduit cruellement le flux des âmes damnées, Belzebuth décide d’envoyer l’un de ses princes dans le monde des vivants afin qu’il œuvre à raviver le conflit entre Florence et Rome. Satan jette son dévolu sur Belfagor, archidiable, provocateur des incendies, surintendant des tripots, charmeur de femmes. Accompagné de son serviteur Adramalek, diable roux et cornu, que lui-seul peut voir et entendre, Belfagor a dix jours pour accomplir sa mission. Autant vous dire que Vittorio Gassman se délecte d’un tel personnage ! Si le film demeure bancal et que l’intérêt s’émousse au fil d’un scénario somme toute banal, le comédien bondit, court, grimace, se ramasse et se relève pour mieux repartir, gesticule, crie, séduit, embrasse, émeut avec un tel génie qu’on ne peut qu’adhérer et se laisser embarquer dans son sillage. Parfait, hilarant et très élégant dans la peau de cet « archidiavolo » qui donne son titre au film en version originale, le comédien est accompagné de l’américain Mickey Rooney, qui tente « d’exister » à ses côtés en grimaçant de plus belle, mais il ne peut rien contre le charisme et l’immense talent de la tête d’affiche.

Belfagor le magnifique est aussi l’occasion d’admirer la grâce et la beauté de Claudine Auger. Ancienne première dauphine de Miss Monde en 1958, elle devient ensuite actrice et fait ses débuts dans Christine de Pierre Gaspard-Huit, avec Romy Schneider et Alain Delon. Elle est très vite demandée et passe d’un univers à l’autre, de Jean Cocteau à Marcel Carné, en passant par Robert Parrish, Pierre Etaix et devient même James Bond Girl dans Opération Tonnerre de Terence Young où elle interprète la sensuelle Domino. Il n’est pas étonnant que Belfagor perde la tête pour elle, d’autant plus que Maddalena semble être la seule femme à résister à son pouvoir, lui qui habituellement a juste à regarder ses proies (et à les hypnotiser c’est vrai) pour qu’elles lui tombent dans les bras.

Tourné dans les magnifiques paysages naturels de la Toscane, Belfagor le magnifique vaut pour quelques séquences remarquables, dont une partie de football endiablée, aussi anachronique qu’anthologique, à l’instar de la musique rock psychédélique d’Armando Trovajoli. Ettore Scola et son coscénariste Ruggero Maccari sont suffisamment malins pour relancer la mécanique au moment où elle commence à s’enrayer et le film est en réalité ponctué de moments jubilatoires comme celle de la partie de football évoquée ou bien encore de l’affrontement au milieu des inventions de Leonard de Vinci, dont un prototype de char d’assaut ! Par ailleurs, bien avant le film culte de Michael Lehmann, Hudson Hawk, gentleman et cambrioleur, Vittorio Gassman était probablement le premier comédien à utiliser la machine volante créée par le peintre et inventeur. Une séquence très originale. Si le rythme tend parfois à s’étirer, Belfagor le magnifique comporte son lot de moments qui reflètent autant le talent de son réalisateur que de son acteur principal.

LE DVD

Le DVD de Belfagor le magnifique est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette se focalise uniquement sur Vittorio Gassman. Le verso montre tous les titres déjà disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet. Aucun chapitrage. L’éditeur indique que le film est inédit en France, ce qui est faux, puisque Belfagor le magnifique est sorti dans nos salles, le 20 décembre 1978 ! Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné.

L’intervention de Stéphane Roux sur ce titre demeure complètement anecdotique (9’). L’historien du cinéma se contente d’évoquer les débuts d’Ettore Scola en tant que scénariste puis derrière la caméra. S’il indique quelques éléments liés à la production de Belfagor le magnifique, Stéphane Roux s’égare trop souvent et en vient même à parler de la scène de la cuisine des Tontons flingueurs ou de la réplique finale de Certains l’aiment chaud, pour expliquer (longuement) comment une scène non prévue au scénario, a finalement été tournée pour devenir culte par la suite.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Aïe, aïe, aïe…Alors…autant le dire tout de suite le master n’a subi aucune restauration et demeure constellé de toutes les scories possibles et imaginables, raccords de montage, points, griffures, etc. En plus de cela, la copie qui semble avoir été dégotée dans un tréfonds de catalogue, s’avère complètement usée du point de vue des contrastes et des couleurs. Terne du début à la fin, l’image est bien trop sombre, la définition ne trouve jamais d’équilibre, les flous ne sont pas rares, la gestion du grain est aléatoire et le piqué est sans cesse émoussé. Ne parlons pas des scènes de nuit, où la qualité demeure plus que passable, comme s’il s’agissait d’un transfert d’une VHS en DVD. Le cinéphile devra donc faire preuve de beaucoup d’indulgence.

Même chose pour les deux pistes proposées. Si la version italienne s’en sort « mieux » que la piste française parasitée par un bruit de fond constant et des voix pincées, les dialogues restent tantôt sourds tantôt aigus, avec de nombreuses saturations. N’ayez pas peur des craquements et des grésillements, car ils ne sont pas rares. Notons également que l’éditeur n’a toujours pas réglé les problèmes au niveau des retranscriptions des « oe » (« ceur » à la place de « coeur »). L’immense Dominique Paturel double Vittorio Gassman.

Test Blu-ray / Joyeuses Pâques, réalisé par Georges Lautner

JOYEUSES PÂQUES réalisé par Georges Lautner, disponible en Blu-ray le 5 septembre 2017 chez Studiocanal

Acteurs : Jean-Paul Belmondo, Marie Laforêt, Michel Beaune, Rosy Varte, Sophie Marceau…

Scénario : Georges Lautner, Jean Poiret d’après sa pièce de théâtre

Photographie : Edmond Séchan

Musique : Philippe Sarde

Durée : 1h38

Date de sortie initiale : 1984

LE FILM

La cinquantaine florissante, Stéphane Margelle héberge, en l’absence de sa femme, une jolie jeune femme. Mais l’épouse rentre à l’improviste. Pour sauver la face, Margelle est obligé de faire passer son hôte pour sa fille.

Jean-Paul Belmondo démarre les années 1980 comme il vient de terminer la décennieprécédente, avec le réalisateur Georges Lautner (1926-2013). Si Flic ou voyou (1979) et Le Guignolo (1980) ont été de très grands succès populaires avec 3,9 et 2,9 millions d’entrées, Bebel va alors connaître trois des plus grands triomphes de sa carrière avec Le Professionnel (5,2 millions), L’As des as (5,5 millions) et Le Marginal (4,9 millions), qui se placent respectivement à la troisième, seconde et quatrième place dans son top 5, derrière Le Cerveau (5,6 millions). Des chiffres qui font rêver. Jean-Paul Belmondo tourne ensuite Les Morfalous (3,6 millions), pour la dernière fois sous la direction d’Henri Verneuil. Conforté une fois de plus par l’adhésion du public et même s’il se lasse de la comédie, Bebel retrouve Georges Lautner avec « l’envie de s’éclater » (selon les mots du cinéaste) après la noirceur du Professionnel. Ils jettent alors leur dévolu sur la pièce à succès Joyeuses Pâques de Jean Poiret, alors que le théâtre commence sérieusement à manquer à Belmondo. Comme l’enchaînement des tournages l’empêche de remonter sur les planches, c’est donc le théâtre qui s’invite au cinéma !

Georges Lautner et Jean Poiret lui-même adaptent le vaudeville original qu’ils reformatent pour permettre à Bebel d’en faire ce qu’il veut. Et le moins que l’on puisse dire c’est qu’il y a tellement tout et n’importe quoi dans Joyeuses Pâques, que le film ne ressemble à rien et demeure aujourd’hui l’un des pires films du comédien et du réalisateur. Belmondo est Stéphane Margelle, un riche industriel et surtout un séducteur âgé d’une cinquantaine d’années qui collectionne les conquêtes dès que son épouse Sophie a le dos tourné. Persuadé que cette dernière a pris l’avion dans la journée, il ramène chez lui Julie, 16 ans, qui ne sait pas où dormir. Mais une grève surprise empêche Sophie de partir et elle rentre à l’improviste en pleine nuit et les surprend. Pour s’en sortir, Stéphane fait passer Julie pour sa fille, issue d’un premier mariage dont il aurait oublié de lui parler. De ce mensonge vont en découler bien d’autres et Stéphane va s’empêtrer toujours davantage. De son côté, Sophie, peu dupe et qui ferme habituellement les yeux sur les frasques de son mari, s’amuse à le voir s’embourber et se prend d’affection pour la jeune fille qui se demande dans quel pétrin elle s’est fourrée.

Dès le pré-générique, tout part en sucette. Les cascades improbables s’enchaînent avec Bebel accompagné de Rémy Julienne (pour une fois à l’écran) qui défoncent un cabanon avec leur bateau, puis Bebel qui passe de femme en femme, Bebel qui nous refait la cascade du Guignolo avec l’hélicoptère, le titre apparaît et la musique de Philippe Sarde démarre. Si l’acteur n’a jamais tari d’éloges sur Georges Lautner (« Lautner avait le don pour la comédie. Il avait le sens du rythme. C’était un grand technicien. Il savait anticiper les mouvements des acteurs. C’était un grand, grand monsieur du cinéma. Il faisait l’idiot avec moi, mais il avait son film dans la tête. Il n’improvisait pas. », L’Express, février 2014), force est de constater que Joyeuses Pâques marque un tournant dans leurs carrières respectives puisqu’il s’agit de l’avant-dernier grand succès du comédien et le dernier pour le réalisateur.

Joyeuses Pâques, c’est comme qui dirait le film de trop. Rien ne fonctionne, tout y est surligné, hystérique, fatiguant, exténuant même, comme la séquence du restaurant indien. Non seulement le film est très mal écrit, on se demande même s’il y a vraiment eu un scénario, mais Jean-Paul Belmondo y est extrêmement mauvais et grotesque. Pas une seule de ses répliques ne tombe juste et sa prestation outrancière (volontaire il est vrai) et franchement gênante, se résume à s’agiter dans tous les sens, totalement en roues libres, en brassant de l’air, en moulinant des bras, en courant de droite à gauche. Si la fraîcheur de Sophie Marceau fait parfois mouche, Marie Laforêt parvient à s’en sortir avec élégance et son ironie passe bien devant l’abattage de son partenaire qui continue de s’époumoner et de se perdre dans le plus mauvais boulevard. Quant au dernier tiers, comme la pièce originale de Jean Poiret a été réduite au minimum et qu’il faut bien livrer un long métrage, Georges Lautner et son acteur ont purement et simplement décidé d’enchaîner à nouveau les cascades burlesques et cartoonesques en Fiat Uno dans les rues de Nice. Si elles sont évidemment réussies, elles n’ont absolument aucune légitimité, si ce n’est remplir du vide.

Il fallait vraiment s’appeler Belmondo pour réunir pas loin de 3,5 millions de spectateurs avec si peu. Lautner et Bebel collaboreront une dernière fois en 1992 pour L’Inconnu dans la maison, échec critique et commercial et dernier film du réalisateur.

LE BLU-RAY

L’édition HD de Joyeuses Pâques est disponible chez Studiocanal. Le DVD du film remasterisé était d’ailleurs déjà disponible chez le même éditeur depuis 2000 et avait été réédité avec une jaquette différente en 2007. Le menu principal est fixe et muet, triste, ne proposant que le lancement du film.

Aucun supplément. Pourtant, l’édition DVD comprenait un entretien avec Georges Lautner de 12 minutes, une galerie d’affiches/photos, des filmographies et des bandes-annonces.

L’Image et le son

L’élévation HD pour Joyeuses Pâques est frappante. Fort d’un master au format respecté et d’une compression AVC qui consolide l’ensemble avec brio, ce Blu-ray en met plein les yeux dès les premiers plans. La restauration est étincelante, les contrastes d’une indéniable densité, la copie est propre et lumineuse. Les détails étonnent souvent par leur précision, les gros plans sont détaillés à souhait, les couleurs retrouvent un éclat inespéré, le relief des séquences diurnes est inédit et le piqué demeure acéré du début à la fin, même si la définition flanche très légèrement sur les séquences se déroulant dans l’appartement, mais cela reste anecdotique. Un superbe lifting.

Le mixage DTS-HD Master Audio Mono instaure un bon confort acoustique. Les dialogues sont clairs, la propreté est de mise, les effets suffisamment riches, sans aucun souffle. La composition de Philippe Sarde bénéficie en plus d’un très bel écrin. Pas de sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ni de piste Audiodescription.

Test DVD / Don’t Kill It, réalisé par Mike Mendez

DON’T KILL IT réalisé par Mike Mendez, disponible en DVD le 6 septembre 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs : Dolph Lundgren, Kristina Klebe, Elissa Dowling, Billy Slaughter, Michael Aaron Milligan, Tara Cardinal…

Scénario : Dan Berk, Robert Olsen

Photographie : Jan-Michael Losada

Musique : Juliette Beavan, Sean Beavan

Durée : 1h19

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Un démon antique est accidentellement libéré dans une petite ville dépeuplée du Mississippi. Le seul espoir de survie repose entre les mains d’un chasseur de démons et d’un agent du FBI.

Dolph Lundgren peut encore compter sur la fidélité de nombreux fans, y compris pour ses productions qui sortent directement dans les bacs. C’est le cas ici de Don’t Kill It. Si la carrière du comédien reste aujourd’hui marquée par quelques obscures séries B et Z, Les Maîtres de l’univers, Punisher, Universal Soldier, Au-dessus de la loi, Pentathlon ou encore Johnny Mnemonic, les épisodes de la franchise Expendables – Unité spéciale ont démontré qu’il restait une «  icône  » du genre dans le cinéma d’action. Né le 3 novembre 1957, Dolph Lundgren obtient une maîtrise en chimie après avoir suivi les cours du prestigieux Institut royal de technologie de sa ville natale Stockholm. Le nez plongé dans les livres et se consacrant à de hautes études, il souhaite devenir ingénieur comme son père. À 16 ans, il découvre les arts martiaux, le judo et le karaté, et commence la compétition de haut niveau en 1979, deux ans avant de devenir ceinture noire. Son gabarit et sa taille (1m96) impressionnent. Il participe au deuxième championnat du monde, emmagasine les titres nationaux au début des années 80. C’est alors qu’il rencontre Warren Robertson, professeur d’art dramatique, disciple de l’imminent Lee Strasberg. C’est une révélation, il décide de devenir comédien.

Il fait ainsi sa première apparition en 1985 dans le dernier James Bond de Roger Moore, Dangereusement vôtre. S’il n’est qu’une silhouette derrière Grace Jones, sa compagne d’alors, Lundgren enchaîne les auditions. Il passe celle pour Rambo II (la mission), mais Stallone l’imagine d’emblée pour incarner le rival de Rocky dans le quatrième opus. En 1985, Rocky IV sort sur les écrans et c’est un triomphe international. Acteur-phénomène, il est remarqué par les célèbres Menahem Golan et Yoram Globus, qui lui proposent le premier rôle dans l’adaptation live des Maîtres de l’univers. Le film est un échec critique et commercial, mais les années en ont fait un vrai objet de culte. Dolph Lundgren rebondit aussitôt et se voit offrir le scénario du Scorpion rouge que doit mettre en scène Joseph Zito, porté par les succès de Vendredi 13 – Chapitre 4 : Chapitre final, ainsi que Portés disparus et Invasion U.S.A. avec Chuck Norris. Les années 1990 sourient alors au comédien, mais les années 2000 seront difficiles et comme beaucoup de ses confrères spécialisés dans l’action (dont un certain Steven S à la coupe de cheveux en triangle), il enchaîne les films, la plupart du temps à petit budget, destinés au marché du DVD. Malgré cette période, Dolph Lundgren conserve aujourd’hui toute la sympathie des spectateurs nostalgiques de ce genre de divertissements et se voit souvent inviter par quelques réalisateurs qui ont grandi avec ses films. Il parvient d’ailleurs à tirer profit de ce regain de popularité puisqu’il est dernièrement apparu dans la série Arrow, et qu’il est déjà annoncé au casting d’Aquaman de James Wan et de Creed 2 dans lequel il reprendra son rôle mythique d’Ivan Drago ! Mais le film qui nous intéresse, Don’t Kill It, est une petite production au budget de 3,5 millions de dollars, qui intègre le haut du panier dans les DTV de l’ami Dolph, en l’occurrence une pure série B, une comédie fantastique et d’horreur, souvent gore, qui n’a pas peur du ridicule puisque le grotesque est volontaire.

Un mal très ancien sévit dans une petite ville du Mississippi, passant d’un hôte à un autre à la manière du Témoin du mal de Gregory Hoblit (1998), et semant mort et destruction sur son chemin. Seul espoir de survie, un grisonnant chasseur de démons ayant déjà fait face à cette horreur par le passé. Accompagné d’un agent du FBI réticent (Kristina Klebe), Jebediah doit découvrir comment détruire ce démon qui a la capacité de prendre possession de son tueur. Voilà. En partant sur un principe simple et usé jusqu’à la moelle, Don’t Kill It remplit son contrat et s’avère un film d’action bien bourrin et sanglant, qui repose autant sur la décontraction et le charisme buriné de Dolph Lungren, que sur d’efficaces effets de possession et les carnages qui s’ensuivent à coup de tronçonneuse, de machette et de coups de fusil à pompe.

Bien mieux et emballant que Le Dernier chasseur de sorcières avec Vin « Baboulinet » Diesel et animé par un amour contagieux de la série B, Don’t Kill It est l’oeuvre de Mike Mendez, découvert en 2000 avec Le Couvent et le déjà culte Big Ass Spider ! (2013), monteur, acteur, scénariste, le genre de type qui s’est fait tout seul, qui n’a jamais eu la prétention de révolutionner le cinéma, mais qui s’éclate à en faire et qui souhaite faire plaisir aux spectateurs. Et ça fonctionne ! Le scénario est généreux et ne se prend pas au sérieux une seconde. Dolph Lundgren s’éclate du début à la fin. Vêtu d’un long manteau usé jusqu’à la moelle, de boots et d’un chapeau de cowboy, il arbore des grigris autour du cou et vapote sa pipe électronique. Il est prêt à affronter le mal avec ses pétoires, son lance-filet à air comprimé et ses pièges à loups (oui), mais finalement, son personnage ne fait pas grand-chose à part observer le carnage tandis que le mal passe d’un flic à une grand-mère, en passant par un chasseur, une petite fille, un chien, etc. Son personnage de pistolero, il aurait d’ailleurs été un parfait Roland dans La Tour Sombre, reste cool et intervient finalement quand on le laisse en placer une, s’il n’est pas assommé avant.

Tourné en trois semaines, Don’t Kill It est une réussite dans le genre décomplexé et qui va droit à l’essentiel en à peine 80 minutes grâce à une mise en scène bien tenue, une photographie qui a de la gueule et un montage tonique. Très drôle et attachant, on en vient même à vouloir une suite, d’autant plus que la scène finale promet un affrontement plutôt…mordant.

LE DVD

Le test du DVD de Don’t Kill It, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est légèrement animé et musical. La jaquette reprend le visuel de l’affiche américaine.

Aucun supplément à part la bande-annonce en version française.

L’Image et le son

Pas d’édition HD pour Don’t Kill It, ce qui est d’autant plus dommage que le DVD proposé s’avère très médiocre. Cela faisait d’ailleurs longtemps que nous n’avions pas vu une copie aussi moche à vrai dire. Le premier plan sur la forêt donne le ton avec des couleurs délavées, des pixels à foison, un piqué émoussé, des contrastes aléatoires, des fourmillements, des moirages, tout y passe. On se demande même si le film n’a pas été tourné avec une Smartphone ou un appareil photo. Ceci dit, voir le film dans ces conditions rajoute presque un côté cradingue qui renforce l’aspect série B de Don’t Kill It. Certaines séquences semblent voilées, d’autres se révèlent plus claires et aiguisées.

Sans réelle surprise, la piste DTS 5.1 anglaise se révèle nettement plus homogène, naturelle et dynamique que les deux pistes Dolby Digital 5.1 française et également anglaise disponibles. Sans aucune commune mesure, le spectacle est beaucoup plus fracassant sur la première option acoustique que sur les deux autres, paresseuses, déséquilibrées et qui peinent à instaurer une spatialisation digne de ce nom. La version originale DTS 5.1 n’est pas avare en effets sur les scènes de carnage avec un grand soutien du caisson de basses et des latérales qui délivrent une musique qui risque d’alarmer vos voisins. Les sous-titres français sont de couleur jaune.

Test DVD / Aurore, réalisé par Blandine Lenoir

AURORE réalisé par Blandine Lenoir, disponible en DVD et Blu-ray le 5 septembre 2017 chez Diaphana

Acteurs : Agnès Jaoui, Thibault de Montalembert, Pascale Arbillot, Sarah Suco, Lou Roy Lecollinet, Philippe Rebbot, Laure Calamy, Marc Citti…

Scénario : Blandine Lenoir, Jean-Luc Gaget, Benjamin Dupas, Anne-Françoise Brillot, Océane Michel, Agnès Jaoui d’après une histoire originale de Blandine Lenoir

Photographie : Pierre Milon

Musique : Bertrand Belin

Durée : 1h29

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Aurore est séparée, elle vient de perdre son emploi et apprend qu’elle va être grand-mère. La société la pousse doucement vers la sortie, mais quand Aurore retrouve par hasard son amour de jeunesse, elle entre en résistance, refusant la casse à laquelle elle semble être destinée. Et si c’était maintenant qu’une nouvelle vie pouvait commencer ?

Excellente comédienne, notamment vue chez Gaspar Noé (Carne, Seul contre tous), Blandine Lenoir est aussi la réalisatrice de sept courts-métrages, d’Avec Marinette (2000) à L’Amérique de la femme (2015), traitant souvent de l’amitié et de la solidarité entre femmes, du rapport mère-fille et de la sexualité féminine. Ces thèmes sont d’ailleurs au centre de son premier long métrage, Zouzou, sorti en 2014, qui évoquait entre autres la sexualité après 60 ans. Son second film, Aurore, découle de ses œuvres précédentes et s’avère un film-somme de tous les sujets que la réalisatrice avait abordés. Né d’expériences personnelles, notamment l’angoisse d’arriver à la quarantaine et tout simplement la peur universelle de vieillir et du temps qui passe, Aurore est une comédie délicate qui témoigne d’une qualité d’écriture déjà évidente dans les courts-métrages de Blandine Lenoir, notamment Ma Culotte (2005) et L’Amérique de la femme déjà mentionné. Le film offre également un de ses meilleurs rôles à Agnès Jaoui, lumineuse, de tous les plans, attachante, belle, pour ainsi dire caressée par la cinéaste et la photo de Pierre Milon.

Elle incarne Aurore, 50 ans, divorcée, qui apprend cour sur coup qu’elle perd son travail, que sa fille aînée Marina attend un enfant et donc qu’elle va être grand-mère, que sa plus jeune fille Lucie souhaite quitter le domicile familial pour rejoindre son copain, que son ex-mari va se remarier avec une femme plus jeune. Mais le pire pour Aurore, ce sont ces bouffées de chaleur dues à la ménopause. Consciente d’être à un carrefour de sa vie – « Vous êtes en train de passer d’abeille à reine des abeilles » lui dit-on – Aurore va faire le point sur sa propre existence et penser à elle pour la première fois. C’est alors que ressurgit le premier homme de sa vie, Christophe alias Totoche. Sur les conseils de sa meilleure amie Mano, Aurore apprend à accepter et surtout à recevoir les belles choses qui lui arrivent.

Aurore est une comédie en apparence simple, mais qui traite de la vie sentimentale et sexuelle d’une femme de plus de cinquante ans, rarement représentée au cinéma, avec une énergie revigorante et une douceur qui réchauffe le coeur. Le choix d’Agnès Jaoui est aussi malin qu’évident, puisque la comédienne apparue pour la première fois à l’écran dans Le Faucon de Paul Boujenah en 1983 (oui oui, le film où Francis Huster souhaite manger un hamburger), devenue célèbre en 1996 grâce à Cuisine et dépendances de Philippe Muyl qu’elle avait coécrit avec Jean-Pierre Bacri, d’après leur pièce de théâtre, a su traverser les années ou jouant et en profitant de ses nouveaux atouts physiques de femme mûre et plantureuse comme dans Comme un avion de Bruno Podalydès en 2015. Elle est parfaite dans Aurore, drôle et émouvante, féminine et sensuelle, toujours séduisante. La comédienne s’épanouit devant la caméra de Blandine Lenoir dans la peau de ce personnage qui lui va comme un gant. Elle est également solidement épaulée, notamment la toujours pétillante Pascale Arbillot, Thibault de Montalembert, Sarah Suco (la révélation de Discount), Lou Roy-Lecollinet (découverte dans Trous souvenirs de ma jeunesse d’Arnaud Desplechin), sans oublier les apparitions des indispensables Samir Guesmi, Marc Citti, Laure Calamy, Florence Muller (la scène de Pôle Emploi est hilarante) et Philippe Rebbot.

