Test Blu-ray / Les Amoureux sont seuls au monde, réalisé par Henri Decoin

LES AMOUREUX SONT SEULS AU MONDE réalisé par Henri Decoin, disponible en combo Blu-ray/DVD le 11 avril 2018 chez Pathé

Acteurs :  Louis Jouvet, Renée Devillers, Fernand René, Dany Robin, Philippe Nicaud, Janine Viénot, Brigitte Auber…

Scénario :  Henri Jeanson, Henri Decoin

Photographie : Armand Thirard

Musique : Henri Sauguet

Durée : 1h45

Année de sortie : 1948

LE FILM

Gérard Favier est un compositeur célèbre, très amoureux de son épouse Sylvia. Le couple fait la connaissance de Monelle, une jeune pianiste jolie, talentueuse et fervente admiratrice de Gérard Favier. Le musicien prend la jeune fille sous son aile et la propulse vers le succès. Mais un journal à scandale (Entre nous soit dit) annonce les amours du compositeur et de sa protégée. L’information est fausse, mais Monelle se prend à rêver et Sylvia commence à douter.

Une noce qui ne danse pas, rien ne la distingue d’un enterrement.

Grand sportif, il a notamment été champion de France de natation, ancien officier de cavalerie et d’aviation pendant la Première Guerre mondiale, chef d’escadrille, Henri Decoin (1890-1969) se reconvertit ensuite dans l’écriture et devient journaliste. Puis, il se tourne vers le théâtre et tout naturellement vers le cinéma, en devenant assistant-réalisateur à la fin des années 1920. Il passe ensuite derrière la caméra en 1933 pour son premier long métrage, Toboggan. Il rencontre Danielle Darrieux, qu’il épouse et qu’il suit à Hollywood à la fin des années 1930. Cette expérience lui permet d’assimiler les méthodes américaines. A son retour en France, Henri Decoin s’évertuera à appliquer ses acquis dans son propre travail, en variant les genres, passant du polar (Razzia sur la chnouf) au film d’espionnage, en passant par les films historiques et drames psychologiques. S’il n’est pas son opus le plus célèbre, Les Amoureux sont seuls au monde, réalisé en 1947, est considéré par la critique comme étant le meilleur film d’un des réalisateurs les plus prolifiques de sa génération. Et devant la beauté de cette œuvre méconnue, on ne peut qu’acquiescer.

Gérard Favier (Louis Jouvet) est un compositeur dont la renommée n’est plus à faire. Marié depuis dix-huit ans, il aime toujours sa femme Sylvia (Renée Devillers) comme au jour de leurs fiançailles. Un jour, il fait la connaissance de l’une de ses jeunes admiratrices, Monelle (Dany Robin), et l’aide à débuter sa très prometteuse carrière musicale. Interprétant ce rapprochement comme une idylle en train de naître, la presse à scandale, avide d’affaires de coeur croustillantes, se déchaîne sur l’infidélité conjugale présumée de Favier. Monelle comprend alors qu’elle est amoureuse de son maître. Quant à Sylvia, trop éprise de son mari pour songer à le faire souffrir, elle sombre dans le désespoir et préfère céder la place…

Si rétrospectivement Louis Jouvet amorce la dernière partie de sa carrière, l’immense comédien trouve un de ses plus beaux rôles dans Les Amoureux sont seuls au monde. Sur un scénario de Henri Decoin, coécrit avec le grand Henri Jeanson, qui signe également les sublimes dialogues du film, le « patron » comme il aimait être appelé, livre une fois de plus une sublime performance, dont la modernité ne cesse d’épater soixante-dix ans après. Drame intense, intimiste, mélancolique, psychologique et teinté de poésie, porté par des acteurs en état de grâce et photographié par l’immense Armand Thirard (Le Salaire de la peur, Les Diaboliques), Les Amoureux sont seuls au monde parle de la pérennité de l’amour, de la différence d’âge dans un couple, du désir amoureux, à travers une poignée de personnages passionnants.

Alors que les films du cinéaste remportaient souvent un grand succès populaire, Les Amoureux sont seuls au monde est malheureusement sorti dans une indifférence générale. Frileux devant la fin pessimiste, les producteurs demandent à Henri Decoin de tourner une fin « heureuse ». Ce dernier accepte, à condition que la fin originale soit conservée pour l’exploitation française du film. Dans le dos du réalisateur, les distributeurs projettent les deux fins à la suite. Averti de cette manipulation, Henri Decoin attaquera les responsables en justice. Le temps qui passe a heureusement fait son office puisque ce chef d’oeuvre est enfin réhabilité par la critique et a su depuis toucher de très nombreux cinéphiles, qui n’ont de cesse de le conseiller et de le faire découvrir.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Les Amoureux sont seuls au monde, disponible chez Pathé, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition comporte également le DVD du film. Le menu principal est animé et musical.

Pour accompagner le film, Pathé propose un formidable documentaire rétrospectif de 52 minutes, composé d’entretiens avec Didier Decoin, fils d’Henri Decoin et romancier, Clara Laurent, journaliste et enseignante en histoire du cinéma français, Christophe Moussé, spécialiste de Henri Jeanson, Marc Véron, auteur de l’ouvrage « Louis Jouvet ou le grand art de plaire ». Le portrait d’Henri Decoin, l’homme et le réalisateur, se dessine progressivement, à travers des propos qui évitent la redondance et qui se croisent habilement. Les Amoureux sont seuls au monde, est excellemment replacé dans la carrière du cinéaste et surtout bien réhabilité. Les intervenants n’oublient pas d’évoquer le casting, ainsi que les deux fins tournées.

Par ailleurs, les deux fins tournées et proposées en France (sans le consentement d’Henri Decoin), sont proposées dans un second temps (7’). Après la fin souhaitée par le cinéaste, un panneau apparaissait à l’écran « Que personne ne sorte ! Si par ces temps moroses, vous préférez les fins heureuses, voici comment notre histoire pouvait finir… ». A vous de découvrir celle souhaitée par les producteurs, qui n’a évidemment pas le même impact.

L’Image et le son

La numérisation du négatif nitrate original 35mm a été scanné en 2K. La restauration numérique image (300 heures de palette graphique) et son a été confiée au Laboratoire Mikros Image. Et les traces de moisissures, les perforations arrachées et toutes les scories possibles et imaginables ont totalement disparu ! Les Amoureux sont seuls au monde rejoint ainsi le catalogue des films restaurés de Pathé. Comme ses récentes sorties en Haute Définition, ce Blu-ray en met souvent plein les yeux avec une définition haute de gamme. Le nouveau master HD au format 1.37 (1080p/AVC) ne cherche jamais à atténuer les partis pris esthétiques originaux. La copie se révèle souvent étincelante et pointilleuse en matière de piqué (les scènes en extérieur), de gestion de contrastes (noirs denses, blancs lumineux), de détails ciselés et de relief. La propreté de la copie est constante, la stabilité de mise, la photo retrouve une nouvelle jeunesse doublée d’un superbe écrin, et le grain d’origine a heureusement été conservé. Les fondus enchaînés sont vraiment les seuls moments où la définition décroche quelque peu, mais cela ne dure que quelques secondes.

La piste mono bénéficie d’un encodage en DTS HD-Master Audio. Si quelques saturations et chuintements demeurent inévitables, l’écoute se révèle fluide, équilibrée, limpide. Aucun craquement intempestif ne vient perturber l’oreille des spectateurs, les ambiances sont précises. Si certains échanges manquent de punch et se révèlent moins précis, les dialogues sont dans l’ensemble clairs, dynamiques, même sans souffle parasite. Les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant sont également disponibles, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / La Villa, réalisé par Robert Guédiguian

LA VILLA réalisé par Robert Guédiguian, disponible en DVD et Blu-ray le 3 avril 2018 chez Diaphana

Acteurs :  Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet, Anaïs Demoustier, Robinson Stévenin, Fred Ulysse…

Scénario :  Robert Guédiguian, Serge Valletti

Photographie : Pierre Milon

Durée : 1h43

Année de sortie : 2017

LE FILM

Dans une calanque près de Marseille, au creux de l’hiver, Angèle, Joseph et Armand, se rassemblent autour de leur père vieillissant. C’est le moment pour eux de mesurer ce qu’ils ont conservé de l’idéal qu’il leur a transmis, du monde de fraternité qu’il avait bâti dans ce lieu magique, autour d’un restaurant ouvrier dont Armand, le fils ainé, continue de s’occuper. Lorsque de nouveaux arrivants venus de la mer vont bouleverser leurs réflexions…

Depuis son retour en force au cinéma populaire dans le sens noble du terme avec Les Neiges du Kilimandjaro (2011), le cinéaste marseillais Robert Guédiguian n’a pas déçu. Si Au fil d’Ariane était avant tout une fantaisie, une récréation solaire, poétique, ludique, marquée par les mêmes élans de bonté et les excès de coeur qui restent la marque de fabrique de son auteur, le film ne faisait que renforcer encore et toujours sa « famille » de cinéma, dans le but de se faire plaisir, en toute liberté. Au fil d’Ariane avait été réalisé dans une intention de lâcher prise, doublé d’un vibrant hommage d’un homme à son épouse, sa muse, une véritable déclaration d’amour à celle qui partage sa vie. En revanche, Une histoire de fou, né de la rencontre entre le cinéaste et l’écrivain José Antonio Gurriarán, auteur du livre autobiographique La Bombe, permettait au réalisateur d’aborder le centenaire du génocide arménien. Film engagé, fresque passionnante, difficile, Une histoire de fou rendait compte du feu qui anime toujours le cinéaste. Pour son vingtième film, Robert Guédiguian est de retour chez lui, et plus précisément dans la calanque de Méjean où il trouve le repos depuis quarante ans. La Villa permet au cinéaste de faire un nouveau point sur sa vie.

Le bonheur de retrouver Ariane Ascaride, Jean-Pierre Darroussin, Gérard Meylan, Jacques Boudet, et les plus jeunes Robinson Stévenin, Anaïs Demoustier,Yann Trégouët est intact. La Villa est une chronique, un instantané, une fable humaniste qui sait rester chaleureuse malgré la violence des sentiments qui anime les personnages. Mais c’est celle d’aimer et de pardonner qui prédomine.

Angèle (Ariane Ascaride), Joseph (Jean-Pierre Darroussin) et Armand (Gérard Meylan) se retrouvent auprès de Maurice (Fred Ulysse), leur père âgé devenu aphasique après une attaque. Angèle n’est pas retournée dans la maison d’enfance depuis 20 ans, brisée par la mort accidentelle de sa fille Blanche. Des souvenirs mélancoliques s’échangent sur la calanque autrefois populaire et communiste, désormais livrée à la spéculation immobilière et qui a perdu son vie d’antan. Angèle n’accepte pas que son père, terrassé de remords d’être le responsable de la mort de Blanche dont il avait la responsabilité, lui réserve une plus importante part d’héritage que ses frères pour l’achat de son pardon. Benjamin (Robinson Stévenin), un pêcheur trentenaire de la calanque, retrouve avec délice Angèle, l’actrice qu’il avait tant admirée au théâtre à Marseille, qui lui avait donné le goût des planches, et dont il est secrètement amoureux. Ce faisant, des militaires en armes surveillent régulièrement la côte où échouent des migrants venus d’Afrique, afin de les arrêter et de les renvoyer dans leur pays. Un jour, les deux frères trouvent dans la falaise trois enfants sans parents, transis et affamés. Ils les cachent chez eux, ce qui les ramène à une réalité beaucoup plus dramatique que la mélancolie ambiante des souvenirs vieillissants.

Comme dans ses œuvres précédentes, la sensibilité, l’authenticité, l’optimisme et l’humour du metteur en scène marseillais font mouche et tendent à une universalité pure et essentielle. D’ailleurs, La Villa est devenu le cinquième plus grand succès de la carrière de Robert Guédiguian, en attirant plus de 550.000 spectateurs. Ce vingtième opus est comme l’indique le réalisateur un huis clos à ciel ouvert où les personnages, réunis après un drame familial, sont mis face à l’inéluctabilité du temps qui passe. En revenant dans la villa qui l’a vue grandir vingt ans après être partie, Angèle ne peut que constater que ses frères et même le monde a changé. Et qu’il faut bien continuer à avancer, même si les repères et piliers s’effondrent ou disparaissent. De toute façon, la planète continuera de tourner, avec ou sans eux.

La Villa va progressivement vers cet apaisement. Peu importe les colères et rancunes d’antan, seules comptent les étreintes et même la présence de celles et de ceux qu’on aime. Parallèlement, Robert Guédiguian, que l’on peut voir à la fois dans la figure du père de famille et aussi dans chaque membre qui la compose, livre une nouvelle oeuvre testamentaire. Une vraie famille comme celle-là est rare dans le cinéma français. Ce qui fait aujourd’hui son importance et sa beauté, c’est finalement de nous avoir invités, puis de nous avoir intégrés, pour pouvoir dialoguer, ou même de profiter des silences qui en disent parfois plus longs sur les sentiments.

La Villa est un sommet d’émotion, de mélancolie (au détour d’un extrait de Ki lo sa ?, long-métrage de Guédiguian tourné en 1985, au même endroit, avec les mêmes acteurs et I want you de Bob Dylan en fond) et d’élégance, dans la désormais immense carrière de Robert Guédiguian et nous nous souviendrons longtemps de ces petites maisons encastrées dans les collines où décline le soleil d’hiver, tout comme de ce viaduc qui fait encore résonner le bruit des trains qui passent, ainsi que le rire des enfants d’hier et d’aujourd’hui.

LE DVD

Le test du DVD de La Villa, disponible chez Diaphana, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Pas grand-chose sur cette édition SD.

Le premier module de cinq minutes intitulé Scènes perdues, compile des plans ou de très courtes scènes non gardées, prolongeant par exemple l’accident de la petite fille d’Angèle.

L’autre bonus est un joli petit documentaire (7’) tourné sur le plateau et donnant la parole aux comédiens et à Robert Guédiguian. L’histoire et les personnages sont rapidement présentés, mais c’est surtout la délicatesse et l’émotion des intervenants qui touchent beaucoup ici, comme s’ils dressaient un bilan après ces trente années d’amour et d’amitié, devant comme derrière la caméra.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Nous voici devant un très beau master, très propre et clair, avec un cadre fourmillant de détails. La photo saturée de Pierre Milon (Foxfire, confessions d’un gang de filles, Les Neiges du Kilimandjaro) fait la part belle aux teintes chatoyantes, ambrées et solaires, avec de fabuleux dégradés de bleus, les contrastes sont denses et le piqué joliment acéré. L’encodage est solide, bien que les scènes nocturnes soient peut-être moins précises.

Le mixage Dolby Digital 5.1 est immédiatement immersif avec des ambiances souvent très présentes sur les enceintes latérales. Les voix sont d’une précision sans failles sur la centrale, la balance frontale est constamment soutenue, la musique spatialisée de bout en bout. L’éditeur joint également une piste Stéréo dynamique et suffisante, une piste Audiodescription ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © AGAT FILMS & CIE / France 3 CINEMA / Diaphana/ Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Jalouse, réalisé par David et Stéphane Foenkinos

JALOUSE réalisé par David et Stéphane Foenkinos, disponible en DVD et Blu-ray le 16 mars 2018 chezStudiocanal

Acteurs :  Karin Viard, Dara Tombroff, Anne Dorval, Thibault de Montalembert, Bruno Todeschini, Marie-Julie Baup, Corentin Fila, Anaïs Demoustier…

Scénario :  David Foenkinos, Stéphane Foenkinos

Photographie : Guillaume Deffontaines

Musique : Paul-Marie Barbier, Julien Grunberg

Durée : 1h49

Année de sortie : 2017

LE FILM

Nathalie Pêcheux, professeure de lettres divorcée, passe quasiment du jour au lendemain de mère attentionnée à jalouse maladive. Si sa première cible est sa ravissante fille de 18 ans, Mathilde, danseuse classique, son champ d’action s’étend bientôt à ses amis, ses collègues, voire son voisinage…

Lauréat de dix prix littéraires et vendu à plus de 800.000 exemplaires depuis sa publication, La Délicatesse de David Foenkinos a très vite été envisagé au cinéma. Avec l’aide de son frère Stéphane, l’écrivain en avait profité pour passer derrière la caméra, afin d’adapter lui-même son best-seller. Coup d’essai et petit coup de maître, La Délicatesse était un vrai moment de poésie, d’humour, de tendresse burlesque, magnifiquement interprété par Audrey Tautou et François Damiens. Six ans plus tard, les deux frères se retrouvent pour leur second long métrage en commun, Jalouse, dans lequel on retrouve volontiers leur ironie, à travers le portrait d’une femme aux portes de la cinquantaine. Et qui mieux que Karin Viard, pour qui le rôle a été écrit, pouvait à la fois se permettre d’être parfois odieuse et cynique, tout en restant « attachiante » et charismatique ?

Le Karin Viard Movie est presque devenu un genre à part entière, un Cinematic Universe. Après presque trente ans de carrière, deux César (Haut les coeurs ! et Les Randonneurs) pour neuf nominations et plus de soixante films à son actif, la comédienne dispose aujourd’hui d’une place très enviée au sein du cinéma français. Alternant les films d’auteur (Sólveig Anspach, les frères Larrieu, Anne Villacèque) et le cinéma populaire (Dany Boon, Eric Lartigau, Jean-Marie Poiré), Karin Viard peut choisir aujourd’hui les rôles qu’elle souhaite, en étant sûre d’attirer quasi-systématiquement les spectateurs dans les salles. Loin de se reposer sur ses lauriers, elle trouve dans Jalouse l’occasion d’aborder un personnage en apparence moins accessible, une mère de famille divorcée, qui commence à voir apparaître certains signes de la ménopause, qui devient petit à petit aigrie avec sa fille de 17 ans, dont elle envie la jeunesse, le bonheur, la réussite et la vie amoureuse. Même chose envers une nouvelle et rayonnante collègue de travail (Anaïs Demoustier) et son entourage. Sa jalousie empiète également sur la vie de son ex-mari (Thibault de Montalembert) désormais en couple avec Isabelle (la lumineuse Marie-Julie Baup), une femme pétillante et plus jeune.

Comme dans la comédie italienne, ce portrait de « monstre » permet aux frères Foenkinos et donc à Karin Viard, de mettre en relief les contradictions et l’ambiguïté de l’âme humaine, ainsi que les doutes d’un personnage de tous les jours, mi-ange mi-démon, que l’on ne peut s’empêcher d’aimer en dépit de ses nombreux défauts. En incarnant cette femme au bord de la crise de nerfs, la comédienne se délecte de ses répliques vachardes et savoureuses, capable de dire à sa meilleure amie Sophie (la superbe actrice canadienne Anne Dorval) qu’elle ne doit pas avoir de soucis à se faire avec sa fille « moche », ou bien d’envoyer balader son prétendant (Bruno Todeschini, élégant et sensible) sous prétexte qu’il aurait regardé sa fille Mathilde (Dara Tombroff, jolie révélation) avec l’oeil d’un prédateur.

Récit initiatique, Jalouse possède ce charme qui nous avait tant séduits dans La Délicatesse, mais se révèle plus réaliste, moins conte de fée, donc plus terrien, grinçant, grave et plus rustre, en laissant également une belle part à l’émotion. Le film des frères Foenkinos s’élève bien au-dessus du cinéma français, grâce à un œil aiguisé et une étude psychologique complexe aussi intelligente qu’aboutie.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Jalouse, disponible chez Studiocanal, repose dans un boîtier classique de couleur bleue. La jaquette reprend le visuel de l’affiche du film. Le menu principal est fixe et musical.

Le making of (35’) compile quelques instantanés de tournage, des repérages des décors principaux, jusqu’au clap final. Divers propos des comédiens et des réalisateurs sont illustrés par des images tirées des répétitions et des prises de vue. L’ambiance a l’air détendue, chaleureuse et les comédiens prennent visiblement beaucoup de plaisir sur le plateau, surtout en voyant les frères Foenkinos devenir spectateurs de leur propre film.

L’interactivité se clôt sur le clip Jealous (3’).

L’Image et le son

Le Blu-ray est au format 1080p-AVC. Studiocanal soigne le master HD de Jalouse, qui se révèle exemplaire. Les contrastes sont d’une densité rarement démentie, à part peut-être durant les séquences tamisées où l’image paraît plus douce et moins affûtée, mais cela demeure franchement anecdotique. La clarté demeure frappante, le piqué est affûté, les gros plans détaillés, les contrastes denses et la colorimétrie reste chatoyante, riche et bigarrée.

Le spectateur a le choix entre les pistes DTS-HD Master Audio 5.1 et 2.0. Notre préférence va pour la première qui instaure un confort acoustique très plaisant, une spatialisation musicale convaincante et des effets latéraux probants. Les ambiances naturelles sont présentes, la balance frontale est toujours dynamique et équilibrée, et le report des voix solide. La piste stéréo est évidemment plus plate, mais riche et remarquablement équilibrée. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Mandarin production / Studio Canal / France 2 Cinéma / Séverine Brigeot / Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test DVD / Le Franc-tireur, réalisé par Maurice Failevic

LE FRANC-TIREUR réalisé par Maurice Failevic, disponible en DVD le 5 décembre 2017 chez Inser & Cut/L’Oeil du témoin

Acteurs :  Bernard Le Coq, Jenny Arasse, René Camoin, Richard Caron, Gabriel Cattand, Jacques Chevalier…

Scénario :  Maurice Failevic, Jean-Claude Carrière

Photographie : Serge Palatsi

Musique : Even de Tissot

Durée : 1h15

Date de diffusion initiale : 1978

LE FILM

Jacques Maréchal a décidé de se faire licencier de son entreprise pour changer de vie. Il se met donc à critiquer la gestion de sa société, mais cela ne se passe pas forcément comme il le voudrait. D’ailleurs, au lieu de se faire licencier, il obtient une promotion. Il va falloir changer de tactique pour arriver à ses fins …

C’est l’histoire non pas d’un homme qui ne veut plus travailler, mais plutôt celle d’un homme qui ne veut plus aller au travail.

Quelle découverte ! Le Franc-tireur est un téléfilm réalisé par Maurice Failevic (1933-2016), diffusé sur TF1 en janvier 1978 à une heure de grande écoute, accompagné d’un grand succès public et critique. Diplômé de l’IDHEC en 1957, scénariste, militant communiste, Maurice Failevic intègre la RTF en 1962 et se voit très vite confier la réalisation de documentaires, souvent récompensés, puis de fictions pour la télévision et pour le cinéma. Il se constitue une équipe de techniciens à laquelle il restera toujours fidèle. Réalisé en 1977, Le Franc-tireur est un joyau de la télévision française et un des sommets de la carrière de Maurice Failevic. Co-écrit avec l’immense Jean-Claude Carrière, qui signait alors son premier travail pour le petit écran, ce téléfilm n’a vieilli que dans ses décors et sa mode vestimentaire, évidemment emblématiques des années 1970, et reste toujours d’actualité quarante ans après.

Dès la première séquence, le réalisateur installe son décor. Une réunion de travail laisse Jacques (Bernard Le Coq) maussade. Pour se changer les idées, il téléphone à Daniel (Yves Pignot), un cousin de sa femme Nicole (Jenny Arasse) et l’invite à dîner le soir même. Au cours du repas, Jacques expose son projet: ouvrir un centre de loisirs au bord de la mer. Pour ce faire, il n’entrevoit qu’une solution: se faire renvoyer et toucher de fortes indemnités. Malgré ses efforts pour déclarer haut et fort ce qui ne va pas dans sa société, en espérant faire réagir ses supérieurs et se faire congédier, ses propos sont entendus et pris en compte par le grand directeur qui le convoque dans son bureau. Jacques est alors stupéfait d’apprendre qu’il est considéré comme le meilleur élément de son entreprise, tandis que ses collègues lui font part de leur admiration. Jacques se demande dans quoi il s’est embarqué.

Certes, on se demande comment de tels papiers peints et objets de décorations ont pu voir le jour. Mais si l’on fait fi de cette esthétique, même si cela apporte un cachet désuet non dénué de charme, alors Le Franc-tireur pourrait très bien se dérouler de nos jours. Pourtant, à l’époque, peu de films ou téléfilms prenaient comme sujet principal la condition des cadres moyens dans leur environnement professionnel. La mise en scène de Maurice Failevic privilégie de doux travellings, une caméra qui semble glisser et l’usage de zooms afin de plonger les (télé)spectateurs dans une société où l’on s’exprime grâce à des acronymes, des circulaires, des chiffres, un peu à la manière de la Maison qui rend fou dans Les 12 travaux d’Astérix. Des partis pris hérités du travail dans le documentaire de Maurice Failevic.

Le personnage de Jacques Maréchal, interprété par le génial Bernard Le Coq alors âgé de 27 ans, travaille depuis six ans pour cette entreprise et s’ennuie. Donc, quand un ami lui offre l’opportunité de changer de vie, Jacques essaye de mettre au point un stratagème pour se faire renvoyer, sans commettre de faute professionnelle, pour ainsi jouir d’une indemnité conséquente et proportionnelle à ses années de bons et loyaux services. Seulement voilà, en exprimant tout haut ce que la plupart pensent tout bas, tout va ne faire que renforcer sa position au sein de sa société plantée dans une tour du 13ème arrondissement de Paris.

Comme Maurice Failevic le revendiquait lui-même, Le Franc-tireur est une fable, et celle qui nous est contée ici semble aussi universelle qu’intemporelle. Les répliques concoctées avec l’aide de Jean-Claude Carrière sont fabuleuses, rappelant parfois la grande époque de Francis Veber, le rythme est soutenu, le casting composé de trognes récurrentes du cinéma français est formidable. Si Maurice Failevic et Jean-Claude Carrière avaient senti venir le malaise des cadres à la fin des années 1970, Le Franc-tireur, comédie ironique, subversive et sociale, teintée de drame donc et toujours élégante, doit être absolument redécouvert en 2018.

LE DVD

Bienvenue à Inser & Cut/L’Oeil du témoin dans le monde de l’édition DVD ! Pour son premier titre, Roland-Jean Charna, rédacteur en chef du site internet L’Oeil du témoin, consacré à l’actualité du cinéma français des années 1970-80, a choisi cette perle rare qu’est Le Franc-tireur, de Maurice Failevic. Le Slim-Digipack est très attractif avec son visuel coloré, estampillé « Ciné-Club TV N°1 ». Un soin tout particulier a été apporté à la sérigraphie du disque, tout comme à l’ensemble de ce très bel objet. Nous avons hâte de découvrir les prochains titres de l’éditeur. Le menu principal est fixe, avec quelques dialogues du téléfilm en fond sonore.

En guise de présentation, Roland-Jean Charna lui-même propose un retour éclairé et passionnant sur Le Franc-tireur (21’). Le rédacteur en chef de L’Oeil du témoin se souvient déjà de sa découverte du film de Maurice Failevic en 1978. Puis, Le Franc-tireur est brillamment analysé sur le fond comme sur la forme, replacé dans son contexte. La carrière du cinéaste et celle de Jean-Claude Carrière sont également abordées. Quelques coupures de presse de l’époque viennent illustrer ces propos.

Le module suivant, sobrement intitulé Maurice Failevic, le franc-tireur (58), croise les propos du scénariste Jean-Claude Carrière, du journaliste et documentariste Marcel Trillat et du comédien Bernard Le Coq. Ces trois intervenants s’expriment évidemment sur le film qui nous intéresse, mais dressent également le très beau portrait de l’homme et du cinéaste Maurice Failevic. La genèse du Franc-tireur, l’écriture du scénario, la collaboration Failevic-Carrière, la liberté d’expression de l’époque, les thèmes du film, tout est posément abordé pendant près d’une heure. Jean-Claude Carrière se dit beaucoup touché quand on lui reparle du Franc-tireur, pour la simple et bonne raison qu’il considère Maurice Failevac comme l’un des trois plus grands réalisateurs avec lesquels il a travaillé au cours de son impressionnante carrière.

L’Image et le son

Le Franc-tireur est un téléfilm, qui était jusqu’alors inédit en DVD. Le master plein cadre 1.33 (4/3 compatible 16/9) d’origine proposé par l’éditeur s’avère fort honorable, très bien restauré, avec des couleurs qui retrouvent un certain éclat. Le grain est heureusement préservé et très bien géré, la copie est belle et stable.

Le mixage Stéréo Dolby Digital 2.0 instaure un remarquable confort acoustique. Propre, dynamique, cette piste met bien avant les excellents dialogues du film. En revanche, il aurait été souhaitable de proposer les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © INA 1978 / Inser & Cut/ L’Oeil du témoin / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test DVD / D’après une histoire vraie, réalisé par Roman Polanski

D’APRÈS UNE HISTOIRE VRAIE réalisé par Roman Polanski, disponible en DVD et Blu-ray le 6 mars 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  Emmanuelle Seigner, Eva Green, Vincent Perez, Camille Chamoux, Dominique Pinon, Josée Dayan…

Scénario :  Olivier Assayas, Roman Polanski d’après le roman « D’après une histoire vraie » de Delphine De Vigan

Photographie : Pawel Edelman

Musique : Alexandre Desplat

Durée : 1h46

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Delphine est l’auteur d’un roman intime et consacré à sa mère devenu best-seller. Déjà éreintée par les sollicitations multiples et fragilisée par le souvenir, Delphine est bientôt tourmentée par des lettres anonymes l’accusant d’avoir livré sa famille en pâture au public. La romancière est en panne, tétanisée à l’idée de devoir se remettre à écrire. Son chemin croise alors celui de Elle. La jeune femme est séduisante, intelligente, intuitive. Elle comprend Delphine mieux que personne. Delphine s’attache à Elle, se confie, s’abandonne. Alors qu’Elle s’installe à demeure chez la romancière, leur amitié prend une tournure inquiétante. Est-elle venue combler un vide ou lui voler sa vie ?

Mais qu’est-il arrivé à Roman Polanski ? Nous ne parlons pas des histoires dans lesquelles il est impliqué, mais bel et bien de son dernier opus, D’après une histoire vraie, adapté du roman éponyme de Delphine de Vigan, Prix Renaudot et du prix Goncourt des lycéens en 2015. Soyons honnêtes, depuis l’incroyable The Ghost Writer en 2010, le cinéaste n’a jamais su retrouver l’étincelle, l’inspiration et sa virtuosité. Carnage (2011) et La Vénus à la fourrure (2013) ont laissé un piètre souvenir et ont plus agacé que réellement convaincu. Mais alors là, nous étions loin de penser que Roman Polanski tomberait aussi bas.

Ce thriller s’apparente à un téléfilm fauché, réalisé pour être diffusé sur France 3 un samedi soir. Si Emmanuelle Seigner parvient à tirer son épingle du jeu, sa partenaire Eva Green porte le film jusqu’aux confins du nanar en livrant sa plus mauvaise interprétation à ce jour. A croire que la langue française ne lui porte pas bonheur. De son côté, Roman Polanski évoque une fois de plus la panne d’inspiration et le processus créatif, dans une variation féminine de The Ghost Writer, mais mâtiné ici de Misery puisque la romancière à succès est confrontée à une admiratrice envahissante.

Une association au scénario de Roman Polanski avec Olivier Assayas pouvait laisser espérer une intrigue solide. C’est dire si le résultat final étonne par son amateurisme, tant sur le fond que sur la forme. Par ailleurs, le réalisateur manque la première apparition du personnage d’Elle, en dévoilant sa véritable nature. S’ensuivent des séquences sans intérêt et surtout très mal jouées par Eva Green que nous étions loin d’imaginer aussi mauvaise il faut bien l’avouer. C’est bien simple, aucune de ses répliques ne tombe juste et son jeu se résume à des froncements de sourcils permanents, une bouche pincée, tandis que la comédienne enchaîne ses dialogues de façon monocorde. Même son éternel sex-appeal semble éteint en raison d’une photographie laide et froide signée Pawel Edelman.

Bien que certaines séquences aient été tournées en extérieur, à Paris notamment, D’après une histoire vraie est étouffant. Non pas dans le sens où le thriller voudrait nous emmener en voulant instaurer un suspense, qui ne fonctionne d’ailleurs jamais, mais en raison de la platitude de la mise en scène qui comme ses personnages reste figée, lourde, en léthargie. Aux pauvres décors s’ajoutent un montage approximatif, qui non seulement ne parvient jamais à instaurer de rythme, mais qui semble aller à vau-l’eau à mesure que le métrage avance péniblement. Dès le début, on reste éberlué par cette succession de plans sans âme. Si l’on est tout d’abord convaincu de se retrouver face à un navet, on ne peut s’empêcher de jubiler (malgré-nous) en voyant jusqu’où la catastrophe peut aller.

S’il y a une chose à sauver, une seule, c’est pourtant la musique d’Alexandre Desplat, qui parvient à donner au film une certaine ironie, comme si le compositeur se rendait compte de l’ineptie qu’il devait illustrer à l’écran. Pourtant, du beau monde défile  avec successivement Vincent Perez (dans le rôle de …François Busnel), Brigitte Roüan, Noémie Lvovsky, Dominique Pinon, Camille Chamoux, comme si ces derniers avaient tout fait pour apparaître au générique d’un Polanski. Ils n’ont malheureusement rien à défendre, si ce n’est combler les nombreux trous d’air du récit.

Présenté hors-compétition au Festival de Cannes en 2017, D’après une histoire vraie aura plus fait parler de lui lors du photocall en raison du baiser échangé entre les deux têtes d’affiche. Les huées et les critiques négatives ont très vite suivi, ainsi que l’énorme échec commercial du film dans les salles quelques mois après, présenté dans une nouvelle mouture amputée de dix minutes. On ne sait pas si Roman Polanski parviendra à faire aboutir son projet sur l’affaire Dreyfus, mais on espère sincèrement que son prochain long métrage fera oublier cet immense faux-pas et thriller psychologique de pacotille. Si vous voulez revoir du bon Roman Polanski, redonnez une chance au Mother! de Darren Aronofsky, bien plus polanskien que cette soupe indigeste et gênante.

LE DVD

Pour sa sortie dans les bacs, l’éditeur a changé le visuel de l’affiche originale du film de Roman Polanski, en se focalisant cette fois sur les deux comédiennes principales. Mais tout cela est un peu triste. Comme le menu principal, fixe et musical.

Aucun supplément sur le DVD.

L’Image et le son

Roman Polanski et son chef opérateur Pawel Edelman (Le Pianiste, The Ghost Writer, Ray) ont opté pour des prises de vue réalisées grâce à la caméra numérique Arri Alexa XT. Si nous n’avons pas pu avoir le Blu-ray entre les mains, le master SD se révèle impeccable et révèle une gestion solide des contrastes. Certes, quelques sensibles fourmillements s’invitent sur les scènes sombres ou tamisées et le piqué manque parfois de mordant, mais la réussite technique est au rendez-vous, la colorimétrie est froide et les détails appréciables sur le cadre large.

Le seul élément que l’on retient de D’après une histoire vraie, c’est la belle musique d’Alexandre Desplat. Autant dire que nous ne sommes pas déçus par le mixage Dolby Digital 5.1 qui crée une remarquable spatialisation, d’autant plus que la musique est quasiment omniprésente. Les dialogues ne sont jamais noyés par les ambiances et les effets annexes, la balance frontale est riche et les latérales ne sont pas en reste. L’éditeur joint également une piste Stéréo très dynamique, une version Audiodescription, ainsi que des sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Carole Bethuel / Studiocanal / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / L’Oeil du témoin, réalisé par Peter Yates

L’OEIL DU TÉMOIN (Eyewitness) réalisé par Peter Yates, disponible en DVD et Blu-ray le 2 avril 2018 chez Movinside

Acteurs :  William Hurt, Sigourney Weaver, Christopher Plummer, James Woods, Irene Worth, Kenneth McMillan, Pamela Reed, Albert Paulsen, Steven Hill, Morgan Freeman…

Scénario :  Steve Tesich

Photographie : Matthew F. Leonetti

Musique : Stanley Silverman

Durée : 1h42

Date de sortie initiale : 1981

LE FILM

Le corps d’un notable vietnamien est retrouvé sans vie dans un immeuble de Manhattan. Gardien de nuit dans le même immeuble, Daryll prétend connaître l’identité du tueur, mais il n’est en fait qu’intéressé par la séduisante journaliste Tony Sokolow, qui mène l’enquête et qu’il espère séduire avec ses prétendues informations. Dans l’ombre, le véritable tueur guette toujours.

Pour les cinéphiles, Peter Yates (1929-2011) est avant tout le réalisateur du mythique Bullitt (1968) avec Steve McQueen, et des Grands fonds (1977) dans lequel Jacqueline Bisset aura marqué de nombreux spectateurs avec son célèbre t-shirt mouillé. Bien qu’il ait travaillé avec les plus grands, Dustin Hoffman, Mia Farrow, Peter O’Toole, Robert Redord, George Segal, Robert Mitchum, le reste de la filmographie de Peter Yates reste étonnamment peu connu. C’est le cas de L’Oeil du témoin – Eyewitness, réalisé en 1981, qui détonne avec œuvres précédentes puisque le cinéaste y dirige une nouvelle génération de comédiens, William Hurt, Sigourney Weaver et James Woods, tout juste âgés de trente ans. Ni tout à fait un polar, ni tout à fait un drame ou un thriller, L’Oeil du témoin est un film étrange, constamment entre deux eaux, qui peine à trouver un équilibre et à éveiller l’intérêt.

Vétéran du Viêt Nam, Daryll Deever (William Hurt) est aujourd’hui gardien de nuit dans un immeuble de Manhattan. Une nuit, Long, un homme d’affaires douteux d’origine vietnamienne, est assassiné dans son bureau. Daryll, qui a découvert le corps, soupçonne son ami Aldo (James Woods), récemment mis à la porte par la victime, d’être le meurtrier. Soupçons confortés par le regain de fortune dont Aldo profite depuis peu. Dehors, les journalistes sont déjà là, avides de révélations. Pour séduire la belle et brillante Tony Sokolow (Sigourney Weaver), dont il est secrètement amoureux, Daryll lui fait croire qu’il en sait plus qu’il ne le dit. Alors qu’une enquête est entamée par les autorités, la police le porte sur sa liste des suspects…

L’Oeil du témoin donne cette impression d’être balancé entre divers courants. A la fois old-school dans son traitement, teinté de Nouvel Hollywood et ouvrant les années 1980, le film de Peter Yates peine à convaincre et ce malgré de nombreux points positifs. Tout d’abord le casting. Eyewitness n’est que la seconde apparition au cinéma de William Hurt après Au-delà du réel de Ken Russell, sorti l’année précédente. Et il y est déjà très bien dans la peau de ce personnage qu’on imagine triste et paumé. La femme dont il est épris, et on le comprend, est interprétée par la grande Sigourney Weaver qui venait de faire ses débuts fracassants au cinéma, en apparaissant tout d’abord dans Annie Hall de Woody Allen en 1977, avant d’enchaîner avec Alien, le huitième passager de Ridley Scott (1979) qui a fait d’elle une star planétaire. L’Oeil du témoin marquait alors son retour sur le grand écran, deux ans après avoir affronté la créature du Nostromo. A leurs côtés, James Woods, Christopher Plummer, Morgan Freeman et Pamela Reed sont également de la partie.

Autre réussite, l’atmosphère trouble que le réalisateur britannique parvient à instaurer, comme si l’on ne pouvait situer L’Oeil du témoin dans le temps. Peter Yates filme ses personnages comme s’ils étaient perdus, sans repères, en particulier Daryll, ancien du Viêt Nam, qui vit depuis toujours dans un appartement exigu avec son chien et qui parvient chichement à joindre les deux bouts en faisant le ménage et en vidant les poubelles d’un immeuble, la nuit, après que les hommes d’affaires soient rentrés chez eux. Il y a un attachement de Peter Yates pour son protagoniste, solitaire, qui a visiblement eu du mal à se réinsérer après son retour chez l’Oncle Sam. Rien n’est expliqué, juste suggéré. Le personnage le plus ambigu reste celui campé par Sigourney Weaver, que l’on imagine alléchée par une promesse de scoop et qui en même temps se prend d’affection (ou plus) pour l’homme étrange qu’est Daryll.

Finalement, on se soucie beaucoup moins de cette histoire de meurtre, qui passe quasiment au second plan, tout comme le thème de l’émigration de juifs soviétiques aux Etats-Unis. D’ailleurs, les révélations et les motivations de cet assassinat déçoivent. L’Oeil du témoin manque également de rythme, mais cette fois encore cela fait partie de l’ambiance distillée par le réalisateur. Le film est lent, un peu mou, mais on ne s’y ennuie pas grâce au jeu impliqué des acteurs, que l’on a de cesse d’admirer. Et le final au milieu des chevaux reste aussi original que marquant.

LE BLU-RAY

L’Oeil du témoin est disponible en Haute-Définition chez Movinside. Il intègre la collection de l’éditeur « Suspense-Polar ». La jaquette élégante est glissée dans un boîtier classique de couleur noire. C’est la première fois que le film de Peter Yates est disponible dans nos contrées en DVD et Blu-ray. Le menu principal est animé et musical.

Aucun supplément.

L’Image et le son

Ce nouveau master restauré est propre et stable. Point de poussières à l’horizon, ni de points ou de griffures. En revanche, les noirs paraissent tantôt concis tantôt poreux, manquent d’équilibre et dénaturent quelque peu le piqué. Cela est d’autant plus visible, parfois gênant, sur les nombreuses séquences qui se déroulent dans l’appartement terne de Daryll ou dans le sous-sol où il travaille. Pas de profondeur de champ. Mais s’il est vrai que le film a déjà plus de 35 ans, cette copie HD s’en sort plutôt bien et l’apport de la Haute Définition demeure flagrant au niveau des plans rapprochés ainsi que de la palette chromatique des séquences diurnes. Un grain cinéma, parfois un peu hasardeux c’est vrai, est heureusement conservé donnant une texture non déplaisante à l’image. Certes ce master ne rivalise pas avec les standards HD actuels mais offre au film de Peter Yates un écrin inédit et finalement idéal pour être redécouvert.

Les version originale et française sont proposées en DTS HD Master Audio 2.0. La première est plus naturelle, plus immersive avec de très belles ambiances intimistes bien que les voix des comédiens auraient pu être un poil plus ardentes. La partition de Stanley Silverman est dynamique et l’ensemble est bien plus fluide, riche et équilibrée qu’en version française. Celle-ci jouit d’un excellent doublage avec Richard Darbois (pour William Hurt), Evelyn Selena (pour Sigourney Weaver) et Dominique Collignon-Maurin (pour James Woods). Cette piste est de bon acabit. Cependant, bien que le niveau des dialogues demeure vif, l’aspect feutré reste moins convaincant. La version anglaise s’impose également par une homogénéité plus évidente.

Crédits images : © Twentieth Century Fox Home Entrertainment LLC. All rights reserved /  Movinside / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Gold, réalisé par Peter R. Hunt

GOLD réalisé par Peter R. Hunt, disponible en DVD et Blu-ray le 2 avril 2018 chez Movinside

Acteurs :  Roger Moore, Susannah York, Ray Milland, Bradford Dillman, John Gielgud, Tony Beckley…

Scénario :  Stanley Price et Wilbur Smith d’après le roman de ce dernier “Gold Mine”

Photographie : Ousama Rawi

Musique : Elmer Bernstein

Durée : 2h04

Date de sortie initiale : 1974

LE FILM

La plus grande mine aurifère de Johannesburg est ravagée par une explosion. Rod Slater prend la tête de l’équipe de secours. Il ne peut plus rien pour son chef, qui agonise alors sous les gravats. Il pense ne devoir qu’à son courage et à sa compétence la promotion que lui propose alors Manfred Steyner, le gendre du grand patron. Il ignore que ce dernier, acoquiné avec des spéculateurs, entend se servir de son innocence pour provoquer une nouvelle catastrophe, qui aurait pour effet d’enflammer les cours de l’or. Afin d’endormir sa méfiance, Steyner laisse Slater filer le parfait amour avec sa propre femme, Terry.

Pour qui s’intéresse un minimum à la saga James Bond, le nom de Peter R. Hunt n’est pas inconnu puisque l’intéressé a contribué à créer cette saga, au même titre que le réalisateur Terence Young. Monteur sur James Bond 007 contre Dr. No, Bons baisers de Russie, Goldfinger, puis superviseur du montage sur Opération Tonnerre et On ne vit que deux fois, Peter R. Hunt se voit confier la mise en scène d’Au service secret de Sa Majesté en 1969, l’opus avec George Lazenby dans le rôle de l’agent 007. Rejeté par une bonne partie des spectateurs à sa sortie, surtout en raison du choix de l’interprète vedette, le sixième épisode de la franchise est aujourd’hui considéré comme l’un des meilleurs, certains le plaçant même en première place dans les classements. Avec son James Bond, Peter R. Hunt a su démontrer tout son savoir-faire et sa virtuosité technique. Après ce coup d’essai et coup de maître, le réalisateur passe ensuite par la télévision en signant un épisode de la série Amicalement vôtre. Il faudra attendre 1974, pour que Peter R. Hunt fasse son retour au cinéma avec Gold.

L’ombre de James Bond plane sur ce second long métrage avec la présence de Roger Moore en haut de l’affiche (il en était alors à sa deuxième Vodka Martini), John Glen (futur réalisateur de cinq 007) en tant que monteur, Maurice Binder qui crée le générique inoubliable du film, sans oublier le chef décorateur Syd Cain. Gold est une œuvre culte, un divertissement haut de gamme, qui n’a rien perdu de son charme et dont les rebondissements demeurent bluffants. Le scénario de Stanley Price (Arabesque de Stanley Donen) et Wilbur Smith (Le Dernier train du Katanga de Jack Cardiff), basé sur le roman de ce dernier intitulé Gold Mine, offre à Roger Moore et au réalisateur un cadre idéal pour leurs aventures, filmées principalement en Afrique du Sud à Johannesburg, mais également entre Londres et New York.

Les séquences de fêtes locales et surtout celles d’extraction de l’or sont tournées comme un documentaire, à plusieurs centaines de mètres de profondeur, tandis que celles impliquant les effets spéciaux, comme l’inondation du dernier acte, sont elles filmées aux mythiques studios Pinewood en Angleterre. Ce qui étonne encore aujourd’hui, c’est la modernité de la mise en scène de Peter R. Hunt, souvent très impressionnante, alliée à un montage nerveux dans les scènes catastrophe, le tout agrémenté de la superbe partition du grand Elmer Bernstein, qui rappelle elle aussi certains thèmes de John Barry. Même chose pour la chanson en ouverture entonnée par Jimmy Helms, qui n’est pas sans faire penser au thème d’Opération Tonnerre – Thunderball immortalisé par Tom Jones en 1965. Heureusement, Gold ne se limite pas à ces accents « bondiens » et reste avant tout un très grand film d’aventures, mâtiné de romance et d’intrigue politique.

Roger Moore est parfait, très à l’aise dans un rôle qui lui va comme un gant, toujours à la croisée de Simon Templar, James Bond et Lord Brett Sinclair, mais avec un truc hargneux en plus. Le comédien a l’air de se délecter des scènes tendres avec Susannah York, dont le personnage est loin de se résumer à être la « belle nana que le héros emballe ». Atout charme certes, mais aussi bad-ass aux commandes d’un petit avion qui aidera Rod Slater à se rendre à la mine où près de mille ouvriers se trouvent en danger. Les retournements de situation, conspirations et scènes romantiques se croisent habilement, sans ennui, sur un rythme soutenu. De la très bonne came pour résumer, à tel point que le final dans la mine inspirera l’une des grandes séquences de…Dangereusement vôtre, dernier tour de piste de Roger Moore dans le costard de l’agent secret. La boucle est ainsi bouclée.

LE BLU-RAY

Gold est enfin disponible en Haute-Définition chez Movinside. Il intègre la collection de l’éditeur « Suspense-Polar ». Précédemment, le film de Peter R. Hunt était disponible en DVD chez PVB Editions, puis chez Seven7 Editions. Le menu principal est animé sur le thème principal d’Elmer Bernstein.

Aucun supplément.

L’Image et le son

Longtemps attendu par les fans de Roger Moore, Gold débarque enfin en Haute Définition. La copie affiche une stabilité et une propreté absolues, même si la séquence du générique apparaît moins riche et bigarrée que par la suite. Le cadre large a souvent l’occasion de briller, la clarté est de mise et le piqué nettement appréciable sur toutes les séquences en extérieur. Les scènes dans la mine restent marquées par un grain plus accentué, des petits points blancs, quelques pertes de la définition et un piqué émoussé sur des plans plus vaporeux. Cela n’empêche pas la colorimétrie de retrouver une nouvelle jeunesse, tout comme les contrastes dont la gestion se révèle savamment entretenue par un encodage AVC solide. Un Blu-ray très élégant.

Gold est disponible en version originale et française DTS-HD Master Audio 2.0. La première instaure un confort acoustique plaisant avec une délivrance suffisante des dialogues, des effets annexes convaincants et surtout une belle restitution de la musique d’Elmer Bernstein. La piste française est un peu plus étriquée, mais reste dynamique. Le doublage est aussi particulièrement réussi, avec bien sûr Claude Bertrand qui prête sa sublime voix à Roger Moore comme sur les James Bond. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © 1974 Avton Film / Killamey Film Studios / Movinside / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Bronco Apache, réalisé par Robert Aldrich

BRONCO APACHE (Apache) réalisé par Robert Aldrich, disponible en combo Blu-ray/DVD le 8 mars 2018 chez Sidonis Calysta

Acteurs :  Burt Lancaster, Jean Peters, John McIntire, Charles Bronson, John Dehner, Paul Guilfoyle, Walter Sande, Ian MacDonald…

Scénario :  James R. Webb d’après le roman “Bronco Apache” de Paul Wellman

Photographie : Ernest Laszlo

Musique : David Raksin

Durée : 1h25

Date de sortie initiale : 1954

LE FILM

Avril 1866, les Apaches déposent les armes face aux colonisateurs blancs.  Leur chef Geronimo se rend. Seul l’un d’entre eux, Massaï, refuse cette reddition. Capturé comme ses semblables, il s’échappe du train qui le conduit vers les réserves de Floride. Un grand voyage l’attend pour retrouver sa terre et Nalinle, enceinte de lui. En chemin, il fait escale à St Louis où il découvre le mode de vie des colons et rencontre Dawson, un Cherokee chez qui il trouve refuge dans une réserve de l’Oklahoma…

Bronco Apache est le troisième long métrage de l’immense Robert Aldrich (1918-1983), son premier western ainsi que sa première collaboration avec Burt Lancaster, également producteur. C’est par ailleurs le comédien lui-même qui a choisi le réalisateur, après avoir remarqué l’efficacité de son second film, Alerte à Singapour en 1953. Si l’on compare Bronco Apache avec les films et chefs d’oeuvre du maître qui viendront plus tard, on est ici loin de la virtuosité qui apparaîtra déjà par petites touches dans Vera Cruz, mis en scène la même année. En revanche, la solide direction d’acteurs de Robert Aldrich est ici indéniable. Il fallait au moins cela pour rendre crédible la transformation de Burt Lancaster en Indien aux yeux bleus étincelants. Sa première apparition fait peur puisque l’acteur est recouvert de plusieurs couches de fond de teint et d’une perruque mal ajustée. Mais finalement, on oublie rapidement ce manque de goût grâce au jeu solide du comédien, en très grande forme, bondissant, courant dans tous les sens, brutal, déterminé, qui n’en fait jamais trop en adoptant une posture et une démarche différentes. On finit par croire à son personnage et à s’attacher à sa quête. Bronco Apache n’est sans doute pas l’un des grands films de Robert Aldrich, mais n’en demeure pas moins sympathique, surtout que le film adopte le point de vue et la cause des Indiens.

Le jour de la reddition de Geronimo (Monte Blue), Massai (Burt Lancaster), un jeune guerrier, refuse d’abandonner le combat contre l’armée américaine. Vite arrêté, il est conduit en train vers la réserve de Floride où seront gardés Geronimo et ses guerriers apaches. Mais Massai s’enfuit et se retrouve dans une grande ville de Blancs, St Louis. Il décide de regagner sa terre natale. Chemin faisant, il rencontre Dawson (Morris Ankrum), un Indien Cherokee « civilisé », qui vit en paix avec les blancs, grâce à son savoir-faire de la culture du maïs, dont il donne quelques graines à Massaï. De retour chez lui au Nouveau-Mexique, Massai va voir Nalinle (Jean Peters), la femme qu’il aime. Mais Santos (Paul Guilfoyle), le père de celle-ci, dénonce Massai. Il est arrêté par le scout Al Sieber (John McIntire) et l’Apache renégat Hondo (Charles Buchinsky, pas encore Charles Bronson), à qui Santos a promis sa fille. Massai n’a pas dit son dernier mot. Se considérant comme le seul Apache au monde, il décide de mener son dernier combat contre les militaires qui le poursuivent, lui et sa femme, alors enceinte.

C’est donc sur Bronco Apache qu’allait naître l’association Aldrich-Lancaster, puisque les deux hommes referont équipe sur Vera Cruz (1954), Fureur Apache (1972) et L’Ultimatum des trois mercenaires (1977). L’intrigue de Bronco Apache n’est pas des plus passionnantes, mais ce n’est pas là le plus important du film. Ce qui compte dans Bronco Apache c’est sa spontanéité, son énergie et ses deux têtes d’affiche, Burt Lancaster et la ravissante Jean Peters (Capitaine de Castille, La Flibustière des Antilles, Viva Zapata !). Si le premier parvient donc à faire oublier le maquillage outrancier dont il est affublé, la seconde (également recouverte de cirage) n’est pas ménagée par son partenaire. Au-delà de sa performance physique car sans cesse malmenée, traînée par terre, ligotée, obligée de laper l’eau d’une rivière comme un animal, la comédienne, conserve son charme et c’est de son personnage que Massaï, souvent montré au bord de la folie, apprendra à tourner la page et à accepter son destin.

Le scénario de James R. Webb, futur auteur de Trapèze de Carol Reed, Les Grands espaces de William Wyler et Les Cheyennes de John Ford, est étonnamment épuré et le résultat à l’écran du même acabit. Son western pro-Indien est fort en symboles forts, comme le spectre de la déportation qui plane lors de la déportation des Indiens, obligés de monter dans un train qui les emmènera loin de leurs terres, ou bien encore dans cette quasi-relecture d’Adam et Eve, unis dans un paradis de sécheresse, de rochers et de poussière.

