Test DVD / Comment j’ai rencontré mon père, réalisé par Maxime Motte

COMMENT J’AI RENCONTRÉ MON PÈRE réalisé par Maxime Motte, disponible en DVD chez M6 Vidéo le 11 octobre 2017

Acteurs : François-Xavier Demaison, Isabelle Carré, Albert Delpy, Diouc Koma, Owen Kanga, Robert Lemaire…

Scénario : Maxime Motte, David Charhon

Photographie : David Chambille

Musique : Mateï Bratescot

Durée : 1h22

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Un couple, parents adoptifs d’Enguerrand, un petit enfant africain, habite en Normandie près de la mer, non loin du lieu stratégique permettant aux clandestins de se rendre en Angleterre. Une nuit, Enguerrand croise le chemin d’un migrant, Kwabéna, à la peau noire comme la sienne. Pour lui, c’est sûr, il s’agit de son père biologique ! Il décide donc de l’héberger dans sa chambre, à la grande surprise de ses parents… De péripéties en rebondissements, l’aventure pourrait bien souder la famille comme jamais…

Mignonnet. Voilà notre ressenti à la fin de Comment j’ai rencontré mon père, premier long métrage de Maxime Motte, provenant directement de son court-métrage homonyme réalisé en 2009. Difficile de parler de la situation des migrants, réfugiés et sans papiers à travers le registre de la comédie. On ne sait pas trop quelles étaient les intentions originales du réalisateur-scénariste, mais rien n’est réaliste ici. Mieux vaut espérer que le film ait été pensé comme une fable et même un conte afin d’apprécier Comment j’ai rencontré mon père, qui s’avère un divertissement honnête.

Enguerrand, un petit garçon d’origine africaine, a été adopté par Eliott et Ava. Avec maladresse mais amour, ces derniers assument tant bien que mal leur statut de parents. De son côté, Enguerrand ne cesse de demander à voir son père biologique. Il ignore qu’il est décédé. Quand Enguerrand croise le chemin de Kwabena, un migrant, il pense avoir retrouvé son papa. Il décide donc de l’héberger dans sa chambre. Kwabena se rend rapidement compte que le petit garçon a été accueilli dans une bonne famille. La présence de l’invité-surprise va permettre à Eliott et Ava de se remettre en question.

On avait déjà pu apercevoir Maxime Motte en tant que comédien chez David Charhon dans Cyprien (du moins pour ceux qui ont eu le courage de visionner cette chose) et le grand succès De l’autre côté du périph, ainsi que dans le superbe Exercice de l’État de Pierre Schoeller. Egalement scénariste, notamment des Naufragés avec Daniel Auteuil (qu’il a coécrit avec David Charhon), Maxime Motte a donc naturellement demandé à son complice de cosigné avec lui le scénario de Comment j’ai rencontré mon père. Comme c’est souvent le cas, ce premier long métrage ne se démarque pas du tout-venant, mais repose en grande partie sur son casting et de ce point de vue-là l’excellente Isabelle Carré et François-Xavier Demaison, qui s’étaient déjà donné la réplique dans Tellement proches du duo Nakache-Toledano, accompagnés du truculent Albert Delpy assurent et se démènent pour qu’on ne s’ennuie pas. Du moins pas autant qu’on pouvait le craindre.

Le problème de Comment j’ai rencontré mon père, c’est que Maxime Motte se trouve pris au dépourvu et ne sait plus trop quoi broder autour de son court-métrage qui durait à peine dix minutes. Heureusement, l’intérêt va quand même en grandissant, jusqu’à un dernier acte qui détonne certes par rapport au reste, mais qui s’avère drôle, sans pathos, burlesque, jusqu’à une scène finale qui emporte l’adhésion et laisse une bonne impression quand le générique apparaît au bout de 80 minutes. On pense alors à Little Miss Sunshine, qui a inspiré moult « feel good movies » depuis sa sortie en 2006, même si le film de Maxime Motte reste bien trop modeste et enfermé dans un carcan typique du cinéma français. Un cinéma qui souhaite parler de choses graves ou importantes à travers l’humour, mais qui tombe finalement dans le piège, celui d’avoir peur de ne pas parvenir à divertir l’audience et qui préfère donc miser sur quelques gags même éculés.

La mise en scène fonctionnelle, aidée par une jolie photo qui met en valeur la beauté de la Côte d’Opale – d’où est originaire le metteur en scène – parvient à maintenir suffisamment l’intérêt du spectateur, ce qui est en soi un challenge que de nombreux jeunes réalisateurs français ne parviennent pas à relever et qui disparaissent quasiment du jour au lendemain. Ce qu’on ne souhaite pas à Maxime Motte, même si l’échec dans les salles de Comment j’ai rencontré mon père a été plutôt important avec à peine 50.000 entrées à sa sortie.

LE DVD

Pas de sortie HD pour Comment j’ai rencontré mon père, disponible chez M6 Vidéo, en raison du peu d’entrées réalisées dans les salles. En revanche, le visuel de l’affiche du film n’a pas été repris pour cette sortie dans les bacs. La jaquette affiche donc le couple vedette en compagnie du petit acteur, de façon beaucoup plus rapprochée que l’affiche originale, qu’on préférait largement. Le menu principal est peu recherché, standard, animé sur une séquence du film.

M6 Vidéo ne s’embête pas trop pour cette édition, qui semble avoir été réalisée à la va-vite. Deux scènes coupées (1’30 au total) montrent une sortie d’école assez amusante et la création en cachette d’un profil sur un site de rencontre entre les pensionnaires de la maison de retraite.

Le court-métrage Comment j’ai rencontré mon père (7’-2009) est également disponible. Dans un petit village de bord de mer, un petit garçon de six ans rêve de rencontrer son père biologique. David Charhon, complice de Maxime Motte, interprète le père adoptif du petit garçon.

L’interactivité se clôt sur une petite vidéo montrant le réalisateur Maxime Motte en pleine séance de coaching avec le jeune Owen Kanga (2’).

L’Image et le son

Point d’édition Blu-ray, mais un beau DVD pour Comment j’ai rencontré mon père. M6 Vidéo soigne le master avec des contrastes élégants, à part peut-être durant les séquences sombres où l’image paraît plus douce et moins affûtée, mais cela demeure franchement anecdotique. La clarté demeure frappante, le piqué est vif, les gros plans détaillés et la colorimétrie reste chatoyante, riche et bigarrée.

Le Mixage Dolby Digital 5.1 délivre de rares ambiances naturelles, à part sur les séquences de plage et l’action demeure essentiellement frontale. Les dialogues sont saisissants sur l’enceinte centrale et la balance gauche-droite dynamique, mais les latérales exsudent avec trop de parcimonie les quelques effets attendus. Seule la musique (très présente) offre un semblant de spatialisation. La piste Stéréo est de fort bon acabit et s’avère bien suffisante. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © SND/ Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Le Chanteur de Gaza, réalisé par Hany Abu-Assad

LE CHANTEUR DE GAZA (Ya tayr el tayer) réalisé par Hany Abu-Assad, disponible en DVD chez TF1 Studio le 12 septembre 2017

Acteurs : Tawfeek Barhom, Kais Attalah, Hiba Attalah, Ahmed Al Rokh, Abdel Kareem Barakeh, Nadine Labaki…

Scénario : Hany Abu-Assad, Sameh Zoabi

Photographie : Ehab Assal

Musique : Hani Asfari

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 2015

LE FILM

Un jeune Palestinien prend son destin en main pour réaliser son plus grand rêve : chanter.

Bon alors, même si Le Chanteur de Gaza demeure un film honnête et attachant, on pouvait s’attendre à mieux et surtout à plus ambitieux de la part du réalisateur néerlando-palestinien Hany Abu-Assad né à Nazareth en 1961. S’il fait aujourd’hui partie des réalisateurs contemporains importants de la Palestine, on se souvient notamment de son film le plus célèbre et controversé Paradise Now (2005) qui narrait l’histoire fictive de deux kamikazes palestiniens, depuis leurs recrutements jusqu’à l’attentat suicide à Tel Aviv, Hany Abu-Assad revient avec un film (trop) modeste sur la forme. Centré sur le véritable récit de Mohammad Assaf, chanteur palestinien qui à 23 ans a remporté le premier titre de la deuxième saison du programme de téléréalité Arab Idol en 2013, Le Chanteur de Gaza ne laisse évidemment pas indifférent par son sujet, mais déçoit par sa mise en scène scolaire et son montage franchement rudimentaire, même s’il s’agit du premier film tourné – limité à deux jours de tournage par les autorités israéliennes – dans la bande de Gaza depuis plus de 20 ans.

Elevé dans un camp de réfugiés à Gaza, le jeune Mohammed Assaf est passionné par le charme de la musique depuis son enfance lorsqu’il chantait déjà dans les mariages ou autres réceptions privées. Mais aujourd’hui âgé de vingt-cinq ans, le jeune homme ambitieux souhaite plus que tout réussir à concrétiser son plus grand rêve : devenir un grand chanteur. Aussi décide-t-il de voyager de la bande de Gaza jusqu’en Egypte afin de participer à l’émission télévisée « Arab Idol ». Sans passeport, il parvient à passer la frontière au cours d’un dangereux périple et à atteindre l’hôtel où se déroulent les auditions.

Paradise Now était le premier film palestinien à remporter le Golden Globe du meilleur film en langue étrangère, ainsi que le premier film représentant la Palestine à être nommé à l’Oscar dans la même catégorie. Autant dire que Le Chanteur de Gaza ne joue pas dans la même catégorie et que le metteur en scène Hany Abu-Assad semble ici peu inspiré, probablement confiant dans un sujet qu’il sait fort, engagé et à portée universelle. Largement inspiré par le Slumdog Millionaire de Danny Boyle et Loveleen Tandan, sans la frénésie et la virtuosité, ce film se contente la plupart du temps d’enchaîner les « passages obligés » d’un biopic, autrement dit l’enfance de Mohammad Assaf aux côtés de sa fratrie dans un camp de réfugiés, ses premiers cours de chant et prestations lors de mariages, ses progrès, le trauma qui sera à l’origine de son envie de chanter devant le monde entier (la perte de sa petite sœur), ses doutes, son succès, son triomphe international. Une aura importante qui lui permettra d’être nommé ambassadeur de bonne volonté pour la paix par l’Office de secours et de travaux des Nations unies pour les réfugiés de Palestine dans le Proche-Orient, ainsi qu’ambassadeur de la culture et des arts par le gouvernement palestinien.

Le Chanteur de Gaza est un « joli » film, mais il est dommage d’avoir confié le rôle de Mohammad Assaf (dans sa partie jeune adulte) au jeune comédien Tawfeek Barhom, peu convaincant, et que cette success story courageuse et optimiste tire un peu trop sur la corde sensible, ce dont elle pouvait aisément se passer.

LE DVD

Le test du DVD du Chanteur de Gaza, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément sur cette édition et pas d’édition HD pour ce titre.

L’Image et le son

Hany Abu-Assad peut compter sur TF1 Studio pour le service après-vente du Chanteur de Gaza. En effet, l’éditeur livre un très beau master aux contrastes solides et à la luminosité constante. Le piqué est fort agréable, les ambiances diurnes chatoyantes, la colorimétrie est vive et saturée, et le relief probant aux quatre coins du cadre large. Seuls quelques petits fourmillements sur les arrière-plans viennent ternir quelque peu le visionnage, mais rien de bien méchant.

Seule la version originale est disponible en Stéréo et DD 5.1. Cette dernière piste aurait mérité d’être un peu plus dynamique, mais les latérales distillent quelques petites ambiances musicales et naturelles avec suffisamment de punch. Les dialogues sont précis, dynamiques, la balance frontale équilibrée et le caisson de basses accompagne doucement l’ensemble. La version Stéréo remplit aisément son contrat grâce à une réelle homogénéité entre les dialogues, la musique et les effets annexes. Les sous-titres sont incrustés directement sur l’image.

Crédits images : © La Belle Company / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD, Visages, villages, réalisé par Agnès Varda et JR

VISAGES, VILLAGES réalisé par Agnès Varda et JR, disponible en DVD et Blu-ray le 22 novembre 2017 chez Le Pacte

Avec : Agnès Varda et JR

Musique : Matthieu Chedid

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Agnès Varda et JR ont des points communs : passion et questionnement sur les images en général et plus précisément sur les lieux et les dispositifs pour les montrer, les partager, les exposer. Agnès a choisi le cinéma. JR a choisi de créer des galeries de photographies en plein air. Quand Agnès et JR se sont rencontrés en 2015, ils ont aussitôt eu envie de travailler ensemble, tourner un film en France, loin des villes, en voyage avec le camion photographique (et magique) de JR. Hasard des rencontres ou projets préparés, ils sont allés vers les autres, les ont écoutés, photographiés et parfois affichés. Le film raconte aussi l’histoire de leur amitié qui a grandi au cours du tournage, entre surprises et taquineries, en se riant des différences.

55 ans les séparent. Pourtant, JR, artiste contemporain né en 1983, spécialisé dans la technique du collage photographique et Agnès Varda, réalisatrice, photographe et plasticienne née en 1928 se ressemblent énormément et sont constamment inspirés par les gens. Ceux dont ils capturent les visages, les gestes, parfois avortés, les héros du quotidien. JR et Agnès Varda décident de sillonner les routes de France à bord de la camionnette-studio du street-artist. Ils désirent aller à la rencontre des gens, leur parler, les photographier, développer les photos et les afficher en grand dans leurs lieux de vie. JR et Varda croisent des ouvriers, des agriculteurs, une serveuse. Agnès Varda voudrait également que JR montre enfin ses yeux, toujours dissimulés derrière des lunettes noires.

Si Agnès Varda a imprimé sur pellicule les yeux et les rides de comédiens professionnels comme ceux des petites gens dans ses documentaires, JR a fait de même avec du papier collé sur des châteaux d’eau, des wagons, des façades vierges, des portes et des escaliers du monde entier. Amoureux de la vie et débordant d’énergie, même si la grande petite dame du cinéma français qui avoisine les 90 ans trottine plus qu’elle ne marche aujourd’hui, les deux complices font preuve d’une réelle alchimie tant dans leur démarche artistique que dans la vie de tous les jours, JR apparaissant finalement comme le petit-fils spirituel de la cinéaste.

« L’art est public » pourrait-on dire en visionnant Visages, villages, bien plus attachant et surtout plus intéressant que les deux derniers longs métrages de Raymond Depardon, Journal de France (2012) et Les Habitants (2016), qui se regardaient filmer en se reposant sur ses lauriers. On peut reprocher à Visages, villages son côté mis en scène, son manque de spontanéité, des propos trop écrits et mollement récités par JR en postsynchronisation, finalement bien plus à l’aise quand il entreprend de coller lui-même des poissons géants en haut d’un échafaudage, sans oublier l’aspect énervant quand Agnès Varda et son acolyte en font trop dans l’émotion que l’on sent factice, gros soucis du dernier acte? Pourtant, le charme n’a de cesse d’agir. Visages, villages, « collage » et road-trip né de la rencontre entre Agnès Varda et JR organisée par Rosalie Varda, la fille de la réalisatrice, emmène JR en territoire inconnu, la campagne française, lui qui oeuvre principalement dans l’environnement urbain. Deux univers opposés, même si Agnès Varda a souvent filmé la ville, ses rues et leurs surprises (Cléo de 5 à 7, Daguerréotypes, Les Dites cariatides), se confrontent, dialoguent et s’apprivoisent immédiatement grâce au même amour pour les gens qu’ils croisent sur la route et sur certains chemins perdus.

Agnès Varda et JR atterrissent donc dans des endroits reculés, tandis que la camionnette customisée en cabine de photomaton géante attire la population, qui se prête ensuite au jeu des projets improvisés des deux artistes, en donnant la parole aux protagonistes, en particulier aux femmes, comme cette formidable séquence avec les épouses des dockers du Havre. C’est ce qui fait la réussite de cette entreprise, qui parvient finalement à trouver le bon équilibre entre la mise en avant des français et l’aspect autobiographique, qui relie finalement Visages, villages aux merveilleuses Plages d’Agnès, comme une fable sur le temps qui passe. Si les souvenirs d’Agnès Varda sont bien vivants dans sa tête et que la cinéaste en emmagasine d’autres avant que ses yeux, qui s’affaiblissent plus chaque jour, ne puissent plus rien imprimer, JR parvient grâce à son art à les ramener de manière éphémère à la réalité. C’est beau, universel, poétique et poignant.

LE DVD

Le test du DVD de Visages, villages, disponible chez Le Pacte, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Une toute petite interactivité pour cette édition.

Dans Visages, villages, Agnès Varda compare JR à Jean-Luc Godard, qui avait accepté d’ôter ses célèbres lunettes fumées pour jouer dans l’un de ses courts-métrages, Les Fiancés du pont Mac Donald ou (Méfiez-vous des lunettes noires), mini-film burlesque extrait de Cléo de 5 à 7 (1961) dans lequel « un jeune homme voit la vie en noir quand il porte des lunettes noires. Il lui suffit de les ôter pour que les choses s’arrangent ». Un extrait est d’ailleurs inséré lors de cette scène. Le Pacte propose de visionner ce court-métrage muet, en N&B et virevoltant dans son intégralité (5’). L’occasion d’admirer encore et toujours les complices d’Agnès Varda, Jean-Luc Godard, Anna Karina, Jean-Claude Brialy, Sami Frey, Danielle Delorme, Eddie Constantine et Yves Robert, sur une improvisation musicale de Michel Legrand.

S’ensuivent deux scènes coupées ou allongées, la cabine de plage (4’) et le Département de lettres modernes (3’30).

Cette section se clôt sur une visite de Matthieu Chedid dans le refuge d’Agnès Varda, rue Daguerre (3’30), le teaser et la bande-annonce du film.

L’Image et le son

Dommage de ne pas avoir reçu l’édition HD, car Visages, villages bénéficie d’une édition DVD déjà soignée, qui parvient à restituer les belles images glanées par Agnès Varda et JR tout au long de leurs pérégrinations. La profondeur de champ impressionne, le cadre est très élégant, la colorimétrie scintillante et le relief omniprésent. L’encodage consolide l’ensemble avec fermeté, le piqué est appréciable, les noirs compacts, les ambiances chaudes et les contrastes denses.

A première vue, ou devrait-on dire plutôt à l’oreille, le choix d’une piste Dolby Digital 5.1 pouvait peut-être déconcerter quelque peu pour un film de cet acabit. Pourtant, force est d’admettre que cette option parvient à mettre Visages, villages en valeur avec de belles ambiances intelligemment spatialisées. Les éléments naturels ne manquent pas (le vent, la mer) quand Agnès Varda et JR s’arrêtent pour rencontrer certains habitants, tandis que les voix des protagonistes demeurent constamment claires. Cette piste est donc bien plus qu’une alternative à la piste Stéréo, également de haute qualité. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont disponibles, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Le Pacte / Ciné-Tamaris / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Grand froid, réalisé par Gérard Pautonnier

GRAND FROID réalisé par Gérard Pautonnier, disponible en DVD le 7 novembre 2017 chez Diaphana

Acteurs : Jean-Pierre Bacri, Arthur Dupont, Olivier Gourmet, Féodor Atkine, Sam Karmann, Philippe Duquesne…

Scénario : Gérard Pautonnier, Joël Egloff d’après son roman « Edmond Ganglion & Fils » (Gallimard)

Photographie : Philippe Guilbert

Musique : Christophe Julien

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Dans une petite ville perdue au milieu de nulle part, le commerce de pompes funèbres d’Edmond Zweck bat de l’aile. L’entreprise ne compte plus que deux employés : Georges, le bras droit de Zweck, et Eddy, un jeune homme encore novice dans le métier. Un beau matin, pourtant, un mort pointe son nez. L’espoir renaît. Georges et Eddy sont chargés de mener le défunt jusqu’à sa dernière demeure. Mais, à la recherche du cimetière qui s’avère introuvable, le convoi funéraire s’égare et le voyage tourne au fiasco.

Vous savez chez nous c’est très simple ou ça bat, ou ça bat plus et là en l’occurrence, ça bat !

Sans faire de mauvais jeux de mots, Grand froid agit comme un vent de fraîcheur sur le cinéma français ! Venu de la publicité et de la télévision (la série Samantha, oups!) et remarqué en 2015 avec son court-métrage L’Etourdissement, adapté du roman de Joël Egloff et primé dans de nombreux festivals en France et à l’étranger, Gérard Pautonnier signe son premier long métrage Grand froid, également inspiré d’un livre du même auteur. Pour ce film, le réalisateur retrouve les comédiens Arthur Dupont et Philippe Duquesne, mais offre surtout à l’immense Jean-Pierre Bacri l’un de ses meilleurs personnages depuis près de quinze ans. Cocktail insolite entre le Fargo des frères Coen, les films d’Aki Kaurismäki, le western italien à la Sergio Leone et le cinéma inclassable de Bouli Lanners, Grand froid est une comédie-dramatique qui détonne dans le panorama cinématographique hexagonal.

Les affaires ne sont pas bonnes pour Edmond zweck, patron d’une entreprise de pompes funèbres qui périclite dans une petite ville. Il a dû se séparer d’une partie de son personnel. Il est secondé par Georges et Eddy, un jeune homme plein de bonne volonté mais sans expérience. L’embellie survient quand on demande à l’équipe de s’occuper d’un mort. Alors qu’il transporte le corps, direction le cimetière, elle se perd et surtout perd de vue la famille qui suivait le convoi. Edmond, Georges et Eddy vont tout tenter pour retrouver leur chemin et mener à bien leur mission.

La mort, ce n’est pas contagieux, c’est héréditaire.

Cette transposition du premier roman de Joël Egloff, Edmond Ganglion & fils, publié en 1999 chez Gallimard, qui contrairement au film se déroule durant un été caniculaire, est empreint d’un humour noir cynique, typique du cinéma anglo-saxon. Avec ses personnages de croque-morts fatigués, Olivier Gourmet dépassé par les événements et en attente d’un coup de fil de sa fille, Jean-Pierre Bacri moumouté qui passe ses journées à chercher son épitaphe à inscrire sur son caveau, et Arthur Dupont, jeune trentenaire déjà voûté par sa condition, Gérard Pautonnier met en scène un road-movie inattendu en corbillard, joliment absurde et très attachant. En se mettant à la recherche d’un cimetière introuvable, Georges (Bacri), 40 ans de métiers, amer et proche de la retraite et Eddy (Dupont), novice quelque peu paumé, vont faire le point sur leurs situations respectives et surtout apprendre à se connaître, en parlant de la mort, comme d’habitude, mais aussi de la vie, ce qu’ils sont moins habitués à faire.

Il y a deux métiers incontournables : la sage-femme et le fossoyeur. La première accueille, le second raccompagne. Entre les deux, les gens se débrouillent.

Ces récits initiatiques se déroulent lentement – ce qui vaut quelques soucis de rythme – sur l’asphalte glacé qui traverse de vastes paysages enneigés, désolés et boisés (le film a été tourné en Pologne), comme si la route qu’ils suivaient ne menait nulle part, sauf au carrefour de leur propre existence. Mais c’était sans compter la présence du cadavre d’un homme pas vraiment mort. Sur la forme, la photo de Philippe Guilbert (Les Convoyeurs attendent), subjugue avec ses couleurs évidemment froides et grisâtres, tandis que les décors naturels de la Pologne et de la Belgique donnent au film un cachet post-apocalyptique, notamment avec cette petite bourgade non-identifiée composée principalement d’une seule rue, du magasin de pompes funèbres et d’un restaurant chinois, où les habitants s’observent, se scrutent dans l’attente d’un événement qui pourrait relancer les affaires. N’oublions pas la composition tout aussi décalée de Christophe Julien (Au revoir là-haut, 9 mois ferme), composée de blues et de chants amérindiens, qui appuie le caractère bizarre, pour ne pas dire excentrique et intemporel de cette comédie-dramatique, mélancolique et existentielle, aux dialogues très soignés, à voir absolument.

LE DVD

Le test du DVD de Grand froid, disponible chez Diaphana, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur offre une heure de suppléments. On commence par la douzaine de scènes coupées (13’ au total), non mixées et non étalonnées, qui dévoilent les petits bouts de séquences laissés sur le banc de montage, probablement pour des raisons de rythme. Rares sont les scènes qui durent plus de 50 secondes. Nous retiendrons surtout deux génériques de début alternatifs. A noter que ces séquences sont souvent muettes et focalisées sur les réactions des personnages.

Un petit montage de trois minutes montre le travail invisible à l’écran des magiciens des effets spéciaux, notamment pour créer un environnement enneigé alors que la végétation était verte au moment des prises de vue.

Merci à Diaphana de nous permettre de (re)découvrir le court-métrage de Gérard Pautonnier, L’Etourdissement (2015-22’), adapté du roman éponyme de Joël Egloff. Suite au décès accidentel d’un collègue de travail (Nicolas Vaude), Eddy (Arthur Dupont) est chargé, malgré lui, d’aller annoncer la terrible nouvelle à l’épouse (Pascale Arbillot) du défunt. Georges (Philippe Duquesne), un autre collègue, lui propose de l’accompagner pour le soutenir dans cette délicate mission et dans l’idée de rentrer chez lui plus tôt par la même occasion. Arrivés chez la veuve, les deux hommes vont cependant avoir bien du mal à être à la hauteur de la situation. On retrouve déjà dans ce court-métrage, le rapport de la vie avec la mort, ainsi que celui entre deux générations qui s’affrontent et se questionnent sur l’existence. L’humour absurde contraste avec la situation pourtant dramatique et se clôt sur un retournement bouleversant.

Ensuite, nous ne trouvons pas le making of de Grand froid, mais étrangement celui de L’Etourdissement (17’). Dommage que ce documentaire soit si mal réalisé et surtout entièrement musical !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

En raison de son échec dans les salles (120.000 entrées), Grand froid est privé d’une sortie en Haute-Définition et c’est bien dommage. Malgré cette déconvenue, cette édition DVD s’avère plutôt soignée et claire. La propreté de la copie est assurée, les couleurs désaturées et glaciales sont superbes et bien restituées. Le piqué est aléatoire, mais s’en tire honorablement, surtout que les partis pris esthétiques auraient pu avoir du mal à passer le cap du petit écran. La gestion des contrastes est solide, même si nous pouvions attendre plus de détails. Heureusement, l’encodage consolide l’ensemble avec brio et les nombreuses séquences tournées en extérieur sont très belles.

D’emblée, le mixage Dolby Digital 5.1 impose une spatialisation qui happe le spectateur dans un flot d’ambiances naturelles qui ne se calment que durant les scènes en intérieur, axées sur les dialogues. Le cinéaste fait la part belle aux éléments environnants et la scène arrière ne manque pas l’occasion de briller avec notamment la restitution de la Toccata et Fugue en Ré mineur de Jean-Sébastien Bach. Le souffle du vent détonne sur l’ensemble des baffles. L’éditeur joint également une piste Stéréo de fort bon acabit, sans oublier les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © ELZEVIR FILMS / LAURENT THURIN-NAL / Diaphana / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Mission Pays Basque, réalisé par Ludovic Bernard

MISSION PAYS BASQUE réalisé par Ludovic Bernard, disponible en DVD le 14 novembre 2017 chez Orange Studio

Acteurs : Élodie Fontan, Florent Peyre, Daniel Prévost, Nicolas Bridet, Barbara Cabrita, Ludovic Berthillot, Ilona Bachelier, Damien Ferdel, Arielle Sémenoff, Eric Bougnon, Yann Papin…

Scénario : Michel Delgado, Eric Heumann

Photographie : Yannick Ressigeac

Musique : Lucien Papalu, Laurent Sauvagnac

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Sibylle, jeune Parisienne aux dents longues, entend briller dans ses nouvelles fonctions professionnelles en rachetant une quincaillerie au Pays Basque afin d’y implanter un supermarché. Elle s’imagine avoir « roulé » le vieux propriétaire mais ce dernier est sous curatelle. Sibylle doit donc faire affaire avec Ramon, le neveu, pour récupérer son argent et signer au plus vite. Sinon, c’est le siège éjectable assuré. Elle va rapidement s’apercevoir que les basques n’ont pas l’intention de se laisser faire par une parisienne, si jolie soit-elle.

Bienvenue chez les basques !

A quelques mois d’intervalle, le réalisateur Ludovic Bernard a connu les deux extrêmes. Son premier long métrage, L’Ascension, a été porté par une critique positive, en plus du Grand Prix et du Prix du Jury au Festival de l’Alpe D’Huez, ainsi qu’un bouche-à-oreille très bon, au point de dépasser la barre convoitée du million d’entrées, et ce sans nom véritablement connu au générique à part celui d’Alice Belaïdi. Au début de l’été, son second film sort déjà sur les écrans, Mission Pays Basque. Critique globalement négative de la part de la presse, à peine 150.000 spectateurs au final et film par ailleurs rapidement retiré des salles début juillet. Il faut dire que la bande-annonce n’était guère attractive (euphémisme) et que cela sentait bougrement le nanar made in France. Pourtant, Mission Pays Basque s’avère un divertissement honnête, ni bon ni mauvais, qui repose sur une multitude de clichés, mais qui s’en amuse avec une bonne humeur plutôt contagieuse.

Sybille, jeune cadre parisienne ambitieuse, croit avoir fait l’affaire du siècle en rachetant pour une bouchée de pain la quincaillerie de Ferran Beitialarrangoïta située au Pays basque, pour le compte de son groupe de grande distribution. Or, elle apprend que ce dernier est sous curatelle. Elle doit donc négocier avec Ramuntxo, son neveu, pour obtenir la boutique, censée devenir un supermarché. Mais, Ramuntxo, chanteur à ses heures et Basque jusqu’au bout des ongles, va lui mener la vie dure. Sybille, accompagné de son stagiaire, s’accroche face aux Basques prêts à tout pour garder leur magasin. Il faut qu’elle réussisse sinon elle perdra son travail. Commence alors un jeu du chat et de la souris entre la citadine et l’amoureux de sa terre.

Ecrit par Michel Delgado, réalisateur de Bouquet final en 2008, scénariste de comédies gentiment voire violemment has-been comme La Vengeance d’une blonde et Les Soeurs Soleil de Jeannot Szwarc, Recto/Verso de Jean-Marc Longval, L’Auberge rouge de Gérard Krawczyk, On ne choisit pas sa famille de Christian Clavier, Mission Pays Basque n’a donc pas la prétention de révolutionner le cinéma, mais de jouer sur les décalages culturels chéris par la comédie française. Autant vous dire qu’il n’y a absolument rien de nouveau ici, mais la petite réussite (toutes proportions gardées) de Mission Pays Basque vient essentiellement des comédiens amusants, charismatiques et complices. En premier lieu la ravissante Elodie Fontan, que l’on avait aperçue la première fois toute gamine en 1996, dans l’excellente comédie de Gérard Lauzier, Le Plus Beau métier du monde, aux côtés de Gérard Depardieu. Ayant (bien) grandie, elle est apparue récemment dans le triomphe de Philippe de Chaveron, Qu’est-ce qu’on a fait au Bon Dieu ?, avant de rejoindre la troupe (et les grands succès au box-office) de Philippe Lacheau, Babysitting 2 et Alibi.com. Pétillante et naturelle, elle porte agréablement le film sur ses belles épaules et fait preuve d’une énergie communicative, qui sied évidemment bien à la comédie. Dommage que le film ait été un échec important, car la comédienne prouve qu’elle peut largement prétendre aux premiers rôles.

Elle donne ici la réplique à l’humoriste Florent Peyre, popularisé grâce à l’émission On n’demande qu’à en rire sur France 2 entre 2010 et 2014, qui fait preuve d’une belle présence devant la caméra. Après avoir longtemps fait ses classes en tant qu’assistant-réalisateur auprès de Jean-François Richet sur les deux opus de Mesrine, mais aussi à trois reprises avec Luc Besson (The Lady, Malavita et Lucy), ainsi que sur d’autres productions EuropaCorp (L’Immortel, Les petits mouchoirs, Taken 2 et Taken 3), Ludovic Bernard signe ici son deuxième long métrage avec suffisamment d’efficacité, en insufflant un rythme soutenu, évidemment capital quand on met en scène une comédie et en dirigeant solidement ses acteurs.

Ce serait mentir de dire que Mission Pays Basque n’arrache aucun sourire. Certes, rien n’est crédible ici, mais peu importe puisque le contrat est rempli. On rit en suivant les aventures estivales de cette jeune major de promo d’HEC et Bac+7 plongée dans un environnement totalement étranger, on oublie les soucis du quotidien pendant 1h30, le récit est blindé de bons sentiments et peu importe les digressions inutiles (tout ce qui concerne l’ETA) et si « on connaît déjà la fin » puisque le ton reste léger, sympathique et bon enfant.

LE DVD

Le test du DVD de Mission Pays Basque, disponible chez Orange Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément sur cette édition, et pas de sortie en Haute-Définition.

L’Image et le son

Avec ses 150.000 entrées, il semble qu’Orange n’ait pas jugé bon de sortir Mission Pays Basque en Blu-ray. Il faudra donc se contenter de cette édition standard, mais heureusement la qualité est là. Les couleurs sont bien loties, lumineuses et chaudes pour la partie basque, grisâtres pour les scènes parisiennes, le piqué est suffisamment affûté, la clarté de mise et les contrastes élégants. Les détails ne manquent pas, les noirs sont denses. Que demander de plus ?

Le mixage Dolby Digital 5.1 instaure un excellent confort acoustique en mettant la musique en avant, tout en délivrant les dialogues avec ardeur, sans jamais oublier les effets et ambiances annexes. Quelques basses soulignent également quelques séquences comme la fête au village et l’explosion. La piste Stéréo s’en donne également à coeur joie, se révèle dynamique et même percutante dans son genre. Les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

*Crédits images : © Claude MEDALE / PARADIS FILMS* / Orange Studio / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Wakefield, réalisé par Robin Swicord

WAKEFIELD réalisé par Robin Swicord, disponible en DVD le 6 septembre 2017 chez AB Vidéo

Acteurs : Bryan Cranston, Jennifer Garner, Beverly D’Angelo, Jason O’Mara, Ian Anthony Dale, Pippa Bennett-Warner…

Scénario : Robin Swicord

Photographie : Andrei Bowden Schwartz

Musique : Aaron Zigman

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Howard Wakefield est un avocat qui a tout pour lui. Une belle situation, une femme dont il est follement amoureux et de beaux enfants. Jusqu’au jour où, dépressif, il décide de tout plaquer pour s’installer secrètement en face de chez lui pour espionner ses proches.

Dans la carrière de Bryan Cranston, il y a évidemment un avant et un après Breaking Bad. Depuis le triomphe de la série, le comédien, qui oeuvrait principalement à la télévision dans tous les shows possibles et imaginables, s’est vu offrir de multiples propositions au cinéma. Comme s’il désirait se rattraper, bien qu’il n’ait jamais arrêté de tourner, Bryan Cranston passe donc d’un univers à l’autre avec le même talent, de La Défense Lincoln de Brad Furman à Drive de Nicolas Winding Refn, en passant par Contagion de Steven Soderbergh, John Carter d’Andrew Stanton, Argo de Ben Affleck, Godzilla de Gareth Edwards, Dalton Trumbo de Jay Roach (nommé pour l’Oscar du meilleur acteur) et même Power Rangers de Dean Israelite ! Wakefield, écrit et réalisé par Robin Swicord, scénariste de Matilda, Les Ensorceleuses, Mémoires d’une geisha et L’Etrange histoire de Benjamin Button, est basé sur une nouvelle de l’écrivain E.L. Doctorow. Film mis en œuvre pour flatter l’académie, Wakefield est typique du cinéma indépendant américain, bien interprété, mais qui croule sous une musique aussi omniprésente que plombante, ainsi que des effets de style académiques.

Bryan Cranston est Howard Wakefield, avocat d’un grand cabinet new-yorkais. Après une journée de travail, sur le chemin du retour, son train tombe subitement en panne. Il est alors contraint de faire le reste du chemin à pied vers sa banlieue résidentielle. Le téléphone sonne. Visiblement, sa femme s’inquiète, mais il ne répond pas cet appel. Arrivé devant chez lui à la nuit tombée, Wakefied aperçoit un raton laveur se faufiler dans la remise au-dessus du garage. Il le suit pour l’obliger à déguerpir et de la fenêtre de ce petit grenier, il aperçoit ses filles qui discutent, sa femme qui s’acharne sur son portable avant de s’en aller, de rage, balancer une assiette, celle qui l’attendait, à la poubelle. Un vieux fauteuil lui tend les bras et Wakefield s’installe pour regarder encore un peu ce fascinant spectacle : observer la vie dans sa propre maison. Et de se réveiller le lendemain au même endroit avec le spectacle qui continue. Les jours passent, Wakefield décide de rester encore et toujours dans ce grenier. C’est avec un malin et malsain plaisir qu’il observe sa femme, aux prises avec les événements.

Sur un postulat très intéressant, la réalisatrice Robin Swicord tourne rapidement en rond et peine à maintenir l’intérêt, au point que le film semble s’arrêter au bout d’une demi-heure. Seul dans son observatoire, Wakefield s’amuse à imaginer les échanges de ses proches suite à sa disparition, mais très vite la voix-off et le monologue prennent le relais, quasiment jusqu’à la fin du film. Le procédé est usant et ce malgré l’investissement évident du comédien principal. Très vite prisonnière de son dispositif, la cinéaste ne parvient jamais à renouveler sa mise en scène et se contente la plupart du temps de positionner sa caméra sur son acteur, qui assure le show en grimaçant, en riant, en pleurant. Après plusieurs ellipses, Bryan Cranston, Wakefield plutôt, se métamorphose en clochard, barbe hirsute ridicule, ongles longs et noirs, cheveux craspecs, chemise cradingue et chaussures trouées. Le récit s’enlise en raison de la pauvreté technique d’ensemble, ainsi que par ses dialogues, une logorrhée sur le mal-être existentiel, jamais crédibles, qui n’instaure jamais de trouble ou d’ambiguïtés sur le personnage, un mec antipathique qui pique sa crise.

De ce fait, Wakefield n’est jamais attachant, surtout que des flashbacks le montrent amer et jaloux avec sa femme, incarnée par la douce Jennifer Garner, et toute cette expérience vécue par le personnage semble finalement n’avoir aucun impact sur lui, si ce n’est lui faire admettre qu’il est en dépression. S’il se rend compte qu’il a été bouffé par le quotidien de sa petite vie pépère, Wakefield voit sa femme et ses deux filles jumelles continuer à vivre après sa disparition, des mois (des années ?) après. Il est alors pris entre l’envie de regagner ses pénates, il imagine d’ailleurs les différentes réactions possibles lors de son retour et le désir de se laisser aller dans son grenier afin de profiter au maximum du pouvoir omniscient que lui procure la vue de son mirador. Tout ça pour ça ? C’est ce qu’on appelle de la philosophie de comptoir, même si au final le film n’est pas si déplaisant, mais juste anecdotique.

LE DVD

Le DVD de Wakefield, disponible chez AB Vidéo, repose dans un boîtier classique de couleur noire. Le menu principal est animé et musical.

Point d’interview ni de making of, juste une bande-annonce en guise de supplément !

L’Image et le son

AB Vidéo nous propose un très beau master (français, comme le montrent les credits) de Wakefield. Respectant les volontés artistiques de la réalisatrice et du directeur de la photographie Andrei Bowden Schwartz, la copie affiche une colorimétrie froide et soignée, des contrastes de belle tenue, un léger grain cinéma palpable et un piqué ferme. L’image est propre, sans fioritures, les gros plans impressionnent par leur précision (voir le visage creusé de Bryan Cranston), le cadre large fourmille de détails et la clarté est de mise. La qualité technique du DVD de ce quasi-huis clos impressionne. Pas d’édition Haute-Définition pour ce titre.

Deux pistes Dolby Digital 5.1 et deux pistes Stéréo, en anglais et en français. Les pistes 5.1 imposent une petite spatialisation discrète mais bel et bien palpable avec diverses ambiances qui percent les enceintes latérales. Certes, le film repose en grande partie sur les dialogues et la voix-off de Bryan Cranston, solidement plantée sur le canal central, mais il serait dommage de se priver de ce petit plus, d’autant plus que les basses accompagnent quelques séquences. Saluons également la tonicité des mixages 2.0 qui contenteront aisément ceux qui ne seraient pas équipés à l’arrière. Les sous-titres sont imposés sur la version originale et le changement de langue est verrouillé à la volée.

Test DVD / Problemos, réalisé par Eric Judor

PROBLEMOS réalisé par Eric Judor, disponible en DVD le 19 septembre 2017 chez Studiocanal

Acteurs : Eric Judor, Blanche Gardin, Youssef Hajdi, Célia Rosich, Marie Helmer, Michel Nabokov, Dorothée Pousséo, Claire Chust…

Scénario : Noé Debré, Blanche Gardin

Photographie : Vincent Muller

Musique : Ludovic Bource

Durée : 1h22

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Les vacances terminées, Victor et sa petite amie Jeanne rentrent à Paris. Sur le chemin, ils s’arrêtent pour rendre visite à leur ami Jean-Paul, qui habite dans une communauté de babos dans une prairie et qui proteste contre la construction d’un parc aquatique. Séduits par leur façon de vivre, de résister contre la technologie et la société moderne, ils décident de rester quelques jours avec eux. Un matin, ils découvrent que les CRS, qui encadraient la communauté, ont disparu comme la population extérieure, décimée par une pandémie, faisant d’eux les derniers survivants sur Terre.

Après le douloureux et injuste échec commercial de La Tour 2 contrôle infernale (358.000 entrées), Eric Judor revient déjà devant et derrière la caméra pour notre plus grand plaisir avec Problemos. Burlesque, nonsensique, décalée, cartoonesque, absurde, politiquement incorrecte, cette comédie délirante est aussi et surtout excellemment mise en scène et rythmée. Evidemment, le film sera loin, très loin de faire l’unanimité. Certains gags «  mous  » sont complètement assumés, mais beaucoup y verront des ratés. Toujours est-il que Problemos est très généreux et offre aux spectateurs un moment de détente ultra-décomplexée, doublé d’un beau moment de cinéma. Les répliques ne cessent de rebondir d’un mur à l’autre comme une partie de ping-pong verbal. C’est drôle, c’est même hilarant, élégant et beau à regarder, les seconds rôles sont immenses. Mais au fait, ça parle de quoi Problemos ?

Alors que leurs vacances viennent de se terminer, Jeanne, Victor et leur petite fille retournent à Paris. En chemin, le couple fait une halte pour saluer Jean-Paul, l’ancien prof de yoga de Jeanne, qui vit dans une communauté d’altermondialistes. Depuis longtemps, Jean-Paul et ses amis font tout pour empêcher la construction d’un parc aquatique. Séduits par une communauté qui prône le « vivre autrement », où l’individualisme, la technologie et les distinctions de genre sont abolis, Jeanne et Victor acceptent l’invitation qui leur est faite de rester quelques jours. Lorsqu’un beau matin la barrière de CRS qui leur fait face a disparu, la Communauté pense l’avoir emporté sur le monde moderne. Mais le plaisir est de courte durée : à l’exception de leur campement, la population terrestre a été décimée par une terrible pandémie. Ce qui fait du groupe les derniers survivants du monde. Va t-il falloir se trouver de nouveaux ennemis pour survivre ?

Depuis sa participation aux comédies expérimentales de l’excellent Quentin Dupieux (Steak, Wrong, Wrong Cops), Eric Judor a suivi ce genre quasi-inclassable en créant notamment la série Platane. La Tour 2 contrôle infernale découlait de cette approche humoristique ambitieuse. Sur un scénario coécrit par l’humoriste Blanche Gardin et Noé Debré (Dheepan, La Crème de la crème), Problemos s’inscrit dans la lignée des précédentes comédies d’Eric Judor en situant son récit dans une ZAD, autrement dit une Zone à défendre, librement inspirée du mouvement militant « Nuit debout » qui se tenait Place de la République à Paris. Film survolté qui a des choses à dire et qui les dit sans prendre la tête aux spectateurs, mais en le faisant rire du début à la fin rien qu’avec un type qui porte des chaussettes avec des sandales, Problemos peut se voir comme une vraie relecture de La Ferme des animaux de George Orwell, traitée sous forme de fantaisie.

Les communautés, féministes, hippies écolos, vegans, en prennent pour leur grade puisque Judor montre une société qui se réorganise sur des principes égalitaires, mais dont le naturel revient très vite au galop (ça râle de tous les côtés, l’intérêt personnel passe au premier plan), où les avis et intérêts divergent, où les castes sont vite rétablies, jusqu’au chaos. En raison de l’échec de La Tour 2 contrôle infernale, Eric Judor n’a pu bénéficier d’un budget mirobolant et a même eu beaucoup de mal à financer son film. Pourtant, Problemos bénéficie d’un casting génial et déjanté (Marc Fraize, Bun Hay Mean, Youssef Hadji, Michel Nabokov, Arnaud Henriet, Dorothée Pousséo, Blanche Gardin, Claire Chust, Célia Rosich), les situations sont cocasses et jamais méchantes, sans oublier des dialogues prêts à entrer dans le langage courant de celles et ceux qui sauront accorder 1h20 de leur temps à l’une des comédies de 2017 ! Ni plus ni moins.

LE DVD

En raison de son échec dans les salles, Problemos ne bénéficie pas de sortie en Blu-ray. Une honte. Le test du DVD, disponible chez Studiocanal, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Sortie technique, l’éditeur ne propose aucun supplément, même pas la bande-annonce. Zéro pointé pour Studiocanal qui commence à se désintéresser du support…

L’Image et le son

Point d’édition Blu-ray, mais un beau DVD pour Problemos. Le master est soigné avec des contrastes élégants, à part peut-être durant les séquences sombres où l’image paraît plus douce et moins affûtée, mais cela demeure franchement anecdotique. La clarté demeure frappante, le piqué est vif, les gros plans détaillés et la colorimétrie reste chatoyante, riche et bigarrée.

Outre une piste Audiodescription et des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, la version Dolby Digital 5.1 parvient sans mal à instaurer un indéniable confort phonique. Les enceintes sont toutes mises en valeur et spatialisent excellemment les effets naturels, la musique et les ambiances, avec même un accompagnement des basses. La piste Stéréo assure également de son côté avec des frontales particulièrement riches.

Crédits images : © Serge Blondeau / Séverine Brigeot / Studiocanal / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Freud, passions secrètes, réalisé par John Huston

FREUD, PASSIONS SECRÈTES (Freud: The Secret Passion) réalisé par John Huston, disponible en DVD le 12 septembre 2017 chez Rimini Editions

Acteurs : Montgomery Clift, Susannah York, Larry Parks, Susan Kohner, Eileen Herlie, Fernand Ledoux, David McCallum…

Scénario : Wolfgang Reinhardt, Charles Kaufman

Photographie : Douglas Slocombe

Musique : Jerry Goldsmith

Durée : 2h15

Date de sortie initiale : 1962

LE FILM

1885. Sigmund Freud, 29 ans, est neurologue à l’hôpital général de Vienne. Confronté à des cas pathologiques qui défient la médecine traditionnelle, il n’hésite pas à faire appel à l’hypnose pour essayer de comprendre le mal dont souffrent les patients. Au fur et à mesure de ses expériences, Freud perçoit qu’il est tout proche de l’une des découvertes majeures de l’histoire de la science.

« Il est préférable de laisser les scorpions dans l’obscurité… »

Freud, passions secrètes, Freud: The Secret Passion ou tout simplement Freud est un chef d’oeuvre caché de John Huston. Sorti en 1962, ce film admirable et pourtant oublié est aussi l’avant-dernier long métrage du comédien Montgomery Clift, éblouissant dans le rôle-titre. Plus qu’un biopic, John Huston met en scène la découverte de la psychanalyse et de l’inconscient. La passion du réalisateur pour ce sujet remonte à la Seconde Guerre mondiale. Mobilisé dans l’équipe des cinéastes militaires de l’U.S. Army, sous la direction de Frank Capra, John Huston est appelé à réaliser quelques documentaires auprès des soldats. C’est le cas du méconnu Que la lumière soit – Let there be light (1946) qui suit une équipe de psychiatres tenter de soigner des rescapés, victimes de chocs traumatiques. Certains présentent des troubles de la vue, d’autres sont visiblement handicapés ou angoissés, persuadés qu’une bombe va leur tomber dessus. John Huston observe ces médecins avoir recours à la psychanalyse et à l’hypnose. Fasciné, il sait qu’il réalisera plus tard un film tournant autour de Freud. Considéré comme un film capital sur le traitement psychiatrique des blessés de guerre, Que la lumière soit est néanmoins interdit par le Pentagone et restera inédit jusqu’en 1981. Sélectionné dans la section Un certain regard au Festival de Cannes cette année-là, les spectateurs découvrent des images insoutenables. Après son film maudit Les Désaxés – The Misfits (1961) et suite à de longues recherches sur Freud durant lesquelles il s’initie même aux techniques de l’hypnose, John Huston entreprend enfin ce projet qui lui tenait à coeur depuis une quinzaine d’années.

Le jeune Sigmund Freud se rend à Paris pour rencontrer le professeur Charcot, dont les travaux sur l’hypnose l’intéressent depuis longtemps. Revenu à Vienne, il poursuit ses propres recherches sur l’hystérie, malgré l’opposition de son entourage. Seul le docteur Breuer le soutient et l’encourage dans ses recherches. Au contact de patients névrosés, Freud découvre le rôle prépondérant de la sexualité dans les mécanismes de l’inconscient et, malgré la désapprobation collective de ses collègues psychiatres, en vient à élaborer une théorie sur l’origine sexuelle des névroses.

« Quelle magnificence d’éclairer les ténèbres de vos lumières ! »

Dans un premier temps, en 1958, John Huston avait demandé au philosophe et écrivain Jean-Paul Sartre d’écrire le scénario. Ce dernier n’avait pas pris la chose à la légère et avait finalement remis au réalisateur un scénario documenté de plus de 400 pages, uniquement concentré sur les débuts de Freud en tant que neurologue. Après avoir décliné poliment ce travail de titan, John Huston se tourne vers un scénariste plus « expérimenté », Wolfgang Reinhardt. Freud, passions secrètes est le fruit de toutes ces études poussées. Souvent filmé comme un thriller, le récit est haletant et le cinéaste parvient à mettre en scène la passion d’un homme, qui vit littéralement pour son travail. Montgomery Clift, bien qu’extrêmement souffrant sur le tournage et au plus mal avec ses problèmes d’alcool – Huston, excédé, pense sérieusement le remplacer par Eli Wallach – incarne Freud à la perfection. Avec son regard perçant, à tel point que ses yeux bleus illuminent la superbe photographie N&B crépusculaire du chef opérateur Douglas Slocombe (Gatsby le magnifique, les trois premiers Indiana Jones), le comédien restitue tout le feu qui anime son personnage, un foyer sans cesse attisé par de nouvelles découvertes. Bien que marié à la jeune Martha (magnifique Susan Kohner, la Sarah Jane de Mirage de la vie de Douglas Sirk), Freud se lance seul dans cette aventure. John Huston a recours à quelques plans hérités de l’expressionnisme allemand pour renforcer l’aspect « monstre » de Freud, dont la silhouette se dessine dans la pénombre, quand celui-ci entreprend de rendre visite à ses patients cobayes (dont la divine Susannah York), avant de réaliser sa propre analyse pour affronter ses démons. Cette impression quasi-fantastique est par ailleurs renforcée par la composition angoissante de Jerry Goldsmith.

John Huston filme ensuite son personnage, seul contre tous, annoncer à ses confrères l’aboutissement de son travail. Freud est filmé de dos, comme jeté dans une arène où l’ambiance est effervescente, comme si les spectateurs étaient prêts à le lyncher. Cela ne manque pas d’arriver au moment où Freud leur présente ce qui l’avait effrayé dans un premier temps, puis ce qui allait alors devenir un concept central dans la psychanalyse, le complexe d’Oedipe. Drame psychologique, biopic et même parfois inclassable quand le cinéaste a recours au rêve et aux fantasmes pour montrer – et c’est ce qui l’intéresse le plus – la pensée à l’oeuvre chez son personnage principal, Freud, passions secrètes est un chef d’oeuvre trépidant, magistral et remarquablement documenté. Enfin, notons qu’à sa sortie, les distributeurs ont imposé à John Huston de couper une demi-heure de son film, jugé alors trop austère. S’il restera très attaché à Freud, passions secrètes tout au long de sa vie, il reniera en revanche le montage sorti dans les salles.

LE DVD

Le DVD de Freud, passions secrètes, disponible chez Rimini Editions, repose dans un boîtier classique de couleur noire, glissé dans un surétui cartonné. Visuel attractif centré sur Montgomery Clift. Le menu principal est animé et musical.

Pour cette édition, l’éditeur est allé à la rencontre de Marie-Laure Susini, psychanalyste et écrivain, membre de l’École de La Cause Freudienne de 1981 à 1991, puis de l’École de Psychanalyse Sigmund Freud de 1993 à 2010. Dans le premier segment intitulé Freud, le film oublié (22’), notre interlocutrice se penche sur la genèse du film de John Huston et déclare « c’est un chef d’oeuvre, mais même les plus grands fans de John Huston le connaissent peu ». Marie-Laure Susini évoque les ouvrages sur la vie de Freud (dont une biographie écrite par Stefan Zweig, Sigmund Freud : La guérison par l’esprit), les raisons qui ont poussé John Huston à réaliser un film sur la découverte de la psychanalyse (qui découle du documentaire Que la lumière soit, dont on nous présente un extrait), l’évolution du scénario (dont l’épisode Jean-Paul Sartre), le casting (Montgomery Clift est selon elle parfait), les conditions de tournage et les intentions du cinéaste. Dommage que cette intervention soit sans cesse entrecoupée d’extraits du film, de la bande-annonce ou de photos de moyenne qualité.

Dans un second module (Freud, secrets d’adaptation, 12’), Marie-Laure Susini se concentre sur le fond du film et la façon dont John Huston a abordé l’inconscient dans Freud, passions secrètes. Elle déclare que tous les dialogues sont « incroyablement construits et totalement au service de la psychanalyse », que les séquences de rêve imaginées par le cinéaste sont formidables et précises et que John Huston a parfaitement retranscrit le travail méticuleux et complexe, ainsi que l’aventure intérieure d’un homme seul pendant plus de dix ans.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

On ne sait pas où Rimini Editions est allé chercher cette copie, toujours est-il que le master présenté ici a semble-t-il connu quelques heures de vol. Dès la première séquence, les fourmillements s’invitent, ainsi que des points blancs, de nombreuses rayures verticales, des pixels, des plans flous. Il faut attendre quelques minutes pour que la copie au dégrainage assez conséquent, trouve enfin une certaine stabilité, même si les défauts ont tendance à réapparaître tout au long de ces 135 minutes. Les séquences de rêves sont les plus abimées du lot, les noirs sont charbonneux, le manque de piqué est conséquent, quelques séquences paraissent surexposées et la définition chancelle à plusieurs reprises. Il faudra se contenter de cette image, car soyons honnêtes, découvrir Freud, passions secrètes en DVD en 2017 était quasi-inespéré.

L’éditeur ne propose que la version originale du film de John Huston. Plutôt dynamique, nettoyée, homogène et naturelle, sans souffle parasite, cette piste Dolby Digital 1.0 offre un confort acoustique solide et restitue admirablement les somptueux dialogues et la musique de Jerry Goldsmith. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Universal Studios. Renewed 1990 Universal Studios. All Rights Reserved. TM & © 2017 Universal Studios All Rights Reserved . Rimini Editions / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / De toutes mes forces, réalisé par Chad Chenouga

DE TOUTES MES FORCES réalisé par Chad Chenouga, disponible en DVD le 5 septembre 2017 chez Ad Vitam

Acteurs : Khaled Alouach, Yolande Moreau, Laurent Xu, Daouda Keita, Aboudou Sacko, Jisca Kalvanda…

Scénario : Chad Chenouga, Christine Paillard

Photographie : Thomas Bataille

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Nassim est en première dans un grand lycée parisien et semble aussi insouciant que ses copains. Personne ne se doute qu’en réalité, il vient de perdre sa mère et rentre chaque soir dans un foyer. Malgré la bienveillance de la directrice, il refuse d’être assimilé aux jeunes de ce centre. Tel un funambule, Nassim navigue entre ses deux vies, qui ne doivent à aucun prix se rencontrer.

De toutes mes forces est le second long métrage de Chad Chenouga, quinze ans après 17, rue Bleue (2001). Réalisateur de nombreux courts-métrages, Chad Chenouga s’inspire ici de sa propre enfance. Né de père inconnu et confié à la DDASS après le décès de sa mère alors qu’il était encore adolescent, le cinéaste (également comédien et animateur d’ateliers dans des prisons et des foyers) avait déjà abordé ce thème dans son premier film. Il reprend ici la trame de sa pièce intitulée La Niaque, jouée au Théâtre des Amandiers à Nanterre en 2011, replacée à l’époque contemporaine alors que l’histoire originale se déroulait dans un foyer non mixte dans les années 1970. Drame social animé par une sensibilité à fleur de peau, De toutes mes forces révèle un jeune acteur très prometteur, Khaled Alouach. Une voix, un charisme, une force et une fragilité qui l’imposent d’emblée comme l’un des sérieux prétendants au César du meilleur espoir masculin en 2018.

Nassim vient de perdre sa mère qui s’est suicidée. Sa vie de lycéen insouciant bascule. Sa proche famille ne peut pas le prendre chez elle. Il est donc pris en charge par Madame Cousin, qui l’accueille dans son foyer de jeunes. Nassim, bouleversé par la mort de sa mère, ne veut pas s’intégrer au groupe. Il s’enferme dans son chagrin, ses notes dégringolent et il tente de faire le mur pour retrouver sa petite-amie à qui il a caché la vérité. Quand celle-ci l’apprend, elle ne comprend pas l’attitude de Nassim. Soutenu par Madame Cousin, le jeune homme tente de remonter la pente. Chad Chenouga, aidé de sa coscénariste Christine Paillard, suivent le personnage de Nassim à un carrefour décisif de son existence. De rencontre en rencontre, le jeune homme qui voit alors sa vie partir en éclats, doit parvenir à faire le deuil de sa mère (il écoute sans cesse son dernier message laissé sur son répondeur), dépressive, dépendante aux médicaments, cloîtrée dans un appartement aux fenêtres closes, surmonter sa culpabilité (il l’a laissée seule pour partir en week-end avec des amis), tout en prenant des décisions capitales pour son avenir professionnel.

De toutes mes forces est animé d’une énergie contagieuse, d’une rage et même d’une fureur de (sur)vivre qui foudroient du début à la fin, autant par la mise en scène que par la musique électro ou au banjo du compositeur Thylacine. Sans clichés, Chad Chenouga rend attachants Nassim et les personnages secondaires qui gravitent autour de lui comme des électrons, Moussa, Brahim, Zawady (Jisca Kalvanda, vue dans Divines), Kevin, Mina, Ryan (épatants et naturels jeunes comédiens trouvés au terme d’un casting sauvage) qui essayent de comprendre, d’apprivoiser ce monde difficile et qui n’est pas prêt à leur faire de cadeaux. Un combat souvent trop pesant pour ces jeunes personnes, qui ne sont guère armées pour affronter et surmonter leurs peurs et leurs doutes. Ils sont pris en charge par la directrice, Mme Cousin, merveilleusement interprétée par Yolande Moreau, qui doit maintenir la discipline dans son établissement, mais qui ne peut s’empêcher de leur montrer quelques signes d’affection. Les pensionnaires tentent de refermer leurs blessures, mais certaines plaies restent ouvertes et le besoin de communiquer, ou tout au moins de se faire comprendre n’est que plus vital. Si certains y parviennent au moyen de la danse, le groupe peut effrayer et chacun se renferme sur lui-même.

Récit initiatique, portrait sans pathos et même avec un peu d’humour d’un adolescent dont le calme apparent dissimule en réalité un tempérament volcanique, De toutes mes forces est un très beau film, élégant, chaleureux et optimiste. Du cinéma français délicat comme en voit finalement rarement.

LE DVD

Le test du DVD de Toutes mes forces, disponible chez Ad Vitam, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

L’éditeur livre quelques suppléments de très courte durée, mais plutôt plaisants. C’est le cas des scènes coupées (3’30) qui prolongent le quotidien de Nassim dans son foyer, ainsi que la rencontre avec Ryan.

Un petit module de cinq minutes compile quelques entretiens avec le réalisateur et les comédiens, ainsi que des images de tournage, du plateau et de l’avant-première en présence de l’équipe à l’UGC Ciné Cité Bercy suivie de l’avis des spectateurs.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et un bêtisier (2’) où l’on remarque que le titre de travail était encore La Niaque.

L’Image et le son

Quelques petites pertes de la définition sur les scènes sombres et un piqué manquant parfois de mordant sont à déplorer. Néanmoins, ce master demeure fort plaisant et n’a de cesse de flatter les yeux avec une belle restitution de la colorimétrie à la fois chatoyante et froide. Les contrastes sont denses et élégants, la gestion solide, le relief palpable, les détails précis sur les gros plans et les partis pris esthétiques du chef opérateur Thomas Bataille sont bien respectés.

Le mixage français Dolby Digital 5.1 parvient à créer une spatialisation musicale probante. En revanche, les ambiances naturelles viennent souvent à manquer sur les séquences en extérieur et l’ensemble se révèle souvent timide. Le report des voix est solide, la balance frontale fait gentiment son boulot, mais beaucoup de scènes reposent essentiellement sur les enceintes avant. À titre de comparaison, la version Stéréo finit par l’emporter sur la 5.1 du point de vue fluidité et homogénéité des voix avec les effets et la musique. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription pour aveugles et malvoyants.

Test DVD / On s’est fait doubler !, réalisé par Nicolas Ramade

ON S’EST FAIT DOUBLER ! réalisé par Nicolas Ramade

Acteurs : Sylvain Urban, Laure Maloisel, Aude Lanciaux, Jean-David Stepler, Xavier Ameller, Frédéric Zolfanelli, Marcus, Jean-Michel Fouque, Aurore Sellier, Jules Dousset, Otis Ngoi, Emmanuel Bonami, Jean-Gilles Barbier et les voix de Maik Darah, Patrick Poivey, Richard Darbois, Jean-Pierre Moulin, Brigitte Lecordier, Pierre Hatet, Virginie Ledieu, Thieryr Desroses, Odile Schmitt, Bernard Tiphaine, Daniel Beretta, Céline Montsarrat, Patrick Béthune, Christophe Lemoine, Benoît Allemane, Georges Caudron

Scénario : Nicolas Ramade

Photographie : Sophie Ardisson

Musique : Julien Pichard

Durée : 0h24

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Un jour, Marc et Léa, deux amis, se mettent à parler avec des voix très différentes. Marc se retrouve avec la voix de Bruce Willis, Léa avec celle de Whoopi Goldberg. Convaincus de ne pas être les seules personnes touchées par ce phénomène, ils décident de partir à la recherche de leurs semblables. Cette enquête les amènera à rencontrer les gens les plus étranges qu’ils aient jamais vus !

« Tiens, mais je la connais cette voix-là ! », « Ah t’as reconnu c’est la voix de… », « J’adore cette voix ! », « Bah zut alors, c’est pas sa voix habituelle ! », « J’ai été bercé avec cette voix toute mon enfance ! », « Je ne pourrais jamais regarder ce film autrement qu’en version française ». Qui n’a jamais prononcé ces mots ? On a tous en chacun de nous un programme télévisé, un film, une série qui nous accompagne depuis toujours et plus particulièrement une voix française, à moins d’être bilingue ou d’avoir été forcé de visionner un film en version originale ! On s’est fait doubler !, écrit et réalisé par Nicolas Ramade est un essai doublé d’un hommage à celles et ceux qui ont contribué à nous forger notre imaginaire, les comédiens spécialisés dans le doublage.

En 24 minutes et en partant d’un postulat simple, mais malin, Nicolas Ramade convoque seize de nos plus grands comédiens dont les voix font partie de notre culture cinématographique. Des timbres reconnaissables entre mille qui nous ont fait rire, peur, pleurer, qui ont contribué à nous faire aimer le cinéma. Avec le concours d’acteurs présents à l’image, Sylvain Urban, Laure Maloisel, Aude Lanciaux, Jean-David Stepler, Xavier Ameller, Frédéric Zolfanelli, Marcus, Jean-Michel Fouque, Aurore Sellier, Jules Dousset, Otis Ngoi, Emmanuel Bonami et Jean-Gilles Barbier, les voix mythiques s’invitent et s’incrustent, s’échappent et s’affolent dans une fantaisie où les références TV et ciné s’enchaînent. Parallèlement, un jeu s’instaure avec les spectateurs qui s’amusent à celui qui reconnaîtra la voix en premier. C’est une citation, une reconstitution ou tout simplement une intonation qui renvoie systématiquement et presque inconsciemment à la culture populaire et qui fait battre le coeur en même temps qu’elle renvoie à un souvenir personnel.

Nicolas Ramade a pu bénéficier du soutien et de la participation des grands noms qui ont fait l’âge d’or du doublage dans les années 1980-1990 :

Patrick Poivey : voix de Bruce Willis, Tom Cruise, Don Johnson, Mickey Rourke, Jeff Daniels…

Maik Darah : voix de Whoopi Goldberg Courteney Cox (dans Friends), Queen Latifah, Angela Bassett, Madonna, Pam Grier…

Richard Darbois : voix d’Harrison Ford, du génie dans Aladdin et de Buzz l’Eclair dans Toy Story, Danny Glover, Richard Gere, Dan Aykroyd, Jeff Goldblum, William Hurt, Patrick Swayze, Sylvester Stallone, Liam Neeson, Arnold Schwarzenegger, Bill Murray…

Bernard Tiphaine : voix de Christopher Walken, Chuck Norris, Donald Sutherland, James Caan, Jeremy Irons, Warren Beatty, Harvey Keitel…

Brigitte Lecordier : voix de San Goku enfant dans Dragon Ball…

Patrick Bethune : voix de Russell Crowe, Brendan Gleeson, Kiefer Sutherland…

Virginie Ledieu : voix de Meg Ryan et la princesse Saori dans Les Chevaliers du Zodiaque…

Daniel Beretta : voix d’Arnold Schwarzenegger

Christophe Lemoine : voix de Jack Black, Cartman dans South Park et de Sean Astin dans la trilogie Le Seigneur des Anneaux…

Céline Monsarrat : voix de Julia Roberts, Courteney Cox (tétralogie Scream) et de Bulma dans Dragon Ball

Jean-Pierre Moulin : Voix de Jack Nicholson et d’Anthony Hopkins…

Thierry Desroses : voix de Samuel L. Jackson, Wesley Snipes, Cuba Gooding Jr…

Benoît Allemane : voix de Morgan Freeman…

Pierre Hatet : voix de Christopher Lloyd…

George Caudron : voix de David Duchovny, John Hannah…

Odile Schmitt : voix d’Eva Longoria et de Tao dans Les Mystérieuses Cités d’Or…

Tous ces immenses comédiens ont donc répondu présents et de façon bénévole pour le film de Nicolas Ramade, qui a également profité du soutien d’une campagne de crowdfunding. On s’est fait doubler ! certes, mais aucunement blouser par ce court-métrage qui propose une formidable récréation en compagnie de comédiens déjantés et déchaînés à l’écran, ainsi que des voix légendaires qui font partie de notre quotidien.

LE DVD

Le DVD d’On s’est fait doubler ! repose dans un boîtier Slim au visuel soigné et attractif, qui met en avant à la fois le casting vocal et les noms des deux interprètes principaux. Le menu principal est fixe et muet.

Le film s’accompagne de quelques suppléments à ne pas manquer.

On commence par l’interview du casting vocal (24’). A tour de rôle, les comédiens reviennent sur leurs débuts dans le doublage, comme Richard Darbois à 11 ans pour La Mélodie du bonheur, Virginie Ledieu pour le personnage de Falbala sur Astérix et la Surprise de César, Jean-Pierre Moulin pour Jack Nicholson sur Vol au-dessus d’un nid de coucou. Certains indiquent quel film ou quel acteur ils ont préféré doubler (ou qu’ils auraient aimé doubler) et se souviennent avec émotion de leur rencontre avec celle ou celui qu’ils « accompagnent » de film en film.

Le making of du doublage (9’) permet de plus apprécier le travail de ces monstres à la barre, durant leur représentation.

Un petit module de 5’30 présente également l’envers du décor avec quelques répétitions des acteurs avec le réalisateur Nicolas Ramade. Nous trouvons également quelques images de tournage et des scènes ratées comme un petit bêtisier.

L’Image et le son

Voilà un beau petit master aux couleurs lumineuses, au piqué incisif et aux contrastes soignés. La copie est évidemment très propre, le cadre soigné et cette copie nous permet même d’apprécier la photo riche et élégante de Sophie Ardisson.

Même chose avec le mixage Dolby Digital 5.1 qui installe une vraie petite spatialisation avec des effets naturels sur les latérales (dans le café, dans les bureaux), des voix solidement plantées sur la centrale (ou sur les arrières avec les voix de Benoît Allemane et Pierre Hatet) et des ambiances annexes sur les frontales. Même le caisson de basses fait parler de lui à quelques reprises, tandis que la musique originale de Julien Pichard est systématiquement délivrée par l’ensemble des enceintes.

Et pour celles et ceux qui souhaiteraient découvrir On s’est fait doubler !, le court-métrage de Nicolas Ramade est disponible sur Youtube https://www.youtube.com/watch?v=cYeVRbX2hhM&feature=youtu.be