Test 4K Ultra-HD / Rambo 3, réalisé par Peter MacDonald

RAMBO 3 (Rambo III) réalisé par Peter MacDonald, disponible en Coffret Trilogie (4K Ultra HD + Blu-ray – Édition boîtier SteelBook) le 14 novembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Sylvester Stallone, Richard Crenna, Marc de Jonge, Kurtwood Smith, Spiros Focas, Sasson Gabai…

Scénario : Sylvester Stallone, Sheldon Lettich

Photographie : John Stanier

Musique : Jerry Goldsmith

Durée : 1h41

Date de sortie initiale : 1988

LE FILM

Le Colonel Trautman contacte Rambo dans sa retraite en Thaïlande pour qu’il l’accompagne dans une mission périlleuse en Afghanistan. Mais l’ex-soldat refuse afin de se consacrer aux moines bouddhistes qui l’ont recueilli. Lorsque, quelques jours plus tard, l’agent Griggs lui explique que Trautman a été capturé par le Colonel Zaysen, Rambo décide de sauver son ami. Il s’infiltre dans les lignes ennemies et découvre toute l’horreur du conflit qui oppose les moudjahidins à l’armée soviétique. Déterminé, il s’attaque à toute une armée sans oublier son objectif premier : récupérer Trautman.

God would have mercy, John Rambo won’t !

C’est probablement l’épisode sur lequel il y a le moins de choses à dire. Pourtant, Rambo 3 était à l’époque l’une des plus grosses productions cinématographiques jamais entreprise à la fin des années 1980 ! Rambo 2 – La Mission et Rocky 4 marquent l’apogée commerciale de Sylvester Stallone. Deux triomphes mondiaux. Après un Cobra très violent et un Bras de fer mal aimé – pour lequel l’acteur avait obtenu un cachet record – qui a pourtant traversé les années sans trop de dommages, Sly décide de revenir à John Rambo en 1988. Et pour cela rien de tel que de s’en prendre à nouveau à ces « pourritures communistes » en ciblant l’Afghanistan et peu importe si personne ne sait où ce pays se trouve sur une carte. Du moment que Rambo dézingue quelques rouges mal intentionnés, les spectateurs s’en fichent. Sylvester Stallone s’entraîne dur et dessine ses dorsaux. Pour l’aider au scénario, Sly fait appel à Sheldon Lettich, l’auteur de Russkies de Rick Rosenthal, qui évoquait déjà la Guerre Froide, et qui vient de signer également Bloodsport – Tous les coups sont permis qui révélait alors JCVD au monde entier. Mal aimé par les fans de la première heure, Rambo 3 n’en reste pas moins un divertissement bourrin encore ahurissant aujourd’hui, réalisé avant l’avènement des images de synthèse, dans lequel Stallone pousse encore plus loin les manettes en faisant définitivement de Rambo un personnage de cartoon invincible. C’est explosif, jouissif, on en prend plein les yeux, bref Rambo 3 est un immense plaisir.

Tentant d’oublier sa vie de guerrier, John Rambo vit désormais dans un monastère thaïlandais. Alors quand son ami le Colonel Samuel Trautman et l’agent de la CIA, attaché à l’ambassade américaine, Robert Griggs lui demandent de participer à une mission en Afghanistan, occupée par les Soviétiques depuis 1979, Rambo décline. Trautman part donc faire la mission seul mais il est capturé et torturé par le Colonel Zaysen. Quand Rambo apprend la nouvelle par Robert Griggs, il accepte de partir en Afghanistan. Recueilli par des moudjahidins, il assiste à la destruction de leur camp par les hélicoptères de Zaysen. Les rebelles préfèrent alors se retirer au Pakistan alors que Rambo tente sans succès de libérer Trautman du fort soviétique où il est retenu prisonnier.

Alors…où est-ce que les missiles sont localisés ?

Tout près…

Où ça ?

Dans ton cul !

Si Rambo 3 est l’épisode qui comporte le moins de séquences anthologiques, il demeure celui qui contient le plus de punchlines. Conscient de « l’hénaurmité » dans laquelle il s’est fourré, Sylvester Stallone se permet quelques répliques bourrées d’humour du style « Qu’est-ce que c’est qu’ça ? » « Une lumière bleue. » « Et ça fait quoi ? » « Du bleu. » « Je vois… ». Avant cela, le cinéaste Russell Mulcahy (Razorback, Highlander) est renvoyé au bout de deux semaines pour « divergences artistiques » avec la production. Réalisateur de la seconde équipe, le britannique Peter MacDonald est désigné pour le remplacer. Loin d’être un manchot, ce dernier aura travaillé auparavant comme responsable de la deuxième équipe sur L’Empire contre-attaque, Excalibur, Rambo 2 – La Mission, mais aussi comme cadreur chez Bob Fosse (Cabaret), John Boorman (Zardoz), Sidney Lumet (Le Crime de l’Orient-Express), Richard Attenborough (Un pont trop loin), Richard Donner (Superman) et Ridley Scott (Legend). C’est ce qui s’appelle avoir un C.V. qui a la classe ! Un peu pris au dépourvu, Peter MacDonald reprend le flambeau et s’en acquitte formidablement.

Le problème, c’est que durant la production, Mikhaïl Gorbatchev décide de retirer les troupes russes d’Afghanistan et de serrer la main à Ronald Reagan. Le scénario ne peut être remanié à temps. Les ennemis du film ne le seront plus à sa sortie, le monde change, l’Histoire est bouleversée. Qu’à cela ne tienne, Rambo 3 devient alors un gros divertissement où l’action prend le dessus sur tout, y compris sur la psychologie et le réalisme. Peu importe si les russes y sont une fois de plus montrés comme des salopards inhumains (le français Marc de Jonge incarne le perfide Zaysen), Stallone et MacDonald privilégient les explosions et les bastons sur un rythme trépident. Rambo 3 devient de la vraie BD filmée avec un héros qui se prend des coups, des flèches et des bastos, sans jamais tomber. Si son corps musclé à l’extrême est meurtri, Rambo cautérise ses plaies avec de la poudre extraite d’une balle, avant de repartir encore plus vénère.

Stallone n’a jamais été aussi monolithique que dans Rambo 3. Souvent filmé de dos afin que les spectateurs prennent le temps d’admirer ses efforts dans la salle de sport, le comédien exagère et abuse de son expression figée. Impossible de ne pas rire et cela fait partie du spectacle. L’un des points forts de cet épisode est également d’avoir accordé une plus grande place au Colonel Trautman. Les scènes entre Richard Crenna et Stallone fonctionnent à plein régime dans la dernière partie et les deux rivalisent de badasserie. Enfin, il serait également hypocrite de dire le contraire, Rambo 3 est un film qui a vraiment de la gueule. Peter MacDonald soigne son cadre large, la profondeur de champ est sans cesse exploitée, les séquences d’action soutenues par l’équipe de l’indispensable Vic Armstrong sont jubilatoires et bénéficient surtout d’un montage toujours lisible. Les tympans sont crevés, les yeux révulsés et on aime ça. Le film est sans cesse redécouvert et se voit aujourd’hui avec une certaine nostalgie. Pour résumer, on passe encore un put*** de bon moment.

La sortie de Rambo 3 est difficile. L’Histoire a rattrapé et même doublé Hollywood. Le film déboule sur les écrans américains le 25 mai 1988 et atteint péniblement les 53 millions de dollars de recette en fin de parcours, ce qui ne rentabilise pas le budget pharaonique de 65 millions de dollars, loin derrière les 150 millions récoltés par le second épisode trois ans auparavant. L’accueil à l’international permet néanmoins à Rambo 3 d’être un succès commercial avec près de 140 millions de dollars. Il cartonne en outre en Allemagne, en Italie et même en France avec près de 2 millions d’entrées. Conscient des temps qui changent, Sylvester Stallone range son treillis, son arc et son couteau dans une malle. Contre toute attente, l’acteur ressuscitera le personnage vingt ans après pour un exceptionnel quatrième épisode, écrit et réalisé par ses soins, sobrement intitulé dans nos contrées John Rambo (Rambo aux Etats-Unis), juste après avoir repris les gants pour son splendide Rocky Balboa. L’un des plus beaux comebacks du cinéma. Alors, vivement Rambo – Last Blood mis en scène par Adrian Grunberg (Kill the Gringo) qui sortira en automne 2019.

LE 4K-UHD

Studiocanal regroupe les trois premiers opus de la saga Rambo dans un boîtier Steelbook. Cette édition se compose des Blu-ray 4K empilés sur le côté gauche du coffret et des Blu-ray traditionnels empilés sur la droite. Certains apprécieront, la plupart regretteront ce choix qui abîme les galettes. Autrefois apparu sous la forme d’une boîte de rationnement militaire ou même sous la forme d’une grenade, le coffret présenté ici est plus sobre, aux reflets verdâtres-argentés. Les seuls suppléments disponibles sur les disques UHD sont les commentaires audio, tout le reste est disposé sur les Blu-ray standard. Le menu principal est animé et musical.

Le commentaire audio de Peter MacDonald (vostf) est plutôt intéressant, même s’il intervient finalement rarement. Toutefois, le cinéaste est fier de son film et aborde le renvoi de Russell Mulcahy et sa nomination en tant que réalisateur alors qu’il s’occupait jusque-là de la seconde équipe. Peter MacDonald parle évidemment beaucoup de Sylvester Stallone et de son implication dans les scènes d’action.

Divisé en trois parties, l’acte III du nouveau documentaire intitulé Rambo, symbole des années 80 (11’) donne la parole à l’écrivain David Morrell, aux monteurs Adam Woodward et Joe Mackertich, au comédien Chris Murkey, au réalisateur Peter Macdonald (Rambo III), ainsi qu’à d’autres intervenants (des critiques notamment), qui replacent Rambo 3 dans son contexte cinématographique, mais également historique (« Le monde changeait et faisait la paix, alors qu’on tuait 15 russes par jour sur le tournage » dit le metteur en scène) et politique, ainsi que dans la carrière de Sylvester Stallone. Tout ce beau petit monde se focalise surtout ici sur l’évolution du cinéma d’action dans les années 1980 et de l’émergence des stars du genre (aidées en cela par l’explosion de la VHS), avec comme point d’orgue la rivalité Stallone/Schwarzenegger.

L’éditeur reprend le clip inutile (La boucle est bouclée) de six minutes composés d’images tirées du film. Probablement un spot promotionnel destiné à la vente du film à l’étranger.

Le Voyage d’un héros (25’30 ) : L’écrivain David Morrell revient sur la création du personnage, sa mythologie, ses valeurs et sur l’évolution de John Rambo au fil des trois premiers épisodes de la franchise.

Plus anecdotique est le module intitulé Le matériel de survie de Rambo (9’) qui présente toutes les armes du personnage, leur calibre, leur poids, leur portée…

Studiocanal a mis la main sur un début alternatif (3’30) probablement non retenu car non focalisé sur John Rambo, mais sur un commando qui se fait décimer par un hélicoptère. Nous retiendrons les scènes coupées (7’), notamment celle où Rambo prépare son arsenal et forge lui-même son couteau, devenu ici une véritable machette, avant de partir au combat. Une séquence qui sera reprise par Stallone pour son John Rambo en 2008. Une réplique alternative (« Un touriste égaré ! » à la place de « Ton pire cauchemar ! »), ainsi qu’un épilogue différent au cours duquel Rambo décidait de rester avec les moudjahidins.

Présent dans le coffret 2002, le documentaire Afghanistan, un pays en crise (30′) donne la parole aux producteurs de Rambo 3, à des historiens et à Sylvester Stallone, pour remettre le film dans son contexte politique et historique, du moins au début du tournage. Quelques images d’archives viennent illustrer ce module.

Du coffret 2002, Studiocanal a également repris le supplément Le courage et la gloire (27′) qui propose un retour sur la Rambomania, le merchandising qui accompagnaient les épisodes 2 et 3, l’évolution du personnage en parallèle de la politique de Ronald Reagan, puisque les trois épisodes ont couvert les deux mandats du Président des Etats-Unis. Passionnant.

L’éditeur propose ensuite un comparatif avant/après la restauration (1’30).

Les fans apprécieront le making of d’époque (6’) montrant l’envers du décor et le tout commenté par les comédiens. A cela s’ajoute un segment consacré à la relation Rambo/Trautman (2’30), toujours avec des interviews des acteurs sur le plateau de Rambo 3.

Dirigez-vous ensuite sur l’entretien dense et intelligent de Sylvester Stallone (9’) réalisé à l’occasion de sa venue en France pour la sortie de John Rambo. Si les propos tenus ici renvoient à ceux entendus dans son commentaire audio sur le premier film, il est toujours plaisant de passer un moment avec Sly, qui mine de rien est définitivement entré dans les livres d’histoires du cinéma et dont les œuvres commencent depuis quelques années à être reconsidérées, analysées, commentées et étudiées. Mieux vaut tard que jamais ! Sly, qui a beaucoup de recul sur sa création, revient également sur l’évolution pas toujours heureuse de son personnage. Il déclare également porter l’entière responsabilité de l’échec de Rambo 3.

On termine par une séance de musculation ! Ne riez pas car Franco Columbu, alors âgé de 70 ans en 2011, va vous apprendre à devenir Rambo (15’). Dans sa salle de sport, le coach et docteur en chiropratique et nutrition raconte comment il a entraîné Sylvester Stallone et propose de nous montrer les exercices auxquels s’est plié le comédien au fil du tournage des trois épisodes.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et des spots TV.

Ah oui, ne manquez pas le bonus caché qui était déjà présent sur l’ancien coffret métallique. Pour y accéder, placez votre curseur sur le premier supplément et appuyez sur la flèche du haut. Le couteau de Rambo apparaît en bas de page. Validez. Vous accéderez à un montage génial (4’30) réalisé à partir des jouets d’époque (avec le prix original qui s’affiche) animés et qui rejouent les plus grandes scènes des trois films.