Aurore est une comédie lumineuse et optimiste, tendre et spontanée, engagée et pertinente, rythmée par ses répliques soignées et le peps de ses acteurs. C’est ce qu’on appelle aujourd’hui un feel-good movie.

LE DVD

Le test du DVD d’Aurore, disponible chez Diaphana, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical. La jaquette reprend le visuel de l’affiche du film.

Après Aurore, précipitez-vous sur les courts-métrages de Blandine Lenoir proposés en guise de suppléments et qui évoquent les thèmes et certains motifs repris dans Zouzou et le second long métrage de la réalisatrice. Ne manquez pas la leçon sur le clitoris par la sublime Laure Calamy dans L’Amérique de la femme.

Ma culotte (2005 – 14’), avec Christine Boisson, Anaïs Demoustier : Claire, la cinquantaine, a très envie de faire l’amour avec ce type qu’elle a ramené chez elle. Depuis le temps qu’elle attend ça, un homme. Comment fait-on déjà ?

Pour de vrai (2006 – 12’), avec Nanou Garcia, Anaïs Demoustier : Une femme de quarante-cinq ans, bouleversée à l’idée de perdre son enfant actuellement dans le coma, erre chez elle, paralysée par son désespoir et son impuissance. Elle est totalement accaparée par sa petite voix intérieure qui répète toujours les mêmes mots d’amour fou pour son enfant endormi, et l’obsession de sa culpabilité de n’avoir pu éviter la chute fatale. Il y a quand même un truc qui cloche dans tout ce désespoir.

L’Amérique de la femme (2014 – 18’), avec Jeanne Ferron, Florence Muller, Laure Calamy, Sarah Grappin : Trois sœurs entre trente-cinq et quarante-cinq ans (Agathe, Lucie et Marie) débarquent chez leur mère, Solange, pour un week-end prolongé à la campagne. La fille d’Agathe, Zouzou, est là depuis une semaine, et d’après Solange, le séjour s’est bien passé. Mais quand les quatre femmes découvrent que la jeune fille de quatorze ans est en train de faire l’amour à l’étage, certainement pour la première fois, c’est la panique.
Qu’est-ce qu’on fait ? On monte les voir ? On les interrompt ?
Un dialogue commence alors autour de la question de l’éducation sexuelle : est-ce qu’Agathe a bien préparé sa fille ? Est-ce qu’elle a su mettre les mots ?

Finissez par le très bon entretien de Blandine Lenoir (18’) réalisé en juin 2017. La cinéaste revient sur la genèse d’Aurore, né d’observations sur ses amies et sur elle-même au moment de l’arrivée de la quarantaine et plus particulièrement sur les inégalités entre les hommes et les femmes de 40 voire plus de 50 ans. Son deuxième long métrage est aussi issu de l’envie de parler de la vie amoureuse et sociale d’un personnage féminin de 50 ans, peu représenté au cinéma. Blandine Lenoir évoque ensuite le choix d’Agnès Jaoui (dont elle voulait filmer le corps) pour incarner le rôle principal, mais aussi les autres comédiens qui l’accompagnent depuis de nombreuses années. Les thèmes du film sont longuement analysés et l’ensemble ne manque pas d’anecdotes de tournage.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Seule l’édition DVD a pu être testée. Evidemment, le piqué n’est pas aussi pointu qu’en Blu-ray et la colorimétrie peut avoir tendance à baver quelque peu, mais cette édition SD s’en tire avec les honneurs. Les contrastes sont corrects, les détails plaisants et l’encodage suffisamment solide pour pouvoir faire profiter de la photographie de Pierre Milon (Les Neiges du Kilimandjaro, Au fil d’Ariane). La clarté est appréciable, les teintes chaleureuses et solaires. Notons toutefois quelques baisses de la définition.

Outre une piste Audiodescription et des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, la version Dolby Digital 5.1 parvient sans mal à instaurer un indéniable confort phonique. Les enceintes sont toutes mises en valeur et spatialisent excellemment les effets, la musique et les ambiances. Quelques séquences auraient peut-être mérité d’être un peu plus dynamiques ou les dialogues parfois quelque peu relevés quand la partition s’envole. La piste Stéréo est de fort bon acabit et contentera largement ceux qui ne seraient pas équipés sur la scène arrière.

Crédits images : © Eddy Brière / Karé Productions / Diaphana Distribution / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr