Test DVD / Le Carnaval des âmes, réalisé par Herk Harvey

LE CARNAVAL DES ÂMES (Carnival of Souls) réalisé par Herk Harvey, disponible en DVD chez Artus Films le 5 décembre 2017

Acteurs : Candace Hilligoss, Frances Feist, Sidney Berger, Art Ellison, Stan Levit, Tom McGinnis, Forbes Caldwell…

Scénario : Herk Harvey, John Clifford

Photographie : Maurice Prather

Musique : Gene Moore

Durée : 1h14

Date de sortie initiale : 1962

LE FILM

Alors que des jeunes gens jouent à faire la course en voiture, l’auto des filles tombe dans une rivière et les passagères se noient. Seule Mary en réchappe, profondément choquée. Comme elle se rend dans l’Utah pour jouer de l’orgue dans une petite église, elle aperçoit un fantôme au visage cadavérique. Bientôt, elle le voit partout et sent son esprit vaciller. De plus, elle est irrésistiblement attirée par un parc d’attractions désaffecté…

Etrange destin pour un petit film – qui ne l’est pas moins – que celui du Carnaval des âmes – Carnival of Souls, réalisé en deux semaines avec une poignée de dollars (30.000 exactement) par Herk Harvey (1924-1996), venu des spots institutionnels et publicitaires, sur un scénario de John Clifford. Aujourd’hui considéré comme une véritable référence du genre fantastique, ce film culte, seul long métrage de fiction du metteur en scène qui ne comptera à son actif que des courts-métrages et des documentaires, a tout d’abord connu un bide retentissant dans les salles – dans les drive-in plutôt – à sa sortie en 1962, avant que certains critiques et professionnels du cinéma ne le citent ouvertement, en particulier dans les années 1980 où il est redécouvert.

Arrêtés à un feu rouge, deux jeunes hommes défient trois jeunes femmes de faire une course improvisée. Les voitures s’élancent mais en passant en trombe sur un vieux pont, la conductrice perd le contrôle du véhicule. Mary est la seule jeune femme sur les trois passagères à s’en sortir miraculeusement. Traumatisée, elle quitte la ville pour rejoindre une église où elle a trouvé du travail en tant qu’organiste mais, sur la route, elle aperçoit un fantôme au visage cadavérique, interprété par Herk Harvey lui-même. Par ailleurs, elle ressent une attirance irrésistible pour un gigantesque parc d’attractions abandonné, qui exerce sur elle un pouvoir qu’elle ne comprend pas. Les apparitions surnaturelles se multiplient, Mary, qui semble être la seule à voir ces êtres étranges, se sent de plus en suivie, voire encerclée.

Film rapide, 74 minutes montre en main, Le Carnaval des âmes peut laisser perplexe tant on a l’impression qu’il ne s’y passe pas grand-chose. Certes, quelques scènes s’étirent trop en longueur, à l’instar des séquences où un type pas fin drague ouvertement Mary et qui se désespère de voir ses avances rejetées, mais on comprend pourquoi le film de Herk Harvey a su inspirer moult films de genre. Tout d’abord par son traitement brut, qui découle du manque de moyens mis à la disposition du réalisateur. Au-delà du N&B basique et pourtant très beau, la caméra portée insuffle un malaise crescendo, comme si une présence se manifestait constamment auprès de Mary. Harvey distille les apparitions de ses spectres tout au long du film, en surprenant constamment le personnage principal en même temps que les spectateurs. Les décors, en particulier celui du parc d’attractions délabré instaurent un vrai climat angoissant, tandis que Mary erre sans savoir pourquoi elle se sent littéralement appelée par cet endroit insolite.

Ce n’est pas spoiler de dire que la scène finale du bal des fantômes a inspiré le cinéma fantastique et continue de le faire. Et que dire de cet épilogue, avant-gardiste, qui a dû laisser de nombreux spectateurs perplexes et déroutés quand la dépanneuse parvient enfin à sonder le fond boueux de la rivière et à remonter la voiture des jeunes femmes décédées ! Le Carnaval des âmes vaut également pour la présence de la belle Candace Hilligos, dans sa première et par ailleurs rare apparition au cinéma. Attachante, troublante, la comédienne porte cette histoire oppressante sur ses épaules.

Sans effets ostentatoires, ni sang, ni effets chocs, mais usant habilement du langage cinématographique, aussi bien visuel que sonore lorsque Mary n’entend plus rien et ne parvient plus à se faire voir, pour créer un flottement éthéré (renforcé par l’envoûtante partition à l’orgue de Gene Moore) et une ambiance unique, Herk Harvey ne pensait sans doute pas que Le Carnaval des âmes bénéficierait aujourd’hui d’un tel culte. Des cinéastes tels que M. Night Shyamalan, George A. Romero, Stanley Kubrick, Tim Burton, John Carpenter, Christian Petzold et David Lynch n’ont eu de cesse de louer sa poésie macabre et ses mérites, au point de l’avoir cité au moins une fois dans l’un de leurs films. C’est dire son importance.

LE DVD

Après avoir été disponible chez Le Chat qui fume et Wild Side, Le Carnaval des âmes débarque une fois de plus dans les bacs, cette fois sous la houlette d’Artus Films, dans la collection Classiques. Le menu principal est fixe et musical.

La bande-annonce et un aperçu des autres titres disponibles chez Artus Films sont proposés comme suppléments.

L’Image et le son

Le master restauré tient toutes ses promesses et offre aux spectateurs de très belles conditions pour découvrir ce bijou. En dehors de quelques très légers défauts de pellicule qui ont échappé aux outils numériques, la copie est vraiment très propre. Exit les rayures, les tâches, les poussières et autres points noirs et blancs. On pourra sans doute déplorer la quasi-absence du grain original, mais la beauté du N&B subjugue, les contrastes sont équilibrés, la luminosité est admirable, les noirs denses et le rendu des visages est soutenu par un piqué acéré. Même les fondus enchaînés n’entraînent pas de décrochages ! Présenté dans son format 1.37 (16/9 compatible 4/3), Le Carnaval des âmes bénéficie d’une copie très soignée.

Le confort acoustique est largement assuré par la piste mono d’origine. Seule la version anglaise est disponible et il semble peu probable qu’un doublage français existe. Ce mixage affiche une ardeur et une propreté remarquables, créant un spectre phonique suffisant. Les effets et les ambiances sont nets, la musique mise en valeur, sans saturation. L’ensemble demeure homogène, sans souffle et les dialogues solides.

Crédits images : © Artus Films / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Comment j’ai rencontré mon père, réalisé par Maxime Motte

COMMENT J’AI RENCONTRÉ MON PÈRE réalisé par Maxime Motte, disponible en DVD chez M6 Vidéo le 11 octobre 2017

Acteurs : François-Xavier Demaison, Isabelle Carré, Albert Delpy, Diouc Koma, Owen Kanga, Robert Lemaire…

Scénario : Maxime Motte, David Charhon

Photographie : David Chambille

Musique : Mateï Bratescot

Durée : 1h22

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Un couple, parents adoptifs d’Enguerrand, un petit enfant africain, habite en Normandie près de la mer, non loin du lieu stratégique permettant aux clandestins de se rendre en Angleterre. Une nuit, Enguerrand croise le chemin d’un migrant, Kwabéna, à la peau noire comme la sienne. Pour lui, c’est sûr, il s’agit de son père biologique ! Il décide donc de l’héberger dans sa chambre, à la grande surprise de ses parents… De péripéties en rebondissements, l’aventure pourrait bien souder la famille comme jamais…

Mignonnet. Voilà notre ressenti à la fin de Comment j’ai rencontré mon père, premier long métrage de Maxime Motte, provenant directement de son court-métrage homonyme réalisé en 2009. Difficile de parler de la situation des migrants, réfugiés et sans papiers à travers le registre de la comédie. On ne sait pas trop quelles étaient les intentions originales du réalisateur-scénariste, mais rien n’est réaliste ici. Mieux vaut espérer que le film ait été pensé comme une fable et même un conte afin d’apprécier Comment j’ai rencontré mon père, qui s’avère un divertissement honnête.

Enguerrand, un petit garçon d’origine africaine, a été adopté par Eliott et Ava. Avec maladresse mais amour, ces derniers assument tant bien que mal leur statut de parents. De son côté, Enguerrand ne cesse de demander à voir son père biologique. Il ignore qu’il est décédé. Quand Enguerrand croise le chemin de Kwabena, un migrant, il pense avoir retrouvé son papa. Il décide donc de l’héberger dans sa chambre. Kwabena se rend rapidement compte que le petit garçon a été accueilli dans une bonne famille. La présence de l’invité-surprise va permettre à Eliott et Ava de se remettre en question.

On avait déjà pu apercevoir Maxime Motte en tant que comédien chez David Charhon dans Cyprien (du moins pour ceux qui ont eu le courage de visionner cette chose) et le grand succès De l’autre côté du périph, ainsi que dans le superbe Exercice de l’État de Pierre Schoeller. Egalement scénariste, notamment des Naufragés avec Daniel Auteuil (qu’il a coécrit avec David Charhon), Maxime Motte a donc naturellement demandé à son complice de cosigné avec lui le scénario de Comment j’ai rencontré mon père. Comme c’est souvent le cas, ce premier long métrage ne se démarque pas du tout-venant, mais repose en grande partie sur son casting et de ce point de vue-là l’excellente Isabelle Carré et François-Xavier Demaison, qui s’étaient déjà donné la réplique dans Tellement proches du duo Nakache-Toledano, accompagnés du truculent Albert Delpy assurent et se démènent pour qu’on ne s’ennuie pas. Du moins pas autant qu’on pouvait le craindre.

