LA FILLE PERDUE réalisé par Jean Gourguet, disponible en DVD le 31 janvier 2022 chez Doriane Films.
Acteurs : Claudine Dupuis, Gérard Landry, Robert Berri, Dora Doll, Zizi Saint-Clair, Gisèle Grandpré, André Roanne, Jean Clarieux…
Scénario : Jean Gourguet & Michelle Gourguet
Photographie : Scarciafico Hugo
Musique : René Denoncin
Durée : 1h26
Date de sortie initiale : 1954
LE FILM
Fille-mère à seize ans, Marguerite n’ose pas retourner chez elle et finit entraîneuse dans une boîte à matelots. Son employeur l’oblige à se séparer de sa fille.
Complètement oublié aujourd’hui, le scénariste, producteur et réalisateur Jean Gourguet (1902-1994) aura signé une bonne vingtaine de longs-métrages et quelques courts-métrages, en un peu plus de trente ans. S’il a commencé sa carrière en 1929, en cosignant Rayon de soleil avec Georges Péclet, Jean Gourguet connaîtra véritablement son heure de gloire dans les années 1950, durant lesquelles il coécrit les films avec son épouse Michelle, n’hésitant pas non plus à diriger sa propre fille Geneviève, sous le pseudonyme de Zizi Saint-Clair. La Fille perdue sort le 29 janvier 1954, trois mois seulement après le très remarqué Maternité clandestine, avec la divine Dany Carrel, et la même année que La Cage aux souris. Trois films qui sortent sur les écrans en l’espace d’un an, tout se passe bien pour le cinéaste, qui se définissait lui-même comme un artisan du cinéma. La Fille perdue est le témoignage d’un cinéma totalement révolu, désuet diront certains, charmant diront les autres et ils auront raison. Car ce mélodrame au récit soutenu repose sur de formidables comédiens, en particulier Claudine Dupuis (1924-1991), qui sera apparue devant la caméra de Henri-Georges Clouzot (Quai des Orfèvres) et surtout devant celle de son compagnon Alfred Rode (Boîte de nuit, Tourbillon, C’est… la vie parisienne), ainsi que dans divers films aux titres bien ancrés dans leur temps du style Sergil chez les filles, Les Pépées font la loi, La Môme Pigalle et Les Pépées au service secret. Avec son charisme qui rappelle à la fois Cécile Aubry et Suzy Delair, elle est indéniablement le gros atout de La Fille perdue.
PARTENAIRES réalisé par Claude d’Anna, disponible en DVD le 31 janvier 2022 chez Doriane Films.
Acteurs : Nicole Garcia, Jean-Pierre Marielle, Michel Galabru, Michel Duchaussoy, Elisa Servier, Jenny Clève, Alexandre Rignault, Georges Montillier, Jean Achache…
Scénario : Claude d’Anna & Laure Bonin
Photographie : Pierre Dupouey
Durée : 1h13
Date de sortie initiale : 1984
LE FILM
Dans les comédies de boulevard, les scènes de ménages sont souvent cocasses. Partenaires sur les planches, Marion et son mari vont atteindre la perfection. Un drame a brisé leur vie et l’affrontement est réel.
En toute honnêteté, nous n’avions jamais entendu parler du dramaturge, réalisateur et metteur en scène Claude d’Anna (né en 1945) et encore moins de ce film, Partenaires, pourtant interprété par de formidables comédiens. Des longs-métrages se déroulant dans l’univers du théâtre, il y en a des tas, comme l’affreux Birdman (2014) du ronflant Alejandro González Iñárritu, l’extraordinaire Jeux dangereux – To Be or Not to Be (1942), le glacial Le Dernier métro (1980) de François Truffaut, le surestimé Shakespeare in Love (1998) de John Madden, l’insupportable La Vénus à la fourrure (2013) de Roman Polanski, le génial Le Créateur (1999) d’Albert Dupontel, l’hypnotique Ève… – All About Eve (1950) de Joseph L. Mankiewicz, l’incroyable Opening Night (1977) de John Cassavetes, le sublime Esther Kahn (2000) d’Arnaud Desplechin. Dans ceux-ci, les auteurs et cinéastes se sont souvent penchés sur la frontière friable entre la vie privée et la vie professionnelle des comédiens, sur le vécu qui influe sur l’autre, où les sentiments deviennent confus. Dans Partenaires, Claude d’Anna se penche sur la relation d’un couple d’acteurs, en pleine représentation, qui profitent de leurs sorties de scène pour régler quelques différends, qu’on devine récurrents. Le portrait de l’un et celui de l’autre se dessinent progressivement, l’objet de leur conflit se dévoile, et l’on en vient à se demander jusqu’où ces deux individus se sont inspirés de leur expérience personnelle pour s’en servir dans leur travail, ou si ce qu’ils expriment sur leur traumatisme est bien réel ou une « répétition ». C’est là que Partenaires devient intéressant, tandis qu’on admire la beauté féline de Nicole Garcia et la grâce éternelle de Jean-Pierre Marielle.
DRIVE MY CAR (Doraibu mai kâ – ドライブ・マイ・カー) réalisé par Ryusuke Hamaguchi, disponible en DVD et Blu-ray le 1er mars 2022 chez Diaphana.
Acteurs : Hidetoshi Nishijima, Toko Miura, Reika Kirishima, Park Yoo-rim, Jin Dae-Young, Sonia Yuan, Satoko Abe, Masaki Okada, Perry Dizon, Ann Fite…
Scénario : Ryusuke Hamaguchi & Takamasa Oe, d’après la nouvelle d’Haruki Murakami
Photographie : Hidetoshi Shinomiya
Musique : Eiko Ishibashi
Durée : 2h52
Date de sortie initiale : 2021
LE FILM
Alors qu’il n’arrive toujours pas à se remettre d’un drame personnel, Yusuke Kafuku, acteur et metteur en scène de théâtre, accepte de monter Oncle Vania dans un festival, à Hiroshima. Il y fait la connaissance de Misaki, une jeune femme réservée qu’on lui a assignée comme chauffeure. Au fil des trajets, la sincérité croissante de leurs échanges les oblige à faire face à leur passé.
Il nous avait enchantés avec Senses (2015) et Ayako I & II (2018), rebelote avec son dernier opus en date, Drive Mycar. Le réalisateur et scénariste Ryūsuke Hamaguchi (né en 1978) s’inspire cette fois de trois nouvelles de l’écrivain Haruki Murakami, publiées dans le recueil Des hommes sans femmes, paru en 2014, Drive My Car, Shéhérazade et Le Bar de Kino. Celles-ci ont toutes pour point commun des personnages masculins, qui ont perdu des femmes dans leurs vies, en raison d’une séparation, d’un décès ou dans d’autres circonstances, et qui doivent réapprendre à vivre après cette disparition. Cinéaste de l’attente et de la langueur, rappelez-vous du merveilleux Senses qui durait plus de cinq heures, Ryūsuke Hamaguchi était tout attitré pour transposer l’univers de Murakami et dresser le portrait de personnages solitaires, fragiles, que le destin va réunir dans un lieu cloisonné, ici une voiture, qui fera comme qui dirait office de confessionnal, où les angoisses, la colère, les doutes seront extériorisés. Pendant près de trois heures et en dépit de quelques longueurs qui se font ressentir dans la dernière partie, Drive My Car agit comme une séance d’hypnose, place le spectateur à l’arrière du véhicule de Yusuke Kafuku où il observe ce dernier, ainsi que sa chauffeure, où la parole de ces deux âmes en peine va enfin se libérer. S’il reste évidemment conseillé aux cinéphiles les plus pointus, voilà un des superbes films de 2021.
RIDERS OF JUSTICE (Retfærdighedens ryttere) réalisé par Anders Thomas Jensen, disponible en DVD et Blu-ray le 2 février 2022 chez M6 Vidéo.
Acteurs : Mads Mikkelsen, Nikolaj Lie Kaas, Andrea Heick Gadeberg, Lars Brygmann, Nicolas Bro, Gustav Lindh, Roland Møller, Albert Rudbeck Lindhardt…
Scénario : Anders Thomas Jensen
Photographie : Kasper Tuxen
Musique : Jeppe Kaas
Durée : 1h51
Date de sortie initiale : 2020
LE FILM
Markus, militaire danois en poste en Afghanistan, rentre précipitamment chez lui après la mort de son épouse dans un accident de métro pour s’occuper de leur fille. Un rescapé, Otto, prend contact avec Markus et lui explique que l’accident était en fait un attentat soigneusement orchestré.
Nous avions laissé Mads Mikkelsen danser en état d’ivresse, ou de célébrer l’ivresse de la vie plutôt, à la fin du magnifique Drunk – Druk de Thomas Vinterberg. Le voilà déjà de retour et ce pour notre plus grand plaisir, dans un rôle aux antipodes de celui du professeur qu’il tenait précédemment, dans Riders of Justice – Retfærdighedens ryttere, pour lequel il s’associe avec le réalisateur Anders Thomas Jensen pour la cinquième fois de sa carrière. Après Lumières dansante – Blinkende lygter (2000), Les Bouchers verts – De grønne slagtere (2003), Adam’s Apples – Adams Æbler (2006) et Men and Chicken – Mænd og høns (2006), celui que l’on peut aisément définir comme étant l’un des plus grands comédiens du cinéma contemporain (quelle puissance bordel), se métamorphose à nouveau dans Riders of Justice, où il trône de façon impériale sur un casting fabuleux, dans lequel on retrouve évidemment Nikolaj Lie Kaas, qui lui aussi accompagne son camarade et le cinéaste à chaque film depuis plus de vingt ans. Certes ponctué par quelques éclats de violence sèche, Riders of Justice est avant tout une comédie bien noire, dans laquelle un Paul Kersey danois serait obligé de faire équipe avec Les Bandits Solitaires – The Lone Gunmen de la série X-Files : Aux frontières du réel. Ces individus mal assortis vont se révéler les uns aux autres, surtout leurs points communs, en l’occurrence une sévère solitude. Cette union percera la carapace de chacun de ces inadaptés, tout cela sur fond d’accident ferroviaire, qui n’en serait pas un, enfin vous verrez. N’attendez plus, foncez découvrir Riders of Justice, l’un des meilleurs films de 2021, ainsi qu’un des plus jubilatoires, un des plus beaux, un des plus surprenants…
MON ANNÉE ÀNEW YORK (My Salinger Year) réalisé par Philippe Falardeau, disponible en DVD le 6 janvier 2022 chez Metropolitan Video.
Acteurs : Margaret Qualley, Sigourney Weaver, Douglas Booth, Seána Kerslake, Brían F. O’Byrne, Colm Feore, Théodore Pellerin, Yanic Truesdale…
Scénario : Philippe Falardeau, d’après le livre de Joanna Smith Rakoff
Photographie : Sara Mishara
Musique : Martin Léon
Durée : 1h37
Année de sortie : 2020
LE FILM
1995. Joanna, jeune femme aspirant à devenir écrivain, quitte la Californie et son petit ami, Karl, pour aller s’installer à New York. Elle trouve un emploi au sein d’une agence littéraire réputée, dirigée par Margaret, qui la charge de répondre aux courriers adressés à l’écrivain J. D. Salinger, client de l’agence. Au lieu de renvoyer une réponse type, Joanna commence à écrire des courriers personnalisés à certains admirateurs. Par ailleurs, elle rencontre Don et accepte de s’installer avec lui…
Nous avions découvert le cinéaste québécois Philippe Falardeau en 2006 avec l’excellent Congorama. Si son film suivant, C’est pas moi, je le jure ! n’avait malheureusement pas bénéficié d’une sortie dans les salles françaises, Monsieur Lazhar s’était vu très largement récompensé en 2011, notamment par 7 Jutras, les équivalents québécois de nos Césars. Le réalisateur s’est souvent démarqué avec ses œuvres sensibles et délicates, mais aussi son humour décalé comme c’était le cas avec le méconnu et pourtant hilarant Guibord s’en va-t-en guerre, interprété par les explosifs Patrick Huard et Suzanne Clément. Six ans après un biopic consacré au boxeur Chuck Wepner, Outsider, Philippe Falardeau fait donc son retour avec Mon année à New York, librement adapté du livre autobiographique de Joanna Rakoff, My Salinger Year, et dirige rien de moins que la grande Sigourney Weaver et la lumineuse Margaret Qualley. Si la comparaison avec Le Diable s’habille en Prada et A la rencontre de Forrestersemble inévitable, on oublie rapidement ce parallèle avec le film de David Frankel et celui de Gus Van Sant, car le cinéaste trouve un ton et une ambiance quasi-anachroniques, délicieusement rétros, comme si le temps s’était arrêté au début des années 1960, à l’image du bureau où officient nos deux protagonistes. L’ombre de J.D. Salinger plane évidemment sur tout le film, il y « apparaît » d’ailleurs à plusieurs reprises, à travers sa voix ou sa silhouette, mais Mon année à New York est avant tout le récit initiatique d’une jeune femme, qui en rencontrant son mentor, va non seulement découvrir le monde du travail, mais aussi décider de suivre sa passion, écrire. Très joli film, classique dans la forme, mais efficace, Mon année à New York, qui a fait l’ouverture de la Berlinale en 2020, repose sur l’excellence de son casting et des personnages attachants.
LES AMOURS D’ANAÏS réalisé par Charline Bourgeois-Tacquet, disponible en DVD le 6 janvier 2022 chez France Télévisions Distribution.
Acteurs : Anaïs Demoustier, Valeria Bruni Tedeschi, Denis Podalydès, Jean-Charles Clichet, Xavier Guelfi, Christophe Montenez, Anne Canovas, Bruno Todeschini…
Scénario : Charline Bourgeois-Tacquet
Photographie : Noé Bach
Musique : Nicola Piovani
Durée : 1h38
Date de sortie initiale : 2021
LE FILM
Anaïs a trente ans et pas assez d’argent. Elle a un amoureux qu’elle n’est plus sûre d’aimer. Elle rencontre Daniel, à qui tout de suite elle plaît. Mais Daniel vit avec Émilie… qui plaît aussi à Anaïs. C’est l’histoire d’une jeune femme qui s’agite. Et c’est aussi l’histoire d’un grand désir.
On la découvre au cinéma en 2000 dans Le Monde de Marty de Denis Bardiau, dans lequel elle joue aux côtés de Camille Japy et Michel Serrault. Elle a alors 12 ans. Trois ans plus tard, Michael Haneke lui offre un rôle de choix dans Le Temps du loup, aux côtés d’Isabelle Huppert, Maurice Bénichou et Béatrice Dalle. Puis, en 2006 et 2007, tout s’accélère. On la voit chez Raphaël Jacoulot (Barrage), elle obtient son premier grand rôle chez Isabelle Czajka (L’Année suivante), tâte du divertissement grand public chez James Huth (Hellphone) et Alexandre Leclère (Le Prix à payer), avant de devenir une égérie du cinéma d’auteur hexagonal. En peu de temps, Anaïs Demoustier passera devant la caméra de Christophe Honoré (La Belle personne), Pascal-Alex Vincent (Donne-moi la main), Rebecca Zlotowski (Belle Épine), Robert Guédiguian (Les Neiges du Kilimandjaro), Claude Miller (Thérèse Desqueyroux), Bertrand Tavernier (Quai d’Orsay), Pascale Ferran (Bird People) et bien d’autres. Tout le monde se l’arrache depuis plus de dix ans et elle est devenue l’une de nos comédiennes les plus brillantes et attachantes. Un César de la meilleure actrice viendra la couronner en 2020 pour Alice et le maire de Nicolas Pariser. Les Amours d’Anaïs est une ode à la comédienne née en 1987. Dans le premier long-métrage de Charline Bourgeois-Tacquet (née en 1986), elle est de tous les plans, filmée sous tous les angles, y compris en tenue d’Ève, illumine le cadre comme un rayon de soleil quand elle le traverse de façon fulgurante, la caméra ayant même du mal à la suivre dans sa course folle contre la peur, l’ennui et le réel. Comédie légère et estivale, à la fois burlesque, sentimentale, pour ne pas dire initiatique, Les Amours d’Anaïs est une première œuvre très prometteuse, doublée d’un hommage à l’un des astres du cinéma français hexagonal contemporain.
ON L’APPELLE CATASTROPHE réalisé par Richard Balducci, disponible en DVD depuis le 21 août 2016 chez LCJ Editions & Productions.
Acteurs : Michel Leeb, Michel Galabru, Darry Cowl, Carol Lixon, Ibrahim Seck, Pierre Doris, Billy Kearns…
Scénario : Richard Balducci
Photographie : Marcel Combes
Musique : Cécil Maury
Durée : 1h20
Date de sortie initiale : 1983
LE FILM
Alors qu’il pensait passer une soirée paisible en compagnie de sa fiancée, Antoine Malibran se retrouve malgré lui mis en cause dans un hold-up, et atterrit en prison. Sans le vouloir, il parvient à s’évader. Lorsqu’il retourne dans sa cellule de son propre gré, il fait l’étonnement des gardiens et des autres détenus.
Attention nanar ! Et celui-là il est beau hein ! Réalisation, Richard Balducci. Scénario, Richard Balducci. Dialogues, Richard Balducci. Cela devrait déjà suffire pour attirer votre curiosité et si ce n’est pas le cas, relisez la chronique de N’oublie pas ton père au vestiaire. Alors, quand on sait qu’On l’appelle Catastrophe est interprété par un Michel Leeb, 35 ans ici, livré à lui-même, on fonce tête baissée ou on met le nez dedans immédiatement plutôt. Navrant du début à la fin, donc forcément jubilatoire, mais pas comme le metteur en scène l’attendait, On l’appelle Catastrophe est pour ainsi dire un « véhicule de star » pour son acteur principal, dans le sens où celui-ci n’avait pas encore une grande renommée, puisqu’il ne fera son premier Olympia qu’un an après le film de Richard Balducci. Au moment où ce dernier sort sur les écrans, l’humoriste commence à se produire dans quelques émissions de télévision, où son sketch de l’Africain cartonne. 1983 est comme qui dirait une année matricielle dans la carrière de Michel Leeb, qui avait fait sa première apparition au cinéma dans Godefinger ou certaines chattes n’aiment pas le mou de Jean-Pierre Fougéa (ça ne s’invente pas), et revoir cette comédie quarante ans après sa sortie en dit long sur l’évolution de l’humour au fil des décennies, mais aussi et surtout sur celle des mœurs, car il est évident qu’un film comme On l’appelle Catastrophe compile TOUT ce que l’on ne pourrait plus faire aujourd’hui. Quant à savoir si c’est tant mieux ou dommage, cela serait sans doute trop long à étayer. Toujours est-il qu’on ne peut pas s’empêcher de sourire devant ce spectacle absolument consternant, piteusement emballé, mais ô combien rafraîchissant car complètement régressif.
Antoine Malibran, un jeune projectionniste trop influencé par les héros des films qu’il projette, se trouve entraîné, malgré lui, dans une suite d’aventures rocambolesques, à la suite d’une banale confusion de voiture. Il se trouve impliqué dans l’attaque à main armée de la banque de la Seine. Antoine ne faisait qu’attendre sa petite amie Carole, caissière de la banque, mais les apparences sont contre lui et il est mis en prison avant même d’avoir compris pourquoi. Coincé entre les quatre murs de sa cellule, il en sort, sans le vouloir, en s’endormant dans la voiture du directeur. Réintégrant sagement la prison par honnêteté, il en devient « le caïd ». Plus tard, grâce à un coup d’Etat, il se retrouve Conseiller Principal d’un nouveau Président africain, et son ambassadeur en France. Non sans avoir, sur le chemin du retour, maîtrisé un terroriste tentant vainement de détourner son avion.
Ah ça oui il se donne à fond Michel Leeb dans On l’appelle Catastrophe, probablement conscient de la chance qui lui est donnée de laisser libre cours à sa fantaisie, à ses grimaces et à ses imitations ! Tout y passe, Jean-Paul Belmondo, Jean Gabin, Jean-Pierre Marielle et même E.T. ! Mais la cerise sur le gâteau demeure évidemment sa rapide caricature du chinois (attention, grosse blague sur l’efficacité d’un tailleur asiatique) et surtout de l’Africain, puisque le dernier acte, qui se déroule au Gabon, amène le personnage principal aux côtés d’un dictateur frappadingue (pléonasme) génialement interprété par Ibrahim Seck (le domestique de Louis de Funès dans Le Tatoué), auprès duquel Antoine va se laisser imprégner par ce pays, ses couleurs locales et bien sûr son accent. Devenu le conseilleur du dictateur, Antoine va s’adresser aux responsables politiques, tout d’abord sobrement, avant de rouler des yeux, de montrer les dents et de rrrrouler les r. C’est là que la machine s’emballe, on ne sait pas s’il s’agit d’improvisation (mauvaise si c’est le cas) ou d’une scène réellement écrite (et très mauvaise cette fois encore), mais il faut le (re)voir pour le croire.
Des exemples comme celui-ci il y en a à la pelle dans On l’appelle Catastrophe, comme lorsqu’à deux reprises Antoine, essayant de se défendre déclare à ses adversaires « Je suis blanc comme neige ! », un homme noir apparaît derrière un poteau en déclamant (avec l’accent bien sûr) « Comment ? ». On peut ajouter à cela un casting de tronches avec Darry Cowl en juge d’instruction qui bégaye, comme c’est original, Michel Galabru qui vient toucher son chèque en directeur de la banque, Daniel Darnault qui se prend pour Louis de Funès, Pierre Doris en marchand d’armes, Guy Delorme, Ticky Holgado, Dominique Zardi…sans oublier la mignonne Carole Lixon, vue dans Le Cavaleur de Philippe de Broca, ici dans son avant-dernière apparition au cinéma, ainsi que quelques plans boobs bien gratos et les apparitions de Françoise Blanchard (muse de Jean Rollin et Bruno Mattei) et Alexandra Delli Colli (L’Éventreur de New York, Mieux vaut être riche et bien portant que fauché et mal foutu).
« Comment ??? »
Bref, un Expendables de la comédie franchouillarde, dans laquelle Michel Leeb écarquille les yeux à outrance, incapable d’aligner une ligne de dialogues sans bafouiller, qui promène son absence de charisme en laissant ses camarades faire les débiles autour de lui quand il n’est pas en train de se prendre pour un personnage de cartoon comme le fera Michel Courtemanche dans La Ballade de Titus de Vincent De Brus. Si l’on ajoute aussi la laideur des décors et de la photographie de Marcel Combes (N’oublie pas ton père au vestiaire, La Nuit de la mort et…Le Deuxième souffle de Jean-Pierre Melville), la musique pouet-pouet de Cécil Maury qui nous met les tympans en sang, c’est trop de bonheur.
LE DVD
On l’appelle Catastrophe avait déjà bénéficié d’une édition DVD en 2006 chez Antartic, où le film était couplé avec celui d’Yvan Chiffre, Le Fou du Roi, aussi interprété par Michel Leeb. Première édition « single » donc pour ce grand nanar, désormais disponible chez LCJ Editions. La jaquette reprend le visuel de l’affiche d’exploitation. Le menu principal est fixe et musical.
Aucun supplément.
L’Image et le son
Sans surprise, On l’appelle Catastrophe est présenté au format 4/3. La copie est stable, mais les couleurs sont ternes, le piqué émoussé, la gestion des contrastes complètement aléatoire. Certaines poussières demeurent, c’est un peu mieux dans la dernière partie africaine aux teintes plus chatoyantes. Dans l’ensemble et d’après nos souvenirs, l’image est conforme à celle que l’on voyait lors des diffusions à la télévision.
Un mixage Stéréo sans esbroufe, propre, aux dialogues nets. Pas de sous-titres français destinés aux spectateurs sourds et malentendants.
LES INTRANQUILLES réalisé par Joachim Lafosse, disponible en DVD le 1er février 2022 chez Blaq Out.
Acteurs : Leïla Bekhti, Damien Bonnard, Gabriel Merz Chammah, Patrick Descamps, Jules Waringo, Alexandre Gavras, Joël Delsaut, Colette Kieffer…
Scénario : Juliette Goudot, Anne-Lise Morin, François Pirot, Chloé Léonil, Pablo Guarise, Lou Du Pontavic
Photographie : Jean-François Hensgens
Musique : Olafur Arnalds & Antoine Bodson
Durée : 1h54
Année de sortie : 2021
LE FILM
Leila et Damien s’aiment profondément. Malgré sa fragilité, il tente de poursuivre sa vie avec elle sachant qu’il ne pourra peut-être jamais lui offrir ce qu’elle désire.
Joachim Lafosse fait partie de ces réalisateurs dont chaque film est souvent une expérience douloureuse. Ce qui donne le rythme, le moteur pour ainsi dire de ses histoires, ce sont chaque fois ses personnages, de chair et de sang, animés par l’amour passionnel, aussi bien entre deux êtres que des parents envers leur progéniture, mais où le cocon peut être menacé par un climat affectif irrespirable. Dans Les Intranquilles, son neuvième long-métrage, le cinéaste se focalise sur un couple et leur petit garçon, à un carrefour de leur vie familiale. Contrairement à A perdre la raison, qui conduisait insidieusement les protagonistes vers une issue tragique, mais à l’instar L’Économie du couple, ceux-ci vont vivre le moment le plus difficile de leur existence, pour – peut-être – aller vers l’apaisement, l’inéluctable et l’acceptation. De la première à la dernière image, le Joachim Lafosse happe le spectateur, le prend à la gorge au moment où il s’y attend le moins et resserre son étreinte au fur et à mesure. Récit tragi-comique (les agissements dingues du Damien peuvent faire sourire autant que flipper) sur l’amour parasité par la maladie (ici la bipolarité), entraînant comme un lien pervers, des dysfonctionnements familiaux bien sûr, la question des limites (la femme est ici épuisée et apeurée), thèmes déjà explorés dans Nue propriété, A perdre la raison, ainsi que dans son magnifique moyen-métrage Folie privée (2004), Les Intranquilles cherche à faire partager aux spectateurs la vie de personnages complexes. Ceux-ci sont magistralement incarnés par le duo vedette, Damien Bonnard et Leïla Bekhti, qui devaient alors remplacer Matthias Schoenaerts et Jasmine Trinca. Avec sa mise en scène au cordeau, ses personnages filmés à hauteur d’homme sans fioritures, Joachim Lafosse suscite l’émotion et la réflexion pendant près de deux heures. On en ressort épuisés et bouleversés. Un des plus grands cinéastes de sa génération.
LES FANTASMES réalisé par David & Stéphane Foenkinos, disponible en DVD le 18 décembre 2021 chez Gaumont.
Acteurs : Ramzy Bédia, Nicolas Bedos, Monica Bellucci, Carole Bouquet, Suzanne Clément, Joséphine Japy, William Lebghil, Joséphine de Meaux, Denis Podalydès, Jean-Paul Rouve, Céline Sallette, Alice Taglioni, Karin Viard…
Scénario : David & Stéphane Foenkinos
Photographie : Alexis Kavyrchine
Durée : 1h38
Date de sortie initiale : 2021
LE FILM
Face à leurs fantasmes, six couples tentent d’explorer les faces cachées de leur vie intime. Six questionnements sur l’accès au plaisir. Du jeu de rôle à l’abstinence, en passant par l’exhibition, six histoires séparées avec au centre le même questionnement sur le désir aujourd’hui. Le sien mais aussi celui de l’autre…
Avec Les Fantasmes, on dirait que les frères Foenkinos, Stéphane et David, aient décidé de s’octroyer une petite récréation après leurs deux précédents et par ailleurs excellents longs-métrages, La Délicatesse (adapté d’un roman du second), sorti il y a déjà plus de dix ans, et Jalouse(2017), qui avaient rencontré un succès bien mérité. Il s’agit ni plus ni moins du remake d’un film australien sorti en 2014, The Little Death, rebaptisé chez nous If You Love Me… de Josh Lawson (acteur vu Moi, député, Mortal Kombat), passé à la sauce béchamel. Les Foenkinos reprennent ici la structure du film à sketches, certains jugés « sensibles » ayant été écartés (une femme qui rêve de se faire violer par son mari, un homme qui drogue son épouse pour pouvoir se rapprocher d’elle en secret la nuit entre autres), d’autres ayant été créés à cette occasion. En l’état, les six parties sont plus ou moins égales, ce qui est finalement rare dans le genre. Si l’issue de chaque partie se devine assez rapidement, Les Fantasmes est une comédie plutôt sympathique, bien équilibrée, souvent teintée d’un humour noir inhabituel dans le cinéma français, tandis que les comédiens ont l’air de bien s’amuser.
Scénario : Naomi Kawase & Izumi Takahashi, d’après le roman Mizuki Tsujimura
Photographie : Yûta Tsukinaga
Musique : Akira Kosemura & An Ton That
Durée : 2h14
Année de sortie : 2020
LE FILM
Satoko et son mari sont liés pour toujours à Hikari, la jeune fille de 14 ans qui a donné naissance à Asato, leur fils adoptif. Aujourd’hui, Asato a 6 ans et la famille vit heureuse à Tokyo. Mais Hikari souhaite reprendre le contact avec la famille, elle va alors provoquer une rencontre…
Autant le dire immédiatement, True Mothers est l’un des plus beaux films de l’année 2021. Quand on demande aux cinéphiles spécialisés dans le cinéma asiatique contemporain de citer un ou une cinéaste japonais(e) important(e), ceux-ci vous répondront d’emblée Naomi Kawase. Réalisatrice et scénariste née en 1969, celle-ci se fait tout d’abord remarquer avec ses documentaires autobiographiques au début des années 1990 (Dans ses bras / Étreinte, White Moon). Puis, son premier long-métrage de fiction, Suzaku (1997), est récompensé par la Caméra d’or au Festival de Cannes. C’est le début d’une grande histoire d’amour avec la Croisette, où elle obtiendra également le Grand prix du jury pour La Forêt de Mogari en 2007 et le prix du jury œcuménique pour Vers la lumière en 2017, où elle a aussi été en compétition officielle à cinq reprises à ce jour depuis Shara en 2003. Avec son dernier opus en date, True Mothers, Naomi Kawase se penche – comme son titre l’indique – sur le thème de la maternité et sur celui de l’adoption. Un sujet personnel, puisque la cinéaste avait été abandonnée par ses parents, puis élevée par ses grands-parents, ceux-ci ayant d’ailleurs inspiré plusieurs documentaires, jusqu’à Naissance et Maternité en 2006. True Mothers rappelle beaucoup La Voleuse de Jean Chapot (1966), dans lequel Romy Schneider incarnait une jeune femme, qui avouait à son époux avoir eu un enfant à dix-neuf ans, avant de l’abandonner à un couple stérile, et qui se mettait en tête six ans plus tard de nouer des liens avec le petit garçon, puis de le « récupérer », pour la plus grande douleur de son père nourricier. Avec ce drame psychologique magnifiquement réalisé, Naomi Kawase revient à la source de son cinéma, mais aussi à celle de la vie, souvent représentée par l’omniprésence d’une eau, vitale, qui entoure les personnages comme un liquide amniotique, qui berce, qui reflète les états d’âme, qui apaise, tout comme cette couleur bleue, où le ciel et la mer se (con)fondent comme un éden terrestre. Et c’est sublime.