L’Image et le son

Des trois masters 4K, celui de Rambo 3 est celui qui en met plein la vue. Le négatif original a été scanné en 4K chez Technicolor Hollywood avant d’être pris en charge par l’indispensable laboratoire Eclair pour sa remasterisation. La promotion UHD est quasi-omniprésente. Le soleil tape dur sur les paysages secs et poussiéreux ! Les tons sont ici sableux, chatoyants et la palette chromatique possède ici une richesse assez inouïe. Chaque séquence en extérieur, que ça soit durant le coucher du soleil en Thaïlande ou lors de la scène du bouzkachi, ou pendant les affrontements entre les chars et les hélicoptères apparaît flambant neuve, tout en préservant la belle texture argentique originale, avec peut-être un grain plus grumeleux sur les scènes sombres. Cette galette 4K Ultra-HD labellisée Dolby Vision HDR 10 est franchement superbe. La propreté de l’image est remarquable, tout comme sa clarté, les contrastes, la gestion des noirs. Le cadre large regorge de détails, comme sur les visages (voir celui de Rambo perlé de sueur lors du combat inaugural) et la profondeur de champ laisse pantois. Ou comment redécouvrir Rambo 3 dans les meilleures conditions techniques à ce jour.

Nous nous retrouvons avec les mêmes propositions que pour les deux précédents volets, à savoir des pistes anglaises et françaises disponibles en DTS-HD Master Audio 5.1. Cette fois encore, la version française n’arrive pas à la cheville de l’autre option acoustique, même si la spatialisation est plus enveloppante et mieux équilibrée. Toutefois, les basses auraient mérité d’être plus accentuées. En revanche, grosses ambiances explosives pour la version originale, très immersive lors des scènes d’action dès le combat en début de film avec les acclamations des spectateurs. A ce titre, la dernière demi-heure mettra à mal votre installation. Seul bémol de cette piste, les scènes plus « calmes » délaissent les effets naturels lors des échanges. Sans surprise, le score de Jerry Goldsmith est l’élément qui profite de la DTS-HD. On aurait tellement aimé une Dolby Atmos ou DTS-X…

Crédits images : © Studiocanal/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test 4K Ultra-HD / Rambo 2 – La Mission, réalisé par George Pan Cosmatos

RAMBO 2 – La Mission (Rambo: First Blood Part II) réalisé par George Pan Cosmatos, disponible en Coffret Trilogie (4K Ultra HD + Blu-ray – Édition boîtier SteelBook) le 14 novembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Sylvester Stallone, Richard Crenna, Charles Napier, Julia Nickson, Steven Berkoff, Martin Kove…

Scénario : Kevin Jarre, Sylvester Stallone, James Cameron

Photographie : Jack Cardiff

Musique : Jerry Goldsmith

Durée : 1h36

Date de sortie initiale : 1985

LE FILM

John Rambo purge une peine de prison lorsque le Colonel Trautman lui donne la possibilité de sortir pour une mission délicate : avoir la preuve qu’il reste bel et bien des prisonniers américains au Vietnam. Supposé n’être qu’un observateur, Rambo désobéit aux ordres et tente de sauver un prisonnier. Murdock, le responsable de la mission, décide alors de l’abandonner en territoire ennemi, Rambo, seul, sans armes et face à l’ennemi, prépare sa vengeance et son retour au pays.

Aucun homme, aucune loi, aucune guerre ne peuvent l’arrêter.

Bheeeeeeeeeuaaaaaaaar ! Cette fois on y va pour gagner Colonel ? Trois ans après l’incroyable succès de Rambo, il fallait bien que Sylvester Stallone revienne à ce personnage immédiatement adopté par les spectateurs du monde entier, y compris par le monde politique. Alors qu’il vient d’entamer son deuxième mandat, le Président Ronald Reagan n’hésite pas à citer Rambo dans quelques discours. Il n’en fallait pas plus pour Sly pour préparer le retour de son personnage John Rambo, d’autant plus que la suite de La Fièvre du samedi soir, Staying Alive, qu’il a mis en scène, n’a pas été le succès escompté, tout comme la comédie musicale Rhinestone aka Le Vainqueur de Bob Clark qui reste un des moments les plus gênants de sa carrière. Rambo 2 – La Mission / Rambo – First Blood Part II est donc lancé, sur une histoire originale de James Cameron, oui oui, reprise ensuite par le comédien afin de la mettre à sa sauce, à sa propre gloire, à celle de son pays, histoire de panser les plaies de la guerre du Vietnam encore présente dans les esprits. Mais contrairement au premier opus de Ted Kotcheff, celui réalisé par George Pan Cosmatos (Le Pont de Cassandra, Bons baisers d’Athènes) prend comme partis pris de faire de Rambo le représentant d’une nation. Ici, le personnage va enfin permettre à The Star-Spangled Banner d’être fièrement brandi au Vietnam puisque Rambo va à lui-seul remporter la victoire en massacrant à la chaîne toute une armée jusqu’aux dents. Ou comment Sylvester Stallone va trahir de façon outrancière son personnage afin d’écraser la concurrence au box-office. Rambo 2 – La Mission est et demeure l’un des plus grands phénomènes cinématographiques des années 1980.

Ce que vous appelez l’enfer, il appelle ça chez lui.

Après son arrestation à la fin du premier volet, Rambo est emprisonné et condamné aux travaux forcés. Son mentor, le Colonel Samuel Trautman (Richard Crenna avec son béret vissé de travers sur la tête) débarque et lui propose d’accomplir une mission périlleuse : trouver des preuves de la présence de prisonniers américains au Vietnam, en échange de quoi il retrouvera sa liberté. Arrivé dans la jungle, il entre en contact avec l’espionne anti-communiste Co Bao. Ensemble, ils découvrent un camp vietnamien et Rambo libère un prisonnier. Alors que l’hélicoptère chargé d’exfiltrer Rambo arrive, Murdock, le chef de la mission, qui a eu vent de la libération du prisonnier, décide d’annuler la mission sans récupérer ni ce dernier ni Rambo, malgré la tentative du colonel Trautman pour infléchir ses ordres. Murdock espérait en effet que Rambo ne découvre aucune preuve pour pouvoir classer l’affaire car le Congrès américain n’a aucune envie d’une nouvelle guerre du Vietnam. Trahi et abandonné à son sort, Rambo est ramené au camp vietnamien et torturé. Il fera tout pour s’échapper, venir en aide à d’autres prisonniers, se venger de Murdock, mais aussi et surtout prendre sa revanche sur le Vietnam.

Pour survivre à la guerre il faut devenir la guerre.

Quand on y regarde de plus près et surtout près de 35 ans après sa sortie, les américains ne sont pas aussi bien lotis qu’on pourrait le croire dans Rambo 2 – La Mission. Certes, Rambo joue au ball-trap pendant 1h30 en flinguant tout ce qui bouge (près de 70 hommes y passent) et cette fois sans sourciller, mais ceux qui l’ont employé sont quand même d’immenses salopards (Charles Napier avec son sourire carnassier) qui ont voulu faire bonne figure en faisant croire qu’ils pensent encore aux soldats disparus en organisant de pseudo-recherches. Mais ils reculent dès qu’on leur présente la preuve de ce qu’ils avançaient, n’hésitant pas pour cela à trahir l’un des leurs par lâcheté. Cela étant, Rambo 2 – La Mission reste symbolique de la politique Reaganienne, fustigeant les régimes communistes, tout à la gloire du Pays de l’Oncle Sam où le Rêve américain est ouvert à tous, où le fric déborde de partout, sans oublier le culte du corps. Bref, l’hégémonie américaine est omniprésente.

Ayant abusé de la gonflette, Sylvester Stallone apparaît deux fois plus énorme que dans le premier. Tout est fait pour faire de son personnage une icône, une référence au même titre qu’un G.I. Joe. Tout est prétexte pour mettre en valeur les muscles bandés de l’acteur, y compris lorsqu’il affûte son couteau (avec sa lame également deux fois plus grande que dans Rambo), ou quand il lace ses Rangers comme dans la mythique bande-annonce. Difficile aujourd’hui de revoir Rambo 2 – La Mission sans sourire ou même rire devant la parade de Stallone. Pourtant, ce dernier assure. Il fait tout exploser à l’écran (des communistes surtout c’est vrai, puisque les méchants russes sont également de la partie contre notre super-héros), tire avant de parler, prend le temps de tomber amoureux tout en se recoiffant, prend un bain de boue, prépare son arsenal et surtout ses flèches avec lesquelles il rase une bonne partie de la jungle. Le sketch Rambo d’Albert Dupontel reste le meilleur résumé du film au monde.

S’il y a bien une chose que l’on ne peut nier ni reprocher à Sylvester Stallone, c’est sa générosité en ce qui concerne les scènes d’action. Rambo 2 – La Mission peut largement être critiqué, mais en aucun cas pour sa notion de divertissement. Le film reste d’ailleurs l’une des références en la matière et moult ersatz verront le jour après, sans jamais atteindre la réussite de spectacle pyrotechnique savamment mis en scène par George Pan Cosmatos, joliment photographié par le célèbre chef opérateur Jack Cardiff et toujours sur une musique tonitruante de Jerry Goldsmith. Sorti en 1985 et accompagné d’une campagne promotionnelle internationale dévastatrice, Rambo 2 – La Mission dépasse tous les pronostiques.

C’est vous qui avez commis une erreur.

Et vous allez me dire laquelle.

Rambo.

Si le budget est largement supérieur à celui du premier épisode avec 45 millions de dollars, le triomphe est ahurissant (voire obscène) avec 150 millions de dollars de recettes sur le sol américain, l’équivalent dans le reste du monde. En France, Sylvester Stallone connaîtra alors son plus grand succès en attirant près de six millions de spectateurs (deuxième plus gros hit de l’année derrière Trois hommes et un couffin de Coline Serreau) et rentre dans l’histoire en devenant le premier film à passer la barre des 500.000 entrées la première semaine. Il restera également pendant dix ans le plus gros démarrage en région parisienne avec plus de 80.000 spectateurs sur la première journée d’exploitation le 16 octobre 1985. La Rambomania bat son plein, les gamins jouent à la guerre dans la rue, les mecs bombent le torse et vont au club de gym, Ronald Reagan rêve d’avoir le nouveau patriote Rambo à ses côtés. Sly et Pan Cosmatos referont immédiatement équipe avec Cobra. Mais Sylvester Stallone prépare activement Rocky IV, qu’il a écrit entre deux prises de Rambo 2 – La Mission, et mettra quatre ans avant de revenir une troisième fois à Rambo.(à suivre…)

LE 4K UHD

Studiocanal regroupe les trois premiers opus de la saga Rambo dans un boîtier Steelbook. Cette édition se compose des Blu-ray 4K empilés sur le côté gauche du coffret et des Blu-ray traditionnels empilés sur la droite. Certains apprécieront, la plupart regretteront ce choix qui abîme les galettes. Autrefois apparu sous la forme d’une boîte de rationnement militaire ou même sous la forme d’une grenade, le coffret présenté ici est plus sobre, aux reflets verdâtres-argentés. Les seuls suppléments disponibles sur les disques UHD sont les commentaires audio, tout le reste est disposé sur les Blu-ray standard. Le menu principal est animé et musical.

Contrairement aux excellents commentaires audio présents sur le premier opus, celui du réalisateur George Pan Cosmatos (vostf) est soporifique et à fuir. Ce dernier paraphrase ce qui se passe à l’écran du début à la fin, s’endort visiblement parfois, puis reprend en racontant quelques anecdotes sans intérêt ou reprises dans les suppléments suivants de façon nettement plus enjouée.

Divisé en trois parties, l’acte II du nouveau documentaire intitulé Rambo, symbole des années 80 (12’) donne la parole à l’écrivain David Morrell, aux monteurs Adam Woodward et Joe Mackertich, au comédien Chris Murkey, au réalisateur Peter Macdonald (Rambo III), ainsi qu’à d’autres intervenants (des critiques notamment), qui replacent Rambo 2 – La Mission dans son contexte cinématographique, mais également historique et politique, ainsi que dans la carrière de Sylvester Stallone. Le ton est bien évidemment plus cynique et pince-sans-rire que pour le premier épisode.

Reprise ici du documentaire de 2002 intitulé On y va pour gagner (20’), suite d’Avant que le sang ne coule, réalisé pour le vingtième anniversaire de Rambo, et composé d’interviews des comédiens, de David Morrell, du réalisateur George Pan Cosmatos et des producteurs qui racontent plus ou moins les mêmes anecdotes et souvenirs de tournage déjà entendues précédemment. Ce qui n’empêche pas ce documentaire d’être très bon. Quelques photos et images de plateau viennent illustrer l’ensemble.

Dans la jungle (8’) est un making of d’époque composé d’interviews d’époque de Sylvester Stallone, de Julia Nickson-Soul et de George Pan Cosmatos, qui racontent les grandes lignes de cette suite.

Place à un document d’archive (2’) consacré à Robert Garwood, le dernier prisonnier de guerre américain capturé au Vietnam, libéré en 1979 après 14 ans de détention.

Le module suivant Sean Baker (2’) montre la visite sur le plateau d’un adolescent fan de Sylvester Stallone, qui aurait vu 220 fois le premier épisode. Le film de Ted Kotcheff et surtout la force surhumaine de Rambo aurait aidé le jeune homme, condamné par la maladie, à combattre le cancer qui le ronge. Devant la caméra, Sly tape la discute avec Sean Baker et lui raconte quelques souvenirs de tournage du premier film.

S’ensuivent deux interviews de Sylvester Stallone (2’) et Richard Crenna (1’30) réalisées sur le plateau.

L’éditeur propose ensuite un comparatif avant/après la restauration (1’), puis un montage d’images brutes de tournage (2’).

On termine par une séance de musculation ! Ne riez pas car Franco Columbu, alors âgé de 70 ans en 2011, va vous apprendre à devenir Rambo (14’). Dans sa salle de sport, le coach et docteur en chiropratique et nutrition raconte comment il a entraîné Sylvester Stallone et propose de nous montrer les exercices auxquels s’est plié le comédien au fil du tournage des trois épisodes.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce et des spots TV.

L’Image et le son

Comme pour le premier opus et pour le troisième dont le test arrive très bientôt, le transfert UHD pour Rambo 2 – La Mission tient toutes ses promesses. Le négatif original a été scanné en 4K chez Technicolor Hollywood avant d’être pris en charge par l’indispensable laboratoire Eclair pour sa remasterisation. La promotion 4K est ici encore plus flagrante que pour le film de Ted Kotcheff, plus sombre, plus poisseux. Ce qu’on l’on oublie souvent, c’est que la photographie de l’épisode réalisé par George Pan Cosmatos est vraiment très belle. Le travail du vétéran Jack Cardiff (Le Narcisse noir, Les Chaussons rouges, Pandora, La Comtesse aux pieds nus) n’a jamais été aussi choyé avec une luminosité de chaque instant et un aspect parfois ouaté du plus bel effet quand Rambo est en compagnie de sa douce. Voilà probablement l’édition Ultime de Rambo 2 – La Mission. Cette galette 4K Ultra-HD labellisée Dolby Vision HDR 10 est franchement superbe. La palette chromatique est resplendissante dès le premier plan sur la carrière, les verts et les marrons de la jungle ressortent comme jamais auparavant. Les explosions (la scène où Rambo court au ralenti) en mettent plein la vue. La propreté de l’image est remarquable, tout comme sa clarté, les contrastes, la gestion du grain argentique et des noirs. Le cadre large est loin d’être avare en détails, notamment sur la tronche burinée (et toujours en sueur) de Stallone et sur ses abdos huilés.

Les versions anglaise et française sont disponibles en DTS-HD Master Audio 5.1. Bon, ceux qui auront découvert le film dans la langue de Molière et qui restent attachés au doublage risquent d’être déçus devant le manque d’ampleur de cette option acoustique, même si l’ensemble est nettement plus agité que sur le premier. Le report des voix est trop léger ou sourd, tout comme la balance frontale. La piste originale est également mieux lotie, surtout lors de la dernière demi-heure où les explosions et les déflagrations s’enchaînent non-stop jusqu’au retour de Rambo où il détruit le matériel de l’armée. Alors, si cette piste anglaise DTS-HD Master Audio 5.1 n’atteint pas la dynamique des films contemporains, le spectacle est bel et bien présent avec des basses percutantes. La spatialisation est plus éloquente (ambiances de la jungle, rotors d’hélicoptères), et profite encore une fois à la composition de l’immense Jerry Goldsmith.

Crédits images : © Studiocanal/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test 4K Ultra-HD / Rambo, réalisé par Ted Kotcheff

RAMBO (First Blood) réalisé par Ted Kotcheff, disponible en Coffret Trilogie (4K Ultra HD + Blu-ray – Édition boîtier SteelBook) le 14 novembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Sylvester Stallone, Richard Crenna, Brian Dennehy, David Caruso, Jack Starrett, Bill McKinney, Michael Talbott…

Scénario : Michael Kozoll, William Sackheim, Sylvester Stallone d’après le roman Le Premier sang – First Blood de David Morrell

Photographie : Andrew Laszlo

Musique : Jerry Goldsmith

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 1982

LE FILM

John Rambo est un héros de la Guerre du Vietnam errant de ville en ville à la recherche de ses anciens compagnons d’armes. Alors qu’il s’apprête à traverser une petite bourgade pour s’y restaurer, le Shérif Will Teasle l’arrête pour vagabondage. Emprisonné et maltraité par des policiers abusifs, Rambo devient fou furieux et s’enfuit dans les bois après avoir blessé de nombreux agents. Traqué comme une bête, l’ex-soldat est contraint de tuer un policier en légitime défense. Dès lors, la police locale et la garde nationale déploient des moyens considérables pour retrouver le fugitif. Le Colonel Trautman, son mentor, intervient et essaie de dissuader les deux camps de s’entre-tuer pendant que Rambo, acculé et blessé, rentre en guerre contre les autorités.

Welcome to Hope !

Après Rocky, Rambo est bien évidemment le second personnage mythique interprété par Sylvester Stallone. Intitulé First Blood en version originale (ou le premier sang versé causé par celui qui ouvre les hostilités), Rambo dans nos contrées et Rambo : Le Dévastateur chez nos amis du Québec, est un grand classique et même un chef d’oeuvre absolu du cinéma américain des années 1980. Au-delà de son importance historique de par son sujet abordé des anciens soldats revenus du Vietnam et affrontant la haine de leurs concitoyens, Rambo, produit par Mario Kassar et Andrew G. Vajna, est également le film matriciel de tout le cinéma d’action qui allait envahir les salles du monde entier en faisant d’Arnold Schwarzenegger, Jean-Claude Van Damme et consorts les plus grandes stars de la décennie. Si la réputation du premier opus a pâti d’un second épisode nawak et parfaite antithèse du premier volet, Rambo est aujourd’hui considéré à l’unanimité comme une référence et n’a pas à rougir d’être cité aux côtés d’oeuvres emblématiques comme Voyage au bout de l’enfer, Taxi Driver, Platoon sans oublier le méconnu et pourtant précurseur Les Visiteurs d’Elia Kazan (1972). Alors en attendant de découvrir cette année le cinquième et dernier combat de John Rambo intitulé Last Blood, il est toujours bon de réviser ses classiques.

John Rambo, un ancien Béret vert et héros de la guerre du Vietnam, erre sans but de ville en ville depuis son retour aux Etats-Unis. En voulant rendre visite au dernier de ses anciens compagnons d’armes encore en vie, il apprend la mort de celui-ci des suites d’un cancer. Reprenant sa route, il arrive dans une petite ville d’une région montagneuse, afin de s’y restaurer. Mais le shérif de la ville, Will Teasle, prétextant ne pas vouloir de vagabonds dans sa ville, le raccompagne à la sortie de l’agglomération. Ulcéré, Rambo tente de faire demi-tour, mais il est alors arrêté sans ménagement par le shérif. Jeté en prison pour vagabondage et refus d’obtempérer, il est maltraité par un des policiers, Galt, qui le prend en grippe dès son arrivée. Rambo se révolte et, après une violente bagarre, s’enfuit du commissariat au guidon d’une motocyclette volée. Après avoir semé le shérif Teasle lors de sa dangereuse course-poursuite en voiture, Rambo se réfugie dans les bois qui garnissent la montagne. Traqué comme un animal par le shérif qui a rameuté ses troupes, Rambo est contraint à la défensive. Usant ensuite de son expérience des ruses de guerre, de la guérilla et des pièges acquise dans la jungle vietnamienne, il neutralise un à un les subordonnés de Teasle lancés à sa poursuite. Ignorant la menace, Teasle, après être revenu en ville, fait appel à la Garde nationale. Des moyens considérables sont alors déployés pour retrouver le fugitif. Le colonel Samuel Trautman, ancien mentor de Rambo, arrive sur les lieux et intervient pour convaincre Teasle d’abandonner un combat perdu d’avance : face au soldat surentraîné, ils n’auraient aucune chance.

Rambo est adapté du roman de David Morrell, Le Premier sang, publié en 1972, l’un des premiers ouvrages consacrés à la difficile réinsertion des vétérans ayant quitté l’Amérique de JFK sûrs de leur bon droit, pour retrouver une Amérique hippie et moralisatrice qui formulait de sévères critiques à leur encontre. Les sujets alors tabous de la dénonciation des horreurs de la guerre et surtout des troubles de stress post-traumatique sont également au centre de l’ouvrage. Projet passé dans les mains de réalisateurs frileux préférant repasser le scénario à un confrère et des acteurs de renom (Dustin Hoffman, Al Pacino, Steve McQueen, Clint Eastwood, Nick Nolte, Jeff Bridges, Robert De Niro, Michael Douglas, Terence Hill) refusant poliment, le script de Rambo est envoyé par Ted Kotcheff, finalement retenu, à Sylvester Stallone.

Révélé au monde entier avec Rocky en 1976, notre ami Sly est tout de suite passé à la mise en scène avec l’attachant La Taverne de l’enferParadise Alley, qui s’est soldé par un échec. Rocky II était déjà sur les rails, ce qui le maintenait à flot au box-office. Les Faucons de la nuitNighthawks de Bruce Malmuth et A nous la victoire de John Huston se ramassent également dans les salles. Pas de problème, Sly nous sort un Rocky III au triomphe international. Et c’est alors que Rambo arrive dans la vie du comédien. Derrière la caméra, le canadien Ted Kotcheff hérite donc du bébé. Essentiellement connu pour le frappadingue Réveil dans la terreurWake in fright (1971), ainsi que les excellentes comédies caustiques Touche pas à mon gazon (1977) et La Grande cuisine (1978), le réalisateur signera ici son film le plus célèbre. Quant à Sylvester Stallone, ce rôle, pour lequel il a réécrit une bonne partie du scénario original (dans lequel Rambo était décrit comme un vrai psychopathe et qui tuait sans aucun recul) afin de mieux se l’approprier, lui permet de livrer l’une de ses plus grandes prestations dramatiques.

John J. Rambo est un personnage éminemment tragique. Un jeune soldat transformé en machine à tuer, un monstre, un chien enragé qui se retrouve abandonné par ses « maîtres » une fois sa mission terminée. Le retour à la vie « normale » est donc difficile, voire impossible malgré les apparences. Les regards furieux dirigés contre lui en disent long sur la frustration des américains quant à leur défaite au Vietnam. Rambo est devenu le punching-ball idéal contre lequel les Etats-Unis vont s’acharner afin de mieux oublier l’issue de cette guerre. Les tortures et humiliations subies par le personnage principal apparaissent sous forme de flashbacks, des réminiscences plutôt, de façon sèche et quasi-subliminale, qui reflètent instantanément la psyché perturbée de Rambo. Stallone a donc réussi à faire passer son personnage du côté des victimes de l’armée, de la politique et de la société, plutôt que d’en faire un monstre décérébré ou un Terminator humain.

Le comédien n’est pas seul en piste dans ce premier volet et se voit solidement épaulé par le grand – au sens propre comme au figuré – Brian Dennehy, véritablement flippant dans le rôle du shérif Teasle, lui-même ancien de la Guerre de Corée, alors quasi-oubliée de la conscience collective et qui voit en Rambo un moyen cathartique de se livrer une violence jusqu’alors contenue. Quant au rôle du célèbre Colonel Trautman, un temps envisagé pour Kirk Douglas, Lee Marvin ou Gene Hackman, c’est finalement Richard Crenna qui l’endosse et qu’il reprendra dans les deux films suivants et pour ainsi dire dans le cultissime Hot Shots 2. Un certain David Caruso (sans ses lunettes de soleil, mais déjà roux) apparaît également dans l’un de ses premiers rôles au cinéma.

Tourné dans les magnifiques paysages sauvages de la province de Colombie-Britannique, Rambo combine à la fois le drame psychologique et le survival, le thriller et le film de guerre. Véritablement investi, Sylvester Stallone, pas encore bodybuildé à l’extrême parvient à rendre extrêmement fragile son personnage, créant immédiatement l’empathie pour cet être ravagé de l’intérieur, qui souhaite trouver le repos ou une main tendue qu’on lui refuse. Dans le premier montage livré aux spectateurs lors d’une projection-test, Rambo parvenait à détourner l’attention de Trautman pour que ce dernier l’assassine. Devant ce rejet unanime, le final est retourné, celui où Rambo est finalement se rend aux autorités (sur la sublime musique de Jerry Goldsmith) après s’être écroulé en pleurs dans les bras de celui qui a fait de lui ce qu’il est devenu.

Contre toute attente, y compris Sylvester Stallone qui ne croyait pas au personnage durant une bonne partie du tournage, Rambo est un succès dans le monde entier. Tourné pour un budget de 15 millions de dollars, le film en rapporte près de 50 millions sur le sol américain, 80 à l’étranger et attire plus de 3 millions de français dans les salles. Mais ce hit ne sera rien comparé à celui de Rambo II – La MissionFirst Blood Part 2…(à suivre)

LE 4K UHD

Studiocanal regroupe les trois premiers opus de la saga Rambo dans un boîtier Steelbook. Cette édition se compose des Blu-ray 4K empilés sur le côté gauche du coffret et des Blu-ray traditionnels empilés sur la droite. Certains apprécieront, la plupart regretteront ce choix qui abîme les galettes. Autrefois apparu sous la forme d’une boîte de rationnement militaire ou même sous la forme d’une grenade, le coffret présenté ici est plus sobre, aux reflets verdâtres-argentés. Les seuls suppléments disponibles sur les disques UHD sont les commentaires audio, tout le reste est disposé sur les Blu-ray standard. Le menu principal est animé et musical.

Rambo dispose de deux commentaires audio, disponible en version originale sous-titrée en français. Le premier est réalisé par l’auteur David Morrell, déjà disponible auparavant. Un excellent supplément, clair, net, précis, sans aucun temps mort, dans lequel David Morrell revient notamment sur la genèse de son roman, mais aussi sur les différences entre le film et son best-seller. Le tout parsemé d’anecdotes sur le tournage.

Le second commentaire est évidemment indispensable pour tous les fans puisque mister Sylvester Stallone prend le micro durant 1h30 pour évoquer TOUT ce qui concerne Rambo, la genèse (Sly ne voulait pas le faire, trouvant l’idée du film très mauvaise et le personnage repoussant), le tournage, sa préparation pour le rôle, mais aussi ses doutes, la réécriture du scénario, les conditions des prises de vue (marquées par des températures glaciales), la psychologie du personnage, les accessoires, le casting, les scènes coupées au montage, ses nombreuses blessures (« Les urgences en avaient marre de me voir tous les jours ! »), sa condition physique et le phénomène mondial qui allait être amplifié avec la sortie du deuxième épisode. Etrangement, Sylvester Stallone parle très peu de la mise en scène et de sa collaboration avec Ted Kotcheff. Mais le comédien considère Rambo comme le meilleur film d’action de sa carrière, raison pour laquelle il a voulu enregistrer ce commentaire audio assez exceptionnel.

Divisé en trois parties, l’acte I du nouveau documentaire intitulé Rambo, symbole des années 80 (18’) donne la parole à l’écrivain David Morrell, aux monteurs Adam Woodward et Joe Mackertich, au comédien Chris Murkey, au réalisateur Peter Macdonald (Rambo III), ainsi qu’à d’autres intervenants (des critiques notamment), qui replacent Rambo dans son contexte cinématographique, mais également historique et politique, ainsi que dans la carrière de Sylvester Stallone. Quelques arguments font écho avec ce qui a déjà pu être entendu dans les deux commentaires audio précédents, mais les propos tenus ici sont souvent passionnants.

Repris des éditions précédentes, le making of Avant que le sang ne coule (22’30) réalisé pour le vingtième anniversaire de Rambo, est composé d’interviews des comédiens, de David Morrell et des producteurs qui reprennent plus ou moins les mêmes anecdotes et souvenirs de tournage déjà racontés précédemment. Ce qui n’empêche pas ce documentaire d’être très bon.

Vous découvrirez ensuite la fameuse fin rejetée par les premiers spectateurs, celle où Rambo parvient à détourner l’attention de Trautman, pour que celui-ci lui tire dessus. « Vous m’avez créé, vous devez me tuer ». Curieux de voir le personnage s’écrouler et mourir à l’écran et surtout de constater que Trautman n’a finalement aucun remords en voyant Rambo décéder à ses pieds (2’).

La séquence inédite suivante (1’) reprend plus ou moins la précédente, mais Trautman refuse cette fois de pointer son arme sur Rambo. Cette séquence se termine par une petite blague de Sylvester Stallone qui fait rire l’équipe et son partenaire.

La scène coupée (2’30) évoquée lors des commentaires audio, se déroule après que Rambo ait tué le sanglier. Prenant un peu de repos à côté de son feu de camp, le personnage se remémore soudain sa rencontre avec une prostituée vietnamienne, une passion éphémère dans un bar, avant de retourner au combat.

L’éditeur propose ensuite un comparatif avant/après la restauration (1’30).

Place à un documentaire déjà vu sur les anciennes éditions, intitulé Le vrai Vietnam par ceux qui l’ont vécu (27′). Une archive qui combine les interviews de militaires (anciens officiers des renseignements de l’armée américaine, soldats) et de militants pour la paix, avec des images et photos hallucinantes du vrai conflit.

Si Rambo vous a donné envie de vous enrôler chez les Bérets verts – Green Berets, ne manquez pas La Formation des héros (10’), autrement dit un spot de propagande sur cette entité faisant partie des forces spéciales de l’United States Army (armée de terre américaine).

On termine par une séance de musculation ! Ne riez pas car Franco Columbu, alors âgé de 70 ans en 2011, va vous apprendre à devenir Rambo (14’). Dans sa salle de sport, le coach et docteur en chiropratique et nutrition raconte comment il a entraîné Sylvester Stallone et propose de nous montrer les exercices auxquels s’est plié le comédien au fil du tournage des trois épisodes.

L’interactivité se clôt sur deux bandes-annonces.

L’Image et le son

Ça va péter mon colonel ! Et le moins que l’on puisse dire c’est que ce transfert UHD tient toutes ses promesses. Le négatif original a été scanné en 4K chez Technicolor Hollywood avant d’être pris en charge par l’indispensable laboratoire Eclair pour sa remasterisation. Alors certes, le résultat à l’écran n’est pas aussi flagrant que pour Rambo 2 – La Mission et encore moins que pour Rambo III à qui cette promotion 4K sied le plus, mais toujours est-il que nous n’avions jamais vu le chef d’oeuvre de Ted Kotcheff dans ces conditions. Voilà probablement l’édition Ultime de Rambo. Il serait en effet difficile de faire mieux pour cet opus sans en dénaturer les volontés artistiques originales du chef opérateur Andrew Laszlo (Les Guerriers de la nuit, Massacre dans le train fantôme). L’attente a donc été longue, mais ceux qui auront acheté les différentes éditions de Rambo sur tous les supports l’auront constaté, la qualité allait toujours en s’améliorant. Cette édition 4K Ultra-HD labellisée Dolby Vision HDR 10 est l’apogée. La palette chromatique n’a jamais été aussi suintante avec ses nuances de verts et de bleus, des teintes froides voire glaciales, tandis que les explosions finales n’ont jamais été aussi luminescentes. La propreté de l’image est remarquable, tout comme sa clarté, la gestion du grain argentique et des noirs. Le cadre large est loin d’être avare en détails sur les paysages sauvages avec notamment une profondeur exceptionnelle.

Les versions anglaise et française sont disponibles en DTS-HD Master Audio 5.1. Bon, ceux qui auront découvert le film dans la langue de Molière et qui restent attachés au doublage risquent d’être déçus devant le manque d’ampleur de cette option acoustique. Le report des voix est trop léger ou sourd, tout comme la balance frontale. La piste originale est mieux lotie, même si cette fois encore le spectacle ne peut évidemment pas rivaliser avec les standards actuels. C’est dynamique, puissant même, surtout durant le dernier tiers où Rambo fait tout exploser, mais ne vous attendez pas à un fracas de tous les diables. La spatialisation reste dans la moyenne et profite surtout à la composition de l’immense Jerry Goldsmith.

Crédits images : © Studiocanal/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Mon ket, réalisé par François Damiens

MON KET réalisé par François Damiens, disponible en DVD et Blu-ray le 21 novembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : François Damiens, Matteo Salamone, Tatiana Rojo, Christian Brahy, Serge Hutry, Nancy Sluse…

Scénario : François Damiens, Benoît Mariage, Thomas Bidegain

Photographie : Virginie Saint-Martin

Durée : 1h29

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Dany Versavel a un souci avec son fils : à 15 ans, Sullivan ne veut plus d’un père qui fait le king derrière les barreaux. Pour Dany, son « ket », c’est sa vie, hors de question de le laisser filer. Il décide donc de s’évader de prison prématurément ! Entre cavales, magouilles et petits bonheurs, il a tant de choses à lui enseigner. Un apprentissage à son image. Au pied de biche, sans pudeur ni retenue. Mais là où l’on pouvait craindre le pire, se cache peut-être le meilleur…

François Damiens revient aux caméras cachées, pour le pire et sûrement pas pour le meilleur. Le comédien qui était expert en la matière au début des années 2000 avec son personnage devenu culte en Belgique puis en France de François l’Embrouille, passe derrière la caméra (toujours dissimulée) avec Mon ket. Pompage éhonté du génial Bad Grandpa de Jeff Tremaine avec Johnny Knoxville, ce premier long métrage, qui n’en est pas vraiment un vu le concept, ennuie du début à la fin et devient même gênant par sa nullité et ses gags supposés être drôles. On aime bien voire beaucoup François Damiens dans OSS 117 : Le Caire, nid d’espions, Dikkenek, JCVD, L’Arnacoeur, La Délicatesse, Suzanne, La Famille Bélier, mais son premier film en tant que réalisateur tombe complètement à plat et se révèle être un sacré accident de parcours.

Ce qui ne va pas en fait avec Mon ket, expression typiquement bruxelloise qui parle de la fierté d’être père, c’est son format. Si Les Onze Commandements de François Desagnat et Thomas Sorriaux, avec Michaël Youn, grand succès commercial de l’année 2004 avec 3 millions d’entrées et aujourd’hui l’un des champions des rediffusions télévisées, tenait à peu près la route, c’est parce que le film ne cherchait pas réellement à créer une histoire ou se donner des « airs de cinéma ». Tout tenait surtout sur un fil rouge sur lequel Youn et sa clique accrochaient leurs sketches pipi-caca-prout, le tout chapitré, comme sur un DVD où l’on passerait d’une scène à l’autre en appuyant sur la touche Skip, selon les (mauvais) goûts des spectateurs. Même chose pour Connasse, Princesse des coeurs avec Camille Cottin, également construit sur le même principe et dont la réussite tenait cette fois encore sur la personnalité de son excellente comédienne. Dans Mon ket, François Damiens, voulant évoquer les thèmes de la paternité de la filiation, s’évertue à vouloir donner un semblant d’émotions en « incarnant » un prisonnier qui se fait la malle dans le but de retrouver son fils, pour lui prouver qu’il sait être responsable. Grave erreur, mais pas que.

En guise d’introduction, un carton annonce les intentions et les partis pris. Comme si le réalisateur, finalement peu convaincu par le résultat lui-même, avait décidé de rajouter cette note explicative afin de bien informer son audience que les protagonistes du film sont bel et bien des victimes de canulars, si cela n’était pas clair. Mais rien ou presque ne fonctionne, même si l’on retrouve à l’écriture le nom de Benoît Mariage, auteur et metteur en scène des Convoyeurs attendent (1999). Pour ce retour aux sources, François Damiens paraît lui-même peu inspiré et à la qualité déjà médiocre des caméras cachées s’ajoute une pauvreté de « dialogues » due à un manque d’inspiration lors des improvisations. Alors, Mon ket n’est-il qu’un caprice ? On y pense tout du long.

Depuis l’arrêt de ses impostures en raison de sa célébrité croissante, François Damiens est devenu un comédien très prisé et son visage est maintenant très connu en France et en Belgique. Les scènes coupées sur le DVD montrent que les gens le reconnaissaient souvent malgré le maquillage, les prothèses dentaires, les perruques et la fausse bedaine. Du coup, son entreprise tombe à plat et les séquences, on peut parler de saynètes complètement inégales, gardées au montage (sur 600 heures de rushes !) ne sont franchement pas amusantes, ou arrachent seulement quelques sourires amusés, mais imputables surtout à la sympathie que l’on éprouve pour l’acteur. Préférez donc la version originale, Bad Grandpa, qui allait loin, bien plus que ce Ket trop sage, redondant, fatiguant, interminable et même consternant.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Mon ket, disponible chez Studiocanal, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe et musical.

L’interactivité vaut bien plus que le film !

Commencez donc par le segment intitulé Parole au piégés (32’), qui comme son titre l’indique compile les interventions des « victimes » de François Damiens. Certains propos valent leur pesant et le tout est illustré par quelques images inédites.

Les scènes coupées sont également bien plus drôles que celles finalement conservées au montage final (24’). C’est le cas pour un gardien de prison plus virulent envers son détenu ou le repas avec les futurs beaux-parents.

Enfin, nous trouvons également un montage de prises ratées où François Damiens est rapidement reconnu par celles et ceux qu’il souhaitait piéger (4’).

L’Image et le son

Tourné entièrement, ou presque, en caméra cachée, l’apport HD pour Mon ket est évidemment extrêmement limité. Les prises de vue sont parfois effectuées à travers des glaces sans tain, avec des mini-caméras, des caméras de surveillance et autres prismes. La définition est donc aléatoire, quelques flous s’invitent souvent à la partie et le piqué des champs-contrechamps peut varier au cours d’une même séquence. Un petit plus en netteté sur les parties « fictives » à la mise en scène plus traditionnelle, mais le Blu-ray est largement dispensable sur un titre comme Mon ket.

Comme pour l’image, la piste DTS-HD Master Audio 5.1 ne sert pas à grand-chose ici. Peut-être lors de l’évasion en hélicoptère ou pour spatialiser la bande-son (notamment le Felicità d’Al Bano et Romina Power) et la séquence du karaoké où tout le monde entonne Pour le plaisir d’Herbert Léonard. Le reste du temps, l’acoustique se concentre sur les frontales et essentiellement sur la centrale où les dialogues ressortent sans peine. L’éditeur joint également une piste Audiodescription, ainsi que les sous-titres destinés aux spectateurs sourds et malentendants.

Crédits images : © Studiocanal/ Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / L’Année dernière à Marienbad, réalisé par Alain Resnais

L’ANNÉE DERNIÈRE À MARIENBAD réalisé par Alain Resnais, disponible en combo Blu-ray/DVD le 25 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Giorgio Albertazzi, Delphine Seyrig, Sacha Pitoëff, Jean Lanier, Françoise Spira, Gilles Quéant…

Scénario : Alain Robbe-Grillet

Photographie : Sacha Vierny

Musique : Francis Seyrig

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Dans un château de Bohême transformé en hôtel, des gens vivent dans une atmosphère feutrée. Ils sont là pour se reposer, et tout autre bruit que quelques paroles chuchotées est proscrit. Un homme s’attache à une femme et tente de la persuader qu’ils ont eu une aventure, l’année dernière, à Marienbad.

Et si L’Année dernière à Marienbad était le plus grand film fantastique français ? Film phare de la Nouvelle Vague, le second long métrage réalisé par Alain Resnais est tellement riche, insondable, pluriel, que les années n’ont aucune emprise sur lui. Scandale à sa sortie puisqu’il remettait en question le principe de la narration classique en rejetant toute notion d’intrigue, ce gigantesque chef d’oeuvre absolu de l’histoire du cinéma n’a jamais révélé et ne révélera d’ailleurs jamais toutes ses facettes. Ouvert à toutes les interprétations, L’Année dernière à Marienbad, écrit par l’un des chefs de file du Nouveau roman, Alain Robbe-Grillet, restera à jamais un film énigmatique, mystérieux, doublé d’un extraordinaire objet visuel avec une mise en scène à se damner et une photographie N&B qui sublime les décors de Bernard Evein, les costumes créés par Coco Chanel et l’immense comédienne Delphine Seyrig dans son premier vrai rôle au cinéma.

Une soirée théâtrale dans un somptueux palace d’une ville d’eau allemande. Un homme très élégant rencontre une femme et s’efforce de la persuader que, l’année précédente, à Marienbad, elle avait promis de tout quitter pour vivre avec lui. La femme ne se souvient absolument pas d’avoir eu une telle conversation avec lui. L’homme la poursuit pourtant et la harcèle, parfois doucereux, quelquefois inquiétant. Décontenancée, elle ne sait si elle le désire, s’il la répugne, si elle lui obéira. Les jardins et les décors de l’hôtel sont intimement liés à sa longue quête intérieure…

Est-ce un rêve éveillé ? Un cauchemar qui revient en boucle des suites d’un traumatisme, peut-être un viol refoulé ? Où est-on réellement ? Au purgatoire ? Les personnages sont-ils tous décédés ? Les statues du parc se sont-elles animées comme par enchantement ? « A », cette femme brune inaccessible, est-elle née du désir de l’homme de voir apparaître sa moitié à ses côtés ? Son visage de marbre reflète-t-il la matière dont elle était faite quelques instants auparavant ? Tant de questions et encore plus qui nous viennent à l’esprit durant 1h35, tandis qu’Alain Resnais nous ravit le coeur et les yeux par la beauté incandescente de ses travellings.