Le problème de Comment j’ai rencontré mon père, c’est que Maxime Motte se trouve pris au dépourvu et ne sait plus trop quoi broder autour de son court-métrage qui durait à peine dix minutes. Heureusement, l’intérêt va quand même en grandissant, jusqu’à un dernier acte qui détonne certes par rapport au reste, mais qui s’avère drôle, sans pathos, burlesque, jusqu’à une scène finale qui emporte l’adhésion et laisse une bonne impression quand le générique apparaît au bout de 80 minutes. On pense alors à Little Miss Sunshine, qui a inspiré moult « feel good movies » depuis sa sortie en 2006, même si le film de Maxime Motte reste bien trop modeste et enfermé dans un carcan typique du cinéma français. Un cinéma qui souhaite parler de choses graves ou importantes à travers l’humour, mais qui tombe finalement dans le piège, celui d’avoir peur de ne pas parvenir à divertir l’audience et qui préfère donc miser sur quelques gags même éculés.

La mise en scène fonctionnelle, aidée par une jolie photo qui met en valeur la beauté de la Côte d’Opale – d’où est originaire le metteur en scène – parvient à maintenir suffisamment l’intérêt du spectateur, ce qui est en soi un challenge que de nombreux jeunes réalisateurs français ne parviennent pas à relever et qui disparaissent quasiment du jour au lendemain. Ce qu’on ne souhaite pas à Maxime Motte, même si l’échec dans les salles de Comment j’ai rencontré mon père a été plutôt important avec à peine 50.000 entrées à sa sortie.

LE DVD

Pas de sortie HD pour Comment j’ai rencontré mon père, disponible chez M6 Vidéo, en raison du peu d’entrées réalisées dans les salles. En revanche, le visuel de l’affiche du film n’a pas été repris pour cette sortie dans les bacs. La jaquette affiche donc le couple vedette en compagnie du petit acteur, de façon beaucoup plus rapprochée que l’affiche originale, qu’on préférait largement. Le menu principal est peu recherché, standard, animé sur une séquence du film.

M6 Vidéo ne s’embête pas trop pour cette édition, qui semble avoir été réalisée à la va-vite. Deux scènes coupées (1’30 au total) montrent une sortie d’école assez amusante et la création en cachette d’un profil sur un site de rencontre entre les pensionnaires de la maison de retraite.

Le court-métrage Comment j’ai rencontré mon père (7’-2009) est également disponible. Dans un petit village de bord de mer, un petit garçon de six ans rêve de rencontrer son père biologique. David Charhon, complice de Maxime Motte, interprète le père adoptif du petit garçon.

L’interactivité se clôt sur une petite vidéo montrant le réalisateur Maxime Motte en pleine séance de coaching avec le jeune Owen Kanga (2’).

L’Image et le son

Point d’édition Blu-ray, mais un beau DVD pour Comment j’ai rencontré mon père. M6 Vidéo soigne le master avec des contrastes élégants, à part peut-être durant les séquences sombres où l’image paraît plus douce et moins affûtée, mais cela demeure franchement anecdotique. La clarté demeure frappante, le piqué est vif, les gros plans détaillés et la colorimétrie reste chatoyante, riche et bigarrée.

Le Mixage Dolby Digital 5.1 délivre de rares ambiances naturelles, à part sur les séquences de plage et l’action demeure essentiellement frontale. Les dialogues sont saisissants sur l’enceinte centrale et la balance gauche-droite dynamique, mais les latérales exsudent avec trop de parcimonie les quelques effets attendus. Seule la musique (très présente) offre un semblant de spatialisation. La piste Stéréo est de fort bon acabit et s’avère bien suffisante. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © SND/ Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Retour des morts-vivants, réalisé par Dan O’Bannon

LE RETOUR DES MORTS-VIVANTS (The Return of the Living Dead ) réalisé par Dan O’Bannon, disponible en combo Blu-ray/DVD chez Le Chat qui fume le 20 novembre 2017

Acteurs : Clu Gulager, James Karen, Don Calfa, Thom Mathews, Beverly Randolph, John Philbin, Jewel Shepard, Miguel A. Núñez Jr., Brian Peck, Linnea Quigley, Mark Venturini, Jonathan Terry…

Scénario : Dan O’Bannon, d’après une histoire de Rudy Ricci, John A. Russo et Russell Streiner

Photographie : Jules Brenner

Musique : Matt Clifford

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1985

LE FILM

Le jour de son embauche dans un entrepôt médical, le jeune Freddy et son oncle, découvrent de vieux containers abandonnés par l’armée. En s’en approchant d’un peu trop près, les deux compères libèrent par erreur un gaz toxique ayant la particularité de ramener les morts à la vie. Rapidement le gaz se propage vers un cimetière voisin…

Les évènements décrits dans ce film ont eu lieu. Les noms sont ceux de personnes et d’entreprises réelles.

En 1985, Le Retour des morts-vivants – The Return of the Living Dead sort quelques semaines avant Le Jour des morts-vivants – Day of the Dead de George A. Romero. Réalisé par Dan O’Bannon, scénariste de Dark Star de John Carpenter (1974), d’Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979), de Tonnerre de feu de John Badham (1983) et plus tard de Lifeforce (1985) et de L’Invasion vient de Mars (1986) de Tobe Hooper, sans oublier Total Recall de Paul Verhoeven (1990) et Planète hurlante de Christian Duguay (1995), ce « Retour » mise avant tout sur l’humour, mais n’oublie pas d’effrayer (gentiment) les spectateurs qui sont venus avant tout pour se distraire, avoir peur et s’amuser. Mission accomplie puisque non seulement Le Retour des morts-vivants sera un bien plus grand succès que Le Jour des morts-vivants en rapportant le double de dollars au box-office, mais il est aussi devenu instantanément culte.

Un vendredi soir, Frank et son neveu Freddy qui démarre dans l’entreprise UNEEDA, société de fournitures médicales, font l’inventaire de l’entrepôt. Accidentellement, ils libèrent un gaz toxique d’un conteneur militaire stocké dans la cave de l’entreprise depuis la fin des années soixante. Ce baril provient d’une livraison mal expédiée de l’armée et contient un zombie endormi, à l’origine du film La Nuit des morts-vivants. Pendant ce temps, Tina, la petite amie de Freddy, décide de l’attendre dans un cimetière voisin avec ses amis punks. Malheureusement pour eux, la maladresse de Frank et Freddy va déclencher une invasion de morts-vivants et transformer cette nuit en cauchemar.

En 1968, La Nuit des morts-vivants, coécrit par George A. Romero et John A. Russo, sort sur les écrans. Tourné avec un petit budget, c’est un immense succès, au point que le film demeure aujourd’hui l’une des productions indépendantes les plus rentables de l’histoire du cinéma. Les deux scénaristes se brouillent. En 1978, George A. Romero écrit seul et met en scène Zombie, également un très grand succès. De son côté, John A. Russo compte également revenir aux morts-vivants et écrit The Return of the Living dead. Revendu à un producteur indépendant, le scénario envisagé comme une suite logique à La Nuit des morts-vivants est proposé à Tobe Hooper et même John A. Russo pense le mettre en scène. C’est finalement le scénariste Dan O’Bannon, qui remanie le script et qui éloigne l’histoire originale jugée trop proche de l’univers de George A. Romero dont Le Jour des morts-vivants est annoncé en concurrence directe avec le leur. Dan O’Bannon est finalement choisi pour réaliser Le Retour des morts-vivants.

Si l’histoire contient quelques références à La Nuit des morts-vivants de Romero, le film de Dan O’Bannon privilégie l’humour, à la limite de la parodie, bien que le matériel de base soit respecté, tout en apportant quelques éléments inédits à l’instar des zombies qui parlent, courent et dont le cerveau détruit ne parvient pas à les exterminer. C’est ce qui fait la grande réussite du Retour des morts-vivants puisqu’il s’agit d’un véritable film de genre et de zombies, même si bourré de second degré. Dan O’Bannon n’a pas la prétention de dissimuler le côté série B d’épouvante et fantastique de son film. Sa mise en scène n’en est pas moins soignée, élégante, soutenue par un montage alerte, des effets spéciaux et maquillages réussis (mention spéciale à l’homme-goudron et à la femme-tronc), une bande originale explosive (The Cramps, 45 Grave, T.S.O.L., The Flesh Eaters, Roky Erickson, The Damned, SSQ…) et surtout un casting au diapason où tous les comédiens (Clu Gulager, Don Calfa, James Karen, Thom Matthews, Beverly Randolph, Jewel Shepard, Brian Peck…) prennent visiblement beaucoup de plaisir à se donner la tordante réplique.

Résultat, toute cette énergie est furieusement contagieuse, on rit énormément, les scènes d’action sont rudement menées, les scènes anthologiques s’enchaînent comme des perles sur un collier. N’oublions pas la touche sexy apportée par la participation de la scream queen Linnea Quigley (Trash), dont le striptease sur la pierre tombale a marqué les spectateurs, au point de devenir l’élément central de l’affiche du film dans certains pays, y compris dans nos contrées.

Référence du film de genre mêlant humour et gore, qui n’aura de cesse d’inspirer moult cinéastes (Edgar Wright pour Shaun of the Dead, Bienvenue à Zombieland de Ruben Fleischer), graphique, cartoonesque et au final aussi expédié que pessimiste, Le Retour des morts-vivants a donc tout à fait sa place aux côtés des opus mythiques du genre.

LE BLU-RAY

Le nouveau bébé du Chat qui fume est arrivé dans les bacs ! Et le moins que l’on puisse dire, c’est que l’éditeur continue sur sa lancée. Le Retour des morts-vivants débarque chez nous grâce au Chat noir de Stéphane Bouyer, dans une superbe édition combo Blu-ray/Double DVD, qui prend la forme d’un sublime Digipack à trois volets. La sérigraphie des disques est attrayante (surtout celle du DVD Bonus avec Linnea Quigley topless), tandis que le verso reprend les visuels américain, français (censuré) et italien. Le Digipack est glissé dans un surétui cartonné au visuel français cette fois non censuré. ÉDITION LIMITÉE A 2000 EXEMPLAIRES NUMÉROTÉS. Les menus principaux sont animés sur la formidable partition de Matt Clifford.

Et c’est parti pour 3h30 de suppléments !

Le premier module est un documentaire rétrospectif réalisé en 2011 par Bill Philputt, d’une durée de 2 heures et intitulé More brains ! A return to the living dead ! Essentiellement constitué d’interventions souvent drôles et enjouées du scénariste John A. Russo, du décorateur William Stout, du maquilleur Tony Gardner, du chef opérateur Jules Brenner, des comédiens Brian Peck, Linnea Quigley, Jewel Shepard, Allan Trautman, Don Calfa, Clu Gulager, Miguel A. Núñez Jr. et bien d’autres invités, ce module revient sur tous les aspects de la production du Retour des morts-vivants.

Sans langue de bois, les protagonistes abordent les conditions d’un tournage difficile (« une zone de combat » disent certains) avec un réalisateur parfois autoritaire qui pouvait malmener ses comédiens. Les soucis juridiques avec le projet concurrent de George A. Romero, le casting, les effets visuels, les maquillages, la bande originale, les scènes anthologiques, sans oublier la sortie, le très grand succès et le culte du film sont longuement évoqués à travers ce documentaire qui ravira les fans de base et les plus curieux des cinéphiles. Tout ce lot d’anecdotes se clôt sur l’apparition du cinéaste Dan O’Bannon (1946-2009), dans une interview visiblement réalisée peu de temps avant sa mort.

On passe ensuite à un entretien (2016-15’) avec le scénariste John A. Russo, qui avait coécrit La Nuit des morts-vivants avec George A. Romero en 1968, et qui est ici à l’origine du Retour des morts-vivants de Dan O’Bannon. Certes, la plupart des arguments avancés ont déjà entendu lors du documentaire rétrospectif, mais les propos de John A. Russo sont ici plus étayés, notamment en ce qui concerne son travail et sa relation avec Romero. S’il déclare ne s’être jamais disputé avec son ancien associé, le scénariste n’est pas peu fier d’avoir pris l’ascendant lors de la sortie quasi-simultanée de leurs films en 1985.

Après le scénariste, place aux responsables des effets spéciaux (2016-33’). William Stout (décorateur), le superviseur des effets visuels Gene Warren Jr., le comédien Brian Peck et les maquilleurs, avec d’un côté Bill Munns, de l’autre Kenny Myers et Craig Caton, abordent leur collaboration avec le réalisateur Dan O’Bannon, qui désirait s’éloigner du style de George A. Romero, avec des zombies rapides. Des photos de production, des storyboards et des dessins préparatoires illustrent des propos toujours francs, notamment lorsque Bill Munns explique que le metteur en scène l’a renvoyé à la moitié du tournage pour son travail jugé insuffisant et médiocre. Bill Munns s’explique en disant que le manque de temps et surtout d’argent ne lui permettait pas de réaliser son travail comme il le souhaitait, à l’instar du zombie jaune à la tête coupée. La production l’a ensuite remplacé par ses deux collègues également présents dans ce segment. Vous saurez tout sur la création de l’homme-goudron, le squelette qui sort de terre, la prothèse sexuelle de Linnea Quigley, la femme-tronc et les autres zombies.

Le Retour des morts-vivants fait la part belle à une bande-son punk-rock, alors peu en vogue dans le cinéma de genre à l’époque et qui aujourd’hui participe également à la réussite du film. Le bonus Party Times (2016-30’) convoque certains chanteurs et musiciens (Dinah Cancer, Greg Hetson…) dont les morceaux sont utilisés dans le film de Dan O’Bannon. The Cramps, 45 Grave, T.S.O.L., The Flesh Eaters, Roky Erickson, The Damned, SSQ, tous ces noms vont raviver beaucoup de souvenirs à certains fans, tandis que les consultants en musique Budd Carr et Steve Pross racontent comment tous ces groupes ont été rassemblés pour composer la B.O.

Les scènes inédites (12’) sont plus anecdotiques, puisque comme l’indique un carton en introduction, les séquences proviennet d’une version workprint, un premier montage qui servait de référence. Lors du montage final, Dan O’Bannon a préféré couper des débuts et des fins de scènes, afin de rendre son film plus dynamique. Certains dialogues ont également été coupés. A travers un montage réalisé à cette occasion, ces « morceaux » ont été replacés là où ils apparaissaient à l’origine.

On termine sur un document rare de cinq minutes, compilant des images de tournage (mises en musique) tournées en 8mm !

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce, le teaser (« Ils reviennent…et ils ne sont pas végétariens ! »), le film (VF, 1h27) en mode open matte (1.33 plein cadre, format dans lequel Dan O’Bannon a tourné Le Retour des morts-vivants), les bandes-annonces d’Opera, Sanctuaire et Lord of Illusions.

L’Image et le son

Le Retour des morts-vivants arrive dans les bacs français dans une superbe édition HD (1080p) entièrement restaurée. Le travail est impressionnant et l’image est très propre, débarrassée de toutes scories, poussières, griffures et autres résidus imaginables. Un soin particulier a été apporté afin que la texture originale du film, les détails, la structure du grain ne soient pas affectés par le traitement numérique. Ce nouveau transfert Haute Définition permet de redécouvrir le film de Dan O’Bannon sous toutes ses coutures avec une magnifique patine argentique. Cette élévation HD offre à la colorimétrie un nouveau lifting, qui retrouve un nouvel éclat. La gestion des contrastes demeure solide, y compris sur les très nombreuses scènes sombres. Pas de réduction de bruit à l’horizon et le piqué est très élégant. N’oublions pas la stabilité de la copie soutenue par un codec AVC exigeant.

En anglais comme en français, les deux mixages DTS-HD Master Audio 2.0 contenteront les puristes. Ces deux options acoustiques s’avèrent dynamiques et limpides, avec une belle restitution des dialogues et de la tonitruante musique du film. Les effets sont solides et le confort assuré. Pas de souffle constaté. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé à la volée.

Test Blu-ray / HHhH, réalisé par Cédric Jimenez

HHhH réalisé par Cédric Jimenez, disponible en DVD et Blu-ray chez TF1 Studio le 10 octobre 2017

Acteurs : Jason Clarke, Rosamund Pike, Jack O’Connell, Jack Reynor, Mia Wasikowska, Stephen Graham, Céline Sallette, Gilles Lellouche…

Scénario : David Farr, Audrey Diwan, Cédric Jimenez, d’après le roman HHhH de Laurent Binet

Photographie : Laurent Tangy

Musique : Guillaume Roussel

Durée : 2h

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

L’ascension fulgurante de Reinhard Heydrich, bras droit d’Himmler et chef de la Gestapo, l’un des hommes les plus dangereux du régime. Lorsque Hitler le nomme à Prague pour diriger la Bohême-Moravie et élaborer un plan d’extermination définitif, deux jeunes soldats de la résistance, Jan Kubis et Jozef Gabcik se dressent face à lui. Leur mission : éliminer Heydrich.

HHhH, acronyme – jamais expliqué dans le film – pour Himmlers Hirn heißt Heydrich, qui signifie en allemand le cerveau d’Himmler s’appelle Heydrich, est l’adaptation du roman historique homonyme de Laurent Binet, publié en 2010 aux éditions Grasset, prix Goncourt du premier roman et traduit en vingt langues, relatant le véritable récit de l’Opération Anthropoid, durant laquelle deux résistants tchécoslovaques furent envoyés pour assassiner Reinhard Heydrich, chef de la Gestapo et des services secrets nazis. Le cinéaste français Cédric Jimenez (Aux yeux de tous, La French), s’empare de cette histoire romanesque à part entière et convoque un casting international pour son premier long métrage en langue anglaise.

Au début des années 1930, Reinhard Heydrich, militaire déchu renvoyé de la Reichsmarine, rejoint le nazisme sur la suggestion de sa femme Lina. Il devient alors le bras droit du chef de la SS naissante, Heinrich Himmler. Celui-ci le nomme en 1939 à la tête du RSHA, l’organe principal de police secrète et judiciaire du Reich, dont l’une des sections est la célèbre Gestapo. Principal adjoint de Himmler, il est l’un des hommes les plus puissants du régime. En septembre 1941, Hitler lui donne en complément les attributions de vice-gouverneur de Bohême-Moravie, la partie occupée de la Tchécoslovaquie : pour cela, il a des bureaux à Prague où il règne en maître, car le gouverneur en titre Konstantin von Neurath est vieillissant et malade. Comme Heydrich est resté chef du RSHA, il a aussi pour mission de mener à son terme le plan déjà entamé d’extermination des Juifs d’Europe : la « solution finale de la question juive ». Par ailleurs, ayant quitté la Tchécoslovaquie en 1939, le Tchèque Jan Kubiš et le Slovaque Jozef Gabčík sont engagés depuis 1940 aux côtés de la Résistance pour lutter contre l’occupation allemande. Après un entraînement prolongé en Grande-Bretagne, les deux jeunes soldats se portent volontaires pour une mission secrète aussi importante que risquée : éliminer le général de la police SS Heydrich. La veille de la Saint-Sylvestre 1941, ils sont parachutés à proximité de Prague et, pendant plusieurs mois, sont hébergés par des familles pragoises, dont les Moravec et les Novak. Jan fait ainsi la connaissance d’Anna Novak, mais il sait que sa mission doit passer avant l’amour.

A l’instar de ses deux précédents films, Cédric Jimenez fait preuve d’un véritable savoir-faire derrière la caméra. Sa mise en scène spectaculaire démontre un vrai sens visuel. Comme pour Aux yeux de tous et pour La French, la forme l’emporte malheureusement sur le fond et demeure glacial. L’ascension fulgurante de Reinhard Heydrich, militaire déchu, entraîné vers l’idéologie nazie par sa femme Lina est un sujet en or, mais HHhH apparaît finalement plus comme une démonstration technique, impressionnante certes, mais qui laisse quelque peu le spectateur en dehors. L’assassinat de Reinhard Heydrich avait déjà inspiré le cinéma, à l’instar de Fritz Lang avec son formidable Les Bourreaux meurent aussi, réalisé juste après la mort du Reich Protektor, ou bien encore Douglas Sirk pour Hitler’s Madman, également sorti en 1943 et même encore dernièrement Sean Ellis avec son Opération Anthropoid sorti en 2016, avec Jamie Dornan, Cillian Murphy et Charlotte Le Bon. Disposant d’un budget de près de 30 millions d’euros, Cédric Jimenez soigne chaque plan et semble finalement plus intéressé par ses effets de style (ralentis, atmosphère vaporeuse), que par l’histoire, ou plutôt les deux récits entrecroisés qu’il raconte.

Rien à redire sur les comédiens. Jason Clarke (Zero Dark Thirty, La Planète des Singes : L’Affrontement, Terminator: Genisys) joue admirablement de son regard polaire et de son terrifiant visage anguleux, tout en laissant transparaître l’homme derrière le monstre. Même chose pour Rosamund Pike avec son élégance ambigüe, dont on regrette le sacrifice du personnage à mi-temps, même si l’aura du couple principal plane sur le reste du film. Jack O’Connell (l’une des grandes révélations du cinéma britannique depuis dix ans), Jack Reynor (vu dans Detroit et Sing Street), la lumineuse Mia Wasikowska, sans oublier la participation des français Gilles Lellouche et Céline Salette, déjà présents dans La French, complètent un casting exceptionnel.

Si HHhH manque d’âme et croule sous la musique – pourtant belle – de Guillaume Roussel, l’histoire ne laisse pas indifférent, même si la seconde partie, celle consacrée aux résistants, n’a pas autant d’impact que celle centrée sur Heidrich. On se laisse finalement emporter par ce flux d’images et par des séquences d’action et d’affrontements efficaces et divertissantes.

LE BLU-RAY

Le test de l’édition Haute-Définition de HHhH, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

On commence les suppléments par un making of (22’) essentiellement constitué d’entretiens avec le réalisateur Cédric Jimenez (in english « in ze text »), les comédiens Jason Clarke, Rosamund Pike et Jack Reynor, mais aussi de quelques images de tournage. Le metteur en scène revient sur sa découverte du roman de Laurent Binet et sur la proposition du producteur Ilan Goldman de le transposer au cinéma. Plus basiques, les acteurs interviennent sur les personnages et leurs motivations.

A cela s’ajoute un formidable et passionnant entretien (46’) de Johann Chapoutot, professeur d’histoire contemporaine à la Sorbonne. Ce spécialiste du nazisme explore la vie, la personnalité, la carrière, l’ascension, la mort et ses conséquences de Reinhard Heydrich, les étapes successives (montrées ou non dans le film de Cédric Jimenez) et circonstances sociales et politiques qui l’ont conduit à rejoindre la SS. Si divers extraits de HHhH illustrent parfois trop longuement cette présentation, ce module très informatif est exposé brillamment. Dans la dernière partie, Johann Chapoutot évoque l’apparition du personnage d’Heydrich au cinéma et dans le domaine littéraire. Il donne également son avis sur le livre (qu’il encense) et le film HHhH, affirmant que ce dernier est digne du livre dont il est tiré.

L’Image et le son

TF1 Studio prend soin du service après-vente du film de Cédric Jimenez. Voici donc un très beau master HD. Respectueuse des volontés artistiques originales concoctées par Laurent Tangy, qui avait précédemment signé la photographie de La French, Radiostars et 20 ans d’écart, la copie de HHhH se révèle un petit bijou technique avec des teintes vives et malgré tout réalistes, un grain argentique palpable (tournage réalisé en 35mm), le tout soutenu par un encodage AVC solide. Le piqué, tout comme les contrastes, sont tranchants, les arrière-plans sont magnifiquement détaillés, le relief omniprésent et les détails foisonnants sur le cadre large. Malgré tout, signalons que les séquences en basse lumière manquent de définition par rapport au reste, mais rien de rédhibitoire. Le Blu-ray était l’écrin tout désigné pour découvrir ce film qui mérite une seconde chance après un résultat décevant dans les salles.

L’éditeur a également soigné le confort acoustique et livre deux mixages DTS-HD Master Audio 5.1 français et anglais, aussi probants dans les scènes d’action et de fusillades que dans les séquences plus calmes. Les pics de violence peuvent compter sur une balance impressionnante des frontales comme des latérales. Les effets annexes sont omniprésents et dynamiques, les voix solidement exsudées par la centrale, tandis que le caisson de basses souligne efficacement chacune des séquences au moment opportun. La spatialisation musicale est luxuriante avec un net avantage pour la version originale. L’éditeur joint également une piste Audiodescription ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue verrouillé à la volée.

Crédits images : © TF1 Studio / Mars Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Ballade des Dalton, réalisé par René Goscinny et Morris

LA BALLADE DES DALTON réalisé par Morris et René Goscinny, disponible en Blu-ray le 21 novembre 2017 chez Citel Vidéo

Acteurs : Roger Carel, Georges Atlas, Daniel Ceccaldi, Jacques Balutin, Xavier Depraz, Pierre Tornade, Jacques Deschamps, Gisèle Grimm, Michel Elias, Bernard Haller, Jacques Fabbri, Gérard Hernandez, Henri Labussière, Roger Lumont, Jacques Legras, Jacques Morel, Ada Lonati, Henri Poirier, Lawrence Riesner, Pierre Trabaud, Jean-Marc Thibault, Rosy Varte, Henri Virlojeux, René Goscinny…

Scénario : René Goscinny, Morris, Pierre Tchernia

Musique : Claude Bolling

Durée : 1h23

Date de sortie initiale : 1978

LE FILM

Les Dalton prennent la poudre d’escampette pour toucher l’héritage de feu Tonton Dalton. Une seule condition: assassiner le jury qui a condamne le respectable vieil homme.

Lucky Luke – Daisy Town ayant été un très grand succès en Europe, il était certain que L’Homme qui tire plus vite que son ombre ferait son retour sur le grand écran. En 1978, débarque sur les écrans La Ballade des Dalton, LE chef d’oeuvre du cowboy solitaire au cinéma. Si finalement Lucky Luke laisse la vedette aux quatre frangins à moustaches, Joe, William, Jack et Averell, l’humour y est dévastateur, le film enchaîne les gags pendant 1h20 et demeure aujourd’hui une immense référence.

Les frères Dalton purgent leurs 4200 ans de travaux forcés lorsqu’ils apprennent la mort « naturelle » (« c’est une consolation ») par pendaison de leur cher Tonton Henri. Dans son testament, le vieil homme leur lègue toute sa fortune à deux conditions : qu’ils suppriment les huit membres du jury et le juge responsable de sa condamnation et que Lucky Luke – seul homme honnête et digne de confiance qu’ait connu Tonton Henri ! – confirme au notaire la bonne exécution de cette clause obligatoire. Sans plus attendre, les quatre coyotes s’évadent pour entamer leur drôle de ballade. Si les Dalton échouent, tout le magot d’Henry Dalton ira aux bonnes œuvres. Joe promet à Lucky Luke une part de l’héritage s’il accepte de le faire (tout en voulant le tuer à la fin), Lucky Luke accepte mais ce n’est qu’apparence. Il s’assure en fait que chacun survive tout en faisant croire aux Dalton qu’ils réussissent.

Les cibles répondent au nom de Ming Li Foo, un blanchisseur chinois, Thaddeus Collins, un directeur de prison (d’où les détenus se sont tous évadés), Plume de serpent, un sorcier indien qui vit au milieu du Désert de la soif, Dr Aldous Smith, un charlatan alcoolique (qui ressemble comme deux gouttes d’alcool au comédien américain W.C. Fields), Tom O’Connor, un chercheur d’or, Sam Game, un joueur de poker reconverti en prêcheur, Bud Bugman, un conducteur de train, Mathias Bones, un croque-mort (accompagné de son vautour), ainsi que le juge Groovy qui a condamné Henri Dalton.

Conscients que la meilleure transposition d’une bande dessinée au cinéma se rapproche plus du film à sketches reliés entre eux par un fil rouge, Morris et René Goscinny, aidés par leur complice Pierre Tchernia au scénario et par Henri Gruel et Pierre Watrin à la mise en scène, reprennent pour ainsi dire la même structure que Les Douze travaux d’Astérix sorti en 1976. Lâcher les Dalton dans la nature sous la surveillance de Lucky Luke, pour qu’ils puissent décimer tous les membres d’un jury avec le juge en sus, donne l’opportunité aux réalisateurs d’imaginer neuf petites histoires. Et c’est absolument formidable encore quarante ans après. Si Lucky Luke – Daisy Town était déjà une grande réussite, La Ballade des Dalton est un véritable coup de maître écrit et réalisé par des génies absolus.

Sur un rythme trépidant, les spectateurs, petits et grands, suivent ces aventures originales (l’album adapté du film sera édité plus tard) aux répliques hilarantes, aux situations et gags anthologiques et aux magnifiques couleurs. Une scène parmi tant d’autres, celle du rêve onirique de Joe Dalton après que ce dernier et ses frères se soient fait droguer par un sorcier indien, montre la fratrie plongée dans un monde de comédies musicales. C’était ici l’occasion pour René Goscinny de rendre hommage au cinéma hollywoodien qu’il affectionnait, Chantons sous la pluie, White Christmas, Le Bal des sirènes, Ziegfield Follies. Malheureusement, René Goscinny, décédé le 5 novembre à l’âge de 51 ans, n’a pas pu voir le résultat final.

La Ballade des Dalton bénéficie d’un plus grand budget (ici 12 millions de francs) que Daisy Town et cela se voit à l’écran. Quelques chiffres éloquents : 800 plans, 500 décors, 560.000 dessins. Ajoutons à cela une merveilleuse bande originale signée Claude Bolling qui reste à jamais gravée dans les mémoires, ainsi qu’un casting vocal exceptionnel. Daniel Ceccaldi remplace Marcel Bozzuffi pour Lucky Luke, René Goscinny lui-même prête sa voix à Jolly Jumper, Bernard Haller interprète Rantanplan (« on a volé la prison ! »), les Dalton sont incarnés par Pierre Trabaud (Joe), Jacques Balutin (William), Gérard Hernandez (Jack) et Pierre Tornade (Averell). Les amis et complices de Goscinny et de Tchernia participent également à l’immense réussite de ce « road-movie » comme Jacques Legras (le notaire Augustus Betting), Roger Carel (Ming Li Foo, Mathias Bones, le crieur de journaux, Juan le Méxicain), Jacques Morel (Sam Game), Jean-Marc Thibault (Aldous Smith) ou bien encore Jacques Fabbri (Thadeus Collins).

L’animation est plus fluide, le trait plus fin, bref, c’est un régal de chaque instant. La Ballade des Dalton sort le 24 octobre 1978, presque un an après le décès brutal de René Goscinny. C’est aussi le dernier long métrage d’animation produit par les Studios Idéfix qui allait fermer ses portes.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de La Ballade des Dalton, disponible chez Citel Vidéo, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette indique cette fois « Nouveau Master Haute Définition », même si le visuel aurait pu être plus attractif. Le menu principal est animé et musical.

Le must sur cette édition HD est bien entendu son image restaurée, mais pas ses suppléments qui se résument uniquement à la bande-annonce originale, ainsi qu’un comparatif avant/après la restauration.

L’Image et le son

Il aura fallu attendre la fin de l’année 2017 pour posséder enfin La Ballade des Dalton en Haute-Définition dans nos contrées ! L’image est présentée dans son format original 1.66 et a surtout été entièrement restaurée à partir du négatif original 35mm, par Mediatoon Distribution aux laboratoires Eclair. Tout cela a été scanné en 4K avant de connaître une restauration très poussée en 2K. Voilà un dépoussiérage de premier ordre ! On attendait impatiemment la sortie en Blu-ray du chef d’oeuvre de Morris et Goscinny. C’est superbe. Les couleurs bleues, jaunes et rouges retrouvent un éclat inespéré, le grain original est heureusement respecté, la clarté est évidente et les contrastes revus à la hausse. L’image est stable, propre comme elle n’a jamais été, sans griffures. Si l’on remarque encore quelques effets de pompages sur certains aplats, qui auraient été difficiles à équilibrer sans dénaturer les volontés artistiques, ou bien encore diverses scènes marquées par des points blancs (le dernier pétage de plomb de Joe Dalton au tribunal), revoir La Ballade des Dalton dans ces conditions contribue à sa postérité et n’a pas fini de faire de nouveaux adeptes parmi le jeune public.

Il n’y a pas que l’image qui a bénéficié d’un lifting, par le désormais incontournable Studio L.E. Diapason, qui s’occupe entre autres de la restauration sonore sur les titres du patrimoine chez Pathé. L’unique piste DTS-HD Master Audio Mono 2.0 est beaucoup plus dynamique, propre et vif que celui de Lucky Luke – Daisy Town, qui restait souvent étriqué avec des échanges aigus. Ce nouveau mixage fait ici la part belle à l’extraordinaire bande originale signée Claude Bolling, que nous n’avions jamais entendu avec autant de coffre. Aucun souffle, pas de saturation, tout est net. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © DARGAUD Productions, René Goscinny Productions / Idéfix Studio / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Michaël Gregorio – J’ai dix ans, réalisé par François Goetghebeur

MICHAËL GREGORIO – J’AI DIX ANS réalisé par François Goetghebeur, disponible en DVD et Blu-ray le 14 novembre 2017 chez Universal Pictures

Spectacle écrit par : Michaël Gregorio, Arnaud Lemort, Laurent Ruquier

Durée : 2h02

Enregistré les 15 et 16 décembre 2017 (AccorHotels Arena)

LE SPECTACLE

Pour fêter ses 10 ans de scène avec son équipe, Michaël Gregorio revient avec un spectacle-événement inédit et festif. Pour l’occasion, Michaël a fait les choses en grand : les meilleurs moments de ses 3 premiers spectacles revisités par une scénographie innovante, des sketches inédits, des nouvelles voix, des surprises et des guests…

Voilà déjà dix ans que l’imitateur et chanteur Michaël Gregorio, découvert en 2001 dans l’émission Graine de star (qu’il a remporté deux fois), sillonne les routes de France avec ses excellents musiciens. Né en 1984 à Mulhouse, le jeune artiste a su immédiatement conquérir l’Hexagone avec ses performances vocales souvent hallucinantes, devenant ainsi le chaînon manquant entre le québécois André-Philippe Gagnon et Laurent Gerra. Mais Michaël Gregorio va bien au-delà puisqu’il compte à son actif une multitude d’interprètes anglo-saxons. Et pour ces dix ans de tournée, toute cette équipe a voulu se faire plaisir, au point d’investir Bercy…euh…l’AccorHotels Arena les 15 et 16 décembre 2016, plein à craquer.

Au programme ? Des dizaines de voix : Mick Jagger, Alain Souchon, Johnny Hallyday, Vincent Delerm, Jacques Brel, Stromae, Charles Aznavour, Maître Gims, Prince, Shakira, Francis Cabrel, Christophe Maé, Grands Coprs Malade, les Bee Gees, Michel Berger, Blur, Radiohead, Ricky Martin, Aqua, Reel 2 Real, Nightcrawlers, Los Del Rio, Ray Charles, Billie Holiday, Louis Armstrong, Luciano Pavarotti, Michael Jackson, Michel Sardou, Vianney, Gérald de Palmas, Julien Doré, les Village People, Elvis Presley, Michel Polnareff, Mike Brandt, Christophe Willem, Freddie Mercury, Jean-Jacques Goldman, Mika, Bono, David Bowie, Bruno Mars, Philippe Katerine et bien d’autres encore.

Survolté, un peu trop sans doute parfois au point que cela peut parfois irriter, Michaël Gregorio réalise ici le spectacle de ses rêves. Il se fait plaisir en jouant de la guitare électrique, de la batterie, du piano, en faisant de nombreuses références à ses films préférés (Retour vers le futur notamment), en criant toutes les dix minutes « Bercyyyyyyyyy », comme si lui-même n’en revenait pas d’être là, avant de se jeter littéralement dans la foule en guise de final…et de s’envoler au-dessus des spectateurs. Comme très souvent dans ce genre d’évènement, la vedette a convié d’autres chanteurs (Universal) qu’il imite d’ailleurs à la perfection et avec lesquels il réalise quelques duos. Dommage que ces invités « prestigieux » répondent au nom de Pascal Obispo (vêtu en Reine des Neiges), Dave, Grégoire, Vianney et Christophe Willem, qui pour la plupart passent déjà pour des caricatures au premier degré.

S’il atteint souvent les sommets dans ses numéros, à l’instar du Diego interprété par Michel Berger et Johnny Hallyday (probablement la meilleure imitation chantée de ce dernier), du trio Charles-Holiday-Armstrong (frissons garantis), le Qui a tué Grand-maman de Michel Polnareff ou bien encore Freddie Mercury sur Love of my life, le spectacle pâtit de textes ou de détournements vraiment pauvres (Vanino à la place de Vanina…), redondants et mal écrits, surtout que Gregorio n’imite quasiment pas de voix « parlées ». A tel point que l’on en devient pressé de passer d’une chanson à l’autre, pour s’amuser des « rencontres » singulières comme Charles Aznavour qui chante (avec auto-tune) Bella de Maître Gims, Brel qui entonne Papaoutai, Shakira (hilarant) qui interprète Je l’aime à mourir avec Francis Cabrel, Grand Corps Malade qui déclame Stayin’ Alive.

Heureusement, la qualité est bel et bien présente et ce spectacle de plus de deux heures démontre que Michael Gregorio est un très grand artiste et l’on reste bluffé par le coffre, la pureté et la portée de sa voix. Il a donc encore largement le temps de trouver de vrais auteurs, ce qui lui manque indéniablement aujourd’hui.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Michaël Gregorio – J’ai dix ans, disponible chez Universal Pictures, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur quelques extraits du spectacle. C’est devenu plutôt récurrent, l’artiste détourne d’entrée de jeu le logo Universal.

L’éditeur joint un documentaire (31’) sur la préparation de l’équipe pour le double-show à Bercy, constitué d’images des répétitions avec les musiciens et les guests, de la séance maquillage (5 heures !) pour le prologue où Michaël Gregorio se fait interviewer pour ses 80 ans par Michel Drucker (qui n’a pas pris une ride en 2064), l’entraînement physique pour l’envol final, sans oublier les propos de tout ce beau monde, aussi impressionnés qu’excités à l’idée de se produire dans une salle immense. Un petit tour sympathique dans les coulisses.

L’Image et le son

La définition s’avère quasi-irréprochable. Les couleurs bigarrées et chatoyantes sont magnifiquement restituées, l’artiste se découpe sans mal du fond, le relief est omniprésent et le piqué incisif. Les noirs sont denses, les jeux de lumières resplendissants et le cadre large fourmille de détails. Le spectacle filmé en HD trouve évidemment en Blu-ray un écrin parfait et offre de fabuleuses conditions de visionnage.

N’hésitez pas à opter directement pour la piste DTS-HD Master Audio 5.1 qui vous donnera l’impression d’assister au spectacle de Michaël Gregorio comme si vous étiez assis au milieu de Bercy. La batterie, les percussions, les basses, les guitares sont idéalement spatialisées, le caisson de basses répond à l’appel, les arrières exsudent les applaudissements et les rires, la balance frontale est saisissante et la voix de l’imitateur solidement plantée sur la centrale. La DTS-HD Master Audio 2.0 est évidemment plus « plate » puisque tout repose sur les voies avant, mais le spectacle acoustique est garanti. L’éditeur joint également les sous-titres destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Universal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Baiser du vampire, réalisé par Don Sharp

LE BAISER DU VAMPIRE (The Kiss of the Vampire) réalisé par Don Sharp, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 9 novembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs : Janette Scott, Oliver Reed, Sheila Burrell, Maurice Denham, Alexander Davion, Liliane Brousse…

Scénario : Anthony Hinds

Photographie : Alan Hume

Musique : James Bernard

Durée : 1h28

Date de sortie initiale : 1963

LE FILM

Lors de leur voyage de noces, un jeune couple perdu dans un petit village d’Europe centrale accepte l’invitation du mystérieux docteur Ravna dans son château. Ils vont découvrir, lors d’un mémorable bal masqué, que la lugubre demeure abrite une secte vampirique.

La Hammer a toujours eu de la suite dans les idées, surtout après des triomphes comme ceux du Cauchemar de Dracula (1958) et Les Maîtresses de Dracula (1960) réalisés par Terence Fisher. Seulement voilà, Christopher Lee refuse de rempiler, il avait d’ailleurs déjà décliné le deuxième volet et même Peter Cushing décide d’aller voir ailleurs. Ne voulant pas laisser mourir sa franchise consacrée aux vampires, la Hammer doit changer son fusil d’épaule. Pas de Dracula ici encore une fois, point de Docteur Van Helsing non plus, le scénariste John Elder (La Nuit du Loup-Garou, Le Fascinant Capitaine Clegg, Le Fantôme de l’opéra), pseudo d’Anthony Hinds, fils de William Hinds, le fondateur de la Hammer films, revoit sa copie et emmène le spectateur à la rencontre de nouveaux personnages. Ce troisième épisode, c’est Le Baiser du vampire, The Kiss of the Vampire, mis en scène non pas par Terence Fisher, qui n’a pas voulu revenir lui non plus, mais par le méconnu Don Sharp (1921-2011), cinéaste australien qui réalisera plus tard Les Pirates du diable (1964), La Malédiction de la mouche (1965), Le Masque de Fu-Manchu (1965) et Les Treize Fiancées de Fu Manchu (1966).

En voyage de noces en Europe centrale, un couple de jeunes mariés, Gerald (Edward de Souza) et Marianne Harcourt (Jennifer Daniel), tombent en panne de voiture. Ils vont trouver refuge à l’hôtel le plus proche, où ils s’aperçoivent qu’ils en sont les seuls clients. Le soir, venu, ils reçoivent une invitation à dîner du docteur Ravna (Noel Willman), qui habite le château voisin. L’hôtelier (Peter Madden) leur conseille d’accepter et ils s’y rendent donc. Ravna leur présente son fils Carl (Barry Warren) et sa fille Sabena (Jacquie Wallis) mais ne leur parle pas d’une jeune fille en robe rouge, Tania (Isobel Black), qui sort peu après du château et se rend au cimetière où elle incite une fille vampire à sortir de son cercueil. Celle-ci était la fille du professeur Zimmer (Clifford Evans), qui l’a mise hors d’état de nuire en lui plantant un pieu dans le cœur lors de l’enterrement.

Ce n’est pas que Le Baiser du vampire soit une déception, car le film demeure divertissant encore aujourd’hui, c’est juste qu’il n’apporte pas grand-chose au mythe du vampire et qu’il demeure anecdotique. Certes, passer après l’immense travail de Terence Fisher n’était pas chose aisée, mais Don Sharp s’acquitte honorablement de sa tâche derrière la caméra. Le point faible du film reste son casting, peu charismatique, en dehors de la belle Isobel Black que l’on laisserait volontiers mordre tout ce qu’elle désire, ainsi que Clifford Evans (vu dans La Nuit du Loup-Garou) qui campe le professeur Zimmer, ersatz de Van Helsing. Si Le Baiser du vampire a su traverser les décennies, c’est aussi en raison de sa séquence de bal masqué qui inspirera à Roman Polanski son cultissime Bal des vampires en 1967, tout comme Le Cauchemar de Dracula et Les Maîtresses de Dracula l’influenceront également.

La photo d’Alan Hume (Un poisson nommé Wanda, Runaway Train, Dangereusement vôtre) est plutôt quelconque, loin d’égaler le travail d’Arthur Grant et surtout de Jack Asher, qui participaient à la réussite des films sur lesquels ils officiaient. Néanmoins, le soin apporté aux décors et aux costumes est indéniable, tandis que certaines scènes ont su marquer les esprits à l’instar de l’attaque des chauves-souris dans un final pensé à l’origine pour Les Maîtresses de Dracula. Dommage que l’atmosphère ne prenne pas vraiment, la faute à une mise en scène certes efficace, mais finalement conventionnelle.

LE BLU-RAY

Le Baiser du vampire est disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films. Cette édition contient également un livret collector de 20 pages, ainsi qu’une jaquette réversible avec choix entre facings « moderne » ou « vintage ». Le boîtier Blu-ray est glissé dans un fourreau. Le menu principal est animé et musical.

Bravo à Elephant Films qui nous livre ici l’une de ses meilleures présentations. On doit cette grande réussite à Nicolas Stanzick, auteur du livre Dans les griffes de la Hammer : la France livrée au cinéma d’épouvante. Dans un premier module de 10 minutes, ce dernier nous raconte l’histoire du mythique studio Hammer Film Productions. Comment le studio a-t-il fait sa place dans l’Histoire du cinéma, comment le studio a-t-il réussi l’exploit de susciter un véritable culte sur son seul nom et surtout en produisant de vrais auteurs ? Comment les créateurs du studio ont-ils pu ranimer l’intérêt des spectateurs pour des mythes alors tombés en désuétude ou parfois même devenus objets de comédies ? Nicolas Stanzick, érudit, passionnant, passe en revue les grands noms (Terence Fisher bien évidemment, Christopher Lee, Peter Cushing) qui ont fait le triomphe de la Hammer dans le monde entier, mais aussi les grandes étapes qui ont conduit le studio vers les films d’épouvante qui ont fait sa renommée. Voilà une formidable introduction !

Retrouvons ensuite Nicolas Stanzick pour la présentation du Baiser du vampire (21’). Evidemment, ce module est à visionner après avoir vu ou revu le film puisque les scènes clés sont abordées. Comme lors de sa présentation de la Hammer, Nicolas Stanzick, toujours débordant d’énergie et à la passion contagieuse, indique tout ce que le cinéphile souhaiterait savoir sur la production du Baiser du vampire. Le journaliste replace donc ce film dans l’histoire de la Hammer Films, au moment où le studio souhaitait lancer un troisième volet de la saga Dracula, même si Les Maîtresses de Dracula avait trompé les spectateurs puisque le Comte n’y figurait pas. Après le refus de Christopher Lee, Peter Cushing et même d’Oliver Reed d’apparaître dans un nouveau volet de Dracula, Nicolas Stanzick explique comment la Hammer a finalement renoncé à un Dracula 3, pour se diriger vers une histoire de vampire originale. Le choix du réalisateur Don Sharp, le casting, les effets visuels, la scène finale qui rappelle Les Oiseaux d’Alfred Hitchcock (même si le film de Don sharp a été tourné avant) sont abordés avec intelligence et spontanéité, tandis que Nicolas Stanzick défend Le Baiser du vampire en indiquant comment le film préfigure ce que le genre allait devenir. Il clôt cet entretien en parlant de l’influence que Le Baiser du vampire aura sur Roman Polanski pour son Bal des vampires.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

La qualité de ce master Haute-Définition n’égale pas celle des précédents titres de la Hammer testés par nos soins. Quelques effets de pompages se font ressentir, les fonds enchaînés entraînent divers décrochages, des fourmillements sont parfois visibles, certains plans s’avèrent moins nets ou plus abîmés (les plans sur le château). Néanmoins, la copie est très propre, les couleurs automnales sont flatteuses, le grain original est respecté et bien géré, le relief de certains détails est appréciable à l’instar des costumes et des décors.

Le film est disponible en version originale ainsi qu’en version française DTS HD Master Audio mono d’origine. Sans surprise, la piste anglaise l’emporte haut la main sur son homologue, surtout du point de vue homogénéité entre les voix des comédiens, la musique et les effets sonores. La piste française est tantôt sourde, tantôt criarde, au détriment des ambiances annexes. Dans les deux cas, point de souffle à déplorer, ni aucun craquement. Le changement de langue est possible à la volée et les sous-titres français non imposés.

Test DVD / Le Chanteur de Gaza, réalisé par Hany Abu-Assad

LE CHANTEUR DE GAZA (Ya tayr el tayer) réalisé par Hany Abu-Assad, disponible en DVD chez TF1 Studio le 12 septembre 2017

Acteurs : Tawfeek Barhom, Kais Attalah, Hiba Attalah, Ahmed Al Rokh, Abdel Kareem Barakeh, Nadine Labaki…

Scénario : Hany Abu-Assad, Sameh Zoabi

Photographie : Ehab Assal

Musique : Hani Asfari

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 2015

LE FILM

Un jeune Palestinien prend son destin en main pour réaliser son plus grand rêve : chanter.

Bon alors, même si Le Chanteur de Gaza demeure un film honnête et attachant, on pouvait s’attendre à mieux et surtout à plus ambitieux de la part du réalisateur néerlando-palestinien Hany Abu-Assad né à Nazareth en 1961. S’il fait aujourd’hui partie des réalisateurs contemporains importants de la Palestine, on se souvient notamment de son film le plus célèbre et controversé Paradise Now (2005) qui narrait l’histoire fictive de deux kamikazes palestiniens, depuis leurs recrutements jusqu’à l’attentat suicide à Tel Aviv, Hany Abu-Assad revient avec un film (trop) modeste sur la forme. Centré sur le véritable récit de Mohammad Assaf, chanteur palestinien qui à 23 ans a remporté le premier titre de la deuxième saison du programme de téléréalité Arab Idol en 2013, Le Chanteur de Gaza ne laisse évidemment pas indifférent par son sujet, mais déçoit par sa mise en scène scolaire et son montage franchement rudimentaire, même s’il s’agit du premier film tourné – limité à deux jours de tournage par les autorités israéliennes – dans la bande de Gaza depuis plus de 20 ans.

Elevé dans un camp de réfugiés à Gaza, le jeune Mohammed Assaf est passionné par le charme de la musique depuis son enfance lorsqu’il chantait déjà dans les mariages ou autres réceptions privées. Mais aujourd’hui âgé de vingt-cinq ans, le jeune homme ambitieux souhaite plus que tout réussir à concrétiser son plus grand rêve : devenir un grand chanteur. Aussi décide-t-il de voyager de la bande de Gaza jusqu’en Egypte afin de participer à l’émission télévisée « Arab Idol ». Sans passeport, il parvient à passer la frontière au cours d’un dangereux périple et à atteindre l’hôtel où se déroulent les auditions.

Paradise Now était le premier film palestinien à remporter le Golden Globe du meilleur film en langue étrangère, ainsi que le premier film représentant la Palestine à être nommé à l’Oscar dans la même catégorie. Autant dire que Le Chanteur de Gaza ne joue pas dans la même catégorie et que le metteur en scène Hany Abu-Assad semble ici peu inspiré, probablement confiant dans un sujet qu’il sait fort, engagé et à portée universelle. Largement inspiré par le Slumdog Millionaire de Danny Boyle et Loveleen Tandan, sans la frénésie et la virtuosité, ce film se contente la plupart du temps d’enchaîner les « passages obligés » d’un biopic, autrement dit l’enfance de Mohammad Assaf aux côtés de sa fratrie dans un camp de réfugiés, ses premiers cours de chant et prestations lors de mariages, ses progrès, le trauma qui sera à l’origine de son envie de chanter devant le monde entier (la perte de sa petite sœur), ses doutes, son succès, son triomphe international. Une aura importante qui lui permettra d’être nommé ambassadeur de bonne volonté pour la paix par l’Office de secours et de travaux des Nations unies pour les réfugiés de Palestine dans le Proche-Orient, ainsi qu’ambassadeur de la culture et des arts par le gouvernement palestinien.

Le Chanteur de Gaza est un « joli » film, mais il est dommage d’avoir confié le rôle de Mohammad Assaf (dans sa partie jeune adulte) au jeune comédien Tawfeek Barhom, peu convaincant, et que cette success story courageuse et optimiste tire un peu trop sur la corde sensible, ce dont elle pouvait aisément se passer.

LE DVD

Le test du DVD du Chanteur de Gaza, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément sur cette édition et pas d’édition HD pour ce titre.

L’Image et le son

Hany Abu-Assad peut compter sur TF1 Studio pour le service après-vente du Chanteur de Gaza. En effet, l’éditeur livre un très beau master aux contrastes solides et à la luminosité constante. Le piqué est fort agréable, les ambiances diurnes chatoyantes, la colorimétrie est vive et saturée, et le relief probant aux quatre coins du cadre large. Seuls quelques petits fourmillements sur les arrière-plans viennent ternir quelque peu le visionnage, mais rien de bien méchant.

Seule la version originale est disponible en Stéréo et DD 5.1. Cette dernière piste aurait mérité d’être un peu plus dynamique, mais les latérales distillent quelques petites ambiances musicales et naturelles avec suffisamment de punch. Les dialogues sont précis, dynamiques, la balance frontale équilibrée et le caisson de basses accompagne doucement l’ensemble. La version Stéréo remplit aisément son contrat grâce à une réelle homogénéité entre les dialogues, la musique et les effets annexes. Les sous-titres sont incrustés directement sur l’image.

Test Blu-ray / La Femme du boulanger, réalisé par Marcel Pagnol

LA FEMME DU BOULANGER réalisé par Marcel Pagnol, disponible en Blu-ray chez Compagnie Méditérranéenne de Films – Marcel Pagnol

Acteurs : Raimu, Ginette Leclerc, Charles Moulin, Fernand Charpin, Robert Vattier, Alida Rouffe, Maximilienne, Robert Bassac, Édouard Delmont, Charles Blavette, Odette Roger, Paul Dullac, Julien Maffre, Marcel Maupi, Jean Castan…

Scénario : Marcel Pagnol, d’après un épisode de Jean le Bleu de Jean Giono

Photographie : Georges Benoît

Musique : Vincent Scotto

Durée : 2h14

Date de sortie initiale : 1938

LE FILM

Dans un village de Haute Provence, un boulanger récemment installé découvre un matin que sa jeune femme est partie avec un berger. Il décide de faire la grève du pain tant que sa femme n’est pas revenue. Le village se mobilise afin de retrouver sa boulangère.

« Ah ! Te voilà, toi ? Regarde, la voilà la pomponnette… Garce, salope, ordure, c’est maintenant, que tu reviens ? Et le pauvre pompon, dis, qui s’est fait un mauvais sang d’encre ! Il tournait, il virait, il cherchait dans tous les coins… Plus malheureux qu’une pierre, il était… Et elle, pendant ce temps-là avec ses chats de gouttières… Des inconnus, des bons à rien… Des passants du clair de lune. Qu’est-ce qu’ils avaient, dis, de plus que lui ? »

Réalisé en 1938 et se plaçant pour ainsi dire au beau milieu de sa filmographie, La Femme du boulanger est sans doute le plus grand et le plus émouvant film de Marcel Pagnol (1895-1974). Ce dixième long métrage, situé entre Le Schpountz (1938) et La Fille du puisatier (1940), condense toute la verve de son auteur et offre à l’immense Raimu le plus grand rôle de sa carrière.

Aimable Castanier, le nouveau boulanger du village de Sainte-Cécile, en Provence, n’a pas son pareil pour faire du bon pain. Sa jeune épouse Aurélie tient la caisse. Belle et toujours silencieuse, elle s’ennuie manifestement entre un trop vieux mari et de trop rares clients. Un jour, elle se laisse séduire par un avenant jeune homme, prénommé Dominique, le berger du marquis Castan de Venelles. N’y tenant plus, elle s’enfuit une nuit avec celui-ci. L’infortune du boulanger amuse tout d’abord le village, qui en fait des gorges chaudes. Mais Aimable, désespéré, s’enivre et veut se pendre. Du coup, les habitants s’inquiètent. Vont-ils être définitivement privés de bon pain ?

Si le scénario et les dialogues sont bel et bien signés Marcel Pagnol, l’histoire s’inspire librement d’un épisode de Jean le Bleu de Jean Giono. Le cinéaste adaptera quatre œuvres de l’écrivain, Jofroi de la Maussan pour Jofroi, Un de Baumugnes pour Angèle, Regain pour le film du même nom et donc cette Femme du boulanger. Certes, la mise en scène n’a rien d’exceptionnel et ne l’a jamais été chez Marcel Pagnol, mais c’est ici la quintessence de sa direction d’acteurs et de sa virtuosité des dialogues.

« Mais elle, si elle savait parler, ou si elle n’avait pas honte – ou pas pitié du vieux Pompon – elle me dirait : « ils étaient plus beaux. » Et qu’est-ce que ça veut dire, beau ? Et la tendresse alors, qu’est-ce que tu en fais ? Dis, tes ministres de gouttières, est-ce qu’ils se réveillaient, la nuit, pour te regarder dormir ? (La chatte, tout à coup, s’en va tout droit vers une assiette de lait qui était sur le rebord du four, et lape tranquillement.) Voilà. Elle a vu l’assiette de lait, l’assiette du pauvre Pompon. Dis, c’est pour ça que tu reviens ? Tu as eu faim et tu as eu froid ?… Va, bois-lui son lait, ça lui fait plaisir… Dis, est-ce que tu repartiras encore ? »

A travers l’histoire de ce pauvre Aimable, quitté par sa femme beaucoup plus jeune que lui pour un bel étalon, c’est le portrait de toute une communauté que dresse le réalisateur. Le scénario est constitué de scènes qui s’apparentent à ses sketches entrelacés, avec une multitude de personnages qui gravitent autour d’Aimable, dont les conversations n’apportent pas grand-chose à l’intrigue centrale, mais qui lui donnent pourtant toute son âme. Si l’excuse des gens du village pour se mettre à la recherche d’Aurélie – Ginette Leclerc, toujours aussi provocante dans un rôle proposé à Joan Crawford ! – est de ne pas être privés de pain, la pudeur ne leur fera pas admettre qu’il s’agit aussi et surtout de sauver la bonne âme d’Aimable, qui arrive au bout du rouleau, au point de vouloir se suicider.

Avec une immense délicatesse, Raimu passe du rire aux larmes. Louis de Funès louait la capacité du comédien à jouer sur le fil tendu entre la comédie et la tragédie, tandis qu’Orson Welles le considérait comme le plus grand acteur du cinéma. Il est fantastique, capable de briller face caméra, mais aussi de mettre en valeur ses partenaires tels que Fernand Charpin, succulent dans le rôle du marquis Castan de Venelles, Robert Vattier, génial curé du village, Robert Bassac (l’instituteur), Alida Rouffe (Céleste, la bonne du curé), et tout un tas d’acteurs fidèles à Marcel Pagnol que l’on retrouve de film en film avec toujours le même plaisir. La Femme du boulanger est un film aussi simple qu’admirable, réalisé et joué avec un coeur immense.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de La Femme du boulanger, disponible chez Compagnie Méditérranéenne de Films – Marcel Pagnol, repose dans un slim-digipack élégant avec le profil de Raimu en guise de visuel. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

Comme suppléments, l’éditeur joint uniquement une galerie de photographies, ainsi qu’un comparatif avant/après la restauration.

L’Image et le son

La Femme du boulanger a été restauré en 4K, image par image, à partir des bobines nitrate, par la compagnie Hiventy en 2016. Que les cinéphiles soient rassurés, la très longue attente de voir débarquer le chef d’oeuvre de Marcel Pagnol en DVD et même en Blu-ray est largement récompensée ! Le master au format d’origine 1.33 est superbe. La propreté est remarquable, le cadre stable, la clarté éloquente, le piqué aiguisé et surtout le grain préservé et excellement géré. Les quelques plans flous semblent d’origine et la restauration a voulu conserver les partis pris originaux. C’est superbe et le titre tire constamment profit de son upgrade en Haute-Définition.

Egalement restaurée, la piste DTS-HD Master Audio Mono 2.0 instaure un haut confort acoustique avec des dialogues percutants (peu de répliques chuintantes ou sourdes à déplorer) et une très belle restitution des ambiances annexes. Aucun souffle sporadique ni aucune saturation à l’horizon. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Test Blu-ray / Le Corbeau, réalisé par Henri-Georges Clouzot

LE CORBEAU réalisé par Henri-Georges Clouzot, disponible Blu-ray le 17 octobre 2017 chez Studiocanal

Acteurs : Pierre Fresnay, Pierre Larquey, Micheline Francey, Ginette Leclerc, Noël Roquevert, Héléna Manson…

Scénario : Henri-Georges Clouzot, Louis Chavance

Photographie : Nicolas Hayer

Musique : Tony Aubin

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1943

LE FILM

Médecin d’un petit village du cœur de la France , le docteur Rémy Germain est la victime d’un corbeau, qui l’accuse d’adultère et de pratique illégale de l’avortement. Rapidement, les lettres infamantes se multiplient et personne dans le village n’est épargné par les ragots qui engendreront alors cabales, drames et règlements de comptes. Seul contre tous, le docteur Germain va mener son enquête et découvrir, en même temps que le coupable, les bassesses et la mesquinerie dont peuvent être capables ses concitoyens.

« Vous êtes formidable, vous croyez que les gens sont tout bon ou tout mauvais, vous croyez que le bien c’est la lumière et que l’ombre c’est le mal. Mais où est l’ombre ? Où est la lumière ? Où est la frontière du mal ? Savez-vous si vous êtes du bon ou du mauvais côté ? »

Henri-Georges Clouzot rencontre le succès dès son premier long métrage, L’Assassin habite au 21, d’après le roman de Stanislas-André Steeman. Il enchaîne directement avec Le Corbeau, sur un scénario de Louis Chavance, d’après un fait divers authentique qui s’est déroulé à Tulle de 1917 à 1922, période durant laquelle 110 lettres anonymes avaient été envoyées à l’ensemble de la population. Tourné pour la société de production Continental-Films, active durant l’Occupation, et financée par des capitaux allemands, créée en 1940 par Joseph Goebbels dans un but de propagande et cependant dirigée par le francophile Alfred Greven qui tiendra peu compte des ordres politiques reçus de Berlin, Le Corbeau s’accompagne d’un parfum sulfureux et demeure la plus grande radiographie de la société française de l’époque.

Les notables de Saint-Robin, petite ville de province, commencent à recevoir des lettres anonymes signées « Le Corbeau », dont le contenu est calomnieux. Ces calomnies se portent régulièrement sur le docteur Rémi Germain, ainsi que sur d’autres personnes de la ville. Les choses se gâtent lorsque l’un des patients du docteur Germain se suicide, une lettre lui ayant révélé qu’il ne survivrait pas à sa maladie. Le docteur Germain enquête pour découvrir l’identité du mystérieux « Corbeau ». Tour à tour, plusieurs personnes sont soupçonnées et les lettres infamantes se multiplient.

Comme ce sera le cas dans l’ensemble de ses films, Henri-Georges Clouzot n’épargne personne dans Le Corbeau, et surtout pas les bourgeois. Ici, tout le village est touché. En 1943 (l’Occupation n’est pas mentionnée et d’ailleurs rien n’indique la date à laquelle se déroule le récit), il en faut peu pour que le fragile équilibre se délite. La suspicion règne et l’on passe facilement de victime à coupable suite aux commérages qui prolifèrent.

Le Corbeau rend compte de l’atmosphère irrespirable où tout le monde en venait à s’espionner, se craindre, au rythme des courriers qui se multiplient comme un virus contagieux qui se répand d’une maison à l’autre. Clouzot s’amuse avec un humour noir à regarder ses concitoyens avec l’oeil d’un entomologiste. Plongez des êtres humains dans une situation inexpliquée avec quelques informations diffamatoires, secouez un peu le tout, laissez agir puis analysez le précipité qui en découle. L’hystérie collective n’est pas loin. Ne reste plus qu’à Clouzot qu’à brosser le portrait de personnages, tout autant d’électrons qui s’agitent autour du noyau central interprété par l’immense Pierre Fresnay, tous remarquablement incarnés par une ribambelle de comédiens épatants tels Ginette Leclerc et son regard langoureux, Pierre Larquey, Micheline Francey, Noël Roquevert, Jeanne Fusier-Gir, qui pour la plupart reviendront d’un film à l’autre de Clouzot.

Résolument sombre et violent (même une petite fille tente de se suicider), Le Corbeau est le premier vrai tour de force d’Henri-Georges Clouzot, qui peint un portrait corrosif de la France, l’acide sulfurique remplaçant alors la gouache. À cela s’ajoute une photo très contrastée de Nicolas Hayer, Clouzot ayant été très souvent inspiré par l’expressionnisme allemand. Si le film est un triomphe à sa sortie, Henri-Georges Clouzot connaît la période la plus troublée de sa vie. A la Libération, le film est perçu par la résistance et par la presse communiste de l’époque comme antifrançais, comme si les patriotes pouvaient s’adonner à la délation, ce qui est inconcevable enfin ! Du pain béni pour les détracteurs de Clouzot qui n’hésitaient pas à déclarer que le réalisateur servait ainsi la propagande nazie. Accusé de dénigrer le peuple français, le cinéaste est littéralement banni à vie du métier de metteur en scène en France et le film est interdit. Ces deux interdictions seront heureusement levées dès 1947, après que Clouzot ait été soutenu par quelques grands noms du cinéma (Jacques Becker, Henri Jeanson). Son film peut enfin être redécouvert.

Le Corbeau est le premier chef d’oeuvre incontesté d’Henri-Georges Clouzot, référence du Whodunit et entraînera même un remake aux Etats-Unis, La Treizième Lettre – The Thirteenth Letter, réalisé par Otto Preminger en 1951, avec Charles Boyer.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray du Corbeau, disponible chez Studiocanal, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est sobre, animé sur quelques séquences du film.

L’éditeur joint un seul documentaire sur ce Blu-ray. Le Chef d’oeuvre maudit d’Henri-Georges Clouzot (26’), donne la parole à Pierre-Henri Gibert (réalisateur du Scandale Clouzot) et Claude Gauteur (historien, auteur de Henri-Georges Clouzot, l’oeuvre fantôme, chez LettMotif). Dans ces entretiens croisés, les intervenants dissèquent à la fois le fond (« un témoignage passionnant de la situation de la France durant l’ Occupation », le scénario inspiré d’un fait divers) et la forme, replacent Le Corbeau dans l’oeuvre du cinéaste (première fois qu’il détient les pleins pouvoirs sur un film), mais évoquent aussi et surtout les conditions de production (la Continental), sans oublier l’interdiction du film à la Libération et la sanction envers Clouzot qui à la base devait ne plus avoir le droit d’exercer son métier à vie ! Si ce module remplit bien son contrat, il est dommage que Studiocanal n’ait pas pu reprendre la présentation du Corbeau par Bertrand Tavernier et Jacques Siclier, disponible sur l’édition DVD sortie en 2003.

L’Image et le son

Le premier chef d’oeuvre d’Henri-Georges Clouzot nous apparaît en édition HD restaurée en 4K par le laboratoire Eclair, à partir du négatif original. Et voilà un Blu-ray qui en met souvent plein les yeux avec une définition qui laisse pantois. Le nouveau master HD au format 1080p/AVC ne cherche jamais à atténuer les partis pris esthétiques originaux. La copie se révèle souvent étincelante et pointilleuse en terme de piqué (les scènes en extérieur), de gestion de contrastes (noirs denses, blancs lumineux, richesse des gris), de détails ciselés et de relief. La propreté de la copie est sidérante, la stabilité est de mise, la photo retrouve une nouvelle jeunesse doublée d’un superbe écrin, et le grain d’origine a heureusement été conservé. Les fondus enchaînés sont vraiment les seuls moments où la définition décroche quelque peu, mais cela ne dure que quelques secondes. L’ensemble reste fluide et réellement plaisant. Il serait difficile de faire mieux sans que cela dénature les volontés artistiques.

L’éditeur est aux petits soins avec le film d’Henri-Georges Clouzot puisque la piste mono bénéficie d’un encodage en DTS HD-Master Audio. Si quelques saturations et chuintements demeurent inévitables, ainsi qu’un très léger souffle, l’écoute se révèle équilibrée. Aucun craquement intempestif ne vient perturber l’oreille des spectateurs, les ambiances sont précises. Si certains échanges manquent de punch et se révèlent moins précis, les dialogues sont dans l’ensemble clairs, dynamiques. Les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles.