Catégorie : Comédie

Test Blu-ray / La Castagne, réalisé par George Roy Hill

LA CASTAGNE (Slap Shot) réalisé par George Roy Hill, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 2 mai 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Paul Newman, Strother Martin, Michael Ontkean, Jennifer Warren, Lindsay Crouse, Jerry Houser…

Scénario : Nancy Dowd

Photographie : Victor J. Kemper

Musique : Elmer Bernstein

Durée : 2h03

Date de sortie initiale : 1977

LE FILM

Reggie Dunlop est l’entraîneur, célèbre mais malchanceux, de l’équipe de hockey sur glace de Charleston. Ses protégés, les Chiefs, accumulent les défaites. Malgré l’état désastreux de ses finances, Joe McGrath, le manager, engage les trois frères Hanson. Véritables brutes montées sur patins, les Hanson font merveille dès qu’ils sont autorisés à quitter le banc de touche. Ils commencent par massacrer discrètement leurs adversaires à coups de crosse, avant de voler vers une victoire que l’équipe concurrente, décimée, n’est plus en état de leur disputer. L’un de leurs coéquipiers, Braden, ne partage guère leur conception du sport, mais Reggie et McGrath doivent se rendre à l’évidence : la méthode des frères Hanson est la plus efficace…

Après Butch Cassidy et le Kid (1969) et L’Arnaque (1973, Oscar du meilleur réalisateur), le cinéaste George Roy Hill (1921-2002) et le comédien Paul Newman s’associent pour un troisième et dernier tour de piste avec La Castagne aka Slap Shot en version originale. Cette fois, la piste est glacée puisque le metteur en scène d’Abattoir 5 (1972), La Kermesse des aigles (1974) et du Monde selon Garp (1982) envoie son acteur fétiche sur une patinoire. Risée du public, les Chiefs sont une équipe de troisième ordre qui stagne dans les bas-fonds du classement de la Ligue fédérale de hockey. Parallèlement, la principale usine de Charlestown fermera bientôt, emportant avec elle le club et ses 10.000 employés. Dunlop, jouant le tout pour le tout, fait d’abord croire au déménagement de l’équipe en Floride afin de stimuler ses joueurs. Malgré le désastre économique que représente cette fermeture, les ouvriers assurant jusque-là un maigre soutien financier, les dirigeants de l’équipe engagent trois nouveaux joueurs, les frères Hanson, qui sont de véritables brutes. Leur venue incite Reggie à prôner un style de jeu violent et agressif, au grand plaisir des spectateurs qui ne demandent que ça.

Chers spectateurs, bienvenus dans une comédie sportive jubilatoire ! Si le terme sauvage feel good movie n’était pas encore inventé à l’époque, La Castagne serait aujourd’hui considéré comme tel s’il venait de sortir sur les écrans. D’ailleurs, le film de George Roy Hill n’a pas pris une ride et demeure un fabuleux moment de cinéma et de rigolade. En racontant les déboires d’une médiocre équipe de hockey des ligues mineures, les Chiefs de Charlestown ligue fictive inspirée par la North American Hockey League, avec leur joueur-entraîneur qui prend de la bouteille et ses équipiers tous plus allumés les uns que les autres, le réalisateur signe un film formidable et enthousiasmant du début à la fin. A sa sortie, La Castagne a été largement critiqué pour ses dialogues décomplexés jugés vulgaires, mais dans l’ensemble, l’énergie dévastatrice du film a été louée de toute part. Sur un rythme enlevé, George Roy Hill suit cette équipe de bras cassés qui s’apparente plus à des grands gamins survoltés qui règlent leurs comptes dans un bac à sable où tous les coups sont permis qu’à une véritable armada de joueurs de hockey sur glace.

En constatant que les bastons leur amènent une nouvelle popularité, les joueurs s’en donnent à coeur joie, attendant le coup de sifflet (parfois non) pour se jeter sur leurs adversaires, tout aussi avides qu’eux de donnes des coups de crosses bien sentis. Mais à côté de cela, le cinéaste dresse également le portrait d’hommes et de femmes, simples habitants d’une petite ville industrielle au bord de la ruine, qui tentent de survivre avec bonne humeur et optimisme, malgré leurs déboires sentimentaux pour certains et les défilés de mode minables qu’on leur impose pour faire de la pub. On s’attache immédiatement à cette équipe menée par un Paul Newman au sommet, à qui le look des années 1970 va comme un gant, entre cuir et fourrure, cols pelle à tarte et lunettes fumées, aussi à l’aise dans ses scènes dramatiques que sur la glace après un entraînement intensif de près de deux mois. A ses côtés, se démarque également Michael Ontkean, plus connu sous le nom du Sheriff Harry S. Truman de la série Twin Peaks, lui-même ancien joueur de hockey. N’oublions pas la présence de véritables joueurs engagés pour l’occasion comme Jeff et Steve Carlson qui interprètent deux des frères Hanson, le troisième étant tenu par…Dave Hanson.

Devenu un vrai film culte, tout d’abord au Canada puis dans le reste du monde, cette satire irrévérencieuse sur l’évolution du sport à la fin des années 70 a connu deux suites tardives destinées au marché de la vidéo en 2002 et 2008. Mais c’est aussi et avant tout LA référence du genre.

LE BLU-RAY

La Castagne est disponible en combo Blu-ray-DVD chez Elephant Films. Le test de l’édition HD a été réalisé sur un check-disc. Le menu principal est élégant, animé et musical.

Journaliste à SFR Sport, Sophie Serbini réalise une excellente présentation de La Castagne, tout en évoquant le hockey sur glace, le sport lui-même puis le sujet abordé au cinéma (16’). Dynamique et dans son élément, Sophie Serbini évoque la collaboration de Paul Newman avec George Roy Hill, les thèmes de La Castagne, mais aussi l’histoire du hockey sur glace, de sa naissance au Canada jusqu’à sa renommée mondiale, les grands noms qui se sont illustrés dans ce sport et son évolution. Notre interlocutrice mentionne également les autres films avec le hockey sur glace comme sujet principal à l’instar deux suites de La Castagne (dont nous parlons dans la critique), Les Petits champions – The Mighty Ducks (produit par Disney), sans oublier Les Boys, gigantesque succès du cinéma québécois, qui avait donné du fil à retordre à Titanic en récoltant quasiment autant au box-office en 1997 ! Un triomphe qui a donné suite à 4 autres volets et une série télévisée.

Nous retrouvons Sophie Serbini dans le segment suivant, ainsi que son confrère Charles Alf Lafon de So Film. Dans ces entretiens croisés, les deux journalistes proposent un portrait de Paul Newman (15’). L’homme engagé, le mari, le père, l’acteur, le réalisateur, le sportif, toutes ces facettes sont abordées en un petit quart d’heure plutôt plaisant qui donne envie de se refaire une petite rétrospective consacrée à ce monstre hollywoodien.

Une fois n’est pas coutume, l’éditeur joint un commentaire audio. Disponible en version originale sous-titrée en français, l’exercice est ici réalisé par « les frères Hanson ». Attention, parmi les trois comédiens, seuls deux sont vraiment frères, Jeff et Steve Carlson (respectivement les n°18 et n°17 dans le film), accompagnés de Dave Hanson (le n°16) qui campe le troisième de la fratrie dans La Castagne. Véritables joueurs professionnels, les trois sportifs se remémorent le tournage du film, même si de nombreux silences entrecoupent leurs interventions. Souvent potaches, se marrant de leur interprétation, les trois complices ont finalement peu de choses à dire sur le film et c’est bien dommage. Deux heures qui passent lentement et qui n’apportent rien il faut bien être honnête, à part savoir que tel magasin n’existe plus, qu’un tel est mort, que ce gymnase existe encore aujourd’hui…

En revanche, vous en saurez sans doute plus sur la production de La Castagne à travers la petite vidéo qui convie une fois de plus « les frères Hanson » (5’). Les trois sportifs parlent du casting, de leur participation au film, du succès de La Castagne et du travail avec Paul Newman.

L’interactivité se clôt sur une galerie de bandes-annonces de films disponibles chez Elephant Films, sans oublier une galerie de photos.

L’Image et le son

Elephant Films livre un master HD (1080p, AVC) de haute qualité. Les partis pris esthétiques du mythique directeur de la photographie Victor J. Kemper (Un après-midi de chien, Husbands, Le Dernier nabab) trouvent en Blu-ray un nouvel écrin et se voient entièrement respectés. Point ou peu de réducteur de bruit à l’horizon, le grain est présent tout en étant discret, la colorimétrie retrouve un certain éclat et le piqué est probant. Le format original est conservé, la profondeur de champ fort appréciable. Notons tout de même quelques plans flous, divers mouvements de caméra qui entraînent quelques pertes de la définition, des séquences sombres moins précises avec des noirs tirant sur le bleu et des visages légèrement rosés ou cireux. Néanmoins, l’encodage AVC demeure solide et la propreté est indéniable.

Les versions originale et française bénéficient d’un mixage DTS-HD Master Audio 2.0. Le confort acoustique est largement assuré dans les deux cas. L’espace phonique se révèle probant et les dialogues sont clairs, nets, tout comme la musique très bien délivrée. Que vous ayez opté pour la langue de Shakespeare (conseillée) ou celle de Molière, aucun souffle ne vient parasiter votre projection et l’ensemble reste propre. La piste française, moins naturelle que son homologue, place peut-être les voix trop en avant par rapport aux ambiances annexes, mais cela demeure anecdotique. Chose amusante, l’éditeur joint également une piste québécoise absolument tordante, qui était déjà disponible sur le DVD.