Sans doute moins marquant que La Flèche brisée de Delmer Daves et La Porte du diable d’Anthony Mann, tous deux sortis en 1950, Bronco Apache participe néanmoins à la démythification de la conquête de l’Ouest. En dépit d’une fin plus ou moins positive imposée par la United Artists, Bronco Apache, fuite en avant tragique et à l’issue inéluctable, ne manque pas d’attraits et d’intérêt.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Bronco Apache, disponible chez Sidonis Calysta, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical. Cette édition contient le DVD et le Blu-ray.

La section des suppléments s’ouvre sur un documentaire intitulé Burt Lancaster, un doux parfum de succès (50’). Ce module produit à la chaîne comme tant d’autres, n’a pas vraiment d’intérêt, si ce n’est compiler des extraits et des bandes-annonces des films les plus célèbres (et d’autres moins) du comédien. Quelques images d’archives et photos rares viennent illustrer les propos (doublés en français) des intervenants comme le biographe Gary Fishgall, les réalisateurs Sydney Pollack et Ted Post, la comédienne Terry Moore, le producteur James Hill et l’acteur Peter Riegert, qui reviennent sur l’enfance, les débuts et la carrière de la star. Franchement, ne perdez pas votre temps, vous n’apprendrez rien ici ou presque, surtout que la musique sirupeuse en fond a très vite raison de notre patience.

Bertrand Tavernier (26’) et Patrick Brion (13’) ont également répondu à l’appel de l’éditeur, afin de présenter Bronco Apache, avec le style qui leur est propre. Tout d’abord, le premier déclare avoir vu le film à sa sortie et se souvient du choc qui l’a immédiatement sensibilisé au cinéma de Robert Aldrich. Puis, Bertrand Tavernier en vient très vite au caractère pro-Indien de Bronco Apache, en fustigeant les critiques sur le choix de Burt Lancaster pour interpréter un Apache à l’écran. Le fond et la forme se croisent ensuite habilement, et l’on sent le réalisateur vraiment heureux de parler de ce film qu’il affectionne beaucoup. Le scénariste, le reste du casting et la fin imposée par la United Artists (que Tavernier apprécie quand même) sont également abordés.

De son côté, Patrick Brion peine à trouver des arguments inédits pour parler du film qui nous intéresse. Dommage que l’éditeur ne fasse pas se concerter ces historiens du cinéma en amont, cela éviterait des interventions redondantes. Néanmoins, cette présentation reste agréable à écouter.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Un carton en introduction indique que le master présenté ici a été restauré à partir du seul élément HD disponible aujourd’hui…recadré au format 1.77 au lieu du cadre 1.33 original ! Le Blu-ray est au format 1080i. L’image bénéficie d’une restauration indéniable (des raccords de montage et des poussières subsistent quand même), mais qui paraît avoir déjà quelques heures de vol. Soyons honnêtes, le résultat peine à convaincre quant à l’élévation en Haute définition. Les couleurs sont fanées, le générique d’ouverture semble le plus mal loti avec des fourmillements. Le codec AVC a souvent du mal à consolider certaines scènes sombres, la gestion du grain demeure aléatoire et le piqué n’est guère concluant. La compression n’est pas irréprochable et nous notons de capricieux manques de définition adoucissant les détails et les textures sur les plans rapprochés. Signalons que cette édition HD de Bronco Apache est une exclusivité mondiale.

L’éditeur ne propose pas un remixage inutile, mais encode la version originale en DTS-HD Master Audio mono 2.0. Passons rapidement sur la version française (également en DTH-HD MA) au doublage old-school très réussi, mais au rendu métallique des voix, qui restent bien trop étriquées, chuintantes et manquant d’ardeur. Elle n’est donc pas aussi fluide et homogène que la version originale. Dans les deux cas, aucun souffle n’est à déplorer, mais au jeu des comparaisons, la VO l’emporte aisément sur les séquences d’action, dynamiques et vives, tout comme le score de David Raksin qui profite d’une excellente exploitation des frontales. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale. Autre problème, la scène d’exposition possède un double sous-titrage, rendant la lecture difficile.

Crédits images : © Columbia / Sidonis Calysta / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Symphonie pour un massacre, réalisé par Jacques Deray

SYMPHONIE POUR UN MASSACRE réalisé par Jacques Deray, disponible en combo Blu-ray/DVD le 11 avril 2018 chez Pathé

Acteurs :  Jean Rochefort, Michèle Mercier, Charles Vanel, Michel Auclair, Claude Dauphin, José Giovanni, Daniela Rocca…

Scénario :  Jacques Deray, José Giovanni, Claude Sautet d’après le roman « Les Mystifiés » d’Alain Reynaud-Fourton

Photographie : Claude Renoir

Musique : Michel Magne

Durée : 1h50

Date de sortie initiale : 1963

LE FILM

Cinq hommes, Paoli, Clavet, Valoti, Moreau et Jabeke sont associés dans le trafic de la drogue. Un arrivage vient précisément d’avoir lieu à Marseille : il y en a pour 500.000 dollars que doublera la revente en détail. Mais Serutti, le transitaire, exige que chacun des membres du gang verse cash une mise de fond de 100.000 dollars. Jabeke, qui a de grosses difficultés financières, doit réaliser pour pouvoir  » être à la hauteur de la situation « . Mais, dans son esprit, germe un plan qui, s’il réussit, lui permettra de s’approprier pour lui tout seul, non seulement la drogue, mais encore la mise des associés. Moreau a été chargé de convoyer les dollars à l’aller et la drogue au retour.

Quelle claque ! Symphonie pour un massacre est le troisième long métrage du réalisateur Jacques Deray (1929-2003). Après avoir fait ses débuts en tant que comédien, il devient assistant sur les tournages de Gilles Grangier, Luis Buñuel et Jules Dassin. En 1960, il écrit et réalise son premier film, Le Gigolo, drame psychologique interprété par Jean-Claude Brialy et Alida Valli. Ses deux films suivants, Rififi à Tokyo et Symphonie pour un massacre sortent la même année, en 1963, à quelques mois d’intervalle. Si le premier est un film policier intégralement tourné au Japon, le second, celui qui nous intéresse, est un polar dans la tradition du film noir américain, qui se déroule entre la France et la Belgique. Un fabuleux exercice de style, un chef d’oeuvre du genre complètement et malheureusement oublié aujourd’hui, qu’il est désormais temps de réhabiliter, d’autant plus que le cinéaste offre à Jean Rochefort son premier grand rôle dramatique. Il y est magnifique et accompagné d’acteurs tout aussi exceptionnels.

Paoli (Charles Vanel), Valotti (Claude Dauphin), Clavet (Michel Auclair) et Jabeke (Jean Rochefort) sont associés dans l’affaire d’un cercle de jeux, couverture d’activités illicites. Un caïd marseillais leur offre un important stock de drogue contre cinq cent mille dollars qui pourront leur rapporter le double. Une fois réunie, la somme est convoyée de Paris à Marseille par Moreau (José Giovanni), cinquième associé de l’opération, qui au retour devra ramener la drogue. Mais Jabeke a décidé de faire cavalier seul. Censé être à Bruxelles, il s’y installe ostensiblement dans un grand hôtel puis rentre discrètement à Paris et prend le même train de nuit que Moreau. Il surprend celui-ci dans son sommeil, le tue, dérobe la mallette de billets, descend à Lyon où il a préalablement laissé sa voiture et regagne Bruxelles juste à temps pour se faire livrer le petit-déjeuner dans sa chambre. À l’annonce par la presse de la découverte du corps, Paoli le doyen convoque ses troupes.

S’il est à la base inspiré par le roman Les Mystifiés d’Alain Reynaud-Fourton, publié en 1962 dans la collection Série Noire, le scénario écrit par Jacques Deray, José Giovanni et Claude Sautet rend compte du talent des trois compères, de leurs connaissances du « milieu » et de l’authenticité des dialogues. D’ailleurs, comme le récit adopte le point de vue du personnage de Jean Rochefort, qui prépare seul son coup monté, Jacques Deray ne s’encombre pas de voix-off superflue qui pourrait refléter et paraphraser les pensées et les actions du personnage de Jabeke. Une bonne partie du film, en gros la préparation de l’alibi et le vol, repose sur la mise en scène, le montage, la musique entêtante de Michel Magne, l’interprétation et le charisme de Jean Rochefort.

D’une part, cela permet à Jacques Deray de démontrer toute sa virtuosité et ses connaissances de la grammaire cinématographique, liées au genre du polar qu’il affectionne tout particulièrement. Il n’y a pas de « gras » dans Symphonie pour un massacre. Chaque plan est indispensable au déroulement de l’histoire et rien n’est laissé au hasard. D’autre part, Jean Rochefort, qui était jusqu’alors apparu au cinéma dans quelques films de cape et d’épée, Le Capitaine Fracasse de Pierre Gaspard-Huit, Cartouche de Philippe de Broca et Le Masque de fer d’Henri Decoin, accède ici en haut de l’affiche. Visage fermé, regard fuyant sous des paupières basses, bouche pincée, la présence du comédien dans un film noir est non seulement inattendue, mais aussi et surtout un coup de génie. Son éternel flegme britannique donne à son personnage un côté glaçant, impénétrable et imperturbable.

D’une précision d’orfèvre, le scénario enchaîne les rebondissements du début à la fin. Le réalisateur s’amuse à jouer avec les spectateurs en les laissant avoir un coup d’avance sur les personnages. A l’instar de Jean-Pierre Melville, l’audience est prise d’empathie pour des criminels. Du coup, on espère que Jabeke ne fasse pas de mauvais pas et si tel est le cas, qu’il parvienne à s’en sortir, même s’il lui faut se débarrasser de son adversaire pour cela. Loin d’être sacrifiés, les autres personnages campés par d’autres pointures du cinéma français, sont certes montrés comme des criminels, mais qui ont eux aussi du mal à faire tourner leur boutique. Et c’est par les ennuis d’argent d’un des complices de Jabeke qu’un premier rouage se mettra à grincer dans une machine jusque-là trop bien huilée.

Avec une édition restaurée en 2018 qui restitue tous ses contrastes à la photo N&B de l’illustre chef opérateur Claude Renoir, Symphonie pour un massacre est un must pour les amoureux du polar et du cinéma de Jacques Deray, qui allait devenir alors un de nos meilleurs metteurs en scène, mondialement reconnu cinq ans plus tard avec le triomphe international de La Piscine.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Symphonie pour un massacre, disponible chez Pathé, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition comporte également le DVD du film. Le menu principal est animé et musical.

Pas grand-chose à se mettre sous la dent dans les bonus. Un seul module de 27 minutes, qui entrecroise les propos de Jean-Philippe Guérand, journaliste, biographe et auteur de Jean Rochefort, Prince sans rire, et ceux de François Guérif, auteur du Cinéma policier français et Le Film noir américain. Les arguments avancés se complètent sans être redondants. Symphonie pour un massacre est replacé dans la filmographie de Jacques Deray, la mise en scène analysée, tout comme le traitement des personnages. Le casting est également passé au peigne fin. Un documentaire classique, informatif, mais un peu court.

L’Image et le son

Le négatif original n’a pas pu être retrouvé. Un marron, autrement dit un élément de tirage intermédiaire a donc été utilisé, numérisé 4K puis restauré 2K. Il s’agissait alors du meilleur élément à ce jour. Après le travail de titan des Laboratoires Eclair, Symphonie pour un massacre peut enfin être redécouvert dans un nouveau master au format respecté 1.66. Ce Blu-ray au format 1080p (AVC) en met souvent plein les yeux, malgré un générique qui laisse d’abord perplexe avec un N&B léger et divers fourmillements. Heureusement, cela s’arrange immédiatement. La restauration est étincelante, les contrastes denses, la copie est stable, les gris riches, les blancs lumineux, la profondeur de champ évidente et le grain original heureusement préservé. Les séquences sombres sont tout aussi soignées que les scènes diurnes, le piqué est joliment acéré pour un film de 1963 et les détails étonnent parfois par leur précision, surtout sur nombreux les gros plans. Quelques flous et deux ou trois scènes plus douces, mais rien d’important.

La partie sonore a été restaurée numériquement par L.E. Diapason. Résultat : aucun souci acoustique constaté sur ce mixage DTS-HD Master Audio Mono. Le confort phonique de cette piste unique est total, les dialogues sont clairs et nets. La musique de Michel Magne est joliment délivrée. L’éditeur joint également les sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiovision.

Crédits images : © Pathé / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Acts of Vengeance, réalisé par Isaac Florentine

ACTS OF VENGEANCE réalisé par Isaac Florentine, disponible en DVD et Blu-ray le 14 mars 2018 chez AB Vidéo

Acteurs :  Antonio Banderas, Cristina Serafini, Atanas Srebrev, Karl Urban, Paz Vega, Robert Forster, Lillian Blankenship…

Scénario :  Matt Venne

Photographie : Yaron Scharf

Musique : Frederik Wiedmann

Durée : 1h26

Date de sortie initiale : 2017

LE FILM

Fou de douleur après le meurtre de sa femme et de sa fille, un avocat à la langue bien pendue fait vœu de silence et s’entraîne méthodiquement pour réussir à les venger.

Le nouveau Direct To Video d’Antonio Banderas est arrivé. Et c’est encore de la bonne came. Après le fort sympathique Security d’Alain Desrochers, le comédien espagnol est déjà de retour et il est en très grande forme. Voici donc Acts of Vengeance, réalisé par Isaac Florentine, qui a fait ses classes sur les diverses séries télévisées Power Rangers, avant de signer pour le cinéma Ninja (2009) et Ninja 2: Shadow of a Tear (2012) avec Scott Adkins. D’après un scénario de Matt Venne, habituellement cantonné aux suites destinées à la vidéo (La Voix des morts 2, Mirrors 2, Fright Night 2), Isaac Florentine emballe très efficacement cette pure série B, à l’intrigue classique, à mi-chemin entre Taken et John Wick, sans oublier une larmichette de Daredevil. Pour résumer, le récit est prétexte à montrer le sieur Banderas distribuer des bourre-pifs, domaine dans lequel il excelle tout particulièrement.

Après le meurtre inexpliqué de sa fille et de sa femme, un avocat spécialisé dans la défense d’individus douteux, décide de trouver lui-même les assassins suite au gel de l’enquête de police par manque d’informations. Entre quête de rédemption et vengeance personnelle, Il n’aura d’autre choix qu’un déchainement de violence pour arriver à ses fins.

Rien de bien nouveau donc, mais pourtant Acts of Vengeance remplit son contrat et n’est en aucun cas un nanar, ni un navet. D’une part parce que la mise en scène est étonnamment sobre et bien tenue, d’autre part parce que les séquences d’action s’avèrent particulièrement convaincantes, brutales, avec des coups qui font mal. Et de ce point de vue-là, Antonio Banderas assure le spectacle du début à la fin, même si on ne peut échapper à la scène incontournable de la découverte des corps, suivie du cri du mari et père de famille comme Sean Penn dans Mystic River de Clint Eastwood. Après le drame, le personnage arbore des lunettes noires, s’engueule avec la police en les traitant d’incompétents quant à l’enquête qui piétine sur l’assassin de sa famille. Ensuite, mister Banderas se bourre la gueule et cherche à en prendre plein la tronche dans des combats amateurs et illégaux, avant de se rendre compte que ce n’est pas en tentant de clamser sur le bitume qu’il retrouvera l’auteur des crimes. Alors il se rend au Décathlon du coin et achète quelques poids et haltères, ainsi qu’un ban de muscu pour se tailler les abdos. Un montage rigolo à la Steven Seagal dans Echec et mort de Bruce Malmuth montre ses progrès et ses performances en arts martiaux, jusqu’à ce qu’il parvienne à mettre son master à terre, par ailleurs interprété par Isaac Florentine lui-même. Il est prêt. La vengeance peut commencer.

Mais avant cela, alors qu’il vient de subir une agression, il panse sa blessure avec un livre qui traînait là, Pensées pour moi-même de Marc Aurèle, philosophe stoïcien. En lisant l’ouvrage, Frank, puisque c’est son nom, décide de faire vœu de silence, tant que sa femme et sa fille ne seront pas vengées. C’est bon cette fois ? Attention à ceux qui croiseront sa route et qui lui chercheront des noises, d’autant plus qu’en ne disant plus un mot, cela a fini par développer son ouïe comme le héros aveugle de Marvel. Pratique quand un mec mal attentionné sort une lame pour lui planter dans le dos.

Acts of Vengeance déroule son récit standard sur un montage réussi. Le rythme est soutenu et le vigilante repose sur la performance et le charisme d’Antonio Banderas. C’est sec, divertissant, bad-ass et l’acteur principal est bien épaulé par Karl Urban, Robert Forster (dans une petite, mais marquante apparition) et Paz Vega, que l’on a bien du mal à reconnaître. Tout cela pour dire qu’à l’instar de Security, Acts of Vengeance est largement recommandable et saura trouver son public.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray d’Acts of Vengeance est disponible chez AB Vidéo. Le disque repose dans un boîtier classique de couleur bleue. Le menu principal est sobre, animé et musical.

L’éditeur ne propose que la bande-annonce (vostf) comme supplément.

L’Image et le son

Même si le Blu-ray est au format 1080i, AB Vidéo prend soin de ce titre qui sort directement dans les bacs chez nous. Ce master HD français (les credits sont dans la langue de Molière) est soigné et le transfert solide. Respectueuse des volontés artistiques originales la copie d’Acts of Vengeance se révèle propre et tire agréablement partie de la HD avec des teintes froides et une palette chromatique spécifique, le tout soutenu par un solide encodage. Le piqué, tout comme les contrastes, sont souvent tranchants, les arrière-plans sont détaillés, le relief plaisant, les noirs denses et les détails foisonnants. Hormis quelques légers fléchissements de la définition sur les scènes sombres, cette édition Blu-ray permet de découvrir Acts of Vengeance dans de bonnes conditions techniques.

Du côté acoustique, les mixages français et anglais DTS-HD Master Audio 5.1 créent un espace d’écoute suffisamment plaisant en faisant la part belle à la musique et à quelques effets latéraux. Des ambiances naturelles percent les enceintes arrière sans se forcer mais avec une efficacité chronique. Les sous-titres français sont imposés et le changement de langue impossible pendant le visionnage nécessite le recours au menu pop-up. Deux pistes Stéréo sont également disponibles.

Crédits images : © Stoic Productions, Inc / AB Vidéo / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr