Test Blu-ray / First Kill, réalisé par Steven C. Miller

FIRST KILL réalisé par Steven C. Miller, disponible en DVD et Blu-ray le 4 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  Bruce Willis, Hayden Christensen, Ty Shelton, Megan Leonard, Gethin Anthony, William DeMeo…

Scénario : Nick Gordon

Photographie : Brandon Cox

Musique : Ryan Franks, Scott Nickoley

Durée : 1h42

Année de sortie : 2017

LE FILM

Will et son fils Danny sont les témoins d’un règlement de comptes. Après avoir été forcé d’aider l’un des braqueurs, Will assiste impuissant à l’enlèvement de son fils. Pour espérer revoir ce dernier vivant, il va devoir coopérer avec les gangsters… à l’insu d’Howell, le chef de la police, qui mène l’enquête.

Décidément, on ne lâche plus le réalisateur Steven C. Miller. Alors que son nous venions de chroniquer le mauvais Evasion 2 : Le Labyrinthe d’Hadès avec Sylvester Stallone, le bougre annonçait déjà son retour avec un nouveau DTV, First Kill. Ce thriller est la troisième collaboration du metteur en scène avec Bruce Willis. Trois DTV en trois ans ! Ainsi donc, après Extraction et Marauders, débarque First Kill, dans lequel le comédien joue une fois de plus de sa moue boudeuse et de son regard de Droopy fatigué. Toutefois, le premier rôle échoue à l’ancien Anakin Skywalker (ne riez pas) Hayden Christensen, à qui la maturité sied bien. Nettement moins endive qu’à ses débuts, l’acteur de 37 ans fait preuve d’une crédibilité qu’on ne lui connaissait guère. Mais malgré toute la bonne volonté du monde, First Kill est un film raté. On ne croit pas une seconde à cette histoire, par ailleurs mal fagotée, bourrée de clichés, sans véritable rythme, même si l’on pourra apprécier les quelques hommages rendus au chef d’oeuvre de Clint Eastwood, Un monde parfait.

Hayden Christensen incarne Will, courtier à Wall Street, sa compagne Laura (Megan Leonard, zéro charisme, transparente) et leur fils Danny (Ty Shelton, qui s’en sort bien mieux que le reste du casting) passent quelques jours dans une maison de campagne, où il a vécu une partie de son enfance. Le jeune père souhaite en profiter pour recréer un lien avec son enfant au cours d’une partie de chasse. Mais les choses tournent mal quand les garçons sont les témoins d’une tentative de meurtre. Will décide de porter secours à l’homme blessé, sans savoir qu’il s’agit d’un dangereux braqueur. Une fois soigné, celui-ci – un dénommé Levi (Gethin Anthony, très bon) – enlève Danny et demande à Will de l’aider à mettre la main sur son butin.

Rien de bien original donc, et l’on a souvent beaucoup de mal à excuser toutes les fautes de (très) mauvais goût, notamment tout ce qui concerne ce rituel du passage à l’âge adulte à travers la chasse. Cette fascination pour les armes à feu est d’ailleurs très gênante, comme si un gamin américain ne pouvait pas devenir responsable et grandir normalement sans avoir fait ses preuves à la gâchette. Mais bon, passons…après il faut voir First Kill pour ce qu’il est. Une série B techniquement soignée, du moins autant que faire se peut (Les séquences tournées à l’aide d’un drone frôlent l’amateurisme), par un réalisateur abonné aux productions médiocres portées par quelques anciennes stars du box-office. Bruce Willis, Nicolas Cage, Sylvester Stallone, John Cusack, sont ainsi passés devant la caméra de Steven C. Miller. Mais celui qui s’en sort le mieux ici est incontestablement Gethin Anthony, Renly Baratheon de Game of Thrones et le Charles Manson de la série Aquarius. Si son rôle rappelle bien évidemment celui de Kevin Costner dans A Perfect World, le comédien tire son épingle du jeu et s’impose avec une belle sensibilité et un charisme qui écrase celui de ses partenaires. L’ami Bruce sort un peu de sa zone de confort, même si tout ce qui concerne son personnage est finalement sans surprise.

First Kill est un petit thriller honnête, pas détestable, divertissant, que l’on peut mettre en fond tout en faisant quelque chose d’autre et sans jamais perdre le fil.

LE FILM

Quelques semaines après Acts of Violence, le nouveau DTV de Bruce Willis déboule en DVD et Blu-ray dans les bacs. Le visuel de la jaquette fait évidemment la part belle à celui qui fût John McClane il y a très longtemps, ce qui attirera sûrement le chaland. Le menu principal est fixe et musical.

Aucun supplément.

L’Image et le son

« Bien, mais pas top » comme la mention du Commissaire Bialès lors de son entrée à l’école de police de Nice dans La Cité de la peur. Ce master HD de First Kill assure au niveau des gros plans, comme le crâne luisant de Bruce Willis, mais l’image saccade souvent et nous constatons également divers moirages. Même chose au niveau de la colorimétrie avec des teintes vertes qui bavent et qui ne flattent guère les mirettes. Sinon le piqué est à l’avenant, la clarté de mise et toutes les scènes tournées en forêt possèdent un relief évident.

Les mixages français et anglais DTS-HD Master Audio 5.1 créent un espace d’écoute suffisamment plaisant en faisant la part belle à la musique. Quelques ambiances naturelles (la pluie) et déflagrations percent les enceintes latérales sans se forcer mais avec une efficacité chronique, tandis que le caisson de basses distille ses effets avec ardeur comme lors de la poursuite. Les sous-titres français sont imposés sur la version originale et le changement de langue s’effectue via le menu contextuel.

Crédits images : ©GEORGIA FILM FUND 49, LLC / Studiocanal /  Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Bagdad Café, réalisé par Percy Adlon

BAGDAD CAFÉ (Out of Rosenheim) réalisé par Percy Adlon, disponible en Blu-ray – Edition “30ème anniversaire – Version restaurée” le 17 juillet 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Marianne Sägebrecht, CCH Pounder, Jack Palance, Christine Kaufmann, Monica Calhoun, Darron Flagg…

Scénario : Eleonore Adlon, Percy Adlon, Christopher Doherty

Photographie : Bernd Heinl

Musique : Bob Telson

Durée : 1h49

Année de sortie : 1987

LE FILM

Suite à une dispute avec son mari, Jasmin, une femme d’origine bavaroise, atterri dans un petit hôtel miteux situé entre Las Vegas et DisneyLand : le Bagdad Café. L’endroit, dirigée par Brenda, une jeune femme bruyante et revêche, est un repère de routiers et de personnages fantasques. C’est dans ces conditions que va naître une amitié hors du commun entre Jasmin et Brenda, deux personnalités pourtant diamétralement opposées…

C’est l’histoire d’un petit film débarqué de nulle part, distribué sans trop y croire, rapidement devenu un véritable phénomène mondial. Bagdad Café titre international d’Out of Ronseheim, aura entre autres attiré près de 2,5 millions de spectateurs en France à sa sortie en avril 1988, devenant le huitième plus grand succès de l’année, entre Crocodile Dundee II et Liaison fatale. Comme une réaction chimique, les ingrédients ont formé un précipité d’émotions, d’humour et de tendresse qui a conquis le monde entier. Aujourd’hui encore, Bagdad Café reste un véritable miracle cinématographique, une œuvre unique, intemporelle, universelle, quasiment inclassable, tandis que résonne encore et toujours la sublime chanson Calling You avec la voix aérienne de Jevetta Steele, qui a également largement contribué au triomphe ainsi qu’à la postérité du film de Percy Adlon.

Jasmine Münchgstettner, une touriste allemande de la ville de Munich, quitte son mari et échoue en plein désert avec, pour tout bagage, la valise de son époux contenant la garde-robe très bavaroise de celui-ci et un jeu de magie. Elle atterrit au Bagdad Café, un motel poussiéreux, situé non loin de Las Vegas et longeant la célèbre Route 66. Le Bagdad Café est géré par Brenda, une femme épuisée et excédée, qui élève ses enfants, dont un fan de Bach, une ado fantasque et un petit-fils, sans pouvoir compter sur son fainéant de mari qui l’a quittée. Le café est le refuge de gentils marginaux : un serveur amérindien lymphatique, un ancien peintre décorateur d’Hollywood, une tatoueuse misanthrope ainsi qu’un campeur lanceur de boomerang. Jasmine bouleverse la vie de cette petite communauté et ramène la clientèle de routiers qui désertaient ce trou sinistre, grâce à un grand coup de ménage tout germanique et à ses talents de prestidigitatrice. Chacun, y compris Jasmine, voit sa vie transformée, notamment Brenda, qui trouve une amie et sourit à nouveau.