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Comment claquer un million de dollars par jour, réalisé par Walter Hill

COMMENT CLAQUER UN MILLION DE DOLLARS PAR JOUR (Brewster’s Millions) réalisé par Walter Hill, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 14 décembre 2016 chez Elephant Films

Acteurs : Richard Pryor, John Candy, Lonette McKee, Stephen Collins, Jerry Orbach, Pat Hingle, Hume Cronyn…

Scénario : Herschel Weingrod, Timothy Harris d’après le roman « Brewster’s Millions » de George Barr McCutcheon

Photographie : Ric Waite

Musique : Ry Cooder

Durée : 1h42

Date de sortie initiale : 1985

LE FILM

A New York, Montgomery Brewster apprend qu’il vient d’hériter d’un grand-oncle inconnu. Mais une clause du testament stipule que toute sa fortune, soit trois cents millions de dollars, ne lui reviendra que s’il réussit à dépenser en trente jours, trente millions de dollars. En cas d’échec, l’argent de l’héritage reviendra à Granville et Baxter, deux financiers. Brewster accepte de tenir le pari et devient incroyablement prodigue, malgré les conseils de ses amis, qui lui suggèrent de faire fructifier son bien. Grâce à ses facéties, Brewster passe de l’anonymat à la gloire. Pour atteindre son but, il se lance ensuite dans la course à la mairie de New York et incite les électeurs à ne voter pour aucun candidat…

En 1968, Walter Hill commence sa carrière en tant que réalisateur de seconde équipe sur L’Affaire Thomas Crown de Norman Jewison puis sur le non moins mythique Bullitt de Peter Yates. Quatre ans plus tard il signe le scénario de Guet-Apens de Sam Peckinpah, d’après le roman de Jim Thompson, qui témoigne de son attrait pour la représentation de la violence sans fioritures. Il signe sa première mise en scène en 1975, Le Bagarreur, dans lequel il dirige Charles Bronson et James Coburn. Son quatrième long métrage, Le Gang des frères James, lui permet d’aborder un nouveau genre, celui du western, à travers l’histoire du gang James-Younger et leurs célèbres attaques de trains et de banques jusqu’à la tuerie de Northfield (Minnesota). Suivent Sans retour et surtout 48 heures, son plus grand succès. Avec ce film, Walter Hill montre qu’il est évidemment à l’aise dans les scènes d’action, mais aussi dans celles de pure comédie. Après l’échec non mérité de Streets of Fire (Les Rues de feu), un de ses films les plus atypiques, le cinéaste se voit proposer Comment claquer un million de dollars par jour – Brewster’s Millions, d’après le roman de George Barr McCutcheon publiée en 1902.

Le livre avait déjà fait l’objet de plusieurs adaptations. La première en 1914, coréalisée par Cecil B. DeMille, une autre en 1921 avec le célèbre Roscoe ‘Fatty’ Arbuckle, avant d’être à nouveau transposé en 1926 avec cette fois-ci un personnage féminin au centre de l’intrigue. Au total, sept adaptations verront le jour avant celle de Walter Hill, dont une du prolifique Allan Dwan en 1945 avec Dennis O’Keefe et encore une autre par Sidney J. Furie avec Jack Watling en 1961. Sur un scénario de Herschel Weingrod et Timothy Harris, les deux auteurs du merveilleux Un fauteuil pour deux de John Landis, Walter Hill signe une comédie percutante, menée à un train d’enfer, à la fois dans l’air du temps, tout en s’inspirant du genre qui fleurissait dans le cinéma américain dans les années 1950.

Monty Brewster, un joueur de base-ball de troisième zone jouant à Hackensack, est un jour convié à un rendez-vous dans le cabinet d’avocats Granville & Baxter à Manhattan. Il apprend que son grand-oncle fortuné Rupert Horn, qu’il ne connaissait pas, est décédé et qu’il est son seul héritier. A la clé : 300 millions de dollars ! Mais il y a une condition, une clause difficile à remplir : pour pouvoir toucher l’héritage, il doit d’abord dépenser 30 millions de dollars en 30 jours, sans rien acquérir, et sans rien dire à qui que ce soit ! Il se lance alors dans des dépenses effrénées, le faisant passer pour un fou. Le cinéaste utilise la ville de New York comme un véritable terrain de jeu où il lâche et laisse ses personnages s’agiter dans tous les sens. A la fois comédie de mœurs et burlesque, Comment claquer un million de dollars par jour découle d’Un fauteuil pour deux dans la forme, mais également dans ses thèmes qui reflètent la politique américaine reaganienne, où le billet vert est roi, où la réussite sociale prévaut sur tout le reste.

Mis en scène entre les deux mandats successifs de Ronald Reagan, Comment claquer un million de dollars par jour allie à la fois l’étude sociale toujours d’actualité (ou comment un inconnu peut devenir célèbre s’il est riche) au divertissement, la politique au buddy movie. Jusqu’alors habitué aux polars et au western, Walter Hill filme sa comédie comme un film d’action, où les punchlines remplacent les coups de feu. Pour cela, il peut faire entièrement confiance à ses deux stars, Richard Pryor, roi du stand-up alors au sommet de sa gloire au cinéma, et le formidable John Candy, devenu incontournable depuis 1941 de Steven Spielberg, The Blues Brothers de John Landis et Splash de Ron Howard. Le duo fait des étincelles et porte le film dont le rythme effréné n’a d’égal que la tchatche des deux comédiens. A ceux-ci s’ajoutent le charme de Lonette McKee, les tronches formidables de Pat Hingle et d’Hume Cronyn, l’apparition de Rick Moranis et toute une ribambelle de seconds rôles déjà vus maintes fois au cinéma et qui pourraient intégrer la rubrique « On ne sait jamais comment ils s’appellent ».

Véritable tour de force comique, ouragan de gags déjantés, averse de dialogues percutants mis en valeur par la musique de Ry Cooder et saupoudré d’une aura à la Capra, Comment claquer un million de dollars par jour ne bénéficie pas du même statut culte que d’autres comédies du même genre en France et mérite donc d’être sacrément réévalué.

LE BLU-RAY

Comment claquer un million de dollars par jour est disponible en combo Blu-ray-DVD chez Elephant Films. Très beau visuel. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément en dehors de bandes-annonces originales de films disponibles dans le catalogue de l’éditeur.

L’Image et le son

L’image de la précédente édition SD sortie en 2002 chez Universal n’avait pas été restaurée et manquait cruellement d’éclat. Pour son passage inespéré en HD sous la houlette d’Elephant Films, Comment claquer un million de dollars par jour se refait une petite beauté et dès le générique, on perçoit le travail effectué puisque les tâches qui émaillaient les credits ont ici purement et simplement disparu. L’ensemble est plus riche et lumineux, la netteté plus évidente, la gestion du grain plus équilibrée et les fourmillements stabilisés grâce au codec AVC. La colorimétrie retrouve également une certaine vivacité qu’on ne lui connaissait pas, les costumes s’en trouvent rajeunis. Seul le piqué demeure peu pointu sur les séquences sombres et tamisées, les contrastes un peu légers et la profondeur de champ limitée.

Comment claquer un million de dollars par jour est disponible en version originale et française DTS-HD Master Audio 2.0. La première instaure un confort acoustique plaisant avec une délivrance suffisante des dialogues, des effets annexes convaincants et surtout une belle restitution de la musique. La piste française se focalise souvent sur les voix au détriment des ambiances environnantes, même si le doublage est particulièrement réussi. Les deux options acoustiques sont propres et dynamiques.

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Paterson, réalisé par Jim Jarmusch

PATERSON réalisé par Jim Jarmusch, disponible en DVD et Blu-ray le 26 avril 2017 chez Le Pacte

Acteurs : Adam Driver, Golshifteh Farahani, Kara Hayward, Trevor Parham, William Jackson Harper, Frank Harts…

Scénario : Jim Jarmusch

Photographie : Frederick Elmes

Musique : Jim Jarmusch, Carter Logan, Sqürl

Durée : 1h58

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Paterson vit dans une ville qui porte le même nom que lui, dans l’Etat du New Jersey. La cité, qui a hébergé plusieurs écrivains, de William Carlos Williams à Allen Ginsberg, inspire également le jeune homme. Chauffeur de bus, Paterson est aussi un poète minimaliste, qui consigne tous ses textes dans un petit carnet. En dehors de cette activité, la vie de Paterson, qui boit tous les jours une bière dans le même bar avant de rentrer chez lui, est parfaitement réglée. Celle de son épouse, l’enthousiaste Laura, artiste particulièrement inventive, s’articule autour du noir et du blanc, qu’elle décline dans toutes ses créations…

Paterson aurait mérité la Palme d’Or. Voilà c’est lâché d’entrée de jeu. Le douzième long métrage de Jim Jarmusch est tellement unique, décalé, inclassable, qu’on lui décernerait d’ailleurs tous les prix. C’est un film magique, mûrit pendant vingt ans, qui agit comme une petite séance d’hypnose, qui installe un univers délicat, moelleux et tendre, teinté d’humour, bordé d’amour et débordant de poésie. Paterson (Adam Driver) vit à Paterson, New Jersey, 150.000 habitants, ville de poètes en décrépitude qui vit passer William Carlos Williams ou encore Allen Ginsberg. Chauffeur de bus d’une trentaine d’années, il mène une vie réglée aux côtés de Laura (Golshifteh Farahani), qui multiplie projets et expériences avec enthousiasme, et de Marvin, bouledogue anglais. Chaque jour, Paterson écrit des poèmes sur un carnet secret qui ne le quitte jamais.

Jim Jarmusch filme le quotidien dans ce qu’il a de plus pur, de plus simple, comme les rituels du matin, 6h15, quand Paterson et Laura se réveillent doucement, caressés par les premiers rayons du soleil. Puis Paterson prend son breakfast avant d’aller travailler. Jim Jarmusch filme sa petite ville située à une trentaine de kilomètres de New York, comme isolée sous un dôme qui serait quasi-infranchissable pour son personnage principal. Il se dégage de Paterson, le film et non le personnage principal, une aura presque fantastique, à l’instar de l’omniprésence de jumeaux croisés sur le chemin du travail. Comme dans Groundhog Day, chaque jour est un éternel recommencement avec les mêmes habitudes d’un couple de jeunes trentenaires. Paterson ne s’en plaint pas, tout comme sa compagne.

S’il n’a visiblement pas l’occasion de dépasser souvent le panneau de sortie de la ville, cela n’empêche pas Paterson de s’évader à travers les mots. Ceux qu’il écoute à travers les multiples conversations dans son bus, le numéro 23, mais aussi ceux qui le hantent, ceux qui viennent à lui, ceux qui doivent être posés dans un carnet qui leur sont destinés. Paterson se réserve plusieurs moments dans la journée, ce sont les siens, faits uniquement pour lui, tandis qu’il se repose dans des lieux encore marqués par la présence du poète William Carlos Williams (1883-1963), grand représentant du modernisme et de l’imagisme, qui lui aussi exerçait une activité professionnelle en parallèle (pédiatre et médecin généraliste) à l’écriture. Dans un autre registre, mais tout aussi présent, il y a aussi le comique Lou Costello, célèbre comparse d’Abbott et dont la statue de bronze trône sur une place. Le personnage principal, magnifiquement interprété par un Adam Driver en état de grâce, n’a pas la prétention d’égaler son poète de référence, qui est d’ailleurs encore omniprésent dans la ville à travers les monuments et fêtes locales organisées, mais les mots le font avancer, accepter doucement, mais sûrement le quotidien. Ces mots exsudent dans une quasi-psalmodie, puis couchés sur le papier, avant d’être recopiés le soir devant une bière en parlant de tout et surtout de rien avec le barman.

Dans cette ville ouvrière, Jim Jarmusch, ne cherche pas le réalisme ou l’étude sociale, d’autant plus que Paterson est une ville en réalité marquée par une forte criminalité et une grande violence jamais évoquées dans le film. Ce que le réalisateur souhaite restituer, c’est cette bulle de confort souvent décriée ou mal vue du train-train, mais aussi la possibilité pour les êtres sensibles d’y trouver leur bonheur et de s’y épanouir. Paterson a donc sa petite amie Laura à ses côtés. Lumineuse, pour ne pas dire solaire, pléonasme quand on sait qu’elle est incarnée par Golshifteh Farahani, Laura déborde de projets : réaliser des cupcakes pour les vendre ensuite sur le marché, dessiner sur les rideaux (elle est décoratrice à ses heures) en noir et blanc uniquement, embrasser Paterson quand il revient du travail, gratter la tête de son chien Marvin tout en pensant peut-être à devenir une chanteuse country. Marvin n’est pas oublié et campe le troisième personnage à part entière du film. Burlesque, charismatique (oui), expressif, ce bouledogue (en réalité campé par la chienne Nellie, disparue avant la sortie du film) a lui aussi ses rituels, notamment avec le poteau de la boîte aux lettres.

Les jours s’écoulent doucement pour Paterson et Laura, ils sont heureux ensemble, on les regarde avec les yeux brillants, on se sent bien avec eux. Jim Jarmusch capture l’essence d’une ville, d’un quartier, d’une maison en particulier et de son trio de personnages ordinaires et pourtant héros de tous les jours, qui parviennent à transformer la vie courante et l’accoutumé en nouvelle aventure. Chaque lever de soleil sera accompagné de nouveaux mots, d’une nouvelle position dans le lit, des cheveux de Laura qui seront étalés différemment sur l’oreiller et dans lesquels on aimerait se noyer. L’humour, la singularité, la poésie sont présents journellement, dans les petits détails ordinaires, dans les instantanés, la pluie, les allumettes de différentes marques disposées un peu partout dans la maison, sans raison aucune, mais dont on remarque la présence, tout en s’interrogeant sur leur diversité et en louant leur beauté singulière.

Alors embarquez à bord de ce bus et laissez vous conduire par Paterson qui vous emmènera à travers les rues lumineuses de cette fable miraculeuse, qui rend le plus bel hommage qui soit aux artistes du quotidien.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Paterson, disponible chez Le Pacte, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Gros bémol de cette édition, l’absence de suppléments en dehors de la bande-annonce.

L’Image et le son

Le Blu-ray au format 1080p est édifiant sur les séquences diurnes tournées en extérieur, avec une admirable restitution des textures et un relief confondant. Même chose dans les intérieurs et les scènes sombres, avec un report des détails mais qui aurait pu être encore plus incisif et le piqué plus vif. La définition n’est évidemment pas décevante et les contrastes sont denses à souhait. La colorimétrie est également éclatante, la clarté très agréable et le cadre habilement exploité avec une brillante profondeur de champ.

Nous trouvons ici deux pistes DTS-HD Master Audio 5.1, anglaise et française. Disons le d’emblée, le soutien des latérales est anecdotique pour un film de cet acabit. Les enceintes arrière servent essentiellement à spatialiser la très belle musique du film et quelques ambiances naturelles. Les dialogues et la balance frontale jouissent d’une large ouverture, et parviennent à instaurer un confort acoustique suffisant. Les sous-titres sont imposés sur la version originale. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés aux spectateurs sourds et malentendants, ainsi qu’une piste d’audiodescription DTS Digital Surround 2.0.

Crédits images : © Mary Cybulski / Le Pacte / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Brancaleone s’en va-t-aux croisades, réalisé par Mario Monicelli

BRANCALEONE S’EN VA-T-AUX CROISADES (Brancaleone alle Crociate) réalisé par Mario Monicelli, disponible en DVD et Blu-ray le 28 mars 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Vittorio Gassman, Adolfo Celi, Stefania Sandrelli, Sandro Dori, Beba Loncar, Gigi Proietti, Lino Toffolo, Paolo Villaggio…

Scénario : Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Mario Monicelli

Photographie : Aldo Tonti

Musique : Ira Newborn

Durée : 2h

Date de sortie initiale : 1970

LE FILM

En voyage avec une armée de miséreux, à la conquête du Saint Sépulcre, Brancaleone de Norcia perd tous ses compagnons dans la bataille. Désespéré, il invoque la Mort puis prend peur et demande un délai qui lui est accordé. Après avoir sauvé la vie à un nouveau-né, fils d’un roi normand, il se remet en route – avec une nouvelle armée de loqueteux – pour ramener l’enfant à son père. En chemin, il sauve du bûcher une jeune sorcière, accueille à ses côtés un lépreux, rend visite à un ermite dans une grotte et escorte le Pape Grégoire VII en visite à un stylite perché sur sa colonne. Après avoir réglé un différend entre le souverain pontife et l’antipape Clément III, Brancaleone découvre que le lépreux est en réalité une princesse.

Brancaleone s’en va-t-aux croisades – Brancaleone alle crociate, comédie de Mario Monicelli réalisée en 1970, fait suite au triomphe critique et commercial de L’Armée Brancaleone – L’Armata Brancaleone, du même réalisateur, sorti en 1966 mais inédit dans les salles françaises. Porté par Vittorio Gassman (1922-2000), gigantesque acteur dramatique puis pilier de la comédie transalpine avec une carrière comptant près de 130 films, ce film prend la forme d’une épopée bouffonne ou d’une farce médiévale. Nanti d’une perruque improbable et d’une épée surdimensionnée, l’acteur est de tous les plans et se délecte des savoureux et incroyables dialogues (parfois en vers) conçus pour mettre sans mal son immense talent en valeur, son bagout et sa gestuelle uniques qui ont fait son succès pendant plus de cinquante ans. C’est peu dire qu’il se délecte de ce rôle de chevalier don quichottesque perdu dans une situation de plus en plus invraisemblable.

Sur un scénario précis et fabuleux écrit par Mario Monicelli et le mythique duo Age & Scarpelli, tout est ici prétexte pour laisser le champ libre à l’acteur qui s’en donne à coeur joie. Après avoir traversé la Méditerranée en quelques minutes (en réalité un lac), en route pour la Terre Sainte, les compagnons de Brancaleone sont décimés par des barbares. Le Chevalier survit presque par miracle, mais rencontre la Faucheuse (Le Septième Sceau d’Ingmar Bergman n’est pas loin), qui lui annonce son futur trépas. Pour obtenir un salut incertain, Brancaleone, sur son fidèle destrier jaune poussin à cornes, sauve de la mort un bébé, qui s’avère être le fils d’un roi. Réunissant autour de lui une troupe d’improbables hères (un lépreux, un nain, un pénitent à la recherche de la punition physique, un aveugle, un unijambiste), il décide de ramener l’enfant à son père. En chemin, il rencontrera (entre autres) une sorcière (magnifique Stefania Sandrelli), un dangereux rival, et deux prétendants-papes, qu’il devra aider à départager. Autant dire que Brancaleone s’en va-t-aux croisades est un film rempli d’aventures burlesques et désopilantes, mais pas que. C’est aussi et avant tout un magnifique film de cinéma aux décors naturels splendides (le film a été tourné principalement en Algérie), aux costumes soignés, tout comme la reconstitution du Moyen Age voulue sérieuse par Mario Monicelli y compris dans ses coutumes barbares.

Le cinéaste a voulu créer une arène réaliste, afin de mieux créer le décalage entre le personnage fantaisiste de Brancaleone et le monde dans lequel il évolue. Comme une œuvre de Pier Paolo Pasolini sous amphétamines. Déchaîné du début à la fin, Vittorio Gassman ne tient pas en place et parvient une fois de plus à créer un personnage emblématique auquel on s’attache malgré son ego démesuré et sa couardise. A l’instar du personnage d’Alberto Sordi dans Un héros de notre temps, Brancaleone a pour spécialité de vouloir éviter tous les conflits et les engagements, mais n’hésite pas à aller franchement au combat quand cela s’impose.

Avant l’explosion de la comédie dite « à l’italienne » avec Le Pigeon (1958) et La Grande Guerre (1959), Mario Monicelli (1915-2012) avait déjà su s’imposer comme un maître de la comédie avec un sens particulièrement aiguisé de l’observation de ses contemporains. Brillante et magistrale comédie, soutenue par la beauté de la photographie d’Aldo Tonti et la musique de Carlo Rustichelli, Brancaleone s’en va-t-aux croisades dresse en parallèle un constat éloquent et d’une remarquable intelligence sur la violence et l’absurdité des guerres de religion, dont s’inspireront largement les Monty Python pour leur Sacré Graal !, y compris pour les différentes animations et panneaux de transition.

Satirique, rocambolesque, loufoque (fou-rire garanti lors de la marche sur les charbons ardents !), irrévérencieuse, menée à cent à l’heure, mais aussi merveille visuelle (l’arbre des pendus), cette comédie souvent amère, magistralement mise en scène et interprétée par un comédien toujours en état de grâce, est un chef d’oeuvre du genre qui enchaîne les scènes anthologiques comme des perles sur un collier.

LE DVD

A l’instar du Prophète et de Moi, moi, moi et les autres, récemment chroniqués dans nos colonnes, le DVD de Brancaleone s’en va-t-aux croisades est disponible chez ESC Editions, dans une nouvelle collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits seront même proposés en Haute-Définition ! La jaquette est très attractive et le verso montre tous les titres bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet et le boîtier glisser dans un surétui cartonné.

Pour information, cette collection sortira dans les bacs en trois vagues. La première, celle que nous commençons à chroniquer, est sortie le 28 mars 2017 : Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). Au mois de juin, l’éditeur prévoit : Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). Il faudra attendre le mois de septembre pour compléter sa collection avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

En plus d’une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro, ESC Editions propose une présentation de Brancaleone s’en va-t-aux Croisades par Stéphane Roux, historien du cinéma (11’). Notre interlocuteur replace le film qui nous intéresse dans l’immense carrière de Mario Monicelli et évoque bien entendu le premier volet des aventures de Brancaleone sorti en 1966, L’Armée Brancaleone. Le fond et la forme se croisent habilement, même si certains propos auraient mérité d’être plus approfondis. Les partis pris, le casting, le triomphe du film sont également abordés.

L’Image et le son

Jusqu’alors inédit en DVD et remasterisé, Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli bénéficie d’un beau transfert DVD avec un grain naturel très bien géré, y compris sur les séquences sombres. La définition est équilibrée dès le générique coloré et animé, tandis que le master trouve immédiatement un équilibre fort convenable. Les superbes partis pris esthétiques du directeur de la photographie Aldo Tonti (Les Amants diaboliques, Reflets dans un œil d’or) sont savamment pris en charge et restitués. Les contrastes sont plutôt bien appuyés, y compris les noirs, la copie affiche une propreté ainsi qu’une stabilité rarement prises en défaut et les séquences diurnes sont lumineuses à souhait.

Le film est proposé en langue italienne uniquement. La piste Dolby Digital 2.0 également restaurée offre un parfait rendu des dialogues, très dynamiques, et de la musique. Aucun souffle constaté. Le niveau de détails est évident et les sons annexes sont extrêmement limpides. Notons également les problèmes au niveau des retranscriptions des « oe » (« coeur » apparaît « ceur »).

Crédits images : © RTI S.P.A. / ESC Conseils / Captures du DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Cheeseburger Film Sandwich, réalisé par Joe Dante, John Landis, Peter Horton, Carl Gottlieb et Robert K. Weiss

CHEESEBURGER FILM SANDWICH (Amazon Women on the Moon) réalisé par Joe Dante, Carl Gottlieb, Peter Horton, John Landis et Robert K. Weiss, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD le 14 décembre 2016 chez Elephant Films

Acteurs : Rosanna Arquette, Michelle Pfeiffer, Carrie Fisher, B.B. King, Bryan Cranston, Russ Meyer, Henry Silva, Griffin Dunne, Joe Pantoliano, Steve Guttenberg, Robert Picardo, Ed Begley Jr., Kelly Preston…

Scénario : Michael Barrie, Jim Mulholland

Photographie : Daniel Pearl

Musique : Ira Newborn

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 1987

LE FILM

Une suite improbable de sketches surréalistes, parodies de publicités et de films à petits budgets des années 50 à 80 ; avec en toile de fond la diffusion du film « Amazon Women on the Moon », qui est sans cesse interrompue…

Dix ans après le cultissime The Kentucky Fried Movie, baptisé dans nos contrées Hamburger Film Sandwich, John Landis décide de remettre le couvert pour Amazon Women on the Moon aka Cheeseburger Film Sandwich. Cette fois, bien que les ZAZ manquent à l’appel au scénario et s’il ne s’agit en aucun cas d’une suite, John Landis n’est pas seul derrière à la barre de ce désopilant film à sketches. Joe Dante (qu’on ne présente plus), Carl Gottlieb (scénariste des Dents de la mer et de ses deux suites directes), Peter Horton (comédien inconnu en France) et Robert K. Weiss (producteur de The Blues Brothers, Police Squad et plus tard de la trilogie Y a-t-il un flic pour sauver…?) se sont relayés pour les multiples segments, ou devrait-on dire ingrédients qui composent ce « Cheeseburger » hautement recommandé.

Rien ne relie ces petites histoires courtes, burlesques et d’humour noir, si ce n’est la diffusion d’un pseudo-film de science-fiction à petit budget des années 1950. Il s’agit bien évidemment d’une parodie géniale de ce genre de séries B (voire Z) qui fleurissaient à cette époque, avec ici une Sybil Danning à se damner en reine des amazones. Bien que le film soit annoncé sans aucune interruption publicitaire, ce ne sera pas vraiment le cas puisque la copie ancienne (avec des marques du genre Gindhouse) se déchire ou brûle. À chaque reprise, le présentateur annonce une année de production différente. Le nom indiqué pour le réalisateur est « Samuel L. Bronkowitz », un nom fictif déjà utilisé à de multiples reprises par John Landis lui-même dans Hamburger Film Sandwich, alors que ce segment a été mis en scène par Robert K. Weiss.

Ces cinq cinéastes se relaient pour des sketchs, certes inégaux comme c’est souvent le cas dans ce genre de productions, mais qui n’en demeurent pas moins efficaces et franchement tordants. Certes, les scénaristes Michael Barrie et Jim Mulholland n’ont pas l’humour dévastateur ni le génie des ZAZ, mais tout de même, certains segments restent hilarants, surtout ceux réalisés par John Landis lui-même. C’est le cas du prologue intitulé Mondo Cordo, qui montre un homme (Arsenio Hall vu dans Un Prince à New York) qui doit faire face à de multiples dangers domestiques tandis qu’un inconnu l’appelle sans cesse au téléphone pour parler à une certaine Selma. Landis dirige également Michelle Pfeiffer, Griffin Dunne et Peter Horton dans le sketch Hospital, l’histoire d’une femme qui vient d’accoucher à la clinique et qui apprend avec son mari que leur bébé a été « temporairement égaré ».

Citons également en vrac (comme le film et c’est pourquoi c’est si bon) :

Pethouse Video : Taryn Steele (la sublime playmate Monique Gabrielle) nous parle de sa vie en toute simplicité, déambulant dans la rue dans le plus simple appareil.

Murray in Videoland : Murray (Lou Jacobi) découvre les joies de la télécommande… mais se retrouve bientôt lui-même prisonnier du petit écran en passant de film en film…jusqu’à ce qu’il se retrouve dans les mains de King Kong ou en charmante compagnie (encore Monique Gabrielle) dans un jacuzzi.

Hair Looming : Une publicité pour un procédé révolutionnaire de transplantation de cheveux.

Blacks Without Soul : Le véritable B.B. King participe à une publicité pour une campagne de dons visant à réintégrer dans la société des « personnes noires sans âme ».

Two I.D.’s : Jerry (Steve Guttenberg), un séducteur invétéré, espère courtiser Karen (Rosanna Arquette), mais celle-ci lui demande deux pièces d’identité et obtient, grâce à une machine révolutionnaire, le détail des précédentes conquêtes de son prétendant. Ce qui va couper court aux espoirs du malheureux.

Bullshit or not ? : Le comédien Henry Silva présente une émission télévisée enquêtant sur les grands mystères de l’humanité. Aujourd’hui, on apprend, reconstitution à l’appui, que Jack l’Eventreur était probablement le Monstre du Loch Ness !

Critic’s Corner : Dans cette émission culturelle, deux critiques cinématographiques échangent leur point de vue sur des films récents. Aujourd’hui ils présentent leur nouvelle rubrique « Real Life Reviews » dans laquelle ils critiquent la vie d’un de leurs téléspectateurs alors que celui-ci regarde le show en direct, avant de s’écrouler devant l’écran, terrassé par une crise cardiaque annoncée quelques secondes auparavant par les critiques.

Silly Paté : Une publicité pour un pâté élastique révolutionnaire qui saura égayer vos soirées entre amis.

Roast Your Loved One : Une cérémonie funèbre avec un éloge pas vraiment élogieux !

Video Pirates : Après avoir pris possession d’un navire adverse, des pirates mettent la main sur une cargaison de vidéos (et même de Laserdiscs) arrivées sur le marché de manière illégale. Les flibustiers s’esclaffent en découvrant le message d’avertissement du FBI en début de programme d’un des films piratés.

Son of the Invisible Man : La suite tant attendue de L’Homme Invisible, le classique de 1933. Sauf que le fils de l’homme invisible n’a plus tous ses esprits et n’est pas aussi invisible qu’il se l’imagine. Il déambule donc nu comme un vers au milieu des piliers de bar, visiblement habitués à cette crise de démence.

Art Sale : Le Cosmopolitan Museum of Art arrivant au terme de son bail, le musée brade toute sa collection auprès du grand public.

Titan Man : Un jeune homme sur le point de conclure avec sa petite amie (Kelly Preston) se rend dans une pharmacie pour y acheter des préservatifs en toute discrétion (du moins le pense-t-il).

Video Date : Un jeune homme, Ray (Marc McClure), cherche une vidéo pour occuper son samedi soir. Le vendeur du vidéo-club (Russ Meyer) lui propose une cassette très particulière puisque les protagonistes du film s’adressent à lui directement.

Reckless Youth : Mary Brown (Carrie Fisher) vient se confier à un docteur (Paul Bartel) qui lui diagnostique une « maladie sociale » après s’être fourvoyée avec des personnes peu recommandables.

Voilà tout le programme qui vous attend. Un film concept à la zapping extrêmement généreux (y compris en donzelles dénudées), politiquement incorrect, vraiment drôle (et encore plus en version française) et même soigné sur la forme avec des parodies très réussies dans lesquelles « lots of actors » – comme ils sont crédités au générique – s’amusent comme des gamins.

LE BLU-RAY

Cheeseburger Film Sandwich est disponible en combo Blu-ray-DVD chez Elephant Films. Très beau visuel. Le menu principal est animé et musical.

La section des suppléments démarre par un bêtisier tordant, avec la regrettée Carrie Fisher, lumineuse et au sourire désarmant. C’est aussi l’occasion de voir que certains comédiens improvisaient sur le plateau en proposant certaines répliques alternatives.

L’éditeur propose également près de 20 minutes de scènes coupées. En plus d’une ouverture originale, nous trouvons surtout un sketch très sombre intitulé The Unknown Soldier, réalisé par Peter Horton, avec Ronny Cox et Robert Loggia. Durant la Seconde Guerre mondiale, des hauts gradés américains font appeler un jeune soldat et l’informent qu’ils l’ont désigné pour devenir le Soldat Inconnu. En effet, toutes les victimes ayant été identifiées et rapatriées et devant impérativement revenir au bercail avec un soldat inconnu à enterrer, le jeune soldat possède le profil rêvé puisque sans famille et sans attache. Après une cigarette et une bonne coupe de champagne, le soldat finit par se laisser convaincre par son supérieur et doit alors mettre fin à ses jours pour passer plus vite à la « postérité ». Deux autres sketches réalisés par Joe Dante, l’un qui annonce les funérailles placées sous le signe du rire et un autre à base de marionnettes française et américaine échangées (avec Dick Miller, l’acteur fétiche du cinéaste), sont également disponibles.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces, une galerie de photos et les credits.

L’Image et le son

Merci à Elephant Films de nous permettre d’ajouter Cheeseburger Film Sandwich à notre collection de Blu-ray, d’autant plus que le film était alors inédit en DVD dans nos contrées ! Pour son passage en HD grâce aux bons soins de notre pachyderme préféré, ce film à sketches se refait une petite beauté. Une fois passé le générique un peu grumeleux, on perçoit le travail de restauration effectué puisque presque les scories et poussières ont été éliminées, sauf bien sûr quand elles sont d’origine sur les pastiches. L’ensemble est plutôt riche et stable, la gestion du grain équilibrée et les fourmillements limités grâce au codec AVC. Le piqué demeure peu pointu. Les contrastes sont corrects. Certaines séquences tirent agréablement profit de cette élévation HD, à l’instar du film Amazon Women on the Moon avec ses costumes et ses décors colorés.

Trois mixages au choix en DTS-HD Master Audio 2.0 : deux versions française et la piste anglaise. Si nous pouvions vous donner un conseil, sélectionnez le doublage français original, absolument dantesque et qui ne se gêne pas pour appuyer certains gags avec une traduction parfois libre, mais toujours tordante. L’autre version française disponible est plus récente et si elle s’avère plus respectueuse des dialogues et situations, elle s’avère moins drôle et plus en retenue. La version originale s’avère plus riche et propre, mais dans les trois cas le confort acoustique est assuré.

Crédits images : © Elephant Films / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Beignets de tomates vertes, réalisé par Jon Avnet

BEIGNETS DE TOMATES VERTES (Fried Green Tomatoes) réalisé par Jon Avnet, disponible en DVD et Blu-ray le 11 avril 2017 chez Movinside

Acteurs : Kathy Bates, Mary Stuart Masterson, Mary-Louise Parker, Jessica Tandy, Cicely Tyson, Chris O’Donnell, Grace Zabriskie…

Scénario : Fannie Flagg, Carol Sobieski d’après le roman « Beignets de tomates vertes » (Fried Green Tomatoes at the Whistle Stop Cafe) de Fannie Flagg

Photographie : Geoffrey Simpson

Musique : Thomas Newman

Durée : 2h10

Date de sortie initiale : 1991

LE FILM

De nos jours, en Alabama, Evelyn Couch, femme au foyer, mène une existence monotone jusqu’à ce qu’elle rencontre Ninny Threadgood, une vieille dame extraordinaire, qui va lui redonner goût à la vie. Celle-ci lui raconte sa jeunesse, 60 ans plus tôt, à Whistle Stop, petite bourgade du sud des Etats-Unis. L’histoire que raconte Ninny est celle de l’amitié entre deux femmes : Idgie, forte tête, véritable garçon manqué, et Ruth, douce et remarquable cuisinière. Mariée à Franck Bennett, un homme violent, Ruth finit par appeler Idgie au secours, et s’enfuit avec elle. Les deux femmes décident d’ouvrir un restaurant. Mais Bennett n’a pas dit son dernier mot…

C’est un tout petit film, tourné pour 11 millions de dollars et sorti aux Etats-Unis en janvier 1992 dans une combinaison restreinte de 5 écrans. Puis le bouche-à-oreille a fait le reste. En quatre semaines, Beignets de tomates vertes ou Fried Green Tomatoes est passé à 673 écrans, avant d’être finalement proposé dans 1331 salles. La France a dû attendre la fin septembre 1992 pour découvrir le film de Jon Avnet, alors qu’il franchissait la barre des 80 millions de dollars de recette sur le sol de l’Oncle Sam. A peine 400.000 français viendront découvrir Beignets de tomates vertes à sa sortie, mais cette chronique douce-amère est ensuite rapidement devenue culte auprès de nombreux spectateurs. Plus de 25 ans après, Fried Green Tomatoes a conservé toute son aura et n’a de cesse de faire de nouveaux adeptes.

Adapté du roman Fried Green Tomatoes at the Whistle Stop Cafe de Fannie Flag, Beignets de tomates vertes revient de loin et son adaptation a donné quelques sueurs froides au cinéaste, bien qu’il n’ait jamais pensé à abandonner ce projet qui lui tenait particulièrement à coeur, d’autant plus qu’il avait lui-même acquis les droits cinématographiques. Pour son premier long métrage, Jon Avnet s’entoure d’un casting féminin exceptionnel. Le quatuor composé de Kathy Bates (Misery) et Jessica Tandy (Miss Daisy et son chauffeur) d’un côté – toutes les deux venaient de remporter l’Oscar de la meilleure actrice – pour la partie contemporaine, et celui constitué de Mary-Louise Parker (Coups de feu sur Broadway) et Mary Stuart Masterson (Benny and Joon) pour la partie du récit se déroulant dans les années 1930, subjugue du début à la fin. « Le Secret est dans la sauce », titre québécois du film, se focalise tout d’abord sur Evelyn (Kathy Bates). Tandis qu’elle visite une tante dans sa maison de retraite, cette femme âgée d’une cinquantaine d’années fait la connaissance de Ninny (Jessica Tandy), une vieille dame encore très vive et avec qui le courant passe immédiatement. Celle-ci lui raconte sa jeunesse à Whistle Stop, une localité où, dans les années 1930, elle était amie avec Ruth (Mary-Louise Parker) et Idgie (Mary Stuart Masterson), deux jeunes femmes aux tempéraments diamétralement opposés. Opposés, mais pas moins promptes à tenir ensemble le Whistle Stop Café, un établissement qui fait du beignet de tomate verte sa grande spécialité.

Histoire(s) d’émancipation(s), Beignets de tomates vertes est un doux récit où l’écho du passé se répercute sur le présent, mais aussi et surtout une véritable histoire d’amour entre deux jeunes femmes, qui ne se dit pas dans l’Amérique des années 1930 et qui ne se vit réellement que sous la forme d’une extraordinaire et bouleversante amitié. Phénomène de librairie dès sa publication en 1987, le second livre de Fannie Flag était d’abord resté 36 semaines sur la liste des best-sellers établie par le New York Times. Sa transposition marque les débuts prometteurs de Jon Avnet, même si le réalisateur n’a jamais su ou pu confirmer par la suite en se vautrant même dans la fange hollywoodienne avec les navets Red Corner (1997), 88 minutes (2007) et La Loi et l’ordre (2008) qui marquait pourtant les retrouvailles de Robert de Niro et Al Pacino devant la caméra. Ce premier long métrage restera sans nul doute l’oeuvre de sa vie. Sa mise en scène délicate associée à un rythme lent et maîtrisé, invite les spectateurs dans des décors à la Steinbeck, à entrer dans l’intimité des souvenirs de ces femmes, Idgie, éprise de liberté et d’indépendance à l’époque de la grande dépression, Ruth, qui se libère aux côtés d’Idgie, Ninny, pétulante octogénaire et Evelyn, ménagère résignée, puis rebelle à sa condition et qui renaît grâce à Ninny.

Beignets de tomates vertes est une œuvre en état de grâce, à l’instar d’Idgie plongeant sa main dans un essaim d’abeilles afin d’en récolter le miel pour l’offrir à Ruth (scène réalisée sans doublure par Mary Stuart Masterson), ou bien encore cette promenade sur le lac avant le drame. Un film qui n’a rien perdu de son aura et de son authenticité, devant lequel on se sent bien, au chaud, rassurés, apaisés, également bercés par la musique envoûtante de Thomas Newman. Inoubliable.

LE BLU-RAY

Le superbe digibook de Beignets de tomates vertes édité par Movinside dans la collection Les Films de ma vie, renferme le Blu-ray du film. Le petit livret de 32 pages richement illustré délivre quelques notes de production signées Marc Toullec. Le menu principal de cette édition est animé et musical.

Aucun supplément vidéo.

L’Image et le son

Pour cette nouvelle édition HD de Beignets de tomates vertes, Movinside semble avoir repris le master sorti chez feu Filmedia en 2013. En dépit de légères imperfections, ce Blu-ray au format 1080p (AVC) respecte le grain original, se révèle propre et éclatant sur les scènes diurnes (les plus acérées) et les détails sont appréciables sur le cadre. La palette colorimétrique retrouve une nouvelle jeunesse (en dépit de visages un peu rosés), le relief est palpable, mais le piqué n’est pas aussi ciselé qu’espéré. En dehors de plusieurs instabilités de la définition, de couleurs sensiblement délavées (mais nettement plus convaincantes après le générique) et de légers fourmillements sur les séquences en basse lumière, les contrastes sont à l’avenant et la clarté appréciable confirment que nous sommes devant une belle édition HD, surtout pour un film tourné il y a déjà 25 ans.

La piste anglaise DTS-HD Master Audio 5.1 spatialise la superbe partition de Thomas Newman du début à la fin et use à bon escient des basses. Des ambiances latérales ont été «  rajoutées  » pour s’aligner sur les standards actuels, sans que cela donne un aspect artificiel. Des effets naturels percent sur la scène arrière sur les très nombreuses séquences en extérieur, à l’instar des scènes d’orage, des abeilles et de l’accident de train. Si le volume des dialogues aurait mérité d’être revu à la hausse, cette option acoustique s’avère de très bonne qualité. Movinside livre également une piste française en 2.0, évidemment plus plate, mais de fort bonne facture également et au doublage de qualité.

Crédits images : © Movinside / Universal / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Demain tout commence, réalisé par Hugo Gélin

DEMAIN TOUT COMMENCE réalisé par Hugo Gélin, disponible en DVD et Blu-ray le 7 avril 2017 chez TF1 Vidéo

Acteurs : Omar Sy, Clémence Poésy, Antoine Bertrand, Ashley Walters, Gloria Colston, Clémentine Célarié…

Scénario : Hugo Gélin, Mathieu Oullion, Jean-André Yerles d’après le film « Ni repris ni échangé » de Eugenio Derbez

Photographie : Nicolas Massart

Musique : Rob Simonsen

Durée : 1h53

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Samuel vit sa vie sans attaches ni responsabilités, au bord de la mer sous le soleil du sud de la France, près des gens qu’il aime et avec qui il travaille sans trop se fatiguer. Jusqu’à ce qu’une de ses anciennes conquêtes lui laisse sur les bras un bébé de quelques mois, Gloria : sa fille ! Incapable de s’occuper d’un bébé et bien décidé à rendre l’enfant à sa mère, Samuel se précipite à Londres pour tenter de la retrouver, sans succès. 8 ans plus tard, Samuel et Gloria ont fait leur vie à Londres et sont devenus inséparables. Pour qu’elle ne soit pas triste, Samuel envoie des e-mails à sa fille en se faisant passer pour sa mère. C’est alors que celle-ci réapparaît dans leur vie…

Demain tout commence. Ce n’est pas le slogan de la campagne de notre désormais Président de la République Emmanuel Macron, mais le titre du second long métrage du jeune réalisateur Hugo Gélin. Petit-fils de Daniel Gélin et de Danièle Delorme (à qui le film est dédié), fils de Xavier Gélin (l’inoubliable garagiste du Diable par la queue), Hugo Gélin a de qui tenir et autant dire que le talent coule dans les veines de ce cinéaste né en 1980. Sorti en 2012, son premier film Comme des frères était un vrai petit bijou sur l’amitié entre trois hommes que tout séparait, l’âge, la situation sociale, la philosophie de vie. Dans Demain tout commence, on retrouve l’humour, l’énergie et la tendresse qui faisaient la réussite de son précédent film, mais le récit s’avère bien trop mécanique cette fois.

Demain tout commence est le remake de la comédie mexicaine, No se aceptan devoluciones – Ni repris ni échangé (2013) réalisé par Eugenio Derbez. A l’instar d’Un homme à la hauteur de Laurent Tirard, remake d’un film argentin, le cinéma sud-américain inspire décidément la comédie française puisque certaines séquences y sont reprises plan par plan. Depuis le gigantesque succès d’Intouchables, Omar Sy enchaîne les succès français (De l’autre côté du périph, Samba, Chocolat) et les participations à de gros puddings hollywoodiens (X-Men: Days of Future Past, Inferno, Jurassic World). Dans Demain tout commence, le comédien se donne à fond dans le rôle de Samuel, adulescent qui du jour au lendemain se retrouve avec un bébé sur les bras. Cependant, malgré cette incroyable énergie qui le caractérise, Omar Sy peine à convaincre, surtout dans les scènes dramatiques. La faute à une écriture larmoyante qui enchaîne les poncifs à la soap opéra et à une direction d’acteurs décevante. Si la partie comédie est soignée, le reste ne prend pas, les acteurs en font trop et le troisième acte plus centré sur l’émotion avec la possible séparation entre le père et sa fille, ne fonctionne pas.

L’image est clinquante, mais soignée, la b.o. fait office de juke-box et la petite Glora Colston affiche un vrai tempérament de comédienne et une vraie personnalité. Mais la relation avec Omar Sy paraît forcée, avec une ardeur et une hystérie mal canalisées, comme la séquence « montage » qui montre les années qui passent. Comme des frères apparaissait beaucoup plus spontané et l’on passait du rire aux larmes sans que le cinéaste nous impose comme ici des sentiments de manière plus pesante en se reposant trop sur le naturel de ses comédiens, ainsi que sur la musique rentre-dedans du compositeur américain Rob Simonsen (500 jours ensemble, Foxcatcher). Néanmoins, saluons les belles prestations de Clémence Poésy, soleil masqué par une éclipse, qui émeut malgré le retournement de situation quelque peu ingrat à son égard dans la dernière partie, sans oublier celle de l’excellent Antoine Bertrand, comédien québécois découvert dans Starbuck et vu dernièrement dans Le Petit locataire. Les scènes de ce dernier sont les plus réussies du film et son jeu élève d’ailleurs celui d’Omar Sy avec qui le courant et la complicité sont évidents à l’écran.

Du point de vue technique, Demain tout commence est élégant, les décors sont beaux, la photo lumineuse et colorée ravit les yeux, et le tournage à Londres apporte une petite touche « exotique » peu vue dans le cinéma français. Même s’il déçoit quelque peu après un formidable premier long métrage et s’il ne retrouve pas la fraîcheur de Comme des frères, Hugo Gélin a su toucher un large public avec Demain tout commence puisque 3,3 millions de spectateurs se sont déplacés dans les salles.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Demain tout commence, disponible chez TF1 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le visuel de la jaquette reprend celui de l’affiche du film. Le menu principal est élégant, animé et musical.

La section des suppléments contient un making of (19’) classique, mais bien fichu, constitué d’interviews de l’équipe et d’images de tournage. L’accent est mis ici sur la complicité entre Omar Sy et Gloria Colston, ainsi que sur la bonne humeur qui régnait sur le plateau.

Deux featurettes de trois minutes se focalisent sur Omar Sy d’un côté et sur Hugo Gélin de l’autre, en reprenant principalement des images et des propos du making of précédent. Du remplissage quoi.

L’interactivité se clôt sur un bêtisier très sympa (4’).

L’Image et le son

Superbe ! Ce remarquable master HD n’a de cesse de flatter les yeux avec une superbe restitution de la colorimétrie chatoyante et étincelante (des bleus étincelants) pour la partie Sud de la France, plus froide dès l’arrivée de Samuel à Londres, une luminosité de tous les instants, un piqué acéré ainsi qu’une profondeur de champ omniprésente. Les contrastes sont denses et luxuriants, les détails foisonnent et les partis pris esthétiques raffinés du chef opérateur Nicolas Massart (Comme des frères, Paris à tout prix) trouvent en Blu-ray un magnifique écrin.

On sent que le réalisateur a voulu se faire plaisir car la bande-son de Demain tout commence compile quelques tubes comme le mythique People Get Up And Drive Your Funky Soul de James Brown, le bourrin Barbra Steisand de Duck Sauce ou le Everybody’s Gotta Live d’Arthur Lee. Tous ces tubes s’enchaînent avec la musique de Rob Simonsen et profitent d’une large ouverture des enceintes frontales et latérales, sans oublier le caisson de basses qui ponctue souvent la bande originale. Cette brillante spatialisation laisse également une belle place aux ambiances naturelles et les dialogues demeurent percutants sur la centrale. Outre ce mixage DTS-HD Master Audio 5.1, les sous-titres destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.

Crédits images : © Julien Panié / Vendôme – Mars / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Moi, moi, moi…et les autres, réalisé par Alessandro Blasetti

MOI, MOI, MOI…ET LES AUTRES (Io, io, io…. e gli altri) réalisé par Alessandro Blasetti, disponible en DVD le 28 mars 2017 chez ESC Editions

Acteurs : Walter Chiari, Gina Lollobrigida, Vittorio De Sica, Silvana Mangano, Marcello Mastroianni, Nino Manfredi, Caterina Boratto…

Scénario : Agenore Incrocci, Furio Scarpelli, Leonardo Benvenuti, Suso Cecchi D’Amico…

Photographie : Aldo Giordani

Musique : Carlo Rustichelli

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

Sandro est un journaliste à Rome. Il mène une enquête sur l’égoïsme, aidé par son ami Peppino. Il commence par étudier le comportement de son entourage et côtoie divers personnages de la ville : une diva, un politicien véreux…Il se rend compte rapidement qu’il est lui-même son meilleur sujet d’étude.

Considéré comme étant l’un des pères de la comédie populaire italienne, y compris par ses confrères comme le grand Mario Monicelli, Alessandro Blasetti (1900-1987) a déjà une très longue carrière derrière lui quand il aborde le genre qui a fait les belles heures du cinéma transalpin dans les années 1950. Dommage que tu sois une canaille – Peccato che sia una canaglia (1954), La Chance d’être femme – La Fortuna di essere donna (1956) et Amore e chiacchiere (Salviamo il panorama) (1958) demeurent très prisés par les cinéphiles passionnés par la comédie italienne. Le film qui nous intéresse, Moi, moi, moi et les autres – Io, io, io…. e gli altri (1966) est l’antépénultième long métrage d’Alessandro Blasetti, bien que la critique et le réalisateur lui-même considéraient alors ce film comme son œuvre–testament.

Avant de consacrer les dernières années de sa vie à la télévision, Blasetti signait donc cette comédie prenant pour thème un sujet qui lui était cher, l’égoïsme. Par ailleurs, le ton est donné dès l’ouverture avec une chanson marquée par des chants d’enfants, tandis qu’un carton indique « Un film contre la vanité et l’égoïsme – Conférence avec projection » et que le nom de Biasetti se voit multiplier en se mettant à enfler. Blasetti se sert du cinéma comme d’un média pour aborder différents enjeux sociaux et faire passer son message. Mais surtout, il s’entoure d’une armée de scénaristes aux noms illustres, qui ont tous contribué à construire le récit à partir de leurs véritables souvenirs. Blasetti a ainsi pu recueillir les témoignages et s’octroyer les talents de plumes virtuoses comme Suso Cecchi D’Amico (Rocco et ses frères, Senso, Le Voleur de bicyclette) ou bien encore le mythique tandem Age & Scarpelli. Au total, plus d’une douzaine de scénaristes ont apporté leur pierre à l’édifice pour ce film à sketches…qui n’en est pas vraiment un.

Le fil conducteur de Moi, moi, moi et les autres est le personnage de Sandro, interprété par l’excellent Walter Chiari, souvent oublié derrière Mastroianni, Gassman, Tognazzi, Sordi et tutti quanti et qui pourtant aura tourné avec d’immenses réalisateurs comme Orson Welles, Michael Powell, Terence Young, Ettore Scola, Dino Risi, Luigi Comencini et Luchino Visconti. Le comédien incarne ici un journaliste romain qui décide de mener une enquête sur l’un des fléaux du monde moderne, l’égoïsme et le repli sur soi. Au fil de son enquête sur ses concitoyens qui le conduit auprès d’une diva ou d’un politicien véreux, il constate qu’il devient lui-même le sujet de son article, surtout quand il se retrouve auprès de son ami Peppino ou de sa propre femme Titta. Comment peut-il dans ce cas rester honnête envers son travail et surtout envers lui-même ? Aux côtés de Walter Chiari, Alessandro Blasetti convoque d’immenses comédiens, tous plus heureux de jouer quelques notes dans cette comédie chorale. Gina Lollobrigida, Silvana Mangano, Vittorio De Sica, Nino Manfredi, Marcello Mastroianni (devenu une star grâce à Blasetti), Franca Valeri, Sylva Koscina et Vittorio Caprioli, pour ne citer que les plus célèbres, apparaissent tous quelques minutes devant la caméra afin d’incarner l’italien ou l’italienne dans ses travers.

Si toutes les situations ne sont pas percutantes et malgré un rythme en dents de scie, Alessandro Blasetti (David di Donatello du meilleur réalisateur) égratigne le couple, le métier de journaliste, les mondains, les hommes politiques, la religion, toujours avec humour, quelques touches sexy (Gina Lollobrigida est à se damner), sans oublier l’émotion. Par ailleurs, Moi, moi, moi et les autres s’imprègne d’une véritable mélancolie et se clôt sur une note douce-amère inattendue, tandis que le regard de Sandro, tout d’abord pétillant en début de film, se voile et s’abaisse dans la dernière partie quand il fait le point sur sa propre vie.

Avec son scénario patchwork, mais taillé sur mesure pour ses acteurs par des auteurs habituellement habitués du genre dramatique et qui apportent donc une plus-value à cette comédie de mœurs aux dialogues très réussis, drôles et percutants, Moi, moi, moi et les autres s’avère une très agréable surprise, quasiment inédite en France, et donc à connaître absolument.

LE DVD

A l’instar du Prophète, récemment chroniqué dans nos colonnes, Le DVD de Moi, moi, moi et les autres est disponible chez ESC Editions, dans une nouvelle collection intitulée Edizione Maestro, consacrée aux grands maîtres du cinéma italien, dont certains films inédits seront même proposés en Haute-Définition ! La jaquette est très attractive et le verso montre tous les titres bientôt disponibles dans cette superbe collection ! Le menu principal est fixe et muet et le boîtier glisser dans un surétui cartonné.

Pour information, cette collection sortira dans les bacs en trois vagues. La première, celle que nous commençons à chroniquer, est sortie le 28 mars 2017 : Le Prophète de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Brancaleone s’en va-t-aux Croisades de Mario Monicelli (Blu-ray et DVD), Moi, moi, moi… et les autres d’Alessandro Blasetti (DVD) et Bluff – Histoire d’escroqueries et d’impostures de Sergio Corbucci (DVD). Au mois de juin, l’éditeur prévoit : Les nuits facétieuses d’Armando Crispino et Luciano Lucignani (Blu-ray et DVD), Canard à l’orange de Luciano Salce (Blu-ray et DVD), Les russes ne boiront pas de Coca Cola de Luigi Comencini (DVD) et Histoire d’aimer de Marcello Fondato (DVD). Il faudra attendre le mois de septembre pour compléter sa collection avec Il Gaucho de Dino Risi (Blu-ray et DVD), Belfagor le magnifique d’Ettore Scola (DVD), Sais-tu ce que Staline faisait aux femmes ? de Maurizio Liverani (DVD) et Tant qu’il y a de la guerre, il y a de l’espoir d’Alberto Sordi (DVD).

En plus d’une succession de bandes-annonces des douze films que comptera la collection Edizione Maestro, ESC Editions propose une présentation de Moi, moi, moi… et les autres par Stéphane Roux, historien du cinéma (15’). Notre interlocuteur replace le film qui nous intéresse dans l’immense carrière d’Alessandro Blasetti. Stéphane Roux indique que ce film est peut-être emblématique du cinéma italien des années 1960, mais également pourquoi cette œuvre s’en détache. Les thèmes du film, les personnages, l’armada de scénaristes, la structure du long métrage, mais aussi la carrière d’Alessandro Blasetti, le casting et l’échec du film sont abordés au cours de cet entretien, où Stéphane Roux égratigne également la Nouvelle Vague et sa politique du réalisateur-auteur unique.

L’Image et le son

Bien que l’image ait été remasterisée, la copie manque sérieusement d’éclat et semble parfois trop datée. En effet, certains plans s’accompagnent d’un voile peu naturel, de nombreux troubles s’invitent à la partie avec des visages flous. Quelques défauts de pellicule ont échappé à la restauration. L’image est donc aléatoire, le N&B manque d’équilibre avec des blancs trop clairs qui amoindrissent les détails, d’autres étant au contraire beaucoup plus nets et satisfaisants ! 

La piste originale Stéréo 2.0 a également été restaurée mais on est encore loin d’un résultat parfait. De très légers craquements et des grésillements ainsi qu’une saturation de la musique demeurent. Les dialogues sont plutôt fluides. Le résultat est certes probant, mais pas non plus exceptionnel. Les sous-titres français (calqués sur la traduction approximative) sont imposés sur un lecteur de salon. Egalement disponible, la version française s’en tire honorablement, même si elle s’avère plus feutrée dans le rendu des dialogues et les ambiances.

Crédits images : © RTI S.P.A. / ESC Conseils / Captures du DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Papa ou maman 2, réalisé par Martin Bourboulon

PAPA OU MAMAN 2 réalisé par Martin Bourboulon, disponible en DVD et Blu-ray le 12 avril 2017 chez Pathé

Acteurs : Laurent Lafitte, Marina Foïs, Alexandre Desrousseaux, Anna Lemarchand, Sara Giraudeau, Michaël Abiteboul, Nicole Garcia…

Scénario : Alexandre de La Patellière, Matthieu Delaporte, Marina Foïs, Laurent Lafitte, Martin Bourboulon

Photographie : Laurent Dailland

Musique : Jérôme Rebotier

Durée : 1h26

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Deux ans ont passé. Après avoir raté leur séparation, les Leroy semblent parfaitement réussir leur divorce. Mais l’apparition de deux nouveaux amoureux dans la vie de Vincent et de Florence va mettre le feu aux poudres. Le match entre les ex-époux reprend.

Après plus de 2,8 millions de spectateurs réunis dans les salles en 2015, réaliser une suite à Papa ou maman (Prix du Jury au Festival de l’Alpe d’Huez) était trop tentant. Un an et demi après la sortie du premier film au cinéma, Papa ou maman 2 a donc débarqué dans les salles avec le même casting et le même réalisateur à la barre. Si ce second épisode reprend quasiment les mêmes gags et le même canevas que le film précédent, Papa ou maman 2 n’en demeure pas moins très réussi, en dépit de son manque de surprises.

Redoutable comédie, coécrite par les talentueux Matthieu Delaporte et Alexandre de La Patellière (Le Prénom, Un illustre inconnu), mais aussi par Martin Bourboulon et cette fois-ci par Marina Foïs et Laurent Lafitte qui ont pu mettre la main à la pâte, Papa ou maman 2 essaye d’aller encore plus loin dans les répliques vachardes, dans les règlements de comptes, le sarcasme et le cynisme. L’histoire commence là où elle s’était arrêtée à la fin du premier. Vincent Leroy et Florence, son ex-femme, semblent avoir tourné la page après leur séparation mouvementée. Ils ont refait leur vie chacun de leur côté (comprenez qu’ils habitent l’un en face de chez l’autre) : Vincent avec Bénédicte (délicieuse Sara Giraudeau) et Florence avec Edouard (l’excellent Jonathan Cohen). Cependant, Vincent accepte mal qu’Edouard soit beaucoup plus riche que lui. Florence, de son côté, a du mal à se réjouir à l’annonce de la grossesse de Bénédicte. Leurs enfants, qui détestent cette nouvelle situation, aimeraient que leurs parents reforment à nouveau un couple.

Derrière la caméra, Martin Bourboulon, ancien publicitaire, a fait plus de progrès, à l’instar de la première séquence tournée en plan-séquence, qui fait écho à celle du premier opus, mais en plus virtuose. Il signe un second long métrage on ne peut plus efficace, souvent très drôle, avec ce qu’il faut d’émotion pour rendre ses personnages, encore plus frappadingues que dans le premier, très attachants. Il faut dire que les deux têtes d’affiche, Marina Foïs et Laurent Lafitte ne reculent devant rien pour faire rire les spectateurs, surtout la première, aussi hilarante qu’à la bonne époque des Robin des Bois. Le duo fait toujours des étincelles, au sens propre comme au figuré et se délectent des dialogues cinglants tout comme des situations les plus grinçantes dans lesquelles sont plongés leurs personnages, prêts à tous les coups bas. A leurs côtés, les jeunes comédiens Alexandre Desrousseaux, Anna Lemarchand, Achille Potier s’avèrent encore plus convaincants que dans le premier, même s’ils apparaissent cette fois en retrait.

Alors oui Papa ou maman 2 sent parfois le réchauffé et s’avère une suite opportuniste (avec un tournage qui s’est déplacé à La Réunion), c’est d’ailleurs souvent un pléonasme, mais le spectateur aurait tort de bouder son plaisir car c’est aussi et avant tout une vraie comédie dynamique et brillamment interprétée par deux comédiens épatants et irrésistibles, qui prennent un évident plaisir à se renvoyer la balle, même en pleine figure. Les quiproquos s’enchaînent sur un rythme endiablé, la bande originale est au diapason, on se marre vraiment de bout en bout.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Papa ou maman 2, disponible chez Pathé, repose dans un boitier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le visuel de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical.

Là où nous trouvions un sympathique commentaire audio du réalisateur Martin Bourboulon et des deux scénaristes Matthieu Delaporte et Alexandre de La Patellière, un making of de plus de 20 minutes et deux featurettes sur le Blu-ray de Papa ou maman, l’interactivité pour l’édition HD de ce second opus s’est réduite comme peau de chagrin. Certes le bêtisier (10’) est franchement très drôle et contagieux, mais à côté l’éditeur ne livre qu’un module promo de 2 minutes ! Quelques rapides images de tournage, principalement reprises du bêtisier, divers propos des comédiens (en voix-off) et débrouillez-vous avec ça !

Cette section se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Pathé comble les espérances en livrant un master HD somptueux. Le piqué affiche d’emblée une précision dantesque, les contrastes sont d’une densité éblouissante et la clarté est à l’avenant. La profondeur de champ et le relief sont évidents, la colorimétrie chaude et ambrée au top, les textures sont palpables et le cadre large fourmille de détails. N’oublions pas non plus un léger grain très flatteur pour les mirettes, un codec AVC (contre VC-1 pour l’édition HD du premier volet) au mieux de sa forme et des noirs fermes. Le nec plus ultra de la Haute Définition.

Dès la première séquence de Papa ou maman 2, la piste DTS-HD Master Audio 5.1 sollicite l’ensemble des enceintes et offre une petite spatialisation soignée. Les dialogues se détachent sans mal sur la centrale, le caisson de basses délivre quelques effets sympathiques tandis que les ambiances naturelles des scènes en extérieur demeurent constantes. La DTS-HD Master Audio 2.0 est évidemment plus « plate » mais le spectacle acoustique est tout autant assuré. L’éditeur joint également les sous-titres destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Tibo & Anouchka / 2016 – CHAPTER 2 – PATHÉ PRODUCTION – M6 FILMS – NEXUS FACTORY – UMEDIA – FARGO FILMS  / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Joyeux bordel !, réalisé par Josh Gordon et Will Speck

JOYEUX BORDEL ! (Office Christmas Party) réalisé par Josh Gordon et Will Speck, disponible en DVD (version cinéma) et Blu-ray (version cinéma et version longue non censurée) le 21 avril 2017 chez Metropolitan Vidéo

Acteurs : Jason Bateman, Olivia Munn, Jennifer Aniston, T.J. Miller, Kate McKinnon, Courtney B. Vance, Jillian Bell…

Scénario : Justin Malen, Laura Solon, Dan Mazer

Photographie : Jeff Cutter

Musique : Theodore Shapiro

Durée : 1h46 (version cinéma) / 1h51 (version longue non censurée)

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Carole, patronne de la société Zenotek, n’en peut plus des frasques de Clay, son jeune frère. Celui-ci, qui ne pense qu’à faire la fête, n’est visiblement pas armé pour les affaires. Le chiffre d’affaires est catastrophique, à un point tel que Carole veut fermer la branche dont s’occupe son cadet. Elle lui lance un ultimatum : soit son équipe et lui trouvent le moyen de signer un contrat de plusieurs millions de dollars avec un gros client, soit ils se retrouvent sans emploi. Clay relève le défi. Il invite le client à une fête de Noël. Mais le tout-Chicago se retrouve dans le bâtiment et Clay et ses amis vont vite être dépassés…

Josh Gordon et Will Speck sont les réalisateurs du déjà culte Les Rois du patin, leur premier long métrage sorti en 2007, gros succès au box-office américain. En 2010, les compères ont remis le couvert pour le sous-estimé Une famille très moderne, interprété par le couple Jennifer Aniston – Jason Bateman. Pour leur nouveau film en commun, Josh Gordon et Will Speck ont cette fois misé sur une comédie chorale, Joyeux bordel ! – Office Christmas Party.

Pour la cinquième fois, Jason Bateman et Jennifer Aniston se donnent la réplique après La Rupture, Une famille très moderne et les deux opus de Comment tuer son boss ?. Si le premier a le rôle principal, la seconde fait plutôt une participation. Le reste du casting est à l’avenant puisque nous retrouvons également le déchaîné T.J. Miller, vu dans Cloverfield et Deadpool, mais aussi la divine Olivia Munn, la sexy Jamie Chung, l’hilarante Vanessa Bayer (Crazy Amy), l’allumé Rob Corddry (No Pain No Gain, Sex Tape) et la géniale Kate McKinnon. Cette dernière, humoriste très connue aux Etats-Unis, notamment pour sa participation à la mythique émission Saturday Night Live, pour laquelle elle a notamment été récompensée par un Emmy Awards du second rôle féminin dans une comédie, vole la vedette à chaque apparition dans le rôle de de Mary, la RH vieille-fille au pull col roulé et à la démarche manche à balai. Génie comique vue dans le reboot-remake de Ghostbusters et Les Cerveaux, elle déclenche systématiquement les fous-rires.

Une fois n’est pas coutume, le titre français de Office Christmas Party est très bien trouvé et nullement trompeur. A la tête de l’entreprise familiale basée à Chicago, Carole (Jennifer Aniston, excellente en boss peau de vache) menace de fermer la branche dirigée par son frère fêtard Clay (T.J. Miller) et son équipe de bras-cassés qui pensent plus à s’éclater qu’à faire des bénéfices. Il n’en fallait pas plus à ce dernier pour qu’il leur fixe une ultime mission : organiser dans les bureaux une soirée de Noël totalement épique et hors-norme afin d’impressionner un de leurs plus gros clients convoités et signer un contrat qui pourrait sauver leur boulot. Mais cela va très vite dégénérer. Voilà le pitch.

Amis de la comédie américaine déjantée, Joyeux bordel ! est fait pour vous ! S’il ne révolutionne en rien le genre, le film de Josh Gordon et Will Speck porté par un casting frappadingue offre de savoureux moments de déconnade. Certes, cela ne va jamais aussi loin qu’un Projet X, mais Joyeux bordel ! contient ce petit truc grinçant sur le travail quotidien et les relations professionnelles qui empêche le film de tomber dans le tout-venant. De plus, certains gags sont vraiment bien trouvés et l’alchimie des acteurs est évidente.

Malgré un dernier acte qui part un peu dans tous les sens avec une pseudo-intrigue d’argent convoité, d’enlèvement, de logiciel informatique révolutionnaire, de poursuite en voiture, Joyeux Bordel ! s’avère un divertissement réussi, bien réalisé et mené à cent à l’heure, gentiment vulgaire et potache, toujours généreux, poilant et soucieux d’offrir aux spectateurs un interlude où ils pourront oublier les soucis du quotidien. Mission accomplie donc pour ce film qu’on aura plaisir à revoir durant les fêtes de fin d’année où il pourrait devenir comme un rituel.

LE BLU-RAY

La version longue non censurée de Joyeux bordel !est uniquement disponible en Blu-ray. Le test de l’édition HD a été effectué sur un check-disc. Le menu principal est soigné, élégant, animé sur fond d’animations et musical.

Tout d’abord, dommage que l’éditeur ne propose pas le commentaire audio de Josh Gordon et de Will Speck avec les sous-titres français. Ce supplément, uniquement dispo sur la version cinéma, ne sera destiné qu’aux plus anglophiles de nos lecteurs.

Ensuite, l’essentiel de cette interactivité repose sur les scènes inédites (9’), les scènes coupées et allongées (3’) et les scènes coupées additionnelles (8’).

La première section renferme les différentes improvisations des comédiens et des répliques alternatives. La seconde propose notamment une fin alternative plus romantique. La dernière cumule les scènes rajoutées dans le montage dit non censuré.

N’oublions pas le making of (12) traditionnel, composé des propos de toute l’équipe (acteurs, réalisateurs, producteurs) et d’images hilarantes de tournage où l’on peut voir que les comédiens se faisaient rire eux-mêmes sur le plateau durant les prises.

L’Image et le son

L’éditeur frôle la perfection avec ce master Haute Définition où la seule petite faiblesse provient d’un certain manque d’éclat de la palette colorimétrique. En dehors de cela, la profondeur de champ demeure insondable, les blancs brillants et les gros plans, tout comme les superbes panoramas sur Chicago, bénéficient d’un piqué pointu au relief impressionnant. Une fois n’est pas coutume, ce sont surtout les nombreuses séquences nocturnes qui apparaissent les plus fluides avec de belles ambiances tamisées, des noirs denses et une restitution des textures plus appliquées. C’est ce qu’on appelle un transfert élégant.

Si vous ne voulez pas vous faire arrêter pour tapage nocturne, veillez à ce que vos voisins soient partis en vacances pour profiter de l’incroyable piste anglaise DTS-HD Master Audio 7.1 qui explose littéralement les enceintes et le caisson de basses. C’est avec ce mixage que vous vous rendrez compte si votre installation tient le choc. Certes, la bande originale ne brille pas par sa finesse, mais le moins que l’on puisse dire, c’est que l’ambiance est survoltée. La première partie du film, dite calme, se concentre essentiellement sur les frontales et la délivrance des dialogues sur la centrale. Sur le papier, la piste française doit se « contenter » d’une piste DTS-HD Master Audio 5.1, qui n’en demeure pas moins explosive sur les séquences de fiesta et la poursuite finale. L’éditeur joint également une piste Audiodescription, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : ©  Amblin Partners, Bluegrass Films, DreamWorks, Reliance Entertainment / Captures du Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr