Test Blu-ray / La Nuit du Loup-Garou, réalisé par Terence Fisher

LA NUIT DU LOUP-GAROU (The Curse of the Werewolf) réalisé par Terence Fisher, disponible en DVD et combo Blu-ray+DVD le 7 novembre 2017 chez Elephant Films

Acteurs :  Oliver Reed, Clifford Evans, Yvonne Romain, Catherine Feller, Anthony Dawson, Josephine Llewellyn, Richard Wordsworth…

ScénarioAnthony Hinds, d’après le roman Le Loup-garou de Paris (The Werewolf of Paris) de Guy Endore

Photographie : Arthur Grant

Musique : Benjamin Frankel

Durée : 1h33

Date de sortie initiale : 1961

LE FILM

Espagne. XVIIIème siècle. Fils d’un mendiant emprisonné qui avait perdu son humanité et de la servante sourde et muette dont il a abusé, Leon est adopté par un vieux professeur, Alfredo Carido. Mais en grandissant, le jeune homme a de plus en plus de mal à refréner ses pulsions meurtrières, qui le poussent à commettre des atrocités, au point de se transformer les nuits de pleine lune…

Quand la bête pleure…

Suite aux succès « monstres » de leurs réadaptations de la créature de Frankenstein avec Frankenstein s’est échappé (1957) et La Revanche de Frankenstein (1958) réalisés par Terence Fisher, puis Dracula avec Le Cauchemar de Dracula (1958) et Les Maîtresses de Dracula (1960) également mis en scène par Terence Fisher, et enfin la Momie avec La Malédiction des pharaons (1959) mis en scène par, ah bah tiens Terence Fisher encore, la Hammer Films Production se réapproprie l’autre grand mythe des Studios Universal, à savoir le Loup-Garou. Et qui de mieux qu’un certain, comment s’appelle-t-il déjà, Terence Fisher pour ressusciter le lycanthrope ? Une fois de plus, cette résurrection est un miracle cinématographique et La Nuit du Loup-GarouThe Curse of the Werewolf est un autre chef d’oeuvre du réalisateur britannique.

En Espagne, au XVIIIe siècle, le cruel marquis Siniestro humilie un mendiant pendant son repas de noces et le fait jeter au cachot. Il y est rejoint des années plus tard par une servante sourde-muette, qui a eu le tort de repousser les avances du marquis. Rendu fou par la captivité, l’homme se jette sur la malheureuse et la viole. La jeune infirme parvient un jour à s’enfuir et meurt en donnant le jour à un fils, Leon, qui est adopté par un vieux professeur, don Alfredo Carido. De sa conception bestiale, Leon garde en lui une malédiction. L’enfant se transforme en loup-garou quand vient la pleine lune et égorge des chèvres. L’amour de ses beaux-parents parvient à retenir ses envies de sang. Des années après, Leon quitte le domicile familial pour gagner sa vie.

La Nuit du Loup-Garou est divisé en trois actes bien distincts. Les origines de Leon / L’émancipation de Leon / La damnation de Leon. Terence Fisher prend le temps d’installer les conditions sociales de l’Espagne du XVIIIe siècle. A l’origine, le scénario devait suivre le roman Le Loup-Garou de Paris de Guy Endore, mais suite à l’arrêt brutal de la production d’un film que devait mettre en scène James Carreras et qui devait se dérouler en Espagne sous l’Inquisition, le scénariste Anthony Hinds, fils de William Hinds, le fondateur de la Hammer films, est obligé de revoir entièrement sa copie afin d’ancrer le comeback du Loup-Garou au pays des pesetas. Ceci afin d’utiliser les décors déjà construits pour le film avorté de James Carreras, lui-même le fils d’Enrique Carreras, l’autre fondateur du studio. Si l’intrigue est déplacée, le propos reste le même et c’est encore une fois la preuve de tout le génie de la Hammer et de Terence Fisher puisque La Nuit du Loup-Garou est une fable sociale déguisée en film d’épouvante et fantastique, qui aurait pu tout aussi bien se dérouler dans l’Angleterre victorienne.

Leon est interprété par l’illustre Oliver Reed, que Terence Fisher venait de diriger dans Les Deux Visages du Docteur Jekyll. Le comédien porte magnifiquement la tragédie de son personnage, dont le destin était d’ores et déjà scellé par les conditions de sa venue au monde. Fruit d’un viol d’une servante sourde-muette, sa mère, interprétée par la pulpeuse Yvonne Romain, par un mendiant retombé à l’état sauvage à cause du sadisme d’un marquis (le vrai monstre du film), qui a lui-même voulu profiter des charmes de la domestique, Leon est à jamais marqué du sceau de la marginalité, image même de l’être différent et écarté de la société. Seul l’amour, le fait d’aimer et d’être aimé, semble repousser l’envie irrépressible de se repaître de chair et de sang. Jusqu’à ce que les conventions sociales s’en mêlent et annihilent tout espoir de rédemption pour Leon, qui doit alors lutter contre ses envies bestiales. Jusqu’au point de non-retour.

Jack Asher n’étant pas disponible, ou tout simplement trop cher pour les studios, le chef opérateur Arthur Grant signe la photo de The Curse of the Werewolf. Attaché à la Hammer (Le Spectre du chat, et plus tard Le Fascinant capitaine Clegg ou bien encore Le Fantôme de l’opéra), le directeur de la photographie apporte au film une esthétique plus réaliste et moins baroque que son célèbre confrère, notamment dans le dernier acte entre ombre et lumière.

Référence du film de genre, sur le fond comme sur la forme (extraordinaire maquillage de Roy Ashton, inspiré par celui de la Bête du film de Jean Cocteau), La Nuit du Loup-Garou est un film unique au sein des nombreux longs métrages centrés sur un lycanthrope, beau, passionnant, drame violent (le viol hors-champ est vraiment troublant), intelligent, d’autant plus rare qu’il s’agit du seul film de loup-garou produit par la Hammer Films Productions.

LE BLU-RAY

La Nuit du Loup-Garou est disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films. Cette édition contient également un livret collector de 20 pages, ainsi qu’une jaquette réversible avec choix entre facings « moderne » ou « vintage ». Le boîtier Blu-ray est glissé dans un fourreau. Le menu principal est animé et musical.

Bravo à Elephant Films qui nous livre ici l’une de ses meilleures présentations. On doit cette grande réussite à Nicolas Stanzick, auteur du livre Dans les griffes de la Hammer: la France livrée au cinéma d’épouvante. Dans un premier module de 10 minutes, ce dernier nous raconte l’histoire du mythique studio Hammer Film Productions. Comment le studio a-t-il fait sa place dans l’Histoire du cinéma, comment le studio a-t-il réussi l’exploit de susciter un véritable culte sur son seul nom et surtout en produisant de véritables auteurs ? Comment les créateurs du studio ont-ils pu ranimer l’intérêt des spectateurs pour des mythes alors tombés en désuétude ou parfois même devenus objets de comédies ? Nicolas Stanzick, véritable érudit, passionnant, passe en revue les grands noms (Terence Fisher bien évidemment, Christopher Lee, Peter Cushing) qui ont fait le triomphe de la Hammer dans le monde entier, mais aussi les grandes étapes qui ont conduit le studio vers les films d’épouvante qui ont fait sa renommée. Voilà une formidable introduction !

Retrouvons ensuite Nicolas Stanzick pour la présentation de La Nuit du Loup-Garou (24’30). Evidemment, ce module est à visionner après avoir vu ou revu le film puisque les scènes clés sont abordées. Comme lors de sa présentation de la Hammer, Nicolas Stanzick, toujours débordant d’énergie et à la passion contagieuse, indique tout ce que le cinéphile souhaiterait savoir sur la production de La Nuit du Loup-Garou. Le journaliste replace donc le film de Terence Fisher dans l’histoire de la Hammer Films, qui souhaitait aborder le célèbre lycanthrope après avoir ressuscité les autres monstres autrefois rendus célèbres par les studios Universal. Le casting, mais aussi et surtout le fond (la dimension sociale du film) comme la forme (le maquillage de Roy Ashton, la photographie d’Arthur Grant, la mise en scène de Terence Fisher) sont abordés avec intelligence et spontanéité.

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces et une galerie de photos.

L’Image et le son

Le film est présenté dans son format respecté et en 16/9. En dépit d’un grain parfois trop prononcé sur chaque plan montrant le ciel, qui entraînent inévitablement de sensibles fourmillements, ainsi que des noirs qui tirent sur le bleu et des décrochages sur les fondus enchaînés, l’image de La Nuit du Loup-Garou a été excellemment restaurée. La définition est souvent exemplaire, la propreté indéniable (à part de petits points noirs), la superbe photo d’Arthur Grant flatte constamment les rétines, la stabilité est de mise et même le piqué est à l’avenant sur certaines séquences, y compris sur les scènes en intérieur où l’on peut apprécier chaque détail des décors. Les couleurs sont claires et vraiment très belles, les contrastes très appréciables. L’apport HD pour ce titre est vraiment indispensable. Un très beau lifting.

Le film est disponible en version originale ainsi qu’en version française DTS HD Master Audio mono d’origine. Sans surprise, la piste anglaise l’emporte haut la main sur son homologue, surtout du point de vue homogénéité entre les voix des comédiens, la musique et les effets sonores. La piste française est tantôt sourde, tantôt criarde, au détriment des ambiances annexes et de la partition de Benjamin Frankel. Dans les deux cas, point de souffle à déplorer, ni aucun craquement. Le changement de langue est possible à la volée et les sous-titres français non imposés.

Crédits images : © Elephant Films / Unversal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / The Leftovers – Saison 3

THE LEFTOVERS – SAISON 3, disponible en Blu-ray et DVD le 11 octobre 2017 chez HBO

Acteurs :  Justin Theroux, Amy Brenneman, Christopher Eccleston, Chris Zylka, Margaret Qualley, Carrie Coon, Liv Tyler, Ann Dowd, Janel Moloney, Kevin Carroll, Regina King, Jasmin Savoy Brown, Jordan Adepo…

Histoire originale  : Damon Lindelof, Tom Perrotta d’après le livre de Tom Perrotta Les Disparus de Mapleton

ScénarioDamon Lindelof, Patrick Somerville, Tom Perrotta, Tom Spezialy, Tamara Carter, Lila Byock, Carly Wray, Nick Cuse

Photographie : Michael Grady, John Grillo, Robert Humphreys

Musique : Max Richter

Durée : 8h (8 épisodes)

Date de sortie initiale : 2017

LA SAISON 3

En l’espace d’un instant, 140 millions de terriens se sont évaporés. La cause de ce tragique événement reste inconnue et rien n’indique que les disparus referont surface. La série The Leftovers s’articule autour des vies transformées à jamais par la catastrophe qui a ébranlé la planète un 14 octobre. Dans la saison 3, les familles Garvey et Murphy s’unissent dans la quête désespérée d’une foi capable d’expliquer ce qui dépasse l’entendement. Le monde est à l’aube d’un bouleversement majeur, comparable au « Grand Départ » qui l’a frappé des années auparavant.

Nous y sommes. C’est la dernière saison. Trois ans se sont écoulés depuis l’invasion de Miracle par le groupe de “Guilty Remnants”, qui s’est soldée tragiquement. Alors que le septième anniversaire du Ravissement a lieu dans deux semaines, de plus en plus de monde se rassemble dans la petite bourgade texane. En effet, de nombreux prêches annoncent un nouvel événement ce jour-là. Désormais à la tête de la police locale, Kevin Garvey surveille non sans inquiétude l’effervescence qui anime la ville. Dans le cadre de son travail sur les fraudes liées au Ravissement, Nora se rend dans la ville de Saint-Louis, ou on soupçonne une nouvelle escroquerie visant à laisser croire aux familles de Disparus qu’il serait possible de les retrouver. Par ailleurs, la jeune femme souffre toujours aussi cruellement de l’absence de ses enfants et peine à se remettre du départ de la petite fille confiée à Kévin sur laquelle elle veillait. Tout en écoutant un vieil enregistrement de son fils alors qu’il était enfant, Kevin Garvey Senior sillonne l’outback australien. Pour prévenir un déluge, qu’il croit imminent, le vieil homme suit une ancienne route sacrée pour le peuple aborigène et répète à différents endroits les coutumes après les avoir observées et mémorisées. Ses activités lui valent des ennuis avec les autorités, mais il persiste tout de même, d’autant plus qu’il ne lui reste qu’un seul rituel à accomplir. Kevin et Nora se rendent alors en Australie, quand le policier aperçoit un visage inattendu du passé, ce qui l’oblige à affronter les événements traumatiques de trois ans plus tôt. Convaincu que c’est le destin de Kevin d’être à Miracle pour le prochain septième anniversaire du départ, Matt Jamison se dirige impulsivement vers l’Australie dans le but de le ramener au bercail. Malheureusement, Dieu s’oppose. Laurie Garvey, se dirige également vers l’Australie pour aider Nora et Kevin sur leurs chemins.

The End is near…

Diffusée sur HBO dès juin 2014, la première saison de The Leftovers, série télévisée américaine créée par Damon Lindelof (un des créateurs de la série Lost) et l’écrivain Tom Perrotta, adaptée du roman éponyme de ce dernier édité en France sous le titre Les Disparus de Mapleton, est rapidement devenue un des événements de l’année. La première saison en dix épisodes transposait le roman dans son intégralité et la seconde, également en dix épisodes, était donc réalisée à partir d’un scénario original. Toujours aussi complexe, extrêmement riche, hypnotique, la troisième et dernière saison de The Leftovers est une des plus belles vues depuis dix ans. N’ayons pas peur des mots, cette oeuvre est extraordinaire. Si le générique de la précédente saison est conservé sur la forme, l’accompagnement musical n’a de cesse d’évoluer et donne quelques indications sur le récit et les évènements à venir.

Nous retrouvons les personnages principaux, mais l’action se déroule essentiellement en Australie, trois ans après l’arrivée de Kevin et Nora à Jarden, rebaptisée alors Miracle, puisqu’il s’agit du seul endroit sur Terre où pas un seul habitant sur 9261 personnes n’avait été porté disparu. C’est dans cette petite contrée, devenue centre de pèlerinage et dans laquelle on ne peut circuler librement et seulement sur autorisation en étant muni d’un bracelet spécifique, que Kevin et Nora débarquaient en espérant repartir de zéro. Mais le destin en avait décidé autrement. A l’aube d’une Apocalypse programmée pour le septième anniversaire du Grand Départ, Kevin (merveilleux Justin Theroux) est regardé comme un nouveau Messie et semble pour ses proches détenir le pouvoir d’empêcher l’extinction de la race humaine. Quant à Nora (sublime Carrie Coon), elle semble rattraper par la tristesse, le désespoir et ne parvient pas à faire le deuil de ses enfants en se demandant toujours s’ils sont toujours en vie, quelque part. Jusqu’au jour où une société la contacte et lui propose de participer à une expérience, comme plusieurs autres cobayes avant elle. Les conditions de la disparition soudaine de la population ont pu être reproduits en laboratoire. Une machine peut donc envoyer des volontaires là où leurs proches ont sans doute disparu. Mais le processus est irréversible.

Pray for us

Résumer tous les enjeux et les intentions d’une série comme The Leftovers est difficile, puisque la série, en particulier cette troisième saison, est si dense, mystérieuse, ambiguë, torturée, dramatique, mélancolique, et en même temps totalement différente d’une saison à l’autre, que l’on pourrait y passer des heures, et ne faire qu’effleurer ses thèmes. Le pari de proposer une suite radicalement différente est donc magistralement relevé. La mise en scène est virtuose, tout comme l’interprétation, la musique, la photographie. Les acteurs ont chacun leur partition à jouer dans cette étrange et saisissante symphonie qui ne cesse de déstabiliser pendant ces huit derniers épisodes. L’intrigue est étrange, quasi-fantastique, chaotique, anxiogène, troublante et haletante, dès la première séquence du premier épisode qui nous emmène loin dans l’histoire. L’épisode 7, à l’instar du huitième de la saison 2, dans lequel Kevin est à nouveau « emmené » dans une étrange dimension, marquera longtemps les esprits. Quant au final d’1h12, sobre, fabuleux et fascinant sur la foi, la croyance, la recherche de la paix intérieure, l’acceptation, l’amour, il arrache toutes les larmes du corps du spectateur et peu importe si finalement certaines questions demeurent sans réponse comme l’indique la chanson Let the Mystery Be d’Iris DeMent. The Leftovers est et restera une mini-série époustouflante et miraculeuse. Un chef d’oeuvre dont on ne ressort pas indemne.

LE BLU-RAY

Le visuel de la jaquette, glissée dans un boîtier classique de couleur bleue, est très beau et parfaitement dans le ton de cette troisième saison de The Leftovers. La minisérie est divisée en deux disques à la sérigraphie sobre. Le premier disque comprend les quatre premiers épisodes, la deuxième galette les quatre suivants. Les menus principaux sont fixes et musicaux, identiques sur les deux disques. Le boîtier est glissé dans un surétui cartonné.

A l’instar de l’édition Blu-ray de la seconde saison, nous ne trouvons ici aucun supplément. Nada !

L’Image et le son

L’éditeur prend soin de cette troisième saison avec un master haut de gamme et un transfert solide. Sans surprise, la copie se révèle propre et tire agréablement partie de la HD avec des teintes plus chaudes que sur les deux saisons précédentes avec notamment une omniprésence de couleurs saturées en Australie, une palette chromatique spécifique, le tout soutenu par un solide encodage. Le piqué, tout comme les contrastes, sont souvent tranchants, les arrière-plans sont détaillés, le relief plaisant, les noirs denses et les détails foisonnants. Hormis quelques légers fléchissements de la définition sur les scènes sombres, cette édition Blu-ray offre les plus belles conditions pour voir et revoir The Leftovers.

Seule la version originale bénéficie d’une piste DTS-HD Master Audio 5.1, la piste française devant se contenter d’une simple et anecdotique Dolby Digital 2.0, qui n’arrive pas à la cheville de son homologue. Pour la première, le confort acoustique est évidemment largement assuré. La spatialisation est enivrante et participe à l’immersion totale dans cet étrange univers, tout en mettant en avant l’extraordinaire composition de Max Richter. Les dialogues sont exsudés avec force, les effets et ambiances annexes sont riches (dans la rue notamment), amples et variés. Nul besoin de monter le volume pour profiter pleinement de la bande-son. Le caisson de basses intervient aux moments opportuns et les sous-titres sont amovibles.

Crédits images : © HBO / Warner Bros. Entertainment / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Bleeder, réalisé par Nicolas Winding Refn

BLEEDER réalisé par Nicolas Winding Refn, disponible en combo Blu-ray+DVD le 8 novembre 2017 chez M6 Vidéo

Acteurs :  Kim Bodnia, Mads Mikkelsen, Rikke Louise Andersson, Liv Corfixen, Levino Jensen, Zlatko Buric…

ScénarioNicolas Winding Refn

Photographie : Morten Søborg

Musique : Peter Peter

Durée : 1h388

Date de sortie initiale : 1999

LE FILM

Amour et violence à Copenhague. Leo et Louise vivent en couple dans un appartement insalubre. Découvrant que Louise est enceinte, Leo perd peu à peu le sens de la réalité et, effrayé par la responsabilité de sa nouvelle vie, sombre dans une spirale de violence. Au même moment, son ami Lenny, cinéphile introverti travaillant dans un vidéo-club, tombe fou amoureux d’une jeune vendeuse et ne sait comment le lui dire…

Il aura fallu attendre plus de quinze ans – le film n’avait pu être exploité en dehors du Danemark, en raison de la faillite de la société de distribution – et l’engouement de la critique pour ses derniers films, pour que le second long métrage de Nicolas Winding Refn (né en 1970) parvienne dans les salles françaises. Ecrit, produit et mis en scène par le réalisateur danois trois ans après le succès inattendu de Pusher (qui deviendra une trilogie), Bleeder, qui reprend une grande partie du précédent casting ainsi que la même équipe technique, est aujourd’hui considéré à juste titre comme l’une de ses œuvres centrales, puisqu’elle installe les thématiques et recherches formelles que NWR (comme il aime se faire appeler) n’aura de cesse de développer. Parallèlement, il offre au comédien Mads Mikkelsen, qui faisait ses débuts au cinéma à l’âge de trente ans passés, l’un de ses premiers rôles importants.

Leo (Kim Bodnia) et Louise (Rikke Louise Andersson), un jeune couple, vivent dans un appartement miteux de Copenhague. Leo est souvent dehors avec ses amis pendant que Louise préfère rester à la maison. Lorsque la jeune femme apprend à son compagnon qu’elle est enceinte, il devient de plus en plus agressif et brutal. Il se lie avec Louis (Levino Jensen), un videur raciste. Après avoir assisté à un passage à tabac qui le choque profondément, Leo finit par se laisser happer par un engrenage de violence. Pendant ce temps, Lenny (Mads Mikkelsen), ami de Leo, employé dans un video-store, grand cinéphile devant l’éternel, s’éprend de Lea (Liv Corfixen), vendeuse dans un petit snack du quartier, qui regarde lentement les journées défiler. Timide et renfermé, Lenny décide tout de même de l’inviter au cinéma.

Comme dans tous les films de Nicolas Winding Refn, il y a à boire et à manger dans Bleeder, fourre-tout animé par l’envie irrésistible de faire du bon cinéma, mais rattrapé par la propre mégalomanie exacerbée de son metteur en scène. NWR livre une fois de plus un film bancal et le cul entre deux chaises avec un récit scindé en deux parties qui s’entrecroisent. La première, la plus attachante, celle avec le déjà magnétique Mads Mikkelsen, qui crève l’écran et foudroie le spectateur dans le rôle de Lenny, petit vendeur de vidéo-club. Immense cinéphile qui visionne une douzaine de films par semaine (son préféré étant Massacre à la tronçonneuse), il tombe amoureux d’une jeune femme au regard triste et qui paraît tout aussi renfermée que lui, interprétée par la belle Liv Corfixen, aujourd’hui l’épouse de NWR. Plus à l’aise quand il parle des grands maîtres du cinéma, que lorsqu’il souhaite faire comprendre à une nana qu’il voudrait l’inviter à se faire une toile, Lenny est le personnage auquel on se raccroche durant 1h30. Mais à côté de ça, le cinéaste se prend pour un Tarantino nordique – un autre metteur en scène qui a appris son boulot en visionnant des films – en se focalisant sur une poignée de personnages qui attendent le moindre petit dérèglement de leur triste vie, pour expulser tout leur mal-être et leur violence jusqu’ici contenue.

Manque de bol, cette étincelle va venir de Louise, qui annonce à son compagnon Leo qu’elle est enceinte et qu’elle souhaite garder l’enfant. Visiblement déjà au bord de la crise de nerfs, Leo devient de plus en plus agressif, jusqu’à atteindre le point de non-retour. Il s’en prend physiquement à sa compagne. Alors certes, NWR montre des personnages vieillis déjà avant trente ans et englués dans un quotidien morne, mais comme dans la plupart de ses films, la violence frontale demeure gratuite. Il est tellement facile de choquer les spectateurs en montrant un homme frapper à coups de pied le ventre d’une femme enceinte, scène particulièrement insoutenable. Manquant particulièrement de “finesse”, le réalisateur en fait toujours trop, en privilégiant la forme (caméra à l’épaule très immersive) au fond, toujours limité avec « jamais d’amour sans violence », en se servant du cinéma comme d’un punching-ball, afin de purger ses propres désirs frustrés et refoulés, d’autant plus que Bleeder apparaît comme étant son film le plus autobiographique.

Fondamentalement, Nicolas Winding Refn est un habile « maker » ou faiseur, largement influencé par ses cinéastes de prédilection (Wong Kar-wai, Mario Bava, Martin Scorsese et Dario Argento par exemple), mais il lui manque un univers qui lui est propre et qui aujourd’hui demeure encore bien trop calqué ses modèles. Bleeder pose les bases des films du réalisateur qui suivront. C’est une oeuvre puzzle, patchwork à la Trainspotting, auquel on pense beaucoup avec ses personnages adulescents qui déambulent dans des rues tristes aux murs tagués, à laquelle on accroche bien plus que ses œuvres contemporaines gloubi-boulga à l’esthétique Fashion TV.

NWR gagnerait à revenir à ce genre de film sobre et simple, nettement plus empathique et accessible, plutôt que de vouloir flatter ses pairs, la critique élitiste et une niche de cinéphiles, dans le seul but unique et par ailleurs avoué de se faire mousser. Aujourd’hui Nicolas Winding Refn est devenu NWR, une marque de fabrique, un groupe industriel spécialisé dans les néons auquel on préférait largement l’époque où il ne s’agissait encore que d’une petite usine, où l’ombre ou le reflet d’une caméra (c’est le cas dans Bleeder) touchait bien plus qu’une exposition de tableaux chromatiques parfaitement symétriques.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Bleeder, disponible chez M6 Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Cette édition Digibook se compose de l’édition HD, du DVD ainsi que d’un livret de 32 pages. Le menu principal est sobre, animé et musical.

Avis aux amateurs de Nicolas Winding Refn, l’éditeur propose une très longue (euphémisme) interview-fleuve en anglais du réalisateur, en compagnie de Mads Mikkelsen (48’). Réalisé en mars 2017 à Copenhague, cet entretien durant lequel les questions (basiques) apparaissent sous la forme de carton écrit sur fond rouge, revient sur les conditions de tournage, les intentions et les partis pris de Bleeder, mais aussi sur la rencontre artistique des deux hommes sur Pusher, ainsi que sur leurs autres associations. Nous le savions déjà, mais NWR aime parler de lui – « Absolument, je suis totalement narcissique […] Je voulais le top du top, je voulais devenir une légende […] je voulais devenir un mythe, encore maintenant » – devant un Mads Mikkelsen simple, visiblement amusé devant les propos démesurément égocentriques du cinéaste.

Particulièrement lent, ce supplément filmé sur un fond gris et triste, se suit avec difficulté et même avec pas mal d’ennui, mais on peut s’amuser du côté gamin pourri-gâté capricieux du réalisateur de 47 ans. Nous retiendrons essentiellement toutes les interventions de Mads Mikkelsen, qui évoque ses débuts devant la caméra et dont la modestie n’a d’égale que son immense talent.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Bleeder connaît non pas une cure de jouvence, mais une véritable résurrection. Le master HD présenté ici est issu du négatif original restauré 4K, qui avait bénéficié d’une exploitation dans les salles françaises en octobre 2016, transféré en 2K pour sa sortie dans les bacs. Le cadre large est évidemment respecté, tout comme le grain original, magnifiquement géré et restitué. La propreté remarquable de la copie participe à la (re)découverte du second long métrage de Nicolas Winding Refn, dont la mise en scène parfois heurtée pourrait donner du fil à retordre à l’encodage, ce qui n’est absolument pas le cas. L’image est superbe, les couleurs disparates et éclatantes (beaucoup de rouge, teinte de prédilection du réalisateur), le piqué est ciselé, les contrastes denses et les détails abondants. Un titre qui intègre facilement le Top Démo du mois de novembre 2017.

Point de version française à l’horizon, mais qui s’en plaindra franchement ? En revanche, l’éditeur propose un inattendu mixage danois DTS-HD Master Audio 5.1. Si l’on pouvait craindre un rendu artificiel, il n’en est rien et la spatialisation demeure puissante et très efficace. Cela tient en partie grâce à la B.O énergique du film, qui profite de l’ouverture des frontales et des latérales, mais aussi du caisson de basses. Les dialogues sont solidement plantés sur la centrale, les effets concrets et quelques séquences, notamment celles de règlements de comptes avec l’usage d’armes à feu, sont particulièrement frappantes. La piste DTS-HD Master Audio 2.0 s’en sort également très bien et contentera ceux qui ne seraient pas équipés sur la scène arrière. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © La Rabbia / M6 vidéo / Bac Films / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

 

 

Test Blu-ray / Miracle Mile, réalisé par Steve De Jarnatt

MIRACLE MILE réalisé par Steve De Jarnatt, disponible en DVD et Blu-ray le 13 novembre 2017 chez Blaq Out

Acteurs :  Anthony Edwards, Mare Winningham, Mykelti Williamson, Denise Crosby, O-Lan Jones, John Agar, Lou Hancock, Kelly Jo Minter, Kurt Fuller…

ScénarioSteve De Jarnatt

Photographie : Theo van de Sande

Musique : Tangerine Dream

Durée : 1h28

Date de sortie initiale : 1988

LE FILM

Los Angeles, 4h05 du matin. Après un rendez-vous raté avec la femme de sa vie, Harry décroche le téléphone d’une cabine qui ne cesse de sonner. Une voix lui apprend que des missiles nucléaires vont s’abattre sur Los Angeles dans 1 heure et 10 minutes. Une folle course contre la montre va s’enclencher…

C’est l’histoire d’un petit film sorti dans un quasi-anonymat en 1988, qui a depuis conquis de très nombreux cinéphiles dans le monde entier, au point de devenir culte. Appel d’urgence, Miracle Mile en version originale, est le second et dernier long métrage à ce jour réalisé par Steve De Jarnatt. Si son premier film Cherry 2000 (1987), comédie de science-fiction, reste très prisé des amateurs de Cinéma Bis, Appel d’urgence s’est bâti une solide réputation, au point d’être redécouvert avec tout autant de sérieux que de plaisir par la critique et les spectateurs.

Harry Washello rencontre Julie dans un musée d’Histoire naturelle. Ils passent l’après-midi ensemble et, le soir venu, se donnent rendez-vous à une heure du matin à la sortie du diner où Julie travaille. Mais l’hôtel dans lequel Henry est parti se reposer subit une panne de courant et il ne se réveille qu’à trois heures. Pour Harry, Julie est la femme de sa vie. Il se précipite à Miracle Mile où se trouve le diner mais Julie n’est plus là. Il lui laisse un message depuis la cabine téléphonique qui fait le coin de la rue et attend, désespéré, qu’elle le rappelle. Lorsque le téléphone sonne, il se précipite mais c’est à un étrange interlocuteur auquel il a affaire : un homme effrayé, en pleurs qui, pensant s’adresser à son père, lui confie que dans une heure dix des missiles nucléaires vont s’abattre sur les Etats-Unis. Henry pense à un canular mais la conviction de son correspondant le fait douter. Il s’en émeut auprès des rares clients du diner qui font peu de cas de son inquiétude. Mais parmi eux se trouve une femme d’affaires qui appelle quelques contacts au Sénat. Lorsqu’elle s’aperçoit que tous ses correspondants ont pris la tangente, l’assemblée commence à prendre au sérieux la terrible annonce. Pour Harry, il est impensable de s’enfuir de Los Angeles sans Julie.

Sur ce postulat de départ aussi inattendu que prometteur, Steve De Jarnatt va embarquer son audience dans un récit quasi-inclassable, une comédie-romantique sur fond d’apocalypse. Alors que son scénario écrit à l’origine pour la Warner Bros traînait depuis presque dix ans dans les tiroirs, Steve De Jarnatt, à qui le studio ne souhaitai pas confier la mise en scène, parvient à racheter son propre script pour la somme de 25.000 dollars. S’ensuit une phase de réécriture complète, jusqu’à ce que la Warner revienne à la charge en lui proposant cette fois de lui racheter son scénario pour 400.000 dollars ! Steve De Jarnatt refuse, sans doute par peur que son travail ne soit à nouveau mis aux oubliettes. Il prend alors son courage à deux mains et propose son scénario à plusieurs studios concurrents, mais ceux-ci demeurent frileux et dubitatifs devant ce mélange des genres peu conventionnel qu’ils imaginent déjà difficile à vendre, d’autant plus que Steve De Jarnatt tient à conserver son dénouement pessimiste. Jusqu’à l’entrée en scène de la Hemdale Film Corporation, compagnie de production et de distribution, qui avaient enchaîné les succès avec Les Guerriers du Bronx d’Enzo G. Castellari, mais aussi et surtout Terminator de James Cameron, ainsi que Salvador et Platoon d’Oliver Stone !

Steve De Jarnatt obtient alors 3,7 millions de dollars et les dates du tournage sont fixées du 13 avril au 4 juin 1987, entièrement en décors naturels à Los Angeles, dans le quartier de Miracle Mile qui donne son titre au film. Le casting est composé de comédiens pas ou alors peu connus du grand public. Avant de devenir une star du petit écran grâce à la série Urgences, dans lequel il interprète le Dr Mark Greene, Anthony Edwards promenait sa longue silhouette dégingandée au cinéma (Ça chauffe au lycée Ridgemont, Garçon choc pour nana chic) et à la télévision (It Takes Two), avant de connaître une première consécration avec Top Gun, dans lequel il incarne Goose, le pote à moustache de Tom Cruise. Même chose pour sa partenaire à l’écran Mare Winningham, qu’il connaissait depuis les cours de théâtre au lycée. Bien qu’aucune star ne soit à l’affiche, les spectateurs s’amuseront à reconnaître toute une ribambelle de formidables comédiens (à tronches) habituellement cantonnés aux seconds rôles. Mykelti Williamson (Bubba de Forrest Gump, Les Ailes de l’enfer, Heat), Denise Crosby (Simetierre, Deep Impact, 48 heures), Robert DoQui (RoboCop), John Agar (vu chez John Ford), Earl Boen (le docteur Silberman des trois premiers Terminator), Brian Thompson (un des punks de Terminator) et Jenette Goldstein (la mythique Vasquez d’Aliens – le retour et la mère adoptive de John Connor dans Terminator 2 – Le jugement dernier).

Redécouvrir Appel d’urgence aujourd’hui est comme tomber sur une pépite oubliée. Ou comment assister à une histoire d’amour dingue et romantique, une rencontre entre deux âmes sœurs le jour où une pluie de missiles nucléaires va s’abattre sur les Etats-Unis. Thriller paranoïaque, cauchemar éveillé, film catastrophe, comédie dans la veine d’After Hours, récit de science-fiction, drame mélancolique et existentiel, Miracle Mile a beau avoir l’air de partir dans toutes les directions, il n’en demeure pas moins que Steve De Jarnatt maintient le cap de son histoire du début à la fin, en instaurant progressivement un chaos très étonnant, déroutant et particulièrement prenant. On suit ainsi Harry, prêt à tout pour retrouver Julie et la sauver de la menace nucléaire – la guerre froide connaissait ses dernières heures – mise à exécution.

Le réalisateur parvient à retrouver l’essence des séries B de science-fiction des années 50, en y incorporant les couleurs fluorescentes des années 80, des néons bariolés du Johnie’s Coffee Shop Restaurant, en passant par les costumes des personnages. Ou comment la menace de mort qui pèse sur les protagonistes contraste avec les décors et textures luminescentes. Steve De Jarnatt soigne sa mise en scène avec de formidables travellings et plans-séquences, en déjouant les attentes des spectateurs avec quelques scènes impressionnantes et oppressantes à l’instar de celle dite de la station-service, ou bien encore les émeutes dans les rues à quelques minutes de l’explosion finale. La sublime composition de Tangerine Dream ne cesse d’envoûter, jusqu’au dénouement aussi inéluctable que déchirant, poétique et magnifique, qui montre que Steve De Jarnatt n’a pas peur du romanesque, ni des ruptures de tons.

Animé par une foi dans le cinéma, une énergie contagieuse et un désir d’offrir aux spectateurs un rollercoaster d’émotions, Appel d’urgence Miracle Mile, intègre la liste des « grands petits films » qui font le bonheur des cinéphiles, que l’on se refile, que l’on conseille, qui se placent dans le top des films « injustement méconnus ». Le bouche-à-oreille fait foi et même si Appel d’urgence est sorti il y a maintenant trente ans, il n’est sûrement pas trop tard pour le considérer à sa juste valeur, surtout à l’heure où Donald Trump et Kim Jong-un caressent le bouton rouge chacun de leur côté.

LE BLU-RAY

Le Blu-ray de Miracle Mile, disponible chez Blaq Out, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est fixe sur la composition de Tangerine Dream.

On commence les suppléments par le court-métrage Tarzana (33’), réalisé par Steve De Jarnatt en 1972. Ce formidable film d’étudiant est une véritable lettre d’amour du metteur en scène au film noir des années 1940. Tourné dans un magnifique N&B, en reprenant les partis pris, les costumes et les décors du genre, Tarzana suit l’enquête d’un détective privé, Eye Milt Lassitor, interprété par Michael C. Gwynne. Durant son investigation, ce dernier croise le comédien Eddie Constantine dans l’imperméable de Lemmy Caution ! Un sublime exercice de style. En introduction, l’éditeur indique que Tarzana est un film rarissime, qui était bloqué pour des raisons de droits musicaux. La situation s’étant légèrement décoincée à la dernière minute, Blaq Out n’a pas pu faire sous-titrer ce court-métrage, mais a tout de même décidé de l’inclure à cette édition. Très remarqué, ce film a permis à Steve De Jarnatt de se faire immédiatement un nom à Hollywood.

Trois ans plus tard, Steve De Jarnatt coréalise Eat the Sun avec Jim Cox (24’). Un faux documentaire expérimental, qui montre comment les membres d’une secte parviennent à réaliser leur publicité et à attirer de nouveaux adeptes. Plutôt difficile d’accès, ce film avec quelques faux sosies de Donald Pleasence et Régis Laspalès habillés avec du papier d’aluminium, se regarde surtout comme une curiosité. Même chose que pour Tarzana, Blaq Out indique que Steve De Jarnatt ne souhaitait présenter ce film que si l’autre court-métrage était disponible. De ce fait, Eat the Sun n’est pas sous-titré non plus.

Nous passons maintenant à l’entretien de Steve De Jarnatt (11’). Enregistré en juin 2017, le réalisateur revient sur la longue gestation de Miracle Mile, ainsi que les problèmes liés à la mise en route de son second long métrage. Sans langue de bois, Steve De Jarnatt explique en détail comment la Warner Bros. avait voulu faire beaucoup de changements dans son scénario, notamment en ce qui concerne le dénouement. La Warner souhaitait entre autres intégrer cette histoire à La Quatrième dimension, avant que Steven Spielberg ne rejoigne le projet. Mais le cinéaste n’a pas plié et après avoir racheté son propre scénario au studio, Steve De Jarnatt est allé voir ailleurs, pour trouver preneur auprès des producteurs de la Hemdale huit ans après ! Durant cette interview, le cinéaste enchaîne les anecdotes de tournage (tout était storyboardé), revient sur les thèmes du film (inspirés de son enfance passée dans la peur d’une Troisième Guerre mondiale), les partis pris (une image claire et cristalline, le choix de Tangerine Dream pour la B.O.) et ses intentions, tout en se rappelant la sortie de Miracle Mile au cinéma et au passage donner son avis sur la prolifération des films de super-héros à Hollywood.

Place aux deux comédiens principaux de Miracle Mile, Anthony Edwards et Mare Winningham, de partager leurs souvenirs liés au tournage du film de Steve De Jarnatt (12’). Visiblement complices, ils se connaissent d’ailleurs depuis le lycée, les deux acteurs se penchent sur les personnages, sur l’histoire, le travail avec Steve De Jarnatt, le contexte politique dans lequel le film a été réalisé, la sortie au cinéma et surtout la résurrection de Miracle Mile trente ans après. Anthony Edwards admet que le film a mal vieilli, mais qu’il possède un côté désuet magnifique et représente admirablement ce que pouvait être un film américain d’art et d’essai dans les années 1980.

Dommage qu’Anthony Edwards et Mare Winningham ne soient pas présents dans le module suivant qui propose les retrouvailles du casting dans le célèbre Johnie’s Coffee Shop Restaurant, l’un des décors importants de Miracle Mile, fermé depuis 2000, mais conservé en état et vu dans d’autres films (Volcano, The Big Lebowski, 60 secondes chrono). Filmé par le chef opérateur Theo van de Sande, ce segment de 25 minutes offre de savoureux et émouvants moments avec les acteurs et Steve De Jarnatt, qui évoquent leurs souvenirs avec autant de nostalgie que de bonheur puisqu’ils sont fiers que Miracle Mile soit redécouvert près de trente ans après la sortie du film au cinéma, où il avait dû affronter Road House avec Patrick Swayze pendant quinze jours, avant de déclarer forfait devant le mastodonte de Steven Spielberg, Indiana Jones et la dernière Croisade.

Place au compositeur autrichien Paul Haslinger, de se pencher sur sa contribution à la grande réussite de Miracle Mile (17’). Alors qu’il venait de rejoindre le groupe Tangerine Dream en 1986 suite au départ de Johannes Schmoelling, Paul Haslinger et les autres membres du groupe acceptent de composer la B.O. du film de Steve De Jarnatt, qui écoutait en boucle la musique de Sorcerer de William Friedkin pendant qu’il écrivait son scénario. Le musicien se souvient des conditions d’enregistrement de la musique du film, tout en se penchant sur quelques-uns des thèmes principaux de Miracle Mile.

Derrière les « Scènes coupées et alternatives » (11’) se présente un montage constitué de morceaux de séquences abandonnées, ratées, ou filmées sous un angle différent par rapport à celles finalement gardées.

L’interactivité se clôt sur une présentation du storyboard de la séquence au diner (2’), de la bande-annonce originale, d’une fin alternative (1’) où Harry et Julie « devenaient » deux diamants qui s’animaient et tourbillonnaient à l’écran. Ceux qui ont vu le film comprendront. N’oublions pas la sublime piste musicale isolée !

Dommage que Blaq Out n’ait pas pu reprendre le commentaire audio de Steve De Jarnatt et du directeur de la photographie Theo Van de Sande, disponible sur l’édition Kino.

L’Image et le son

Effectivement, c’est un miracle que Miracle Mile apparaisse en France, surtout en Haute-Définition ! C’est donc à Blaq out que nous devons cette sortie aussi ambitieuse que très attendue par beaucoup de cinéphiles. Seulement le résultat en Haute-Définition est très relatif. Le point fort de cette édition demeure les couleurs typiques des années 1980, autrement dit bariolées, renforcées ici par l’omniprésence des néons qui éclairent les rues désertes de Los Angeles à 4h du matin, avec une très belle lumière diffuse. Ajoutez à cela une stabilité rarement prise en défaut, un piqué agréable et des contrastes plutôt concis. En revanche, l’apport de la HD appuie le côté « petit budget » de Miracle Mile. La gestion du grain est aléatoire, les poussières et points blancs apparaissent sporadiquement (la restauration est correcte, pas non plus incroyable), mais se multiplient dans l’acte final, sur les plans à effets spéciaux et les partis pris rouge-orangé, avec également l’apparition de fourmillements. La belle photographie du chef opérateur néerlandais Theo Van de Sande (Blade) s’en tire avec les honneurs et profite de cette promotion. C’est déjà ça de pris.

Le mixage anglais Stéréo est propre et distille parfaitement la bande originale. La piste anglaise est la plus équilibrée du lot avec une homogénéité entre les dialogues et les bruitages souvent impressionnants. Au jeu des différences, la version française s’avère plus couverte, avec certaines ambiances et d’autres effets annexes qui peinent à se faire entendre quand on compare avec la piste anglaise. L’éditeur prévient d’ailleurs de l’état de la version française, par un carton en avant-programme. La piste originale est dynamique et le niveau des dialogues plus plaisant. Les sous-titres français sont imposés en anglais.

Crédits images : © MGM / Blaq Out / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test DVD / Wakefield, réalisé par Robin Swicord

WAKEFIELD réalisé par Robin Swicord, disponible en DVD le 6 septembre 2017 chez AB Vidéo

Acteurs :  Bryan Cranston, Jennifer Garner, Beverly D’Angelo, Jason O’Mara, Ian Anthony Dale, Pippa Bennett-Warner…

ScénarioRobin Swicord

Photographie : Andrei Bowden Schwartz

Musique : Aaron Zigman

Durée : 1h44

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Howard Wakefield est un avocat qui a tout pour lui. Une belle situation, une femme dont il est follement amoureux et de beaux enfants. Jusqu’au jour où, dépressif, il décide de tout plaquer pour s’installer secrètement en face de chez lui pour espionner ses proches.

Dans la carrière de Bryan Cranston, il y a évidemment un avant et un après Breaking Bad. Depuis le triomphe de la série, le comédien, qui oeuvrait principalement à la télévision dans tous les shows possibles et imaginables, s’est vu offrir de multiples propositions au cinéma. Comme s’il désirait se rattraper, bien qu’il n’ait jamais arrêté de tourner, Bryan Cranston passe donc d’un univers à l’autre avec le même talent, de La Défense Lincoln de Brad Furman à Drive de Nicolas Winding Refn, en passant par Contagion de Steven Soderbergh, John Carter d’Andrew Stanton, Argo de Ben Affleck, Godzilla de Gareth Edwards, Dalton Trumbo de Jay Roach (nommé pour l’Oscar du meilleur acteur) et même Power Rangers de Dean Israelite ! Wakefield, écrit et réalisé par Robin Swicord, scénariste de Matilda, Les Ensorceleuses, Mémoires d’une geisha et L’Etrange histoire de Benjamin Button, est basé sur une nouvelle de l’écrivain E.L. Doctorow. Film mis en œuvre pour flatter l’académie, Wakefield est typique du cinéma indépendant américain, bien interprété, mais qui croule sous une musique aussi omniprésente que plombante, ainsi que des effets de style académiques.

Bryan Cranston est Howard Wakefield, avocat d’un grand cabinet new-yorkais. Après une journée de travail, sur le chemin du retour, son train tombe subitement en panne. Il est alors contraint de faire le reste du chemin à pied vers sa banlieue résidentielle. Le téléphone sonne. Visiblement, sa femme s’inquiète, mais il ne répond pas cet appel. Arrivé devant chez lui à la nuit tombée, Wakefied aperçoit un raton laveur se faufiler dans la remise au-dessus du garage. Il le suit pour l’obliger à déguerpir et de la fenêtre de ce petit grenier, il aperçoit ses filles qui discutent, sa femme qui s’acharne sur son portable avant de s’en aller, de rage, balancer une assiette, celle qui l’attendait, à la poubelle. Un vieux fauteuil lui tend les bras et Wakefield s’installe pour regarder encore un peu ce fascinant spectacle : observer la vie dans sa propre maison. Et de se réveiller le lendemain au même endroit avec le spectacle qui continue. Les jours passent, Wakefield décide de rester encore et toujours dans ce grenier. C’est avec un malin et malsain plaisir qu’il observe sa femme, aux prises avec les événements.

Sur un postulat très intéressant, la réalisatrice Robin Swicord tourne rapidement en rond et peine à maintenir l’intérêt, au point que le film semble s’arrêter au bout d’une demi-heure. Seul dans son observatoire, Wakefield s’amuse à imaginer les échanges de ses proches suite à sa disparition, mais très vite la voix-off et le monologue prennent le relais, quasiment jusqu’à la fin du film. Le procédé est usant et ce malgré l’investissement évident du comédien principal. Très vite prisonnière de son dispositif, la cinéaste ne parvient jamais à renouveler sa mise en scène et se contente la plupart du temps de positionner sa caméra sur son acteur, qui assure le show en grimaçant, en riant, en pleurant. Après plusieurs ellipses, Bryan Cranston, Wakefield plutôt, se métamorphose en clochard, barbe hirsute ridicule, ongles longs et noirs, cheveux craspecs, chemise cradingue et chaussures trouées. Le récit s’enlise en raison de la pauvreté technique d’ensemble, ainsi que par ses dialogues, une logorrhée sur le mal-être existentiel, jamais crédibles, qui n’instaure jamais de trouble ou d’ambiguïtés sur le personnage, un mec antipathique qui pique sa crise.

De ce fait, Wakefield n’est jamais attachant, surtout que des flashbacks le montrent amer et jaloux avec sa femme, incarnée par la douce Jennifer Garner, et toute cette expérience vécue par le personnage semble finalement n’avoir aucun impact sur lui, si ce n’est lui faire admettre qu’il est en dépression. S’il se rend compte qu’il a été bouffé par le quotidien de sa petite vie pépère, Wakefield voit sa femme et ses deux filles jumelles continuer à vivre après sa disparition, des mois (des années ?) après. Il est alors pris entre l’envie de regagner ses pénates, il imagine d’ailleurs les différentes réactions possibles lors de son retour et le désir de se laisser aller dans son grenier afin de profiter au maximum du pouvoir omniscient que lui procure la vue de son mirador. Tout ça pour ça ? C’est ce qu’on appelle de la philosophie de comptoir, même si au final le film n’est pas si déplaisant, mais juste anecdotique.

LE DVD

Le DVD de Wakefield, disponible chez AB Vidéo, repose dans un boîtier classique de couleur noire. Le menu principal est animé et musical.

Point d’interview ni de making of, juste une bande-annonce en guise de supplément !

L’Image et le son

AB Vidéo nous propose un très beau master (français, comme le montrent les credits) de Wakefield. Respectant les volontés artistiques de la réalisatrice et du directeur de la photographie Andrei Bowden Schwartz, la copie affiche une colorimétrie froide et soignée, des contrastes de belle tenue, un léger grain cinéma palpable et un piqué ferme. L’image est propre, sans fioritures, les gros plans impressionnent par leur précision (voir le visage creusé de Bryan Cranston), le cadre large fourmille de détails et la clarté est de mise. La qualité technique du DVD de ce quasi-huis clos impressionne. Pas d’édition Haute-Définition pour ce titre.

Deux pistes Dolby Digital 5.1 et deux pistes Stéréo, en anglais et en français. Les pistes 5.1 imposent une petite spatialisation discrète mais bel et bien palpable avec diverses ambiances qui percent les enceintes latérales. Certes, le film repose en grande partie sur les dialogues et la voix-off de Bryan Cranston, solidement plantée sur le canal central, mais il serait dommage de se priver de ce petit plus, d’autant plus que les basses accompagnent quelques séquences. Saluons également la tonicité des mixages 2.0 qui contenteront aisément ceux qui ne seraient pas équipés à l’arrière. Les sous-titres sont imposés sur la version originale et le changement de langue est verrouillé à la volée.

Crédits images : © 2016 Wakefield Productions LLC / AB Vidéo / Captures DVD : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Et Dieu… créa la femme, réalisé par Roger Vadim

ET DIEU…CRÉA LA FEMME réalisé par Roger Vadim, disponible en DVD et Blu-ray le 5 septembre 2017 chez TF1 Studio

Acteurs :  Brigitte Bardot, Curd Jürgens, Jean-Louis Trintignant, Jeanne Marken, Jean Tissier, Christian Marquand, Marie Glory…

ScénarioRoger Vadim, Raoul Lévy

Photographie : Armand Thirard

Musique : Paul Misraki

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 1956

LE FILM

Juliette, une jeune femme d’une beauté redoutable, n’attire que convoitises autour de sa personne. Trois hommes se disputent son coeur indécis.

En 1956, une jeune femme du nom de Brigitte Bardot devient une star, l’emblème de l’émancipation féminine, un mythe vivant et un sex-symbol international. Âgée de 22 ans, elle a déjà plus d’une quinzaine de films à son actif. Remarquée dès son premier long métrage, l’excellente comédie Le Trou normand (1952) de Jean Boyer, dans lequel elle faisait tourner la tête à Bourvil, Brigitte Bardot enchaîne alors les petites apparitions chez Sacha Guitry (Si Versailles m’était conté…), Marc Allégret (Futures vedettes, En effeuillant la marguerite), René Clair (Les Grandes manœuvres), avant d’être propulsée au firmament des mythes grâce à son compagnon Roger Vadim, dans Et Dieu… créa la femme.

Elle y interprète Juliette, sublime de beauté et de sensualité, qui fait chavirer les cœurs dans le petit port traditionnel de Saint-Tropez. Trois hommes, un entrepreneur d’âge mûr (Curd Jürgens) et deux frères ouvriers, Michel (Jean-Louis Trintignant) et Antoine (Christian Marquand), se disputent l’amour de cette jeune orpheline dont la soif de liberté est très grande et qui redoute les lendemains. Juliette, c’est l’incarnation de la femme moderne. Celle qui décide de partir sur un coup de tête, parce qu’elle a le courage de faire ce qui lui plaît, quand ça lui plaît. Alors que la gent féminine la scrute d’un mauvais œil et la considère comme une simple dévergondée, mal élevée et paresseuse, les hommes lui tournent autour et ne cessent de la convoiter. « Cette fille-là est faite pour faire perdre les hommes… » dit d’ailleurs Eric Carradine, cet homme aisé et habitué à obtenir tout ce qu’il désire, qui va voir pour la première fois ses espoirs déçus.

Juliette n’est pas une femme que l’on appâte avec l’argent, Juliette a besoin de plus. Alors quand elle se retrouve face à tous ces prétendants, elle choisit celui qui apparaît le plus effacé, Michel, délicatement interprété par Jean-Louis Trintignant dans sa première apparition à l’écran. Brigitte Bardot enflamme les coeurs et la pellicule, tandis que son caractère insaisissable ne la rend que plus désirable. Conscient de la sexualité innocente (ou non) de sa compagne à l’écran, Roger Vadim la filme sous toutes les coutures. Tous les cinéphiles, même ceux qui n’ont pas vu le film, savent que cette scène où BB, couchée nue derrière un drap étendu, libre au vent, profitant de l’instant, est tirée de Et Dieu…créa la femme.

Ce premier long métrage de Roger Vadim est aussi un dernier cadeau pour la femme qu’il a aimée, puisque Brigitte Bardot tombe alors amoureuse de son partenaire Jean-Louis Trintignant. Le cinéaste et sa première épouse divorceront peu de temps après la sortie triomphale du film, accompagnée d’une interdiction aux moins de 16 ans en France et d’un parfum de scandale. Si Et Dieu…créa la femme paraît aujourd’hui « gentillet », il n’en demeure pas moins bourré de charme, bien réalisé (très beau CinemaScope) dans des décors soignés (aah ce petit village de Saint-Tropez !), représentatif d’une époque en plein bouleversement et surtout porté par des jeunes comédiens au charisme qui détonnait alors dans le panorama cinématographique français.

Certes, Jean-Louis Trintignant s’imposait déjà par sa sensibilité empathique et son phrasé si reconnaissable, mais nous n’avons d’yeux que pour Brigitte Bardot, dont le naturel à l’écran, ses répliques capricieuses, sa moue boudeuse et un corps qui transpire le sexe – le mambo lascif ! – font encore beaucoup d’effets soixante ans après ! A noter que Roger Vadim réalisera lui-même le remake américain de son propre film en 1988, And God Created Woman, avec Rebecca De Mornay et Frank Langella.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de Et Dieu… créa la femme, disponible chez TF1 Studio, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé sur une des séquences du film.

Pour accompagner le film, l’éditeur propose un documentaire sur le cinéaste, scénariste, acteur, romancier et poète Roger Vadim, intitulé Vadim, Mister Cool (57’), narré par le comédien Gaspard Ulliel, réalisé par Olivier Nicklaus en 2016 et déjà diffusé sur Arte. Constitué d’archives exceptionnelles (les premiers pas de BB devant la caméra, la première interview de Catherine Deneuve), d’images de tournage souvent inédites (sur Barbarella, Et Dieu… créa la femme), d’interviews, vous saurez tout sur Roger Vladimir Plémiannikov (né Roger Vadim Ardilouze), né le 26 janvier 1928 et mort le 11 février 2000, son enfance, les fêtes à Saint-Germain-des-Prés, ses verres au Café de Flore, ses débuts dans le cinéma.

Ses films sont passés au peigne fin, tout comme la vie privée (et donc publique) du réalisateur, puisque le documentaire se plaît à revenir sur chacune des histoires d’amour de Roger Vadim avec Brigitte Bardot, Annette Stroyberg, Catherine Deneuve, Jane Fonda et Marie-Christine Barrault. Très bien réalisé, le film d’Olivier Nicklaus dévoile également des scènes coupées de Et Dieu…créa la femme, notamment une scène suggérée du personnage de Jean-Louis Trintignant faisant un cunnilingus à Brigitte Bardot. Pas étonnant que la censure ait vu rouge.

L’interactivité se clôt sur la bande-annonce.

L’Image et le son

Le moins que l’on puisse dire, c’est que cette édition HD ressuscite le flamboyant Eastmancolor de Et Dieu créa la femme…, qui bénéficie d’une restauration en 4K réalisée à partir du négatif image par Hiventy. Uune véritable splendeur ! Ce Blu-ray ne déçoit pas et profite de l’apport de la Haute-Définition. D’emblée, le générique d’ouverture illumine les rétines. Les teintes rouge, verte, bleue, jaune explosent à l’écran comme un feu d’artifice. Le codec AVC stabilise l’image à la perfection, le grain original est respecté sans utilisation outrancière de réducteur de bruit, la profondeur de champ est évidente et le cadre large est réhabilité et n’est pas avare en détails. La propreté demeure impressionnante tout du long, le piqué est joliment acéré, la copie demeure flatteuse et stable, la luminosité des séquences en extérieur est superbe. Malgré de légers décrochages sur les fondus enchaînés, ainsi que deux ou trois plans plus troubles et aux teintes fanées (les plans éthérés sur Trintignant durant le mambo de Juliette), l’ensemble reste d’un haut niveau et l’on redécouvre avec bonheur le film de Roger Vadim.

La musique jazzy de Paul Misraki donne le la. La bande-son a été restaurée de fond en comble, et le mixage DTS-HD Master Audio 2.0 mono s’en donne à coeur joie. Les dialogues n’ont jamais été aussi intelligibles et les effets annexes jouissent d’un coffre inédit. Aucun souffle constaté. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés aux spectateurs sourds et malentendants, ainsi qu’une piste Audioscription.

Crédits images : © TF1 Studio / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Phantasm V : Ravager, réalisé par David Hartman

PHANTASM V : RAVAGER réalisé par David Hartman, disponible en DVD et Blu-ray en coffret Intégrale Collector le 31 octobre 2017 chez ESC Editions et Sidonis Calysta

Acteurs :  A. Michael Baldwin, Reggie Bannister, Angus Scrimm, Bill Thornbury, Kathy Lester, Daniel Roebuck, Dawn Cody, Gloria Lynne Henry, Stephen Jutras…

ScénarioDon Coscarelli

Photographie : David Hartman

Musique : Christopher L. Stone

Durée : 1h27

Date de sortie initiale : 2016

LE FILM

Reggie, désormais vieilli et mal en point, se trouve dans un institut médicalisé.
Il raconte son histoire à son meilleur ami Mike, avec qui il a traversé tant de périples face à L’Homme en Noir… mais qui semble ne pas le croire et qui annonce à Reggie qu’il a été déclaré dément !

Il aura fallu attendre presque vingt ans pour avoir des nouvelles de Reggie, de Mike, de Jody et bien sûr du Tall Man ! Le cinquième volet de la franchise Phantasm était inespéré. C’est peu dire que les fans attendaient ce grand retour de Don Coscarelli, de son boogeyman et de ses sphères perceuses de crânes ! Si Phantasm : Ravager n’est pas mis en scène par le cinéaste, qui laisse sa place à un dénommé David Hartman, touche à tout oeuvrant principalement pour la télévision, Don Coscarelli reste coscénariste et coproducteur. Tout le monde a bien évidemment pris de l’âge et de la bedaine depuis Phantasm IV : Aux sources de la Terreur (1998), et Phantasm : Ravager a visiblement bénéficié d’un budget anémique. Cependant, même si le film oscille souvent entre le navet fauché et le nanar sympathique, ce cinquième épisode demeure souvent attachant dans sa façon de se la jouer « plus grand » qu’il l’est en réalité, et surtout parce qu’il s’agit contre toute attente de l’opus le plus émouvant.

Si Reggie parvient, au terme d’une longue errance, à s’évader de la Vallée de la Mort, c’est pour découvrir que le monde a désormais plongé dans le chaos, contrôle par le Tall Man et une armée de sphères géantes. Seule une poignée de résistants poursuivent la lutte, menés par Mike. Si commencer le nouveau chapitre à partir de la fin du précédent pouvait jusque là passer avec beaucoup d’indulgence, c’est ici difficile d’accepter le fait que Reggie sorte du désert 18 ans après. Mais cela fait partie du truc « Phantasm » puisque les spectateurs sont au fait depuis le premier volet que ce qui est raconté peut-être de l’ordre du rêve, du fantasme, du cauchemar. Malin, Don Coscarelli, profite du vieillissement de ses acteurs, et donc de ses personnages, pour appuyer une nouvelle théorie : et si tout ce qui se déroulait depuis Phantasm n’était autre que le fruit de l’imagination de Reggie ? Le créateur de la saga nous le montre cloué sur un fauteuil, dans un institut psychiatrique, se perdant continuellement entre plusieurs dimensions, dont l’une qui lorgne sur Matrix, avec le héros branché malgré-lui sur une machine qui semble lui insuffler de faux souvenirs.

Difficile à résumer tant Don Coscarelli et David Hartman s’amusent à paumer les spectateurs, Phantasm : Ravager n’est pas avare en nouvelles idées, mais le film est souvent rattrapé par son manque d’argent. David Hartman tente de chiader l’image comme il le peut, mais le tournage en numérique trahit ses ambitions, la photographie est laide, les effets spéciaux du même acabit. On a souvent l’impression de visionner un film d’étudiant ou même un truc d’amateur – vous avez dit fan-made ? – filmé entre potes dans le jardin du caméraman, avec de la peinture à l’eau rouge en guise de faux sang. Mais après tout, le premier avait tourné dans des conditions à peu près similaires !

Angus Scrimm, 89 ans au moment du tournage, n’est plus que l’ombre de lui-même et fait beaucoup de peine à voir. Il s’agit d’ailleurs de son dernier tour de piste dans le costume sombre du Tall Man, puisque le comédien est décédé le 9 janvier 2016, après les prises de vue. Le film lui est évidemment dédié. Don Coscarelli et David Hartman resserrent l’histoire sur le but ultime du Tall Man, à savoir annihiler le monde grâce à ses sphères, qui ont ici pour certaines la taille d’une montgolfière capable de raser un building. L’apocalypse arrive ! Rempli de références aux quatre précédents chapitres, y compris dans l’apparition de certains personnages croisés autrefois, Phantasm V, qui n’a de « Ravager » que le titre, prend également parfois des allures de jeu vidéo dans quelques séquences réalisées en CGI au rabais, tandis que Reggie (Bannister) et Mike (A. Michael Baldwin) se la jouent soldats armés jusqu’aux dents.

Mais tout ceci n’est pas sérieux, rien n’est vraiment crédible et malgré toute l’affection que l’on peut avoir pour la mythologie Phantasm et toute la bonne volonté de l’équipe, ce cinquième épisode déçoit. Seuls les fans hardcore (ou les Phans devrait-on dire) apprécieront et pardonneront les nombreux défauts de cette ultime (?) aventure.

 

LE BLU-RAY

Phantasm: Ravager est donc disponible en Blu-ray, mais pour l’instant uniquement en coffret intégrale (5 films) édité par ESC Editions. Aujourd’hui, nous ne sommes pas en mesure de dire si ce titre sera édité à l’unité, mais puisque les deux premiers le sont déjà, il n’y a pas de raison d’en douter. Le menu principal est animé sur le célèbre thème du film, mis au goût du jour ici.

En ce qui concerne les suppléments présents sur ce disque, ils se résument à un documentaire sur le tournage du film (10’), constitué d’images du plateau et de propos de l’équipe, y compris de Don Coscarelli, jamais très loin de David Hartman. Ce making of dément donc les dires de certains fans déçus, comme quoi le créateur de la franchise n’aurait pas pris part à Phantasm: Ravager ! Mention spéciale au système D des effets spéciaux, notamment des sphères perceuses et du sang qui gicle partout !

En plus d’une vidéo amusante réalisée par David Hartman pour appâter les fans quant à la mise en route du cinquième volet (1’), nous trouvons également le teaser, la bande-annonce, un bêtisier (8’30) et une galerie de photos.

Ce coffret collector intégrale propose également un DVD Bonus, sans oublier un livre inédit de 152 pages par Marc Toullec sur la genèse et la réalisation de la saga. C’est donc enfin l’occasion de se pencher sur les suppléments présents sur la galette supplémentaire.

Le documentaire rétrospectif Phantasmagoria (98’), réalisé en 2005, propose un retour sur les quatre volets de la franchise, en compagnie des comédiens principaux, du réalisateur-scénariste Don Coscarelli, du coproducteur Paul Pepperman et des créateurs des effets visuels. De nombreuses images d’archives dévoilent l’envers du décor sur les quatre films, sur la préparation des scènes clés de chaque épisode, le tout ponctué par quelques savoureuses anecdotes de tournage.

Tout ce beau petit monde revient sur ce qui a fait le succès du premier film, mais aussi ce qui a créé l’attachement et la fidélité des spectateurs d’un opus à l’autre. Les clés de la mythologie sont passées en revue, ainsi que les influences de Don Coscarelli (Un chien andalou de Luis Buñuel) et même quelques fins alternatives sont rapidement montrées !

Le module Phantasmagorical Mystery Tour (2005-13′), s’apparente à un petit trip touristique sur les lieux de tournage du premier film, en compagnie de Reggie Bannister ! Une visite guidée fort sympathique, durant laquelle Don Coscarelli apparaît pour parler du tournage auprès de son ami.

L’interactivité se clôt sur des scènes coupées anecdotiques du premier épisode (3’).

L’Image et le son

Phantasm: Ravager bénéficie d’un master HD 1080p qui remplit son cahier des charges sans se forcer, mais avec efficacité. Le piqué est probant même si pas aussi acéré qu’espéré, les effets numériques paraissaient bien artificiels et passent difficilement le cap du plus petit écran et ressemblent à des animatiques figés et risibles. Les séquences en extérieur sont mieux définies avec une profondeur de champ palpable, une luminosité plaisante, des contrastes assurés et une colorimétrie riche. La photo paraît parfois vaporeuse, certaines pertes de la définition sont constatables sur quelques gros plans et séquences trop agitées. Ce Blu-ray n’est pas mauvais mais l’apport HD est finalement souvent limité.

Le mixage anglais DTS-HD Master Audio 5.1 crée un espace d’écoute suffisamment plaisant en faisant la part belle à la musique, aux passages des sphères et aux scènes d’affrontements. Quelques ambiances naturelles, explosions et déflagrations percent les enceintes latérales sans se forcer mais avec une efficacité chronique, tandis que le caisson de basses distille ses effets avec ardeur. Les sous-titres français ne sont pas imposés sur la version originale.

Crédits images : © ESC Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Phantasm IV : Aux sources de la Terreur, réalisé par Don Coscarelli

PHANTASM IV : AUX SOURCES DE LA TERREUR (Phantasm IV: Oblivion) réalisé par Don Coscarelli, disponible en DVD et Blu-ray en coffret Intégrale Collector le 31 octobre 2017 chez ESC Editions et Sidonis Calysta

Acteurs :  A. Michael Baldwin, Reggie Bannister, Angus Scrimm, Bill Thornbury, Heidi Marnhout, Bob Ivy…

ScénarioDon Coscarelli

Photographie : Chris Chomyn

Musique : Christopher L. Stone

Durée : 1h30

Date de sortie initiale : 1998

LE FILM

Séparément perdus dans l’immense Vallée de la Mort, Mike et Reggie tentent de percer les secrets du sinistre Tall Man. En franchissant les limites d’un portail spatio-temporel, Mike découvre que son ennemi juré n’est plus la créature démoniaque qu’il paraît être. Enfin, pas tout à fait…

Où en étions-nous ? Ne vous inquiétez pas, Don Coscarelli résume les trois épisodes précédents au moyen de quelques extraits et d’une voix-off, ici celle de Reggie (Reggie Bannister). Car oui, nous en arrivons au quatrième volet de la saga Phantasm. Phantasm IV : Aux sources de la TerreurPhantasm IV : Oblivion, le « IV » du sous-titre Oblivion marquant alors le 4e épisode. Et c’est dans cet excellent opus que le réalisateur-scénariste dévoile le passé et les origines de son boogeyman, le Tall Man, toujours interprété par Angus Scrimm, âgé ici de 72 ans. Bien que chaque histoire commence là où la précédente s’était arrêtée, Don Coscarelli ne s’est jamais préoccupé du fait que ses personnages prenaient un sacré coup de vieux entre deux chapitres. Rappelons tout de même que le premier Phantasm avait été réalisé en 1979, le second en 1988 et le troisième en 1994 ! Mais cela fait partie de la mythologie Phantasm, puisque Don Coscarelli s’amuse à jouer avec les dimensions et le vieillissement « accéléré » des protagonistes rajoute un côté fantastique à l’ensemble.

Le cinéaste se fait ici plaisir en signant un vrai western métaphysique et quasi-abstrait, qui encore une fois apporte de nombreuses réponses sur le Tall Man, mais qui pose de nouvelles bases pour ainsi relancer la machine. Ou ses sphères métalliques tueuses plutôt. On prend les mêmes alors et on recommence. Terrassé par le désespoir en apprenant qu’il est lui aussi devenu une créature au sang jaune du Tall Man, Mike a décidé de fuir loin de Reggie, son meilleur ami, par peur de ses propres réactions peut-être, mais aussi pour lui épargner d’être traqué comme il l’est lui-même. De son côté, Reggie est acculé par le Tall Man qui est une fois de plus revenu à la vie. Pour une raison connue de lui seul, le boogeyman décide d’épargner Reggie et même de le relâcher. Il semble que la partie ne fasse que commencer…Don Coscarelli sépare ses personnages pendant quasiment l’intégralité du film. Si la quête de Reggie, ancien vendeur de glaces devenu soldat par la force des choses, est somme toute classique et proche de celles des épisodes précédents, c’est ici Mike (A. Michael Baldwin) qui importe et le réalisateur ne s’en cache pas.

Phantasm IV : Aux sources de la Terreur déploie un nouvel univers, principalement en plein jour. Mike abandonne sa voiture dans la Vallée de la Mort (en fait les scènes ont été tournées à Lone Pine en Californie) et erre comme un zombie, qu’il est d’ailleurs devenu en partie, en tâchant de conserver son libre-arbitre et de ne pas devenir l’un des pantins et serviteurs du Tall Man. Les décors déserts sont magnifiques, excellemment filmés, ce décalage avec l’univers original du film emporte alors l’adhésion. Evidemment, les spectateurs qui s’attendaient à voir un nouveau spectacle avec de l’humour noir et des effets gore seront probablement déçus, mais Don Coscarelli, ambitieux, prend l’audience au dépourvu en privilégiant la psychologie et le côté introspectif de ses personnages. Il se rapproche ainsi du premier épisode et chef d’oeuvre de la franchise, ce qui est tout autant inattendu que bienvenue. De là à dire que Phantasm IV : Aux sources de la Terreur est le meilleur film de la franchise après le premier et l’aboutissement de cette longue histoire, il n’y a qu’un pas. Ceci d’autant plus que Coscarelli utilise des scènes coupées du premier film (ou filmées pour être utiliser plus tard), pour les intégrer ici sous forme de flashbacks.

Tandis que Reggie continue sa route et rencontre une mignonne petite blonde qui l’excite d’emblée et que Mike commence à prendre conscience que son suicide pourrait mettre fin aux noirs desseins du Tall Man, Don Coscarelli décide de dévoiler les origines du Tall Man, grâce aux passages entre deux mondes et deux époques disséminés sur Terre. Un Tall Man Begins en quelque sorte. Mais alors pourquoi Mike est-il persuadé d’avoir rencontré le Tall Man durant la Guerre de Sécession ? Comment son frère présumé décédé parvient-il à survivre entre deux univers et se transforme également en sphère ? Autant de nouvelles questions que l’on se pose à la fin de Phantasm IV : Aux sources de la Terreur et auxquelles Don Coscarelli ne répondra que…18 ans plus tard dans Phantasm V : Revenger, à ce jour le seul épisode non mis en scène par le cinéaste, mais pour lequel il signe néanmoins le scénario. Ce sera également le dernier tour de piste d’Angus Scrimm, décédé juste après le tournage à l’âge de 89 ans.

LE BLU-RAY

Phantasm IV : Aux sources de la Terreur est donc disponible en Blu-ray, mais pour l’instant uniquement en coffret intégrale (5 films) édité par ESC Editions. Aujourd’hui, nous ne sommes pas en mesure de dire si ce titre sera édité à l’unité, mais puisque les deux premiers le sont déjà, il n’y a pas de raison d’en douter. Le menu principal est animé sur le célèbre thème du film.

En plus de réunir les cinq films de la saga, ce coffret collector intégrale propose également un DVD Bonus, contenant un documentaire rétrospectif de la franchise “Phantasmagoria” (97’), Phantasmagorical Mystery Tour (14′), des scènes coupées de Phantasm (3′), sans oublier un livre inédit de 152 pages par Marc Toullec sur la genèse et la réalisation de la saga. Ces suppléments seront chroniqués ultérieurement.

Le Blu-ray de Phantasm IV : Aux sources de la Terreur contient également quelques bonus.

En plus de la bande-annonce et d’une galerie de photos, nous disposons ici d’un documentaire sur le tournage du film (11’), composé d’images de tournage, directement suivies par le résultat final à l’écran. A signaler que d’autres images du plateau se trouvent dans le documentaire proposé en bonus sur le Blu-ray de Phantasm III : Le Seigneur de la Mort !

L’Image et le son

Du point de vue qualité, le master HD de Phantasm IV : Aux sources de la Terreur est sans aucun doute le plus beau du coffret intégrale. Encore plus aiguisé que l’image du troisième épisode, celle-ci sublime les plans tournés dans le désert avec un ciel bleu immaculé, une profondeur de champ inouïe et une luminosité qui flatte les rétines. La texture argentique est heureusement préservée et excellemment gérée, la copie est d’une propreté immaculée, le cadre stable, les gros plans détaillés à souhait, bref c’est superbe. Le Blu-ray est au format 1080p (AVC).

Comme sur les précédents Blu-ray, la version originale bénéficie d’un mixage DTS-HD Master Audio 5.1. Cette option acoustique séduisante permet à la composition d’environner une fois de plus le spectateur pour mieux le plonger dans l’atmosphère du film. Les effets latéraux sont très convaincants, à l’instar des ambiances naturelles dans les paysages désertiques. De plus, les dialogues ne sont jamais noyés et demeurent solides, la balance frontale assurant de son côté le spectacle acoustique, riche et dynamique, surtout lors du passage des sphères métalliques, évidemment toujours présentes dans ce quatrième épisode. Les fans de la version française devront se contenter d’une piste mono DTS-HD Master Audio 2.0. Cette version se révèle assez percutante et propre, mais certains dialogues s’avèrent sensiblement grinçants. Les sous-titres ne sont pas imposés sur la version originale. Aucun souffle constaté.

Crédits images : © ESC Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Phantasm III : Le Seigneur de la Mort, réalisé par Don Coscarelli

PHANTASM III : LE SEIGNEUR DE LA MORT (Phantasm III: Lord of the Dead) réalisé par Don Coscarelli, disponible en DVD et Blu-ray en coffret Intégrale Collector le 31 octobre 2017 chez ESC Editions et Sidonis Calysta

Acteurs :  Reggie Bannister, A. Michael Baldwin, Angus Scrimm, Bill Thornbury, Gloria Lynne Henry, Kevin Connors, Cindy Ambuehl…

ScénarioDon Coscarelli

Photographie : Chris Chomyn

Musique : Fred Myrow, Christopher L. Stone

Durée : 1h31

Date de sortie initiale : 1994

LE FILM

Après quatorze ans de lutte sans merci, Mike est de nouveau confronté au terrible croque-mort de Morningside, qui dirige une troupe de zombies, des nains composés de cadavres ressuscités, et à une armée de sphères meurtrières.

Six ans séparent Phantasm III : Le Seigneur de la Mort de Phantasm II. Réalisée en 1994 et directement sortie en VHS (énorme succès dans les bacs), cette deuxième séquelle au premier Phantasm (1979) fait oublier la déception du précédent volet. Don Coscarelli est de retour au scénario et à la mise en scène, mais ce troisième opus marque également celui d’A. Michael Baldwin dans le rôle de Mike, qui avait été provisoirement tenu par James LeGros dans Phantasm II. Quinze ans plus tard, le comédien retrouve donc son personnage créé dans le film original, ce qui apporte déjà une plus-value non négligeable. Phantasm III : Le Seigneur de la Mort s’apparente souvent à un remake des deux premiers, mais en constitue également (et heureusement) un prolongement fort sympathique, d’autant plus, et ce sera le cas pour chaque film de la saga, que l’histoire reprend là où celle du précédent s’était arrêtée.

Revenu de l’au-delà, le Tall Man kidnappe Mike dont il voudrait faire son successeur au terme d’une opération particulièrement douloureuse. C’est sans compter sur la détermination de Reggie d’arracher son ami à son emprise. Il est donc de retour (encore une fois) le célèbre Tall Man et il n’a jamais été aussi déterminé. Pour preuve, l’acteur Angus Scrimm, 68 ans au compteur, n’a jamais eu autant de dialogues que dans Phantasm III : Le Seigneur de la Mort et son célèbre « Booooooooy ! » fonctionne encore parfaitement. Durant le prologue, Don Coscarelli résume intelligemment les deux premiers volets, à travers la voix de Mike. Bien que son corps ait fondu à la fin deuxième film, le Tall Man traverse les dimensions pour se débarrasser de son propre cadavre et reprendre ainsi les affaires en cours. Le point central de ce troisième film est la mutation de Mike, désirée par le Tall Man, qui voit en lui celui qui le remplacera. Alors qu’il prend la fuite, son pote Reggie (Reggie Bannister), armé de son fusil de chasse à quatre canons, tente de le retrouver et traverse des villes désolées sur son chemin, laissées à l’abandon pour le plus grand plaisir des pilleurs.

Fans de westerns, Don Coscarelli pose les bases qui feront la belle réussite du quatrième Phantasm en 1998. Reggie rencontre un petit garçon, fils d’un shérif assassiné, qui a repris la pétoire de son paternel et qui s’en sert avec efficacité contre les zombies qui rôdent dans les parages. Plus tard, leur association sera renforcée par l’arrivée de Rocky, une militaire black spécialisée dans le maniement du nunchaku, très efficace contre les vigiles argentées du boogeyman. C’est alors que ressurgit Jody, le frère de Mick. Phantasm III : Le Seigneur de la Mort reprend donc ce qui a fait le succès des précédents volets, les nains monstrueux au service du Tall Man, le sang jaune et bien entendu les mythiques sphères métalliques perceuses de crânes (d’ailleurs le film s’ouvre sur le reflet du Tall Man dans une de ses créations), ici multipliées par cent. Les effets visuels sont plus modernes et donc plus réussis, le rythme plus maîtrisé, les scènes d’action bien emballées avec toujours ce côté foutraque et système D qui fait le charme de la franchise. L’humour noir crée un décalage bienvenu (l’oeil qui sort de la sphère, un frisbee muni de lames de rasoir, une sphère attrapée au vol avec un débouche chiotte), montrant que tout ceci n’est pas sérieux, tandis que le réalisateur s’amuse (et nous aussi) avec les effets gore (une gorge tranchée, un crâne traversé par une sphère) et l’obsession pour le sexe du personnage de Reggie.

Si le cinéaste répond à quelques questions posées par Phantasm et Phantasm II, cela ne fait qu’en engendrer de nouvelles qui relancent alors la saga. Ce que confirmera Phantasm IV : Aux sources de la Terreur, véritable western métaphysique.

LE BLU-RAY

Phantasm III : Le Seigneur de la Mort est donc disponible en Blu-ray, mais pour l’instant uniquement en coffret intégrale (5 films) édité par ESC Editions. Aujourd’hui, nous ne sommes pas en mesure de dire si ce titre sera édité à l’unité, mais puisque les deux premiers le sont déjà, il n’y a pas de raison d’en douter. Le menu principal est animé sur le célèbre thème du film.

En plus de réunir les cinq films de la saga, ce coffret collector intégrale propose également un DVD Bonus, contenant un documentaire rétrospectif de la franchise “Phantasmagoria” (97’), Phantasmagorical Mystery Tour (14′), des scènes coupées de Phantasm (3′), sans oublier un livre inédit de 152 pages par Marc Toullec sur la genèse et la réalisation de la saga. Ces suppléments seront chroniqués ultérieurement.

Le Blu-ray de Phantasm III : Le Seigneur de la Mort contient également quelques bonus.

On passera sur l’unique scène coupée (12 secondes !) sans intérêt (les personnages principaux sont poursuivis – au ralenti – par le Tall Man), pour se consacrer au petit module de 18 minutes consacré au tournage du film…ainsi que celui de Phantasm IV : Aux sources de la terreur ! Evitez donc de visionner ce documentaire si vous ne connaissez pas encore le quatrième épisode puisque certaines séquences sont révélées ! Quelques propos de Don Coscarelli, Reggie Bannister et A. Michael Baldwin ponctuent les images de tournage, surtout celles nécessitant des effets spéciaux ou bien encore les cascades.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos.

L’Image et le son

Voilà une très belle édition HD au format 1080p (AVC) ! Phantasm III : Le Seigneur de la Mort profite de cette élévation et offre aux fans de la franchise un superbe master qui participe à la redécouverte de cet opus souvent considéré comme étant le plus faible de la saga. Le grain original est respecté et excellemment géré, le piqué est pointu, la propreté indéniable, la stabilité de mise et les couleurs fraîches et saturées. L’image est tellement belle qu’on peut même apercevoir l’équipe de tournage dans le reflet des sphères ! Les contrastes sont à l’avenant, les séquences diurnes sont lumineuses, les détails riches, bref, en dehors d’un sensible fléchissement de la définition sur les scènes en intérieur, c’est vraiment très beau ! Aux oubliettes le DVD TF1 Vidéo sorti en 2000 !

La version originale bénéficie d’un remixage DTS-HD Master Audio 5.1. Au premier abord on pouvait craindre le pire. Il n’en est rien, bien au contraire. Cette option acoustique séduisante permet à la composition enivrante de Fred Myrow d’environner le spectateur pour mieux le plonger dans l’atmosphère du film. Les effets latéraux ajoutés ne tombent jamais dans la gratuité ni dans l’artificialité. De plus, les dialogues ne sont jamais noyés et demeurent solides, la balance frontale assurant de son côté le spectacle acoustique, riche et dynamique, surtout lors du passage des sphères. Les fans de la version française devront se contenter d’une piste mono DTS-HD Master Audio 2.0. Cette version se révèle assez percutante et propre, mais certains dialogues s’avèrent sensiblement grinçants. Les sous-titres ne sont pas imposés sur la version originale. Aucun souffle constaté.

Crédits images : © ESC Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / La Sarabande des pantins, réalisé par Jean Negulesco, Henry Hathaway, Howard Hawks, Henry King, Henry Koster

LA SARABANDE DES PANTINS (O. Henry’s Full House) réalisé par Jean Negulesco, Henry Hathaway, Howard Hawks, Henry King, Henry Koster, disponible en DVD et Blu-ray le 26 septembre 2017 chez ESC Editions

Acteurs :  Fred Allen, Anne Baxter, Jeanne Crain, Farley Granger, Charles Laughton, Oscar Levant, Marilyn Monroe, Jean Peters, Gregory Ratoff, Dale Robertson…

ScénarioLamar Trotti, Richard L. Breen, Ivan Goff, Ben Roberts, Walter Bullock

Photographie : Lloyd Ahern Sr., Lucien Ballard, Milton R. Krasner, Joseph MacDonald

Musique : Alfred Newman

Durée : 1h57

Date de sortie initiale : 1952

LE FILM

Film à sketchs inspiré de cinq nouvelles de l’auteur O.Henry, allant du polar au drame.

Imaginez un peu cette affiche ! Fred Allen, Anne Baxter, Jeanne Crain, Farley Granger, Charles Laughton, Oscar Levant, Marilyn Monroe, Jean Peters, Gregory Ratoff, Dale Robertson, David Wayne, Richard Widmark, Richard Garrick, Kathleen Freeman, Philip Tonge, réunis devant les caméras de cinq illustres cinéastes hollywoodiens, Jean Negulesco, Henry Hathaway, Howard Hawks, Henry King et Henry Koster ! Tout ce beau monde réuni par la 20th Century Fox avait répondu présent pour rendre hommage à l’écrivain américain O. Henry (1862-1910), de son vrai nom William Sidney Porter.

Journaliste et auteur d’une multitude de nouvelles humoristiques et dramatiques, O. Henry avait fait sa spécialité de raconter des histoires avec pour personnages principaux des gens de tous les jours, de condition modeste et les laissés-pour-compte. Ayant lui-même bourlingué dans les années 1880, tour à tour employé de banque, pharmacien et petite reporter, O. Henry commence sa carrière de journaliste et chroniqueur pour le Houston Post. Mais avant cela, il est accusé de fraudes par la banque pour laquelle il travaille et écope d’une peine de prison de trois ans. Cette expérience le marquera à vie et l’inspirera pour quelques-unes de ses nouvelles. Libéré en 1901, sa carrière d’écrivain démarre enfin et O. Henry (surnom qu’il reçoit en prison) s’installe à New York avec son épouse. Plus de 400 nouvelles plus tard, la plupart se déroulant dans les quartiers pauvres de la Grosse Pomme, O. Henry devient un auteur populaire et incontournable aux Etats-Unis. Alors qu’il aurait fêté ses 90 ans, le monde du cinéma décide de réunir une pléiade de stars et cinq grands réalisateurs pour un film à sketches très réussi, O. Henry’s Full House, sorti en France sous le titre La Sarabande des pantins.

Chaque partie du film est présentée par l’illustre John Steinbeck en personne, qui à l’instar de Walt Disney qui proposait son émission assis dans son bureau, se place devant sa bibliothèque et sort le volume correspondant à l’histoire qui va nous être racontée. La Sarabande des pantins s’avère très réussi du début à la fin et même si certaines parties peuvent paraître moins inspirées que d’autres, il n’en demeure pas moins que ces cinq courts-métrages reliés par le fil rouge Steinbeck sont de très bonne qualité et merveilleusement interprétés.

Le premier segment réalisé par Henry Koster (Harvey, M. Hobbs prend des vacances, La Tunique), Le Policier et le MotetThe Cop and the Anthem, est porté par l’immense Charles Laughton. Il incarne ici Soapy, un clochard de New York qui va tout entreprendre pour se faire emprisonner afin de se mettre à l’abri d’un froid hiver, mais aussi du vent et des coups de matraque, le tout aux frais de la princesse. Il accoste ainsi une femme dans la rue en espérant qu’elle appellera la police mais il s’agit d’une prostituée. Cette dernière est interprétée par Marilyn Monroe en personne, qui fait une savoureuse apparition de deux minutes. Soapy ne se laisse pas abattre et s’avère prêt à tout pour se faire emprisonner. Le ton est évidemment comique et Charles Laughton livre une grande et hilarante prestation.

Le second sketch, L’Appel du claironThe Clarion Call, est mis en scène par l’immense Henry Hathaway (Niagara, Le Plus grand cirque du monde) et le ton est ici dramatique et tire sur le polar. Le policier Barney (Dale Robertson) doit de l’argent à un mauvais garçon, Johnny (Richard Widmark), qui avait épongé une de ses dettes au poker, et se trouve plus qu’embarrassé pour dénoncer un crime commis par celui-ci puisqu’il s’agit d’un ami d’enfance. Ce récit vaut essentiellement pour la performance de Richard Widmark, exceptionnel dans la peau d’une petite frappe au rire sardonique. Monstre de charisme, galurin sur la tête et capable de fusiller son adversaire d’un simple regard, le comédien est une fois de plus fascinant.

On passe ensuite au segment mélodramatique du film avec La Dernière FeuilleThe Last Leaf, réalisé par Jean Negulesco (Comment épouser un millionnaire, Papa longues jambes). Toujours à New York, Greenwich Village, Joanna (Anne Baxter) tombe malade en raison du froid et sa sœur Susan (Jean Peters) prend soin d’elle. Le voisin et peintre Behrman (Gregory Ratoff) vient apporter son aide en vendant une de ses toiles. La chute ou non de la dernière feuille d’un arbre que Joanna aperçoit de sa fenêtre sera un présage pour sa guérison. Si cette partie est sans doute la plus classique sur la forme et le final largement prévisible, les beaux sentiments qui animent ce court métrage, ainsi que la beauté de la photo, des décors et le jeu très émouvant des comédiens emportent facilement l’adhésion.

Après les larmes, voici la partie la plus burlesque de La Sarabande des pantins avec La Rançon du chef rougeRandsom of Red Chief, réalisé par l’immense Howard Hawks ! Direction l’Alabama ! Sam (Fred Allen) et Bill (Oscar Levant), deux escrocs recherchés pour détournement de fonds, enlèvent un petit garçon pour demander une rançon à ses parents. Mais celui-ci se révèle être bien plus malin qu’eux et les deux compères se retrouvent pris à leur propre piège. Avec sa mise en scène dynamique, ses gags visuels et verbaux, son rythme trépident et son petit garnement qui n’est pas sans rappeler Denis la Malice, Howard Hawks signe un vrai bijou, réalisé entre Chérie, je me sens rajeunir et Les Hommes préfèrent les blondes. En 1959, Henri Verneuil adaptera à son tour la même nouvelle d’O. Henry pour Le Grand chef, avec Fernandel.

La Sarabande des pantins se clôt sur un superbe segment, Le Cadeau des rois magesThe Gift of the Magi, réalisé cette fois par Henry King (Le Cygne noir, La Cible humaine). Retour dans un quartier modeste de New York. Della (Jeanne Crain) et Jim (Farley Granger) sont très amoureux l’un de l’autre et n’ont pas sou qui vaille. Néanmoins, pour prouver son inconditionnel amour, chacun est prêt à tous les sacrifices. Porté par le talent, la beauté et la sensualité de Jeanne Crain, Le Cadeau des rois mages est un conte typique de Noël, très efficace et surtout très émouvant.

Toutes ces histoires élégantes et très plaisantes ont bien vieilli et le charme opère toujours autant. La Sarabande des pantins est le film parfait pour les soirées d’hiver qui approchent à grands pas.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de La Sarabande des pantins, disponible chez ESC Editions, a été réalisé à partir d’un check-disc. L’éditeur a misé sur un visuel uniquement centré sur Marilyn Monroe alors qu’elle n’apparaît que deux minutes sur un film de près de deux heures…Le menu principal est animé et musical.

Cela devient récurrent chez l’éditeur, mais c’est un rendez-vous que l’on apprécie. ESC Editions joint une présentation et une analyse du film qui nous intéresse par Mathieu Macheret, critique cinéma pour Le Monde (17’). Très inspiré, ce dernier détaille chaque partie du film à sketches, présente à la fois les réalisateurs et les comédiens, les thèmes explorés, tout en donnant quelques indications sur la carrière et les écrits de O. Henry.

L’interactivité se clôt sur une vidéo comparative avant/après la restauration (4’).

L’Image et le son

Une question : où est passé le grain original, visible dans le second supplément ? Cette belle patine argentique a subi un sacré lissage pour l’arrivée de La Sarabande des pantins dans les bacs. Les puristes risquent de faire la grimace avec raison. Bon, sinon la copie présentée vaut quand même le déplacement et l’apport HD est omniprésent. Disponible pour la première fois en France, en DVD et en Blu-ray, ce film à sketches dispose d’un master solidement restauré, présenté au format respecté 1.37 et on ne peut plus flatteur pour les mirettes. Tout d’abord, le travail des quatre chefs opérateurs (Joseph MacDonald ayant opéré sur deux segments) s’accorde parfaitement dans un superbe N&B qui trouve une densité inespérée dès l’ouverture. La restauration est indéniable, aucune poussière ou scorie n’a survécu au scalpel numérique, l’image est d’une stabilité à toutes épreuves. Les contrastes sont fabuleux et le piqué n’a jamais été aussi tranchant. Le cadre fourmille de détails, les fondus enchaînés n’entraînent pas de décrochages et ce master participe à la redécouverte de ce film collectif.

L’éditeur nous propose uniquement la version originale (aux sous-titres français non imposés) de La Sarabande des pantins, disponible en DTS HD Master Audio 2.0. Dynamique, clair, homogène et naturel, très propre et sans souffle, ce mixage installe un confort acoustique très plaisant.

Crédits images : © Fox / ESC Editions / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr