Test Blu-ray / Les Loups de haute mer, réalisé par Andrew V. McLaglen

LES LOUPS DE HAUTE MER (North Sea Hijack) réalisé par Andrew V. McLaglen, disponible en DVD et combo Blu-ray/DVD chez Elephant Films le 28 février 2019

Acteurs : Roger Moore, James Mason, Anthony Perkins, Michael Parks, David Hedison, Jack Watson…

Scénario : Jack Davies d’après son roman “Esther, Ruth and Jennifer

Photographie : Tony Imi

Musique : Michael J. Lewis

Durée : 1h40

Date de sortie initiale : 1980

LE FILM

Lou Kramer et son commando menacent de détruire plusieurs plates-formes pétrolières en pleine mer ! Pour éviter cela, le Conseil d’Urgence envoie ffolkes, le réputé commandant misogyne de la brigade antigang. Lui et ses hommes, surnommés les “loups de haute mer”, se lancent dans une bataille aquatique délicate et très dangereuse contre les pirates…

Si son nom n’est pas vraiment connu du grand public, le réalisateur anglo-américain Andrew V. McLaglen (1920-2014) a pourtant signé quelques pépites et classiques très prisés par les cinéphiles. Fils de Victor McLaglen, ancien boxeur poids lourd devenu comédien, Oscar du meilleur acteur pour Le Boxeur, chef d’oeuvre de John Ford dont il devient très proche, Andrew V. McLagen accompagne souvent son père sur les plateaux de cinéma et contracte très vite le virus du 7e art. Il grandit en côtoyant et en admirant John Ford et John Wayne, et décide très vite de devenir metteur en scène. Il est tout d’abord assistant-réalisateur, y compris sur L’Homme tranquille (1952) et passe enfin à la réalisation avec son premier long métrage, Légitime défenseGun the Man Down (1956), un western où il dirige James Arness et Angie Dickinson. Les séries télévisées Perry Mason et surtout Rawhide lui permettent de se perfectionner et de peaufiner son style. Il signe son retour au cinéma en 1963 avec le célèbre Le Grand McLintock avec John Wayne, Maureen O’Hara et Yvonne De Carlo. La consécration publique vient réellement en 1965 avec Les Prairies de l’honneurShenandoah et ce en dépit de critiques virulentes venues de la presse qui déclarent notamment que le réalisateur plagie le style de son modèle John Ford. Cela n’empêche pas le film d’être un grand succès (mérité), mais aussi de marquer le début d’une grande amitié et d’une collaboration fructueuse entre Andrew V. McLagen et le comédien James Stewart.

Dans les années 1970, le cinéaste persiste et signe dans le western avec Chisum, Le Dernier train pour Frisco, Rio Verde, Les Cordes de la potence et La Loi de la haine. Il se voit alors proposer Les Oies sauvagesThe Wild Geese, adapté de l’oeuvre de Daniel Carney par Reginald Rose, l’auteur de Douze hommes en colère, mais également scénariste de L’Homme de l’Ouest d’Anthony Mann en 1958. L’histoire est alors prétexte pour réunir quelques grands noms du cinéma pour un film d’aventures qui allait devenir alors une référence. Deux ans après, Andrew V. McLaglen retrouve Roger Moore pour Les Loups de haute merNorth Sea Hijack, ou bien encore ffolkes, du nom du personnage principal et Assault Force lors de sa diffusion à la télévision américaine. Thriller d’aventure et d’action, bourré d’humour et de bons mots, génialement interprété, Les Loups de haute mer est également devenu un petit classique chéri par les cinéphiles et amateurs de séries B.

Lou Kramer un terroriste et son commando armé menace de faire exploser des plateformes pétrolières. Pour contrer cet homme dangereux, le conseil d’urgences déploie une équipe de professionnels. À la tête de celle-ci figure Folks, homme bougon et solitaire qui préfère la compagnie des chats à celui des femmes. Mais lui et son équipe surnommés « les loups de haute mer » sont les seuls à pouvoir empêcher l’inévitable.

Rétrospectivement, sir Roger Moore trouve ici l’un de ses meilleurs rôles. Son personnage misanthrope, critiquant la gent féminine, porté sur la boisson et passionné par les chats lui va comme un gant et le comédien se délecte de chacune de ses répliques. La barbe bien coupée, l’oeil moqueur et avant tout expert dans son domaine, Rufus Excalibur ffolkes était l’homme tout désigné pour mettre fin aux agissements d’une bande de terroristes bien décidé à mettre la mer du Nord à feu et à sang. Les Loups de haute mer, à ne pas confondre avec The Sea Wolves’’, sorti la même année, également réalisé par Andrew V. McLaglen, avec aussi Roger Moore au générique, connu sous le titre français Le Commando de Sa Majesté, est l’adaptation du roman de Jack Davies, Esther, Ruth and Jennifer. L’écrivain, également l’auteur de l’extraordinaire Ces merveilleux fous volants dans leurs drôles de machines taille un rôle sur mesure pour l’acteur principal.

En dépit d’une affiche très « bondienne » sur laquelle Roger Moore arbore la célèbre pose de l’agent 007 et qui rappelle celle de Sean Connery sur celle d’Opération Tonnerre, point de gadgets ou cascades ici. Les Loups de haute mer est un « petit » thriller jubilatoire, au charme rétro toujours intact, dans lequel l’agent de sa Majesté, alors en permission entre les dossiers classifiés de Moonraker et Rien que pour vos yeux, s’amuse et rivalise de cabotinage (rien de péjoratif à dire cela) avec James Mason (la vieille école fatiguée) et Anthony Perkins (suintant et grimaçant à souhait), avec sa légendaire allure décontractée.

Près de quarante ans après sa sortie, Les Loups de haute mer est toujours aussi divertissant et reste emblématique d’un cinéma britannique aussi élégant que récréatif.

A mon père.

LE BLU-RAY

Nous le désirions depuis tant d’années ! C’est désormais chose faite ! Les Loups de haute mer apparaît en HD dans les bacs français sous la bannière d’Elephant Films ! Quel bonheur ! Le film d’ Andrew V. McLaglen est disponible en combo DVD/Blu-ray. Le menu principal est fixe et musical.

Le journaliste en culture pop Julien Comelli est de retour et le moins que l’on puisse dire, c’est que la sobriété lui va beaucoup mieux. Sa présentation des Loups de haute mer est impeccable (14’). Il commence tout d’abord par indiquer les différents titres du film, avant de préciser qui est Andrew V. McLaglen, puis de donner quelques titres de films du genre, dont un alléchant La Tour Eiffel en otage, réalisé par Claudio Guzmán en 1980. Quelques anecdotes de tournage sont également au programme, ainsi que des infos concernant la sortie mitigée des Loups de haute mer au cinéma.

L’interactivité se clôt sur une galerie de photos et un lot de bandes-annonces, dont celle du film qui nous intéresse (« Il n’a pas besoin de permis de tuer ! »), qui dévoile alors le dénouement !

L’Image et le son

La restauration n’est pas de première jeunesse et la réduction de bruit a le don d’irriter quelque peu. Néanmoins, vous pouvez mettre aux oubliettes le DVD Universal qui prenait la poussière depuis 2003 ! L’apport HD est éloquent sur les séquences diurnes et le renforcement des contrastes. Pourtant, le générique fait très peur avec une image très grumeleuse, des fourmillements à foison et diverses scories. Il faut accepter un teint plutôt cireux des visages, mais ce Blu-ray au format 1080p des Loups de haute mer permet de revoir ce bon classique dans de bonnes conditions. Le master trouve un équilibre, une stabilité suffisante, les couleurs sont ragaillardies, les détails sont plus riches, le piqué agréable.

Le doublage français est aux petits oignons, avec les grands Claude Bertrand (Roger Moore), Bernard Tiphaine (Anthony Perkins) et Jean-Claude Michel (George Baker) à la barre ! La Stéréo laisse place aux dialogues, au détriment des ambiances. L’ensemble est propre, sans souffle parasite. La piste anglaise est plus aérée et équilibrée, tandis que l’excellente partition de Michael J. Lewis semble également plus dynamique. Les sous-titres français ne sont pas imposés.

Crédits images : © Elephant Films / Universal Pictures / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Coffret Rocky – L’Anthologie

ROCKY, ROCKY 2 : LA REVANCHE, ROCKY 3 : L’OEIL DU TIGRE, ROCKY 4, ROCKY 5, ROCKY BALBOA (ROCKY, ROCKY II, ROCKY III, ROCKY IV, ROCKY V, ROCKY BALBOA) réalisé par John G. Avildsen (épisodes 1 et 5) et Sylvester Stallone (épisodes 2, 3, 4 et Rocky Balboa), disponible en coffret DVD et coffret Blu-ray depuis le 12 février 2014 chez MGM / United Artists

Acteurs : Sylvester Stallone, Talia Shire, Burt Young, Burgess Meredith, Carl Weathers, Joe Spinell, Mr T., Dolph Lundgren, Tommy Morrison, Antonio Tarver, Geraldine Hughes, Milo Ventimiglia, Tony Burton, A.J. Benza…

Scénario : Sylvester Stallone

Photographie : James Crabe, Bill Butler, Steven B. Poster, Clark Mathis

Musique : Bill Conti

Durée : 1h59 / 1h58 / 1h39 / 1h31 / 1h51 / 1h42

Date de sortie initiale : 1976 / 1979 / 1982 / 1985 / 1990 / 2006

LA SAGA

Dépassant ses limites, affrontant des adversaires de plus en plus redoutables, boxant comme personne n’avait boxé, Rocky est un héros fait de muscles et de volonté. Son histoire est le plus formidable des portraits de l’Amérique des quatre dernières décennies. Au-delà de la violence des combats, la saga Rocky est surtout le parcours poignant d’un homme assailli par les doutes et l’inquiétude, qui lutte pour la victoire et qui est sauvé par l’amour.

Il y a des personnages qui marquent une vie. Rocky Balboa fait partie de ceux-là. Il est présent partout, notamment dans l’inconscient collectif. Au fil des années, la franchise aura montré une certaine authenticité auprès des fans, mais également auprès d’un nouveau public. Que l’on soit né dans les années 70 ou 2010, Rocky retient dans tous les cas toute notre attention.

C’est avant tout une vraie complicité qui naît entre le spectateur et le personnage. Le spectateur identifie immédiatement Sylvester Stallone à Rocky, plus qu’à John Rambo, Barney Ross ou John Spartan par exemple. Rocky, c’est Stallone. Stallone, c’est Rocky. Et Stallone étant le scénariste des six films de la saga, lui seul décide de faire avancer Rocky dans les bonnes ou les mauvaises directions.

Véritable miroir de sa vie, la saga Rocky est à Stallone ce que les films sur Antoine Doinel sont à Truffaut. Et au-delà de la boxe, c’est bien l’amour qui résonne dans les six films. Rocky n’est rien sans sa femme Adrian, et Adrian n’est rien sans Rocky. Pour ainsi dire, la saga est construite sur la relation Rocky/Adrian. Lorsque Rocky n’est pas en forme, Adrian est toujours là pour le soutenir, l’aider à affronter ses adversaires, et lui prouver à chaque fois qu’elle l’aime plus que tout. Et Rocky est toujours à son écoute, partagé entre sa colère et ses doutes. L’une des plus belles histoires d’amour de l’histoire du cinéma.

Si le premier Rocky est un chef-d’œuvre, les suites ne le surpasseront jamais (excepté un Rocky Balboa très honnête et sans artifices) qui renoue avec l’esprit du premier film. Rocky II reste un excellent match retour, Rocky III commence sérieusement à verser dans le film commercial tout en restant très intéressant (de nombreux thèmes exploités sont passionnants et introduisent très bien les suites), Rocky IV est un classique du long-métrage/clip des 80s (à condition d’accrocher) mais reste néanmoins beaucoup trop « over the top » par rapport au reste de la saga et Rocky V est un film majoritairement raté (malgré de très bonnes choses) qui ne sait pas trop dans quelle direction aller. Néanmoins, pour ce dernier, une version Director’s Cut de très mauvaise qualité est visible sur le net et propose des ajouts plutôt glorifiants et permettent au film une bien meilleure lisibilité.

Que sont les Rocky sans leurs antagonistes ? Si Apollo Creed (Carl Weathers), Clubber Lang (Mr. T), Ivan Drago (Dolph Lundgren) et Mason Dixon (Antonio Tarver) sont de parfaits opposants, Tommy Gunn (Tommy Morrison) est une catastrophe à laquelle Stallone et Avildsen ne se soucient que trop peu.

Les seconds rôles ne sont pas mis de côté et, au contraire, aident Rocky du mieux qu’ils le peuvent. Outre Adrian, magistralement interprétée par Talia Shire (Connie dans la Trilogie Le Parrain), le personnage de Paulie (joué par l’excellent Burt Young) est toujours là soit pour soutenir Rocky, soit pour au contraire s’opposer à lui, notamment par jalousie. Mais peu importe, on s’attache à Paulie dès le départ et nous éprouvons de la réelle compassion pour lui. C’est surtout Mickey et Apollo, véritables mentors du protagoniste qui retiennent notre attention sur quasiment toute la saga. Mickey est un personnage hors du commun, dur et tendre à la fois, qui pousse toujours Rocky vers le haut et le raisonne dès qu’il y a un problème. Burgess Meredith est fantastique dans le rôle. Quant à Apollo Creed, il est l’un des personnages qui a la meilleure évolution sur l’ensemble de la saga. Carl Weathers y est aussi pour beaucoup.

Vient enfin le coup de grâce, Rocky Balboa, où après 16 ans d’abandon, Sly renoue avec son personnage fétiche pour un dernier round des plus mémorables. Les répliques de Rocky sonnent authentiques et nous donnent souvent les larmes aux yeux. Un grand film, à l’image du premier opus de la saga.

En ce qui concerne la mise en scène, John G. Avildsen tente de nouvelles choses sur le premier Rocky et ne lâche pas sa caméra des personnages, d’où l’importance de la Steadicam. Sylvester Stallone est un peu plus éclectique et sa mise en scène sur Rocky II, Rocky III et Rocky Balboa ne démérite pas… Par contre, sur Rocky IV, on est tout de même loin d’avoir un rendu satisfaisant. Et Stallone ne se contente que de filmer son scénario en lui donnant un aspect très « clipesque » .

Quant à la musique de Bill Conti, elle est bien évidemment sublime et présente constamment dans nos esprits. Il y a encore beaucoup à dire sur la saga, mais cela prendrait des jours entiers, alors nous avons préféré écrire tout le bien que l’on en pensait.

Il est impossible aujourd’hui de dissocier Sylvester Stallone de Rocky Balboa et vice-versa. Un personnage, qui à travers six films dans sa propre saga et deux dans son spin-off nous aura fait pleurer, rire, et nous aura ému comme jamais. Rocky fait partie de notre vie. C’est notre pote, notre oncle, notre frère, notre père. Et au-delà de ça, Rocky est une saga qui marquera le 7ème Art via son aspect multi-générationnel. Et vu le succès des Creed, ce n’est pas prêt de s’arrêter…

LE COFFRET BLU-RAY

Rocky – Anthologie (Édition 40ème anniversaire) est disponible chez MGM / United Artists. Seul le menu principal du premier film est animé et musical. Celui des disques 2 à 7 sont fixes et muets, à l’exception du disque de Rocky Balboa, qui n’a aucun menu. Le coffret renferme 7 volets où sont disposés les disques, six Blu-ray pour les films et un pour les bonus. La plupart des bonus sont d’ailleurs sur les disques 1 et 7 et sont tous sous-titrés en français.

Le Blu-ray de Rocky contient 3 commentaires audio. Le premier est réalisé par Sylvester Stallone, toujours parfait dans l’exercice, peu avare en anecdotes, le second par le légendaire entraîneur de boxe Lou Duva et du commentateur Bert Sugar (très professionnels), et enfin, le troisième par John G. Avildsen (réalisateur), Irwin Winkler et Robert Chartoff (producteurs), Talia Shire, Carl Weathers et Burt Young (acteurs) et Garrett Brown (inventeur de la Steadicam), beaucoup trop fouillis mais pas inintéressant.

Les vidéos en 8mm de Rocky (HD, 8 minutes) sont des images de tournage de 1975 gardées par le directeur de pré-production Lloyd Kaufman (oui, Mr. Troma), commentées par ce dernier et John G. Avildsen.

Les bonus suivants sont disponibles sur les disques 1 et 7 :

Trois rounds avec l’entraîneur de légende Lou Duva (SD, 4 minutes). Ce dernier parle de son métier et des boxeurs qu’il entraine.

Interview d’une légende – Bert Sugar : Auteur, commentateur et historien (SD, 7 minutes). Module sur la boxe au cinéma.

Les adversaires (SD, 16 minutes). Ce court module s’intéresse aux adversaires de Rocky et donne la parole entre autres à Carl Weathers, Dolph Lundgren et Tommy Morrison.

Sur le ring : documentaire en trois parties (SD, 1h15). Film documentaire s’intéressant aux personnages et à leurs interprètes. Gros morceau très intéressant.

L’évolution de la steadicam avec Garrett Brown (SD, 18 minutes). Interview très enrichissante sur la création de la Steadicam et de son évolution ainsi que sur les séquences du film tournées avec ce procédé.

L’art de maquiller avec Michael Westmore (SD, 15 minutes). Interview du maquilleur sur ses créations réalisées sur le film, notamment sur l’évolution du visage de Stallone lors du combat final.

Staccato : le journal d’un compositeur avec Bill Conti (SD, 12 minutes). Entretien avec le maestro sur les thèmes musicaux du film et leur postérité.

Le ring de la vérité (SD, 10 minutes). Interview du chef décorateur et de son implication dans le film.

Dans les coulisses du film avec John G. Avildsen (SD, 12 minutes). Description des vidéos conservées par le réalisateur.

Hommage à Burgess Meredith (SD, 8 minutes). La parole est donnée aux personnes qui ont eu l’opportunité de travailler avec le comédien sur le film.

Hommage à James Crabe (SD, 4 minutes). Le réalisateur revient sur le travail fantastique du directeur de la photographie sur Rocky.

Commentaires vidéos de Sylvester Stallone (SD, 28 minutes). Un peu redondant avec le commentaire audio, mais Stallone va à l’essentiel et se livre à cœur ouvert.

Sylvester Stallone invité du show TV « Dinah ! » (1976) (SD, 17 minutes). Sly est invité sur une émission télévisée pour parler du film. Intéressant pour la tenue du comédien.

Quand Stallone Rencontre Rocky (SD, 3 minutes). Amusante rencontre entre Sylvester Stallone et Rocky. Drôle, mais dispensable.

Bandes-annonces, teasers et spots TV de Rocky (bandes-annonces de la saga sur le disque 7).

Le disque 1 propose également une bande-annonce compilant quelques films MGM.

Le disque 7 contient en plus une série de questions en 5 niveaux sur la boxe et sur la saga, coupée par des extraits vidéo. Amusant pour tester ses connaissances sur la franchise.

Sur le disque 6 (Rocky Balboa), on retrouve de nouveau Sylvester Stallone à pour un commentaire audio passionnant où le comédien/réalisateur se livre sur le retour de Rocky. Très sincère.

Rocky Balboa : tenir la distance (SD, 27 minutes) est un documentaire rétrospectif sur la saga.

Compétence contre volonté : le making of Rocky Balboa (HD, 18 minutes). Module bien trop court alors qu’il propose des interventions très intéressantes, notamment de Sylvester Stallone, Burt Young et Milo Ventimiglia qui parlent du retour de Rocky, 16 ans après le dernier film.

Retour sur le ring : filmer le combat final de Rocky (HD, 16 minutes). Excellent module sur la préparation physique de Sylvester Stallone. Il y parle également de la manière de chorégraphier le combat final du film, ainsi que de sa manière de le mettre en scène.

Champion virtuel : créer le combat par ordinateur (HD, 5 minutes). Featurette qui s’intéresse au combat créé par ordinateur à partir de la capture de mouvements de Sylvester Stallone et Antonio Tarver jusqu’à la finalisation dans le film.

Bêtisier (HD, 5 minutes). Très bon, bien que court.

7 scènes coupées (HD, 20 minutes) sont en fait des séquences abandonnées au montage ou alternatives, dont certaines sont excellentes et dont on regrette l’éviction.

Fin alternative (HD, 4 minutes) montre Rocky vainqueur du combat. Intéressant mais la conclusion est bien meilleure dans le film.

L’Image et le son

Les cinq premiers opus sont encodés en AVC. Le dernier en MPEG-4. Si Rocky (restauré en 4K) et Rocky Balboa brillent par leurs couleurs sublimes et leurs noirs profonds, les autres films vont du décevant (Rocky II) au bon (Rocky IV et Rocky V dont l’image est bien colorée et bien définie, sans trop d’artéfacts) en passant par le moyen (Rocky III). Pour Rocky II, il y a trop de tâches et de poussières de pellicules visibles sur les deux heures. C’est parfois très dérangeant.

VO en DTS-HD Master Audio 5.1 et VF DTS 5.1 pour tous les films. Préférez la version originale, bien plus puissante et dynamique que la VF, parfois étouffée et moins spatialisée. Même si les doublages sont très réussis, la VO l’emporte largement sur la partie technique.

Crédits images : © MGM / United Artists /  Captures Blu-ray : Kévin Cattan pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Peppermint, réalisé par Pierre Morel

PEPPERMINT réalisé par Pierre Morel, disponible en DVD et Blu-ray le 31 janvier 2019 chez Metropolitan Vidéo

Acteurs : Jennifer Garner, John Ortiz, John Gallagher Jr., Juan Pablo Raba, Annie Ilonzeh, Jeff Hephner, Pell James, Method Man, Johnny Ortiz…

Scénario : Chad St. John

Photographie : David Lanzenberg

Musique : Simon Franglen

Durée : 1h42

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Riley North est une jeune mère de famille dont le mari et la petite fille viennent d’être assassinés par un gang. Face à un système judiciaire corrompu qui remet en liberté les meurtriers qu’elle avait pourtant formellement identifiés, Riley décide de prendre les armes pour faire payer tous ceux qui, de près ou de loin, sont impliqués.

Le grand retour de Jennifer Garner, inoubliable Sydney Bristow dans la série Alias créée par J.J. Abrams, ou encore Elektra Natchios dans les maudits Daredevil et Elektra, s’est effectué en 2018 au cinéma avec Peppermint, vigilante movie bien badass, mettant en avant la vengeance d’une femme qui n’a plus rien à perdre suite à la mort de son mari et de sa fille, et qui, bien évidemment, va sortir l’artillerie lourde.

Si le genre est assez actuel, vu et revu – Même Bruce Willis y a eu droit en 2018 avec Death Wish d’Eli Roth, qui à peu de choses près, ressemble beaucoup à ce Peppermint – on ne peut tout de même qu’apprécier Peppermint à sa juste valeur : divertissant, jamais lourd, plaisant, et fun. Si le scénario est assez bancal (on pense à Death Sentence de James Wan, Death Wish et John Wick), c’est du côté de la mise en scène que nous sommes servis. En effet, l’efficacité de Pierre Morel (metteur en scène de l’excellent Taken, mais aussi des ratés From Paris With Love et Gunman) se ressent derrière la caméra. Si le réalisateur semble beaucoup plus à l’aise pour filmer les scènes d’action, il l’est tout de même un peu moins dans les séquences d’émotion.

Le clou du spectacle, c’est évidemment Jennifer Garner, impliquée à 200% dans son rôle. Elle porte clairement le film sur ses épaules. Sa métamorphose est hallucinante. Sur 1h40, on la voit passer de mère de famille à tueuse sans pitié. C’est une actrice vraiment excellente qui mériterait beaucoup plus de rôle de cette qualité.

Le scénariste n’oublie pas la dimension sociale du film et fait de son héroïne un ange pour les personnes sans domicile fixe. Elle est leur guerrière, leur protectrice. Ce qui n’était qu’une histoire secondaire rejoint finalement l’histoire principale pour un dernier acte explosif.

Film d’action bien réalisé et très bien interprété, Peppermint ne révolutionne certes pas le genre, mais propose néanmoins de belles idées de mise en scène, un montage lisible et des scènes d’action qui font le boulot.

LE BLU-RAY

Peppermint est disponible chez Metropolitan Vidéo. Le menu principal est animé et musical. Le Blu-ray se trouve dans un beau boîtier Steelbook.

Le Blu-ray contient un commentaire audio en VO non sous-titré où le réalisateur revient sur son expérience sur le film et son implication.

L’entretien avec Pierre Morel (HD, 26 minutes) est un bonus exclusif où le réalisateur se livre en français sur son approche sur le film, sur la place de ce film dans sa propre carrière, sur l’implication de Jennifer Garner, sur le rôle de Los Angeles et la manière de filmer la ville, ainsi que sur la façon de chorégraphier et filmer les combats.

La featurette (HD, 2 minutes) ne dévoile rien et sert plutôt de teaser qu’autre chose.

Les traditionnelles bandes-annonces de l’éditeur (Peppermint, Knight Of Cups, Carnage Chez Les Puppets, Blindspotting, 22 Miles, L’Ombre D’Emily) viennent conclure la section Suppléments.

L’Image et le son

Le master HD de Peppermint, proposé en 1080p et encodé en AVC est flamboyant. Que ce soit de jour ou de nuit, la définition est très belle. Un peu de bruit de temps en temps mais vraiment rien d’important.


En VO comme en VF (toutes deux en DTS-HD Master Audio 7.1), les enceintes font du bruit et sont présentes jusqu’à la fin du film. De plus, ce qui est présenté hors-champ est bien audible à travers les enceintes.

Crédits images : © Metropolitan Films /  Critique, Interactivité, Test technique et captures Blu-ray : Kévin Cattan pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / Legends of Tomorrow, saison 3

LEGENDS OF TOMORROW – SAISON 3, disponible en DVD et Blu-ray le 5 décembre 2018 chez Warner Bros.

Acteurs : Brandon Routh, Caity Lotz, Amy Louise Pemberton, Dominic Purcell, Franz Drameh, Victor Garber, Tala Ashe, Maisie Richardson-Sellers, Nick Zano, Arthur Darvill, Jes Macallan, Matt Ryan, Wentworth Miller, Neal McDonough…

Musique : Blake Neely

Durée : 17 épisodes de 43 minutes + 4 épisodes du crossover Crisis on Earth-X (avec Supergirl, Arrow et Flash)

Date de sortie initiale : 2017-2018

LA SÉRIE

Après avoir vaincu la Legion of Doom, les Légendes ont découvert qu’ils ont brisé le temps. Ils décident alors d’explorer cette nouvelle réalité pour remettre les choses en place avec l’aide du Bureau Temporel, une nouvelle agence protectrice du temps fondée par Rip Hunter. Ils seront à nouveau confrontés à Damien Darhk et à sa fille Nora, qui veulent ressusciter un démon temporel…

Voici déjà la troisième saison de la série Legends of Tomorrow, dérivée d’Arrow et de Flash. D’emblée, ce spin-off a su faire sa place avec un ton volontairement plus humoristique et en lorgnant sur les séries fantastiques des années 1990. Dans cette nouvelle saison, les scénaristes rendent un évident hommage à la cultissime série Code Quantum, puisque nos héros, qui voyagent dans le temps depuis le tout premier épisode, sont contraints de réparer leurs erreurs, les « anomalies » temporelles, conséquences de leur précédente mission. Diffusée sur The CW aux Etats-Unis entre le 10 octobre 2017 et le 9 avril 2018, cette troisième saison a vu ses audiences se stabiliser, contrairement à celles des autres séries DC plus malmenées. Legends of Tomorrow n’est peut-être pas la série la plus réussie du lot, Flash la domine largement, mais s’avère probablement la plus fun et la plus divertissante. Mission réussie pour cette nouvelle saison !

Résumé avec spoilers. Six mois se sont écoulés. Rip Hunter (Arthur Darvill, invité sur sept épisodes) a fondé une nouvelle agence, le Bureau Temporel, afin d’éradiquer les anachronismes (on pense beaucoup à Men In Black), c’est-à-dire les personnes, objets ou créatures présentes dans une époque qui n’est pas la leur. Pour le reste de l’équipe, le retour à la vie « normale » est un peu difficile. Ray Palmer travaille pour une start-up de la Silicon Valley tandis que Sara Lance travaille comme employée dans un supermarché de Star City. Nate, avec l’aide de Kid Flash, continue d’utiliser ses pouvoirs pour combattre le crime à Central City. Quant à Jefferson et au professeur Stein, ils coulent une vie paisible à Central City, ce dernier appréciant le fait de devenir bientôt grand-père. Mick se livre aux douceurs du farniente sur la plage d’Aruba.

C’est justement là-bas que Mick, croyant avoir affaire à un employé, l’invective en demandant de lui apporter un autre cocktail. En ôtant ses lunettes de soleil, il s’aperçoit que l’ombre en face de lui n’est autre que celle de Jules César, arguant conquérir le monde connu. Après avoir ligoté l’empereur, Mick contacte aussitôt Sara, qui réunit Ray et Nathaniel pour s’occuper du problème. Ensemble, ils se rendent à l’Agence du Bureau Temporel afin de signaler l’anachronisme à Rip, mais ce dernier est contrarié par les retombées de leurs dernières actions : en venant à bout de la Legion of Doom, ils ont également brisé le temps, ce qui a causé les anachronismes. Par conséquent, Rip ne leur fait plus confiance et ne souhaite plus les voir voyager dans le temps, ayant par ailleurs confisqué le Waverider qui sert de simulateur à ses agents.

Toutefois, les Légendes refusent de rester sur la touche. Ils reprennent leur vaisseau par la force et rejoignent Mick. Mais entre-temps César s’est enfui et se retrouve parmi des lycéens en vacances. Après avoir capturé de nouveau l’évadé du temps, le groupe retourne dans le passé pour remettre César à son époque. Croyant avoir réussi leur mission, un nouveau contretemps fait place : le régent a dérobé le livre de Nathaniel sur l’avenir de Rome et a par conséquent réécrit l’histoire en conquérant le monde connu. C’est à ce moment que Rip et son équipe arrivent pour reprendre l’affaire en main. Mais au moment de s’emparer de l’ouvrage, l’agent Ava Sharpe (Jes Macallan, atout charme et sexy) est enlevée. L’équipe des Légendes intervient et bat aisément César et ses soldats.

La continuité temporelle est sauvegardée, Sharpe et Hunter peuvent repartir. Malgré les conseils d’Ava, Rip autorise l’équipe à garder le Waverider pour qu’ils continuent de corriger les anomalies spatio-temporelles ; Sharpe s’étonne du choix de son supérieur, mais Hunter pense que le manque de subtilité des Légendes sera utile contre la menace qui arrive. Nathaniel confie à Ray qu’il regrette qu’Amaya (intense et magnétique Maisie Richardson-Sellers) ne soit plus là. Elle est retournée en 1942, au Zambèze, où elle protège son pays des braconniers et colons européens. Les Légendes se décident à utiliser la technologie du Bureau Temporel pour réparer les anachronismes et commencent par une cible simple : le cirque de P.T. Barnum aurait un smilodon parmi ses attractions de 1870. Pour maîtriser la bête, les pouvoirs des Légendes ne conviennent pas et Sara décide de ramener Amaya, retournée au Zambèze en 1942.

Cette saison 3 regorge de références à la pop culture. Au détour d’une conversation, Victor Garber concepteur du Titanic dans le chef d’oeuvre de James Cameron, rappelle le fiasco qu’à été le voyage inaugural du paquebot. Steven Spielberg et plus particulièrement E.T. l’extra-terrestre sont nommés à travers l’épisode où Ray Palmer, alors enfant, dissimule dans sa chambre un bébé Dominateur. Ray doit alors empêcher son propre assassinat par une agence peu orthodoxe. Les scénaristes se lâchent encore plus que d’habitude dans cette troisième saison à l’instar des morts exsangues retrouvés dans les rues de Londres en 1895, apparemment tués par un vampire, ou bien encore Hélène de Troie, échappée d’une guerre qu’elle n’a pas voulue, trouve finalement refuge sur l’île de Themyscira, foyer des Amazones et de la super-héroïne Wonder Woman. Les fans de Peter Jackson seront aux anges, puisqu’on y voit Ray intervenir sur le plateau du Seigneur des Anneaux en 1999, afin d’y rencontrer le comédien John Noble, qui incarnait Denethor, le père de Boromi et de Faramir. Finalement, tout ce qui concerne le grand « méchant » Mallus (à qui John Noble prête sa voix), un être maléfique et hors du temps, importe moins que les péripéties quotidiennes, l’humour bon enfant et les clins d’oeil cinématographiques. Même l’agaçant Damien Darhk apparaît ici plus cool, comme s’il se rendait compte lui-même du ridicule de ce qu’il dégageait.

C’est sans doute le bazar dans les épisodes, où l’on passe allègrement de la guerre du Vietnam (avec des références à Apocalypse Now), à l’affrontement avec le gorille Grodd (venu de la série Flash), en passant par une bataille contre les Vikings ou Barbe-Noire. Les Legends doivent également aider le jeune Elvis Presley à devenir le King en 1954, puis l’on passe à un épisode tout droit sorti d’Un jour sans fin où une boucle temporelle fait revivre la même journée à Zari Adrianna Tomaz, nouvelle venue dans la troupe, interprétée par l’excellence Tala Ashe. Recrutée en 2042, le talent principal de cette belle demoiselle est d’être une hackeuse hors pair et qui voue une passion pour les jeux vidéo vintage. Tout cela sans oublier la participation des Legends au formidable crossover Crisis on Earth-X, aux côtés des super-héros de Supergirl, Arrow et Flash. Un quadruple-épisode qui marque la disparition d’un des membres des Legends…Matt Ryan en profite pour revenir dans la peau et le costume débraillé de John Constantine, tandis que Wentworth Miller fait un dernier comeback. De son côté, Wally West, dont les scénaristes ne savaient plus quoi lui faire faire dans la série Flash, rejoint les Legends.

Alors certes Caity Lotz fait toujours la moue et fronces les sourcils, Dominic Purcell grogne à tout bout de champ et Brandon Routh abuse de son sourire Ultra-Brite, mais cela fonctionne vraiment bien, chacun est à sa place et semble prendre encore beaucoup de plaisir à se donner la réplique. Un plaisir contagieux et qui ne se dément pas au fil des épisodes.

LE BLU-RAY

La troisième saison des Legends of Tomorrow, disponible chez Warner Bros., se compose de trois disques placés dans un boîtier classique de couleur bleue, glissé dans un surétui cartonné. La liste des épisodes apparaît au verso, tout comme celle des suppléments. Le menu principal est identique sur les trois Blu-ray, fixe et musical, qui reprend le visuel de la jaquette. Signalons que l’éditeur a eu la bonne idée de proposer l’intégralité de l’épisode crossover divisé sur les quatre séries DC. Cette édition se compose donc de 21 épisodes de 42 minutes.

Des scènes coupées (16’30 au total), aux effets visuels non finalisés, sont disponibles sur les trois disques.

Le second Blu-ray contient un débat bien rythmé entre les producteurs des séries DC, qui répondent aux questions de l’animateur Hector Navarro (42’) sur la création de l’énorme crossover, Crisis on Earth-X, composé des épisodes 8 de Supergirl, Arrow, Flash et DC’s Legends of Tomorrow. C’est ici que vous apprendrez chacune des étapes ayant conduit à cette histoire de tentative d’invasion de la Terre par des soldats nazis issus d’un monde dystopique appelé Terre-X. Les spoilers sont évidemment au rendez-vous. Chacun aborde la difficulté d’écrire pour une vingtaine de personnages réunis à l’écran et sur les défis finalement relevés.

Le troisième disque est le plus rempli. On y trouve tout d’abord un module en compagnie du producteur exécutif Phil Klemmer (18’), qui propose un retour complet sur la création et les évènements de la troisième saison des Legends of Tomorrow.

Un petit supplément de 6 minutes rend compte du travail des artistes et créateurs des effets spéciaux, de la prévisualisation au tournage, en passant par la post-production.

Outre un petit bêtisier très sympa (7’30), cette section propose un best-of du Comic-Con 2017 avec notamment un résumé des présentations des nouvelles saisons de Supergirl, Flash, Arrow, DC’s Legends of Tomorrow et Gotham (58’).

L’Image et le son

Les épisodes sont proposés au format HD (1080p, AVC). Les couleurs sont chaudes et resplendissantes, le piqué acéré, les contrastes au top et la profondeur de champ abyssale. Les séquences diurnes sont éclatantes et seules quelques séquences à effets spéciaux s’avèrent sensiblement moins définies en raison des images composites. En dehors de ça, Warner Bros. met la barre haute, le résultat est superbe et la promotion HD indispensable.

Sans surprise, seule la version originale est livrée au format DTS-HD Master Audio 5.1. Privilégiez évidemment cette option qui instaure un confort acoustique digne des plus grands blockbusters avec une spatialisation tonitruante, des effets latéraux à foison, une percutante délivrance des dialogues et une balance frontale explosive. Mention également au caisson de basses très souvent sollicité dans les scènes d’action. Les réfractaires à la V.O. devront se contenter d’une toute petite VF Dolby Digital 2.0 Stéréo au doublage amusant. Etrangement, les allemands disposent d’un mixage Dolby Digital 5.1.


Crédits images : © Warner Bros. / DC Comics / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test 4K Ultra-HD / En eaux troubles, réalisé par Jon Turtletaub


EN EAUX TROUBLES (The Meg) réalisé par Jon Turtletaub, disponible en DVD, Blu-ray et Ultimate Edition – 4K Ultra HD + Blu-ray 3D + Blu-ray chez Warner Bros. le 22 décembre 2018

Acteurs : Jason Statham, Li Bingbing, Rainn Wilson, Cliff Curtis, Winston Chao, Ruby Rose, Page Kennedy, Robert Taylor, Ólafur Darri Ólafsson…

Scénario : Dean Georgaris, Jon Hoeber, Erich Hoeber d’après le roman “The Meg” de Steve Alten

Photographie : Tom Stern

Musique : Harry Gregson-Williams

Durée : 1h54

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Au cœur de l’océan Pacifique, le sous-marin d’une équipe de chercheurs a été attaqué par une créature gigantesque qu’on croyait disparue : le Megalodon, un requin préhistorique de 23 mètres de long.
Le sauveteur-plongeur Jonas Taylor doit risquer sa vie pour sauver les hommes et les femmes prisonniers de l’embarcation… et affronter le prédateur le plus terrible de tous les temps. 

Vous vous souvenez des Dents de la mer ? Ce petit film de Steven Spielberg qui a juste révolutionné le cinéma de divertissement en 1975, au point de devenir le « premier » blockbuster, ça vous rappelle quelque chose ? Alors vous pouvez dormir tranquille, car ce n’est pas En eaux troublesThe Meg, réalisé par le « yes man » Jon Turtletaub qui détrônera le chef d’oeuvre de Steven Spielberg. Même si on s’y attendait, cette série B au budget colossal de 130 millions de dollars n’arrive pas à la cheville de Jaws. S’il y avait tout sur le papier pour nous réjouir, c’était sans compter sur la décision de la production de couper purement et simplement les séquences jugées trop « sanglantes ». Entre fausses promesses d’offrir aux spectateurs un film de genre aux séquences violentes et une sortie au cinéma finalement pour tout public, En eaux troubles a engrangé plus d’un demi-milliard de dollars et attiré 1,6 million de français dans les salles. Mais, malgré toute l’affection que l’on peut avoir pour Jason Statham, rien ou presque ne fonctionne dans ce produit sans âme et qui peine à remplir son cahier des charges de l’ « entertainment ».

Jonas Taylor est un ancien capitaine de la Marine et un plongeur spécialisé dans les eaux profondes. Il est recruté pour plonger dans l’océan Pacifique, pour sauver une équipe de scientifiques coincée dans l’épave d’un submersible attaqué et endommagé par un requin préhistorique de vingt mètres de long, connu sous le nom de Mégalodon. Engagé par un océanographe chinois, Taylor devra surmonter ses peurs et affronter une deuxième fois le prédateur qu’il a auparavant rencontré lors d’une expédition pour sauver des hommes et des femmes piégés dans les profondeurs de l’océan.

Franchement, ça aurait eu de la gueule, surtout avec Eli Roth – initialement prévu – à la barre qui souhaitait un film Rated R. Le britannique qui se retrouve face au plus grand requin du monde, un animal préhistorique en fait, avec des bouillons de sang autour des deux adversaires…mais cela restera de l’ordre du fantasme. En eaux troubles, aka The Meg ou bien encore Mégalodon chez nos amis québécois, ne parvient jamais à aller au-delà de son affriolant postulat de départ. Production sino-américaine oblige, l’action se déroule en plein océan Pacifique avec quelques comédiens chinois. Pour mettre en scène, en mouvement plutôt, ce récit, la Warner a confié le joujou à Jon Turtletaub, rescapé des années 1990 grâce aux succès de Rasta Rockett (1993) et Phénomène (1996) avec John Travolta, puis plus tard des deux Benjamin Gates (2004 et 2008) où Nicolas Cage se mettait à la recherche du Trésor des Templiers et du Livre des secrets. Après un passage à vide et deux pitreries oubliées dès leur passage dans les salles (L’Apprenti sorcier et Last Vegas), ce « maker » prend les commandes de cette attraction destinée à remplir le tiroir-caisse de la Warner durant l’été 2018. Le studio change alors son fusil d’épaule et coupe les scènes de carnage promises au public et sur lesquelles s’est vendu le film suite à l’achat des droits du roman de Steve Alten, Meg : A Novel of Deep Terror, publié en 1997. Le résultat à l’écran est navrant.

Non seulement Jon Turtletaub ne crée aucune tension à l’écran, mais il n’insuffle aucun rythme non plus. Les images glacées et bleutées sont compilées sans aucune gestion de la dramaturgie, chaque séquence agitée est expédiée à travers un montage chaotique. Tout cela, sans oublier la direction d’acteurs en tout point inexistante. Si Jason Statham n’est certes pas le comédien le plus expressif de la planète, sa prestation s’inscrit dans le top de ses pires performances. Ruby Rose continue sa collection de navets-nanars (on sauvera John Wick 2 hein) en affichant la même moue et ses tatouages. On préférera revoir Instinct de survie – The Shallows pour mater Blake Lively, ou même Peur bleue de Renny Harlin, sorti en 1999 au moment où Disney planchait justement sur l’adaptation du livre de Steve Alten. Au moins, on y rigolait bien et on ne ronflait pas comme devant ce truc bien trop sérieux et qui coûte presque trois plus cher.

LE BLU-RAY

En eaux troubles, disponible chez Warner Bros., est arrivé dan une édition Steelbook comprenant l’édition 4K du film, le Blu-ray standard et sa version 3D. Les suppléments sont disposés sur la version Blu-ray. Le menu principal est fixe et musical.

Hum…Pas grand-chose à se mettre sous la dent…Il faudra se contenter de deux featurettes promotionnelles, la première faisant office de making of officiel (12’), la seconde étant centrée sur la création du Meg (10’30). Les comédiens, quelques responsables des départements techniques et surtout le réalisateur Jon Turtletaub reviennent sur les conditions de tournage, la préparation à la plongée des comédiens et l’investissement de Jason Statham (grand absent de cette interactivité) dans ses scènes d’action.

L’interactivité se clôt sur une pub du genre « Viendez en Nouvelle-Zélande » avec l’équipe qui loue la beauté du pays et la facilité des prises de vue dans un cadre idyllique (2’).

Dommage de ne pas pouvoir bénéficier des scènes coupées…

L’Image et le son

Evidemment, c’est absolument fabuleux ! L’image UHD est tellement ahurissante que l’on parvient à distinguer les égratignures, les cicatrices, et la nageoire dorsale du Meg qui comporte des trous et des traces de morsure. Disque de démonstration, l’édition 4K d’En eaux troubles aveugle avec ses scènes diurnes luminescentes, la transparence de l’eau, ses bleus tétanisants, son piqué acéré comme la lame d’un scalpel et ses contrastes d’une densité abyssale (oh oh). Ajoutez à cela des détails à foison aux quatre coins du cadre large et des noirs sublimes, et vous obtenez ce qui s’avère probablement un des plus impressionnants master 4K actuellement sur le marché.

Sans surprise, dès l’apparition du logo Warner, le fracassant et immersif mixage Dolby Atmos-True HD anglais exploite les latérales dans leurs moindres recoins, et ce jusqu’à la fin du film. C’est peu dire que The Meg met à mal toute installation acoustique digne de ce nom. La musique de Harry Gregson-Williams (Seul sur Mars, The Town) bénéficie d’une spatialisation percutante et systématique, les effets en tout genre, déflagrations et ambiances annexes foisonnent sans jamais noyer les dialogues. A titre de comparaison, la piste française Dolby Digital 5.1 fait pâle figure face à son homologue du point de vue homogénéité car trop rentre-dedans et manque singulièrement de finesse. Les rares séquences calmes jouissent d’un beau traitement de faveur. N’oublions pas le caisson de basses qui ne tient pas en place sur le sol et fait vibrer les murs. Top démo là encore si vous désirez épater la galerie !

Crédits images : ©
2018 WARNER BROS. ENTERTAINMENT INC., GRAVITY PICTURES FILM PRODUCTION COMPANY, AND APELLES ENTERTAINMENT, INC. / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / Arrow, saison 6

ARROW– SAISON 6, disponible en DVD et Blu-ray  le 28 novembre 2018 chez Warner Bros.

Acteurs : Stephen Amell, Katie Cassidy, David Ramsey, Willa Holland, Paul Blackthorne, Emily Bett Rickards, John Barrowman, Colton Haynes, Manu Bennett, Caity Lotz, Susanna Thompson, Echo Kellum…

Musique : Blake Neely

Durée : 22 épisodes de 43 minutes + 4 épisodes du crossover Crisis on Earth-X (avec Supergirl, Flash et DC’s Legends of Tomorrow)

Date de sortie initiale : 2017-2018

LA SAISON 6

Quelques mois après l’affrontement explosif avec Adrian Chase sur l’île de Lian Yu, Oliver jongle toujours entre ses responsabilités de maire et sa mission de justicier. Pour l’aider à protéger les habitants de Star City, son équipe reste soudée à ses côtés, même si tout le monde ne s’en est pas sorti indemne du cauchemar vécu sur Lian Yu. Une solidarité d’autant plus précieuse que leurs ennemis ne leur laissent pas de répit. Cayden James, le chef de Helix s’en prend désormais à l’équipe Arrow avec pour but de se venger du justicier en recrutant plusieurs mercenaires et connaissances d’Oliver dont Black Siren.

Difficile de se renouveler après 5 saisons et 115 épisodes ! Surtout après une cinquième saison épique, l’une des plus grandes du show, qui avait su apporter un vent de fraîcheur et qui reposait entre autres sur le meilleur bad-guy de la série, Prometheus. Après le final dantesque sur Lian Yu, la sixième saison démarre mollement et n’est clairement pas à la hauteur des espérances. Comme souvent, il faut attendre le crossover pour que la nouvelle saison d’Arrow démarre véritablement. Un bon tiers des épisodes font du surplace avec des intrigues éculées, indépendantes, où l’on nous ressert même Deathstroke, vedette d’un double-épisode, celui de sa quête de rédemption. Les auteurs tournent en rond, nous font croire qu’un cyber-terroriste machiavélique, Cayden James (Michael Emerson, lisse) sera le grand adversaire d’Oliver et de sa clique durant ces 23 épisodes. Pour secouer un peu la fourmilière, les scénaristes ont décidé cette saison de semer la discorde au sein de l’équipe de justiciers, au point de les séparer en deux équipes distinctes. Oliver se retrouve donc seul avec John et Felicity, tandis que Curtis (Echo Kellum, très bon), Rene (Rick Gonzalez, bad-ass) et Dinah font comme qui dirait « chambre à part ». Cette séparation fait partie du plan de celui qui manipule en réalité tout ce beau monde, Ricardo Diaz. Ce dernier est interprété par le convaincant Kirk Acevedo (Oz), qui possède la voix d’Al Pacino et une part de son charisme animal.

Le problème, c’est que les showrunners mettent bien trop de temps pour dévoiler le pot aux roses et que le peu d’intérêt des épisodes précédents finit par s’effondrer. Comme bien souvent, quelques personnages sont sacrifiés au fil des saisons. Cette fois, Paul Blackthorne aka Quentin Lance, dans sa dernière apparition dans la série, est vraiment insupportable. Il est malheureusement peu aidé par une intrigue bien trop récurrente en ce qui le concerne, autrement dit le deuil impossible de sa fille Laurel. Les scénaristes eux-mêmes ont avoué par la suite qu’ils ne savaient plus quoi lui faire faire. Il n’est pas le seul à être évincé devant le peu d’inspiration des auteurs, qui ont décidément trop de personnages à gérer, et contre toute attente c’est également au tour de Willa Holland (Thea Queen) de quitter (provisoirement?) le show.

Pour résumer (avec spoilers) cette saison diffusée du 12 octobre 2017 au 17 mai 2018 sur The CW, aux États-Unis : Cinq mois ont donc passé depuis l’explosion de Lian Yu. Oliver (Stephen Amell, qui n’a eu de cesse de s’améliorer au fil des saisons est ici parfait) a repris son poste de maire ainsi que le costume de Green Arrow. Il a recueilli son fils William, sa mère Samantha étant morte sur l’île. Sur le terrain, Oliver et son équipe doivent arrêter Alex Faust, terroriste spécialiste des explosifs financé par Black Siren (l’insupportable Katie Cassidy), que tous pensaient morte sur Lian Yu. À la suite de la révélation de la photo d’Oliver dans le costume de Green Arrow, Oliver fait l’objet d’une campagne de presse insistante et d’une enquête du FBI. Oliver ne peut donc pas renfiler le costume sans risquer d’être démasqué ni d’être tué et laisser William orphelin, mais Anatoly Knazyev revient à Star City pour s’en prendre à une délégation markovienne. Dinah (la sexy Juliana Harkavy) voit que Diggle (David Ramsey au jeu soporifique) cache la vérité sur sa condition qui le retient d’utiliser son arme sur le terrain. Sous le coup d’une enquête du FBI et avec son fils qui a besoin de sa présence, Oliver a confié le costume de Green Arrow à Diggle (rires). Dinah s’inquiète que la condition physique du nouvel archer ne soit un danger pour l’équipe, mais devant une unité para-militaire cherchant à mettre la main sur un gaz neurotoxique, c’est la capacité de Diggle à faire des choix difficiles qui pose problème.

Oliver consacre plus de temps à son fils, mais pour l’aider dans ses études, il préfère demander de l’aide à Felicity (Emily Bett Rickards, en retrait dans cette saison). Black Siren réapparaît à Star City et laisse les corps de personnes a priori sans histoire. Felicity ne peut les aider à faire le lien car Alena l’appelle au secours : Cayden James, le pirate informatique qu’elle a malgré elle fait libérer, s’est retourné contre Helix et a un plan visant à détruire le réseau Internet. Pendant ce temps, Oliver part avec Slade Wilson pour Kasnia, où Joe, le fils de Slade, est prisonnier. Slade espère utiliser une voie diplomatique pour le libérer. Diggle est donc chargé de défendre Star City alors que le « Justicier » réapparaît avec dans son viseur, la conseillère Pollard, qui défend son décret anti-justiciers. L’agent spécial Watson interroge un à un les amis de Oliver. Tandis que Slade continue de découvrir ce qu’est devenu son fils, Oliver cherche un moyen d’empêcher les attentats prévus par les Chacals. Pendant ce temps, Green Arrow mène l’équipe dans une bataille contre le « Dragon », un criminel du nom de Ricardo Diaz qui assassine et vole de la technologie coûteuse à Star City afin de fabriquer des drogues très puissantes et qui s’avère être le dealer auprès de qui John Diggle s’approvisionne afin de contrôler ses tremblements. Oliver est arrêté pour les crimes du Green Arrow alors que Black Siren et Cayden James réapparaissent pour dérober de quoi construire une bombe dévastatrice. La santé de John empire et personne n’est de taille à être le Green Arrow contre la menace.

A la fin du crossover en quatre parties (voir notre chronique sur la quatrième saison de Flash), Oliver et Felicity célèbrent leur mariage lors d’une grande réception. Mais rapidement, leurs missions les rappellent : l’agent Watson a un témoin prêt à dénoncer Oliver sous serment, visiblement un membre de l’équipe, et au même moment, Black Siren enlève Quentin Lance pour forcer le Green Arrow à voler un bien détenu par ARGUS. Devant l’importance des enjeux, Oliver commence à remettre en question la confiance qu’il a en son équipe. L’équipe se sépare. Oliver se retrouve seul à affronter sur le terrain Cayden James, mais il a la surprise de voir que le hacker s’est associé avec plusieurs ennemis de Green Arrow. Cayden James commence une vague de piratage des infrastructures de Star City et les premières victimes se font vite connaître. Oliver se prépare à agir à la fois en tant que maire et Green Arrow, tout en espérant une collaboration avec ses anciens alliés. Oliver et John découvrent que le Vigilante est un agent double et collabore avec Dinah, Curtis et Rene pour faire tomber Cayden James. L’ARGUS s’étant montré incapable de contrer la menace du hacker sur Star City, Oliver accepte l’aide du justicier. Quentin pense pouvoir se rapprocher de Laurel. Felicity et Alena parviennent à prouver que la vidéo du meurtre d’Owen James a été trafiquée. Cayden James lance alors un dernier ultimatum : lui livrer ses trois anciens partenaires en vie avant minuit ou la bombe qui rasera Star City explosera. Mais Dinah est résolue à saisir la première opportunité pour tuer Black Siren.

La mort de Cayden James met Star City et son maire, Oliver Queen, dans une situation délicate : les 70 millions extorqués par le hacker ont disparu et Star City risque la faillite totale. Felicity découvre que c’est Black Siren qui a récupéré l’argent, avant de disparaître. L’autre Laurel a en fait été recueillie par Quentin en secret, persuadé de pouvoir la ramener dans le droit chemin. Black Siren s’est rendue à la police de Star City en se présentant comme Laurel Lance. Sa disparition soudaine permet de découvrir que c’est Ricardo Diaz qui tire les ficelles depuis la mort de Cayden James et qu’une partie de la police est sous ses ordres. Oliver a un autre objectif : Roy Harper a été capturé et torturé pour témoigner contre lui, et Thea veut le faire libérer. Thea se prépare pour une nouvelle vie avec Roy loin de Star City mais Nyssa al Ghul revient avec à ses trousses une nouvelle ligue des Assassins fondée avant sa mort par Malcolm Merlyn. Thea reconsidère alors son avenir tout comme Oliver qui peine à redonner le costume de Green Arrow à John. Dinah et Curtis continuent à démasquer un à un les policiers corrompus par Diaz. À mesure qu’Oliver combat le réseau de Ricardo Diaz, il découvre à quel point il s’étend dans Star City. John comprend qu’Oliver ne lui rendra pas le costume de Green Arrow, ce qui le met dans une colère sourde qu’il ne s’explique pas. Oliver, dans son premier costume d’Arrow, se lance dans une opération suicide, affrontant à lui seul les policiers corrompus qui protègent Ricardo Diaz. Quelques heures auparavant, il se débattait avec le conseil municipal qui envisage de lancer la procédure de destitution et constatait sa solitude alors que tous ses anciens alliés sont partis.

Ricardo Diaz quitte Star City avec Laurel pour la nouvelle étape de son plan : obtenir un rendez-vous avec les dirigeants du Quadrant, une organisation criminelle secrète mais puissante. Laurel va avoir l’occasion de découvrir ce qui pousse son partenaire à toujours prévoir un plan de longue durée. Oliver agit désormais seul comme justicier dans Star City. Felicity n’assurant plus ses arrières, elle se plonge dans le travail d’Helix avec Curtis. Rene sort de l’hôpital, prêt à renfiler le costume de Wild Dog et combattre le réseau de Diaz. Les Outsiders vont tomber sur une opération du Quadrant, déjà surveillée par ARGUS et Diggle. Oliver prend le risque de confronter Knazyev avec une offre : il peut réintégrer la Bratva s’il le souhaite, mais l’ancien Pakhan affirme renoncer à l’honneur de son ancien clan pour rester fidèle à Diaz, même s’il n’a aucun honneur. À peine prend-il le siège de maire que Quentin Lance découvre que Laurel est restée aux ordres de Diaz.

Le procès d’Oliver Queen pour ses actes de vigilantisme commence et Diaz a tout fait pour que le verdict soit coupable. Alors que les témoins défilent et que certains remettent en question leur allégeance envers le Dragon, Diggle a prévu un plan pour sortir Oliver libre du procès. Puisque Ricardo Diaz n’a pas réussi à faire tomber Oliver Queen et l’envoyer en prison, il change de plan et lance toutes ses forces pour le tuer avec son entourage. Les justiciers doivent se réunir avec le soutien d’ARGUS, mais aussi leur atout : Anatoly Knyazev, qui joue les agents doubles avec Diaz. Avec son arrangement avec Samandra Watson, Oliver a désormais le soutien du FBI pour démanteler le réseau de Ricardo Diaz au sein de Star City. Quentin Lance, en tant que maire et père d’adoption de Black Siren, devient la cible des pressions de Diaz. Pendant le combat, Oliver se réconcilie avec ses anciens alliés, prêt à leur confier la tâche de protéger la ville.

Quant au dénouement…nous ne le révélerons pas ici, mais cette saison 6 en demi-teinte n’est clairement pas à la hauteur de la précédente. La faute à trop d’épisodes qui ne servent tout simplement à rien. Cette fois, une bonne moitié de la saison rame trop pour retenir l’attention. n’ayant plus recours à l’intrigue parallèle sous forme de flashbacks, procédé qui commençait à s’épuiser et à fatiguer les spectateurs, les showrunners ont perdu leur appui quand ils étaient en manque d’inspiration. C’est donc ici flagrant puisqu’ils doivent désormais se concentrer sur le présent de leurs personnages, qui tournent souvent en rond, pour revenir à leur point de départ. Les spectateurs américains commencent d’ailleurs à se lasser puisque cette saison a enregistré les pires audiences depuis le début de la série. Nous l’avons déjà évoqué, mais le crossover en quatre épisodes est en revanche passionnant, excellemment réalisé et se permet même de surpasser la plupart des films DC Comics en dosant parfaitement l’action, l’humour, l’émotion, avec d’excellents effets visuels. Néanmoins, la saison va en s’améliorant et il faut s’armer de patience (beaucoup trop de longueurs, de redondances) car cela vaut franchement la peine. La série n’a jamais été aussi brutale et la violence de certaines séquences étonne. Diaz est un antagoniste très intéressant, torturé à souhait, déchaîné, cinglé et ses actes feraient parfois passer Deathstroke pour un enfant de choeur. L’épisode qui lui est entièrement consacré est d’ailleurs l’un des meilleurs de la saison.

Malgré cette semi-déception, on a quand même hâte de découvrir la septième saison (diffusée actuellement) afin de voir si les auteurs sauront cette fois être à la hauteur du twist qui clôturait la précédente. D’autant plus que la fin de la série est cette fois indéniablement envisagée.

LE BLU-RAY

La sixième saison d’Arrow en Blu-ray, disponible chez Warner Bros., se compose de quatre disques placés dans un boîtier classique de couleur bleue, glissé dans un surétui cartonné. La liste des épisodes apparaît au verso, tout comme celle des suppléments. Le menu principal est identique sur les quatre Blu-ray, fixe et musical, qui reprend le visuel de la jaquette. Signalons que l’éditeur a eu la bonne idée de proposer l’intégralité de l’épisode crossover divisé sur les quatre séries DC. Cette édition se compose donc de 26 épisodes de 42 minutes.

Sur le premier disque, nous trouvons un module consacré au parcours de Slade Wilson aka Deathstroke au fil des précédentes saisons, jusqu’à son apparition dans la saison 6 (12’). Un bonus classique, composé d’images d’épisodes et d’interviews des producteurs.

Le second Blu-ray contient un débat bien rythmé entre les producteurs des séries DC, qui répondent aux questions de l’animateur Hector Navarro (42’) sur la création de l’énorme crossover, Crisis on Earth-X, composé des épisodes 8 de Supergirl, Arrow, Flash et DC’s Legends of Tomorrow. C’est ici que vous apprendrez chacune des étapes ayant conduit à cette histoire de tentative d’invasion de la Terre par des soldats nazis issus d’un monde dystopique appelé Terre-X. Les spoilers sont évidemment au rendez-vous. Chacun aborde la difficulté d’écrire pour une vingtaine de personnages réunis à l’écran et sur les défis finalement relevés.

Sur le troisième disque, l’éditeur propose un supplément sur le personnage de Cayden James (11’). Même chose que pour Deathstroke, les producteurs et scénaristes se contentent de paraphraser ce qui se passe dans la série. Alors attention aux spoilers très nombreux !

L’interactivité se clôt sur un best-of du Comic-Con 2017 avec notamment un résumé des présentations des nouvelles saisons de Supergirl, Flash, Arrow, DC’s Legends of Tomorrow et Gotham (58’).

L’Image et le son

Les épisodes sont proposés au format HD (1080p, AVC). Les couleurs sont froides, toujours marquées par quelques touches vertes, caractéristiques du personnage principal. Le piqué est acéré, les contrastes au top et la profondeur de champ très appréciable. Les séquences diurnes sont éclatantes et les scènes de nuit sont aussi bien définies. Warner Bros. met la barre haute et prend soin de l’arrivée de Arrow dans les salons avec même un léger et élégant grain typique du tournage avec la caméra Arri Alexa. Le résultat est superbe et la promotion HD indispensable.

Sans surprise, seule la version originale est livrée au format DTS-HD Master Audio 5.1. Privilégiez évidemment cette option qui instaure un confort acoustique digne des plus grands blockbusters avec une spatialisation tonitruante, des effets latéraux à foison, une percutante délivrance des dialogues et une balance frontale explosive. Mention également au caisson de basses très souvent sollicité dans les scènes d’action. Les réfractaires à la V.O. devront se contenter d’une toute petite VF Dolby Digital 2.0 Stéréo au doublage nian-nian souvent indigne de la série. Etrangement, les allemands disposent d’un mixage Dolby Digital 5.1.

Crédits images : © Warner Bros. / DC Comics / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test Blu-ray / 22 Miles, réalisé par Peter Berg

22 MILES (Mile 22) réalisé par Peter Berg, disponible en DVD et Blu-ray le 2 janvier 2019 chez Metropolitan Vidéo

Acteurs : Mark Wahlberg, Lauren Cohan, Iko Uwais, John Malkovich, Ronda Rousey, Terry Kinney, Emily Skeggs, Sam Medina…

Scénario : Lea Carpenter

Photographie : Jacques Jouffret

Musique : Jeff Russo

Durée : 1h35

Date de sortie initiale : 2018

LE FILM

Un officier d’élite du renseignement américain tente d’exfiltrer un policier qui détient des informations compromettantes. Ils vont être traqués par une armée d’assassins tout au long des 22 miles les séparant de l’avion qui leur permettra de quitter le pays.

Peter Berg et Mark Wahlberg, quatrième ! Suite au succès de l’excellent Du sang et des larmes en 2014, le réalisateur et le comédien se sont ensuite retrouvés pour Deepwater (2016) et Traque à Boston (2017). Trois films inspirés d’évènements réels. Malgré deux succès d’estime dans les salles (le budget a été tout juste rentabilisé chaque fois), les deux hommes ont décidé de remettre le couvert, mais sans s’embarrasser de la mention « d’après une histoire vraie », en allant droit au but, avec 22 Miles, un pur divertissement d’action. Peter Berg, que l’on pourrait voir comme un frère de Michael Bay, un disciple en quelque sorte, privilégie le « réalisme » au détriment des effets visuels et des prises de vues multiples sur fonds verts. Son cinéma est brut, explosif, la chair y sent souvent le cochon grillé dans le sens où les acteurs jouent alors devant de véritables explosions et sont souvent dirigés comme des soldats. Les films de Peter Berg sont parcourus d’un patriotisme qui laisse très peu de place à l’humour, ce qui fait à la fois sa force (il s’en dégage un caractère très prononcé) et aussi son point faible (on rit souvent même si ce n’est pas volontaire). 22 Miles n’est certes pas la meilleure collaboration Berg/Wahlberg, mais confirme l’indéniable talent d’un metteur en scène qui n’a de cesse d’approfondir ses recherches formelles et qui le placent en digne héritier de Tony Scott.

James Silva est un homme très intelligent mais aux nombreux troubles émotionnels et comportementaux. Il est malgré tout devenu un agent expert et officier d’élite du renseignement américain, œuvrant principalement pour la CIA. Avec son équipe « Overwatch », il participe à une mission pour neutraliser des agents russes du FSB opérant sur le sol américain. La mission se solde par la perte d’un agent américain et par l’assassinat de tous les Russes présents. Seize mois plus tard, à Indocarr (pays du sud-est asiatique), James et son équipe sont chargés d’exfiltrer Li Noor, un officier de la police locale qui détient des informations sur l’emplacement de quantités de césium 137. Ils doivent parcourir les 22 miles qui les séparent de l’aéroport, où un avion américain les attendra à une heure précise et seulement quelques minutes. Très vite, ils se retrouvent à affronter de multiples assassins locaux qui tentent par tous les moyens de neutraliser Li Noor.

Acteur passé à la mise en scène en 1998 avec le désormais culte Very bad Things, Peter Berg a bénéficié en 2008 d’un succès planétaire, Hancock, avec Will Smith et Charlize Theron. Ce triomphe commercial lui aura permis ensuite de faire joujou à la bataille navale en vraie avec son Battleship, qui s’est quelque peu planté au box-office. Depuis, le réalisateur a préféré revenir à une veine plus réaliste, en ne cessant d’affiner son style et une méthode qui lui sont propres. Les œuvres de Peter Berg, qui a accéléré la cadence à raison d’un film par an depuis Deepwater, rappellent et fleurent bon le cinéma des années 1990 et début 2000. Avec 22 Miles, on pense à Ennemi d’État (1999) et Man on fire (2004) de Tony Scott, références évidentes dans la forme avec un montage très cut, mais néanmoins lisible (c’est ce qui le différencie de Michael Bay sur ce point), mais également sur le fond avec une certaine paranoïa qui a de nouveau gangrené le cinéma américain comme dans les années 1970, depuis l’effondrement du World Trade Center. Au-delà de sa condition d’artiste, Peter Berg est un homme qui a confiance dans les hommes qui servent son pays, mais aussi dans les héros de tous les jours. L’héroïsme, le patriotisme, les guns, la violence, le feu et le sang parcourent tous les films du cinéaste. 22 Miles ne fait pas exception à la règle.

Comme un James Bond, que Peter Berg rêve visiblement de mettre en scène, 22 Miles démarre par une séquence pré-générique percutante, du moins après les 90 secondes de logos de production. La tension monte jusqu’au carnage attendu. Les credits permettent d’en savoir plus sur la psychologie perturbée du personnage principal interprété par Mark Wahlberg, qui rappelle celui campé par Ben Affleck dans le très bon Mr Wolff de Gavin O’Connor. Malheureusement, ce dernier en fait des caisses, d’ailleurs les personnages le voient comme un « bipolaire, maniaco-dépressif, narcissique, dissociatif, bref, un connard ». Jamais les spectateurs ne parviennent à trouver un point d’ancrage nécessaire pour ressentir un petit peu d’empathie pour lui. Transparent, en totale roue libre, l’acteur signe une des pires prestations de sa carrière, qui en compte déjà un bon paquet. Il faut donc regarder à ses côtés. Lauren Cohan (The Walking Dead) est bad-ass à souhait et porte littéralement le film sur ses belles épaules en compagnie de l’incroyable Iko Uwais. L’acteur et artiste martial indonésien révélé en 2011 dans The Raid de Gareth Evans peut se targuer d’avoir les meilleures scènes de 22 Miles. Peter Berg ne s’en cache pas et soigne chacune de ses scènes d’action, très impressionnantes, avec des corps-à-corps particulièrement brutaux. Ajoutez à cela un John Malkovich moumouté (mais qui n’en reste pas moins très classe), dont le postiche demeure beaucoup plus charismatique que l’agaçante Ronda Rousey.

Le GROS problème de 22 Miles, c’est que le spectateur est obligé de se farcir quarante très longues minutes pour que l’action démarre bel et bien. Un gouffre entre le générique et l’incroyable baston d’Iko Uwais dans l’infirmerie, fait de dialogues qui n’ont aucun sens (et qu’est-ce que c’est bavard !), qui ennuient, qui lassent quand Berg essaye d’évoquer les relations familiales et autres sujets personnels de ses protagonistes. Tout cela pour montrer que les membres de cette unité paramilitaire au sein de la division des activités spéciales de la CIA sont des hommes et des femmes « comme les autres ». Et puis d’un coup, tout le monde se réveille. La course contre-la-montre démarre, Peter Berg utilise les rues de Bogota (lieu de tournage, l’action est supposée se dérouler en Asie) comme un jeu de pistes et s’inspire du jeu vidéo, comme si ses personnages devaient passer d’un niveau à l’autre, pour enfin arriver sur la dernière plateforme. Le compteur tourne, les bastos s’accumulent, les explosions aussi.

Si Peter Berg en fait parfois trop en multipliant les angles de prises de vue (tournage à 3 ou 4 caméras), sans compter les drones, les écrans de contrôle, on ne pourra pas dire que le réalisateur reste les mains dans les poches. Alors certes, 22 Miles peine (euphémisme) à éveiller l’attention des spectateurs, mais quand il se décide enfin à mi-chemin à les prendre par le colbac pour l’emmener sur le terrain de la guerre, ceux-ci en ont pour leur argent. D’autant plus que l’épilogue est particulièrement culotté, loin du happy-end attendu et amorce un second volet annoncé par Berg/Wahlberg qui envisagent alors une trilogie. Mais ce ne sera pas leur prochaine association, puisqu’ils ont déjà emballé Wonderland, prévu dans les salles cette année. 22 Miles n’ayant pas tellement cartonné au cinéma, les deux hommes sont peut-être passés à autre chose. Seul l’avenir nous le dira.

LE BLU-RAY

Le test du Blu-ray de 22 Miles, disponible chez Metropolitan Vidéo, a été réalisé à partir d’un check-disc. Le menu principal est animé et musical.

Alors que Traque à Boston, également disponible en DVD et Blu-ray chez l’éditeur, comprenait plus d’1h30 de suppléments, 22 Miles doit se contenter de sept featurettes promotionnelles de 2 minutes en moyenne chacune ! Sous surveillance (1’30), Présentation d’Iko Uwais (1’40), Le combat d’Iko Uwais (1’40), Des femmes badass (1’40), La réalisation des cascades (1’50), Un style de combat moderne (1’50) et Le tournage en Colombie (3’40) sont des petits modules simples, qui enchaînent les propos de toute l’équipe, les répétitions (dont celle des scènes de combat) et les images de tournage très efficaces, placées sous le signe de l’authenticité. Le dernier segment fait penser à un spot promo pour Bogota, avec la présence de l’ancien président Juan Manuel Santos qui n’hésite pas à payer de sa personne en filmant une petite scène, caméra à l’épaule.

Un bonus caché donne également la parole à deux anciens agents de la CIA, qui en disent un peu plus sur les missions spécifiques de cette unité spéciale (1’40).

L’interactivité se clôt sur un lot de bandes-annonces.

L’Image et le son

Ce master HD (1080p, AVC) de 22 Miles ne déçoit pas et nous avons devant les yeux une nouvelle grande réussite signée Metropolitan. Le piqué et le relief sont acérés tout du long et permet d’apprécier les visages des comédiens, la clarté est de mise, le léger grain respecté, le cadre large offre un lot confondant de détails et la belle photographie de Jacques Jouffret (les trois premiers opus de la saga American Nightmare) est habilement restituée. Evidemment, la copie est d’une propreté immaculée, les contrastes sont denses, merveilleux. Les meilleures conditions techniques sont réunies et la définition est exemplaire. Le premier disque démo de l’année 2019. Dommage de ne pas bénéficier d’une édition 4K !

Attention, attention, les oreilles vont saigner ! Comme pour l’image, l’éditeur a soigné le confort acoustique et livre deux mixages DTS-HD Master Audio 7.1 français et anglais, pétaradants, explosifs et frénétiques dans les quarante dernières minutes. Les scènes d’affrontements peuvent compter sur une balance impressionnante des frontales comme des latérales, avec les balles qui environnent le spectateur, à tel point que l’on pourrait sentir le souffle des explosions. Les effets annexes sont très présents et dynamiques, les voix solidement exsudées par la centrale, tandis que le caisson de basses souligne efficacement chacune des actions au moment opportun. Cette fois encore, vous pourrez utiliser ce Blu-ray pour épater la galerie avec votre installation. L’éditeur joint également les sous-titres français, destinés au public sourd et malentendant, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © Metropolitan / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

 

Test Blu-ray / La Tulipe Noire, réalisé par Christian-Jaque

LA TULIPE NOIRE réalisé par Christian-Jaque, disponible en Combo Blu-ray + DVD le 12 décembre 2018 chez TF1 Studio

Acteurs : Alain Delon, Virna Lisi, Adolfo Marsillach, Dawn Addams, Akim Tamiroff, Robert Manuel, Francis Blanche, Laura Valenzuela, Georges Rigaud…

Scénario : Paul Andréota, Christian-Jaque, Henri Jeanson d’après le roman “La Tulipe Noire” d’Alexandre Dumas père

Photographie : Henri Decaë

Musique : Gérard Calvi

Durée : 1h53

Date de sortie initiale : 1964

LE FILM

Juin 1789, quelques jours avant la prise de la Bastille, les nobles sont attaqués par un mystérieux cavalier qui signe ses exploits en laissant derrière lui une tulipe noire. Ce justicier masqué n’est autre que Julien de Saint Preux, jeune, ardent et passionné qui sacrifierait sa vie pour que triomphent ses idées de liberté…

Jeune premier dans Christine (1958) de Pierre Gaspard-Huit aux côtés de Romy Schneider, ainsi que dans Faibles femmes et Le Chemin des écoliers mis en scène par Michel Boisrond en 1959, Alain Delon explose aux yeux du monde dans Plein soleil de René Clément en 1960. Plus rien ne s’arrêtera après pour le comédien âgé seulement de 25 ans. Très vite repéré par les maîtres italiens du cinéma, Alain Delon enchaîne coup sur coup Rocco et ses frères de Luchino Visconti et L’Eclipse de Michelangelo Antonioni. En 1963, les triomphes publics de Mélodie en sous-sol d’Henri Verneuil et Le Guépard de Visconti consolident sa place convoitée au box-office et dans le coeur des spectateurs. Un autre triomphe populaire arrive pour Alain Delon en février 1964, celui de La Tulipe Noire, réalisé par Christian-Jaque. Grand champion des rediffusions télévisées, il a d’ailleurs détenu le record jusqu’en 2013, ce film de cape et d’épée – qui n’emprunte au roman éponyme d’Alexandre Dumas père que son titre – vaut autant pour le spectacle toujours garanti et d’une immense beauté plastique, que pour le jeu virevoltant d’Alain Delon dans un double-rôle.

À la veille de la Révolution française, dans le Roussillon, le chef de la police La Mouche traque son insaisissable adversaire, sans parvenir à l’arrêter. Masqué d’un ruban et surnommé “la Tulipe noire”, un jeune aristocrate s’en prend aux nobles de la région en les dépouillant de leur fortune. Lors d’une altercation avec la police, il est marqué au visage d’un coup d’épée. Ne pouvant plus assurer son anonymat, il demande à son frère jumeau Julien, son parfait sosie, de prendre le relais.

Plus d’une vingtaine de diffusions sur le petit écran, cela veut bien dire que les français restent attachés à La Tulipe Noire, l’un des rares films où Alain Delon fait réellement preuve de fantaisie, capable de se battre à l’épée avec son ennemi tout en souriant à la caméra et en attirant la magnifique Virna Lisi vers lui pour l’embrasser. Certes, le comédien n’a pas le panache d’un Jean Marais ou d’un Errol Flynn, mais il s’en sort très bien et se révèle particulièrement à l’aise dans le maniement des armes blanches, ainsi que dans les cascades. De l’autre côté de la caméra, on trouve le prolifique – 59 longs métrages à son actif de 1932 à 1977 – Christian Maudet alias Christian-Jaque (1904-1994). Sur un scénario coécrit avec le mythique Henri Jeanson, le cinéaste signe ici l’un de ses films les plus aboutis sur la forme. La Tulipe Noire est par ailleurs le premier long métrage français (une coproduction franco-italiano-espagnole en fait) tourné au format 65mm (ratio 2,20:1) et projeté en 70mm dans les salles équipées. Le cadre large et la photographie en Eastmancolor du chef opérateur Henri Decaë sont dingues de beauté, tout comme celle des costumes et des décors naturels espagnols. Qui plus est, les effets spéciaux permettant de dédoubler Alain Delon à l’écran sont incroyablement réussis pour l’époque, notamment les plans où Guillaume passe derrière Julien alors assis sur une chaise. Même si l’on imagine très bien comment cette prouesse technique a été réalisée, le résultat à l’écran est franchement bluffant.

Mais soyons honnêtes, La Tulipe Noire n’atteint jamais la réussite de Fanfan la Tulipe, autre très grand succès du même réalisateur sorti en 1952, avec Gérard Philipe dans le rôle-titre. Si les dialogues sont parfois très amusants et modernes, la légèreté d’ensemble prend le pas sur tout le reste, y compris sur la tension des scènes pourtant violentes et dramatiques. C’est le cas par exemple de la pendaison dans la dernière partie, dont on se moque ouvertement en raison de son ton décalé, alors qu’il s’agit bel et bien de la mise à mort d’un des personnages principaux ! Les séquences s’enchaînent sur un rythme soutenu, les images sont soignées, les acteurs s’amusent, Francis Blanche évidemment, mais également Alain Delon lui-même lorsqu’il campe Julien, le frère de La Tulipe Noire, avec ingéniosité, tout le contraire de Guillaume, brigand, cynique et anarchiste. Nous ne sommes pas loin de sa composition du Don Diego de la Vega efféminé dans le génial Zorro réalisé par Duccio Tessari en 1975 !

Voir Alain Delon loin de sa « crispation » habituelle vaut donc le déplacement et La Tulipe Noire a su conserver un charme pétillant, comme la composition du grand Gérard Calvi, qui traverse les années sans véritable dommage.

LE BLU-RAY

La Tulipe Noire était auparavant disponible chez René Chateau en édition double DVD. Désormais chez TF1 Studio, le film de Christian-Jaque arrive en Blu-ray. Ce combo contient l’édition HD et le DVD. Le menu principal est animé et musical.

Afin de remettre La Tulipe Noire dans son contexte et dans la carrière d’Alain Delon, TF1 Studio a fait appel à l’excellent Olivier Rajchman (journaliste, auteur de l’ouvrage Delon/Belmondo : L’Etoffe des héros, Broché, 2010) et Denise Morlot (scripte du film). Ce document de 18 minutes propose un retour complet sur la genèse de La Tulipe Noire, sur les étapes de la carrière du réalisateur, sur le scénario d’Henri Jeanson, ainsi que sur la coproduction entre la France, l’Espagne et l’Italie. La Tulipe Noire était en effet un film très cher, tourné en 70mm, nécessitant un budget conséquent pour les costumes et les décors. Le casting est passé au peigne fin, tout comme la chorégraphie des combats à l’épée et les effets spéciaux qui permettaient de dédoubler Alain Delon à l’écran.

Le module Autour de La Tulipe Noire (31’), compile les propos (enregistrés en 2004) de Michel Wyn, assistant de Christian-Jaque sur le film, et du célèbre maître d’armes et responsable des cascades Claude Carliez (disparu en 2015 à l’âge de 90 ans). Blindé d’anecdotes de tournage (y compris sur les effets spéciaux), ne manquez pas ces entretiens drôles et passionnants sur la production de La Tulipe Noire. Vous y apprendrez entre autres pourquoi Alain Delon et Francis Blanche ont été mis en prison en Espagne !

Cette section se clôt sur un descriptif exhaustif de la restauration de La Tulipe Noire par le laboratoire Ariane en ce qui concerne l’image, et L.E. Diapason pour le son (5’).

L’Image et le son

La Tulipe Noire est le premier film français tourné en 65mm selon le procédé Super panorama 70 avec la caméra MCS 70 (Modern Cinema System) sur pellicule Eastmancolor. Le négatif original était donc en 65mm à 5 perforations (le 35mm traditionnel en possède quatre) pour un format image original de 2.20. La restauration a commencé par de traditionnels travaux mécaniques, avec chaque bobine déroulée sur une table 65mm afin d’analyser les défauts physiques et de procéder aux réparations nécessaires (collures, amorces, perforations abîmées) avant le passage sur scan. Un essuyage minutieux a été réalisé sur une « essuyeuse » 65mm à ultra-sons. Cette opération permet de supprimer toutes les petites poussières physiquement déposées sur la pellicule. Les bandes courtes d’étalonnage conservées (rares pour un film de cette époque) ont permis de travailler sur la totalité des plans du film (scan, cadrage, pré-étalonnage) tout en préservant le négatif original. Le négatif 65mm a ensuite été scanné en 6,5K 16 bits, avec un étalonnage et une restauration effectués en 4K par le laboratoire Ariane. Le filtrage automatique a permis de traiter les rayures et les défauts habituels, les tâches et les éclats de gélatine, nettoyés manuellement. La restauration a ensuite été validée par Michel Wyn, assistant de Christian-Jaque. Et le moins que l’on puisse dire, c’est que le master HD de La Tulipe Noire s’inscrit parmi les plus grandes réussites de l’éditeur. Sublime dès l’introduction avec son ciel bleu lumineux, tout comme les yeux de notre cher Alain Delon, l’image laisse pantois. Le piqué est incisif, les contrastes d’une densité inédite, la texture argentique flatteuse et le rendu des matières palpable. Les gros plans sont somptueux et la profondeur de champ impressionnante.

En ce qui concerne le son, le film avait été enregistré selon le procédé Western Electric Sound System et mixé en 6 pistes, avec 5 pistes avant et une arrière. Il s’agissait à l’époque de la plus grande qualité acoustique. Les bandes matrices magnétiques originales du mixage 6 pistes étaient encore accessibles lors de cette restauration. Cependant, plus du tiers de la matière sonore contenue sur les bobines était rendu inutilisable. Les sons manquants proviennent de plusieurs copies d’exploitation 70mm dans des états de conservation divers. Les travaux ont été réalisés par L.E. Diapason. La piste DTS HD Master Audio 5.0 tente de recréer les conditions originales d’exploitation et parvient à spatialiser le spectacle concocté par Christian-Jaque et surtout le travail de son compositeur Gérard Calvi dont la partition est particulièrement endiablée. La spatialisation profite donc essentiellement à la musique, tandis que l’action reste essentiellement frontale. La piste 2.0 est tout autant dynamique avec des dialogues clairs, sans bruit de fond. L’éditeur joint également les sous-titres français destinés aux spectateurs sourds et malentendants, ainsi qu’une piste Audiodescription.

Crédits images : © TF1 Studio / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test 4K Ultra-HD / The Ryan Initiative, réalisé par Kenneth Branagh

THE RYAN INITIATIVE (Jack Ryan: Shadow Recruit) réalisé par Kenneth Branagh, disponible en édition 4K Ultra HD + Blu-ray le 5 décembre 2018 chez Paramount Pictures

Acteurs : Chris Pine, Keira Knightley, Kevin Costner, Kenneth Branagh, Lenn Kudrjawizki, Alec Utgoff, Gemma Chan…

Scénario : Adam Cozad, David Koepp d’après les personnages de Tom Clancy

Photographie : Haris Zambarloukos

Musique : Patrick Doyle

Durée : 1h45

Date de sortie initiale : 2014

LE FILM

Ancien Marine, Jack Ryan est un brillant analyste financier. Thomas Harper le recrute au sein de la CIA pour enquêter sur une organisation financière terroriste.
Cachant la nature de cette première mission à sa fiancée, Jack Ryan part à Moscou pour rencontrer l’homme d’affaires qu’il soupçonne d’être à la tête du complot.
Sur place, trahi et livré à lui-même, Ryan réalise qu’il ne peut plus faire confiance à personne. Pas même à ses proches.

Voilà plus de dix ans que Jack Ryan n’avait pas eu les honneurs du grand écran. En dépit de son bon accueil critique et de son succès commercial indéniable en 2002, La Somme de toutes les peursThe Sum of all fears de Phil Alden Robinson n’a pas donné suite et Ben Affleck n’a jamais remis le costume de Jack Ryan. Détentrice des droits des romans de Tom Clancy, la Paramount décide de remettre l’agent de la CIA sur le devant de la scène à travers un reboot de la franchise inaugurée en 1990 par John McTiernan avec A la poursuite d’Octobre Rouge et Alec Baldwin dans le rôle de l’analyste, qui a ensuite connu ses lettres de noblesse à travers Jeux de guerre (1992) et Danger immédiat (1994) de Philip Noyce, avec Harrison Ford dans le rôle de Jack Ryan. Pour interpréter le nouveau Jack Ryan au cinéma, le studio aura misé sur l’excellent Chris Pine, impeccable dans la peau du héros malgré-lui et qui apporte au personnage une grande sensibilité. Mis en scène par Kenneth Branagh, qui s’octroie également le rôle du méchant russe, The Ryan Initiative, titre « français » de Jack Ryan : Shadow Recruit, est un petit film d’espionnage très sympa, certes anecdotique, mais bien troussé et aux personnages attachants.

Jack Ryan est donc rajeuni à l’occasion de ce reboot. Dans cette optique, le prologue montre rapidement le personnage encore étudiant en économie à Londres, apprenant en direct avec ses camarades l’effondrement des tours du World Trade Center suite aux attentats revendiqués par Oussama ben Laden. Suite à cet événement, Jack Ryan laisse tomber ses études et s’engage chez les Marines. Il est envoyé en Afghanistan, où il est victime d’une attaque en hélicoptère. Rescapé in extremis après avoir sauvé ses deux compagnons, Jack Ryan, très gravement blessé est ensuite hospitalisé et subit des mois de rééducation. Il rencontre l’infirmière Cathy, dont le charme ne le laisse pas insensible, ainsi qu’un certain William Harper, qui lui propose de devenir un agent de la CIA sous couverture. Le jeune homme accepte. Dix ans plus tard, Jack Ryan travaille à New York dans le milieu boursier. En réalité, il est chargé de traquer les sources de financement du terrorisme. Lors d’un contrôle « de routine », il découvre un complot russe, mené par l’industriel Viktor Cherevin, dont le but est de détruire l’économie américaine en profitant d’une attaque terroriste d’envergure. Contre toute attente, il est lui-même chargé de se rendre à Moscou, afin d’y rencontrer personnellement Cherevin. Installé derrière son écran depuis des années, Jack Ryan est dépêché sur le terrain pour la première fois de sa vie. Il doit également trouver un alibi pour convaincre sa compagne Cathy, qui ignore sa double-vie, de son départ en « voyage d’affaires ».

Suite au triomphe de Thor en 2011, Kenneth Branagh a démontré qu’il pouvait délaisser Shakespeare – même si certains pourraient voir une dimension propre au poète chez le super-héros, écrivain et dramaturge britannique – et tenir un budget conséquent à Hollywood. Il s’acquitte fort honorablement de ce reboot consacré aux aventures de Jack Ryan. Son film n’a pas pour vocation de rivaliser avec James Bond, Jason Bourne et encore moins Ethan Hunt, mais mine de rien son personnage est beaucoup plus humain et attachant. Le metteur en scène d’Henry V (1989), Peter’s Friends (1992), Beaucoup de bruit pour rien (1993), Frankenstein (1994), Hamlet (1996), a l’air de s’amuser avec les moyens mis à sa disposition, ici un budget de 60 millions de dollars.

The Ryan Initiative n’est pas la transposition d’un roman de Tom Clancy, mais en reprend uniquement le personnage principal et ce qui l’entoure, afin de le replacer dans un contexte plus contemporain. On doit essentiellement le scénario à l’excellent David Koepp (Jurassic Park, L’Impasse) qui a su réinterpréter la psychologie de Jack Ryan pour la remettre au goût du jour. The Ryan Initiative se suit sans aucun déplaisir. Le rythme est enlevé, les rebondissements nombreux, la musique de Patrick Doyle est très bonne et Chris Pine est à son affaire. Si l’on pourra déplorer les éternelles grimaces de Keira Knightley, le couple fonctionne très bien, tout comme l’alchimie entre l’acteur principal et le grand Kevin Costner, toujours la classe, qui avait décliné le rôle de Jack Ryan pour A la poursuite d’Octobre Rouge pour se consacrer à Danse avec les loups. Quant à Kenneth Branagh, il campe un badguy à l’accent russe amusant, tout en étant capable de faire perdre tous ses moyens à son adversaire d’un simple regard.

Dommage que le montage très cut dénature les quelques séquences agitées comme l’affrontement dans la chambre d’hôtel ou lors du final. Mais peu importe, car le divertissement est assuré du début à la fin. A sa sortie, The Ryan Initiative ne rentabilise pas son budget sur le sol américain avec seulement 50 millions de dollars de recette. L’exploitation à l’étranger rattrape le coup et le film parvient finalement à engranger 135 millions de dollars au final. Cela semblait peu pour la Paramount puisqu’une suite qui avait été envisagée dans l’espoir d’une nouvelle franchise, ne verra finalement pas le jour. Il faudra attendre quatre ans pour que Jack Ryan fasse son retour, mais à la télévision, sous les traits de John Krasinski, dont la saison 2 est attendue cette année.


 

LE 4K UHD

Quatre ans après son arrivée dans les bacs en DVD et Blu-ray, The Ryan Initiative débarque dans les bacs en 4K UHD, forcément toujours chez Paramount Pictures. Cette nouvelle édition se compose de deux disques, le 4K d’un côté et le Blu-ray traditionnel de l’autre. Pour ce test, seule l’édition UHD a été envoyée par l’éditeur, galette sur laquelle nous ne trouvons que le commentaire audio. Les scènes coupées & versions longues commentées et toutes les featurettes promotionnelles se trouvent sur l’autre disque. Le menu principal est fixe sur l’excellent thème principal de Patrick Doyle.

The Ryan Initiative est un très bon divertissement. Si vous avez pensé la même chose du film, alors prolongez ce petit plaisir en écoutant le commentaire audio de Kenneth Branagh, accompagné du producteur Lorenzo di Bonaventura. Ce dernier, grand manitou de la franchise Transformers et du diptyque G.I. Joe, est visiblement fier du résultat et complice avec le réalisateur. Les deux hommes instaurent un vrai dialogue autour de Jack Ryan et de son univers. Kenneth Branagh évoque ses intentions et partis pris, mais aussi le travail des comédiens, les lieux de tournage (Londres et sa périphérie en guise de Russie), la rigueur du scénario et bien d’autres éléments qui font de ce commentaire un excellent moment, à la fois divertissant et informatif.

L’Image et le son

The Ryan Initative est un des films les plus récents du catalogue Paramount. Pas étonnant que son apparition en 4K UHD surpasse en tout point le Blu-ray édité en 2014. Ce qui éblouit ici ce sont les couleurs avec de splendides couchers de soleil, le reflet des parois vitrées, la profondeur de champ (superbe cadre large), jusqu’au regard scintillant de Chris Pine et les points noirs sur le nez de Keira Knightley. Tourné « à l’ancienne » en 35mm, le grain argentique est présent, fin, très élégant. Les contrastes affichent une solidité jamais démentie, la luminosité des scènes diurnes, notamment la partie new-yorkaise, est assez dingue, tout comme les plans dans les montagnes d’Afghanistan ou les quelques vues d’ensemble sur Londres et Moscou. Les détails foisonnent, la texture des vêtements se fait palpable, le piqué est aiguisé comme la lame d’un scalpel.

Doit-on parler de la piste française Dolby Digital 5.1 ? Qui plus est sur une galette 4K UHD ? Non, certainement pas, d’autant plus quand on trouve en face d’elle une version originale DTS-HD Master Audio 7.1 ! Alors, aux oubliettes la langue de Molière avec son mixage obsolète et place au grand spectacle acoustique ! Et de ce point de vue nous sommes gâtés avec quelques séquences agitées, comme la poursuite dans les rues de Moscou, ou bien la scène finale à New-York. Les dialogues sont imposants, les latérales créent une spatialisation digne de nom, les basses sont percutantes (l’explosion en Afghanistan) et les latérales rivalisent d’effets.

Crédits images : © Paramount Pictures France / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr

Test 4K Ultra-HD / G.I. Joe : Le Réveil du Cobra, réalisé par Stephen Sommers

G.I. Joe : LE RÉVEIL DU COBRA (G.I. Joe: The Rise of Cobra) réalisé par Stephen Sommers, disponible en édition 4K Ultra HD + Blu-ray le 5 décembre 2018 chez Paramount Pictures

Acteurs : Channing Tatum, Dennis Quaid, Sienna Miller, Marlon Waynes, Saïd Taghmaoui, Adewale Akinnuoye-Agbaje, Jonathan Pryce, Christopher Eccleston…

Scénario : Stuart Beattie, David Elliot, Paul Lovett d’après les jouets de Hasbro

Photographie : Mitchell Amundsen

Musique : Alan Silvestri

Durée : 1h58

Date de sortie initiale : 2009

LE FILM

Des montagnes de l’Asie centrale aux déserts d’Egypte, des rues de Paris au pôle Nord, les agents de l’équipe d’élite connue sous le nom de G.I. Joe mènent une lutte acharnée contre un ennemi redoutable. Disposant des toutes dernières technologies en matière de renseignement et de matériel militaire, ils combattent le puissant marchand d’armes Destro et la mystérieuse organisation terroriste nommée Cobra, qui cherchent à plonger le monde dans le chaos…

Portées par le milliard de dollars remporté au box-office par le premier Transformers de Michael Bay, la compagnie de jouets et de jeux pour enfants Hasbro et la Paramount décident en 2009 de sortir d’autres joujoux du placard en les animant avec de vrais acteurs, les célèbres G.I. Joe. Résultat des courses et malgré les critiques désastreuses, plus de 300 millions de dollars récoltés. Qu’en reste-t-il dix ans après ? A peu près la même chose. G.I. Joe : Le Réveil du CobraG.I. Joe: The Rise of Cobra reste un bon nanar de luxe au budget conséquent de 175 millions de dollars, interprété par des comédiens qui ont l’air de se demander constamment ce qu’ils foutent là et mis en en scène par un Stephen Sommers sous substances. Fort sympathique, extrêmement généreux, mais aussi lobotomisant, laid et interminable, G.I. Joe : Le Réveil du Cobra est un mauvais film attachant.

Alors que des soldats d’élite transportent une arme révolutionnaire mise au point par la société M.A.R.S. (Military Armaments Research Syndicate), leur convoi est attaqué par une force militaire inconnue menée par la Baronne. Grâce à l’intervention d’une unité de G.I. Joe, les soldats terroristes doivent s’enfuir sans pouvoir mettre la main sur l’arme. Du convoi de soldats, il ne reste que Ripcord et Duke. Ripcord et Duke sont amenés, avec l’arme, à la base des G.I. Joe dirigée par le général Hawk. Ils y subissent un entraînement poussé qui en fera des super soldats, des G.I. Joe. Plus tard, la base est attaquée par la même force militaire inconnue, laquelle s’emparera cette fois-ci de l’arme révolutionnaire, des ogives chargées de nanorobots destructeurs. Cependant, les G.I. Joe déterminent que les ogives seront activées à Paris. Ils s’y rendent pour mettre fin à la menace terroriste qui plane sur la ville.

Hollywood souhaite s’amuser et au passage engranger un maximum de billets verts, en profitant de l’engouement des spectateurs pour les figurines articulées en plastique qui prennent vie au cinéma. Créé en 1964 d’après une bande dessinée des années 1940, G.I. Joe a tout pour plaire aux américains avec ces soldats armés jusqu’aux dents. A ce titre, Channing Tatum, encore dans sa période Sexy Dance, était l’incarnation idéale du soldat en plastoc avec son charisme bovin, ses traits lisses, ses expressions figées, sa carrure imposante et son aisance à manipuler les armes. Le vétéran Dennis Quaid se la pète dans son treillis trop large avec une joie non dissimulée en se la jouant premier degré, Marlon Wayans vient faire le pitre et remplir le quota-black. Véritable festival de tronches et défilé de comédiens de talents, on compte également les participations de Jonathan Pryce, Christopher Eccleston (qui en fait des caisses), Joseph Gordon-Levitt, Arnold – Imhotep -Vosloo, Lee Byung-hunn, Ray Park (le plus charismatique de tous, même si son visage reste masqué du début à la fin), sans oublier les français Saïd Taghmaoui, Grégory Fitoussi et Jacques Frantz, ainsi qu’un caméo de Brendan Fraser, qui vient faire un petit coucou au réalisateur des deux premiers opus de La Momie. La gent masculine se souvient surtout des superbes Sienna Miller et Rachel Nichols, moulées dans une combinaison en cuir bien trop serrée pour être crédibles durant les affrontements musclés. Mais peu importe, les yeux sont flattés par ces décolletés et ces moues sexy. De son côté, Alan Silvestri n’est pas dupe et saupoudre tout ça d’une grosse musique patriotique teintée d’ironie, à la limite de la parodie.

Nous ne sommes pas ici dans le drame psychologique et Stephen Sommers ne s’en cache pas. Toutefois, les amateurs de spectacles bourrins en auront pour leur compte car le cinéaste, également responsable du nanar Van Helsing avec Hugh Jackman, enchaîne les séquences explosives durant deux longues heures, laissant tout juste le temps à deux personnages de faire un lien entre deux événements pour ensuite passer à la scène d’action suivante. Effets spéciaux numérique à foison, combats musclés, héros téméraires, méchants impitoyables aux costumes ridicules (mélange de Star Wars et de James Bond période Roger Moore), répliques tordantes, le spectacle régressif est assuré et d’ailleurs assumé. Mention spéciale au chapitre parisien (essentiellement tourné à Prague c’est vrai…), le GROS morceau de bravoure de G.I. Joe : Le Réveil du Cobra, une course-poursuite aussi effrénée qu’incroyable, fun (la Tour Eiffel en prend pour son grade) et décomplexée (plus de 110 voitures détruites, un record à l’époque), que l’on peut voir et revoir en boucle sans jamais se lasser.

Malgré son grand succès commercial, il faudra attendre quatre ans pour voir une suite débouler sur les écrans et surtout pour que les scénaristes revoient leur copie. G.I. Joe : Conspiration mis en scène par un certain John M. Chu, réalisateur de Sexy Dance 2, Sexy Dance 3D, Justin Bieber : Never Say Never se permettra même de surpasser le premier volet en confiant le rôle principal à Dwayne Johnson, nouveau venu qui s’imposait sans mal dans cet univers de gros calibres, de véhicules blindés et gadgets technologiques en tous genres. G.I. Joe était fait pour lui.

LE 4K UHD

Neuf ans après sa sortie en Blu-ray, G.I. Joe : Le Réveil du Cobra revient dans les bacs, cette fois en 4K Ultra-HD. Cette nouvelle édition se compose de deux disques, le 4K d’un côté et le Blu-ray traditionnel de l’autre. Pour ce test, seule l’édition UHD a été envoyée par l’éditeur, galette sur laquelle nous ne trouvons que le commentaire audio. Le making of et la featurette sur les effets visuels se trouvent sur l’autre disque. Le menu principal est fixe et musical.

Si vous avez passé un bon moment devant G.I. Joe : Le Réveil du Cobra, n’hésitez pas à passer deux heures en compagnie du réalisateur Stephen Sommers et du producteur Bob Ducsay. Les deux hommes se connaissent depuis toujours et cela s’entend. Bob Ducsay est en effet le monteur des films de Stephen Sommers depuis son premier long métrage Catch me if you can réalisé en 1989. Au fil de ce commentaire, les deux complices sont certes fiers du résultat à l’écran, mais savent également ce qu’ils ont livré aux spectateurs avides de spectacles décérébrés. Les anecdotes liées au tournage s’enchaînent, tout comme sur la façon dont les jouets ont pris vie devant la caméra. On sent que Stephen Sommers et Bob Ducsay ne peuvent évidemment pas tout raconter, quelques propos sont par exemple tenus sur le ton de la blague alors qu’on imagine volontiers que cela ne devait pas souvent rigoler sur une production de 175 millions de dollars dont la genèse et le tournage ont été quelque peu « houleux ».

L’Image et le son

C’est de plus en plus en rare donc nous tenons à le souligner, G.I. Joe : Le Réveil du Cobra est un blockbuster qui a été tourné en 35 mm et cela se voit. Le grain argentique est très élégant, flatteur pour les mirettes et la texture demeure palpable tout du long. La colorimétrie est vive voire étincelante, le relief omniprésent, les contrastes fermes, la clarté aveuglante, le piqué acéré y compris sur les scènes plus sombres (noirs très profonds), à l’instar du premier assaut en ouverture. Les détails ne sont pas en reste et fourmillent aux quatre coins du cadre large 2.40, sur les innombrables décors mais aussi sur les costumes que l’on peut analyser sous toutes leurs coutures. N’oublions pas la constante profondeur de champ, qui double le plaisir lors de la fameuse séquence de la poursuite dans les rues de Paris. L’upgrade 4K est omniprésent par rapport au Blu-ray dispo sur le marché depuis presque déjà dix ans. Mais cette promo UHD – HDR 10 fait ressortir le côté artificiel de nombreux effets spéciaux numériques, notamment sur les véhicules divers et variés, ainsi que la base sous-marine. Les détails sont multipliés, surtout sur les arrière-plans, tandis que la carnation semble plus naturelle.

On pouvait s’attendre à mieux puisque concernant la version originale, Paramount ne livre « qu’une » DTS-HD Master Audio 5.1. Pas de véritable « artillerie lourde », entendez par là pas de Dolby Atmos ou de DTS-X, même si nous vous déconseillons de visionner ce film tard le soir au risque de vous faire arrêter pour tapage nocturne. En effet, dès l’apparition des étoiles du logo Paramount, les latérales distillent des effets latéraux qui ne s’arrêteront jamais. Le caisson de basses démarre et se déplace presque tout seul sur le plancher, la musique d’Alan Silvestri explose, c’est parti pour une succession de déflagrations, de bastons et de fusillades. A côté, la piste française fait pâle figure avec son petit encodage Dolby Digital 5.1, même si elle conviendra aux allergiques à la version originale, avec son ouverture sympatoche des enceintes frontales, des arrières qui assurent et son doublage honteux mais rigolo. Un film « d’auteur » hollywoodien qui rend sourd et qui anesthésie, mais qu’on aime bien !

Crédits images : © Paramount Pictures France / Captures Blu-ray : Franck Brissard pour Homepopcorn.fr