Bagdad Café est comme qui dirait le chaînon manquant entre le cinéma de Rainer Werner Fassbinder et celui David Lynch. Percy Adlon dresse le portrait des laissés pour comptes et des oubliés du célèbre « Rêve Américain ». En adoptant le point de vue d’une étrangère, magnifiquement campée par la comédienne bavaroise et très fellinienne Marianne Sägebrecht (Zuckerbaby, La Guerre des Rose), le réalisateur signe un film hors du temps, comme suspendu, et nimbe ce repère de paumés d’une couleur dorée hypnotique, comme si le soleil venait constamment caresser les personnages qui squattent le motel pourtant cradingue de Brenda, interprétée par l’incroyable CCH Pounder. Comme une peinture de Salvador Dalí, inspiration du chef opérateur Bernd Heinl pour ce qui est de l’utilisation des filtres jaunes, mais aussi d’Edward Hopper en ce qui concerne les décors, on pense d’ailleurs à son œuvre Gas, Bagdad Café révèle les sentiments enfouis de ses personnages solitaires. Chacun se dévoile progressivement, la confiance s’installe, la peur de l’autre fait place à l’amitié la plus intense et la plus intime.

Jasmine et Brenda, mais aussi Rudy le baba-cool (sublime Jack Palance), Debbie la tatoueuse excentrique et les autres portent leurs « bagages » avec eux, une histoire personnelle qui les a conduit dans cet endroit reculé du monde, au milieu de nulle part. Il ne leur manquait qu’un soupçon de magie pour que l’étincelle de la vie renaisse chez chacun, qu’ils voient la beauté de ceux qui les entourent. Avec sa sensibilité européenne et à l’instar de son compatriote Wim Wenders, Percy Adlon parvient à rendre hommage au visage caché de l’Amérique, l’une de ses richesses, le melting-pot. Au-delà de l’apparente rudesse, se cache en fait une infinie douceur, une plénitude, la joie d’être ensemble, de profiter de l’instant présent, de donner et de partager du plaisir et de l’amour même avec ceux qui ne sont que de passage sur cette Route 66. Ou quand les âmes égarées finissent par se reconnaître entre elles.

Bagdad Café est un film d’illusionniste qui procure un immense bien-être et auquel on revient sans cesse. En un mot, un chef d’oeuvre, justement récompensé par le César du meilleur film étranger en 1989.

LE BLU-RAY

Bagdad Café avait déjà bénéficié d’une sortie en Haute-Définition dite « Version longue – Director’s Cut » en 2009. En 2018, l’édition 30ème anniversaire – Version restaurée arrive dans les bacs ! Le disque repose dans un boîtier slim Digipack, reprenant un visuel colorié de la célèbre affiche du film. Le menu principal est fixe et musical. Il s’agit bien entendu du même montage que celui proposé en 2009 et qui contient donc forcément des passages non doublés en français, qui passent directement en version originale sous-titrée.

Cette édition comprend un commentaire audio de Percy Adlon et Marianne Sägebrecht. Les deux collaborateurs et surtout amis s’expriment en allemand (sous-titré en français) et reviennent sur tous les aspects de Bagdad Café, évidemment le film qui aura marqué le plus leur carrière. Bourré d’anecdotes, ce commentaire audio se suit avec un très grand plaisir, même si les deux intervenants peuvent parfois tomber dans l’autosatisfaction. Mais on ne leur en veut pas.

S’ensuit un reportage fort sympathique (24’) où le réalisateur, accompagné de son épouse (et coscénariste) et de leurs petites-filles, reviennent sur les lieux de tournage, quelques semaines avant la présentation du film au Festival de Cannes en séance Cannes Classics. Quelques vestiges demeurent, tandis que Percy Adlon partage quelques souvenirs liés aux prises de vues.

Plus anecdotique, un montage d’une vingtaine de minutes compile quelques images et photos du film, tandis que la voix de Percy Adlon résume l’intégralité de l’intrigue de Bagdad Café.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Bagdad Café refait surface à travers un tout nouveau master 4K ! Et le moins que l’on puisse dire, c’est que cette nouvelle copie comblera les très nombreux amateurs du film de Percy Adlon. La luminosité est éloquente, ainsi que la nouvelle tenue des contrastes, le grain argentique est sublime, tandis que l’usage des filtres colorés n’a jamais été aussi étincelant. Les gros plans regorgent de détails à l’instar de l’éclat des yeux de Marianne Sägebrecht et l’on parvient même à discerner les quelques trucs des tours de magie à la fin du film. Ce Blu-ray 30ème anniversaire est élégant, sans cesse flatteur pour les mirettes, un travail de haute qualité.

Bagdad Café est disponible en version originale et française DTS-HD Master Audio Stéréo. Même si la première est évidemment à privilégier, les deux pistes instaurent un confort acoustique plaisant avec une délivrance affûtée des dialogues, des effets annexes convaincants et surtout une belle restitution de la musique culte. Les deux options acoustiques sont propres et sans souffle. L’éditeur joint également une piste allemande. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © PELEMELE 1987 / Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Le Jour de mon retour, réalisé par James Marsh

LE JOUR DE MON RETOUR (The Mercy) réalisé par James Marsh, disponible en DVD le10 juillet 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Colin Firth, Rachel Weisz, David Thewlis, Ken Stott, Jonathan Bailey, Adrian Schiller, Oliver Maltman, Kit Connor…

Scénario : Scott Z. Burns

Photographie : Eric Gautier

Musique : Jóhann Jóhannsson

Durée : 1h38

Année de sortie : 2018

LE FILM

1968. Donald Crowhurst, un homme d’affaires anglais, passionné par la voile, est au bord de la faillite. Pour sauver son entreprise et vivre l’aventure dont il rêve depuis toujours, il décide de participer à la première course à la voile en solitaire pour remporter le grand prix. Soutenu par sa femme et ses enfants, il se lance alors dans cette incroyable odyssée à travers les mers du monde. Mais mal préparé et face à lui-même, Crowhurst rencontre très vite de graves difficultés…

Il y a des films qui tiennent essentiellement sur leurs têtes d’affiche. La plupart peut-être. Le Jour de mon retour The Mercy fait partie du lot. Bien que cette histoire vraie ne manque pas d’intérêt, le traitement académique finit par lasser et si le spectateur parvient à aller jusqu’au bout, c’est uniquement en raison du talent et du charisme de ses interprètes. Et dans Le Jour de mon retour nous sommes gâtés puisque le film de James Marsh réunit deux des plus grands comédiens britanniques, Colin Firth et Rachel Weisz. Le réalisateur qui compte à son actif de très grandes réussites comme le documentaire Le Funambule (2008) sur le célèbre Philippe Petit et sa traversée sur un fil tendu entre les deux tours du World Trade Center, l’exceptionnel Shadow Dancer (2012) avec Clive Owen, ou bien encore Une merveilleuse histoire du temps avec Eddie Redmayne oscarisé pour son incarnation de Stephen Hawking, peine à capter l’attention et signe une œuvre souvent redondante, même si le récit reste bouleversant.

Le Jour de mon retour se penche sur le destin de Donald Crowhurst, qui a déjà inspiré d’autres films et documentaire (Deep Water, de Louise Osmond et Jerry Rothwell, sorti en 2006) dès 1982 avec Les Quarantièmes rugissants de Christian de Chalonge avec Jacques Perrin dans le rôle principal. Déjà producteur à l’époque et en dépit de l’échec du film, ce dernier est à nouveau producteur sur Le Jour de mon retour. Ecrit par Scott Z. Burns (La Vengeance dans la peau, The Informant !, Effets secondaires), le film de James Marsh propose une réelle transposition au cinéma des derniers jours de Donald Crowhurst (1932-1969), homme d’affaires anglais, inventeur d’un radiocompas, passionné de voile en navigateur amateur, porté disparu durant la course autour du monde Sunday Times Golden Globe Race. En 1968, bien que n’ayant jamais pris la mer, il décide de laisser femme et enfants pour participer à cette épreuve en solitaire et sans escale afin de gagner le prix offert par le journal organisateur, 5000 livres sterling, pour sauver son entreprise en difficulté. Quelques semaines après son départ, Donald Crowhurst, enchaîne les incidents techniques. Il abandonne secrètement la course tout en falsifiant son livre de bord et en transmettant par radio de fausses positions pour faire croire qu’il effectue réellement le tour du monde prévu. Ne pouvant s’imaginer rentrant au pays en ayant perdu son pari, ce qui le conduirait à la ruine, il sombre petit à petit dans la démence.

Le problème du Jour de mon retour est la mise en scène académique de James Marsh, que l’on a connu nettement plus inspiré. Si l’on comprend très vite ce qui a pu l’attirer dans ce projet, à savoir la détermination d’un homme qui entreprend de réaliser le rêve de sa vie envers et contre tous, tout en étant prêt à mettre sa vie en jeu, le récit fait malheureusement du surplace. Le cinéaste se retrouve piégé dès que son personnage principal se retrouve seul en mer à bord de son trimaran en bois de 12m, le Teignmouth Electron. Si l’utilisation des flashbacks tente de faire diversion, l’émotion a du mal à prendre. Colin Firth assure évidemment du début à la fin avec l’élégance qui le caractérise. Rachel Weisz, toujours aussi resplendissante, n’a pas grand-chose à défendre, mais le fait bien et avec une immense sensibilité.

Evidemment, cette histoire vraie, bien documentée et reconstituée ne laisse pas indifférent. C’est seulement que ce drame est bien trop sage et scolaire pour réellement convaincre et emporter pleinement l’adhésion.

LE DVD

Le Jour de mon retour n’est disponible qu’en DVD chez Studiocanal. Le test a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

L’éditeur n’avait visiblement pas beaucoup d’éléments à disposition puisque seul un making of de 4 minutes (en fait divisé en deux featurettes) est proposé comme bonus. L’occasion pour l’équipe de revenir brièvement sur l’histoire et les personnages.

L’Image et le son

Ce master restitue habilement l’omniprésence des gammes bleues avec l’horizon, les costumes, les éléments du décor. Les contrastes sont légers mais très beaux, le cadre large est superbe. Si quelques baisses de la définition demeurent constatables, le piqué reste très appréciable sur les scènes diurnes, les détails sont agréables, la clarté est de mise. Un transfert très élégant.

Deux pistes Dolby Digital 5.1 qui parviennent à embarquer le spectateur à bord du trimaran. Les ambiances naturelles ne manquent pas, surtout lors des tempêtes rencontrées par Donald Crowhurst où le caisson de basses s’anime également. Les voix sont solidement plantées sur la centrale, surtout en version originale, et la spatialisation musicale est systématique. Les sous-titres français sont imposés en anglais. Une piste Audiodescription est également proposée, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Le Retour du héros, réalisé par Laurent Tirard

LE RETOUR DU HÉROS réalisé par Laurent Tirard, disponible en DVD et Blu-ray le 19 juin 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Jean Dujardin, Mélanie Laurent, Noémie Merlant, Féodor Atkine, Evelyne Buyle, Christian Bujeau, Fabienne Galula, Laurent Bateau…

Scénario : Laurent Tirard; Grégoire Vigneron

Photographie : Guillaume Schiffman

Musique : Mathieu Lamboley

Durée : 1h30

Année de sortie : 2018

LE FILM

1809 en France.Le capitaine Neuville, grand séducteur, vient demander sa main à la jeune Pauline, sous le regard méfiant d’Elisabeth, la soeur de cette dernière. Mais Neuville est appelé au front et Pauline reste sans nouvelles. Alors qu’elle dépérit peu à peu, Elisabeth prend la plume et commence une correspondance avec Pauline, sous le nom de Neuville, faisant de lui un véritable héros de guerre.Mais le capitaine finit par réapparaître, au grand dam de la jeune femme…

Avant même la sortie du conceptuel (et peu réussi il faut bien le dire) Un homme à la hauteur, Jean Dujardin et Laurent Tirard avaient déjà décidé de remettre le couvert. Enchantés par leur expérience commune, l’acteur et le réalisateur jettent alors sur leur dévolu sur une nouvelle comédie, mais en costumes cette fois. Jean Dujardin a très souvent été comparé à son modèle Jean-Paul Belmondo. C’est encore une fois inévitable dans Le Retour du héros, qui lorgne sur Les Mariés de l’an II de Jean-Paul Rappeneau et sur L’Incorrigible de Philippe de Broca. Moustache brillante, l’oeil riant, le comédien revient en très grande forme et se délecte dans ce rôle (écrit pour lui) qui lui permet de laisser libre cours à sa fantaisie. On peut d’ailleurs dire la même chose pour Laurent Tirard qui après s’être égaré quelque peu avec Astérix et Obélix : Au service de sa Majesté (2012), Les Vacances du petit Nicolas (2014) et Un homme à la hauteur (2016), retrouve l’inspiration et la verve qui faisaient les très grandes réussites de ses deux premiers longs métrages Mensonges et trahisons et plus si affinités… (2004) et Molière (2007). Le Retour du héros est d’ailleurs très proche de ce dernier et prouve que le cinéaste est très à l’aise dans le genre en maniant l’humour et l’élégance quasi-anglo-saxons, tout en l’inscrivant dans un genre pourtant bien français, en évitant heureusement l’aspect franchouillard et vaudeville désuet. Preuve de la réussite de son dernier film, même Mélanie Laurent apparaît à l’aise, crédible, charismatique et drôle. C’est dire si le pari est réussi.

En 1809, pendant la période du Premier Empire. Le capitaine Charles-Grégoire Neuville, fringant hussard, demande la main de Pauline Beaugrand, une jeune fille de bonne famille habitant un château dans une petite ville de Bourgogne, et reçoit un accord enthousiaste des parents. Mais alors que tout le monde se réjouit, il reçoit soudain l’ordre de partir immédiatement au combat, l’offensive contre les Autrichiens a commencé. Sur le point de partir, il promet à Pauline de lui écrire une lettre tous les jours. Mais le séducteur se révèle bien oublieux. Des jours, des semaines, des mois durant, Pauline ne reçoit rien. Elle finit par en dépérir. Sa sœur Elisabeth, angoissée à son sujet, et seule de la famille à se méfier du capitaine, décide de prendre les choses en main. Elle écrit à Pauline une fausse lettre en se faisant passer pour Neuville. Cette lettre, très romantique, comble de joie Pauline et les parents. Pauline répond immédiatement à Neuville une nouvelle lettre, à laquelle Elisabeth se retrouve obligée de répondre à son tour. Une véritable correspondance est entamée. Cette correspondance a le plus grand succès auprès de Pauline, des parents, et même du château et de toute la ville. Elisabeth a une imagination débordante et un don pour l’écriture, et elle bâtit une véritable aventure épistolaire pleine de rebondissements. Mais la jeune femme commence à sentir qu’elle en fait trop. Elle décide de tout arrêter, et de faire mourir le héros. « Neuville » annonce sa mort certaine et envoie ses derniers vœux à Pauline, de la façon la plus héroïque et romantique qui soit. Pauline, éplorée, se résout à épouser un autre homme de sa connaissance, Nicolas. Le temps passe. Trois ans après ce dénouement, un événement bouleverse tout. Alors qu’Elisabeth est en ville, elle voit arriver le coche, et quelle n’est pas sa surprise de voir en sortir le capitaine Neuville, devenu un vagabond.

Sans égaler évidemment les plus grands modèles du genre, Le Retour du héros retrouve ce souffle propre aux films populaires français des années 1960 et 1970. La mise en scène de Laurent Tirard est très réussie, les décors superbes, le rythme enlevé et les acteurs semblent véritablement s’amuser à se donner la réplique, drôle, piquante et pleine d’esprit. Le Retour du héros est donc également celui du metteur en scène et de son comédien principal, que nous n’avions pas vu aussi à la fête depuis le second épisode d’OSS 117, c’était alors il y a près de dix ans. Fringant, dynamique, explosif, la maturité lui donnant plus d’épaisseur et de charme, Jean Dujardin trouve incontestablement ici l’un de ses meilleurs rôles à travers ce personnage lâche, fourbe, séducteur et sans scrupules. C’est également le cas pour sa partenaire Mélanie Laurent. Là où l’actrice faisait souvent rire malgré-elle dans le registre dramatique en en faisant toujours des caisses, elle se révèle être particulièrement à l’aise dans le registre de la comédie, comme elle l’était dans Dikkenek de Olivier Van Hoofstadt (2006) avant qu’elle ne reçoive le César du meilleur espoir pour Je vais bien, ne t’en fais pas de Philippe Lioret (2006).

Le couple vedette, d’ailleurs très bien accompagné de Noémie Merlant (révélation de Le Ciel attendra de Marie-Castille Mention-Schaar) fonctionne parfaitement et les voir se débattre comme chien et chat, même si l’on devine très vite quels sentiments se cachent derrière ces affrontements, fait entre autres la grande réussite du Retour du héros.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray du Retour du héros, disponible chez Studiocanal, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est lumineux, animé et musical.

Le premier module est un making of (13’). Le réalisateur et les comédiens abordent la genèse et les intentions du Retour du héros, à savoir le désir de renouer avec cette grande tradition du film français à costumes et la comédie d’aventures. De nombreuses images de tournage viennent illustrer tous ces propos souvent très intéressants et qui ne tombent pas trop dans l’autosatisfaction ou les compliments dithyrambiques.

Nous passons ensuite à un documentaire centré sur l’enregistrement de la musique du film (21’). Le compositeur Mathieu Lamboley, la mezzo-soprano Catherine Trottman et divers collaborateurs reviennent sur chaque étape de la création du thème principal du Retour du héros, sur leurs intentions, ainsi que sur leur association avec Laurent Tirard. Des images de diverses sessions d’enregistrement sont également disponibles.

L’interactivité se clôt sur un lot de scènes coupées (11’), plus ou moins réussies et retirées du montage pour des raisons de rythme ou en raison de leur redondance. Laurent Tirard commente également ces séquences et l’on regrette qu’il ne l’ait pas fait pour le film.

L’Image et le son

Studiocanal livre un master HD absolument parfait. Toutes les scènes se déroulant en extérieur impressionnent par leur rendu saisissant. Le piqué reste tranchant comme la lame d’un scalpel, les détails abondent sur le cadre large, la profondeur de champ est omniprésente, les contrastes sont denses et la colorimétrie chatoyante. L’encodage AVC consolide l’ensemble, la luminosité ravit constamment les yeux. Un très bel écrin pour l’élégante photo du prolifique chef opérateur Guillaume Schiffman.

Le spectacle est également assuré du point de vue acoustique grâce à un mixage DTS-HD Master Audio 5.1 qui exploite toutes les enceintes dans leurs moindres recoins. La balance frontale est saisissante, les effets nets et précis, les dialogues savamment délivrés sur le point central et les ambiances latérales constantes participent à l’immersion totale du spectateur. La musique bénéficie d’un traitement de faveur sans pour autant dénaturer l’intelligibilité des voix des comédiens. N’oublions pas le caisson de basses qui tire habilement son épingle du jeu à de multiples reprises, surtout durant l’assaut final. L’éditeur joint également une piste audiodescription ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Christophe Brachet – JD Prod – Les Films sur Mesure Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Brillantissime, réalisé par Michèle Laroque

BRILLANTISSIME réalisé par Michèle Laroque, disponible en DVD le 22 mai 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Michèle Laroque, Kad Merad, Françoise Fabian, Gérard Darmon, Rossy de Palma, Pascal Elbé, Oriane Deschamps, Michaël Youn…

Scénario : Michèle Laroque, Lionel Dutemple, Benjamin Morgaine d’après la pièce My Brilliant Divorce de Geraldine Aron

Photographie : Kika Ungaro

Musique : Alex Beaupain

Durée : 1h26

Année de sortie : 2018

LE FILM

Angela pense avoir une vie idéale. Elle vit à Nice, dans un bel appartement, avec un beau mari et une charmante ado. Mais le soir de Noël, sa fille la laisse pour rejoindre son petit copain, son mari la quitte et sa meilleure amie préfère prendre des somnifères plutôt que de passer la soirée avec elle. Le choc ! Angela n’a plus d’autre choix que celui de se reconstruire… et ce n’est pas simple avec une mère tyrannique, une meilleure amie hystérique et un psy aux méthodes expérimentales.

Depuis plus de trente ans, Michèle Laroque fait partie du panorama télévisuel et cinématographique français. Remarquée à la fin des années 1980 dans l’émission culte de Guy Lux, La Classe, elle y fait la rencontre déterminante de Muriel Robin et de Pierre Palmade. Très vite, les propositions s’enchaînent au cinéma et au théâtre. On la croise aussi bien chez Patrice Leconte (Le Mari de la coiffeuse, Tango), que chez Gérard Jugnot (Une époque formidable…), Coline Serreau (La Crise), Claude Sautet (Nelly et Monsieur Arnaud), Gabriel Aghion (Pédale douce) et Francis Veber (Le Placard). Si le registre dramatique l’a déjà attiré, comme dans Passage à l’acte de Francis Girod ou Ma vie en rose d’Alain Berliner, la comédie française n’a de cesse de la rappeler, tandis que la comédienne cartonne au théâtre. En 2009, elle met elle-même en scène et interprète seule la pièce Mon brillantissime divorce de Geraldine Aron, grand succès au Théâtre du Palais-Royal. Plus discrète sur les écrans dans les années 2010, Michèle Laroque revient avec Brillantissime, l’adaptation cinématographique de la pièce précédemment citée, pour laquelle est créditée en tant que réalisatrice, coscénariste et évidemment actrice principale.

Financée en partie grâce au lancement d’une campagne participative (400.000 euros récoltés), alors que l’argent était au préalable destiné pour un film évoquant le terrorisme (avant les événements qui ont frappé la France en janvier et novembre 2015, puis en juillet 2016), Brillantissime n’a malheureusement de clinquant que son titre et ne parvient jamais à s’élever au-dessus du tout-venant de la comédie française, malgré toute la sympathie que l’on peut avoir pour la comédienne.

Pour son premier film en tant que réalisatrice, Michèle Laroque a voulu inviter ses potes, Kad Merad, qui lui avait aussi offert le rôle principal dans son premier long métrage Monsieur Papa (2011), Gérard Darmon, Pascal Elbé, sa propre fille Oriane Deschamps, Michaël Youn et bien sûr Pierre Palmade dans une petite apparition. Tout ce beau petit monde est réuni sous le ciel bleu de Nice, où est née et a grandi Michèle Laroque. D’emblée une voix-off envahissante qui renvoie à la pièce originale alourdit le récit. Michèle Laroque se démène comme à son habitude, campe un personnage atta-chiante et montre par la même occasion qu’elle est encore très sexy, mais ses partenaires sont malheureusement à la traîne. Pas une réplique de Kad Merad ne tombe juste et sa prestation devient même particulièrement gênante. Tout tourne évidemment autour d’Angela, plongée dans la crise de la cinquantaine, dont le charme pétillant va momentanément s’éteindre suite au départ de son mari, mais qui va renaître petit à petit grâce au soutien de ses amis, de sa fille et de son psy.

Bon, hormis quelques fautes de très mauvais goût, comme celle de convier quatre membres de la malheureuse Bande à Fifi ou bien encore un enterrement avec une chanson de Bénabar en fond, Michèle Larque assure le show comme elle le peut, avec l’énergie qui la caractérise souvent. Mais tout cela ressemble quand même à un trip pour flatter son propre ego, jusque dans l’affiche, l’actrice (qui chante, qui danse, qui fait du sport) est partout, de tous les plans ou sa voix souligne les (rares) scènes dans lesquelles elle n’apparaît pas. Ce n’est pas que le résultat soit « déshonorant », c’est juste que ce téléfilm de luxe, mis en musique par Alex Beaupain au passage, ne parvient jamais vraiment à capter l’attention et peine surtout à faire sourire en raison d’une écriture vraiment trop pauvre qui s’apparente surtout à un enchaînement de sketches trop inégaux. Au suivant.

LE DVD

En dépit de son relatif succès dans les salles avec plus de 600.000 entrées, Brillantissime n’est disponible qu’en DVD chez Studiocanal. Le menu principal est fixe et musical.

Si vous êtes devenus allergiques à la chanson La Vie au ras du sol pendant le film, alors évitez les suppléments puisqu’elle est tout simplement partout, à l’exception des scènes coupées (7’). Ces « morceaux » de séquences plutôt, semblent avoir été laissés sur le banc de montage pour des questions de rythme. Nous retiendrons quand même une scène de méditation durant laquelle le personnage de Kad Merad essaye de se rincer l’oeil pendant qu’Angela essaye de se relaxer.

Trois versions différentes de la chanson signée Alex Beaupain et interprétée par Michèle Laroque et Oriane Deschamps sont ensuite proposées ! Un clip version pop (3’), un autre version acoustique (2’30) et un dernier version « Coprods » (3’30) qui compile les images des participants au crowdfunding.

Outre un bêtisier (5’) peu drôle, l’éditeur joint également un module réalisé dans le but de lancer la campagne participative (15’) durant laquelle Michèle Laroque se filme en compagnie de ses amis les stars de la chanson, du football…

L’Image et le son

Nous ne sommes pas en présence d’une édition HD mais le résultat est très appréciable et ce DVD de Brillantissime s’avère lumineux. Le piqué est acéré, les couleurs chatoyantes, le relief est indéniable et les contrastes affichent une belle densité. N’oublions pas la profondeur des noirs, l’aspect clinquant de l’ensemble et le rendu des matières qui demeure assez bluffant. Quelques baisses de la définition, mais rien d’important.

La spatialisation profite surtout à la bande originale du film. Les voix sont nerveuses sur la centrale, les ambiances naturelles ne manquent pas et l’ensemble demeure suffisamment dynamique. Le mixage stéréo se révèle également riche même si les effets latéraux manquent évidemment à l’appel. L’éditeur joint une piste Audiodescription ainsi que des sous-titres anglais et français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Céline Brachet / Nolita Cinéma / Studiocanal Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Acts of Violence, réalisé par Brett Donowho

ACTS OF VIOLENCE réalisé par Brett Donowho, disponible en DVD et Blu-ray le 24 avril 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Bruce Willis, Cole Hauser, Shawn Ashmore, Ashton Holmes, Melissa Bolona, Sean Brosnan, Sophia Bush, Mike Epps

Scénario : Nicolas Aaron Mezzanatto

Photographie : Edd Lukas

Musique : James T. Sale

Durée : 1h26

Année de sortie : 2018

LE FILM

Mia, la fiancée de Roman MacGregor est enlevée par des trafiquants d’êtres humains. Dès lors, Roman et ses frères Brandon et Deklan n’ont qu’une idée en tête : la retrouver saine et sauve. Ils sont aidés dans leur quête par Avery, le policier en charge de l’affaire. Derrière cet enlèvement se cache Maxwell Livingston, un businessman véreux qui, sous couvert de ses activités, développe un réseau de proxénétisme forcé. Le temps est compté. Réussiront-ils à sauver Mia ?

Au fait, il va comment Bruce Willis ? Parce-qu’en dehors de Death Wish, on ne peut pas dire qu’on l’ait vu beaucoup au cinéma ces dernières années ! Pourtant, à 63 ans, le comédien tourne – presque – autant qu’un Nicolas Cage et ses derniers films sont arrivés directement dans les bacs ou en VOD en France. En dehors d’un caméo dans Split (et pour cause) de M. Night Shyamalan et du remake d’Un justicier dans la ville d’Eli Roth susmentionné, sa dernière véritable apparition sur le grand écran remonte à Sin City : J’ai tué pour elle de Frank Miller et Robert Rodriguez. Depuis, Bruce Willis enchaîne les séries B et Z comme des perles sur un collier dans des œuvres aux titres inconnus, Sans compromis, Fire with Fire : Vengeance par le feu, The Prince, Vice, Extraction, Braqueurs, Precious Cargo, Marauders, First Kill, L.A. Rush, en affichant sur les visuels la même moue et les yeux plissés. Parfois, l’acteur semble se souvenir de son métier et qu’il peut être très bon – on croise les doigts pour Glass –  quand il s’en donne la peine. Mais ce n’est pas le cas pour Acts of Violence, dans lequel il ne fait d’ailleurs qu’une banale apparition.

Minuscule production, le film réalisé par un dénommé Brett Donowho, venu du film d’horreur, a été tourné en une quinzaine de jours. De son côté, l’ami Bruce aura emballé ses scènes en une seule journée. Vous voyez le genre. La morale du film est souvent douteuse, puisqu’on y célèbre d’anciens soldats médaillés et élevés en héros après avoir fait l’Afghanistan, qui n’hésitent pas à prendre la pétoire afin de faire justice eux-mêmes, dans le but de retrouver leur amie, petite sœur et fiancée. Quant à Bruce Willis, son apparition en pointillés ne trompe pas sur son aller-retour sur le plateau. En dehors d’une scène d’affrontement dans un entrepôt au début du film, le comédien ne fait rien le reste du temps. Il regarde (en s’endormant) un tableau sur lequel sont affichés les lieux de disparition de jeunes femmes (en gros toute la ville a été ratissée, bonjour les forces de l’ordre), il boit son mauvais alcool frelaté acheté au Proxy du coin de la rue, il engueule (en murmurant) les anciens soldats en leur disant que ce qu’ils font n’est pas correct (même s’il pense le contraire), puis le metteur en scène lui laisse le dernier mot de l’histoire. Autrement, Acts of Violence n’a absolument rien d’original et serait tombé dans le fond d’un catalogue s’il n’y avait pas la trogne de mister Willis mis au centre de la jaquette de ce DTV.

Les acteurs Ashton Holmes, Cole Hauser et Shawn Ashmore sont les véritables héros de cette (mauvaise) histoire. Patriotes, d’ailleurs ils semblent galvanisés par le score héroïque du film, ils ne réfléchissent pas longtemps pour sortir leur arsenal qui prenait la poussière sous leur lit et faire le boulot que la police semble peu décidé à réaliser. Si le film est court (1h25), le mauvais montage, l’absence de rebondissements, l’interprétation quelque peu neurasthénique et surtout le gros manque d’intérêt de l’ensemble a rapidement raison de notre patience. Malin, le réalisateur espère sortir le spectateur de sa léthargie en balançant une scène avec Bruce Willis, qui ne sert tout bonnement à rien, en espérant que l’audience pense qu’il va enfin se décider à passer à l’action. Ce qui n’arrivera jamais. Finalement, ce sont surtout les rôles féminins qui s’en sortent le mieux avec Sophia Bush (Brooke de la série Les Frères Scott) et Melissa Bona, vue dernièrement dans l’inénarrable Hurricane de Rob Cohen.

Mais non, Acts of Violence ne propose rien et ne se donne même pas la peine de se donner un genre pour faire croire le contraire. Dialogues ineptes, scénario basique, neutre, mise en scène transparente, du cinéma jetable qui ne se recycle même pas.

LE DVD

Le DVD et le Blu-ray d’Acts of Violence sont disponibles chez Studiocanal. Evidemment, Bruce Willis est mis au centre du visuel pour attirer le chaland, même si son nom n’apparaît qu’en second. Le menu principal est fixe et musical.

Aucun supplément sur cette édition que l’on peut qualifier de sortie technique.

L’Image et le son

Nous n’avons pas eu l’édition HD entre les mains, mais heureusement la qualité de ce DVD est là. Les couleurs alternent à la fois le chaud et le froid, le piqué est suffisamment affûté, la clarté de mise et les contrastes élégants. En revanche les détails manquent parfois à l’appel et la définition baisse sur certaines séquences nocturnes ou se déroulant en intérieur.

Vous pouvez compter sur les mixages Dolby Digital 5.1 anglais et français pour vous plonger délicatement mais sûrement dans l’ambiance du film, bien que l’action demeure souvent réduite. La bande originale est la mieux lotie. Toutes les enceintes sont exploitées, les voix sont très imposantes sur la centrale et se lient à merveille avec la balance frontale, riche et dense, ainsi que les enceintes latérales qui distillent quelques effets naturels. Le caisson de basses se mêle également à la partie. Notons que la version originale l’emporte sur la piste française, se révèle plus naturelle et homogène, y compris du point de vue de la spatialisation musicale.

Crédits images : © Georgia Film Fund 54 / Brian Douglas Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Madame, réalisé par Amanda Sthers

MADAME réalisé par Amanda Sthers, disponible en DVD le 3 avril 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  Toni Collette, Harvey Keitel, Rossy de Palma, Michael Smiley, Tom Hughes, Violaine Gillibert, Joséphine de La Baume, Stanislas Merhar…

Scénario : Amanda Sthers, Matthew Robbins

Photographie : Régis Blondeau

Musique : Matthieu Gonet

Durée : 1h28

Année de sortie : 2017

LE FILM

Anne et Bob, un couple d’américains fortunés récemment installé à Paris, s’apprêtent à donner un grand dîner, et convient douze invités triés sur le volet, réunissant la haute société anglaise, française et américaine. Mais lorsque Anne réalise qu’un treizième couvert est posé pour Steven, le fils du premier mariage de Bob, elle panique : pour cet événement mondain, hors de question de provoquer le mauvais sort ! Elle demande à Maria, sa domestique, d’enfiler une robe et de se faire passer pour une riche amie espagnole. Maria se retrouve assise à côté de David, un expert en art issu de la noblesse britannique. Aussi quand, sous le charme de Maria, il la recontacte le lendemain, révéler sa véritable identité est impossible. Une romance commence, qui va faire trembler les valeurs élitistes et le mariage d’Anne. A moins que cette dernière n’arrive à l’étouffer…

Madame est le deuxième long métrage d’Amanda Queffélec-Maruani, plus connu sous le nom d’Amanda Sthers. L’écrivaine (Ma place sur la photo, Le Reste de nos vies) se lance dans le monde du cinéma en cosignant Un vrai bonheur, le film (2005) de Didier Caron (d’après sa propre pièce), amusante comédie, mais qui se solde par un bide cinglant. Elle passe naturellement derrière la caméra en 2009 avec Je vais te manquer, film choral au casting conséquent, de Michael Lonsdale à Carole Bouquet, en passant par Pierre Arditi, qui cette fois encore se solde par un échec commercial cuisant. Quasiment dix ans après son coup d’essai, Amanda Sthers revient avec son second long métrage, Madame, dont elle est également la scénariste. Assurément, l’auteure livre son meilleur travail pour le grand écran.

Si les dialogues sont souvent truculents, Madame est surtout porté par des comédiens très en forme, avec en première ligne Rossy de Palma, pour laquelle le rôle principal a été spécialement écrit. C’est d’ailleurs sous l’impulsion, pour ne pas dire « sur commande », de l’épatante actrice espagnole et égérie de Pedro Almodóvar (auquel est fait un petit clin d’oeil), qui avait vu sa pièce de théâtre Le Vieux Juif Blonde, qu’Amanda Sthers lui a concocté ce Madame qui joue sur la différence de classe sociale.

Le postulat est simple. Lors d’un dîner mondain, la maîtresse de maison apprend qu’ils seront treize à table et demande à l’une de ses gouvernantes de se joindre à eux. En partant de ce synopsis, la scénariste-réalisatrice fait se confronter deux univers que tout oppose. Elle convoque un casting international. Aux côtés de Rossy de Palma, Toni Collette, Harvey Keitel, Michael Smiley, Tom Hugues, Stanislas Merhar se donnent la réplique, souvent très piquante, voire acide. On s’amuse de voir la géniale Toni Collette faire du Vélib’, mariée avec un homme plus âgé qu’elle, interprété par Harvey Keitel, dont le personnage, prisonnier de son niveau de vie, préfère aller s’amuser et batifoler avec sa jeune prof de français, incarnée par la divine Joséphine de La Baume. Mention spéciale à l’irlandais Michael Smiley, qui tombe sous le charme de Maria (Rossy de Palma), préférant son naturel, sa beauté intérieure qui illumine la beauté singulière de son visage à la Modigliani et ses blagues coquines aux discussions protocolaires sans intérêt.

Cette situation va mettre chacun des protagonistes face à leurs propres problèmes sentimentaux et sexuels. Ainsi, en se demandant comment Maria a pu conquérir malgré elle son voisin de table, la maîtresse de maison va tenter de reconquérir son époux et tenter de savoir ce qui peut bien plaire chez cette femme. Certes, Madame ne vaut pas pour sa mise en scène, que l’on pourrait qualifier de « fonctionnelle », mais le montage est assez vif, les acteurs en pleine forme, les dialogues amusants. Bien que le film se déroule à Paris de nos jours, on a souvent l’impression que le récit pourrait se dérouler au début du XXe siècle. Ce décalage est souvent étonnant et apporte un charme certain à ce vaudeville au budget modeste (4 millions d’euros), joliment photographié et surtout divertissant.

LE DVD

Après une discrète sortie dans les salles, Madame est pris en charge par Studiocanal pour son arrivée dans les bacs et uniquement en DVD. Le menu principal est fixe et muet.

Aucun supplément.

L’Image et le son

Pas d’édition Haute-Définition pour Madame, mais ce n’est pas une surprise. Avec à peine 100.000 entrées au compteur, la sortie du film d’Amanda Sthers en Blu-ray était pour ainsi dire suicidaire. Toutefois, ce DVD s’en sort avec tous les honneurs. Les intérieurs feutrés bénéficient de très beaux contrastes, les séquences tournées en extérieur sont lumineuses, le piqué est acéré. Le cadre large offre son lot de détails, surtout sur les nombreux gros plans. La colorimétrie est chatoyante, le relief appréciable.

Les versions anglaise et française sont proposées en Dolby Digital 5.1. Disons le, le soutien des latérales est anecdotique pour un film de cet acabit. Les enceintes arrière servent essentiellement à spatialiser la musique de Matthieu Gonet, les tubes Rock ‘n’ Dollars de William Sheller qui ouvre le film, Aserejé de Las Ketchup et quelques ambiances naturelles dans la rue. Les dialogues et la balance frontale jouissent d’une large ouverture, et parviennent à instaurer un confort acoustique suffisant. Une piste française Stéréo est également au programme, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant, sans oublier une piste Audiodescription.

Crédits images : © Studiocanal / Sam Hellmann / Thibault Grabherr Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / L’École buissonnière, réalisé par Nicolas Vanier

L’ÉCOLE BUISSONNIÈRE réalisé par Nicolas Vanier, disponible en DVD et Blu-ray le 13 février 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  François Cluzet, Jean Scandel, Eric Elmosnino, François Berléand, Valérie Karsenti, Thomas Durand, Laurent Gerra, Carolina Jurczak…

Scénario : Jérôme Tonnerre, Nicolas Vanier d’après le livre éponyme de ce dernier

Photographie : Éric Guichard

Durée : 1h55

Année de sortie : 2017

LE FILM

Paris 1930. Paul n’a toujours connu qu’un seul horizon : les hauts murs de son orphelinat parisien. Confié à Célestine, une dame de la campagne, et à son mari Borel, le garde-chasse, l’enfant des villes arrive en Sologne, région souveraine et sauvage. L’immense forêt, les étangs embrumés et les landes, tout ici appartient au comte de la Fresnaye, un veuf taciturne qui vit solitaire dans son manoir. S’il tolère les braconniers sur son domaine, Borel, lui, les traque sans relâche et s’acharne sur le plus rusé d’entre eux, Totoche. Aux côtés du braconnier, grand amoureux de la nature, Paul va faire l’apprentissage de la vie mais aussi de la forêt et de ses secrets. Un secret plus lourd pèse sur le domaine… car Paul n’est pas là par hasard.

Depuis 2004 et le triomphe du Dernier Trappeur (plus de deux millions d’entrées), l’aventurier, écrivain et réalisateur Nicolas Vanier est abonné au succès et le public semble le suivre chaque fois. C’était encore le cas dernièrement pour le remake-reboot de Belle et Sébastien, qui a attiré les spectateurs dans toutes les salles européennes – dont trois millions en France – et qui a engrangé deux suites. Son dernier film en date, L’École buissonnière est l’adaptation de son propre roman et non pas le remake du film du même nom réalisé par Jean-Paul Le Chanois et sorti en 1949, même si on y retrouve également l’importance du contact avec la nature. Né à Dakar, mais ayant grandi en Sologne, Nicolas Vanier rend hommage au Pays de la Loire qui a contribué à lui donner l’amour de la faune et de la flore. Si le metteur en scène n’évite pas le côté carte postale rétro-nostalgique hérité des Choristes de Christophe Barratier, il n’est pas difficile de se laisser porter par l’indéniable beauté des images et les bons sentiments distillés ici et là.

On suit donc l’histoire, deuxième incursion dans la fiction pour Nicolas Vanier après Belle et Sébastien, à travers les yeux de Paul (le jeune Jean Scandel, charismatique et très à l’aise), un orphelin, enfermé depuis toujours sous les combles d’un orphelinat parisien. Jusqu’au jour où il découvre le monde de la campagne en Sologne, lorsqu’il est emmené chez Célestine, épouse du garde-chasse et femme de chambre du comte de La Fresnaye. Paul va découvrir des personnages uniques et inoubliables, dont Totoche le braconnier. Avec sa barbe hirsute et son langage parfois fleuri (« Nom d’une pipe en bois ! »), François Cluzet se la joue Michel Simon dans Boudu sauvé des eaux. S’il en fait un peu des caisses, l’acteur semble s’amuser avec ce personnage de braconnier, qui prend un malin plaisir à faire tourner en bourrique le garde-chasse Borel. Ce dernier est interprété par Eric Elmosnino, qui parvient à surpasser son partenaire dans le genre « monsieur plus », en jouant la caricature à fond de l’agent municipal porté sur la bouteille, rasé avec une biscotte. La confrontation des deux personnages rappelle très souvent celle de Louis de Funès avec Moustache dans le cultissime Ni vu, ni connu, réalisé par Yves Robert en 1958 et adapté de L’Affaire Blaireau d’Alphonse Allais.

Le plus beau rôle masculin du film, même si bourré de clichés, reste celui campé par un François Berléand étonnant, qui apporte cette fois une belle dose d’émotions à son éternel personnage de bougon. Mais celle qui tire son épingle du jeu est incontestablement Valérie Karsenti, connue depuis dix ans par les téléspectateurs grâce à la série Scènes de ménages, dans laquelle elle campe Liliane, la femme de José. Si ses apparitions au cinéma sont rares, on a pu la voir chez Bertrand Blier dans Combien tu m’aimes ? (2005) ou Tellement proches de Olivier Nakache et Éric Toledano (2009), elle illumine le film de Nicolas Vanier à chaque apparition. N’oublions pas les amusantes participations de Laurent Gerra et Urbain Cancelier en gendarmes tout droit sortis d’un sketch avec moustache passée à la brillantine et mains sur la bedaine.

Si le récit est somme toute classique, pour ne pas dire archi-rabattu, la sincérité et la sensibilité du réalisateur transparaissent à chaque plan. Le cadre est soigné, la photo très belle, le rythme soutenu, l’authenticité préservée (avec de véritables solognots en guise de figurants) et les apartés sur les animaux environnants ne font pas « pièces rapportées » ou éléments de décor placés pour faire joli. Nicolas Vanier prend soin de dévoiler toute la beauté de la région naturelle forestière de la Sologne, même si le film se termine sur une note ambiguë en faisant la part belle à la chasse. Toutefois, Nicolas Vanier s’en défend en ajoutant que les chasseurs de l’époque respectaient la nature.

Certains spectateurs, une minorité, seront forcément énervés par le côté « C’était mieux avant » qui n’est pas sans rappeler une pub pour le jambon Herta, les autres verront un beau film, tendre, élégant, sensible et honnête pour toute la famille.

LE BLU-RAY

L’École buissonnière est disponible en DVD et Blu-ray chez Studiocanal. Le visuel de la jaquette, glissée dans un boîtier classique de couleur bleue, lui-même glissé dans un surétui cartonné, reprend celui de l’affiche du film. Le menu principal est animé et musical.

Les amateurs de bonus seront un peu déçus par cette interactivité peu chargée.

Le montage animalier (6’) contentera peut-être les amoureux de la nature. Il s’agit d’un montage de plans non gardés, où l’on peut admirer plus attentivement certains de nos amis des eaux et de la forêt.

Si L’École buissonnière dure déjà près de deux heures, Nicolas Vanier avait déjà supprimé quelques scènes, présentées ici (17’). Ces séquences prolongeaient l’arrivée de Paul en Sologne, montrait la première fois qu’il apercevait Totoche, et sa confrontation avec les gamins du village. S’ensuit une partie de pêche traditionnelle.

Cette section se clôt sur un bêtisier (3’), qui s’apparente surtout à un montage réalisé pour fêter la fin du tournage, ainsi qu’un clip promotionnel de trente secondes pour la région Centre-Val de Loire. Envie de partir en Touraine, à Chartres ou au Zoo-Parc de Beauval ?

L’Image et le son

Ma-gni-fi-que ! Ce sublime master HD s’avère l’un des plus beaux de l’année 2018. La photographie d’Éric Guichard (Himalaya – l’enfance d’un chef, Les Saisons) est restituée dans ses moindres partis pris, les scènes diurnes sont éclatantes, le piqué affûté comme une lame de rasoir, les couleurs d’une richesse inégalée. Le cadre large regorge de détails, chaque feuille, chaque brin d’herbe se détache naturellement, les noirs sont denses. Edition Haute-Définition indispensable.

La piste française DTS-HD Master Audio 5.1 instaure un confort acoustique dynamique, dense et souvent percutant, avec des voix délicatement posées sur le canal central. La spatialisation musicale est systématique, toutes les scènes en extérieur sortent du lot avec des ambiances naturelles qui vous transportent au coeur de la forêt, tandis que les scènes plus intimistes baignent dans un silence de marbre. L’éditeur joint également une piste Audiodescription, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Radar Films/ Jean-Michel Turpin / StudioCanal /Eric TraversCaptures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Gauguin – Voyage de Tahiti, réalisé par Edouard Deluc

GAUGUIN – VOYAGE DE TAHITI réalisé par Edouard Deluc, disponible en DVD et Blu-ray le 23 janvier 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  Vincent Cassel, Tuheï Adams, Malik Zidi, Pua-Taï Hikutini, Pernille Bergendorff, Marc Barbé, Paul Jeanson, Cédric Eeckhout, Samuel Jouy…

Scénario :  Edouard Deluc, Etienne Comar, Thomas Lilti, Sarah Kaminsky d’après le livre de Paul Gauguin “Noa Noa, Voyage de Tahiti

Photographie : Pierre Cottereau

Musique : Warren Ellis

Durée : 1h40

Année de sortie : 2017

LE FILM

1891. Gauguin s’exile à Tahiti en laissant derrière lui femme et enfants. Il veut trouver sa peinture, en homme libre, en sauvage, loin des codes moraux, politiques et esthétiques de l’Europe civilisée. Il s’enfonce dans la jungle, bravant la solitude, la pauvreté, la maladie. Il y rencontrera Tehura, qui deviendra sa femme, et le sujet de ses plus grandes toiles.

Gauguin – Voyage de Tahiti est le second long métrage du réalisateur Edouard Deluc, remarqué en 2008 avec le court-métrage ¿ Dónde está Kim Basinger ?, qui allait servir de base pour son excellent premier film, Mariage à Mendoza avec Philippe Rebbot et Nicolas Duvauchelle. Coloré, énergique, drôle, émouvant, tendre, ce premier long métrage imposait d’emblée un style et un humour percutants. Edouard Deluc est enfin de retour derrière la caméra et opère un virage radical avec Gauguin – Voyage de Tahiti, libre adaptation de Noa Noa, carnet de voyages écrit par Paul Gauguin (1848-1903) après son premier séjour à Tahiti en 1893. Merveilleusement mis en scène, le film offre également à Vincent Cassel l’un des plus beaux rôles de sa carrière.

Gauguin – Voyage de Tahiti est né d’un coup de foudre d’Edouard Deluc pour le récit du peintre : « C’est un objet littéraire d’une grande poésie, un récit d’aventures, entre autres, d’un souffle romanesque assez fou. C’est une sorte de journal intime, d’une grande humanité, sur son expérience Tahitienne, qui mêle récit, impressions, pensées, questionnements politiques, questionnements artistiques, croquis, dessins et aquarelles. C’est enfin et surtout une sorte de somptueuse déclaration d’amour à Tahiti, aux Tahitiens, à son Êve Tahitienne. Je l’ai découvert lors de mes études aux Beaux-Arts, le texte est toujours resté dans ma bibliothèque comme le fantôme d’un film possible ». Après Mariage à Mendoza, le cinéaste replonge dans Noa Noa et dans les autres écrits de Paul Gauguin, ainsi que sa correspondance intime. Bouleversé par la pensée visionnaire et l’oeuvre moderne du peintre, Edouard Deluc, entreprend alors son second long métrage, coécrit avec le talentueux Thomas Lilti (Les Yeux bandés, Hippocrate, Médecin de campagne), déjà scénariste sur Mariage à Mendoza.

A l’instar d’un rêve d’artiste, Gauguin – Voyage de Tahiti doit être vu comme une libre adaptation de Noa Noa, puisque les scénaristes ont évidemment eu recours à la fiction pour combler certains éléments réels restés en pointillés, tout en évitant le côté sulfureux de l’artiste, notamment sa vie sexuelle débridée voire polémique puisqu’il couchait avec des jeunes filles de 13 ans, tout en étant atteint de syphilis. L’oeuvre d’Edouard Deluc n’est pas un biopic, mais se focalise sur une période bien précise de la vie de son personnage principal, sur des événements et des protagonistes qui ont eu lieu et qui ont existé. Gauguin – Voyage de Tahiti est la réinterprétation de faits réels déjà “réinterprétés” dans son ouvrage par celui qui les a connus. Dans cette optique, le réalisateur a confié le rôle principal à Vincent Cassel. Alors âgé de 50 ans, le comédien n’en finit pas d’étonner depuis Mon roi de Maïwenn (2015) et sa prestation bouleversante dans Juste la Fin du Monde de Xavier Dolan (2016). Jouant désormais avec ses yeux marqués, son visage tordu et taillé à la serpe, ses cheveux et sa barbe hirsute poivre et sel, il est ici exceptionnel et de tous les plans. Métamorphosé, vouté, la démarche vacillante, l’acteur est aussi bluffant qu’impressionnant.

Véritable expérience sensorielle, Gauguin – Voyage de Tahiti peut également compter sur la sublime photographie de Pierre Cottereau (Rosalie Blum, Le Voyage de Fanny) qui capture la beauté des paysages naturels comme Gauguin celle des habitants, sans oublier la musique de l’australien Warren Ellis (Wind River, Comancheria, Des hommes sans loi), qui nimbe l’ensemble d’une aura quasi-éthérée, comme un véritable western contemplatif, genre qui a d’ailleurs souvent inspiré le metteur en scène. Edouard Deluc nous invite donc à entrer en communion avec les désirs, les doutes, les amours (avec la sublime Tuheï Adams) et les douleurs d’un immense artiste.

LE BLU-RAY

Gauguin – Voyage de Tahiti est disponible en DVD et Blu-ray chez Studiocanal. Le visuel de la jaquette, glissée dans un boîtier classique de couleur bleue, reprend celui de l’affiche du film. Même chose pour le menu principal, fixe et musical.

L’interactivité contient tout d’abord trois courtes featurettes (4’, 5’ et 2’30), centrées sur la prestation de Vincent Cassel, sa préparation, les intentions du réalisateur, les partis pris, le tournage à Tahiti. Le tout illustré par des images de tournage et les propos de l’équipe.

Le dernier module est un entretien avec Stéphane Guégan, conseiller scientifique auprès de la Présidence du musée d’Orsay (14’), qui revient notamment sur l’ouvrage Noa Noa, tout en donnant de nombreuses indications sur les véritables événements vécus par Gauguin. A la fin de cette interview, Edouard Delluc intervient également rapidement.

L’Image et le son

Magnifique ! Contrastes exemplaires, densité impressionnante, piqué tranchant comme un scalpel, scènes sombres aussi ciselées que les séquences diurnes, tout est resplendissant. La profondeur de champ est sensationnelle, les scènes en forêt sublimes, les détails abondent (voir le visage et la barbe de Vincent Cassel), le cadre large est idéalement exploité et la colorimétrie subjugue du début à la fin. La Haute-Définition est optimale et ce master restitue avec une suprême élégance les partis pris de la photographie signée Pierre Cottereau.

La piste DTS-HD Master Audio 5.1 instaure un confort acoustique dynamique, dense et souvent percutant. Les voix sont solidement plantées sur la centrale et la spatialisation musicale systématique. Toutes les séquences en extérieur sortent du lot avec une ample exploitation des latérales, la pluie qui environne les spectateurs, les grillons omniprésents, les chutes d’eau fracassantes, tout comme les percussions des musiques polynésiennes. L’éditeur joint également une piste Audiodescription, ainsi que les sous-titres destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / The Age of Shadows, réalisé par Kim Jee-woon

THE AGE OF SHADOWS réalisé par Kim Jee-woon, disponible en DVD et Blu-ray le 23 janvier 2018 chez Studiocanal

Acteurs :  Lee Byung-hun, Song Kang-ho, Gong Yoo, Han Ji-min, Park Hee-soon, Shingo Tsurumi…

Scénario : Kim Jee-woon, Lee Ji-min, Park Jong-dae

Photographie : Kim Ji-yong

Musique : Mowg

Durée : 2h20

Année de sortie : 2016

LE FILM

Les années 1920, pendant la période d’occupation de la Corée par le Japon. Lee Jung-chool, ancien résistant devenu capitaine de police coréen travaillant pour la police japonaise, doit démanteler un réseau de la résistance coréenne dont il réussit à approcher l’un des leaders, Kim Woo-jin. Les deux hommes que tout oppose – mais qui connaissent chacun la véritable identité de l’autre – vont être amenés à se rapprocher, tout en continuant à dissimuler l’un à l’autre leurs propres desseins. Kim Woo-jin va alors tenter de convaincre Lee Jung-chool de revenir du côté de la résistance et lui demander de les aider à faire passer des explosifs jusqu’à Séoul.

Attention ! Kim Jee-woon est de retour et le moins que l’on puisse dire, c’est que le réalisateur de Deux sœurs (2003), A Bittersweet Life (2005), Le Bon, La Brute et le Cinglé (2008), J’ai rencontré le Diable (2010) et Le Dernier Rempart (2013), escapade hollywoodienne dans laquelle il dirigeait Arnold Schwarzenegger, Johnny Knoxville et Jaimie Alexander, a décidé de voir grand. The Age of Shadows combine à la fois le film d’espionnage, le drame historique et le thriller, le tout dans des décors sublimes et une esthétique à se damner. Prenez place, car vous allez assister à 140 minutes d’images sensationnelles, qui s’imposent d’ores et déjà parmi les plus incroyables à découvrir en 2018, même si le film aura mis près de deux ans à nous parvenir.

Soyons honnêtes, nous ne pouvons pas tout comprendre les enjeux de The Age of Shadows. Toutefois, le cinéaste en est pleinement conscient et parvient à happer l’attention du spectateur dès l’extraordinaire séquence d’ouverture, pour ne plus le lâcher durant 2h20. Le cinéma sud-coréen est décidément très inspiré, pour ne pas dire le meilleur du monde aujourd’hui, et The Age of Shadows ne déroge pas à la règle.

Le film de Kim Jee-woon est une véritable bombe, qui ne cesse de flatter les sens, qui foudroie les yeux par sa beauté plastique, par celle des costumes, du cadre large, des interprètes tous formidables. Doté d’un budget conséquent de près de 10 millions de dollars, financé et distribué pour la première fois en Corée du Sud par la Warner Bros, The Age of Shadows s’adresse aux cinéphiles, mais également au plus grand nombre car Kim Jee-woon n’oublie jamais la portée populaire et divertissante de son film. Si certains pourraient se sentir quelque peu largués par l’aspect politique du récit, le réalisateur parvient systématiquement à rattraper celles et ceux qui auraient pu être laissés sur le bas-côté.

The Age of Shadows est une succession de séquences incroyables, toutes destinées à devenir cultes. Des morceaux de bravoure qui laissent pantois d’admiration, que ce soit le prologue, ou la très longue scène du train reliant Shanghaï à Séoul, durant laquelle s’affrontent tous les personnages dans une sorte de relecture d’Agatha Christie. Mais le huitième long métrage de Kim Jee-woon ne se résume évidemment pas seulement à cela. Les personnages sont riches et ambigus à souhait. Chaque comédien et donc chaque personnage joue sa propre partition dans un opéra savamment orchestré de main de maître. Pas un seul moment de répit n’est laissé aux spectateurs, embarqués dans un véritable train fou, tendu, nerveux et virtuose, un jeu du chat et de la souris toujours haletant, parfois violent (les tortures sont montrées frontalement), une multitude de faux-semblants et du double-jeu en pagaille.

Projeté hors compétition à la Mostra de Venise en 2016 et représentant la Corée du Sud aux Oscars pour le meilleur film en langue étrangère en 2017, The Age of Shadows n’a malheureusement pas connu les honneurs d’une sortie dans les salles françaises. Espérons que son exploitation en DVD et Blu-ray fasse connaître ce chef d’oeuvre à une très large audience !

LE BLU-RAY

The Age of Shadows est disponible en DVD et Blu-ray chez Studiocanal. L’édition HD est présentée sous la forme d’un boîtier bleu traditionnel. Le visuel de la jaquette est élégant. Le menu principal est fixe et muet.

Edition minimaliste, ce Blu-ray ne contient aucun supplément.

L’Image et le son

Heureusement, l’éditeur se rattrape du côté technique. On ne saurait faire mieux. Le cinéaste Kim Jee-woon collabore une fois de plus avec le chef opérateur Kim Ji-yong (A Bittersweet Life, Le Dernier Rempart). Les partis pris esthétiques originaux sont magnifiquement rendus à travers ce Blu-ray d’une folle élégance. Le piqué est affûté, les contrastes fabuleusement riches, les détails sont abondants aux quatre coins du cadre large, tandis que le codec AVC consolide l’ensemble avec fermeté, y compris sur les très nombreuses scènes se déroulant dans la pénombre ou en intérieur.

Les pistes française et coréenne DTS-HD Master Audio 5.1, logées à la même enseigne, instaurent d’excellentes conditions acoustiques et font surtout la part belle à la musique, très présente pendant plus de deux heures. Les basses ont souvent l’occasion de briller, les ambiances naturelles sont bien présentes, les effets sont toujours saisissants (les quelques fusillades et poursuites) et le rendu des voix est sans failles. De quoi bien décrasser les frontales et les latérales. Les sous-titres français sont imposés.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr