Test DVD / 40 fusils manquent à l’appel, réalisé par William Witney

40 FUSILS MANQUENT À L’APPEL (40 Guns to Apache Pass) réalisé par William Witney, disponible en DVD le 18 juillet 2017 chez Sidonis Calysta

Acteurs : Audie Murphy, Michael Burns, Kenneth Tobey, Laraine Stephens, Robert Brubaker, Michael Blodgett, Michael Keep…

Scénario : Willard W. Willingham, Mary Willingham

Photographie : Jacques R. Marquette

Musique : Richard LaSalle

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

1868. Cochise et ses guerriers apaches sont sur le sentier de la guerre, décidés à éliminer les Blancs. L’armée doit défendre les colons mais le capitaine Coburn doit récupérer une cargaison de fusils – quarante – volés par des soldats déserteurs. Ceux-ci, dirigés par le caporal Bodine veulent les vendre aux Apaches…

Avant d’être acteur, Audie Leon Murphy (1925-1971) fut l’un des soldats américains les plus décorés de la Seconde Guerre mondiale. Bardé de toutes les médailles militaires internationales existantes, il est notamment connu pour avoir stoppé et bloqué seul pendant une heure l’assaut d’une troupe allemande en janvier 1945 dans la poche de Colmar. Ayant participé aux campagnes d’Italie et de France, sa maîtrise des armes est remarquée par quelques producteurs qui souhaitent alors surfer sur sa notoriété. Il entame alors une carrière à la télévision et au cinéma et joua dans une quarantaine de longs métrages, y compris dans l’adaptation cinématographique de son autobiographie L’Enfer des hommes – To Hell and Back, réalisé par Jesse Hibbs en 1955, dans lequel il interprète son propre rôle. Audie Murphy reste surtout connu par les amateurs de westerns, genre dans lequel il s’est ensuite principalement illustré. Citons quelques titres : La Parole est au Colt (1966), Représailles en Arizona (1965), La Fureur des Apaches (1964), La Patrouille de la violence (1964), Les Cavaliers de l’enfer (1961), Le Diable dans la peau (1960), Le Fort de la dernière chance (1957).

A l’époque de 40 fusils manquent à l’appel, 40 Guns to Apache Pass, réalisé par William Witney en 1966, le western américain est en fin de vie, John Ford et Raoul Walsh viennent d’ailleurs de signer leur dernier film du genre deux ans auparavant, alors qu’en Europe, le genre bat son plein avec Sergio Leone qui met une touche finale à sa trilogie du Dollars avec Le Bon, La Brute et le Truand. Rétrospectivement, 40 fusils manquent à l’appel apparaît comme un dernier baroud d’honneur pour Audie Murphy, qui tourne alors la même année El Texican de Lesley Selander. C’est son adieu au western, avant de faire une dernière apparition dans Qui tire le premier ? de Budd Boetticher, dans lequel il interprète Jesse James. Audie Murphy sera victime d’un accident d’avion en 1971, il allait avoir 46 ans.

40 fusils manquent à l’appel est un western qui se déroule en 1868, peu après la fin de la guerre de Sécession sur le territoire de l’Arizona , le chef apache Cochise et sa bande de guerriers menacent d’entrer en guerre. Le capitaine Bruce Coburn est envoyé avec un détachement dans la région afin de faire le tour des fermes isolées et de ramener les colons et leurs familles au fort avant qu’ils ne soient massacrés par les apaches. Mais certaines fermes sont très éloignées et la route est longue pour en revenir, d’autant que certains colons n’acceptent pas facilement de tout abandonner aux mains des indiens. Afin de faire face à leurs ennemis, les soldats attendent une cargaison de fusils. Mais la livraison tourne mal. Coburn demande à être accompagné de dix volontaires pour aller récupérer les 40 carabines à répétition sur le territoire des Apaches. Mais les plans du capitaine sont contrecarrés par un de ses hommes, le caporal Bodine, qui entraîne plusieurs soldats dans son sillage afin de marchander avec les indiens. Foncièrement patriotique (le drapeau flotte bien au vent) et donnant aux indiens le mauvais rôle en faisant d’eux des guerriers sanguinaires qui souhaitent empêcher l’oncle Sam de s’étendre sur leur territoire, 40 fusils manquent à l’appel n’est sûrement pas un western inoubliable qui s’attache à la vérité historique, mais qui arrange les faits à sa sauce avec les grands héros américains d’un côté et les très méchants indiens de l’autre. Néanmoins, cela ne l’empêche pas d’être bien divertissant et agréable, grâce au jeu solide d’Audie Murphy, charismatique et attachant, tenant le film sur ses épaules bardées de galons.

Vétéran du serial qui avait déjà dirigé Audie Murphy dans La Fureur des Apaches (1964) et Représailles en Arizona (1965), le réalisateur William Witney (1915-2002) fait le boulot et même si son histoire n’a rien à envier à celles que l’on imaginait enfant quand on jouait aux Playmobiles, son film est de bonne tenue, les acteurs sont bons, les décors naturels plaisants et les scènes d’action réussies. En revanche, le film est étrangement parasité par la voix-off inutile d’un narrateur qui ouvre l’histoire comme un conte, à travers l’ouverture d’un livre, et revient de façon chronique, tout au long de ces 90 minutes, sans raison, en paraphrasant le récit comme une piste Audiodescription. Les scénaristes ont-ils pensé que leur histoire était si alambiquée – ce qui n’est évidemment pas le cas – que chaque action méritait d’être expliquée aux spectateurs ? Il semblerait plutôt que cette voix-off ait été utilisée afin de donner un cachet « film sérieux » à une œuvre finalement banale, désuète et sans véritable surprise.

Toujours est-il que 40 fusils manquent à l’appel remplit son contrat et se voit aujourd’hui comme une série B curieuse doublée du chant du cygne d’un genre et de celui d’un comédien qui a su s’inscrire dans la légende.

LE DVD

Le DVD de 40 fusils manquent à l’appel, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur la musique du film.

Pas de Bertrand Tavernier à l’horizon pour ce petit western, même si Patrick Brion (7’) et François Guérif (8’) ont répondu à l’appel de leur côté. Les deux intervenants reviennent chacun à leur manière sur la carrière d’Audie Murphy, sur les très grandes libertés – euphémisme – prises avec la véritable histoire, notamment en ce qui concerne Cochise. François Guérif se penche un peu plus sur la dernière apparition en vedette du comédien dans le genre qui a fait de lui une star internationale, tandis que Patrick Brion nous donne une petite leçon sur l’histoire de la Winchester 73. Les qualités comme les défauts (la voix-off idiote et inutile) sont pointés par ces deux experts en la matière.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et une galerie de photos constituée d’affiches internationales.

L’Image et le son

Chez Sidonis, même les plus petits westerns sont souvent aussi bien logés que les grands classiques et chefs-d’oeuvre incontestés ! Entièrement restauré en Haute-Définition, le master de 40 fusils manquent à l’appel s’avère lumineux, stable (hormis le générique d’ouverture), d’une propreté jamais démentie et franchement plaisant pour les mirettes. Le cadre 1.33 open matte étonne par son lot de détails, le piqué est pointu, les contrastes sont fermes et les fondus enchaînés n’entraînent pas trop de décrochages. Seule la colorimétrie est parfois un peu délavée sur certaines séquences, mais le fait est que la copie demeure de haute tenue, surtout que le grain original est respecté et très bien géré.

Seule la version originale aux sous-titres français imposés est disponible sur cette édition. La restauration est également fort satisfaisante, aucun souffle à déplorer, l’écoute est frontale, riche, dynamique et vive. Les effets annexes sont conséquents et le confort acoustique assuré.

Crédits images : © Columbia Pictures / Sidonis Calysta / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / La Maison rouge, réalisé par Delmer Daves

LA MAISON ROUGE (The Red House) réalisé par Delmer Daves, disponible en DVD le 11 juillet 2017 chez Rimini Editions

Acteurs : Edward G. Robinson, Lon McCallister, Judith Anderson, Rory Calhoun, Allene Roberts, Julie London, Ona Munson…

Scénario : Delmer Daves d’après le roman de George Agnew Chamberlain

Photographie : Bert Glennon

Musique : Miklós Rózsa

Durée : 1h36

Date de sortie initiale : 1947

LE FILM

Pete vit dans une ferme isolée avec sa sœur Ellen et sa fille adoptive Meg. Les parents de Meg ont disparu il y a quelques années dans des conditions mystérieuses. Il embauche comme aide de ferme Nath, un jeune homme qui tombe bientôt amoureux de Meg. Nath et Meg tentent de savoir quel secret se cache derrière la maison rouge, une demeure enfouie dans la forêt. Mais Pete leur interdit formellement de s’y rendre, en leur expliquant que cette maison est hantée…

La Maison rouge – The Red House (1947) n’est que le cinquième long métrage de Delmer Daves (1904-1977), réalisateur souvent oublié et sous-estimé, qui a pourtant signé de nombreux classiques tels que Les Passagers de la nuit (1947) aka Dark Passage avec Humphrey Bogart, qui est resté célèbre pour son usage de la caméra subjective, La Flèche brisée (1950) le premier western pro-indien, et 3h10 pour Yuma (1957), superbe western adapté d’une nouvelle écrite par l’immense et prolifique écrivain Elmore Leonard parue en mars 1953. Adapté du roman de George Agnew Chamberlain, La Maison rouge demeure méconnu dans la grande filmographie de Delmer Daves qui compte une trentaine de longs métrages réalisés entre 1973 et 1965. Quatre ans après ses débuts derrière la caméra avec Destination Tokyo, Delmer Daves livre un film dramatique teinté de fantastique.