Pourquoi « X » (Giorgio Albertazzi), cet homme à l’accent italien, essaye par tous les moyens d’atteindre et de convaincre cette beauté brune qui ne se souvient pas de lui ? Lorsqu’il croit l’avoir fait, elle s’est déplacée sur une autre pointe du temps, un autre souvenir : il faut la convaincre à nouveau. De nouveaux cauchemars se dressent devant lui : est-il sûr que c’est elle qu’il aime ? Est-il sûr de l’avoir rencontré ? Pourquoi cet inconnu doit également affronter à plusieurs reprises un autre homme, « M » (Sacha Pitoëff), un joueur invétéré, peut-être l’époux de « A », dans une partie de jeu d’allumettes où le sort semble s’acharner contre « X » systématiquement.

D’entrée de jeu, Alain Resnais fait perdre ses repères au spectateur à travers les interminables couloirs labyrinthiques et les hauts plafonds d’un palace baroque. Dans les allées des jardins à la française, des individus en smoking ou en robe de soirée restent figés sur place, comme si le temps était suspendu. Pourtant, dans le palais, une pièce de théâtre se joue, tandis que les discussions s’animent d’un salon à l’autre. Les propos sont opaques, n’ont aucun sens ou reprennent certaines répliques de la pièce. Seul un homme, « X » donc, semble être animé par une réelle conscience et pourvu d’émotions, comme Bérenger dans Rhinocéros de Ionesco. Autour de lui, les personnages s’apparentent à des pantins animés par le même marionnettiste. Et c’est dans ce décor majestueux que nous suivons X et A, eux-mêmes perdus dans le temps puisque les costumes peuvent changer d’une pièce à l’autre, dans un même plan.

Alain Resnais et Alain Robbe-Grillet ne donneront aucune explication et le spectateur ne connaîtra jamais la vérité. A sa sortie en 1961, L’Année dernière à Marienbad est accueilli par une presse plutôt favorable, même si ses détracteurs sont particulièrement virulents, en avançant comme argument que le rôle du cinéma, divertir les spectateurs, est bafoué au profit de l’intelligentsia. Si le succès est nettement moins conséquent qu’Hiroshima mon amour (2,2 millions d’entrées), le deuxième film d’Alain Resnais, Lion d’or au Festival de Venise, Prix Méliès, Prix du meilleur film français du syndicat de la critique de cinéma attire quand même près de 900.000 français dans les salles, tous attirés par ce véritable phénomène sur lequel tout le monde souhaite avoir une opinion. Mais la plupart demeureront dubitatifs devant ce récit obscur, ce refus de la chronologie, ces apparents flashbacks et sauts dans le temps soulignés par la lancinante, envoûtante et hypnotique partition de Francis Seyrig, frère de la comédienne.

C’est ce renoncement au naturalisme, qui a ensuite inspiré moult cinéastes, de David Lynch à Gus Van Sant, en passant par Stanley Kubrick, procédé très avant-gardiste et d’ailleurs toujours aussi moderne en 2018, qui a décontenancé la plupart des spectateurs. L’Année dernière à Marienbad est inclassable puisque le genre auquel il appartient n’est autre que le film lui-même, comme s’il se basait sur un jeu sans aucune règle (comme celui des allumettes et des cartes qui revient dans le film), si ce n’est se laisser emporter par la mise en scène sans cesse inspirée et d’où naît l’émotion. De ce labyrinthe de mots et d’images naît le trouble, de cette révolution esthétique le coeur s’emballe. Loin d’être un pensum prétentieux et verbeux, ce puzzle complexe foudroie du début à la fin et s’inscrit de façon indélébile dans les mémoires. Et l’on reviendra toujours se perdre dans ce dédale intrigant, onirique, déroutant, froid en apparence, pourtant accueillant, hors du temps, qui bouscule et fait confiance à l’intelligence d’une audience toujours flattée qu’on lui propose une expérience de cinéma unique en son genre.

LE BLU-RAY

Quasiment dix ans après sa première édition en Haute-Définition, L’Année dernière à Marienbad fait son grand retour en Blu-ray dans une version restaurée inédite. Le test a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

Tout d’abord, l’éditeur reprend l’intégralité des suppléments disponibles sur l’édition HD de novembre 2009, à savoir :

Toute la mémoire du monde (1956-21’)  et Le Chant du Styrène (1958-13’), deux courts-métrages réalisés par Alain Resnais. A travers une superbe mise en scène, le premier film dévoile l’organisation au sein de la Bibliothèque Nationale de Paris, 58 rue de Richelieu. Sur un scénario de Rémo Forlani et une musique de Maurice Jarre, ce documentaire rend hommage à tous les employés qui répertorient, classent et entretiennent tous les ouvrages et sans qui ce trésor serait inaccessible. Quelque part, Toute la mémoire du film annonce L’Année dernière à Marienbad. Plongez dans ce véritable coffre-fort et musée des mots où lectures, œuvres précieuses et introuvables, connaissances, catalogues et collections de livres sont enfermés, répertoriés, analysés, classés, notés, étiquetés, enregistrés et consultés.</

Le second film met en images le poème éponyme de Raymond Queneau en alexandrins. Du bol en plastique jusqu’au pétrole, toute la chaîne industrielle conduisant à la fabrication des objets en plastique est parcourue en remontant à la source. Une visite des usines Péchiney guidée par la voix de Pierre Dux. Le fabricant de polystyrène avait commandé ce film qui devait être à la gloire de ce “noble matériau entièrement créé par l’homme”.

Alain Robbe-Grillet, épisode de la série documentaire 1 siècle d’écrivains (1999-18’30) : Le réalisateur Frédéric Compain déclare sur la genèse de ce documentaire : « Au lycée, vers l’âge de 17 ans, j’ai lu un roman d’Alain Robbe-Grillet. En 1973, 20 ans après sa parution, Les Gommes était au programme du bac français. On découvrait toute une littérature qui, disait-on, s’affirmait par des refus. On évitait par contre de souligner à quel point son œuvre – toujours très contestée – était hantée par des fantasmes sado-masochistes. Alain Robbe-Grillet est étudié, décortiqué, scannérisé, mais est-il vraiment lu ? Cet homme en mouvement, cet écrivain vivant, je voulais le connaître. Une certaine image de la littérature laissait imaginer un écrivain vieillissant, vaniteux et blasé. J’ai découvert, étonné, un homme encore jeune, insolent, jouant ouvertement au sale gosse, lui “le pape du nouveau roman” qui, avec Nathalie Sarraute, Samuel Beckett, Marguerite Duras et Michel Butor avaient tant secoué la littérature contemporaine. Aujourd’hui, plus de 20 ans après, il m’a dit : “Pourquoi nous n’irions pas à l’île d’Ouessant ? On pourrait y faire un film. Sur moi. Avec vous.” J’ai dit oui, je veux bien ». L’écrivain se livre face à la caméra, chez lui, tandis que diverses archives complètent et illustrent ses propos. Egalement au programme, des extraits d’interviews diverses et variées, de conférences et d’interventions télévisées.

Professeure en études cinématographiques à King’s College London et critique de cinéma à Sight and Sound, Ginette Vincendeau propose ensuite une formidable présentation (en anglais sous-titré français) de L’Année dernière à Marienbad (2005-18’30). Le chef d’oeuvre d’Alain Resnais est analysé sous tous les angles, sur le fond comme sur la forme. Ginette Vincendeau propose également de multiples interprétations du film, tout en le remettant dans son contexte cinématographique et même littéraire puisque L’Année dernière à Marienbad reste évidemment lié à l’émergence du Nouveau roman dont Alain Robbe-Grillet était l’un des chefs de file.

Vous pouvez compléter cette intervention par l’essai en vidéo réalisé par Luc Lagier, intitulé Dans le labyrinthe de Marienbad (33’). Résumer ce module (découpé en plusieurs chapitres) serait bien trop complexe tant celui-ci regorge en détails et analyses absolument indispensables, qui pourront donner quelques pistes ou éclaircissements sur une œuvre qui de toute façon ne révélera jamais toutes ses facettes et ses recoins cachés. Par ailleurs, le parallèle établi entre L’Année dernière à Marienbad et Shining de Stanley Kubrick est aussi troublant que passionnant. Même chose concernant les points communs entre le chef d’oeuvre d’Alain Resnais et La Mort aux trousses d’Alfred Hictchcock, ce dernier étant d’ailleurs présent dans le film…

Les seuls bonus inédits sont la bande-annonce de la version restaurée, ainsi qu’un entretien croisé de François Thomas, spécialiste de l’oeuvre d’Alain Resnais, Catherine Robbe-Grillet (écrivaine et épouse d’Alain Robbe-Grillet) et la comédienne Anna Mougladis. Ce supplément de trente minutes replace L’Année dernière à Marienbad dans la carrière respective du cinéaste et du scénariste, jusqu’à leur rencontre et leur désir de collaborer ensemble puisqu’ils étaient chacun admiratif du travail de l’autre. L’écriture du film, son tournage, la bande-son, les thèmes, sa sortie, tout y est évoqué avec une passion contagieuse.

L’Image et le son

L’Année dernière à Marienbad avait déjà bénéficié d’une édition HD en 2009. Le même éditeur propose cette fois le film d’Alain Resnais dans une version entièrement restaurée. Sublime ! Ce Blu-ray présenté au format respecté est on ne peut plus flatteur pour les mirettes. Tout d’abord, le splendide N&B de Sacha Vierny (Hiroshima mon amour, Belle de jour) retrouve une densité inespérée dès l’ouverture. La restauration est indéniable, aucune poussière ou scorie n’a survécu au scalpel numérique, l’image est d’une stabilité à toutes épreuves. Les contrastes sont fabuleux et le piqué n’a jamais été aussi tranchant. Le grain original est présent, sans lissage excessif, ce qui devrait rassurer les puristes. Le cadre fourmille de détails. Une des éditions incontournables de l’année 2018 !

Egalement restaurée, la piste DTS-HD Master Audio Mono instaure un haut confort acoustique avec des dialogues percutants et une très belle restitution des effets annexes. Aucun souffle sporadique ni aucune saturation ne sont à déplorer. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test DVD / Le Cercle littéraire de Guernesey, réalisé par Mike Newell

LE CERCLE LITTÉRAIRE DE GUERNESEY (The Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society) réalisé par Mike Newell, disponible en DVD le 16 octobre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Lily James, Michiel Huisman, Matthew Goode, Jessica Brown Findlay, Tom Courtenay, Penelope Wilton, Katherine Parkinson, Glen Powell…

Scénario : Kevin Hood, Thomas Bezucha, Don Roos d’après le roman “Le cercle littéraire des amateurs d’épluchures de patates” de Annie Barrows et Mary Ann Shaffer

Photographie : Zac Nicholson

Musique : Alexandra Harwood

Durée : 1h59

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Londres, 1946. Juliet Ashton, une jeune écrivaine en manque d’inspiration, reçoit une lettre d’un mystérieux membre du Club de Littérature de Guernesey créé durant l’Occupation. Curieuse d’en savoir plus, Juliet décide de se rendre sur l’île et rencontre alors les excentriques membres du Cercle littéraire des amateurs d’épluchures de patates dont Dawsey, le charmant et intrigant fermier à l’origine de la lettre. Leurs confidences, son attachement à l’île et à ses habitants ou encore son affection pour Dawsey changeront à jamais le cours de sa vie.

Il y a des films que l’on regarde confortablement installé dans un canapé, calfeutré sous un plaid, bien au chaud, en sirotant un thé (ou un bon Whisky certes), tandis qu’il fait un froid de canard dehors. Le Cercle littéraire de Guernesey en fait partie. Réalisée par le vétéran Mike Newell (né en 1942), cette adaptation du best-seller de Mary Ann Shaffer et Annie Barrows, le roman épistolaire Le Cercle littéraire des amateurs d’épluchures de patatesThe Guernsey Literary and Potato Peel Pie Society, phénomène littéraire de l’année 2008, n’a pourtant rien de bien original et remplit un cahier des charges sans se forcer. Cette histoire non dépourvue de multiples clichés se laisse surtout voir pour ses comédiens (Michiel Huisman aka Daario Naharis de la série Game of Thrones, le grand Tom Courtenay), tous charismatiques en diable et surtout talentueux, en particulier la désormais omniprésente Lily James. L’actrice de 29 ans, étoile montante du cinéma anglais et révélation du Cendrillon de Kenneth Branagh, hérite ici d’un rôle qui aurait été destiné à Keira Knightley il y a dix ans et confirme décidément tout le bien qu’on pensait d’elle après Baby Driver d’Edgar Wright , Trahisons de David Leveaux et la mini-série Guerre et Paix.

S’installer devant Le Cercle littéraire de Guernesey c’est un peu comme se mettre devant un feu de cheminée, au calme, caresser par la chaleur qui en émane. En tant que vieux briscard derrière la caméra, le réalisateur éclectique (qui a dit « faiseur »?) de Quatre mariages et un enterrement (1994), Donnie Brasco (1997), Le Sourire de Mona Lisa (2003), Harry Potter et la Coupe de feu (2005), Prince of Persia : Les Sables du temps (2010) se repose également lui-même, comme s’il devenait spectateur de son propre film. La mise en scène est donc un rien pépère, fonctionnelle, et se contente de capturer les merveilleux paysages naturels (même si le film n’a pas été tourné sur l’archipel éponyme en raison de soucis logistiques) et la performance de ses formidables acteurs.

L’audience est en territoire connu et rien ne viendra vraiment bouleverser l’ensemble, tant les moments attendus se succèdent du début à la fin. Mais ce n’est pas grave, car même si l’on sait d’avance comment cette histoire va se terminer, on est finalement pris par ce récit qui commence de façon plutôt légère avec des personnages malins, évidemment très attachants et même drôles, mais qui révèlent très vite une face cachée. Juliet se rendra compte très vite qu’un secret, une blessure, un traumatisme liés à l’occupation nazie se dissimulent derrière ces apparents sourires et apprendra progressivement à se faire accepter par ce groupe, tout en tombant sous le charme de cette île Anglo-Normande et d’un intrigant fermier du cru.

The Guernsey Literary and Potato Peel Pie (un des titres anglais les plus longs de l’histoire du cinéma) est au final un pur mélodrame historique, mais aussi une histoire d’amour teintée d’aventures, certes trop sage avec Newell qui retombe parfois dans les mêmes travers pompeux que sa transposition de L’Amour au temps du choléra. Toutefois, la reconstitution est élégante (jusqu’aux costumes) et le tout n’en demeure pas moins divertissant et bourré de charme.

LE DVD

Pas d’édition HD pour Le Cercle littéraire de Guernesey, pourtant les paysages le méritaient ! Néanmoins, Studiocanal propose le film de Mike Newell dans un DVD de très bonne qualité. On a quand même du mal à reconnaître Lily James sur la jaquette. Le menu principal est fixe et muet.

En complément, l’éditeur joint un mini-making of classique de 7 minutes, composé d’images de tournage et d’interviews de l’équipe.

L’Image et le son

C’est en découvrant le master SD soigné du Cercle littéraire de Guernesey que l’on regrette l’absence d’une édition en Haute définition. Si le piqué n’est pas aussi ciselé sur les séquences sombres ou tamisées, la colorimétrie est d’une richesse impressionnante, les contrastes sont tranchants et les détails abondent aux quatre coins du cadre. Le relief est omniprésent, la clarté très appréciable.

Nous n’avons pas non plus à nous plaindre des mixages français et anglais Dolby Digital 5.1 qui répartissent les répliques, la musique et les effets avec une belle fulgurance. Il est évidemment nécessaire de visionner Le Cercle littéraire de Guernesey en version originale, même si la piste française s’en sort aussi bien. Les enceintes s’en donnent à coeur joie dans les envolées musicales. L’éditeur joint également une piste Audiodescription, ainsi que les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Kerry Brown / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Religieuse, réalisé par Jacques Rivette

LA RELIGIEUSE réalisé par Jacques Rivette, disponible en combo Blu-ray/DVD le 18 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Anna Karina, Liselotte Pulver, Micheline Presle, Francine Bergé, Francisco Rabal, Yori Bertin, Catherine Diamant…

Scénario : Jean Gruault, Jacques Rivette d’après le roman “La Religieuse” de Denis Diderot

Photographie : Alain Levent

Musique : Jean-Claude Eloy

Durée : 2h20

Date de sortie initiale : 1966

LE FILM

Au XVIIIe siècle, Suzanne Simonin est cloîtrée contre son gré dans un couvent. Elle trouve un peu de réconfort auprès de la Mère supérieure, mais celle-ci meurt peu après, et est remplacée par une femme sadique qui ne cesse de brimer Suzanne. La jeune femme obtient l’autorisation de changer de couvent, mais reste toujours aussi déterminée à sortir.

Librement adapté d’une œuvre polémique de Diderot…

C’est le film français à avoir provoqué le plus grand scandale dans les années 1960. C’est aussi le second long métrage du réalisateur Jacques Rivette (1928-2016), critique – comme Eric Rohmer et Jean-Luc Godard – aux Cahiers du cinéma depuis 1953 où il devient directeur en chef de la revue dix ans après. Après quelques courts-métrages (Le Quadrille, Le Coup du berger), il signe son premier long en 1960 avec Paris nous appartient. La Religieuse, également connu sous son titre original Suzanne Simonin, la Religieuse de Denis Diderot est rétrospectivement l’oeuvre la plus célèbre de son auteur avec La Belle Noiseuse (1991) et son plus grand succès. Nul autre film dans sa carrière n’aura un tel retentissement et un tel impact. Chef d’oeuvre absolu et d’une folle modernité, La Religieuse offre également à la splendide Anna Karina son plus beau rôle au cinéma.

Les deux sœurs de Suzanne Simonin ont été richement dotées. Leur père n’a plus les moyens d’en faire autant pour Suzanne qui, de plus, n’est pas sa fille. La solution, au XVIIIe siècle, est simple, expéditive : mettre l’enfant mal-aimée au couvent. Suzanne refuse de prononcer ses vœux de chasteté, de pauvreté et d’obéissance, mais nul ne l’entend et elle se retrouve cloîtrée contre son gré au couvent de Longchamp que dirige Mme de Moni. Cette dernière convainc la jeune fille d’accepter son destin et de prononcer ses vœux. Mais, après la mort de la Supérieure, Mère Sainte Christine impose une discipline de fer. Elle enferme Suzanne dans sa cellule et pour faire échec à sa tentative de résiliation de ses vœux, affirme qu’elle est possédée du démon. Innocentée, Suzanne est transférée au couvent d’Arpajon où règne une totale liberté instaurée par la supérieure, Mme de Chelles. Celle-ci s’intéresse beaucoup à Suzanne et commence par lui faire quelques avances amoureuses puis sexuelles.

Les spectateurs ne manqueront pas de s’interdire toute généralisation hâtive, injuste et évidemment indéfendable…

Qui d’autre qu’Anna Karina aurait pu incarner cette jeune femme rebelle à toute autorité, et désirant retourner à la vie civile, malgré la cruauté d’une abbesse sadique qui lui inflige humiliations et tortures, la croyant possédée par le diable ? Quasiment de tous les plans, la comédienne alors âgée de 25 ans est devenue le visage de la Nouvelle Vague avec déjà à son palmarès Le Petit Soldat, Une femme est une femme, Vivre sa vie, Bande à part et Alphaville, une étrange aventure de Lemmy Caution, tous réalisés par son compagnon Jean-Luc Godard. Le projet remonte à la fin des années 1950. Le célèbre et grand producteur Georges de Beauregard propose à Jacques Rivette de réaliser l’adaptation du livre de Diderot. En 1962, un avis de précensure défavorable de la commission de contrôle conduit les scénaristes Jacques Rivette et Jean Gruault à le transposer tout d’abord au théâtre (les trois coups retentiront d’ailleurs au début du film) au Studio des Champs-Elysées en 1963. Anna Karina interprète le rôle principal de la pièce mise en scène par Jean-Luc Godard, qui n’entraîne d’ailleurs aucun scandale et n’obtient pas de succès. Puis les deux scénaristes revoient leur copie afin que le film puisse obtenir une autorisation pour les spectateurs âgés de plus de 18 ans. La Religieuse n’est même pas encore tourné, qu’il se voit en fait déjà interdire.

Des religieuses et des associations de parents d’élèves de l’enseignement privé appellent au boycott. En 1965, la présidente de l’Union des supérieures majeures de France s’adresse directement à Alain Peyrefitte, ministre de l’information. Ce dernier « entend » son inquiétude quant au « caractère blasphématoire de ce film qui déshonore les religieuses ». Jacques Rivette entreprend néanmoins le tournage de La Religieuse, même s’il essuie le refus des monuments historiques pour effectuer ses prises de vue à l’abbaye de Fontevraud. La commission de contrôle autorise enfin la distribution de La Religieuse avec une interdiction aux moins de 18 ans. C’est alors qu’Yvon Bourges, secrétaire d’État à l’information, ainsi que Maurice Grimaud, directeur de la sécurité nationale, interdisent totalement la distribution et l’exportation du film, en prétextant que La Religieuse risque de troubler l’ordre public.

Là-dessus Jean-Luc Godard intervient et interpelle André Malraux, ministre de la culture. Le scandale est national et passe même les frontières françaises. Le film de Jacques Rivette parvient à être sélectionné au Festival de Cannes en 1966. Le producteur Georges de Beauregard se lance dans une bataille juridique et la remporte en 1967 auprès du tribunal administratif. L’interdiction d’exploitation est levée, à l’exception de celle aux moins de 18 ans. La Religieuse sort bel et bien le 26 juillet 1967 dans cinq salles parisiennes, plus d’un an après sa première projection sur la Croisette. C’est un triomphe avec près de trois millions d’entrées. Il faudra tout de même attendre 1975 pour que l’interdiction complète soit levée de façon définitive.

Mais La Religieuse ou Suzanne Simonin, la Religieuse de Denis Diderot va bien au-delà du scandale provoqué à sa sortie. Plus de cinquante ans après, sa modernité étonne encore et le film est loin d’être académique ou « poussiéreux ». Avec sa grâce, son regard bleu perçant, son visage ovale emprisonné dans un voile et son corps sans cesse en mouvement qui reflète sa rébellion contre l’institution, Anna Karina enflamme la pellicule. Jacques Rivette suit son personnage après avoir prévenu dans un sublime prologue que Suzanne ne s’en sortira pas. Chronique d’une mort ou d’une résignation annoncée ? Le spectateur suit le quotidien de Suzanne et devient le témoin de sa lutte acharnée pour sortir de cette prison où on l’a placée de force. Ses rencontres, déterminantes ou pas, s’enchaînent, l’espoir parvient à renaître parfois, mais les désillusions reviennent très vite. Il n’y a rien d’austère dans La Religieuse, film de chair et de sang qui palpite. Derrière la photo et les partis pris froids du chef opérateur Alain Levent, c’est un récit sur la volonté de vivre librement sa vie que nous raconte Jacques Rivette.

Le montage capte l’attention du spectateur sur 2h20, sans un moment de répit. Si Anna Karina reste le diamant du film, ses partenaires, Liselotte Pulver, Micheline Presle, Kean Martin et bien d’autres, témoignent de la solide direction d’acteurs du cinéaste qui rappelons-le n’en était qu’à son second long métrage. La Religieuse demeure l’une des plus grandes expériences du cinéma français des années 1960, un chef d’oeuvre à l’apparence épurée et pourtant d’une richesse thématique et formelle (un certain Claude Zidi à la caméra), parfois quasi-fantastique, insondable qui traverse le temps sans une égratignure. En 2013, une nouvelle et excellente transposition du roman de Denis Diderot réalisée par Guillaume Nicloux sort sur les écrans, avec Pauline Etienne dans le rôle principal.

LE BLU-RAY

Le chef d’oeuvre de Jacques Rivette fait son retour chez Studiocanal, dans un combo Blu-ray/DVD. Le menu principal est animé sur une séquence du film.

En plus de la bande-annonce de la version restaurée, l’éditeur joint un documentaire intitulé Suzanne Simonin …la scandaleuse !, réalisé par Dominique Mallet (28’). Ce module se compose des interventions de Georges Kiejman, avocat et homme politique (ancien ministre sous Mitterrand), et de la grande Anna Karina. Les deux invités reviennent sur toutes les étapes de la sortie houleuse de La Religieuse au cinéma. La comédienne évoque la pièce de théâtre originale puis les menaces de mort qui l’ont conduit à déménager, tandis que l’homme de loi et ancien avocat du producteur Georges de Beauregard replace surtout l’affaire dans son contexte, deux ans avant les événements de mai 68. La mise en scène, les intentions et les partis pris de Jacques Rivette sont abordés dans un second temps, ainsi que le triomphe du film.

L’Image et le son

Entièrement restauré par L’Immagine Ritrovata, La Religieuse profite de cette élévation en Haute-Définition. Les couleurs froides voire glaciales sont nettes et tranchées, les noirs denses, les contrastes sont parfois trop appuyés dans la première partie, mais trouvent ensuite un bon équilibre. Le grain original est heureusement respecté et bien géré, tandis que les nombreux gros plans ne manquent pas de détails. La sublime photographie d’Alain Levent aux ambiances bleutées est admirablement restituée, tout comme les séquences partagées entre ombre et lumière, qui reflètent les tourments et l’espoir de Suzanne. Hormis quelques baisses de la définition et de légers flous, ce Blu-ray de La Religieuse est superbe.

La piste DTS-HD Master Audio mono 2.0 n’est certes pas exempt de sensibles saturations, résonances et de quelques répliques qui paraissent étouffées, mais le confort acoustique est suffisamment assuré. Aucun souffle n’est à déplorer et les sensibles ambiances environnantes sont bien délivrées, même à volume peu élevé. L’ensemble est clair et distinct, la propreté est de mise. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Mort a pondu un oeuf, réalisé par Giulio Questi

LA MORT A PONDU UN OEUF (La Morte ha fatto l’uovo) réalisé par Giulio Questi, disponible en combo Blu-ray/DVD le 30 octobre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Gina Lollobrigida, Jean-Louis Trintignant, Ewa Aulin, Jean Sobieski, Renato Romano, Vittorio André…

Scénario : Franco Arcalli, Giulio Questi

Photographie : Dario Di Palma

Musique : Bruno Maderna

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 1968

LE FILM

Marco est un éleveur de poules. Sa femme, Anna, est la patronne de l’entreprise et pense être l’épouse idéale pour son mari. Mais Marco, qui s’est rendu compte qu’il s’était trompé en l’épousant, recherche des émotions inhabituelles auprès des prostituées d’un motel.

Venu du documentaire, Giulio Questi (1924-2014) n’aura réalisé que trois longs métrages pour le cinéma. Pourtant, ses trois films, Tire encore si tu peux (1967), La Mort a pondu un œuf (1968) et Arcana (1972) ont su marquer les cinéphiles et leur réputation n’est pas usurpée. Le premier est tout simplement l’un des plus grands westerns italiens, un chef d’oeuvre qui joue avec les genres et même parfois avec les codes du giallo, ce qui lui a valu de nombreux déboires avec la censure à sa sortie, au point d’être interdit trois jours seulement après son arrivée sur les écrans. Avec ses séquences très gore comme celle où des individus mal intentionnés s’acharnent sur le corps criblé de balles en or d’un mourant, désireux de s’emparer de ce butin inattendu, Tire encore si tu peux est un western teinté de film d’horreur surréaliste et de fantastique. Giulio Questi souhaite s’affranchir des conventions. Pour son second long métrage, il surfe sur la vague du giallo. Mais comme pour son premier film, le cinéaste décide d’aller bien au-delà. Les éléments-clé sont présents, un tueur ganté, une arme blanche (poignard et rasoir), une pointe d’érotisme, mais La Mort a pondu un œufLa Morte ha fatto l’uovo repousse encore une fois les limites. Le réalisateur livre un véritable OFNI redoutablement pessimiste sur la nature humaine, dans lequel brille une fois de plus l’immense talent de Jean-Louis Trintignant.

Marco occupe le poste de cadre supérieur au sein d’une entreprise que possède son épouse Anna. Il s’agit d’une ferme industrielle expérimentale, dotée d’un laboratoire, spécialisé dans l’élevage de poulets en batterie. Mais le couple bat de l’aile, ils ne se supportent plus. D’autant plus que Marco, castré et complexé par sa femme, lui cache ses pulsions meurtrières. Il entraîne des prostituées dans une chambre d’hôtel pour les tuer. Quant à Anna, elle tient les rênes de la société et gère la bourse de leur business. Marié mais sans enfants, le couple vit avec Gabrielle, la jeune cousine, orpheline et leur héritière directe. Un jour, alors qu’il assassine une femme de petite vertu, Marco est surpris par un témoin qui n’intervient pas et n’appelle pas la police.  Le lendemain, Marco est convoqué pour rencontrer Mondaini, un directeur de marketing. Il s’agit du témoin du meurtre de la prostituée.

La Mort a pondu un œuf est un film expérimental, inclassable, unique, qui agit comme une séance d’hypnose angoissante et glaçante. Virtuose, maîtrisé du début à la fin, audacieux, sans cesse inventif, La Morte ha fatto l’uovo reste et restera une véritable et fascinante curiosité. Dans cette optique, Giulio Questi « détourne » Jean-Louis Trintignant en lui faisant endosser le rôle principal, celui d’un homme frustré, à l’esprit déviant. Son visage impassible exprime la folie intérieure qui anime son personnage, qui s’ennuie à la fois dans son travail et dans son couple. Sa moitié n’est autre que la « Lollo », Gina Lollobrigida, dans l’une de ses dernières véritables apparitions au cinéma. Sculpturale, magnétique, sensuelle, l’éternelle Bersagliera de Pain, Amour et Fantaisie de Luigi Comencini incarne également une femme à la sexualité refoulée, attirée par les femmes et même par l’inceste.

Si l’intention de départ était de réaliser un giallo, Giulio Questi dresse en réalité le portrait d’un couple qui n’est pas sans rappeler La NuitLa Notte de Michelangelo Antonioni, avec cette célèbre « absence de dialogue » vulgairement appelée « incommunicabilité ». Derrière ce vernis glacé, une mélancolie naît et se fait palpable. La Mort a pondu un œuf c’est le récit d’un homme malheureux, paumé dans une élite bourgeoise dans laquelle il ne se reconnaît pas et qui cherche à se sentir vivant en donnant la mort. Sans en révéler plus, disons que cette jouissance provoquée par l’assassinat n’est qu’éphémère. Marco sera toujours un être seul, perdu dans ses tourments, son mal-être, ses complexes. Le montage frénétique, particulier et déstructuré renvoie au cerveau perturbé du personnage principal, tout comme cette musique dissonante marquée constamment par des ruptures.

Autour de lui, le monde change. L’industrialisation implique le renvoi des employés (qui protestent derrière un grillage comme des poules dans leur enclos), la manipulation génétique – des volatiles naissent sans tête et sans ailes – remplace l’élevage traditionnel. Marco perd ses repères et n’est pas prêt à affronter ces mutations. Il n’a donc qu’un seul remède pour se sentir encore vivant et repousser le plus longtemps cette société déshumanisée qui souhaite l’absorber. On pourrait continuer encore longtemps ainsi tant La Mort a pondu un œuf regorge de pistes possibles, certaines inexplorées, toujours labyrinthiques. C’est là toute la puissance de cet étonnant et très étrange faux giallo, mais avant tout drame social et psychologique, mystérieux objet de culte chéri par les cinéphiles du monde entier et les réalisateurs (David Lynch pour Eraserhead, David Cronenberg pour Frissons et Rage), qui est loin d’avoir dévoilé et révélé toutes ses facettes.

LE BLU-RAY

La Mort a pondu un oeuf est le numéro 5 de la collection Make my Day supervisée par Jean-Baptiste Thoret. Comme pour les autres titres de la collection, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir La Mort a pondu un oeuf dans une édition digne de ce nom. Le film de Giulio Questi est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

En tant que créateur de cette collection, Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (6’). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante La Mort a pondu un oeuf dans son contexte, dans la filmographie et le parcours de Giulio Questi. « Un film extraordinaire et extrêmement rare » déclare Thoret, qui indique également que ce film était perdu dans le catalogue de Studiocanal sous le titre « Le Sadique de la chambre 24 ». Il évoque également la sortie de La Mort a pondu un oeuf dans une version amputée, ainsi que la genèse et les thèmes du film, mais également le casting « intelligent et judicieux ». Tout cela est abordé sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

L’éditeur propose ensuite un entretien de Giulio Questi, réalisé à Florence en novembre 2009 (12’30). Durant cette interview, le réalisateur parle de ses films « qui ont toujours eu du mal à faire recette » en raison du traitement original et personnel avec lequel il abordait ses sujets. Le cinéaste était toujours animé par cette passion pour « l’art pop » comme il désignait le septième art et se penche plus longuement sur sa liberté créatrice, ou comment reprendre les schémas éprouvés du cinéma de genre, pour mieux se les approprier.

Nous trouvons un entretien passionnant avec James Blackford, producteur de DVD et de Blu-ray au British Film Institute, qui propose un formidable tour d’horizon des films de Giulio Questi, dont il admire l’oeuvre (19’). Cet exposé contient des spoilers sur les œuvres abordées. James Blackford ne manque pas d’arguments pour analyser les longs métrages « singuliers, fascinants, étranges, surréels, extravagants et magnifiques » de ce cinéaste qui le fascine tant. L’atmosphère, le style et le regard sur le monde de Giulio Questi sont finement abordés, ainsi que son sens de l’humour macabre, la complexité de son montage et de son désir de « renverser les modèles préétablis ». Les thèmes de La Mort a pondu un œuf sont également explorés, ainsi que les trente minutes coupées au montage, réintégrées ici dans cette édition.

Nous terminons pas un véritable cadeau, un entretien avec l’immense Jean-Louis Trintignant, réalisé en 2004 par Sandrine Dumarais, intitulé Jean-Louis Trintignant – J’ai rendez-vous avec vous (51’). Ce film diffusé sur France Télévisions est un voyage poétique dans l’univers du comédien. Suivant le rythme tranquille des représentations bi-hebdomadaires des Poèmes à Lou de Guillaume Apollinaire, en immersion dans la quiétude  du Théâtre de La Madeleine, entre deux répétitions, nous le retrouvons dans la chaleur feutrée de sa loge :  alors Trintignant nous entraîne  sur les chemins du cinéma, propos souvent amusés, inédits. Avec un réel plaisir, il parle des comédiens (les « Colonels » comme Mastroianni), des réalisateurs qu’il a aimé rencontrer (Jacques Audiard, François Truffaut, Patrice Chéreau), il parle aussi des films qu’il a faits (en tant qu’acteur mais aussi comme réalisateur), il parle surtout de ce drôle de métier qu’il exerce depuis plus de cinquante ans. Revenant sur la création théâtrale, il parle de sa fascination pour les poèmes d’Apollinaire, de la relation passionnée qui le liait à Lou, de la genèse de ce spectacle qui est née de sa fille Marie qui était à ses côtés sur scène lors de la première création. Les images de la représentation, des répétitions, se mêlent à la musique aérienne du spectacle, à la voix de Trintignant qui raconte, qui se raconte…  Des images super 8, comme de petites bulles naîtront de la musique et s’évanouiront entre les lignes des poèmes interprétés par Trintignant sur scène.

L’Image et le son

Rien ne l’indique, sauf dans les suppléments, mais le montage présenté ici de La Mort qui a tué un œuf est la version intégrale du film. Censuré à sa sortie avec près d’une demi-heure de séquences coupées, La Morte ha fatto l’uovo a depuis été reconstitué. Hors la qualité des images des scènes longtemps invisibles se voient comme le nez au milieu de la figure. En dépit d’une forte restauration, certains défauts n’ont pu être corrigés sur les séquences coupées, comme tout ce qui concerne l’ami de Marco, qui était passé à la trappe. Il n’est d’ailleurs pas rare que la définition flanche brutalement au cours d’une même séquence avec un grain nettement plus imposant (les scènes de Marco au travail) et des visages très rosés. En dehors de ça, malgré quelques fourmillements, cette présentation HD se tient avec une belle luminosité, des couleurs ragaillardies, un piqué parfois même acéré et une propreté indéniable du master.

Seule la version originale aux sous-titres français est disponible. Ce mixage est dynamique et le souffle aux abonnés absents. Comme de coutume, les dialogues ont été entièrement retravaillés en post-production, d’autant plus que Jean-Louis Trintignant ne parlait pas italien.

Crédits images : © Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

Test Blu-ray / Aux frontières de l’aube, réalisé par Kathryn Bigelow

AUX FRONTIÈRES DE L’AUBE (Near Dark) réalisé par Kathryn Bigelow, disponible en combo Blu-ray/DVD le 25 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Adrian Pasdar, Jenny Wright, Lance Henriksen, Bill Paxton, Jenette Goldstein, Tim Thomerson…

Scénario : Kathryn Bigelow, Eric Red

Photographie : Adam Greenberg

Musique : Tangerine Dream

Durée : 1h34

Date de sortie initiale : 1987

LE FILM

Dans une petite bourgade de l’Oklahoma, un soir, Caleb fait la rencontre d’une étrange fille, Mae, qui va bouleverser son existence. En effet, Mae est vampire. Caleb se retrouve alors parmi une redoutable « meute » de tueurs-vampires qui ne sévissent que la nuit car ils craignent les mortels rayons du soleil.

S’il n’a eu aucun succès dans les salles américaines à sa sortie en 1987 malgré son petit budget de 5 millions de dollars, Aux frontières de l’aubeNear Dark est pourtant devenu une œuvre culte, reconnue, une référence du genre fantastique, une étape fondamentale du film de vampires. Il s’agit également du premier long métrage mis en scène en solo par l’immense Kathryn Bigelow, six ans après The Loveless, qu’elle avait coréalisé avec Monty Montgomery. Si Aux frontières de l’aube est un chef d’oeuvre aujourd’hui cité et plagié, le film possède également la particularité de reprendre trois comédiens d’Aliens, le retour de James Cameron, Lance Henriksen, Bill Paxton et Jenette Goldstein, réalisé l’année précédente et dont le titre apparaît d’ailleurs sur la devanture d’un cinéma dans Near Dark. Quatre ans avant le succès mondial de Point Break, Kathryn Bigelow installe déjà les composantes de son cinéma, précipité de violence, d’adrénaline (la véritable drogue de tous les personnages chez la cinéaste), de testostérone et de fureur.

Une nuit, Caleb, un jeune fermier candide de l’Oklahoma, rencontre la belle Mae. Fasciné, il tente de la séduire et obtient d’elle un baiser qui devient une morsure. Ce contact va entraîner Caleb dans le monde des compagnons de Mae, des vampires. Il devra apprendre à tuer pour s’abreuver du sang de ses victimes.

Priez pour que l’aube arrive…

Il y a eu définitivement un an avant et un après Les Frontières de l’aube. Si le mot vampire n’est jamais utilisé durant le film, la troupe, on peut même parler de famille reconstituée, de Near Dark appartient bel et bien à ces créatures. S’ils se trouvent dépourvus de canines affûtées, ils se nourrissent quand même du sang de leurs victimes croisées sur les routes désertiques, dans quelques motels glauques qui jonchent les chemins poussiéreux de l’Amérique profonde ou dans quelques bars crasseux où leur dégaine ne passe pas inaperçue dans ces contrées reculées.

Le souhait original de Kathryn Bigelow et de son coscénariste Eric Red (l’auteur du mythique Hitcher de Robert Harmon) était de faire un véritable western, la réalisatrice étant une grande admiratrice du cinéma de Sam Peckinpah, en particulier de La Horde sauvage. Essuyant le refus des producteurs qui prétextaient alors que le genre était démodé et peu amène d’attirer les spectateurs dans les salles, les deux associés changent leur fusil d’épaule en combinant le western et le fantastique.

Western horrifique, Aux frontières de l’aube ne s’embarrasse pas de la mythologie originale. Pas de gousses d’ail ici, ni de crucifix, encore moins d’eau bénite et de cercueils. Demeure l’intolérance au soleil, qui reste fatal pour ces créatures pourtant immortelles. Si la figure du vampire a toujours été accompagnée d’un érotisme latent, Kathryn Bigelow et Eric Red narrent une véritable histoire d’amour, celle entre Caleb (Adrian Pasdar, vu dans Top Gun et dans L’Impasse) et Mae (Jenny Wright), à la dimension Shakespearienne, puisque les deux familles des intéressés vont s’interposer comme dans Roméo & Juliette.

La nuit a son prix…

Après leur mutation, ils représentent ce qu’il y a encore d’humain avec l’amour qu’ils ressentent l’un pour l’autre, alors que ceux qui les entourent ne cessent de s’acharner sur leurs proies, dans le sang et la peur. A ce titre, celui qui tire indéniablement son épingle du jeu est le grand et regretté Bill Paxton. Complètement azimuté, explosif, déchaîné, bestial, son personnage Severen, sourire vicieux et sadique collé au visage, adore provoquer ses futures victimes, les pousser à bout, pour ensuite mieux se jeter sur elles et se repaître de leur hémoglobine. Plus « sage » en apparence, mais tout aussi monstrueux, impitoyable et machiavélique, Lance Henriksen campe une variation ténébreuse et sanguinaire de son Bishop d’Aliens, le retour. Son look de gourou des temps modernes, ancien soldat sudiste qui ne cesse d’évoquer sa « mort », est aussi inoubliable.

Réalisé à la fin des années 1980, Aux frontières de l’aube peut se voir comme une parabole sur l’épidémie mondiale du SIDA, avec la peur que la maladie entraîne chez ceux qui en ont « entendu parler » et qui repoussent ceux qui en seraient atteints. Au-delà de cette réinterprétation personnelle du film de vampires, Aux frontières de l’aube est un objet plastique crépusculaire fascinant. Dès sa sublime introduction, avec son montage percutant, la beauté de la photographie d’Adam Greenberg (Terminator, ouvertement cité lors de la scène du poids lourd dans le dernier acte) et la musique toujours enivrante de Tangerine Dream, Near Dark attrape le spectateur pour ne plus le lâcher. Tel un opéra-rock, le film enchaîne les morceaux de bravoure, sanglants ou furieusement romantiques avec une touche de mélancolie, doux et ultra-violents, jusqu’à l’époustouflant final.

Near Dark s’inspire lui-même du roman original d’Anne Rice, Entretien avec un vampire, publié à la fin des années 1970, pour ce qui touche au personnage d’Homer, adulte coincé dans un corps d’enfant. Mais, Aux frontières de l’aube donnera également naissance à d’autres films de genre réalisés dans les années 1990 avec bien évidemment Une nuit en enfer de Robert Rodriguez (1996) et surtout Vampires de John Carpenter (1998) dont certaines scènes renvoient directement au film de Kathryn Bigelow. Lauréat du Corbeau d’argent au Festival international du film fantastique de Bruxelles en 1988, Grand Prix et Licorne d’or pour Jenny Wright au Festival international de Paris du film fantastique et de science-fiction la même année, Aux frontières de l’aube est aujourd’hui unanimement reconnu comme un jalon important du genre. Du sang neuf dont se sont abreuvés les vampires à l’approche du XXIe siècle.

LE BLU-RAY

Aux frontières de l’aube est le numéro 2 de la collection Make my Day supervisée par l’un de nos meilleurs critiques cinéma, Jean-Baptiste Thoret. Comme pour Sans mobile apparent, Six femmes pour l’assassin, Max mon amour et La Mort a pondu un œuf, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir Aux frontières de l’aube dans une édition digne de ce nom. Le film de Kathryn Bigelow est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (7’30). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante Aux frontières de l’aube dans son contexte, dans la filmographie et le parcours de Kathryn Bigelow. Il évoque également les conditions de tournage, la genèse et les thèmes du film, la musique de Tangerine Dream, mais également le casting. Tout cela est abordé sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

Cette édition comprend une interview de Kathryn Bigelow, réalisée pour l’émission française Rapido, diffusée sur Canal+ à l’occasion de la sortie française du film en 1988 (25’). Présenté sans coupes, l’entretien est parfois interrompu en raison d’un bruit parasite ou pour demander à la réalisatrice de se replacer face à la caméra. La cinéaste revient sur ses études, son expérience dans la peinture, les partis pris d’Aux frontières de l’aube (« rendre la nuit séduisante »), le travail avec le chef opérateur Adam Greenberg et son coscénariste Eric Red, les conditions de tournage (essentiellement de nuit pendant un mois et demi), les personnages et le casting. Kathryn Bigelow évoque également James Cameron (« Je suis une très grande fan de son cinéma »), ainsi que ses intentions, l’attrait de la violence au cinéma et ses aspirations pour les années à venir. Un document précieux à découvrir.

L’éditeur propose également un documentaire rétrospectif sur Aux frontières de l’aube, Living in Darkness, réalisé en 2002 et invitant une partie du casting, la réalisatrice, les producteurs et le chef opérateur Adam Greenberg (47’). Les anecdotes passionnantes s’enchaînent sur un rythme soutenu, ainsi que les souvenirs de tournage et les conditions des prises de vue. Chacun aborde également la psychologie des personnages et la relecture du mythe du vampire proposée par Near Dark. Des storyboards, ainsi que des photos de plateau illustrent ces propos.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Cette édition Haute-Définition d’Aux frontières de l’aube confortera à la fois les puristes, soucieux de retrouver la patine clairement indépendante de cette œuvre devenue culte, et les adeptes du support Blu-ray. Sans jamais dénaturer le grain original, parfois plus appuyé sur certaines séquences sombres, Studiocanal a trouvé le compromis entre le respect des volontés artistiques originales et l’upgrade numérique. Les contrastes sont au beau fixe (certains trouveront peut-être l’image trop sombre), les noirs denses, la copie stable et d’une propreté immaculée et les couleurs ravivées. Les scènes diurnes sont lumineuses et le piqué est inédit. Tourné avec un budget minuscule de 5 millions de dollars, Aux frontières de l’aube est un tout petit film et ses partis pris occasionnent quelques plans flous, qui apparaissent encore ainsi en HD. La restauration est donc éloquente, très plaisante et surtout très réussie, faisant oublier illico le DVD édité en 2010, au master aujourd’hui complètement obsolète.

La version originale aux sous-titres français imposés est proposée en DTS-HD Master Audio 5.1 et 2.0. La première option se contente de spatialiser le score hypnotique de Tangerine Dream, ainsi que des ambiances dynamiques sur les scènes agitées du dernier acte notamment. Les voix auraient toutefois mérité d’être un peu plus relevées sur la centrale. La piste 2.0 est de fort bon acabit, sans doute plus homogène dans son rendu et souvent percutante. Plus anecdotique, la version française est parfois plus sourde, feutrée et couverte, notamment dans son rendu des dialogues (très mauvais doublage) et des bruitages.

Crédits images : © Near Dark Joint Venture / Studiocanal / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Max mon amour, réalisé par Nagisa Ôshima

MAX MON AMOUR réalisé par Nagisa Ôshima, disponible en combo Blu-ray/DVD le 25 septembre 2018 chez Studiocanal

Acteurs : Charlotte Rampling, Anthony Higgins, Victoria Abril, Anne-Marie Besse, Nicole Calfan, Pierre Étaix, Bernard Haller, Sabine Haudepin, Fabrice Luchini, Bernard-Pierre Donnadieu…

Scénario : Jean-Claude Carrière, Nagisa Ôshima

Photographie : Raoul Coutard

Musique : Michel Portal

Durée : 1h38

Date de sortie initiale : 1986

LE FILM

Peter, diplomate anglais en poste à Paris, s’aperçoit que sa femme a des rendez-vous secrets. Il la fait suivre. Le détective engagé par ses soins lui apprend qu’elle a loué un appartement, mais qu’il n’a jamais vu l’amant supposé qui s’y cache. Peter obtient un double de la clé…

Nagisa Oshima (1932-2013) est mondialement célèbre pour Nuit et brouillard du Japon (1960), Furyo (1983) et bien évidemment L’Empire des sens (1976). Les films du réalisateur japonais, diplômé en droit, politiques et transgressifs, auront toujours été accompagnés d’un parfum de scandale. Pour son unique incursion dans le cinéma français, le cinéaste s’associe à l’immense Jean-Claude Carrière. Dix ans après L’Empire des sens et sa suite L’Empire de la passion réalisée deux ans plus tard, Nagisa Oshima se penche sur le désir féminin avec Max mon amour, qui n’est pas sans rappeler l’univers de Luis Buñuel, Carrière faisant évidemment le lien, ainsi que le producteur Serge Silberman (Le Charme discret de la bourgeoisie, Cet obscur objet du désir).

Peter Jones est un brillant diplomate britannique posté à Paris, marié à une très belle femme, Margaret, et, théoriquement, heureux. Cependant, Peter découvre, avec l’aide d’un détective, que, les après-midi où elle prétend voir son amie Hélène, Margaret se rend en réalité à un appartement qu’elle a loué. Un jour, Peter va donc la surprendre sur place, croyant qu’il va la trouver avec son amant. Quelle n’est pas sa surprise de trouver Margaret au lit avec un… chimpanzé! Margaret affirme avoir des rapports sexuels et romantiques avec l’animal et ne pas vouloir s’en séparer, quitte à mettre en danger sa vie de famille. Voyant que Margaret est profondément attachée à cet être, Peter propose à sa femme de faire emménager Max, c’est le nom qu’elle a donné au singe, chez eux. Mais peu à peu, Peter s’aperçoit que cette solution n’était pas la bonne: il n’a pas du tout reconquis son épouse et voit bien qu’elle aime Max encore plus que lui.

Qui connaît la vérité à part toi ?

Quel film étrange ! Comment aborder Max mon amour ? Et pourquoi en divulguer plus que son postulat de départ ? En à peine dix minutes, Nagisa Oshima dresse le décor, un grand appartement bourgeois parisien, ses personnages, le grain de sable qui va faire gripper la machine trop bien installée de cette vie déconnectée des réalités. Connaissant la réputation qui le précède suite au triomphe international de L’Empire des sens, le cinéaste va jouer avec l’attente des spectateurs, qui comme le personnage de Peter, ne demande qu’à voir et à découvrir ce qui se cache réellement derrière la porte. Nagisa Oshima se penche sur la question du modèle sexuel, les conventions, les fantasmes impénétrables chez l’être humain, sur la sexualité féminine, sur l’incapacité des hommes à comprendre le sexe opposé. Max mon amour est une œuvre expérimentale, quasi-unique en son genre, pour ainsi dire inclassable.

Il n’est pas interdit de rire devant cette histoire invraisemblable et absurde, d’autant plus que Nagisa Oshima et Jean-Claude Carrière reprennent les codes du vaudeville, le tout violemment éclairé par le grand directeur de la photographie Raoul Coutard, qui accentue le côté surréaliste et frontal des évènements. L’appartement devient une scène d’opéra bouffe avec les portes qui claquent, les protagonistes qui déambulent d’un côté à l’autre du décor principal ou qui essayent de regarder par le trou de la serrure pour tenter d’y apercevoir ce qu’on évertue à leur dissimuler, comme le symbolise le générique de l’immense Maurice Binder avec les comédiens présentés à travers cet alvéole en question. Nagisa Oshima interroge le spectateur sur son propre voyeurisme, sur ce qu’il est prêt à faire pour connaître le fin mot de l’histoire, sur l’animal qui sommeille en chacun de nous.

Tu ne m’as jamais aimé ainsi…

La musique jazzy discrète de Michel Portal, souligne délicatement ce malaise ressenti par le mari. A ce titre, l’audience se met alors dans la peau de Peter, excellemment interprété par le méconnu Anthony Higgins (Une messe pour Dracula, Meurtre dans un jardin anglais), qui entre colère, espoir et résignation, va progressivement accepter la présence de cet être atypique, pour éviter que son couple se déchire et que son foyer vole en éclats. Si Max mon amour reste et demeure un film troublant et énigmatique, c’est aussi et surtout grâce à la composition magnétique de Charlotte Rampling, à la fois désirable, choquante, empathique et repoussante. Le reste du casting est au diapason, notamment Victoria Abril, juste avant sa collaboration avec Pedro Almodóvar, mais aussi Fabrice Luchini, Nicole Calfan, Pierre Étaix, Bernard-Pierre Donnadieu et l’inoubliable apparition de Sabine Haudepin, sommet d’érotisme quand elle se retrouve nue devant le chimpanzé. Pour l’anecdote, Max est une combinaison parfaite entre un véritable singe, une marionnette et surtout la participation de la chorégraphe Ailsa Berk glissée dans un costume très réaliste, qui avait déjà travaillé sur Le Retour du Jedi et surtout Greystoke, la légende de Tarzan, dans lequel elle jouait Kala.

Dans Max mon amour, le spectateur ne cesse d’être ballotté d’un sentiment à l’autre. On ne criera pas au chef d’oeuvre, la mise en scène est d’ailleurs très discrète, mais force est d’admettre que plus de trente ans après sa sortie, la fable burlesque et douce-amère d’Oshima n’a rien perdu de son mystère et c’est ce qui en fait la marque des grands films.

LE BLU-RAY

Max mon amour est le numéro 1 de la collection Make my Day supervisée par l’un de nos meilleurs critiques cinéma, Jean-Baptiste Thoret. Comme pour Sans mobile apparent, Six femmes pour l’assassin et Aux frontières de l’aube et La Mort a pondu un œuf, Studiocanal permet enfin de (re)découvrir Max mon amour, film rare, dans d’excellentes conditions. Le film de Nagisa Oshima est présenté ici dans un combo Blu-ray/DVD, disposés dans un Digipack, glissé dans un fourreau cartonné. Le menu principal est sobre, très légèrement animé et musical.

Jean-Baptiste Thoret présente tout naturellement le film qui nous intéresse au cours d’une préface en avant-programme (7’). Comme il en a l’habitude, le critique replace de manière passionnante Max mon amour dans son contexte, dans la filmographie de Nagisa Oshima et évoque les conditions de tournage. La genèse et les thèmes du film, mais également ce qui en fait son “étrangeté et son pouvoir de fascination”, le casting, le rapport au spectateur, sont abordés sans pour autant spoiler le film pour celles et ceux qui ne l’auraient pas encore vu.

Le même Thoret revient, sa voix du moins, à travers un essai vidéo sur le générique de Maurice Binder et les dix premières minutes de Max mon amour (10’30). L’historien du cinéma et critique se livre à une très brillante et passionnante analyse de l’exposition du film de Nagisa Oshima, judicieusement intitulée Par le petit trou de la serrure.

Jean-Baptiste Thoret est ensuite allé à la rencontre de Jean-Claude Carrière, Charles Tesson et Michel Portal (52’). Le premier, éminent scénariste, partage ses souvenirs sur l’écriture de Max mon amour, mais aussi sur sa rencontre et le travail avec Nagisa Oshima. Le second, critique et historien du cinéma, dresse un parallèle entre Max mon amour et l’oeuvre de Luis Buñuel et propose une analyse du fond et de la forme du film de Nagisa Oshima. Le troisième, compositeur et musicien, saxophoniste et clarinettiste de jazz, intervient cinq minutes avant la fin du module. Il explique comment le thème principal a été trouvé, avant de nous le rejouer en live. Au cours de ces entretiens croisés, sont abordés le mauvais accueil du film au Festival de Cannes, les partis pris du réalisateur, la théâtralité des décors, les thèmes, la psychologie des personnages, etc.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

On craint tout d’abord durant le générique que les couleurs soient trop sombres ou fanées. Puis, tout s’améliore immédiatement après. L’appartement bourgeois regorge de détails, c’est clinquant, lumineux. La propreté de la copie n’est jamais prise en défaut, le master est stable, les noirs denses, le piqué impressionnant. Même chose en ce qui concerne les nombreux gros plans des comédiens, dont on peut distinguer toutes les (im)perfections. Cette édition Haute-Définition rend obsolète le DVD édité par Studiocanal en 2009. Superbe restauration.

Max mon amour combine à la fois les langues anglaise et française. L’écoute Stéréo est très agréable, riche, y compris dans ses silences. Les dialogues ne manquent pas de clarté. L’éditeur joint également les sous-titres français, destinés au public sourd et malentendant.

Crédits images : © STUDIOCANAL / France 2 Cinéma / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr