FOLLES DE JOIE (La Pazza goia) réalisé par Paolo Virzì,disponible en Blu-ray et DVDle 2 novembre 2016 chez Bac Films
Acteurs : Micaela Ramazzotti, Valeria Bruni Tedeschi, Valentina Carnelutti, Marco Messeri, Bob Messini, Roberto Rondelli, Anna Galiena…
Scénario : Paolo Virzì, Francesca Archibugi
Photographie : Vladan Radovic
Musique : Carlo Virzì
Durée : 1h56
Date de sortie initiale: 2016
LE FILM
Beatrice est une mythomane bavarde au comportement excessif. Donatella est une jeune femme tatouée, fragile et introvertie. Ces deux patientes de la Villa Biondi, une institution thérapeutique pour femmes sujettes à des troubles mentaux, se lient d’amitié. Une après-midi, elles décident de s’enfuir bien décidées à trouver un peu de bonheur dans cet asile de fous à ciel ouvert qu’est le monde des gens « sains».
Le réalisateur Paolo Virzì ne s’est pas reposé sur ses lauriers après le triomphe mérité à la fois de la critique et du public de son excellent précédent film Les Opportunistes, une des plus grandes réussites du cinéma transalpin de ces dernières années qui s’est vu récompensé par 7 David di Donatello Awards en 2014 et plus d’une quarantaine de prix à l’international ! Il revient avec Folles de joie – La Pazza goia et délaisse le côté thriller, saga familiale et chronique de mœurs teintée d’humour noir des Opportunistes pour livrer une œuvre ensoleillée, drôle et très émouvante, qui rappelle les grandes heures du cinéma italien de Dino Risi, Mario Monicelli et Luigi Comencini.
Si les liens familiaux ont souvent tenu une part importante dans son cinéma, Paolo Virzì s’attache ici à deux femmes, inadaptées, solitaires, deux marginales. Beatrice la bonde pulpeuse, exubérante, bourgeoise déchue d’une quarantaine d’année, radieuse, qui ne s’arrête jamais de parler et de s’inventer une vie. Elle rencontre Donatella, la trentaine, brune, dépressive, maigre, tatouée, fragile, mutique, visiblement chargée de médicaments qui l’empêchent de s’automutiler et de s’autodétruire comme l’attestent diverses cicatrices. Elles se retrouvent toutes les deux à la Villa Biondi, institut psychiatrique pour femmes mentalement instables et sujettes à des troubles mentaux, qui tentent de retrouver le goût à la vie, entourées d’arbres séculaires et de pépinières. Tout semble les opposer et pourtant Beatrice et Donatella vont rapidement devenir complices, au point de réussir à se faire la malle pour profiter du soleil radieux qui inonde la Toscane.
Dans son cinéma, Paolo Virzì a souvent privilégié les valeurs simples et essentielles et livre cette fois encore un film extrêmement chaleureux, formidablement interprétée par Valeria Bruni Tedeschi, qui retrouve le réalisateur après Les Opportunistes, et Micaela Ramazzotti, compagne de Paolo Virzì, qui tenait déjà l’affiche de Tutta la vita davanti (2008) et La Prima cosa bella (2010), pour lequel elle avait obtenu le David di Donatello de la meilleure actrice. Les deux comédiennes sont exceptionnelles et l’alchimie est évidente.
Oeuvre furieusement attachante, pleine de pudeur, qui repose sur la folle énergie, le charme, le naturel confondant et l’immense sensibilité de ses comédiennes, Folles de joie est un road movie d’une justesse confondante, qui s’attache à deux désaxées lancées à fond la caisse pour oublier leur mal-être et la difficulté d’un monde qui ne les laisse pas s’exprimer ou tout simplement vivre dans le leur. Celui qu’elles se sont construits pour se protéger d’une douleur insupportable liée à un passé trouble. Mais les psychiatres, psychotérapeutes et même la police sont lancées à leurs trousses.
Animé d’une énergie contagieuse, sans pathos, mais avec une émotion, une délicatesse, un humour et une mélancolie qui vont droit au coeur des spectateurs, Folles de joie, sélectionné en Compétition officielle dans la section la Quinzaine des réalisateurs du Festival de Cannes 2016, chaînon manquant entre Une journée de fous de Howard Zieff et Thelma et Louise de Ridley Scott, est assurément un des plus beaux films de l’année.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray de Folles de joie, disponible chez Bac Films, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.
Grande déception, nous ne trouvons qu’un lot de bandes-annonces en guise de bonus.
Le Blu-ray de Folles de joie est au format 1080i.. Malgré cette déconvenue, les détails sont aiguisés et bien définis sur le cadre large. Que l’on soit en plan serré ou en plan large, la définition demeure quasi-optimale et le piqué acéré. Si les séquences en intérieur se révèlent plus douces, l’ensemble est consolidé par une compression AVC de haute volée restituant le soleil plombant de la Toscane, la végétation environnante et le bleu azur du ciel comme si on y était. La colorimétrie vive et saturée réalisée par le chef opérateur Vladan Radovic est superbement restituée, les contrastes concis même s’ils auraient pu l’être davantage, les noirs sont d’une densité exemplaire.
Les mixages italien et français DTS-HD Master Audio 5.1 se révèlent particulièrement sobres, mais instaurent un confort acoustique suffisant. En version originale, les dialogues sont solidement plantés sur l’enceinte centrale et nous vous conseillons d’éviter le doublage français. Dans les deux cas, la spatialisation musicale demeure évidente, les latérales soutiennent l’ensemble comme il se doit, les ambiances naturelles ne manquent pas. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la version italienne.
GARDE A VUEréalisé par Claude Miller,disponible en Édition Digibook Collector Blu-ray + DVD + Livretle 25 octobre2016 chez TF1 Vidéo
Acteurs : Lino Ventura, Michel Serrault, Romy Schneider, Guy Marchand, Michel Such, Elsa Lunghini…
Scénario : Claude Miller, Jean Herman, Michel Audiard d’après le roman A table ! De John Wainwright
Photographie : Bruno Nuytten
Musique : Georges Delerue
Durée : 1h27
Date de sortie initiale: 1981
LE FILM
Le soir du 31 décembre, Jérôme Martinaud, un notaire, est convoqué au commissariat afin de témoigner sur l’assassinat et le viol de deux petites filles. Les inspecteurs Gallien et Belmont, persuadés de la culpabilité du notable, le mettent en garde à vue. Gallien essaye à tout prix de le faire avouer mais malgré tout, l’affaire piétine. C’est alors que Madame Martinaud, la femme du suspect, fait un témoignage décisif pour l’enquête.
Emblématique du cinéma d’auteur populaire, Garde à vue de Claude Miller, adapté du roman noir Brainwash – A table ! de John Wainwright, demeure une référence du genre policier à huis clos. Lino Ventura, Michel Serrault, Guy Marchand et Romy Schneider s’affrontent durant 1h25, la plupart du temps enfermés dans les bureaux de la police. Le premier campe un inspecteur usé, fatigué, les épaules basses et les yeux tombants, qui convoque le second, notaire renommé de province. Il est 21h le soir de la Saint Sylvestre, il pleut à verse. Alors que le divisionnaire réveillonne avec tout le gratin dans l’annexe de la Préfecture de police, Gallien (Ventura) rejoint son bureau où l’attendent déjà son adjoint Belmont (Guy Marchand), chargé de transcrire l’interrogatoire mais qui ronge son frein face à la légèreté et l’arrogance du suspect, et Martinaud, vêtu d’un smoking. Ce dernier est passé de témoin à principal suspect dans le cadre d’une affaire de double meurtre et de viol. Deux fillettes sont mortes à quelques jours d’intervalle. Martinaud commence à perdre patience face aux questions de Gallien. Sous la pression de ce dernier, il perd le fil de son témoignage et se contredit. Persuadé que Martinaud ment et alors que ce dernier décide de partir, Gallien le retient en le mettant en garde à vue. La soirée ne fait que commencer et la nuit sera même très longue.
Au-delà des fabuleux numéros d’acteurs qui ravissent toujours autant les spectateurs 35 ans après sa sortie, la mise en scène de Claude Miller reste un modèle du genre puisqu’elle parvient à faire ressentir cette impression d’enfermement, sans jamais ennuyer l’audience. Le cinéaste ne se repose pas sur les simples champs-contrechamps et parvient à faire de la caméra – jamais statique – un protagoniste qui s’immisce dans cette pièce exiguë, qui arpente les lieux, qui scrute les tics nerveux des protagonistes, qui suit les regards complices ou de reproches entre Gallien et Belmont, comme une véritable valse qui traduit les esprits qui s’échauffent et qui fatiguent jusqu’à 7 heures du matin. Durant cette nuit interminable (mais pas pour le spectateur), la femme de Martinaud, interprétée par Romy Schneider dans son avant-dernière apparition au cinéma, déclare détenir une preuve qui accable son mari, avec qui elle fait chambre à part depuis plus de dix ans. Malgré son peu de présence à l’écran, la comédienne imprime le film de son visage grave et usé avant l’âge, sa voix basse et bouleversante qui donne des frissons. Garde à vue bénéficie également et surtout de puissants et incisifs dialogues signés Michel Audiard. Après la tragique disparition de son fils François dans un accident de voiture en 1975, le travail du célèbre scénariste-dialoguiste-réalisateur sera marqué d’une noirceur psychologique qu’on lui connaissait peu. Garde à vue reste un des films les plus sombres qu’il aura dialogués.
Garde à vue apparaît comme un véritable film de guerre où les mots auraient remplacé les armes. Si le retournement inattendu de la voiture volée apparaît trop facile voire improbable, il n’en demeure pas moins que Garde à vue conserve son implacable force originale et distille encore un angoissant malaise, par ailleurs renforcé par la photo froide et clinique du chef opérateur Bruno Nuytten, ainsi que la composition mélancolique et presque inquiétante de Georges Delerue, jouée à l’orgue de barbarie.
Ce troisième long métrage de Claude Miller après La Meilleure façon de marcher (1976) et Dites-lui que je l’aime (1977) qui s’était soldé par un échec public, reste un des plus grands succès au box-office en 1981 avec plus de 2 millions d’entrées, deuxième plus grand hit de la carrière du réalisateur derrière les 2,8 millions d’entrées de L’Effrontée en 1985. Garde à vue obtient le Grand prix du cinéma français Louis Lumière, le prix Méliès, ainsi que le prix du meilleur scénario au Festival de Montréal. La Cérémonie des César récompense également le film à quatre reprises (sur huit nominations) avec les compressions pour Michel Serrault, sacré meilleur acteur, Guy Marchand pour celle du meilleur acteur dans un second rôle, Albert Jurgenson pour le meilleur montage, et Jean Herman, Claude Miller et Michel Audiard pour celle du meilleur scénario ou adaptation. En 2000, le réalisateur australien Stephen Hopkins (Predator 2, Blown Away) a signé Suspicion, un remake initié par Gene Hackman, grand admirateur du film de Claude Miller, dans lequel il reprend le rôle de Michel Serrault, tandis que Morgan Freeman interprète l’inspecteur et Monica Bellucci le rôle principal féminin.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray de Garde à vue, disponible chez TF1 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le disque est estampillé du H de la collection Héritage. Le menu principal est animé sur une des séquences du film. Le Blu-ray s’accompagne également du DVD du film, glissés dans un boîtier Digibook avec un livret retraçant l’histoire du film présenté par Olivier Curchod (56 pages).
L’éditeur joint tout d’abord un documentaire rétrospectif de 34 minutes intituléGarde à vue, histoire d’un succès (Claude Miller dans la cour des grands)coréalisé par Olivier Curchod et Luc Béraud. Ce dernier, collaborateur et ami de Claude Miller, intervient également dans ce module. Tristement réalisé avec ses protagonistes filmés sur un fond gris, peu rythmé, ce documentaire vaut néanmoins pour les propos évidemment intéressants de Nathan Miller, fils de Claude Miller, qui avait 12 ans lors du tournage et qui se souvient de sa venue sur le plateau, sans oublier les interventions de Jean-Louis Livi, agent de Claude Miller, d’Annie Miller (la femme du cinéaste), de Lam Lê (directeur artistique), de Nadine Muse (monteuse son) et même du réalisateur Jean-Pierre Vergne (premier assistant-réalisateur, décédé en 2014) et surtout de Claude Miller lui-même (décédé en 2012). Les entretiens de ces deux derniers ont été réalisés par Jérôme Wybon, peu de temps avant leur décès.
Malgré son aspect austère, ce documentaire s’avère indispensable pour en savoir plus sur la genèse de Garde à vue, d’autant plus que Claude Miller semble ravi de revenir sur ce film qui a fait exploser sa carrière. La mise en route du projet, les partis pris, l’adaptation du roman de John Wainwright, la façon dont Claude Miller s’est approprié cette histoire malgré l’hégémonie de Michel Audiard, le casting (Yves Montand avait été envisagé pour le rôle finalement tenu par Lino Ventura), la création du storyboard (images à l’appui), la photo de Bruno Nuytten, la collaboration Ventura/Serrault, la sortie triomphale du film sur les écrans, tout est abordé posément avec parfois quelques photos et images issues du tournage.
Le second supplément donne la parole au réalisateur Patrice Leconte (6′) qui déclare son amour pour le film et encense le travail de son confrère en disant que Garde à vue demeure une exemplaire leçon de mise en scène. Un film qui l’impressionne toujours aujourd’hui par sa rigueur formelle, qu’il qualifie d’intemporel et d’indémodable, tout en louant son classicisme dans le sens le plus noble du terme.
S’ensuit une rencontre de Michel Drucker avec Michel Serrault puis avec Lino Ventura sur le plateau du film (Archives de l’INA, 4’30). Dans la cour du Palais de justice de Versailles, l’équipe tourne l’ultime séquence du film, quand Martinaud appelle Gallien après la découverte du drame dans sa voiture. Les deux comédiens s’expriment avec un grand respect mutuel sur leur collaboration et c’est aussi l’occasion de voir rapidement Claude Miller à l’oeuvre avec ses acteurs.
L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.
L’Image et le son
Hormis une édition DVD complètement dépassée éditée chez TF1 Vidéo en 2000, avec une version tronquée du film (au format 4/3!) qui plus est, Garde à vue n’avait pas reçu les honneurs dus à son rang. Il aura donc fallu attendre 2016 pour que ce très grand classique fasse peau neuve dans une édition remastérisée en Haute-Définition ! N’oublions pas que Garde à vue est un huis clos, avec une action essentiellement confinée dans des bureaux. Aucune profondeur de champ attendue donc. Si la copie est propre et même débarrassée des poussières diverses et variées, l’apport HD demeure franchement limité pour ce titre. Les fourmillements ne sont pas rares, la gestion du grain est aléatoire, tout comme celle des contrastes. La photographie froide – et éclairée aux néons – de Bruno Nuytten est bien restituée et le format 1.66 enfin respecté, mais certains plans demeurent sensiblement altérés, surtout ceux qui se focalisent sur Guy Marchand attablé devant sa machine à écrire. La définition est honnête certes, mais l’exiguïté des décors plus les éclairages ternes donnent du fil à retordre à ce nouveau lifting numérique.
Une piste unique en DTS-HD Master Audio Mono, qui instaure un confort acoustique agréable et qui restitue les petites ambiances environnantes. Aucun souffle constaté, les dialogues percutants de Michel Audiard, dont certains ont été réenregistrés en post-synchronisation en raison d’une incompatibilité entre la prise de vue à 25 images/seconde et la prise de son en 24 images/seconde (tout est expliqué dans les suppléments), sans parler du bruit de la fausse pluie qui martelait le décor au moment du tournage, sont vifs et dynamiques. Les sous-titres destinés aux spectateurs sourds et malentendants sont également disponibles.
ON NE JOUE PAS AVEC LE CRIME (5 Against the House) réalisé par Phil Karlson,disponible en DVDle 19 octobre2016 chez Sidonis Calysta
Acteurs : Kim Novak, Guy Madison, Brian Keith, Alvy Moore, Kerwin Mathews, William Conrad…
Scénario : Stirling Silliphant, William Bowers, John Barnwell, d’après le roman de Jack Finney
Photographie : Lester White
Musique : George Duning
Durée : 1h20
Date de sortie initiale: 1955
LE FILM
Alors qu’ils prennent du bon temps dans un casino, quatre étudiants américains entendent un policier affirmer que dérober l’argent contenu dans les coffres est ici totalement impossible. Il n’en faut pas moins pour piquer l’orgueil du plus riche des garçons. Il entraîne alors ses trois camarades à cambrioler l’établissement. Il réussit en effet à les convaincre que seul le défi l’intéresse : l’argent sera rendu à l’issue du vol. Mais rien ne se passe comme prévu…
Réalisé par Phil Karlson (1908-1985) en 1955, On ne joue pas avec le crime – 5 Against the House est un drame aux allures de film noir adapté du roman éponyme de Jack Finney (L’Invasion des profanateurs), sorti en France sous le titre Néant à roulettes dans la collection Série noire. Produit par la Columbia Pictures, 5 Against the House montre le savoir-faire du metteur en scène, spécialiste des séries B, à qui l’on doit Le Quatrième homme (1952), L’Affaire de la 99ème rue (1953) ou bien encore Coincée (1955), et reste la principale source d’inspiration du Casino de Martin Scorsese. Le film démarre bien en montrant une bande de quatre étudiants venus à Reno (« la plus grande petite ville du monde ») dans le but de prendre du bon temps en jouant au casino. Il y a Al (Guy Madison), le meneur du groupe, Brick (Brian Keith), le colosse, Roy (Alvy Moore), le rigolo et Ronnie (Kerwin Mathews) l’intellectuel. Ils assistent à une tentative de braquage, rapidement mise en échec par la sécurité de l’établissement. Le groupe reprend la route et roule toute la nuit pour rejoindre la faculté de droit. C’est alors que Ronnie se met en tête de réaliser le crime parfait, en l’occurrence le braquage du casino de Reno que l’on dit impossible à dévaliser. Il commence à en parler à ses potes. Al retrouve sa petite amie Kay (Kim Novak), devenue chanteuse dans un nightclub. On apprend alors que Brick et Al ont fait la guerre de Corée et ont été rendus à la vie civile. Un lien les unit puisque Brick a sauvé la vie de son ami. Mais Brick est aussi revenu traumatisé et sujet à d’incontrôlables explosions de colère. Ayant passé un long séjour en hôpital psychiatrique, Brick s’est juré de ne jamais y retourner. Le casse prévu par Ronnie pourrait lui apporter une nouvelle protection. Seulement Ronnie ne souhaite réaliser ce coup que pour la beauté du geste. Brick entreprend alors de menacer sa bande d’amis à l’aide d’un revolver et les oblige à braquer ce casino en gardant le butin.
S’il ne manque pas d’intérêt, On ne joue pas avec le crime est une œuvre qui manque d’enjeux dramatiques durant une bonne partie du film (en gros tout ce qui se passe à l’université) et qui s’avère souvent plombée par des dialogues trop abondants et explicatifs. De plus, Guy Madison manque vraiment de charisme et passe son temps à lever un sourcil, puis l’autre, avant d’emballer la sublime Kim Novak (tout juste révélée par le superbe Du plomb pour l’inspecteur de Richard Quine), dont le rôle de jolie minette qui pousse la chansonnette (en playback) est bien trop limité pour finalement retenir l’attention. Ajoutez à cela un humour maladroit qui pousse parfois le film dans une autre direction, ainsi que le choix maladroit d’un quatuor d’acteurs trop âgés pour jouer des étudiants. En revanche, l’interprétation de Brian Keith (Cher oncle Bill, Reflets dans un œil d’or, Nevada Smith) vaut vraiment le détour. Bâti comme une armoire à glace, le comédien apporte néanmoins une grande fragilité à son personnage de Brick, revenu cassé de la guerre de Corée, prêt à exploser à n’importe quel moment. Si Al parvient à le canaliser, les démons de Brick finiront par prendre le dessus par peur de retourner à l’asile où il a subi de nombreux chocs électriques.
Finalement, On ne joue pas avec le crime est plus un drame qu’un film de casse, même si celui-ci est bien organisé et même passionnant dans les dernières vingt minutes, avec une apparition de William Conrad. Nous retiendrons aussi le dernier affrontement Al/Brick qui se déroule dans le décor singulier d’un parking mobile, impeccablement utilisé par Phil Karlson à travers des angles très recherchés. Cette séquence rappelle dans une moindre mesure, la scène finale du formidable Mission : Impossible – Protocole fantôme de Brad Bird.
LE DVD
Disponible chez Sidonis Calysta, On ne joue pas avec le crime intègre la collection Film Noir. Le visuel de la jaquette est très attractif et soigné, tout comme la sérigraphie du DVD. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné. Le menu principal est quant à lui animé et musical.
Comme bien souvent, Bertrand Tavernier commence sa présentation d’On ne joue pas avec le crime (16′) en se remémorant la première fois qu’il a vu le film en compagnie de ses amis étudiants du ciné-club Nickelodéon qu’ils avaient alors créé. Si le réalisateur et historien du cinéma a pu parfois changer d’avis sur un film au cours de sa vie, il déclare ici que le film de Phil Karlson l’a toujours déçu et laissé sceptique. Dans un premier temps, Bertrand Tavernier évoque comment Kim Novak divisait à la fois les critiques et les cinéphiles. Ensuite, il en vient à Phil Karlson, cinéaste qu’il aime tout particulièrement pour ses excellentes séries B, tout en passant en revue quelques-uns de ses films les plus marquants. Même s’il n’aime pas vraiment On ne joue pas avec le crime, Bertrand Tavernier en tire néanmoins quelques points positifs, notamment le final dans le casino, ainsi que l’interprétation de Brian Keith, un grand acteur, toujours parfait selon lui, et malheureusement trop souvent oublié aujourd’hui. Comme à son habitude, Guy Madison en prend plein son grade, chaque fois qu’un de ses films est passé au peigne fin par Tavernier. Le scénario est également observé à la loupe, tout comme la construction du film.
Cette présentation est suivie de celle de François Guérif (13′). Le critique de cinéma, éditeur et directeur de la collection Rivages/Noir n’est guère plus enthousiaste que son confrère sur On ne joue pas avec le crime. Spécialiste du roman noir, François Guérif rappelle que le film de Phil Karlson est adapté du roman 5 Against the House, sorti en France dans la collection Série noire sous le titre Néant à roulettes. Il loue ensuite la réussite du décor du parking mobile et de l’interprétation de Brian Keith, tout en critiquant le jeu de Guy Madison, l’abondance des dialogues et le fait que les acteurs soient bien trop âgés pour incarner des étudiants.
L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et une galerie de photos.
L’Image et le son
La restauration du film est indéniable, toutes les scories, tâches, poussières et rayures verticales ont été purement et simplement éradiquées. Si le piqué manque parfois de mordant, la gestion du grain original demeure solide et bien gérée. Le N&B est de très belle tenue avec des noirs suffisamment denses, des blancs lumineux et des contrastes solides. Mention spéciale à certains gros plans, nets et précis, bien détaillés. La copie 1.66 (16/9 compatible 4/3) affiche une remarquable stabilité.
Seule la version originale sous-titrée en français est disponible sur cette édition. Ce mixage s’avère particulièrement riche, dynamique, sans aucun souffle et étonne par sa précision, surtout sur les scènes de casino avec des effets foisonnants. Un confort acoustique largement assuré. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale.
TERREUR AVEUGLE (See no Evil / Blind Terror)réalisé par Richard Fleischer,disponible en Blu-ray et DVDle 9 novembre2016 chez Carlotta Films
Acteurs : Mia Farrow, Dorothy Alison, Robin Bailey, Diane Grayson, Brian Rawlinson, Norman Eshley, Paul Nicholas, Christopher Matthews…
Scénario : Brian Clemens
Photographie : Gerry Fisher
Musique : Elmer Bernstein
Durée : 1h29
Date de sortie initiale: 1971
LE FILM
Suite à une chute de cheval qui a mal tourné, la jeune Sarah perd l’usage de la vue. À sa sortie de l’hôpital, elle retourne habiter chez son oncle et sa tante dans un joli cottage de la campagne anglaise. Un jour que Sarah passe l’après-midi chez son ami Steve, un drame a lieu dans la demeure familiale…
Richard Fleischer (1916-2006), réalisateur éclectique et prolifique, est assurément l’un des plus grands metteurs en scène et raconteur d’histoire de l’industrie hollywoodienne. La plupart de ses films demeurent de vrais joyaux et continuent aujourd’hui de faire le bonheur des cinéphiles, tout en se transmettant de génération en génération. Auteur de thrillers, dont certains restent parmi les meilleurs du 7e Art à l’instar d’Assassin sans visage, Les Inconnus dans la ville, L’Etrangleur de Boston, ou bien encore Le Génie du mal, Terreur aveugle, réalisé en 1971 n’est certes pas le plus connu des films de Richard Fleischer, et pourtant cette nouvelle approche du « Mal » et de l’assassin est un vrai bijou. Terreur aveugle, Blind terror ou bien encore See no Devil n’est pas seulement un survival haletant, mais également un drame, une étude sociologique, un magnifique objet qui éblouit les yeux et qui offre à Mia Farrow un de ses rôles les plus impressionnants. Chaque cadre et chaque plan laissent pantois d’admiration. Si le Mal – la majuscule s’impose puisque Richard Fleischer, qui avait envisagé dans sa jeunesse des études pour devenir psychiatre, l’a souvent filmé comme une incarnation – est un des sujets principaux de Terreur aveugle, certains thèmes récurrents de son œuvre sont encore une fois présents avec un protagoniste esseulé, ici une femme, mélancolique, qui se reconstruit et qui doit pour cela affronter une épreuve inattendue.
Comme il n’a eu de cesse de le prouver tout au long de sa longue carrière (60 films en 45 ans), Richard Fleischer dirige ses comédiens d’une main de maître, en particulier ici Mia Farrow, époustouflante dans le rôle de Sarah, une jeune femme, victime d’un accident de cheval, qui lui a ôté la vue et qui apprend à vivre avec ce handicap. Après sa convalescence, elle retourne vivre dans la belle et grande maison de son oncle et de sa tante, isolée dans la campagne anglaise. Elle partage à nouveau sa chambre avec sa cousine Sandy. Le lendemain, elle rend visite à Steve, l’homme qui l’accompagnait au moment de son accident et avec lequel elle flirtait. Ils passent la journée ensemble, Sandy retrouvant ses marques en montant à cheval et en se laissant guider par Steve. A son retour, personne ne l’attend à la maison. Son oncle et sa tante ne sont pas rentrés de leur dîner et sa cousine, qui passait la soirée avec un prétendant secret, n’a pas non plus donné signe de vie, tout comme Barker le jardinier. Sarah s’endort avant la nuit tombée. Le lendemain matin, la maison est encore plongée dans le silence. Sarah se lève, pensant que ses habitants dorment encore. En réalité, alors qu’elle était avec Steve, l’oncle, la tante et la cousine de Sarah ont été assassinés et les corps laissés sur place dans la maison.
Le Mal est encore une fois au centre de l’intrigue de ce nouveau thriller de Richard Fleischer. Le cinéaste ouvre son film sur des spectateurs qui sortent d’un cinéma qui propose une séance en double programme, The Convent Murders et Rapist Cult, autrement dit Meurtres au couvent et Le Culte du violeur. Gros plan sur une paire de santiags étoilées et la musique d’Elmer Bernstein renforçant l’aspect cowboy-western de cet homme dont on ne verra pas le visage. Ce dernier déambule légèrement, comme s’il s’était senti ragaillardi par les deux films qu’il venait de voir. Il passe devant la vitrine d’un magasin de jouets qui propose des mitraillettes en plastique, des figurines de soldats armés jusqu’aux dents. Un peu plus loin, un marchand de journaux étale des magazines coquins et des thrillers, tandis que les manchettes des journaux indiquent en grands caractères qu’une émeute sanglante a éclaté dans la prison de la région ou que des enfants ont été massacrés. L’homme poursuit son chemin, gros plan sur ses doigts qui claquent au fil d’une mélodie qu’il est le seul à entendre. Il possède une gourmette au poignet. Il arrive devant des postes de télévision en vente qui diffusent le même film violent, en réalité Le Jardin des torturesréalisé par Freddie Francis. Il continue sa route quand soudain une voiture passe à côté de lui et roule dans une flaque d’eau qui arrose et salit ses bottes. L’homme s’arrête soudainement et observe. Un couple sort et vient accueillir une jeune femme à la gare. La voiture redémarre et l’homme prend le passage piéton où il s’arrête net. La voiture freine. Le conducteur et l’homme aux bottes semblent s’observer quelques secondes puis le premier sort la tête par la vitre et lui indique « C’est bon, on a compris… ». L’homme traverse et laisse la place à la voiture qui repart.
Après avoir visionné Terreur aveugle et pris une énorme baffe, revenir au début du film s’impose puisque tout se joue dans cette introducrion. Le Mal a toujours fasciné Richard Fleischer, dès ses premiers longs métrages réalisés à la RKO. Ici, la violence est montrée comme étant omniprésente, dans les salles de cinéma, jusque dans les journaux qui relatent les faits les plus horribles, tout comme dans les magasins de jouets. Le Mal s’incarne ici à travers cet homme aux santiags étoilées. Nous ne voyons pas sa tête, mais sa démarche chaloupée indique qu’il a visiblement pris du plaisir devant les deux films. Conditionné par l’horreur que l’on trouve à chaque coin de rue, il ne fallait sûrement pas davantage qu’une voiture qui éclabousse ses bottes, dont il prend visiblement le plus grand soin, pour que la violence que devait contenir jusqu’alors cet homme explose et s’en prenne à cette famille au sein de leur propriété. Le Mal n’a donc pas de visage – on pense d’ailleurs à Assassin sans visage, le premier long métrage de Fleischer – et pourtant si. C’est encore une fois le génie de Richard Fleischer et celui du scénariste Brian Clemens (créateur de la série Chapeau melon et Bottes de cuir), faire d’une femme aveugle la victime d’un tueur dont les spectateurs ne voient pas les traits.
Une fois qu’elle réalise l’horreur et le drame dont ont été victimes les membres de sa famille, Sarah se retrouve seule (mais pas « dans la nuit » comme le film de Terence Young avec Audrey Hepburn), livrée à elle-même. Le seul élément dont elle dispose est cette gourmette, aperçue durant le générique au poignet de l’homme aux santiags, retrouvée sur le sol, probablement égarée lors de l’interaction entre le tueur et ses victimes. Au-delà de la déambulation de Sarah dans l’immense propriété, fabuleusement mise en scène et dans un silence glacial, alors que les spectateurs découvrent horrifiés et médusés les corps gisant à côté desquels Sarah marche innocemment sans se rendre compte de rien, Terreur aveugle s’avère une réflexion sur le Mal qui peut frapper n’importe où et à n’importe quel moment. Et surtout, le Mal attire les badauds. La dernière image montre une foule agglutinée au portail en espérant apercevoir du sang ou même les corps des victimes.
Véritable leçon de mise en scène de 90 minutes, Blind Terror vaut évidemment pour l’époustouflante performance d’actrice de Mia Farrow. Le cinéaste ne la ménage pas et la comédienne se donne corps et âme à Sarah, rapidement attachante et à laquelle l’actrice prête sa frêle silhouette, son teint diaphane et ses yeux de poupée de porcelaine violentée jetée dans la boue.
Anxyogène, tendu, violent, angoissant, jouant constamment avec les nerfs des spectateurs, virtuose et stylisé avec également la magnifique photo du mythique Gerry Fisher, chef opérateur de Fedora et Le Convoi sauvage, Terreur aveugle est un thriller à la fois oppressant et réjouissant, une expérience incontournable. Un autre fascinant chef d’oeuvre à épingler au palmarès d’un des plus grands réalisateurs de tous les temps.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray de Terreur aveugle, disponible chez Carlotta Films, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.
A l’instar des Blu-ray de L’Etrangleur de Rillington Place et des Flics ne dorment pas la nuit, Terreur aveugle s’accompagne d’une préface (7′) réalisée par le brillant réalisateur Nicolas Saada (Espion(s), Taj Mahal). Même si l’éditeur appelle ce segment une préface, ne la visionnez surtout pas avant le film puisque les propos de Nicolas Saada sont collés sur des images tirées du film qui révèlent beaucoup d’éléments. Le cinéaste, passionné par le cinéma de Richard Fleischer, indique avoir découvert Terreur aveugle lorsqu’il était enfant et que le film l’avait beaucoup marqué. Nicolas Saada aborde ensuite la science du détail dans le cinéma de Fleischer et le sous-genre du film de terreur avec pour protagoniste un individu, la plupart du temps une femme atteinte d’un handicap comme Audrey Hepburn dans Seule dans la nuit de Terence Young et Deux mains, la nuit / The Spiral Staircase de Robert Siodmak.
C’est au tour du réalisateur belge Fabrice du Welz de s’exprimer sur Terreur aveugle (15′). L’auteur de Calvaire (2004), Vinyan (2008) et Alleluia (2015) avoue d’emblée sa fascination pour le cinéma de Richard Fleischer, dont le travail a influencé le sien du « point de vue physique et épidermique » comme il le dit lui-même. Rapprochant judicieusement Richard Fleischer de Robert Wise, Fabrice du Welz loue l’habileté et l’immense talent de ces metteurs en scène à passer d’un genre à l’autre avec aisance et un usage toujours innovant de l’outil cinématographique. Notre interlocuteur en vient plus précisément à Terreur aveugle, qui pour lui a dû forcément inspirer certains slashers et autres gialli, tout comme le travail de Brian de Palma.
L’interactivité se clôt sur une large galerie de photos, la bande-annonce originale et les credits du disque.
L’Image et le son
Carlotta Films livre un master HD qui frôle la perfection. Les partis-pris esthétiques du directeur de la photographie Gerry Fisher (Highlander, Wolfen, Le Malin) trouvent en Blu-ray un nouvel écrin et se voient entièrement respectés. Point ou peu de réducteur de bruit à l’horizon, le grain est présent tout en étant discret, la colorimétrie automnale retrouve un éclat inédit et le piqué est probant à l’instar des sublimes séquences en forêt. Le format 1.85 est conservé, la profondeur de champ fort appréciable. Notons de très légers plans flous, certains mouvements de caméra qui entraînent quelques pertes de la définition et des visages légèrement rosés. L’encodage AVC demeure solide, la gestion des noirs est impeccable, la propreté exceptionnelle et le niveau de détails impressionnant. Terreur aveugle qui affiche déjà 45 ans au compteur a bénéficié d’un lifting de premier ordre et d’un transfert d’une folle élégance.
Les mixages anglais et français DTS-HD Master Audio 1.0 instaurent un confort acoustique total. Les dialogues sont ici délivrés avec ardeur et clarté, la propreté est de mise, les effets riches, sans aucun souffle sur les séquences sans musique, comme celle extraordinaire où Sarah déambule dans sa maison sans se rendre compte de l’horreur qui l’entoure. Les effets sonores, riches et très recherchés, jouissent également d’un écrin phonique somptueux. Au jeu des différences, la version originale l’emporte sur son homologue car plus aérée, naturelle et franche dans son rendu. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la version originale.
LA LOI DE LA JUNGLEréalisé par Antonin Peretjatko,disponible en DVDle 18octobre2016 chez Orange Studio
Acteurs : Vincent Macaigne, Vimala Pons, Pascal Légitimus, Mathieu Amalric, Fred Tousch, Rodolphe Pauly, Jean-Luc Bideau…
Scénario : Antonin Peretjatko, Frédéric Ciriez
Photographie : Simon Roca
Durée : 1h39
Date de sortie initiale: 2016
LE FILM
Marc Châtaigne, stagiaire de 35 ans au Ministère de la Norme, est envoyé en Guyane pour la mise aux normes européennes du chantier GUYANEIGE : première piste de ski indoor d’Amazonie destinée à relancer le tourisme en Guyane. De mésaventure en mésaventure, on lui affuble un coéquipier. Pas de chance c’est une pin-up. Pire : elle a du caractère.
Ce film est fait pour vous ! (extrait de la bande-annonce)
En 2013, à la sortie de La Fille du 14 juillet, l’auteur de ces mots avait écrit « Antonin Peretjatko. Retenez bien ce nom car il se pourrait bien que ce jeune scénariste-réalisateur-monteur signe un jour une grande comédie populaire. Son premier long métrage La Fille du 14 juillet s’inscrit dans le même esprit que ses excellents courts-métrages (Changement de trottoir, French Kiss, Paris Monopole, Les Secrets de l’invisible), avec des personnages poétiques et doux-dingues déambulant dans un monde complètement barré. ». Si La Loi de la jungle n’a pas dépassé les 100.000 entrées France, au moins le score a doublé entre le premier et le second film ! Antonin Peretjatko se lâche encore plus et signe une immense comédie estivale, complètement givrée, génialement dialoguée et interprétée cette fois encore par la talentueuse et sexy (à se damner même) Vimala Pons, l’indispensable (et non moins talentueux) Vincent Macaigne et bien d’autres électrons qui viennent circuler autour du noyau central (Pascal Légitimus, Mathieu Amalric, Jean-Luc Bideau), que l’on suit tout au long de leurs péripéties, parfois surréalistes, toujours réjouissantes, dans une jungle «hostile » de la Guyane.
Là où La Fille du 14 juillet renvoyait au cinéma de Jacques Tati, Jacques Rozier, les premiers Godard made in Paris et même, osons le dire, aux films de Max Pécas qui ont fait les belles heures de M6, La Loi de la jungle fait penser aux comédies de Claude Zidi, Francis Veber et de Philippe de Broca avec un ton toujours aussi personnel et singulier, un joyeux bordel encore plus maîtrisé, des gags plus dingues (la baston va devenir culte !), bref c’est un vrai coup de maître. Sur une b.o. qui convoque à la fois les thèmes de Goldorak ou de l’ORTF (en fait le Te Deum de Charpentier mais c’est moins facile à retenir), Antonin Peretjatko livre un vrai film d’aventures qui ne ménage pas ses acteurs, réellement investis, qui descendent de vrais rapides sans doublures ou effets spéciaux, qui pataugent jusqu’aux genoux dans la boue la plus immonde, qui affrontent des araignées, des serpents, tout un tas d’insectes divers et variés, qui mangent des larves, ou même Vincent Macaigne qui doit résister à une Vimala Pons sous l’emprise d’un aphrodisiaque ultra-puissant qui tourne autour de lui en petite culotte. Pas certain qu’il puisse tenir longtemps.
La Loi de la jungle est un film franchement hilarant, inclassable, animé par une folle énergie contagieuse, bourré de charme, qui fait du bien dans la comédie hexagonale et même pour le cinéma français en général. Jetez-vous sur ce sublime OVNI potache, malin, réjouissant et fantaisiste – qui aurait pu s’appeler Les Bronzés font du ski en Guyane – car il s’agit d’une des meilleures comédies de l’année avec Ma Loute de Bruno Dumont !
LE DVD
Le DVD de La Loi de la jungle, disponible chez Orange Studio, repose dans un boîtier classique. Le visuel reprend celui de l’affiche d’exploitation. Le menu principal est animé et musical.
Peu de suppléments sur cette édition, mais ils s’avèrent dans le ton du film.
On commence par quatre scènes coupées (7’), présentées avec une colorimétrie et un mixage son non finalisés. Si vous avez été conquis par La Loi de la jungle, jetez-vous sur ces séquences délirantes, à l’instar des turbulences rencontrées par Châtaigne lors de son voyage en avion vers la Guyane, ou bien encore une scène d’ouverture alternative qui oppose la jungle guyanaise « enragée » avec la jungle parisienne également sans pitié.
Un mini making-of (2’20) montre les acteurs tourner leurs scènes avec les animaux, un boa bien dodu mis autour du cou de Vincent Macaigne, et Vimala Pons qui enchaîne les prises où son personnage goûte des larves vivantes.
Le module intitulé Bestiaire (2’) est un montage de plans montrant quelques réjouissants insectes et reptiles de la jungle, comme l’impressionnant serpent grage à petits carreaux, les fourmis Atta, le magnifique papillon morpho ou l’impressionnante araignée Nephila clavipes.
L’éditeur joint également un reportage sur le tournage du film (3’18), qui croise les propos du réalisateur Antonin Peretjatko et de la productrice Alice Girard, qui reviennent sur les conditions de tournage et les intentions du film, avec de rapides images des prises de vues.
L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.
L’Image et le son
Avec à peine 100.000 entrées, il semble qu’Orange n’ait pas jugé bon de sortir La Loi de la jungle en Blu-ray. Il faudra donc se contenter de cette édition standard, mais heureusement la qualité est là, d’autant plus que le film a été tourné en numérique. Les couleurs sont bien loties, chaleureuses et bigarrées, le piqué est suffisamment affûté, la clarté de mise et les contrastes élégants. Les détails ne manquent pas sur le cadre, les noirs sont denses. Que demander de plus ?
Deux choix possibles, une écoute frontale riche et dynamique en Stéréo, ou bien une spatialisation solide et un plus grand confort acoustique en Dolby Digital 5.1. Dans les deux cas, l’écoute demeure ardente, fait une large place aux dialogues tout en mettant à l’avant la musique du film. Les effets latéraux et ambiances naturelles pointent habilement le bout de leur nez. Les sous-titres français destinés aux spectateurs sourds et malentendants sont également disponibles.
NOS SOUVENIRS (The Sea of Trees)réalisé par Gus Van Sant,disponible en DVDle 31 août2016 chez M6 Vidéo
Acteurs : Matthew McConaughey, Naomi Watts, Jordan Gavaris, Katie Aselton, Ken Watanabe, James Saito…
Scénario : Chris Sparling
Photographie : Kasper Tuxen
Musique : Mason Bates
Durée : 1h45
Date de sortie initiale: 2016
LE FILM
Alors qu’il semble décidé à mettre fin à ses jours dans la forêt d’Aokigahara, au pied du Mont Fuji, Arthur Brennan se remémore les moments les plus marquants de sa vie de couple : sa rencontre avec sa femme Joan, leur amour, mais aussi l’usure de leur couple et leur éloignement progressif. Paradoxalement, une épreuve dramatique va leur ouvrir les yeux, renforcer leurs sentiments et les réunir à nouveau. Alors qu’il revit ses souvenirs de couple, Arthur réalise comme cette passion a marqué sa vie…
Avec Nos souvenirs, Gus Van Sant signe son neuvième long métrage en quinze ans. Palme d’or et Prix de la mise en scène au 56e Festival de Cannes pour Elephant, Prix du 60e anniversaire au Festival de Cannes 2007 pour Paranoid Park et Mention spéciale du jury au 63e Festival de Berlin pour Promised Land, la carrière du cinéaste américain était alors au beau fixe et ses films portés par une critique élogieuse. Personne n’est parfait et il fallait bien qu’un jour GVS fasse un faux pas et de ce point de vue-là Nos souvenirs, présenté en compétition officielle au Festival de Cannes en 2015 sous le titre français La Forêt des songes, est disons-le un vrai et grand navet.
S’il s’était déjà intéressé aux derniers jours d’un homme dans Last Days, dont le personnage principal interprété par Michael Pitt était inspiré de Kurt Cobain, Gus Van Sant se focalise ici sur un quadra américain qui vient de perdre sa femme et qui a décidé de mettre fin à ses jours au Japon, dans la forêt labyrinthique et luxuriante d’Aokigahara, visiblement prisée par les personnes désirant mourir. Située au pied du Mont Fuji, cet océan constitué d’arbres – le titre original est d’ailleurs The Sea of Trees – considéré comme un des plus beaux endroits du monde, engloutit les âmes désespérées au point que les corps des suicidés ne sont jamais retrouvés ou presque. C’est l’occasion pour Arthur (Matthew McConaughey) de dresser le bilan de sa vie. Les flashbacks commencent à s’enchaîner, le montrant avec sa femme Joan (Naomi Watts). Un couple plutôt aisé, mais que la vie a rendu morne et triste. Joan dissimule son penchant pour l’alcool comme elle le peut et les relations entre le mari et la femme sont de plus en violentes. C’est alors que Joan se fait diagnostiquer une tumeur au cerveau. Arthur accompagne sa femme dans cette épreuve, d’autant plus que l’opération envisagée lui laisse une chance sur deux.
Nos souvenirs apparaît comme un film-somme entre Restless, Gerry et Last Days, avec un homme perdu dans une Vallée de la Mort (même si la contrée n’est pas hostile ici) dont la femme est atteinte d’un mal quasi-incurable. Mais Nos souvenirs se rapproche plus d’un roman de Marc Lévy avec une écriture étonnamment maladroite. Sur un scénario original de Chris Sparling, scénariste du très réussi Burried de Rodrigo Cortés et réalisateur du mauvais Projet Atticus, les effets risibles s’enchaînent, rendant le film involontairement comique. La Palme revient à Matthew McConaughey, devenu une autocaricature de lui-même en quelques films. Son personnage, irritant et jamais attachant, se met à reconsidérer et à se réconcilier avec sa vie, réfléchit (en plissant les yeux derrière ses lunettes cassées) pour retrouver son chemin, sauf que la forêt a visiblement décidé de ne pas le laisser repartir aussi facilement. D’autant plus qu’il y fait la rencontre d’un homme japonais (Ken Watanabe) qui lui aussi avait décidé de passer l’arme à gauche, mais s’est finalement raccroché à la vie tout en perdant également le chemin vers la sortie. Mais cet homme est-il réel ou le fruit de son imagination à la dérive après avoir absorbé quelques cachets ? De son côté, Naomi Watts devient également experte dans l’art de pleurer que d’un œil et la bouche ouverte.
Accueilli froidement par les critiques et sous les huées des spectateurs à Cannes, Nos souvenirs, tout d’abord envisagé comme un film d’horreur (véridique) est un véritable accident de parcours pour Gus Van Sant qui signe un mélodrame bourré de poncifs, mièvre et pathétique, grossier, interminable, indigne de lui, maladroitement mis en scène (et pourtant sublimement photographié), surtout lorsque l’histoire flirte légèrement avec le fantastique-mystique et que les violons ne s’arrêtent plus en fond sonore. A l’origine prévue en automne 2015, la sortie du film en France a été repoussée au printemps 2016 et le film présenté dans un montage et un titre différents. Cela n’a pas empêché Nos souvenirs de se solder par un échec grave et cinglant au box-office international.
LE DVD
Le test du DVD de Nos souvenirs, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le visuel diffère par rapport à celui de l’affiche française. Exit Ken Watanabe, la jaquette se focalise sur Matthew McConaughey et Naomi Watts. Si son visage apparaissait de profil sur l’affiche, la comédienne est ici de face afin qu’on puisse bien la reconnaître. Mention spéciale au sous-titre « Dites aux gens que vous les aimez tant qu’il est encore temps ». C’est beau comme une chanson de Sexion d’Assaut.
En plus de la bande-annonce, l’éditeur livre un condensé d’interviews (16’) diverses et variées des comédiens Naomi Watts et Matthew McConaughey, du scénariste et producteur Chris Sparling, du producteur Ken Kao, du costumier Danny Glicker, du coordinateur Joe Rotando et du directeur de production Kevin Halloran. Chacun se présente face à la caméra, à l’exception de Matthew McConaughey qui suppose que tout le monde doit le connaître. Ces entretiens promotionnels enchaînent les propos sans intérêt du style «le scénario était formidable » « un tel est amazing », les thèmes du film sont à peine abordés. Les intervenants couvrent Gus Van Sant de lauriers. D’ailleurs, on aurait bien aimé quelques propos de ce dernier à se mettre sous la dent pour savoir s’il est bien le responsable de ce film !
L’Image et le son
En vue de l’échec dans les salles (euphémisme), Nos souvenirs ne dispose pas d’une édition HD. Heureusement le DVD est de fort bonne qualité et permet d’admirer la photo du chef opérateur danois Kasper Tuxen, la seule chose à sauver du film d’ailleurs, avec sa belle luminosité et ses contrastes duveteux toujours plaisants pour les mirettes sur les scènes en forêt. Si les séquences sombres dénotent par rapport au reste avec un léger fléchissement de la définition, des noirs tirant sur le bleu et un piqué plus émoussé, les scènes diurnes sont agréables avec des détails plus ciselés, une profondeur de champ appréciable, un léger grain et des visages plus précis.
Nos souvenirs n’est pas un film à effets et les mixages français et anglais Dolby Digital 5.1 ne font pas d’esbroufe inutile. L’essentiel de l’action est canalisé sur les enceintes avant, même si chacune des séquences en forêt s’accompagne inévitablement d’ambiances naturelles sur les latérales avec notamment le bruissement du vent dans les feuilles. Il en est de même pour la composition de Mason Bates, systématiquement mise en valeur par l’ensemble des enceintes. Les voix demeurent solidement délivrées par la centrale, bien que la version française demeure moins ardente que son homologue. Les deux pistes Stéréo sauront contenter ceux qui ne seraient pas équipés sur la scène arrière.
DU PLOMB POUR L’INSPECTEUR(Pushover)réalisé par Richard Quine,disponible en DVDle 19octobre2016 chez Sidonis Calysta
Acteurs : Fred MacMurray, Kim Novak, Philip Carey, Dorothy Malone, E.G. Marshall, Allen Nourse…
Scénario : Roy Huggins d’après le roman The Night Watch de Thomas Walsh et Rafferty de Bill S. Ballinger
Photographie : Lester White
Musique : Arthur Morton
Durée : 1h24
Date de sortie initiale: 1954
LE FILM
Des braqueurs tuent un vigile avant de prendre la fuite avec leur butin. Un inspecteur infiltré surveille la maîtresse de l’un d’eux. Mais l’amour entre en jeu. Coincé entre gangsters et policiers, sa vie est en jeu.
Dix ans après Assurance sur la mort de Billy Wilder, le comédien Fred MacMurray se retrouve à nouveau entre les griffes d’une femme fatale dans Du plomb pour l’inspecteur – Pushover, réalisé en 1954 par Richard Quine (1920-1989). Blonde incendiaire, sexy, pour ne pas dire sexuelle et animale, Kim Novak, 21 ans, incendie l’écran dans son premier rôle au cinéma. Le film s’ouvre sur une incroyable séquence de hold-up. Muette en dehors de la belle composition d’Arthur Morton, cette scène virtuose montre des gangsters calmes et appliqués, alors que les credits apparaissent, notamment « Introducing Kim Novak ». S’ensuit la rencontre entre les personnages principaux. Après la représentation d’une pièce de théâtre, une jeune femme se rend à sa voiture et tente de la démarrer, sans succès. Un homme apparaît à sa vitre et lui propose de l’aider. C’est un coup de foudre. Autant pour le couple que pour le spectateur pour Kim Novak, véritable bombe sexuelle, envoûtante dès son apparition. On s’amuse des dialogues aux sous-entendus coquins du genre « je peux regarder sous votre capot » « oui j’attendais que vous me le proposiez ». Le moteur est noyé (sans métaphore) et le couple passe la soirée à discuter et à boire. Ils finissent la soirée chez elle. Le lendemain, on apprend que l’homme, Paul Sheridan (Fred MacMurray) est en réalité un flic qui surveillait Lona McLane (Kim Novak), compagne attitrée d’Harry Wheeler, chef des criminels soupçonnés du hold-up qui a coûté la vie à un membre des forces de l’ordre.
La surveillance s’organise autour du logement de la jeune femme. Paul et ses collègues investissent l’appartement situé en face de celui de Lona et se relaient jour et nuit aux jumelles, ce qui leur permet d’observer en même temps la voisine dans l’appartement d’à côté, qui fait sa gym en toute innocence devant sa fenêtre. Pendant ce temps, Paul, alors épris de Lona, lui avoue la vérité. Tout d’abord désarçonnée, Lona lui avoue également ses sentiments. Ils décident tous les deux de s’emparer du butin du hold-up. Mais Paul va se rendre compte que jouer sur les deux tableaux n’est pas chose aisée. Ann, la voisine de Lona, interprétée par la non moins mythique Dorothy Malone, devient témoin malgré elle en les apercevant tous les deux. Et le réalisateur Richard Quine, ancien danseur et chorégraphe, d’organiser toute cette valse de sentiments, de meurtres, de planques, de surveillances, de faux-semblants, d’allées et venues !
Remarquablement mis en scène et reposant sur un solide scénario de Roy Huggins d’après les romansThe Night Watch de Thomas Walsh et Rafferty de Bill S. Ballinger, Du plomb pour l’inspecteur subjugue du début à la fin. Si l’on pense évidemment au chef d’oeuvre absolu de Billy Wilder, Assurance sur la mort, Pushover s’en éloigne et se démarque par le traitement réservé au couple principal. Paul et Lona s’aiment sans ambiguïté et sans aucune manipulation de la part de la femme. Le premier est un homme fatigué, solitaire, qui visiblement n’a jamais eu de chance et qui voit arriver d’un coup une jeune femme désirable et l’opportunité de mettre la main sur un magot inattendu. Lona, malgré son jeune âge, semble déjà avoir tout connu et être tombée sur des hommes mal intentionnés. Elle voit en Paul une maturité et une douceur qu’elle n’espérait plus. Tout pourrait aller pour le mieux si Paul n’était pas autant poursuivi par la poisse. C’est d’ailleurs la force du film et de l’interprétation de Fred MacMurray, rendre ce personnage très attachant dans sa maladresse, lui qui espère alors faire au mieux, mais qui ne cesse de s’enfoncer au fur et à mesure que l’étau se resserre sur lui.
Du plomb pour l’inspecteur est un vrai et grand film noir à réhabiliter, entre suspense et tragédie, humour à froid et séduction, passionnant et immersif, avec une unité de temps et de lieu puisque l’action se déroule quasiment au cours d’une nuit pluvieuse – très belle photo de Lester White – dans un quartier en particulier. Après ce film, Richard Quine, cinéaste qui vaut bien plus que pour ses comédies populaires, épousera Kim Novak, qui collaboreront ensuite sur L’Adorable voisine, Liaisons secrètes et L’Inquiétante Dame en noir.
LE DVD
Disponible chez Sidonis Calysta, Du plomb pour l’inspecteur intègre la collection Film Noir. Le visuel de la jaquette est très attractif et soigné, tout comme la sérigraphie du DVD. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné. Le menu principal est quant à lui animé et musical.
On ne change pas une équipe qui gagne ! Bertrand Tavernier est le premier à présenter Du plomb pour l’inspecteur (24’). Remarquable exposé, passionnant, érudit, drôle et communicatif, le réalisateur et historien du cinéma souhaite tout d’abord réhabiliter Richard Quine, dont il dresse le portrait et présente la carrière. Bertrand Tavernier enchaîne les anecdotes. Nous apprenons entre autres que ce film était le modèle utilisé par Jean-Luc Godard pour A bout de souffle. Mais ce qui intéresse Tavernier ce sont surtout les points communs, mais également les grandes différences avec Assurance sur la mort de Billy Wilder. Il met les deux œuvres en parallèle pour indiquer que Du plomb pour l’inspecteur est bien plus original que son histoire laisse supposer. L’historien du cinéma s’attarde ensuite minutieusement sur les personnages, celui de la femme fatale incarnée par Kim Novak (qui allait épouser Richard Quine après ce film), et bien sûr celui de l’inspecteur interprété par Fred MacMurray, qui renvoie évidemment à Assurance sur la mort.
Cette présentation est suivie de celle de François Guérif, critique de cinéma, éditeur et directeur de la collection Rivages/Noir (14’). Si quelques propos reprennent quelques arguments entendus durant la présentation de Bertrand Tavernier, François Guérif rappelle que Du plomb pour l’inspecteur est en réalité l’adaptation de deux romans, The Night Watch de Thomas Walsh et Rafferty de Bill S. Ballinger. A l’instar de Bertrand Tavernier, François Guérif évoque les similitudes et les divergences avec Assurance sur la mort, tout en indiquant que le film de Richard Quine a lui-même été copié dans Etroite surveillance de John Badham (1987) ou même Ridley Scott avec Traquée (1987). Guérif loue les grandes qualités du film, l’efficacité du scénario, la beauté et le talent de Kim Novak (qu’il avait interviewé au festival de Deauville). Dans cette présentation, comme dans la première, les éléments de l’intrigue, y compris le dénouement sont révélés. Visionnez donc ces modules uniquement si vous avez déjà vu Du plomb pour l’inspecteur.
L’interactivité se clôt sur la bande-annonce (très abimée) et une galerie de photos.
L’Image et le son
Difficile de faire mieux ! Fort d’un master au format 1.85 respecté (16/9 compatible 4/3) et d’une compression solide comme un roc, ce DVD en met souvent plein les yeux dès l’introduction avec une définition étincelante du N&B qui laisse souvent pantois. Les contrastes sont d’une densité impressionnante, les noirs profonds, les blancs lumineux et le grain original préservé. En dehors d’une ou deux séquences peut-être moins définies, cela demeure franchement anecdotique car les très nombreuses séquences sombres sont tout aussi soignées que les scènes plus claires, le piqué est tranchant, la stabilité de mise, les détails étonnent par leur précision et la profondeur de champ permet d’apprécier la composition des plans de Richard Quine et la photo du chef opérateur Lester White. On ne peut qu’applaudir devant la beauté de la copie !
GREEN ROOMréalisé par Jeremy Saulnier,disponible en Blu-ray Édition Director’s Cut non censurée et DVDle 7 septembre2016 chez M6 Vidéo
Acteurs : Anton Yelchin, Imogen Poots, Patrick Stewart, Alia Shawkat, Joe Cole, Callum Turner, Mark Webber…
Scénario : Jeremy Saulnier
Photographie : Sean Porter
Musique : Brooke Blair, Will Blair
Durée : 1h35
Date de sortie initiale: 2016
LE FILM
Au terme d’une tournée désastreuse, le groupe de punk rock The Ain’t Rights accepte au pied levé de donner un dernier concert au fin fond de l’Oregon… pour finalement se retrouver à la merci d’un gang de skinheads particulièrement violents. Alors qu’ils retournent en backstage après leur set, les membres du groupe tombent sur un cadavre encore chaud et deviennent alors la cible du patron du club et de ses sbires, plus que jamais déterminés à éliminer tout témoin gênant…
Réalisateur, scénariste et directeur de la photographie américain, Jeremy Saulnier est révélé en 2013 avec le thriller Blue Ruin, Prix FIPRESCI à la Quinzaine des réalisateurs au 66e Festival de Cannes. Changement de genre, on pourrait également dire changement de couleur pour son nouveau long métrage, Green Room. Projet mûrit depuis de longues années, ce thriller prend la forme d’un survival renvoyant à son amour pour la musique punk rock, puisque Saulnier chantait, ou plutôt hurlait dans un micro durant son adolescence, faute de savoir jouer d’un instrument. Dans Green Room, il réunit sa passion pour les films de genre et celle pour la musique punk. Il engage deux jeunes comédiens qui ont alors le vent en poupe, la délicieuse Imogen Poots, vue dans Knight of Cups de Terrence Malick et le formidable Broadway Therapy de Peter Bogdanovich, ainsi que le regretté Anton Yelchin, décédé en juin 2016 à l’âge de 27 ans, découvert en 2002 dans Cœurs perdus en Atlantide de Scott Hicks puis dans les derniers films de la franchise Star Trek dans lesquels il interprète Chekov. Mais s’il y a bien un acteur pour lequel Green Room mérite d’être vu c’est Patrick Stewart, qui du haut de ses 75 ans (incroyable mais vrai) parvient à sortir du fauteuil roulant du Professeur Xavier dans lequel il est scotché depuis plus de quinze ans, pour se défouler dans la peau d’un chef d’un groupuscule néo-nazi ! Egalement au générique, Macon Blair, la révélation de Blue Ruin, leur donne également la réplique.
Si Jeremy Saulnier évoque quelques références comme Délivrance de John Boorman, La Nuit des morts vivants de George A. Romero et Assaut de John Carpenter, on est loin, très loin de ces immenses réussites et Green Room peine à éveiller l’intérêt des spectateurs du début à la fin. Les personnages manquent de chair et donc l’empathie ne se fait jamais. Du coup, on se désintéresse totalement de ce qui peut leur arriver une fois que ce petit groupe de musique se retrouve piégé par des skinheads dans une loge sans issue. Film de « siège », Green Room joue sur plusieurs tableaux, mais se retrouve le cul entre deux chaises, sans parvenir à trouver un ton qui lui est propre. Pire que tout, la mise en scène frôle souvent l’amateurisme, aucune tension ne s’instaure, la photographie – forcément verte comme le titre – est laide à regarder et les comédiens jouent à celui qui sera le plus apathique.
Nous sommes en pleine série B qui lorgne sur Une nuit en enfer de Robert Rodriguez, mais Green Room n’a rien qui le distingue du tout venant. Survendu à sa sortie, ce film n’a en rien l’audace qu’il tente de faire croire et s’avère même paresseux dans ses scènes supposées foutre le trouillomètre à zéro. Même Anton Yelchin et Imogen Poots ne sont jamais crédibles, la première dans la peau d’une jeune punk visiblement sous l’emprise de quelques substances illicites, le second dans celle d’un bassiste punk rock. Et leur affrontement face à des skinheads fait malheureusement plutôt sourire que frémir. Seul le shakespearien Patrick Stewart surnage donc dans ce film vert (tout juste teinté de rouge au final) à peine divertissant, qui épouse la douceur d’un écolo qui tente de faire passer ses idées, mais on en ressort vert de rage de s’être fait rouler de la sorte par ce supposé « déjà classique » qui n’arrive pas à la cheville d’un chef d’oeuvre instantané et déjà référence du genre comme l’était récemment It Follows.
LE BLU-RAY
Le test du Blu-ray de Green Room a été réalisé à partir d’un check-disc. Le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical. La version Director’s Cut non censurée est seulement disponible sur l’édition HD.
Très mauvais point pour l’interactivité, puisque nous ne trouvons que la bande-annonce du film !
La promotion HD (1080p, AVC) de Green Room apporte guère aux partis pris esthétiques singuliers (pour ne pas dire laids), avec une photo évidemment très verte. Des couleurs volontairement ternes, sombres, supposées appuyer le malaise distillé par le film. Green Room est un film se déroulant principalement en intérieur, dans une pièce calfeutrée et éclairée par des néons verts. Ne vous attendez donc pas à des scènes éclatantes. Par ailleurs, même les séquences finales demeurent aussi peu reluisantes que le reste. L’encodage est solide, la copie propre et la définition dépend des volontés artistiques originales. Peu de détails sautent aux yeux, le piqué et la gestion des contrastes sont aléatoires. L’image parvient tout de même à rester homogène du début à la fin avec des noirs plutôt solides.
Là encore on reste perplexe. Bien qu’encodés en DTS-HD Master Audio 5.1 et même en 2.0, les mixages anglais et français se révèlent bien paresseux et donc forcément décevants. Il ne faut pas hésiter à monter le volume pour créer un confort acoustique suffisant puisque les latérales distillent leurs effets avec parcimonie, tandis que la balance frontale peine à créer un espace sonore convaincant, sauf sur les quelques chansons au début du film. Même chose concernant les dialogues qui manquent de peps sur la centrale, autant en français qu’en anglais. Heureusement, les scènes plus agitées sont un peu mieux loties, mais encore une fois, on s’attendait à une exploitation beaucoup plus mordante.
CAFE SOCIETYréalisé par Woody Allen,disponible en Blu-ray et DVDle 13 septembre2016 chez Studiocanal
Acteurs: Jesse Eisenberg, Kristen Stewart,Steve Carell, Blake Lively, Parker Posey, Corey Stoll, Ken Stott, Anna Camp…
Scénario: Woody Allen
Photographie: Vittorio Storaro
Durée: 1h36
Date de sortie initiale: 2016
LE FILM
New York, dans les années 30. Coincé entre des parents conflictuels, un frère gangster et la bijouterie familiale, Bobby Dorfman a le sentiment d’étouffer ! Il décide donc de tenter sa chance à Hollywood où son oncle Phil, puissant agent de stars, accepte de l’engager comme coursier. À Hollywood, Bobby ne tarde pas à tomber amoureux. Malheureusement, la belle n’est pas libre et il doit se contenter de son amitié. Jusqu’au jour où elle débarque chez lui pour lui annoncer que son petit ami vient de rompre. Soudain, l’horizon s’éclaire pour Bobby et l’amour semble à portée de main…
La vie est une comédie écrite par un auteur sadique
Oublions l’escapade italienne de To Rome With Love, car Woody Allen a prouvé qu’il en avait encore sérieusement sous le capot avec Blue Jasmine, tourné durant l’été 2012, qui s’est avéré être un nouveau chef d’oeuvre à accrocher à son palmarès, en plus de valoir à Cate Blanchett l’Oscar de la meilleure actrice. Les deux comédies suivantes avec la lumineuse Emma Stone, la première légère Magic in the Moonlight et la seconde plutôt noire et grinçante L’Homme irrationnel, ont également été d’excellents crus, confirmant la bonne santé et l’inspiration toujours galopante de Woody Allen. A l’instar de Blue Jasmine, son dernier-né Café Society, expression qui renvoie au milieu des mondains, artistes et personnalités qui fréquentaient les cafés et les restaurants à la mode à New York, Paris et Londres, entre la fin du XIXe et le début du XXe siècle, fait la navette entre la Californie et New York, mais en emmenant les spectateurs dans les années 1930, plus précisément dans le monde du cinéma.
Après L’Homme irrationnel, Parker Posey est de retour devant la caméra du cinéaste mais dans un rôle secondaire, au contraire de Jesse Eisenberg qui apparaissait dans un segment de To Rome With Love et qui devient ici la tête d’affiche. Blake Lively et Kristen Stewart font leur première apparition devant la caméra de Woody Allen. De son côté, l’excellent Steve Carell remplace finalement Bruce Willis qui a « officiellement » lâché l’équipe quatre jours après le début du tournage pour aller créer à Boradway la pièce Misery adaptée du roman de Stephen King. En réalité, le comédien a purement et simplement été viré par Woody Allen en raison d’un comportement inapproprié et de son incapacité à se souvenir de ses répliques. Présenté au Festival de Cannes 2016 hors-compétition, Café Society n’est pas un mauvais film du plus célèbre réalisateur new-yorkais, mais le casting féminin est un des plus faibles de toute sa filmographie. Gros mauvais point pour Kristen Stewart, qui n’a pas l’aura d’une jeune femme des années 1930, qui semble constamment embarrassée de ses bras et dont le jeu bourré de tics agace profondément. Si leurs collaborations fonctionnaient dans Adventureland : Un job d’été à éviter (2012) et American Ultra (2015), les retrouvailles Stewart/Eisenberg ne fonctionnent pas ici. Là où la première est constamment empruntée et pour ainsi dire anachronique, Jesse Eisenberg lui se fond parfaitement dans son rôle avec un jeu très inspiré du cinéaste lui-même. Par conséquent, les scènes où Stewart/Eisenberg se donnent la réplique paraissent déséquilibrées et sonnent faux tout du long.
Histoire divisée en deux parties, entre Hollywood et New York, Café Society marque la première association entre Woody Allen et le chef opérateur Vittorio Storaro, oscarisé pour Apocalypse Now, Reds et Le Dernier Empereur, mais c’est aussi le premier film du cinéaste tourné au format 2.00:1 et surtout le premier réalisé en numérique ! A 80 ans, Woody Allen parvient encore à se renouveler. Heureusement, Café Society ne se résume pas à cette dimension technique et à sa beauté plastique, puisque même si Kristen Stewart s’avère un choix hasardeux et que Blake Lively manque également de crédibilité, beaucoup d’éléments sont très réussis comme les dialogues irrésistibles et le portrait de Bobby. Jeune homme timide de confession juive, il quitte le Bronx pour la Californie, plein de bonnes volontés afin de trouver un job auprès de Phil (Steve Carell), son oncle, puissant imprésario. Bobby tombe rapidement amoureux de Vonnie, la secrétaire de Phil. Mais il ne sait pas que Vonnie est en réalité la maîtresse de son oncle. Bobby ira d’espoirs en désillusions, sur le monde du spectacle mais également sur les relations amoureuses et décide de rentrer sur la côte Est pour ouvrir un club à la mode avec son frère en plein centre de Manhattan. Jesse Eisenberg porte le film d’un bout à l’autre grâce à son immense talent, son charisme, son énergie, sa sensibilité qui emportent tout. Retenons également la formidable séquence, sans doute la meilleure du film, où Bobby se retrouve face à Candy, interprétée par l’excellente Anna Camp, une des révélations des deux Pitch Perfect. Candy est une jeune prostituée, en réalité une aspirante actrice obligée de se lancer dans cette activité pour payer son loyer, étant également mise face aux réalités quant au mythe Hollywoodien. Désarçonné, Bobby décide de l’aider, puis les deux entament une conversation désopilante, véritable court-métrage à part entière au milieu de l’intrigue.
Le dernier tiers new-yorkais est également le plus marquant avec un final bouleversant, mélancolique, inattendu, qui rattrape les quelques points faibles mentionnés précédemment. Café Society est une œuvre élégante mais cynique sur le monde du cinéma – d’ailleurs Woody Allen en assure lui-même la narration en voix-off – et sur ses mirages qui entament les sentiments les plus purs.
LE DISQUE
Le test de l’édition HD de Café Society a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.
Pas même une bande-annonce n’est disponible en guise de supplément.
L’Image et le Son
Studiocanal se devait d’offrir un service après-vente remarquable pour la sortie dans les bacs du premier film de Woody Allen réalisé en numérique avec la caméra Sony CineAlta. L’éditeur prend soin de Café Society et livre un master HD (1080p) quasi-irréprochable au transfert immaculé. Respectueuse des volontés artistiques originales concoctées par l’immense directeur de la photographie Vittorio Storaro (L’oiseau au plumage de cristal, 1900, Ladyhawke, la femme de la nuit), la copie de Café Society se révèle un petit bijou technique avec des teintes chaudes, ambrées et dorées, une palette chromatique spécifique, le tout soutenu par un encodage de haute volée. Le piqué, tout comme les contrastes, sont riches et tranchants, les arrière-plans sont détaillés, le relief omniprésent et les détails foisonnants. Hormis quelques légers fléchissements sur les scènes sombres, cette édition Blu-ray en met souvent plein la vue.
Deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 français et anglais. L’apport des latérales demeure complètement anecdotique. Si les dialogues de la version française sont dynamiques, ils tendent à prendre le pas sur les ambiances annexes et l’ensemble manque de naturel. La piste anglaise est évidemment celle à privilégier, d’autant plus que la musique, les voix, les ambiances et effets s’accordent avec une réelle homogénéité, mais essentiellement sur la scène frontale. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale.
L’éditeur joint également une piste Audiodescription ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.
LE TRESOR DES COLLINES ROUGES(Treasure of Ruby Hills)réalisé par Frank McDonald,disponible en DVDle 4 octobre2016 chez Artus Films
Acteurs : Lee Van Cleef, Zachary Scott, Carole Mathews, Barton MacLane, Dick Foran, Lola Albright…
Scénario : Tom Hubbard, Fred Eggers d’après la nouvelle de Louis L’Amour
Photographie : John J. Martin
Musique : Edward J. Kay
Durée : 1h10
Date de sortie initiale: 1955
LE FILM
Deux propriétaires terriens concurrents veulent posséder la mainmise totale sur la région de Ruby Hills. Se faisant la guerre par tous les moyens, l’un et l’autre devront également affronter le propriétaire de la source alimentant toute la vallée.
Le prolifique cinéaste Frank McDonald (1899-1980) se distingue par la longévité et l’éclectisme de sa carrière avec près de 145 films et séries télévisées réalisés sur une trentaine d’années. Dès le cinéma muet, il se spécialise dans les westerns et films d’aventures, avec parfois huit longs métrages mis en scène la même année ! Les producteurs lui confient des budgets modestes et Frank McDonald s’en acquitte grâce à beaucoup d’ingéniosité. C’est le cas du Trésor des collines rouges, réalisé en 1955, adapté d’une nouvelle de Louis L’Amour (1908-1988), écrivain et auteur principalement de westerns. Tourné dans les studios KTTV dans des décors honnêtes mais limités, Treasure of Ruby Hills est un petit western bien sympathique et délicieusement vintage. Certes, il ne faut pas s’attendre à des affrontements violents et une histoire alambiquée, mais Le Trésor des collines rouges est typique du western tourné à la chaîne, qui sait contenter le spectateur lambda désireux de passer un petit peu de temps dans le grand Ouest. Les cowboys s’apparentent à des playmobiles munis d’une pétoire à pétards, qui déambulent dans une ville faite de trompe-l’oeil ou de façades factices. Mais l’histoire tient la route et va à l’essentiel, surtout que le film ne dure que 70 minutes montre en main.
Zachary Scott (Le Roman de Mildred Pierce, L’Homme du Sud) porte le film sur ses épaules (et sa moustache à la Clark Gable), le sourcil relevé, le rictus ironique qui semble indiquer « il faut pas me la faire », tout en emballant Carole Mathews et en flinguant ceux qui voudraient bien s’emparer de la source d’eau (le trésor du titre) dont il est propriétaire. Les dialogues sont secs et la mise en scène renvoit souvent à l’époque du cinéma muet, durant laquelle le cinéaste a fait ses classes, à l’instar des plans de « réaction » des personnages avant que ceux-ci n’en viennent aux mains ou aux colts. C’est le cas de Lee Van Cleef, âgé de trente ans, qui promène son visage émacié depuis quelques films seulement. Frank McDonald semble conscient du charisme atypique du jeune comédien et prend son temps pour filmer son visage aux traits ambigus, malgré ses deux petites scènes.
Le Trésor des collines rouges est un western distrayant de série B, qui ne cherche pas à en mettre plein la vue, certes prévisible, mais généreux envers ses spectateurs puisque le réalisateur leur apporte tout ce qu’ils sont venus chercher en matière de règlements de comptes, amourette, pression psychologique, cavalcades, gunfights et punchlines.
LE DVD
Le DVD du Trésor des Collines rouges, édité chez Artus Films, repose dans un boîtier Amaray classique. La jaquette, estampillée Les Grands classiques du western, est très attractive avec un visuel élégant du plus bel effet. Le menu principal est fixe et musical.
Dessinateur et scénariste français de bandes dessinées, Georges Ramaïoli présente Le Trésor des Collines rouges de Frank McDonald (15’) en abordant tout d’abord la très longue carrière du réalisateur (près de 150 films et séries répertoriés sur IMDB), puis celle des comédiens principaux. Cela manque un peu d’entrain et notre interlocuteur s’égare parfois en entrant dans la vie privée des acteurs, mais cet exposé n’est pas inintéressant.
Cette section se clôt sur un diaporama de photos et d’affiches d’époque et de plusieurs bandes-annonces.
L’Image et le son
Le master (1.37, 16/9 compatible 4/3) présente encore un lot de défauts, rayures verticales, raccords de montage, tâches, poussières, mais l’image trouve très vite un équilibre convenable, d’autant plus que l’ensemble est plutôt stable. Le Trésor des Collines rouges est proposé dans un style Cinéma de minuit avec quelques fourmillements et plans flous. Si l’image n’est évidemment pas extraordinaire avec un N&B aux contrastes légers et des séquences plus altérées que d’autres avec un grain plus hasardeux, voir le film de Frank McDonald dans ces conditions rajoute au style rétro.
Seule la version originale est disponible et se révèle heureusement riche et plutôt propre. La musique est joliment restituée bien qu’un peu chuintante, certains légers craquements persistent, le report des voix est appréciable, évite toutes saturations exagérées et l’ensemble est au final suffisamment dynamique. Seule une séquence à la 12e minute a visiblement plus subi les affres du temps avec un souffle plus marqué et des échanges sourds.
Malgré son aspect 
Crédits images : © Sidonis Calysta / Captures DVD : Franck Brissard