La Maison rouge est une oeuvre à part dans la carrière du réalisateur, même si l’on retrouve ce qui a toujours fait la force de son cinéma, son attachement aux personnages, masculins comme féminins, plutôt que le contexte et le genre, même s’il affectionnait tout particulièrement le western puisqu’il en a réalisé près d’une dizaine. Remarquablement photographié par Bert Glennon (La Chevauchée fantastique, Sur la piste des Mohawks) qui s’inspire de l’expressionnisme allemand, et souligné par la partition toujours inspirée de Miklós Rózsa (L’Espion noir, Le Voleur de Bagdad, Assurance sur la mort), La Maison rouge plonge le spectateur dans une atmosphère trouble. Le malaise s’installe rapidement après une ouverture pourtant lumineuse, qui présente le décor bucolique et quelques jeunes étudiants qui respirent la jeunesse et l’insouciance. Après ce prologue, nous rencontrons alors Pete Morgan, austère et invalide, qui vit dans une ferme située à l’écart de la ville et bordée d’une épaisse forêt, avec sa soeur Ellen (Judith Anderson, la gouvernante Mrs Denvers de Rebecca d’Alfred Hitchcock) et sa fille adoptive Meg dont les parents ont mystérieusement disparu quinze ans auparavant. Pour l’aider dans les tâches quotidiennes, le vieil homme loue les services d’un aide de ferme, Nath Storm (Lon McCallister), camarade de classe de Meg, et le met vivement en garde de ne pas aller fouiner dans les bois situés aux alentours, et surtout pas aux abords de la maison rouge qu’il prétend maudite. Mais la curiosité du jeune homme est trop forte, et accompagné de Meg, il s’aventure dans les bois pour découvrir quel horrible secret entoure cette maison rouge.

La Maison rouge joue avec les genres pour mieux déstabiliser les spectateurs. Ce drame psychologique et angoissant, mais également thriller sentimental et récit d’émancipation (!) traite à la fois du sentiment de culpabilité, de la folie amoureuse et surtout de la perte de la virginité ainsi que de l’éveil sexuel. Qui a peur du Grand Méchant Loup ? Si l’on devine rapidement ce qui s’est déroulé dans cette forêt interdite quinze ans avant, ce lieu est aussi avant tout une métaphore sur le premier rapport sexuel, un chemin que l’on convoite, que l’on redoute, que l’on souhaite franchir malgré les interdits. C’est ainsi que la douce et innocente Meg, superbe et lumineuse Allene Roberts, qui contraste avec la sulfureuse et plantureuse Tibby (Julie London), la copine de Nath, se sent de plus en plus « attirée » par cette étrange maison rouge, comme si elle « en faisait partie ». Elle décide de s’y rendre et désobéit donc pour la première fois à son père adoptif, Edward G. Robinson qui prouve une fois de plus qu’il reste l’un des plus grands acteurs de l’histoire du cinéma, qui de son côté commence sérieusement à perdre les pédales, en appelant Meg par le prénom Jeannie.

Difficile d’évoquer l’histoire plus longuement sans en révéler davantage. Mieux vaut en savoir le moins possible sur La Maison rouge, drame intense et anxiogène magnifiquement réalisé, écrit et interprété, qui rappelle parfois La Féline et Vaudou de Jacques Tourneur, et qui s’avère un véritable trésor caché pour qui s’intéresse – avec raison – au cinéma de Delmer Daves.

LE DVD

Le DVD de La Maison rouge, disponible chez Rimini Editions, repose dans un boîtier classique de couleur noire. La jaquette saura attirer les fans de films noirs et classiques. Le menu principal est élégant, animé et musical.

Juste avant le film, l’historien du cinéma Christophe Champclaux, fidèle à Rimini Editions, nous propose une introduction très rapide (30 secondes) de La Maison rouge en indiquant notamment que Martin Scorsese en rappelait l’existence dans son Voyage avec à travers le cinéma américain (1995). Christophe Champclaux explique également que le négatif original ayant été perdu, ce film méconnu ne circulait que dans une copie fortement dégradée. Celle proposée par Rimini Editions est un nouveau master Haute-Définition entièrement restauré.

Nous retrouvons l’historien pour un retour plus complet sur le film et sur son réalisateur dans un module de sept minutes. Sur quelques bandes-annonces et photographies, Christophe Champclaux propose une rapide mais pertinente analyse de La Maison rouge, en croisant habilement le fond avec la forme.

L’interactivité se clôt sur un montage qui présente l’image avant/après la restauration.

L’Image et le son

La Maison rouge avait bénéficié d’une édition DVD chez Bach Films en 2005. Le master était alors horrible, fait uniquement de scratchs, de rayures, de points et même d’images manquantes avec des sous-titres qui apparaissaient sur un écran noir. Autant dire que Rimini Editions propose une image diamétralement opposée avec ce nouveau master Haute-Définition. On ne s’attendait pas à un rendu aussi lisse pour un film qui fête cette année ses soixante-dix ans. Alors certes, quelques puristes risquent de crier au scandale devant la quasi-absence du grain original mais force est de constater que ce master 1.33 renaît littéralement de ses cendres. La copie est étincelante, stable, les noirs denses côtoient des blancs immaculés et la palette de gris est largement étendue, restituant ainsi les contrastes du directeur de la photographie Bert Glennon, sans la patine argentique malheureusement. La restauration a sans doute été trop poussée, aucune scorie n’a survécu au nettoyage numérique et le piqué est acceptable. Certes, il faut accepter des noirs bouchés et un aspect quelque peu artificiel, mais ce nouveau master surpasse celui de Bach en tout point, sans aucune commune mesure.

L’éditeur ne propose que la version originale de La Maison rouge. Dynamique, nettoyée, homogène et naturelle, sans souffle parasite, cette piste offre un confort acoustique solide et restitue admirablement la musique de Miklós Rózsa et les effets sonores. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Rimini Editions / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Les Russes ne boiront pas de Coca Cola !, réalisé par Luigi Comencini

LES RUSSES NE BOIRONT PAS DE COCA COLA ! (Italian Secret Service) réalisé par Luigi Comencini, disponible en DVD le 27 juin 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Nino Manfredi, Françoise Prévost, Clive Revill, Jean Sobieski, Giampiero Albertini, Alvaro Piccardi, Enzo Andronico, Giorgia Moll…

Scénario : Leonardo Benvenuti, Luigi Comencini, Piero De Bernardi, Massimo Patrizi

Photographie : Armando Nannuzzi

Musique : Fiorenzo Carpi

Durée : 1h42

Date de sortie initiale : 1968

LE FILM

Grâce à sa réputation très usurpée d’ex-héros de la résistance antinazie se voit offrir 100 000 dollars pour éliminer Edward Stevens, un espion néo-nazi sur le point de dévoiler la formule du Coca-Cola aux Russes. Mais il est rapidement doublé par d’autres mercenaires cherchant à obtenir la prime.

L’immense Luigi Comencini (1916-2007) fait partie des maestri du cinéma italien. Comme la plupart de ses confrères ès comédies – mais pas seulement – le réalisateur aura alterné films personnels et œuvres de commande avec la même verve et la même inspiration. Le metteur en scène du Commissaire (1962) et de La Ragazza (1963), signe après l’un de ses chefs d’oeuvres L’Incompris (1967) drame intense bouleversant et avant son formidable Casanova, un adolescent à Venise (1969), une comédie loufoque, décalée et méconnue, Les Russes ne boiront pas de Coca Cola !, Italian Secret Service en version originale. Surfant sur le succès de la saga James Bond créée six ans auparavant, ce film mêle à la fois l’espionnage avec l’humour burlesque qui n’est pas sans rappeler Le Pigeon (1958) de Mario Monicelli avec son équipe de bras cassés plongés malgré-eux dans une histoire extraordinaire.

Natalino est à la recherche d’un travail quand l’ex-capitaine Harrison, qu’il avait sauvé du peloton d’exécution pendant la guerre, lui propose, contre une importante somme d’argent, d’éliminer un jeune et dangereux néo-nazi, Edward Stevens. Natalino accepte «le contrat», fermement décidé par ailleurs à faire exécuter la besogne par un autre. Il cède le travail à un certain Othon lequel sous-traite l’affaire à un avocat un peu louche. Ce dernier en fait autant avec le frère d’un de ses clients. Le scénario de Luigi Comencini coécrit avec ses comparses Leonardo Benvenuti (Mes chers amis, La Fille à la valise), Piero de Bernardi (Il était une fois en Amérique) et Massimo Patrizi (La Traite des blanches) démarre comme un vrai film de guerre et d’espionnage, avant d’enchaîner les quiproquos et rebondissements en tous genres.

Le grand Nino Manfredi (1921-2004) retrouve Luigi Comencini après le succulent A cheval sur le tigre (1961) et signe une formidable prestation entre flegme britannique, slapstick américain et farce italienne. Le comédien est entouré d’une sacrée bande d’acteurs, Giampiero Albertini, Alvaro Piccardi, Enzo Andronico, Loris Bazzocchi et Gastone Moschin, un festival de tronches et de talent, sans oublier le charme de Françoise Prévost. Tout ce beau monde y va à fond dans le seul but de divertir les spectateurs. Cinquante ans après, Les Russes ne boiront pas de Coca Cola ! s’avère toujours aussi mordant et drôle, ironique et déphasé. Le film se tient grâce à la rigueur de Luigi Comencini, cinéaste moraliste, qui même dans ses oeuvres mineures et malgré quelques concessions au cinéma commercial, a toujours tenu à dépeindre des univers réalistes et à inscrire ses histoires dans un contexte socio-politique sérieux, tout en dirigeant ses acteurs d’une main de maître et en soignant la forme.

Nino Manfredi trône sur cette bande de joyeux drilles et s’acquitte avec virtuosité des multiples facettes que lui offre le rôle de Natale Tartufato aka Capellone, italien faible, trouillard, en un mot un type banal. Les oubliés du boom économique tentent de profiter comme ils le peuvent du système, quitte à user de méthodes peu scrupuleuses. Le scénario des Russes ne boiront pas de Coca Cola ! prend ainsi la forme de poupées gigognes, ou un événement entraîne un autre qui lui-même entraîne une nouvelle situation, etc. C’est là tout le génie de Luigi Comencini et de ses scénaristes, ainsi que de ses comédiens dont le jeu branché sur cent mille volts du début à la fin (hilarante) agit comme une véritable bouffée d’air frais et fait toujours le même bonheur des spectateurs aujourd’hui.

LE DVD

Le DVD des Russes ne boiront pas de Coca Cola ! est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette se focalise uniquement sur Nino Manfredi. Le verso montre tous les titres déjà ou bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet. Aucun chapitrage. L’éditeur indique que le film est inédit en France, ce qui est faux, puisque Les Russes ne boiront pas de Coca Cola ! est sorti dix ans après dans nos salles, le 19 novembre 1978 !

Cette collection sortira dans les bacs en trois vagues. La première, celle déjà chroniquée dans nos colonnes, est sortie le 28 mars 2017 : Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). La seconde vague, celle que nous explorons ici, est sortie au mois de juin et nous trouvons les titres suivants : Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Le Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). Il faudra attendre le mois de septembre pour compléter sa collection avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

L’intervention de Stéphane Roux sur ce titre demeure complètement anecdotique (6’30). L’historien du cinéma se contente principalement de parler de la carrière Luigi Comencini, de manière brève, alors qu’il y aurait tant à dire. Stéphane Roux indique que Les Russes ne boiront pas de Coca Cola ! n’est pas un très grand film, bien qu’agréable à suivre et qu’un film moyen de Luigi Comencini reste toujours bien au-dessus des autres productions de l’époque. Il en vient ensuite au casting en évoquant le jeu de Nino Manfredi et sa partenaire Françoise Prévost.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Si la copie s’avère propre et plutôt stable, ce master s’avère complètement usé du point de vue des contrastes et des couleurs. La copie demeure terne du début à la fin, la définition ne trouve jamais d’équilibre, les flous ne sont pas rares, la gestion du grain est aléatoire et le piqué est sans cesse émoussé. Le master semble avoir été dégoté dans un tréfonds de catalogue. Seules les poussières ont été éradiquées et rien ne nous permet d’apprécier les partis pris du grand chef opérateur Armando Nannuzzi, illustre directeur de la photographie à qui l’on doit les images inoubliables des Damnés, Mon nom est Personne et Le Bel Antonio. Quant au reste, le cinéphile devra faire preuve de beaucoup d’indulgence.

En italien comme en français, les pistes mono 2.0 s’avèrent plutôt bien nettoyées et offrent des conditions acoustiques suffisantes. Notons l’absence de souffle intempestif, mais la musique apparaît vacillante, les voix demeurent un peu sourdes et les saturations inévitables sur les dialogues plus poussés. Signalons également un problème récurrent chez l’éditeur concernant les sous-titres. Tous les mots comprenant les lettres « œ » ne semblent pas être pris en compte. Ainsi « soeur » apparaît « sur », « coeur » devient « cur », etc…Enfin, la traduction laisse à désirer puisque les sous-titres suivent la version française, qui prend souvent de grandes libertés avec le récit, et non pas les dialogues originaux !

Crédits images : © R.T.I. S.P.A. / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / De plus belle, réalisé par Anne-Gaëlle Daval

DE PLUS BELLE réalisé par Anne-Gaëlle Daval, disponible en DVD le 18 juillet 2017 chez Studiocanal

Acteurs : Florence Foresti, Mathieu Kassovitz, Nicole Garcia, Jonathan Cohen, Olivia Bonamy, Josée Drevon…

Scénario : Anne-Gaëlle Daval

Photographie : Philippe Guilbert

Musique : Alexis Rault

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Lucie est guérie, sa maladie est presque un lointain souvenir. Sa famille la pousse à aller de l’avant, vivre, voir du monde…
C’est ainsi qu’elle fait la connaissance de Clovis, charmant… charmeur… et terriblement arrogant. Intrigué par sa franchise et sa répartie, Clovis va tout faire pour séduire Lucie, qui n’a pourtant aucune envie de se laisser faire.
Au contact de Dalila, prof de danse haute en couleur, Lucie va réapprendre à aimer, à s’aimer, pour devenir enfin la femme qu’elle n’a jamais su être. Pour sa mère, pour sa fille, pour Clovis…

Combien de fois a-t-on pu lire dans la presse que tel acteur ou telle actrice faisait son « Tchao Pantin » ? Cela a encore été le cas pour Florence Foresti avec De plus belle, premier long métrage d’Anne-Gaëlle Daval, costumière sur la série Kaamelott d’Alexandre Astier (son compagnon), qui offre à la comédienne un contre-emploi plutôt inattendu. Depuis son premier film, l’excellent Dikkenek (2006) dans lequel elle interprétait le commissaire Laurence, Florence Foresti a ensuite enchaîné les apparitions au cinéma (Détompez-vous, Si c’était lui…, Mes amis, mes amours) avant de tenir le haut de l’affiche en 2009 avec King Guillaume de Pierre-François Martin-Laval, échec au box-office, puis Hollywoo, qu’elle coécrit et où elle donne la réplique à Jamel Debbouze, gros succès de l’année 2011 avec près de 2,5 millions de spectateurs. Depuis, malgré son triomphe sur scène qui ne s’est jamais démenti, l’humoriste préférée des français n’a fait qu’apparaître de manière sporadique dans d’autres comédies comme Paris à tout prix, Barbecue, A fond et La Folle histoire de Max et Léon. Avec De plus belle, non seulement Florence Foresti tient le rôle principal (écrit spécialement pour elle), mais surtout, elle interprète pour la première fois un personnage dramatique.

Guérie d’un cancer du sein, Lucie réapprend à vivre. Le coeur n’y est pas vraiment même si son frère Frédéric et sa sœur Manon l’encouragent à reprendre sa vie en main et ce malgré le caractère difficile de leur mère. Dans une discothèque, elle rencontre Clovis, séduisant et séducteur. Il aime l’esprit caustique de la jeune femme. Lucie, qui a une piètre opinion de son physique, se dérobe. Elle tente de s’évader via la danse. Dalila, sa professeure qui n’a pas froid aux yeux et croque la vie à pleines dents, devient son premier soutien. Elle fait des efforts, pour sa mère, sa fille et Clovis, se fait belle et commence à voir le bout du tunnel. Si ce premier long métrage n’est évidemment pas parfait, Anne-Gaëlle Daval évite tout pathos lié à la maladie et insuffle beaucoup d’humour à son récit. On pouvait craindre que la tornade Foresti emporte tout sur son passage et en fasse trop dans ce nouveau registre, mais même si l’on sent parfois sa véritable nature prête à reprendre le dessus, la réalisatrice parvient à bien canaliser son jeu et obtenir une très bonne performance de la part de son actrice. Cette dernière est par ailleurs très bien entourée, entre l’excellent Jonathan Cohen, la trop rare et lumineuse Olivia Bonamy, l’impériale Nicole Garcia, sans oublier la classe et le naturel d’un Mathieu Kassovitz qui a l’air de prendre beaucoup de plaisir à composer un couple insolite avec sa partenaire.

Certes, Anne-Gaëlle Daval reprend le personnage créé sur scène par Florence Foresti, finalement guère éloigné de l’humoriste elle-même, mais elle réussit à jouer avec l’aspect clown triste qui sommeille en chaque comédien. Sans en faire trop, à part peut-être dans le maquillage qui prononce les cernes et qui reflète le chemin de croix par lequel est passée Lucie, la cinéaste rend son personnage immédiatement attachant, sans en faire trop, avec une indéniable délicatesse. S’il pèche par son aspect comédie-romantique qui importe finalement moins que la redécouverte du corps de Lucie (par l’intermédiaire d’un striptease dans un numéro de cabaret burlesque !), de sa féminité et de sa prise de conscience d’avoir une seconde chance, De plus belle demeure un joli film, très sensible, touchant et chaleureux, bien écrit et mis en scène, qui rend un bel hommage à la gent féminine, à leur courage, à leur beauté et à leur talent.

LE DVD

En raison de son échec dans les salles avec seulement 100.000 entrées au compteur, De plus belle est uniquement disponible en DVD. Le test a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal, qui reprend le visuel de l’affiche (rose) est fixe et muet.

Peu de bonus à se mettre sous la dent avec d’un côté, un petit module centré sur les comédiens (5’) et de l’autre centré sur la réalisatrice. Images de tournage, propos de l’équipe, présentation des personnages, c’est peu et c’est bien dommage.

L’Image et le son

Après son passage éclair dans les salles, il semble que Studiocanal n’ait pas jugé bon de sortir De plus belle en Blu-ray. Il faudra donc se contenter de cette édition standard, mais heureusement la qualité est là. Les couleurs sont bien loties, très chaudes, ambrées et estivales, le piqué suffisamment affûté, la clarté de mise et les contrastes élégants. Les détails ne manquent pas sur le cadre, les noirs sont denses. Que demander de plus ?

Le mixage Dolby Digital 5.1 instaure un bon confort acoustique en mettant la musique en avant, tout en délivrant les dialogues avec ardeur, sans jamais oublier les effets et ambiances annexes. Quelques basses soulignent également quelques séquences à l’instar de la soirée en discothèque. La piste Stéréo s’en donne également à coeur joie, se révèle dynamique et même percutante dans son genre. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © StudioCanal / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Seul dans Berlin, réalisé par Vincent Pérez

SEUL DANS BERLIN (Alone in Berlin) réalisé par Vincent Pérez, disponible en DVD le 1^er juillet 2017 chez Pathé

Acteurs : Emma Thompson, Daniel Brühl, Brendan Gleeson, Mikael Persbrandt, Louis Hofmann, Katharina Schüttler, Godehard Giese, Jacob Matschenz…

Scénario : Achim von Borries, Vincent Perez, Bettine von Borries d’après le roman Seul dans Berlin de Hans Fallada

Photographie : Christophe Beaucarne

Musique : Alexandre Desplat

Durée : 1h39

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Berlin, 1940. Otto et Anna Quangel, un couple d’ouvriers, vivent dans un quartier modeste où, comme le reste de la population, ils tentent de faire profil bas face au parti nazi. Mais lorsqu’ils apprennent que leur fils unique est mort au front, les Quangel décident d’entrer en résistance.

Espoir du cinéma français dans les années 1990 après avoir enchaîné Cyrano de Bergerac de Jean-Paul Rappeneau, Le Voyage du capitaine Fracasse de Ettore Scola, Indochine de Régis Wargnier, La Reine Margot de Patrice Chéreau, Le Bossu de Philippe de Broca ou bien encore Le Temps retrouvé de Raoul Ruiz et une incursion américaine dans le rôle-titre de The Crow, la cité des anges de Tim Pope, le comédien suisse Vincent Perez a ensuite connu bien des bas. Mis à part Fanfan la Tulipe de Gérard Krawczyk, les années 2000 n’ont guère brillé pour lui. Entre les comédies navrantes (Epouse-moi, Le Libertin, Bienvenue en Suisse) et les films de genre ratés (Les Morsures de l’aube, La Reine des Damnés, Le Pharmacien de garde), Vincent Perez n’aura vraiment participé qu’à un seul bon film, le méconnu Demain dès l’aube… de Denis Dercourt (2009). Bien décidé à rebondir, il s’essaye à la mise en scène avec son premier long métrage, Peau d’ange (2002), avec Guillaume Depardieu. En 2007, il se tourne vers le genre fantastique et les Etats-Unis pour son second film en tant que réalisateur, Si j’étais toi, avec David Duchovny, Lili Taylor et Olivia Thirlby. Dix ans plus tard, il signe son troisième long métrage, Seul dans Berlin, adaptée de l’oeuvre de Hans Fallada publiée en 1947 à Berlin-Est. Ce célèbre roman – Jeder stirbt für sich allein (titre original) – évoque la résistance allemande face au régime nazi et les conditions de survie des citoyens allemands pendant la Seconde Guerre mondiale.

Déjà transposé à la télévision en 1962 et 1970, puis au cinéma en 1975, avant de faire l’objet d’un documentaire en 2013 pour France 3 (Seul contre Hitler), ce livre devenu best-seller international est fondé sur la véritable histoire d’Otto Hampel (rebaptisé Quangel dans le film de Vincent Pérez) et de sa femme Elise, exécutés le 8 avril 1943 pour des actes de résistance antinazie. Seul dans Berlin propose une version quelque peu édulcorée du roman et s’avère une adaptation trop propre, même si le film ne laisse évidemment pas indifférent. En 1940, à Berlin, ville paralysée par la peur, Anna et Otto Quangel ne vivent que pour avoir des nouvelles de leur fils, enrôlé dans l’armée allemande. Quand on leur annonce la mort de leur enfant, leur monde s’écroule. Alors que Hitler est au sommet de sa gloire, ils décident, brisés par le désespoir, d’ébranler le régime nazi à leur façon. Ils disséminent dans toute la ville des pamphlets. Les autorités, irritées par cet acte de rébellion, chargent un certain Escherich de découvrir qui se cachent derrière ces cartes postales. L’étau se resserre peu à peu autour du couple Quangel.

Alors que le roman proposait une description de la barbarie et de la cruauté du Troisième Reich et de la vie des habitants de Berlin pendant la Seconde Guerre mondiale, le film de Vincent Pérez repose sur une reconstitution classique et académique avec des rues clinquantes et des costumes flambants neufs. L’ensemble fait toc, mais ce n’est rien à côté de l’utilisation de la langue anglaise qui rend l’ensemble artificiel, même si Vincent Pérez s’est visiblement battu pour tourner son film en allemand, sans succès et à sa grande déception. Si Emma Thompson et Brendan Gleeson sont comme d’habitude excellents, Vincent Pérez aurait vraiment gagné à tourner son film avec un couple de comédiens allemands et surtout dans la langue de Goethe. Seul dans Berlin s’apparente plus à une illustration qu’à une véritable adaptation. Toutefois, après une première partie maladroite et qui peine à trouver son rythme, la seconde se montre plus passionnante puisqu’elle repose à la fois sur les actes de résistances du couple principal et l’enquête d’Escherich (Daniel Brühl dans la peau d’un agent de la Gestapo qui s’exprime en anglais en forçant l’accent teuton) qui tente de mettre la main sur l’individu qui rédige et dépose des cartes aux messages antinazis aux quatre coins de Berlin.

Seul dans Berlin échoue dans son désir d’émouvoir les spectateurs à cause de sa facture télévisuelle et de ses décors tape-à-l’oeil (le film a essentiellement été tourné à Görlitz, à la frontière polonaise), mais parvient finalement à capter l’attention du spectateur en instaurant un suspense dès l’entrée en scène du personnage d’Escherich qui commence sa chasse à l’homme. Certes, Seul dans Berlin permettra à certains de connaître l’histoire du couple Hampel, mais le film laisse toutefois un sentiment d’inachevé puisque les personnages manquent de chair et que l’empathie – l’émotion donc – peine à prendre.

LE DVD

Après un passage éclair dans les salles françaises en novembre 2016, Pathé édite le film de Vincent Pérez uniquement en DVD. Le disque repose dans un boîtier classique transparent et la jaquette reprend le visuel de l’affiche originale. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément au programme.

L’Image et le son

Faites confiance à Pathé pour assurer le service après-vente ! Le film de Vincent Pérez n’a certes connu aucun succès dans les salles mais se trouve choyé par l’éditeur. Le master tient toutes ses promesses, la colorimétrie froide souvent désaturée est superbe, les contrastes denses, les détails ciselés sur le cadre large et le relief étonnant. Si la définition n’est pas optimale – certaines séquences en intérieur sont plus douces – le piqué est fort acceptable, et la photo du chef opérateur Christophe Beaucarne (Mal de pierres, La Chambre bleue) est admirablement restituée.

Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages anglais et français, Dolby Digital 5.1, aussi probants dans la scène d’ouverture que dans les séquences plus calmes. La première séquence peut compter sur une balance assez percutante des frontales comme des latérales, avec des coups de feu très présents. Les effets annexes sont palpables et souvent dynamiques, les voix solidement exsudées par la centrale, tandis que le caisson de basses souligne efficacement chacune des séquences au moment opportun. La spatialisation musicale – composition d’Alexandre Desplat – est probante. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue impossible à la volée.

*Crédits images : ©* Christine Schroeder / Marcel Hartman / X Verleih / Pathé / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / La Confession, réalisé par Nicolas Boukhrief

LA CONFESSION réalisé par Nicolas Boukhrief, disponible en DVD le 12 juillet 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs : Romain Duris, Marine Vacth, Anne Le Ny, Solène Rigot, Amandine Dewasmes, Lucie Debay, Charlie Lefebvre…

Scénario : Nicolas Boukhrief d’après le roman Léon Morin, Prêtre de Béatrix Beck

Photographie : Manuel Dacosse

Musique : Nicolas Errèra

Durée : 1h51

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Sous l’Occupation allemande, dans une petite ville française, l’arrivée d’un nouveau prêtre suscite l’intérêt de toutes les femmes… Barny, jeune femme communiste et athée, ne saurait cependant être plus indifférente. Poussée par la curiosité, la jeune sceptique se rend à l’église dans le but de défier cet abbé : Léon Morin. Habituellement si sûre d’elle, Barny va pourtant être déstabilisée par ce jeune prêtre, aussi séduisant qu’intelligent. Intriguée, elle se prend au jeu de leurs échanges, au point de remettre en question ses certitudes les plus profondes. Barny ne succomberait-elle pas au charme du jeune prêtre ?

Après la sortie chaotique de son précédent et formidable film Made in France, paralysé au moment de la production par les attentats terroristes de Charlie Hebdo, puis au moment de sa distribution après ceux du Bataclan, Nicolas Boukhrief a immédiatement enchaîné avec La Confession. Ce long métrage beaucoup plus apaisé en apparence, est une nouvelle adaptation du célèbre roman – très autobiographique – Léon Morin, Prêtre de Béatrix Beck, Prix Goncourt en 1952. Le réalisateur et scénariste, ancien critique cinématographique et rédacteur du magazine Starfix à ses débuts signe son septième film, plus de vingt ans après Va mourire (1995). Loin du genre qui l’a fait connaître, autrement dit le polar stylisé (Le Convoyeur, Cortex, Gardiens de l’ordre), Nicolas Boukhrief adapte librement et en solo le livre original, après avoir lui-même acheté les droits, tout en s’éloignant du film de la version de Jean-Pierre Melville réalisée en 1961 avec Jean-Paul Belmondo et Emmanuelle Riva. Il ne s’agit donc pas d’un remake, mais d’une version personnelle, intimiste, pudique, mais où la violence des sentiments n’a rien à envier aux affrontements physiques habituellement mis en scène par le réalisateur.

Dans un village français, pendant l’Occupation, Léon Morin, le nouveau prêtre, jeune et beau, provoque l’émoi chez les habitantes. Les hommes du village sont soit morts au front soit emprisonnés. Barny, une jeune communiste qui ne croit pas en Dieu, est la seule à ne pas s’enthousiasmer. En confession, elle tente de le défier, et lui reprocher son attitude vis-à-vis des Allemands. Or, Morin n’est pas du genre à se laisser déstabiliser facilement. Ils se rencontrent souvent, évoquent la religion et l’existence de Dieu. Alors qu’ils commencent à être attirés l’un par l’autre, les Allemands viennent arrêter dix otages. Cela faisait plusieurs années que Nicolas Boukhrief cherchait à adapter ce roman qui l’avait bouleversé dans sa jeunesse, en essuyant systématiquement le refus des producteurs, probablement trop frileux à l’idée d’être ensuite comparé à Jean-Pierre Melville. Il aura fallu la rencontre des producteurs Cément Miserez et Mathieu Warter, à qui l’on doit Made in France, pour que le cinéaste puisse enfin obtenir le feu vert pour cette transposition.

Drame intense, La Confession vaut tout d’abord pour la confrontation entre Romain Duris et Marine Vacth. Les deux comédiens, excellemment dirigés, sont filmés comme s’ils étaient sur le front. Le premier recevant les propos de la seconde comme s’il recevait des balles dans le corps, tout en comprenant très vite que cette jeune femme, dont le mari est prisonnier en Allemagne, est elle-même blessée. Servant alors de défouloir, le père Morin encaisse la franchise de la jeune femme, y compris quand elle évoque s’adonner à la masturbation, en restant droit et dans son rôle, ce qui ne fait que décontenancer Barny, habituellement rejetée par ses connaissances et ses collègues de travail pour son tempérament et sa volonté de choquer. S’instaure alors une relation ambigüe entre ces deux solitudes, dont l’attirance est réciproque.

Cinéaste de l’action, Nicolas Boukhrief parvient à filmer ces échanges comme si les deux protagonistes en venaient aux mains. Le père Morin, excellemment interprété par un Romain Duris en état de grâce, dont la voix n’a jamais été aussi bien posée et qui trouve ici un de ses plus beaux rôles, et Barny, merveilleusement incarnée par la diaphane et sensuelle Marine Vacth, rentrent en collision, sur le terrain de la sincérité absolue, dans leur foi et leur ouverture. Bien plus qu’un drame, La Confession est un véritable mélodrame et même une tragédie amoureuse, centrée sur deux êtres que tout oppose et qui vont pourtant s’aimer – de manière platonique certes – malgré les interdits.

Film sous tension, troublant, aux dialogues percutants et à la photographie élégante, La Confession foudroie par la beauté, le magnétisme et le talent de ses comédiens, véritable couple de cinéma, par la force, la délicatesse et la modernité – en évitant l’anachronisme – de ses dialogues et la virtuosité discrète de sa mise en scène. Encore une très grande réussite de la part d’un de nos meilleurs metteurs en scène aujourd’hui.

LE DVD

Le test du DVD de La Confession, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Pour cette sortie dans les bacs, le visuel a été revu et ne reprend pas celui de l’affiche cinéma. Malgré plus de 200.000 spectateurs dans les salles, le film de Nicolas Boukhrief ne bénéficie pas d’une sortie en Haute-Définition, ce qui est bien dommage. Le menu principal est animé et musical.

En guise de suppléments, outre la bande-annonce, l’éditeur ne joint qu’un entretien entre Nicolas Boukhrief et l’abbé Amar (15’). Le réalisateur rencontre le curé de la paroisse de Limay-Vexin afin de parler de La Confession. Ce dernier s’exprime d’emblée et indique « que cela fait plaisir de voir un film avec un prêtre qui n’est ni un débile, ni un pervers, mais bien dans ses pompes », ce qui réjouit Nicolas Boukhrief. Quelques petites scènes coupées au montage viennent illustrer cet échange dense et passionnant, qui revient sur la question du célibat, la prière, mais aussi les différences avec le livre de Béatrix Beck, la relation entre le père Morin et Barny, ainsi que les thèmes du film.

L’Image et le son

Avec cette édition DVD de La Confession, M6 prouve une fois de plus son savoir-faire. Le film de Nicolas Boukhrief bénéficie d’un master SD au transfert soigné et très élégant. Le piqué est évident, la clarté de mise sur les séquences en extérieur avec de superbes scènes diurnes, un léger grain se fait ressentir sur les intérieurs ambrés, feutrés et chauds, le cadre offre un lot conséquent de détails et la colorimétrie de la photographie – signée Manuel Dacosse (L’Etrange couleur des larmes de ton corps, Alléluia) – faisant la part belle aux gammes brunes est habilement restituée. Evidemment, la copie est d’une propreté immaculée, les contrastes sont denses, et malgré un sensible bruit vidéo, des moirages constatables, les meilleures conditions techniques sont réunies pour découvrir ce bijou.

Le mixage Dolby Digital 5.1 ne déçoit pas, tant au niveau de la délivrance des dialogues que des effets latéraux. S’il n’y a pas grand-chose à redire sur la balance frontale, ce mixage parvient vraiment à immiscer le spectateur dans l’ambiance du film. Les enceintes latérales délivrent sans mal les ambiances naturelles et l’ensemble demeure harmonieux. La piste Stéréo est également de très bonne qualité et contentera ceux qui ne seraient pas équipés sur la scène arrière. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © SND / M6 Vidéo / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Les Nuits facétieuses, réalisé par Armando Crispino et Luciano Lucignani

LES NUITS FACÉTIEUSES (Le Piacevoli notti) réalisé par Armando Crispino et Luciano Lucignani, disponible en DVD et Blu-ray le 27 juin 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Vittorio Gassman, Gina Lollobrigida, Ugo Tognazzi, Adolfo Celi, Maria Grazia Buccella, Eros Pagni, Gigi Proietti, Carmen Scarpitta, Hélène Chanel, Luigi Vannucchi, Omero Antonutti, Paolo Bonacelli…

Scénario : Sandro Continenza, Steno

Photographie : Leonida Barboni, Erico Menczer, Gábor Pogány

Musique : Gino Marinuzzi Jr.

Durée : 1h52

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

Trois épisodes érotiques inspirés des « Nouvelles des Nuits facétieuses » écrites par Giovanni Francesco Straparola au cours des années 1550. Dans le premier épisode un noble devient l’amant d’une femme emprisonnée ; dans le second, un faux pape encourage les rêves érotiques d’une jeune fille et dans le dernier, lors d’une blague entre amis, une fausse Lucrèce Borgia est découverte dans une position amoureuse ambiguë avec un peintre au service d’un faux duc d’Este.

Dans les années 1960, l’époque du Moyen Âge a souvent inspiré la comédie italienne. En 1966 et 1970, Mario Monicelli signe L’Armée Brancaleone et sa suite Brancaleone s’en va-t-aux croisades, Ettore Scola de son côté met en scène Belfagor le Magnifique en 1966. Le film qui nous intéresse, Les Nuits facétieuses – Le Piacevoli notti a lui aussi été réalisé en 1966. Le point commun de tous ces longs métrages est d’avoir l’immense Vittorio Gassman pour tête d’affiche. Trois de ces titres sont donc sortis la même année avec la star italienne qui surfait alors sur le même registre en attirant des millions de spectateurs dans les salles.

Les Nuits facétieuses ressemble à un film à sketches, même s’il s’agit plutôt d’un passage de relais entre les comédiens d’une partie à l’autre. La première se focalise sur Ugo Tognazzi, la seconde sur Vittorio Gassman qui sert d’introduction au segment centré sur Gina Lollobrigida, avant de revenir à Vittorio Gassman à nouveau. Oeuvre inégale, Les Nuits facétieuses vaut comme bien souvent pour le jeu survolté et inspiré de ces trois monstres, même si la partie avec la voluptueuse Gina demeure la plus faible du lot. Le point de départ est pourtant très drôle : Domicilla est une jeune femme délaissée toutes les nuits par son mari scientifique qui préfère observer les étoiles plutôt que les formes de sa douce moitié. Alors qu’il rejoint le bercail au petit matin, le mari (Adolfo Celi) observe sa compagne plongée dans quelques rêves érotiques. Jusqu’au jour où ses songes semblent devenir réels. En fait, quelques soldats d’une garnison voisine profitent de l’absence de l’époux pour s’infiltrer dans la chambre de Domicilla, tout en lui faisant croire qu’il s’agit d’un rêve. Ainsi elle n’a pas à se soucier de son infidélité. Le problème avec ce genre de segments est souvent leur durée. Les deux réalisateurs, Armando Crispino et Luciano Lucignani auraient gagné à l’écourter afin d’obtenir quelques effets plus directs et percutants. Cette partie s’éternise quelque peu, créant un ventre mou entre les deux autres, par ailleurs excellentes.

On rit, on jubile de voir Ugo Tognazzi convoiter une jeune femme mariée à un vieil homme jaloux qui la séquestre, ou bien encore Vittorio Gassman en roi de la blague, qui à la suite d’un pari avec ses amis – il ne doit pas tomber dans un de leurs canulars – commence à se méfier de tout et de tout le monde. Si le film demeure on ne peut plus classique dans sa mise en scène, il serait injuste de bouder son plaisir.

Ugo Tognazzi et Vittorio Gassman sont en pleine Commedia dell’arte et se livrent à de nombreuses pitreries dont ils avaient le secret. Souvent sur le fil entre le grotesque et le pathétique, ils interprètent des personnages hors norme et toujours attachants car avant tout humains, fourbes, obsédés sexuels et bons vivants. Tourné dans les magnifiques paysages naturels de la Toscane, Les Nuits facétieuses, farce médiévale inédite en France, divertit avec son ton gentiment grivois, jamais vulgaire, mais avec un soupçon d’érotisme combiné avec des plaisanteries bon enfant et une reconstitution soignée. Cela pourrait être anecdotique, mais le fait est que Les Nuits facétieuses est porté par des acteurs de génie qui étaient capables d’élever même le film le plus anodin.

LE DVD

Le DVD des Les Nuits facétieuses est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette montre très légèrement Vittorio Gassman et joue étrangement sur la sensualité de la méconnue Maria Grazia Buccella. Le verso montre tous les titres déjà ou bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet. Aucun chapitrage.

Nous rappelons que cette collection sortira dans les bacs en trois vagues. La première, celle déjà chroniquée dans nos colonnes, est sortie le 28 mars 2017 : Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). La seconde vague, celle que nous explorons ici, est sortie au mois de juin et nous trouvons les titres suivants : Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Le Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). Il faudra attendre le mois de septembre pour compléter sa collection avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

Durant son excellente intervention, l’historien du cinéma Stéphane Roux (14’30) replace Les Nuits facétieuses dans le contexte du cinéma italien, en indiquant que le film a souffert à sa sortie de la comparaison avec L’Armée Brancaleone, malgré un beau succès dans les salles. Stéphane Roux est aussi critique avec le film, qu’il considère sans surprise et en indiquant également que les histoires manquent d’originalité. Enfin, l’historien passe en revue le casting et se penche sur la carrière des scénaristes et des réalisateurs.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Jusqu’alors inédit en DVD et remasterisé, Les Nuits facétieuses de Mario Monicelli bénéficie d’un beau transfert avec un grain naturel très bien géré, y compris sur les séquences sombres, même si les noirs paraissent bouchés. La définition est équilibrée malgré un générique marqué par quelques fourmillements et des couleurs fanées. Le master trouve un équilibre fort convenable tout de suite après. Les beaux partis pris esthétiques sont savamment pris en charge et restitués. Les contrastes sont plutôt bien appuyés, la copie affiche une propreté ainsi qu’une stabilité rarement prises en défaut et les séquences diurnes sont lumineuses à souhait.

Le film est proposé en langue italienne uniquement. La piste Dolby Digital 2.0 également restaurée offre un parfait rendu des dialogues, très dynamiques, et de la musique. Aucun souffle constaté. Le niveau de détails est évident et les sons annexes sont extrêmement limpides. Notons également les problèmes au niveau des retranscriptions des « oe » (« coeur » apparaît « ceur »). les sous-titres français sont imposés sur un lecteur de salon.

Crédits images : © R.T.I. S.P.A. / ESC Editions / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Histoire d’aimer, réalisé par Marcello Fondato

HISTOIRE D’AIMER (A mezzanotte va la ronda del piacere) réalisé par Marcello Fondato, disponible en DVD le 27 juin 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Claudia Cardinale, Vittorio Gassman, Monica Vitti, Giancarlo Giannini, Antonella Dogan, Renato Pozzetto, Giovanna Gentile, Paola Maiolini…

Scénario : Marcello Fondato, Francesco Scardamaglia

Photographie : Pasqualino De Santis

Musique : Guido De Angelis, Maurizio De Angelis

Durée : 1h40

Date de sortie initiale : 1975

LE FILM

Gabriella Sansoni est une femme au caractère effacé, menant une vie monotone. Son mari, Andrea, ne lui prête aucune attention, totalement accaparé par son travail. Ce rythme est rompu par la convocation de Gabriella comme jurée. Elle doit siéger au procès d’une jeune femme, Tina, accusée d’avoir tué son mari, Gino. L’accusée est en prison depuis trois ans…

Dans les années 1970, une dizaine de grands noms font les beaux jours du cinéma italien avec les comédies de Dino Risi, Luigi Comencini, Ettore Scola, Mario Monicelli et consorts. Souvent, il n’est pas rare de retrouver le même acteur ou la même actrice à l’affiche de plusieurs films la même année. Mais l’une des spécialités italiennes était également d’associer plusieurs comédiens afin de mieux attirer l’audience dans les salles. C’est le cas d’Histoire d’aimer, titre français d’A mezzanotte va la ronda del piacere, réalisé par Marcello Fondato (1924-2008) en 1975, qui réunit à l’écran Monica Vitti, Claudia Cardinale, Giancarlo Giannini et Vittorio Gassman ! Une sacrée belle affiche pour un film somme toute banal et qui ne vaut vraiment que pour ses acteurs.

Pour Andrea (Vittorio Gassman), brillant ingénieur, le couple parfait est un homme qui décide et une femme qui exécute docilement. Mais bientôt sa femme Gabriella (Claudia Cardinale) est requise comme jurée au procès d’une jeune femme, Tina (Monica Vitti), accusée du meurtre de son mari Gino (Giancarlo Giannini) après qu’une de leurs disputes quotidiennes ait cette fois mal tourné. Il faut dire que Gino, quasi-clochard et obsédé sexuel, saute sur tout ce qui bouge et n’hésite pas à mettre quelques claques à Tina si celle-ci fait part de son mécontentement. Même s’ils ont de drôles de manières de se le dire, Tina et Gino s’aiment. Seule femme dans le jury, Gabriella croit en l’innocence de Tina. Parallèlement, elle prend conscience de sa position au sein de son propre couple, ce qui éveille en elle le désir de s’émanciper et de tenir tête à Andrea, qui se sert d’elle pour de basses besognes, comme répondeur téléphonique afin de filtrer les appels d’organismes à qui il doit beaucoup d’argent.

En plein âge d’or, le cinéma italien enchaîne les tournages. Soyons honnêtes, le film ne bénéficierait pas d’un tel casting, Histoire d’aimer serait probablement tombé dans le tout-venant avec son intrigue qui fait du sur-place, ainsi que son manque de rythme et de surprises qui a souvent raison de notre patience. L’exceptionnel quatuor de stars assure évidemment le spectacle, notamment Monica Vitti, qui présente sa défense du début à la fin et dont le témoignage s’imbrique à travers quelques flashbacks. Ainsi, plongé dans son passé, le personnage s’adresse parfois directement à la caméra comme si Tina regardait le juge au moment où elle relate ces faits. Le gros problème d’Histoire d’aimer est surtout sa mise en scène très paresseuse. On ne peut pas dire que Marcello Fondato ait vraiment marqué le cinéma italien, même s’il avait démarré sa carrière aux côtés de Luigi Comencini et de Mario Bava et si ses films avaient un grand succès à l’instar de Nini Tirebouchon avec Monica Vitti (dont les caprices n’ont eu de cesse de pousser à bout le cinéaste au fil de leurs tournages successifs) ou Attention, on va s’fâcher ! avec le duo mythique Terence Hill et Bud Spencer. Marcello Fondato passera le reste de sa carrière à écrire quelques Bud Spencer movies aux titres amusants, Mon nom est Bulldozer, Le Shérif et les Extra-Terrestres, Faut pas pousser, Capitaine Malabar dit La Bombe.

Même si Histoire d’aimer se penche parfois sur les violences conjugales (Monica Vitti se prend des dizaines de baffes, mais c’est supposé faire rire), le ton est trop léger et le récit répétitif. Cette comédie vaut donc pour le cabotinage de Vittorio Gassman et de Giancarlo Giannini, la beauté et la sensibilité de Monica Vitti et de Claudia Cardinale, ainsi que pour le génie de ces quatre monstres du cinéma.

LE DVD

Le DVD d’Histoire d’aimer est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette centrée sur Giancarlo Giannini et Monica Vitti est très attractive et le verso montre tous les titres déjà ou bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet. Aucun chapitrage. La jaquette indique que le film n’est jamais sorti en France, ce qui est faux. Histoire d’aimer a bien été exploité dans les salles hexagonales et sorti le 6 avril 1977.

Le fidèle Stéphane Roux présente une fois de plus le film qui nous intéresse (9’). Grand spécialiste du cinéma italien, l’historien ne manque pas d’informations concernant la production d’Histoire d’aimer et raconte entre autres le calvaire enduré par le réalisateur Marcello Fondato en raison des caprices de Monica Vitti. Si cette dernière était très amie avec Claudia Cardinale, cela n’empêchait visiblement pas la comédienne de vouloir tirer la couverture, se renseignant par exemple sur le costume de sa partenaire, afin de mieux choisir le sien pour attirer les regards. Stéphane Roux évoque quelques situations houleuses, notamment Vittorio Gassman, pour qui le rôle de Gino avait été écrit, qui a tout simplement refusé de donner la réplique à Monica Vitti suite à un précédent tournage qui s’était avéré désastreux. Les rôles ont donc été inversés avec son partenaire Giancarlo Giannini.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Aïe, aïe, aïe…Alors…si la copie s’avère propre et stable, ce master s’avère complètement usé du point de vue des contrastes et des couleurs. La copie demeure terne du début à la fin, l’image est bien trop sombre, la définition ne trouve jamais d’équilibre, les flous ne sont pas rares, la gestion du grain est aléatoire et le piqué est sans cesse émoussé. En 2005, Histoire d’aimer avait été édité en DVD chez Seven7 Editions, mais ne proposait le film qu’en version française. Si nous pouvons enfin bénéficier de la piste italienne, force est de constater que le master semble avoir été dégoté dans un tréfonds de catalogue. Seules les poussières ont été éradiquées et rien ne nous permet d’apprécier les partis pris du grand chef opérateur Pasqualino De Santis, illustre directeur de la photographie à qui l’on doit les images inoubliables de Mort à Venise, Les Damnés, Une journée particulière ou bien encore L’Innocent. Quant au reste, le cinéphile devra faire preuve de beaucoup d’indulgence.

En italien comme en français, les pistes mono 2.0 s’avèrent plutôt bien nettoyées et offrent des conditions acoustiques suffisantes. Notons l’absence de souffle intempestif, mais la musique apparaît vacillante, les voix demeurent un peu sourdes et les saturations inévitables sur les dialogues plus poussés. Bien que le doublage soit assez réussi (Dominique Paturel prête sa voix à Vittorio Gassman), rien ne remplace le timbre original et si particulier de Monica Vitti. Signalons également un problème récurrent chez l’éditeur concernant les sous-titres. Tous les mots comprenant les lettres « œ » ne semblent pas être pris en compte. Ainsi « soeur » apparaît « sur », « coeur » devient « cur », etc…Enfin, la traduction laisse à désirer puisque les sous-titres suivent la version française, qui prend souvent de grandes libertés avec le récit, et non pas les dialogues originaux !

Test DVD / Dans la forêt, réalisé par Gilles Marchand

DANS LA FORÊT réalisé par Gilles Marchand, disponible en DVD le 20 juin 2017 chez Pyramide Vidéo

Acteurs : Jérémie Elkaïm, Timothé Vom Dorp, Théo Van de Voorde, Mika Zimmerman, Sophie Quinton, Mireille Perrier…

Scénario : Gilles Marchand, Dominik Moll

Photographie : Jeanne Lapoirie

Musique : Philippe Schoeller

Durée : 1h39

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Tom et son grand frère Benjamin partent en Suède retrouver leur père pour les vacances d’été. Tom appréhende les retrouvailles avec cet homme étrange et solitaire. Le père, lui, semble convaincu que Tom a le don de voir des choses que les autres ne voient pas. Quand il leur propose d’aller vers le Nord pour passer quelques jours dans une cabane au bord d’un lac, les enfants sont ravis. Mais l’endroit est très isolé, au milieu d’une immense forêt qui exacerbe les peurs de Tom. Et plus les jours passent, moins le père semble envisager leur retour…

Gilles Marchand est avant tout scénariste. Il y a vingt ans, il signe Les Sanguinaires et Ressources humaines (1999) de Laurent Cantet. En 2000, il fait aussi une rencontre déterminante avec le réalisateur Dominik Moll pour lequel il écrit le scénario de Harry, un ami qui vous veut du bien, grand succès public et critique dans le monde entier. Tout en continuant sa collaboration avec divers metteurs en scène, tels que Jean-Paul Rappeneau pour Bon voyage et Cédric Kahn pour Feux rouges, Gilles Marchand passe lui-même derrière la caméra pour son premier long métrage, Qui a tué Bambi ? (2003), avec Laurent Lucas et Sophie Quinton. Il faudra attendre 2010 pour découvrir son deuxième film, L’Autre monde, très bon thriller à la frontière du fantastique, coécrit avec Dominik Moll, avec au casting Louise Bourgoin, Melvil Poupaud, Grégoire Leprince-Ringuet et Pauline Etienne. Malheureusement, même si très réussi, L’Autre monde ne remporte aucun succès dans les salles. Coauteur de Main dans la main et de Marguerite et Julien de Valérie Donzelli, Gilles Marchand revient avec son troisième long métrage, Dans la forêt, coproduit par la réalisatrice de La Guerre est déclarée et par Jérémie Elkaïm, tandis que Dominik Moll coécrit le scénario une fois de plus.

Tom, 8 ans, sent une présence maléfique. Son frère Benjamin, 11 ans, ne le croit pas. Ensemble, ils doivent rejoindre en Suède leur père qu’ils n’ont pas beaucoup vu depuis qu’il a divorcé de leur mère. Insomniaque, celui-ci leur propose de partir en excursion en forêt. Il veut se rendre dans une maison perdue dans les bois. D’emblée, les enfants ne se sentent pas bien et sont de plus en plus effrayés par le comportement étrange de leur père. Quand ils lui demandent de s’en aller, celui-ci voit rouge et jette au feu le téléphone de Benjamin. Il sait que Tom a un don et qu’il perçoit des choses invisibles pour le commun des mortels.

C’est une claque comme il en arrive rarement dans le film de genre français. Dans la forêt joue avec les peurs liées à l’enfance, celles du croquemitaine, comme une version moderne du Petit Poucet, mais pas seulement. Film à la croisée de genres, drame psychologique imprégné d’une aura fantastique, Dans la forêt ne cesse de faire perdre ses repères aux spectateurs, comme à ses jeunes personnages, afin de mieux les plonger dans un univers étouffant et angoissant, à l’instar de cette forêt pourtant sublime qui se referme progressivement sur ses protagonistes de façon angoissante. Inspiré des propres souvenirs d’enfance du cinéaste, liés à de nombreux voyages faits avec son frère pour rejoindre leur père dans un pays étranger, Dans la forêt peut également se lire comme une relecture de La Nuit du chasseur et surtout de Shining avec ce petit garçon – Timothé Vom Dorp vu dans Le Fils de Jean de Philippe Lioret et Ce sentiment de l’été de Mikhaël Hers, incroyable de justesse – qui aurait un don de médium. Comme il l’indique à un psy pour enfants, Tom a « peur de comment ça va se passer » chez son père en Suède. Et il s’agit plus d’un pressentiment que d’une appréhension. Le récit se déroule ensuite lentement, à hauteur d’enfant, où chaque plan, chaque cadre ne cesse d’engloutir le spectateur, sans oublier la beauté de la photographie de Jeanne Lapoirie (8 femmes, Michael Kohlhaas) et la composition de Philippe Schoeller. De plus, Gilles Marchand offre son meilleur rôle à Jérémie Elkaïm. Habituellement monocorde et peu expressif, le comédien est ici incroyablement inquiétant, impressionnant et ambigu. Chaque regard noir ou chaque réplique glaciale font ici l’effet d’une guillotine, tandis qu’une menace semble se rapprocher des enfants et de Tom en particulier. Mais d’ailleurs d’où vient-elle ? Et quel est ce monstre étrange que seul Tom semble apercevoir ? Est-ce juste le fruit de son imagination ? Que veut réellement le père ?

Des questions, on s’en pose beaucoup tout au long du film. Félicitons Gilles Marchand, metteur en scène décidément trop rare, de ne pas y répondre et surtout de laisser son audience se faire sa propre interprétation. Dans la forêt est une œuvre à connaître absolument et gageons qu’un excellent bouche-à-oreille entre cinéphiles lui offrira une seconde vie. Ce qu’il mérite amplement.

LE DVD

Le test du DVD de Dans la forêt, disponible chez Pyramide Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical et le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film.

Dommage de ne pas trouver de making of dans la section des suppléments, tout comme de commentaire audio. Car l’interview scindée en quatre chapitres (42’ au total) de Jérémie Elkaïm et de Gilles Marchand s’avère absolument riche et passionnante. L’acteur et producteur d’un côté (du canapé), le scénariste et metteur en scène de l’autre, reviennent sur la genèse de Dans la forêt, l’écriture du scénario avec Dominik Moll, les thèmes, la part de mystère dans le film, le point de vue des enfants, le casting, les repérages et les lieux de tournage, le travail avec la directrice de la photo Jeanne Lapoirie, la création du monstre et enfin le rapport avec le spectateur. Si comme nous, vous avez adoré Dans la forêt, ne manquez pas cet entretien, également illustré par des photos de tournage et des images provenant des essais en vidéo des deux jeunes comédiens.

La bande-annonce du film est également au programme.

L’Image et le son

Compte tenu de son inadmissible échec dans les salles, Dans la forêt ne dispose pas d’une édition HD. Heureusement le DVD est de fort bonne qualité et permet d’admirer le travail de la directrice de la photographie, Jeanne Lapoirie, avec sa belle luminosité, des couleurs superbes et ses contrastes duveteux toujours plaisants sur toutes les scènes en forêt. Si les séquences sombres dénotent par rapport au reste avec un léger fléchissement de la définition, des noirs tirant sur le bleu et un piqué plus émoussé, les scènes diurnes sont agréables avec des détails plus ciselés sur le cadre large, une profondeur de champ appréciable, un léger grain et des visages plus précis.

Le mixage Dolby Digital 5.1 est très souvent bluffant. Le spectateur est happé dans cette étrange forêt aux côtés des personnages, grâce au soutien constant des enceintes latérales qui environnent l’audience avec de multiples ambiances naturelles. Les voix sont solidement ancrées sur la centrale, la balance frontale est dynamique. D’une précision sans faille, dense, dynamique, le confort acoustique est largement assuré. La Stéréo est par définition frontale, mais de fort bon acabit. Les sous-titres français pour les spectateurs sourds et malentendants sont également disponibles.

Test DVD / Le Canard à l’orange, réalisé par Luciano Salce

LE CANARD À L’ORANGE (L’anatra all’arancia) réalisé par Luciano Salce, disponible en Blu-ray et DVD le 27 juin 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Ugo Tognazzi, Monica Vitti, Barbara Bouchet, John Richardson, Sabina De Guida, Antonio Allocca…

Scénario : Marc-Gilbert Sauvajon, Bernardino Zapponi d’après la pièce de William-Douglas Home

Photographie : Franco Di Giacomo

Musique : Armando Trovajoli

Durée : 1h45

Date de sortie initiale : 1975

LE FILM

Mariés depuis 10 ans, Lisa et Livio, riches et célèbres, s’aiment et habitent une belle villa au bord de la mer. Au cours d’une conversation, Livio apprend par hasard que Lisa l’aurait trompé avec un playboy milliardaire et cette nouvelle le frappe de plein fouet. Livio désire cependant passer pour un mari moderne et libéré et invite son rival à passer un week-end chez eux. Pour susciter la jalousie de Lisa, il propose à sa jolie secrétaire de se joindre à eux…

L’immense Monica Vitti a eu une autre carrière à côté des films, pour ne pas dire chefs d’oeuvres de Michelangelo Antonioni, L’Avventura (1960), La Nuit (1961), L’Eclipse (1962) et Le Désert rouge (1964). Si elle demeure très célèbre auprès des cinéphiles pour cette association, la comédienne a également fait les beaux jours de la comédie en Italie dès la fin des années 1960. Citons pêle-mêle La Femme écarlate de Jean Valère, Drame de la jalousie d’Ettore Scola, Super témoin de Franco Giraldi, ou bien encore Moi, la femme de Dino Risi dans lequel elle interprète une douzaine de personnages différents dans autant de sketches. Le Canard à l’orange – L’Anatra all’arancia, pour lequel l’actrice a reçu le David di Donatello de la meilleure actrice ainsi que le Ruban d’argent, est réalisé en 1975 par Luciano Salce (1922-1989). Cinéaste aujourd’hui oublié par la critique et les spectateurs, ses comédies ont pourtant attiré un large public pendant près de 35 ans. Luciano Salce a surtout oeuvré avec son grand ami Ugo Tognazzi pour Mission ultra-secrète, Elle est terrible et Les Heures de l’amour, pour ne citer que trois de leurs collaborations, bien que ces films n’aient guère laissé de souvenirs. En revanche, Le Canard à l’orange reste un film culte.

Le long métrage de Luciano Salce est l’adaptation de la pièce de théâtre originale de William Douglas Home, The Secretary Bird, créée en 1967 et très vite transposée dans le monde entier, y compris en France où elle fut jouée par Jean Poiret à la fin des années 1970, sous la direction de Pierre Mondy. Véritable vaudeville, Le Canard à l’orange est du pain béni pour les deux monstres du cinéma transalpin, Monica Vitti et Ugo Tognazzi. Vraisemblablement en parfaite osmose, le couple se renvoie la balle avec virtuosité pendant 1h45, ne laissant pas un moment au spectateur pour souffler. Par ailleurs, s’il n’a jamais brillé pour son sens de la mise en scène, Luciano Salce est bien obligé de suivre le rythme infernal des réparties lancées par son duo vedette, véritables typhons humains, qui non seulement amusent les spectateurs du début à la fin, mais prennent également un évident et contagieux plaisir à jouer cette partition.

Livio Stefani, riche publiciste d’une quarantaine d’années, vit depuis dix ans un bonheur parfait avec sa femme Lisa, même si cela ne l’empêche pas d’avoir quelques aventures à droite à gauche. Cependant, quand il apprend que Lisa en fait de même de son côté et se serait même entiché d’un français plein aux as, Livio voit rouge, mais tente de se contenir. Alors que Lisa annonce partir en weekend avec « Jean-Claude », Livio réplique en disant qu’il vit la même chose avec sa secrétaire Lisa, qui ne brille guère par son intelligence, mais qui a « les plus belles fesses qu’il a pu voir dans sa vie ». C’est alors que Livio propose à Lisa d’inviter leurs amants respectifs afin de passer un bon week-end. Ceux-ci ne tardent pas à arriver.

Evidemment, Le Canard à l’orange est un vrai marivaudage, fait de portes qu’on ouvre et que l’on ferme, de répliques vachardes aux sous-entendus grivois. Le film montre un couple qui s’aime et qui continue de s’aimer, mais qui a peut-être oublié la façon de se le dire ou de le faire comprendre. Ils se prêtent alors à un jeu qui peut paraître dangereux, mais on comprend très vite que la flamme est bel et bien encore présente et que tout est fait pour rendre l’autre jaloux. La maîtresse, Patty, est interprétée par la sculpturale Barbara Bouchet, une fois de plus peu avare de ses charmes qu’elle expose à de nombreuses reprises. La séquence de la piqûre d’abeille est l’une des plus drôles du film et on ne se lasse pas de regarder Monica Vitti passer de la crème hydratante sur les fesses de l’actrice, après que cette dernière se soit fait martyriser avec une pince à épiler. Le playboy français est quant à lui incarné par John Richardson, vu dans Le masque du démon de Mario Bava et Torso de Sergio Martino.

Ce quatuor s’en donne à coeur joie. Le Canard à l’orange est une grande comédie, simple, mais redoutablement efficace, que l’on regarde autant pour passer un très bon moment et que pour admirer le talent de ses comédiens.

LE DVD

Le DVD du Canard à l’orange est disponible chez ESC Editions, dans la collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits sont même proposés en Haute-Définition ! La jaquette centrée sur la divine Monica Vitti est très attractive et le verso montre tous les titres déjà ou bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet.

Pour information, cette collection sortira dans les bacs en trois vagues. La première, celle déjà chroniquée dans nos colonnes, est sortie le 28 mars 2017 : Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). La seconde vague, celle que nous explorons ici, est sortie au mois de juin et nous trouvons les titres suivants : Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Le Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). Il faudra attendre le mois de septembre pour compléter sa collection avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

A l’instar des autres titres de la collection, ESC Editions propose une présentation du Canard à l’orange par Stéphane Roux, historien du cinéma (10’). Notre interlocuteur s’intéresse surtout à la pièce de théâtre à l’origine du film, mais aussi et surtout au réalisateur et à ses comédiens. On y apprend entre autres que Dino Risi a longtemps été attaché au projet avec les comédiens George Segal et Monica Vitti dans les rôles principaux, avant que le cinéaste abandonne finalement le projet. Seule la comédienne est restée à bord. Stéphane Roux défend également Luciano Salce, metteur en scène méconnu, touche à tout, qui a rencontré de grands succès dans le registre de la comédie populaire. Plus amusant, l’historien du cinéma ne peut cacher son admiration pour la sublime Barbara Bouchet et prend son temps d’évoquer sa carrière.

L’interactivité se clôt sur une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro.

L’Image et le son

Jusqu’alors inédit en DVD, Le Canard à l’orange bénéficie d’une image médiocre, comme si le master avait été sauvé à temps. Ce sont surtout les premières séquences qui font peur avec un générique marqué par des griffures, des couleurs ternes, des tâches et points. Heureusement, la plupart de ces défauts tendent à se faire plus discrets, à moins que nos yeux s’y habituent, mais l’image demeure tout de même aléatoire. La clarté est évidente, mais les visages tirent parfois sur le rose-orangé. Quelques moirages s’invitent à la partie, un bruit vidéo reste présent et la définition peine à trouver un équilibre. Le grain original est présent, mais les contrastes manquent de densité. Il faut donc faire preuve de beaucoup d’indulgence, car ESC Editions a sûrement fait son possible pour nous proposer cette comédie aussi rare que très réussie, afin de satisfaire au mieux les cinéphiles.

La bande-son et les dialogues du Canard à l’orange, proposés en Dolby Digital 2.0, manquent parfois de naturel. Les effets sonores sont discrets et l’ensemble de ce mixage repose avant toute chose sur les très nombreux dialogues du film. Une petite résonance se fait entendre tout comme de légères saturations. En revanche, ce mixage ne manque pas d’ardeur et les quelques accrocs constatés ont tendance à s’amenuiser au fil du film. Les voix y sont beaucoup plus posées et claires, tandis que la musique (qui connaît quelques fluctuations) est bien mise en valeur par de belles envolées. Notons que les sous-titres s’avèrent verrouillés sur un lecteur de salon, mais pas sur un PC. Signalons également que ces sous-titres sont placés trop hauts et que la police épaisse gâche souvent le visionnage.